Agustí Fernández - Camallera

Músico: Agustí Fernández (piano y piano preparado)

Composiciones: Solar 15:23, Topos 10:30, Aurora 7:58, Zentral 7:50, Al-Sirul 13:49, Memòria 12:16
Por Agustí Fernández
Grabado en directo en la Nau Côclea de Camallera (Gerona) el 6 de septiembre de 2003. Editado en 2005.
G3G Records - Sirulita. G3 AF1
http://www.agustifernandez.com http://www.g33grecords.com

Comentarios:

Joaquín Villaverde: Una idea digna del famoso libro Guiness: estar improvisando al piano desde la salida del sol hasta que se pone. Todo un día tocando el piano, a priori da la impresión de recoger el testigo de las obras de Cage o Feldman, donde el tiempo parece que se congela y llegan a duraciones extremas. También parece influenciada la idea y los momentos más tranquilos del disco por las improvisaciones al piano en solitario de Keith Jarrett.

Quince horas dan para tocar mucho tiempo, y como reflejo de ello, nos encontramos con un disco muy variado, desde temas centrados en el piano preparado donde las sonoridades más percusivas toman protagonismo, a temas más experimentales donde el piano parece que susurra. Existen también ciertos momentos donde Agustí Fernández se muestra mucho más melódico, así el tercer tema, "Aurora", marca el punto algido del disco.

En definitiva todas las posibilidades del piano en un intenso disco que es uno de los mejores editados hasta la fecha por Agustí Fernandez, y en la faceta, piano en solitario, que hasta ahora, bajo mi opinión, brilla más.

joaquin villaverde

Diego Sánchez Cascado: Agustí Fernández dedicó 15 horas del 6 de septiembre de 2003 a improvisar al piano en la Nau Côclea de Camallera (Gerona). Desde el alba hasta el amanecer, Agustí exploró una multitud de sonoridades del instrumento, siguió carreteras por él conocidas pero también se adentró por senderos inexplorados, se detuvo en encrucijadas, se impuso una dirección o se dejó llevar.

De ese tour de force el músico ha seleccionado 68 minutos servidos en un cd con una presentación modélica, digna del valor de la música que contiene.

En “Camallera”, cada pieza parece tener un enfoque diferente, se adentra en un aspecto determinado del piano, entendido éste como un meta-instrumento que abarca desde el sonido “tradicional clásico” a diversas muestras de piano preparado, pasando por el piano como instrumento de cuerda y, cómo no, como esas “88 percusiones afinadas” que describía Cecil Taylor.

El planteamiento no es nuevo, ni en la obra de Agustí ni en muchos otros pianistas. Pero mientras que otros caen en la trampa de realizar una investigación sonora que se queda en mero despliegue de las posibilidades del instrumento y del instrumentista, Agustí trasciende ese aspecto para convertirlo en una muestra musical de gran belleza.

Porque “Camallera” contiene, ante todo, música hermosa, de una gran fuerza lírica, un lirismo entendido como un estremecimiento que sacude al oyente del cerebro a los dedos de los pies, pasando por el corazón, las manos, el hígado y el vientre. Y cada escucha del disco se convierte en un viaje a territorios fascinantes, siempre cambiantes, siempre distintos.

Diego Sánchez Cascado

David Liebman / Ellery Eskelin - Different but the same

Músicos: David Liebman (saxo tenor), Ellery Eskelin (saxo tenor), Tony Marino (contrabajo), Jim Black (batería)

Composiciones: Tie Those Laces (D.Liebman) 6:46, Gnid (Tadd Dameron) 7:24, You Call It (E.Eskelin) 7:47, Different But The Same (D.Liebman) 6:47, What is This Thing: Subsconcious-Lee (Lee Konitz) - Hot House (Tadd Dameron) - What Is This Thing Called Love (Cole Porter) 5:44, How Do I Know (E.Eskelin) 6:03, Vonetta (Wayne Shorter) 7:41, The Gun Wars (D.Liebman) 10:10
Grabado el 30 de mayo de 2004 en Systems Two, New York, N.Y., USA. Editado en 2005.
hatOLOGY 612. http://www.hathut.com

Comentario: Este es probablemente uno de los mejores discos que se editarán este año. Tiene todo aquello que se le puede pedir: a veces es clásico y otras arriesgado, dando desde luego lo mejor de sus colíderes. El cuarteto está formado por dos de los mejores saxofonistas de la actualidad: Ellery Eskelin y David Liebman. Cada uno de ellos aporta de entre sus escuderos un miembro al grupo. El gran Jim Black por parte de Eskelin, y Tony Marino, de los grupos habituales de Liebman.

Todo es feliz en esta unión. Desde la excelente elección de standards, con clásicos inspirados por los alumnos de Tristano, Tadd Dameron o Wayne Shorter, hasta los temas propios, que suponen el acercamiento de cada uno de los líderes al mundo del otro.

Es tanta la integración que como dice el propio Liebman en el libreto es difícil discernir quien está detrás de cada saxofón, salvados en este caso por la identificación de canales.

En muchas ocasiones a este tipo de encuentros o les falta algo o les sobra pedazos de ego; pero si los resultados alcanzan este nivel, bienvenidos sean.

joaquin villaverde

Charles Lloyd – Jumping The Creek

Músicos: Charles Lloyd (saxo alto y tenor, flauta), Geri Allen (piano), Robert Hurst (bajo) y Eric Harland (batería)
Grabado en Enero de 2004 en Los Angeles.
ECM 1911 982 4130 http://www.ecmrecords.com Distribuído por Nuevos Medios

Comentario: En los últimos años estamos asistiendo a la parición de un gran número de grabaciones por parte de uno de los saxofonistas más interesantes a nivel musical. El sello discográfico ECM esta permitiendo a Charles Lloyd publicar trabajos de gran calidad musical e interpretativa, con diversas formaciones o músicos y que permiten a los aficionados la posibilidad de disfrutar de uno de los saxos tenores más expresionistas que existen en el panorama jazzístico actual.
Este último trabajo para ECM, presenta aspectos interesantes en relación con la concepción musical del mismo y en concreto por la participación de Charles Lloyd en el desarrollo final del proyecto. Lloyd de una forma premeditada (a pesar de ser el líder de la grabación), no acapara el protagonismo en el mismo, sino que son las diversas formaciones que se dan a lo largo de los temas, en cuarteto, en trío o en dúo, lo que hace interesante la escucha del trabajo. Ello conlleva que el grupo que acompaña al saxofonista disponga de espacio, no sólo para desarrollar los solos que despliega cada músico, sino que permiten al trío de piano, bajo y batería, conformarse como una unidad con vida propia, para aportar momentos de gran interacción y compenetración, lo que en consecuencia da como resultado un excelente nivel de empatía, con el fin último de obtener un sonido colectivo de excelente calidad. Esta circunstancia la podemos observar en el título que da nombre al trabajo “Jumping the Creek” y muy especialmente en la suite “Georgia Bright Suite”, en donde se aprecia a una Geri Allen en estupenda forma y en un mismo plano se encuentran sus compañeros Robert Hurst y Eric Harland.
Es en esta libertad otorgada por Lloyd a su sección rítmica, lo que bien vale la escucha de esta grabación, aunque el resultado final de la misma peca de una falta de definición en algunos temas. Por el contrario, el saxo de Charles Lloyd se nos presenta muy expresivo a lo largo de todo el trabajo (típico de este músico), con un gran afán por en una búsqueda sonora muy concreta, gracias a un fraseo un tanto irregular y que se enfatiza en la utilización de notas agudas. La interacción del saxo tenor con el de la sección rítmica es muy brillante en ciertos temas como la excelente versión de “Ne Me Quite Pas” de Jacques Brel.
En resumen, un trabajo de gran interés, con momentos brillantes pero con ciertas lagunas musicales, que no impedirán por ello una atractiva escucha al aficionado. Mención especial merece la aportación de la pianista Geri Allen (esposa en la actualidad de Wallace Roney), para aquellos que no la conozcan en exceso.

Juan Carlos Abelenda.

Sirone Bang Ensemble – Configuration

Editado por Silkheart http://www.silkheart.se distribuído por http://www.distrijazz.com

Comentario: Silkheart puede presumir de dar un lugar destacado en sus discos a los baterías de las vanguardias del jazz y de la música improvisada afín. De hecho, son muchos los proyectos con grandes baterías los publicados por este sello sueco, entre los que destacan Alvin Fielder, Andrew Cyrille, Denis Charles, Reggie Nicholson, Marc Edwards, Avreeayl Ra, Michael Wimberly, Susie Ibarra y Kahil El Zabar, entre otros. Siguiendo ese interés por la actividad de los hombres de los parches y los platos, la más reciente edición de Silkheart, además de liderada por dos de los más influyentes veteranos de esta tipología musical, el contrabajista Sirone y el violinista Billy Bang, acompañados por Charles Gayle, presenta a un joven batería de Nueva Jersey, que a los 22 años está dando que hablar en un medio musical en el que el nivel de exigencia técnica es muy elevado. Es el caso de Tayshawn Sorey, el regordete que tocó el pasado 12 de marzo en CCB, integrando el proyecto Nomad de Dave Douglas en sustitución de Dylan van der Schyff.

Esta referencia viene a propósito de la participación notable que el muchacho muestra en el nuevo cuarteto de Sirone y Billy Bang, el Sirone Bang Ensemble que se manifiesta en la actividad de estimular la creatividad de los dos vejetes, insuflando a la música (y contagiando a los músicos) una frescura y una vitalidad impresionantes.

“Configuration” se grabó en directo en el club CBGB la noche del 24 de noviembre de 2004. De los créditos, firmados por cada uno de los participantes, podría suponerse, al tratarse de una sesión free, de ser de
un estilo tórrido y salvaje. Nada más equivocado, sin embargo. “Configuration” es una fotografía sonora de un concierto musicalmente sobrio y relativamente
tranquilo, en un tempo medio-lento. Quiere decir que es apacible en la medida en que lo puede ser un evento en el que interviene Charles Gayle que, en este caso concreto, ¡se estrena en disco tocando el saxo alto!

El hecho de que el sonido tienda hacia el lado más suave del free jazz se debe en parte sucede porque el cuarteto trabaja principalmente sobre composiciones escritas, tres de Sirone y tres de Billy Bang, y de que los músicos se concentran en la improvisación dentro de los límites de la exposición temática, que procuran cumplir con rigor. Por ejemplo en el tema que abre el disco, “Jupiter's Future”, tras una breve exposición de la línea melódica compuesta por Billy Bang, los músicos realizan su presentación musical, ejecutando los solos a la vez. Comienza Tayshawn Sorey, que durante los minutos iniciales muestra el camino que se ha de seguir. Se repite el tema, una secuencia de ocho notas y variaciones. Le sigue el tenor de Charles Gayle en el mismo tono relajado y no abrasivo; Billy Bang subraya algunos pasajes y deja a Gayle tocar a voluntad hasta que llega el turno de un diálogo entre Bang y Sirone. Es este último quien cierra la secuencia, puesto que el Ensemble retoma el hilo para concluir con la melodía inicial.

Sorprendentemente, cuando se espera que el disco continúe dentro de este tipo de formato, el Ensemble ataca el segundo tema, “Freedom Flexibility”, con un estilo hard-bop que recuerda a los Jazz Messengers de Art Blakey. Sería hard-bop típico sino fuera por la capacidad de los músicos de entrar, permanecer y salirse de los acordes escritos por Billy Bang. “We Are Not Alone, But We Are a Few”, compuesto por Sirone, es el tema más contemplativo de todos, con un ritmo lento y un amplio espacio para que el cuarteto se explaye. Las cuerdas tienen el papel más destacado. Tras la introducción, en la que Charles Gayle se queda observando cómo evolucionan los acontecimientos, el saxofonista entra en juego, acentuando el lado más emocional, aquel que evoca el trabajo del Revolutionary Ensemble, el trío de Leroy Jenkins, Sirone y Jerome Cooper.

“I Remember Ayler”, además de las obvias conexiones espirituales y formales con la música de Albert Ayler, recupera el tempo medio inicial y es, naturalmente, el momento de esplendor de Charles Gayle, que está como en su casa con su sonido rudo y áspero, contenido dentro de los límites en los que
le confina la escritura de Sirone. El contrabajista ofrece el segundo pasaje del tema al violín de Bang. “Notre Dame de La Garde” recuerda las aventuras del Revolutionary Ensemble, de “Psyché” por ejemplo, patente en los aspectos de mayor melancolía e introspección, donde la creatividad de Billy Bang se muestra más evidente, en especial durante un bonito dúo con Charles Gayle.

Para cerrar la hora de concierto, “Configuration”, el tema que da título al disco tiene un ritmo funk marcado por el toque poderoso de Tayshawn Sorey. El batería vuelve a dirigir las operaciones y a llevar al veterano trío hacia las alturas, de donde desciende tranquilamente, hasta que la música se desvanece en medio de los aplausos. Una gran noche y un gran disco. Ayer pasé por Trem Azul y compré un ejemplar. Quedaban otros dos a la espera de alguien a quien le guste el Jazz.

Eduardo Chagas Publicada en Portugués originalmente en http://jazzearredores.blogspot.com/

Nguyên Lê - Walking on the Tiger´s Tail

Músicos: Nguyên Lê (guitarras y guitarras electroacústicas), Art Lande (piano), Paul McCandeless (saxos tenor, soprano & sopranito, oboe y otros instrumentos).
Grabado en Octubre y Noviembre de 2004
ACT, 9432-2 http://www.actmusic.com/ Distribuído por Karonte

Comentario: Estupendo se puede calificar el más reciente proyecto del guitarrista vietnamita Nguyên Lê. Tal y como nos tiene acostumbrados con sus trabajos, cada propuesta del guitarrista supone un confluencia tanto de culturas como de estilos musicales. Cada empresa de Nguyên Lê supone la “fusión” (en el sentido más amplio del término) entre las raíces propias del músico (asiáticas), la cultura europea y la concepción anglosajona, que a nivel musical se refleja en la conjunción de estilos entre la Word Music, el jazz o el rock. Esta amalgama de estilos ha provocado en Nguyên Lê, un universo musical personal y hasta cierto punto inclasificable, pero que hace siempre interesante su escucha.
Para el presente compacto, Nguyên Lê se ha rodeado de algunos de los mejores músicos más originales y eclécticos de la escena musical, en concreto el pianista americano Art Lande (quien su paso por el sello ECM le proporcionó las más altas cotas de reconocimiento) y el multiinstrumentista Paul McCandless (especialmente conocido por su adscripción al grupo Oregón y a la banda de Paul Winter, el Winter Consort), todos ellos acompañados por el batería Jamey Haddad.
La música desplegada por el cuarteto (sin la participación de bajista), circunstancia esta que es buscada de forma expresa por el guitarrista, con la intención de hacer que cada músico adopte el rol del bajo en sus propias interpretaciones, conlleva una música con diversos discursos musicales y por ello rica en matices. Nguyên Lê se vale tanto de las aportaciones de Art Lande como de Paul McCandless, con el fin de buscar la complicidad en la búsqueda de un lirismo sonoro relajante en muchos temas (como por ejemplo en “Butterfly Dream” o “Bee”), o por el contrario, inquietudes y confrontaciones entre los músicos, y en donde la guitarra es capaz de extraer los sonidos más apasionados y profundos, o en lado más opuesto, texturas y ambientes eléctricos, todo ello perfectamente matizado en pos de una perfecta conjunción musical entre todos los integrantes, para dar como fin ultimo un diálogo equilibrado y en donde el protagonista final del proyecto es la música.
La guitarra de Nguyên Lê, sabe buscar a la perfección el equilibrio entre los momentos más tranquilos y los más provocadores, para confeccionar un lenguaje variado y muy ecléctico que hace del presente cedé, un trabajo que debe de ser escuchado con calma y de forma reiterada, para poder apreciar y disfrutar la enorme paleta sonora que despliega a lo largo del mismo.

Juan Carlos Abelenda.

Anthony Braxton - Ninetet (Yoshi's) 1997 Vol 3 LE-420/421-2CD

Leo Records distribuído por http://www.distrijazz.com

Comentario: Poco a poco van apareciendo los distintos discos que se grabaron en el Yoshi's por Anthony Braxton. Anunciados en primer lugar como caja dentro de su sello Braxton House, imagino que el fracaso (o congelación) del sello, llevó a la venta de los masters a Leo Records, que va poco a poco editando el material. Este es el tercer doble disco que ha aparecido de un total de doce anunciados. Como Braxton se ha convertido en uno de los músicos más editados por Leo Records es de esperar que en breve se puedan ver editados el resto de discos anunciados.

En fin, que ocho años después de ser grabadas aparecen estas sesiones, que ven a Braxton inmerso dentro de la Ghost Trance Music. Aquí no hay concesiones como en obras más recientes que combinan la ghost trance music con composiones superpuestas. En los últimos años Braxton se ha rodeado de un amplio grupo de músicos que participan en sus formaciones de manera intermitente y aquí estan casí todos. La formación es de autentico lujo. Han pasado los años y todos ellos han pasado a engrosar la lista de los mejores músicos de la actualidad. Desde un apasionante Kevin Norton, o las primeras apariciones de Kevin O'Neil y unos vientos en los que cada uno tiene su propia personalidad. Una pena que el libreto no sea un poco más explícito en cuanto al orden de los solos. Por cierto, el libreto es muy interesante como una especie de diario en torno al disco desde que se le pide la reseña hasta que la entrega.

Un disco recomendable. Como toda la GTM, es música infinita.

joaquin villaverde

Lacy, Steve & Joëlle Léandre - One More Time

Leo Records LE-422-CD
http://www.leorecords.com Distribuído por http://www.distrijazz.com

Comentario: Steve Lacy forma parte de esos músicos que tienen una cantidad de discos asombrosa a su nombre, la mayor parte de ellos grabados en un periodo muy corto de tiempo. Mientras estuvo con Hatology se editaron decenas de grabaciones en distintas combinaciones, para a mediados de los años 90 irse poco a poco haciendo cada vez menos habituales, hasta su muerte el año pasado.

Ahora con su fallecimiento es lógico que vayan apareciendo nuevas ediciones. Para despedirse de Europa Lacy programó una serie de conciertos en Bélgica con distintas formaciones, siendo una de las más atractivas el dúo con la estupenda contrabajista francesa Joëlle Leandre.

A priori no son músicos con grandes puntos en común, ya que Lacy es un saxofonista muy limpio que crea e improvisa en torno a lineas melódicas, mientras que Léandre está mucho más comoda dentro de terrenos que caen más dentro de la improvisación libre y la música contemporánea europea. A pesar de eso, el dúo funciona muy bien. Se encuentran y tienen un camino común. Curioso como mínimo el comienzo del tercer tema que combina las repeticiones vocales de Lacy con las estridencias vocales de la Leandre. Como punto negativo el ruido de ambiente donde está grabado el concierto: el carácter intimista de la música merecía mejor suerte.

Como final de disco, una llamada de Lacy a Leandre, imagino grabada en un contestador, en la que se interesa por el estado de salud de Léandre (quien recientemente ha tenido un infarto), cosas que tiene la vida. Como apéndice recomendar un enlace que contiene fotos del concierto (http://doggybag1.chez.tiscali.fr/small/indexLeandreLacy.htm)

joaquin villaverde

Gerardo Gandini - Postangos en vivo en Rosario

Músico: Gerando Gandini (piano)

Composiciones: Los Mareados (Cadicamo / Cobián) La Cumparsita (Matos Rodríguez / José M. Contursi / E.P. Maroni) La casita de mis viejos (Cadicamo /Cobián) Tema de La Nube (G.Gandini) Chau París (Astor Piazzolla) Gardel x 4: Soledad (Gardel) Volvió una noche (Gardel) El día que me quieras (Gardel / La Pera) Por una cabeza (Gardel / La Pera)
Bonus Tracks: Improvisaciones I: Piano a cuatro manos junto a Manolo Juárez - Improvisaciones II: Piano a cuatro manos junto a Manolo Juárez.
Duración total: 45.73 minutos

Grabado en directo en el Centro Cultural Parque de España, Rosario (Argentina, Noviembre 2002).
Blue Art Records-Epsa Music 0264-02 http://www.epsamusic.com.ar

Comentario: Sorprendente disco del pianista Gerardo Gandini (Buenos Aires, 1936). Compositor, pianista y director, su carrera se ha desarrollado básicamente en el mundo del clásico; su obra está integrada tanto por música de cámara como sinfónica y ha compuesto tres óperas.

A lo largo de su carrera ha cosechado múltiples galardones y premios, lo que le ha servido para ser nombrado Académico de número de la Academia Nacional de Bellas Artes Argentina.

Esta formación y carrera en la música clásica se deja notar a lo largo de este disco: 6 piezas de Gandini sobre tangos clásicos de Enrique Cadicamo y Juan Carlos Cobián, Matos Rodríguez, Astor Piazzolla y Gardel. Además incluye dos bonus tracks: Improvisaciones I y II de piano a cuatro manos junto a Manolo Juárez.

Todas las piezas se caracterizan por una constante ruptura de las melodías originales de los tangos hilvanándolas con improvisaciones a medio camino entre el jazz y la música contemporánea, sin pretender mezclarlas. Gandini demuestra un gran virtuosismo en determinados pasajes, con fuertes contrastes entre las agilidades de la mano derecha y el ritmo de la izquierda; ritmo que deja entrever el tango original.

En un ejercicio intelectual de diluir la melodía entre la improvisación más claramente jazzística y pasajes propios de la música contemporánea más vanguardista,Gandini desdibuja las fronteras entre una música popular como es el tango y la "culta" como es el jazz y la música contemporánea. Con un lenguaje melancólico, nos acerca un "tango después del tango" (como pone el periodista Diego Fischerman en el libreto), consiguiendo unas piezas redondas, cerradas en su estructura con una presentación-cuerpo/desarrollo-conclusión.

Este disco contiene piezas tan contemplativas y etéreas como "Tema de La Nube" (track 4) compuesto por el propio Gandini, que tras una introducción plena de cromatismos nos descubre un conato de melodía tanguera; o sorprendentes versiones de tangos tan conocidos como Soledad y El día que me quieras, de Gardel unidos a Volvió una noche y Por una cabeza, en forma de Sonata para piano cuyos diferentes movimientos son cada una de las piezas que se unen por "codas" improvisadas, formando una única pieza de 17 minutos (track 6).

También llama la atención la versión de Gandini de Chau París (track 5), de Astor Piazzolla. Si en los compases iniciales nos encontramos con una obra plenamente contemporánea, posteriormente, nos presenta el tema de forma sutil, con timidez, acentuando los contrastes de la dinámica, para después desestructurar la melodía en una improvisación jazzística. Disco para escuchar con detenimiento y concentración en repetidas ocasiones pues se descubre a cada compás algo nuevo y sorprendente.

Este disco ha ganado el Grammy como "Mejor Álbum de Tango" en 2004. Y se anuncia una continuación: "Flores Negras" (Postangos en vivo en Rosario vol.II para este año 2005).

Gonzalo Suárez

Eldar Djangirov - Eldar

Sony Classical
Grabado en los Sony Music Studios de Nueva York los días 6 y 7 de abril de 2004.
Publicado en marzo de 2005.

Músicos: Eldar Djangirov (piano y sintetizadores) John Patitucci (contrabajo y bajo eléctrico) Todd Strait (batería) Michael Brecker (saxo tenor en “Point of view”)

Temas: 1.- Sweet Georgia Brown (Kenneth Casey Sr./Ben Benie/Maceo Pinkard) 3:21 2.- Nature Boy (Eden Ahbez) 5:30 3.- Moanin´ (Bobby Timmons) 7:38 4.- Point Of View (Eldar Djangirov) 6:55 5.- Raindrops (Eldar Djangirov) 2:46 6.- Lady Wicks (Eldar Djangirov) 5:00 7.- Maiden Voyage (Herbie Hancock) 6:56 8.- ´Round Midnight (Thelonious Monk/Cootie Williams/Bernard Hanighen) 6:21 9.- Ask Me Now (Thelonious Monk) 4:15 10.- Watermelon Island (Eldar Djangirov) 5:38 11.- Fly me to the moon (Bart Howard) 3:24

Liner notes: Billy Taylor

Comentario: Eldar Djangirov es un ejemplo de niño prodigio sobre el que se centran todos los focos. Nacido en 1987 en la ex república soviética de Kirguizistán, empieza a tocar el piano a los tres años. Es a los cinco cuando su madre (musicóloga y profesora de historia de la música) se da cuenta de la habilidad de Eldar para repetir, nota por nota, cualquier tema que sonase. Después de oírle tocar en el festival de jazz de Novosibirsk en 1996, el promotor de jazz Charles McWhorter consigue que asista a un campus de verano en el Interlochen Center for the Arts en Michigan, tras el que Djangirov se instala en los EEUU (primero en Michigan, luego en Kansas City y finalmente en San Diego). En 2001 gana el primer premio del Lionel Hampton Jazz Festival y en 2002 el de la Peter Nero Competition, asistiendo además como invitado al famoso programa radiofónico de Marian McPartland “Piano Jazz”.

Graba sus dos primeros discos, “Eldar” (2001) y “Handprints” (2003) para el sello discográfico D&D y en el año 2004 firma un contrato con Sony. En concreto, y supongo que por alguna razón corporativa que se me escapa, con la división de música clásica. En marzo de 2005 se publica “Eldar” (Sony Classical).

De los músicos que le acompañaron en sus dos primeros trabajos, el contrabajista Gerald Spaits y el batería Todd Strait, veteranos de la escena jazzística de Kansas City, sólo el último se mantiene. Para esta nueva grabación, que se desarrolló en una sola sesión que comenzó a las once de la mañana y terminó a las cuatro de la madrugada, Sony puso a su disposición al polifacético John Patittuci, con el que Djangirov nunca había tocado antes, y al saxofonista Michael Brecker, que aunque únicamente aparece como invitado en un tema, “Point of view”, figura en un lugar destacado en toda la campaña promocional.

“Eldar” es una mezcla de temas propios y de versiones de standards y temas clásicos del jazz; combinando las baladas y los temas uptempo. Que nadie espere innovaciones estilísticas: se trata de straight-ahead jazz, eso sí, de primera categoría.

El disco comienza sin concesiones, con una introducción a “Sweet Georgia Brown” que anticipa lo que viene después: un torrente continuo de notas tocadas a velocidad vertiginosa con su mano derecha, mientras se acompaña con la mano izquierda. El tema concluye con una bonita coda. Como contraste, “Nature boy”, tocado a un tiempo lentísimo, nos introduce en su concepción de las baladas. Su versión de “Moanin´”, el tema de Bobby Timmons que popularizaran los Jazz Messengers de Art Blakey, es vibrante y pasional. A continuación, tres temas originales: “Point of view” contiene algunos interesantes pasajes en los que la temperatura se eleva gracias a los solos de Michael Brecker, acompañado magistralmente por Djangirov; por el contrario, con “Raindrops” y “Lady Wicks” nos adentramos en un lirismo evansiano con aires de piano clásico. “Maiden Voyage” es el primero de los dos homenajes a Herbie Hancock. El segundo, denominado “Watermelon Island” en clara referencia al “Watermelon Man” de Hancock, es un tema cercano al funk y la fusión, en el que Patitucci coge el bajo eléctrico. Djangirov se atreve también con dos clásicos de Thelonious Monk: la balada “´Round midnight”, de la que hace una bella e introvertida versión, y una particular adaptación de “Ask me now”, tocada a piano solo, en la que altera la melodía, la descompone, a veces sólo sugiriéndola, con continuos y peculiares cambios de ritmo que encajan muy bien en el universo monkiano. Cierra el disco la composición de Bart Howard “Fly me to the moon”.

Djangirov es un músico que combina influencias procedentes de diversos pianistas señeros en la historia del jazz: el virtuosismo de Art Tatum (aunque quizás su estilo pianístico esté más cercano al de Oscar Peterson), el intimismo de Bill Evans o la exuberancia de Dave Brubeck. Dotado de una impecable técnica, es capaz de tocar larguísimas líneas melódicas con la mano derecha a una velocidad pasmosa, mientras su mano izquierda hace el comping, pero también de tocar block chords. La profusión de notas no impide que el toque sea preciso y controlado, y que las ideas surjan con fluidez y coherencia. En alguno de los temas lentos, sin embargo, se puede apreciar algún rasgo propio de su falta de madurez: la ausencia de espacios (por su tendencia a tocar demasiadas notas) y una cierta “frialdad” en las baladas.

En mi opinión se trata de un muy buen disco, un paso más en el desarrollo musical y personal de este artista. Esperemos que la promesa se haga realidad y el joven y virtuoso pianista se convierta en un gran músico de jazz. Cualidades le sobran.

Agustín Pérez

Sun Ra - Heliocentric Worlds Volume 3: The Lost Tapes

EA-ESP4002-CD Editado por ESP Disk http://www.espdisk.com Distribuído por http://www.distrijazz.com

Comentario: La última película de Nicolas Cage trata sobre un buscador de tesoros, en su busqueda incansable, encuentra pistas en el reverso de la declaración de Indepencia de los EEUU o en los billetes de dolar. Esta fabula podría también aplicarse a los buscadores de tesoros jazzísticos, un trabajo que últimamente tiene gran éxito.

Durante todos estos años hemos pensando que los discos de Heliocentric Worlds eran tan sólo dos, pero gracias a "recientes descubrimientos" ahora son tres.

El disco, en cuestión, está grabado durante la sesión (16 de noviembre de 1965) que dió lugar al volumen dos, y treinta y cinco años más tarde han sido descubiertas estas nuevas cintas por un personaje llamado "Good Doctor". A que suena a argumento de película...

Músicalmente la Arkestra (en este caso Solar Arkestra) está pletórica, siendo una de las mejores formaciones de Ra en toda su historia.

Ya en el primero de los temas "Intercosmosis" y que ocupa con 17 minutos de música el lugar central del disco, nos encontramos imprsionantes solos, sobre todo por parte de la sección de saxos, aquella alineación histórica de Pat Patrick, Marshall Allen y John Gilmore. El resto del grupo está formado por Robert Cummings al clarinete bajo, Walter Miller a la trompeta, y una sección ritmica de ensueño con Ronnie Boykins al bajo y Roger Blank a la batería. Esta primera composición se centra en pequñas celulas que van sumando y restando elementos, con el piano de Ra como elemento central.

El segundo de los temas, Mithology Metamorphosis, tiene mucho peor sonido y se nota mucho el deterioro de la cinta original. Sobre un abundante fondo percusivo, suenan instrumentos de teclado, de aquellos que Ra inventaba, en este caso se refieren a unos "tuned bongos". El corte final abrupto que tiene hace pensar que podría ser una toma falsa o una prueba de sonido.

Mientras que los dos primeros temas conservan el sonido abstracto e hiriente de los Heliocentric originales, los temas restantes suenan más a lo ya conocido de Ra, algo más clásico. La aparición del trombón en los dos temas finales, añadiría más confusión a la fecha de la sesión o a la formación anunciada en creditos.

¿Merece la pena el disco? Músicalmente por supuesto, sobre todo por "Intercosmosis" un clásico ya de Sun Ra. Por otro lado bien se podrían haber acondicionado esos temas en una edición expandida de los dos primeros volúmenes debido a su corta duración, siendo la UNICA razón de esta aparición la económica. Una cierta sensación de cachondeo y de tomadura de pelo me queda encima. ¿Cuál será el siguiente hallazgo? Quizás sólo Nicolas Cage lo sepa.

joaquin villaverde

Afonso Pais - Terranova

Clean Feed 2004
http://www.cleanfeed-records.com Distribuído por http://www.distrijazz.com

Formación: Afonso Pais (guitarra), Alexandre Frazão (batería), Carlos Barretto (contrabajo).

Temas: We See, Amozone, Domo da Metazona, Tanguilho, Zone-B, Terranova, Momentum

Comentario: Tantos años aficionado a la música y al jazz y, nunca seré capaz de quitarme de la cabeza, ese dicho que acuñé: “das una patada en el suelo y salen 100 jazzmen buenos”.

Bien, pues este es el caso de Afonso Pais un desconocido y joven guitarrista portugués; que con este cd Terranova demuestra lo que acabo de comentar. Excelente técnica individual lo cual aprovecha para obtener armonías y melodías de gran aplomo.

Todas las composiciones corren a cargo del propio Afonso, excepción hecha We See (Thelonious Monk), lo cual es un punto más a su favor.

La música contenida en este cd respira tranquilidad y paz a lo largo de todos los temas que lo conforman. No se puede decir que tenga momentos especialmente sobresalientes, sino mas bien que guarda una uniformidad, sobriedad y sencillez .Tampoco podemos hablar de solos sobresalientes y grandilocuentes por parte de los miembros del trío, al menos aparentemente, pues necesita de una escucha atenta para darnos cuenta que quizás incurramos en un error y, haya que buscar con mayor audacia en cada uno de los temas.

El ejemplo que se me ocurre para lo anteriormente comentado bien pudiera ser Domo da Metazona, donde A.Pais demuestra el gusto que tiene por la música brasileña, así como su excelente técnica a la guitarra acústica en un perfecto entendimiento con Barreto y con un magnífico acompañamiento de Frazáo (acompañante en los últimos conciertos de María Joao y Mario Laguinha). De este, especialmente interesante me parece su trabajo con las escobillas y, el sonido metálico de los platos en Zone-B.

Del otro integrante del trío, es de obligado cumplimiento señalar que está reconocido como uno de los bajísta más importantes del país vecino y cuenta con discos como Olhar(1999), que grabó junto a Perico Sambeat, Bernardo Sassetti y Mario Barreiros.

A modo de resumen y para terminar significar la primorosa ejecución del trío, la labor “oscura “de los miembros que lo componen y su finura y elegancia a lo largo de la obra.

Enrique Farelo/alkimia

Pedro Madaleno - The Sound of Places

Clean Feed 2004 http://www.cleanfeed-records.com Distribuído por http://www.distrijazz.com

Músicos: Pedro Madaleno (guitarra), Wolfgang Fuhr (saxo tenor), Nelson Cascais (contrabajo), Dejan Terzic (batería)

Composiciones: Campo – Montanhas - Água - Farois na noite - Deserto - Em Órbita - Igrejas

Comentario: Pedro Madaleno era un músico y guitarrista portugués desconocido para mí, lo que demuestra que nunca se acaba de aprender por mucho que uno ecreas saber.

Músico de sólida formación ha tenido la oportunidad de estudiar 2 años de piano clásico en Portugal y 5 años en la Berklee school of music of Boston así como en la New school of social Reserch en New York.

Este cd que aquí os presenta supone el cuarto en su carrera en solitario tras Fast Living(2002),Earth Talk(2002),U.N. Depressure(2004).

The sound of Places parece ser la continuidad de Eart Talk ya que este mismo ha sido subtitulado de igual forma como parte II. Misma instrumentación que aquél y sólo una pequeña variación en la formación (Pepe Berns, es sustituido por Nelson Cascais).

En cuanto a la obra en sí esta se compone de 7 temas propios, entre los que cabe destacar Agua, donde la influencia de J. Abercrombie parece clara a tenor de la forma de tocar, del mismo modo que dicha influencia se hace patente en Deserto.

Destacable de igual manera es el tema que cierra el álbum, Igreja,s donde el diálogo entre P. Madaleno y W. Fuhr es fluido, dando paso a una conversación a tres del saxo con la batería más la guitarra de fondo.

Después de todo lo señalado podríamos definir a P. Madaleno como el Abercrombie portugués. Esto no es un menosprecio ni mucho menos a un músico que no intenta imitar el estilo de nadie sino crear el suyo propio y se ha de tomar mas como un elogio a su manera de interpretar que otra cosa.

Cuenta con intérpretes como Dejan Terzic en la batería que le ha acompañado en sus diversos proyectos y, que a su vez tiene algún trabajo a su nombre en Naxos jazz.

Wolfgang Fuhr es un saxo de sonido seco y entrecortado que se compenetra a la perfección con Pedro, alcanzando momentos de gran brillantez.

Nelson Cascais es la cuarta pata de este banco, versátil y oscuro, sabe cumplir su papel muy dignamente sosteniendo la base rítmica del cuarteto.

En definitiva un joven valor del jazz portugués que no debemos perder de oído.

Enrique Farelo

Ben Sidran – Nick’s Bump

Composiciones: Little Sherry (Charlie Rouse & Ben Sidran); Cryin Blues (Eddie Harris); Black Jack (Donald Byrd); Blue Panther (Ben Sidran); Zambia (Lee Morgan); Mean Greens (Eddie Harris); Listen Here (Eddie Harris); Blue Minor (Sonny Clark); Nick’s Bump (Bob Rockwell)

Músicos: Ben Sidran (órgano Hammond y piano eléctrico Wurlitzer), Bob Rockwell (saxo tenor y flauta), Billy Peterson (bajo), Leo Sidran (batería y percusión), Louka Patenaude (guitarra).
Samplers: Art Blakey, Dizzy Gillespie.

Grabado en Smart Studio, 28 y 29 de Junio de 2003.
GO 6057 9 Distribuído por Karonte

Comentario: Hace cinco años asistí a una master class impartida por Ben Sidran en el madrileño Taller de Músicos, con su hijo Leo en las labores de traducción. Una master class en la que el maestro sólo utilizó el piano para apoyarse mientras se dedicaba a explicar las interioridades del mundo de la producción de discos de jazz, cómo hay que afrontar los distintos caracteres de los músicos... y el suyo propio. Nunca olvidaré el comentario que hizo sobre una época de su carrera en la que se encontraba totalmente frustrado al ver que nunca llegaría al nivel de un Bud Powell o un McCoy Tyner, como nunca olvidaré la salida hacia delante que tomó: “no soy McCoy, pero soy Ben Sidran y esto es lo que hago, y me gusta”. Desde ese momento Sidran se fue alejando de los clichés más habituales y fue buscando su propio estilo, a medio camino entre el jazz, el pop y el rhythm&blues, sin complejos en todo caso. El pianista ha continuado desarrollando y mejorando ese estilo durante años, y una excelente muestra del mismo es este Nick’s Bump.

Nick’s Bump es un disco divertido, incluso bailable, donde el blues y el shuffle hacen continuo acto de presencia. Bases rítmicas cercanas al funky que sirven de soporte a las evoluciones descaradas del saxofonista Bob Rockwell y el propio Ben. El correctísimo trabajo de la sección rítmica es el soporte ideal para vistosas improvisaciones, y tanto el sonido del grupo como la elección de los temas demuestran las dotes de Sidran como productor. Quizás Blue Minor sea la pieza más conseguida del disco, cuyo concepto se basa en el nombre de un cóctel, Nick’s Bump, creado por Nick Nice en su bar Opus Lounge. El CD incluye una pista legible en un ordenador, donde se incluye un vídeo en el que Sidran explica la creación de Nick’s Bump (el cóctel, no el disco). También se provee un acceso a Internet en el que se puede encontrar más información sobre el álbum e incluso descargar temas inéditos.

Casi convertido en showman, Ben Sidran nos deja otra muestra de su estilo asequible pero personal, en un trabajo fácil de escuchar pero de indudable calidad. Un disco que sin duda invita a bailar... y a tomar un cóctel.

Arturo Mora Rioja, 2005

Koch / Schütz / Studer - Life Tied

Músicos: Hans Koch (cañas y electrónica), Martin Schütz (chelo, chelo eléctrico de 5 cuerdas, electrónica), Fredy Studer (batería, percusión)

Grabado en directo en: Biennale Venice, Italia (Sept. 03). Expo 02 Murten, Suiza (Mayo 2002). Théâtre de Poche Biel/Bienne, Suiza (Oct. 01). Tonic New York, USA (Marzo 2003)
Editado en 2004 por Intakt Records. http://www.intaktrec.ch Distribuído por http://www.distrijazz.com

Comentario: A pesar de conocer a los 3 miembros del trio por otros trabajos, esta es la primera vez que he escuchado a este veterano trío formado en 1995. Mientras que el resto de los trabajos que tienen a su nombre parten del lugar en que se han grabado para el concepto del disco (así tienen un disco en Cuba, Egipto...) en este que ha sido grabado en diferentes lugares parecen más centrados en ofrecer un mismo sonido.

Bautizados como Hardcore Chambermusik, la música que realizan está fuertemente arriagada en la tradición experimental europea, desde el ambient hasta el más puro free jazz.

Quizás ese sea el defecto del disco, ya que su diversidad hace que tenga demasiadas influencias quedándose en tierra de nadie. Al final, suenan a experimentos ya escuchados o a remezclas de cosas vistas. En definitiva, demasiados cliches.

joaquin villaverde

Christopher O'Riley - Hold Me To This: Christopher O'riley Plays Radiohead

Músicos: Christopher O'Riley (piano)

Composiciones: 1. There There; 2. (Nice Dream); 3. No Surprises; 4. Polyethylene, Part 2; 5. How I Made My Millions; 6. Like Spinning Plates; 7. Sail to the Moon; 8. Tourist; 9. Cuttooth; 10. 2+2=5; 11. Talk Show Host; 12. Gagging Order; 13. Paranoid Android; 14. Street Spirit (Fade Out)

Duración: 58min 38seg

Grabado en abril del 2005 por World Village Music
World Village Music distribuído por Harmonia Mundi

Comentario: La aparición en los catálogos de jazz de algún álbum de versiones de Radiohead era un hecho que se presentaba inminente, dado el acercamiento al grupo inglés por parte de Brad Mehldau y otros artistas de peso en la actualidad. Pero resulta sorprendente que el homenaje a la música de Radiohead haya llegado de las manos del pianista de clásica Christopher O’Riley.

O’Riley justifica en los textos incluidos en la grabación el porqué de cada tema: alusiones a Chopin en la melodía de (Nice Dream), el cómo Michael Stipe lo empujó a incluir en su repertorio No Surprises, la descripción de Polyethylene Part II como el tema más Brahmsiano del grupo, cómo Thelonious Monk resultó ser la fuente de inspiración para desarrollar la interpretación de Tom Yorke en Like Spinning Plates, la justificación de Sail To The Moon como la obra del grupo más influenciada por el compositor francés Olivier Messiaen, o el waltz dentro del waltz de The Tourist.

El problema de Hold Me To This: Christopher O’Riley Plays Radiohead es precisamente esta deconstrucción de los temas, la operación de disección realizada para extraer las glándulas a las canciones de Radiohead y analizarlas desde la óptica de la composición clásica. Personalmente, la interpretación de O’Riley queda muy alejada del clímax que Yorke y compañía alcanzan en las versiones originales de Paranoid Android, Like Spinning Plates y tantas otras que aparecen en la grabación. El trágico lirismo de la voz de Yorke es un hándicap bastante complejo de superar, sobre todo si el enfrentamiento es directo, y la intensidad de los temas corre paralela a los originales. Si esto ocurre, quien conozca la obra del grupo británico superpondrá a la música la fuerza sonora de la banda y subestimará lo que esté escuchando.

Tengo mis reservas respecto a la versión de Exit Music (For A Film) interpretada por Mehldau en The Art Of The Trio Vol.3, y no cabe duda alguna de que la sensibilidad de O’Riley no alcanza ni de lejos a la de Mehldau. La presente grabación pasa por ser una de tantas en las que las medias tintas terminan por caracterizar el resultado final. Un disco correcto, bonito, con momentos agradables, pero que fuerzan a una comparación con la que se dispersa gran parte del contenido del mismo.

Sergio Masferrer