Músicos: Brad Mehldau
(piano), Larry Grenadier (contrabajo) y Jeff Ballard (batería).
Grabado el 13 y 14 Marzo 2005. Editado en 2005.
Nonesuch 7559-79910-2
Comentario: Day is Done
es el reciente y último trabajo del pianista Brad Mehldau,
pero a su vez sirve de presentación y debut discográfico
de su nueva formación en trío, tras la marcha del batería
catalán Jorge Rossy. Junto a la presencia del contrabajista
Larry Grenadier, debuta en este trío el ecléctico batería
Jeff Ballard. Este músico no es un desconocido para el propio
Mehldau, con el que ha participado en diversos proyectos y actuaciones.
Con este “nuevo” trío, Mehldau sin duda alguna da por cerrada
la anterior etapa que tan excelentes resultados musicales le había
reportado con Grenadier y Rossy, y que a buen seguro producirá
un sinfín de comparaciones con esta nueva formación.
El “nuevo” trío de Brad Mehldau se presenta como una formación
ágil, enérgica y muy brillante, y no necesariamente,
ni mejor ni peor que la anterior formación, sino sencillamente
“diferente”, muy diferente.
Los seguidores de Mehldau identificarán en este último
trabajo las características más intrínsecas de
su talante y musicalidad. Entre ellas un estilo particular e instintivo;
concepción y desarrollo de ideas emotivas por momentos, simples
y repetitivas (a veces obsesivas); visión introspectiva, romántica
e impresionista; técnica de independencia de manos; introducciones
de enorme calado musical; convergencia de melodías y contra
melodías dentro de temas, así como una excepcional mezcla
de elementos sonoros. Mehldau asimismo hace gala de esa mezcla de
post bop y estilo clásico al piano, que le han hecho único,
a medio tiempo y con un tono relajado, y que le permite explorar temas
standards, temas clásicos del pop y temas propios.
El repertorio escogido para esta grabación corresponde a lo
anteriormente señalado, pues encontramos dos temas de John
Lennon y Paul McCartney “Martha My Dear” y “She´s leaving home”,
un tema de Radiohead “Knives Out”, uno de Paul Simon “50 Ways to Leave
Your Lover” (tema que ya interpretó en su disco en solitario
“Live in Tokio”, edición japonesa), un tema de Nick Drake “Day
is Done” (tema que da título al trabajo), el clásico
de Burt Bacharach “Alfie”, así como dos temas originales del
propio Mehldau.
Por lo que respecta a la música, el trabajo se inicia con un
extraordinario vigor, energía y musicalidad por parte del trío
con el tema de Radiohead “Knives Out”. El tema es iniciado por Larry
Grenadier, y es sobre esta aportación, que el tema con una
sonoridad y una manera muy particular de Mehldau, es desarrollado
tanto por Ballard como por el pianista. Este último, realiza
constantes aportaciones, todas ellas muy agresivas proporcionando
melodías y contra melodías completamente independientes,
especialmente con la mano izquierda. Es en este primer tema, donde
se observa el enorme potencial de este trío, con un Mehldau
extraordinariamente cómodo en sus desarrollos, perfectamente
arropado por el bajo de Grenadier, y un muy compenetrado Jeff Ballard
a la batería, en donde se puede apreciar la diferencia estilística
que le separa de Jorge Rossy. Esta misma energía y un planteamiento
similar, es apreciable en el tema original de Mehldau “Artis” o en
de Nick Drake “Day is Done”, en donde el tema es repetido una y otra
vez de forma obsesiva por el líder, mientras el resto del grupo
construye una base muy rítmica, y un Jeff Ballard con una sonoridad
muy rockera que no desentona con la procedencia del tema.
Pero no todo en el último trabajo de Mehldau
es vigor y energía, sino que hay momentos de gran envergadura
como el tema de Burt Bacharach “Alfie”, y que con una versión
de apenas cuatro minutos, Mehldau lleva a cabo una pequeña
joya, pero de extraordinarios quilates, y en donde la presentación
y ralentización del tema confieren un aire melancólico
y romántico excepcional. La rítmica sigue los dictados
de su líder y se presenta solvente en todo momento, siendo
el punto culminante de este tema la finalización del mismo
de una forma abrupta, en el mismo momento de la presentación
del leit-motive del mismo. Esta composición nos da la oportunidad
de poder comprobar el carácter altamente intuitivo y empático
de este nuevo trío, y de las enormes posibilidades del mismo
en un futuro. Sencillamente genial.
Otro de los momentos importantes de este trabajo, es la interpretación
del tema de John Lennon y Paul McCartney “She´s leaving home”.
La melodía de esta composición, es interpretada de una
manera perfectamente reconocible desde un primer momento, (para Mehldau
el tratamiento melódico es uno de los pilares de su estilo),
pero tras la presentación de la misma, el trío se lanza
a una construcción sonora independiente pero con una lógica
de conjunto, lo que conlleva que de una forma gradual vaya apareciendo
una atmósfera harmónica densa y hasta en momentos cargante,
y todo ello acompañado por pinceladas melodicas, que proporcionan
una relectura del clásico tema de los Beatles consistente y
muy brillante.
Por último, y no podía falta en este trabajo, encontramos
un tema en solitario a cargo de Mehldau. Se trata del tema de Lennon
y McCartney “Martha My Dear” y en él se reconoce el mundo de
este pianista en toda su magnitud y esplendor, con una versión
en un estilo muy clásico por la utilización de elementos
contrapuntísticos, que van desarrollandolo a lo largo de diversas
voces y que mantienen su total independencia, pero que ineludiblemente
se encuentran ligadas al conjunto de la composición.
Con el presente trabajo y con la presentación del “nuevo” trío
de Mehldau, podemos apreciar a tres virtuosos que se encuentran preocupados
por la elegancia del gesto, por la elegancia de la melodía
como base de su interpretación, y en definitiva, a tres músicos
preocupados por la más pura musicalidad. Además Mehldau
se nos vuelve a mostrar como un artista creativo, intrigante y a un
intérprete con una gran sabiduría a la hora de mezclar
tendencias y estilos tan opuestos como el cancionero tradicional norteamericano
y los temas más modernos del pop.
Juan Carlos Abelenda.
P.D. Para los coleccionistas y completistas
de Mehldau señalar que, en el sitio de Internet iTunes se pueden
encontrar dos temas extras no contenidos en el trabajo “Day is Done”:
el primero se trata del arreglo que ha llevado a cabo el propio Mehldau
del tema del músico brasileño Tonhino Horta “Viver de
Amor” y el segundo tema, es el proveniente del clásico de Cole
Porter “You do Somenthing To me”.
Rabih Abou-Khalil - Journey To The Centre Of An Egg
Músicos: Rabih Abou-Khalil
(oud); Joachim Kühn (p, as); Jarrod Cagwin (d, perc); Wolfgang
Reisinger (perc)
Composiciones: 1. Shrewd Woman (3:38);
2.On A Dark And Dreary Night (2:46); 3.Pont DU Monde (5:47); 4.I'm
Better Off Without You (11:12); 5.Natwashe And Katwashe (13:27); 6.Invisible
Portrait (7:25); 7.You Hurt My Feelings (3:17); 8.Sweet And Sour Milk
(4:20)
Duración: 51min 52seg
Enja Records (2005) REF: ENJ-9479 2 http://www.enjarecords.com
Distribuído por Resistencia http://www.resistencia.es/
Comentario: Respecto a sus anteriores trabajos, Abou-Khalil reduce la formación de Journey to the centre of an egg a trío, y con esta nueva producción busca de forma explícita el choque de dos culturas. El laúd de Abou-Khalil representa el noreste africano, el sureste del Mediterráneo; las manos de Kühn hacen de embajadoras de la tradición europea.
Ambos músicos tienen una fuerte influencia jazzística, y es éste el común denominador de las composiciones. Sin embargo, la riqueza de éstas no está en este factor común, sino en la diferencia interpretativa de laúd y piano. Los retratos de Abou-Khalil, ricos en escalas árabes y desarrollos sencillos y circulares, enfrentados a las líneas clásicas de Kühn, dinámicas, más familiares, al mismo tiempo que menos exóticas (en I´m better off without you queda expuesta la fuerte influencia de Bach en la música de Kühn). Una excelente muestra de la mezcolanza de este disco es Natwashe And Katwashe, con un ir y venir por la geografía del planeta en la que Kühn atraviesa Europa con frases de clásica; gira la vista hacia América y utiliza el lenguaje jazzístico de Cecil Taylor; desenfunda el saxo alto y se desenvuelve entre escalas arabescas. Invisible Portrait tiene una fuerte influencia de la música clásica española de principios del siglo XX, aunque el piano a ratos se encargue de desenfocar el tema.
A diferencia de Kühn, que es quien parece dirigir los cambios de forma de los temas, el papel de Abou-Khalil es más homogéneo, si bien esta postura es fundamental para que la grabación no pierda la referencia geográfica que hace tan original las producciones de este instrumentista. Sólo en You Hurt My Feelings (penúltima pista) el laúd se adentra en terrenos más experimentales, con una interpretación libre, sorprendente e inusual de las manos de Abou-Khalil.
Algunas líneas merece Jarrod Cagwin, cuya presencia en el disco es tan acertada que podría resumirse en ausencia: la percusión queda íntimamente ligada en todo momento a cada instrumento, a cada solo, esté el pasaje inspirado en cualquiera de los estilos anteriormente mencionados.
Del choque de culturas inicialmente planteado en la grabación resultan ocho cortes de impecable factura, llenos de sapiencia y riqueza cultural y musical. Un disco que sirve tanto de introducción para aquéllos que no conozcan la obra de Abou-Khalil, como de continuidad para los que siguen de cerca los pasos de este genial músico libanés.
Sergio Masferrer
Músicos: Dave Douglas (trompeta), Jamie Saft (wurlitzer), Gene Lake (batería), Marcus Strickland(saxos), Brad Jones (bajo), Dj Olive (platos).
Green Leaf, 2005
http://www.greenleafmusic.com/
Comentario: Hacía ya algún tiempo que esperaba con cierto recelo la última propuesta del afamado trompetista; de hecho, hacía ya algún tiempo que ni siquiera la esperaba. Con la salvedad del magnífico Witness, me parecía que su acercamiento a la electrónica y la incorporación de determinados elementos de ésta en su música carecían de la profundidad que ha caracterizado siempre a las composiciones de Douglas, que la sutileza y la complejidad de su música habían quedado desterradas en favor de artificios más bien ornamentales. Por otro lado, me parecía también que se había disipado en buena medida su carácter idiosincrático y que Douglas había caído en un revivalismo davisiano francamente preocupante. Este Keystone tiene algo de ambas tendencias: una producción que sin duda evoca a las de Teo Macero con el Davis más electrizante, y también a los aderezos electrónicos de obras como Freak In o Sanctuary. Sin embargo, Keystone destila cierta simplicidad, un sonido homogéneo en el que los artificios de DJ Olive y el hermoso wurlitzer de Jamie Saft (espléndido, como de costumbre), son parte integral de una música que, al igual que el lenguaje cinético del mimo que la inspira, se vale del ritmo y de cierta austeridad para llegar al oyente. Asimismo, huelga decir que, al menos en apariencia, Keystone no entraña mensajes crípticos, no es un disco plagado de sustratos que estimulen el intelecto y, desde luego, es estéticamente inofensivo. Y, aun así, una espontaneidad que apela a los sentidos y el equilibrio entre humor y sensibilidad son su mejor baza. Un álbum sin grandes pretensiones que, precisamente por eso, funciona y muy bien.
Efrén del Valle
Músicos: Ahmad Jamal
(piano), James Cammack (contrabajo) y Idris Muhmmad (batería)
Grabado el 5, 6 y 7 Julio de 2004. Editado en 2005
Dreyfus Jazz. FDM 36 676-2
Comentario: Ahmad Jamal en estado
puro; este sería el enunciado final del último trabajo
del pianista de Pennsylvania. Perfecto conocedor de su instrumento
hasta el más recóndito lugar del mismo, heredero de
la gran tradición pianística norteamericana y pieza
básica de la evolución del formato tradicional de
piano, bajo y batería, Ahmad Jamal nos demuestra con este
trabajo un estilo plenamente consolidado a lo largo de su trayectoria
musical (en concreto cincuenta y tres), y que llego a encandilar
al mismísimo Miles Davis.
El trabajo se encuentra conformado por cinco temas originales de
Jamal y por cuatro standards, que son desarrollados de una forma
sencillamente magistral, tan sólo hay que escuchar como hace
“cantar” el piano en la interpretación del tema de J. Kern/J.Mercer
“I´m Old Fashioned” o el de Rodgers&Hart “My Heart Stood
Still”.
Las improvisaciones de Jamal se encuentran llenas de imaginación,
desplegando gran cantidad de recursos técnicos con ambas
manos y con una fuerza rítmica sofisticada donde mezcla ráfagas
de enorme vigor con momentos de relativa calma, confiriendo en determinados
momentos una cierta relación combativa entre estos, cargados
de grandes dosis de expresividad que confieren a la interpretación
una belleza altamente refinada. Además de todo lo comentado,
Jamal es un consumado especialista en el uso de armonías,
el empleo del fraseo en acordes y de los silencios, estos últimos
como pieza estilística fundamental propia de este músico.
Ahmad Jamal nos demuestra lo que es el arte del trío llevado
a su máximo esplendor, activo y atento, dirige a la perfección
su trío, (una auténtica maquinaria de precisión),
para obtener del mismo, el resultado final perseguido, que no es
otro que una música altamente parametrizada y construida,
para que brille el pianista en todo momento. Tanto James Cammack
al contrabajo, como Idris Muhammad a la batería, son los
compañeros ideales del pianista, infatigables músicos
que han compartido muchos momentos, lo que se nota en una perfecta
sintonización casi telepática.
La única circunstancia discordante del trabajo, es un tema
original de Jamal, en donde canta Donna McElroy y el grupo vocal
Vox One, y que a mi entender se encuentra fuera de lugar en este
trabajo y que no acaban de encajar en el mundo musical de Jamal.
Pero a pesar de este pequeño contratiempo comentado, el último
trabajo de Ahmad Jamal es completamente disfrutable por sus seguidores
y que a buen seguro no saldrán decepcionados de su escucha.
Juan Carlos Abelenda.
John Zorn - Filmworks XV: Protocols of Zion / Filmworks XVI: Workingman’s Death
John Zorn Filmworks XV: Protocols of Zion
Músicos: John Zorn (pianos eléctricos), Shanir Ezra Blumenkranz (bajo, ud), Cyro Baptista (percusión)
John Zorn Filmworks XVI: Workingman’s Death
Músicos: Cyro Baptista (percusión), Ikue Mori (electrónica), John Zorn (órgano, gamelan), Jamie Saft (piano eléctrico, guitarra), Shanir Ezra Blumenkranz (bajo - tema 12)
Editados por Tzadik
http://www.tzadik.com/
Comentario: La serie Filmworks sigue
siendo uno de los recodos más fértiles de la discografía
del polifacético multiinstrumentista y compositor neoyorquino.
Con una obra que, a título personal, definiría como
cada vez más irregular, sus bandas sonoras nos han venido
ofreciendo tres de cal y una de arena, como bien ejemplifican estos
dos últimos volúmenes.
Para el documental Protocols of Zion, Zorn vuelve a echar mano de
los motivos repetitivos y del regusto minimalista que han plagado
sus trabajos más recientes. Una vez más, la temática
judía se filtra en la obra del compositor, y es él,
con sus sinuosas líneas de piano eléctrico, quien
guía estas exóticas miniaturas al abrigo del fenomenal
Cyro Baptista y de uno de sus más recientes colaboradores,
Shanir Ezra Blumenkranz, del trío Rashanim. Resultan obvias
las referencias al klezmer y al folclore hebreo, como viene siendo
habitual desde la gestación de Kristallnacht y, más
tarde, del prolífico proyecto Masada, y también a
nombres como los de Martin Denny, Arthur Lyman o Les Baxter, que
se hicieron populares allá por los años cincuenta
con una apropiación de las músicas de la Polinesia
y otros lugares remotos, y que supieron adaptar a los gustos menos
extravagantes del público estadounidense. Al igual que aquellas
músicas de islas encantadas, tambores de la jungla y orquídeas
negras, las insistentes notas de Protocols of Zion suenan exóticas
y digeribles a partes iguales, y ejercen un hermoso efecto hipnótico
que parece haber cautivado al compositor desde aquel lejano Pueblo
de Filmworks IV.
El influjo de los minimalistas que Zorn citaba ya en el decimosegundo
volumen de la serie (Glass, Reich, Young, Riley) entraña
un peligro, del que Workingman’s Death es una buena muestra: que
para repetir la misma idea hasta la saciedad, ésta debe funcionar
al cien por cien; de lo contrario, el tedio está garantizado.
Gadani Slipway abre el disco con una cautivadora melodía
de piano eléctrico a cargo del magnífico Jamie Saft,
aderezada por la suave percusión de Cyro Baptista y el ordenador
de Ikue Mori. Muy prometedor, hasta que, en temas sucesivos, la
percusión y los elementos electrónicos empiezan a
cobrar una importancia excesiva, los cortes suenan cada vez más
dispersos y esquemáticos y la cosa parece no llevar a ninguna
parte. De nuevo, con una música eminentemente lineal, es
muy fácil que uno acabe pensando en las musarañas
si no se tienen unos cimientos lo bastante sólidos. Y a Filmworks
XVI le falta sustancia y un buen sustento.
Efrén del Valle
Músicos: Albert Sanz (p), Chris Cheek (sax), Larry Grenadier (b), Jeff Ballard (d)
Composiciones: 1.Saritah; 2.Don't
Wait for 6; 3.Nana (aka. à Michelle); 4.Todo a su Tiempo;
5.Buscando el Puente
Duración: 58min 16seg
Grabado en directo en la Jazz Gallery, Nueva York,
2003, por Zeke Zima. Producido por Albert Sanz; mezclado por James
Farber en Dangerous Music; masterizado por Michael Perez-Cisneros.
Diseño artístico: Mariano Gil. Producción ejecutiva:
Jordi Pujol.
Editado en 2004 por Fresh Sound New Talent. FSNT-191CD
http://www.freshsoundrecords.com
Comentaio: La evolución del sello barcelonés Fresh Sound New Talent está empujando a toda una generación de músicos españoles, y paralela al crecimiento del sello se encuentra la vida de Albert Sanz. El goteo de discos como colaborador de este pianista valenciano en FSNT ha sido constante durante los últimos años, y Los Guys es el disco con el que Sanz corta el cordón umbilical, deja la placenta materna, y comienza a buscar de dónde alimentarse por cuenta propia. Le ha llegado el momento del alumbramiento, de la firma de una primera producción a su nombre.
No es de extrañar que Sanz asome la cabeza de forma modesta, sin llamar la atención, acompañado por una formación de lujo en la que intentar destacar sería una salida de tono, y en un contexto (un directo) que permite lanzar la hipótesis de ser el de Albert Sanz un parto prematuro.
En cualquier caso, la firma de un disco no implica necesariamente ser protagonista absoluto de la sesión, y Los Guys en este sentido consigue ser un producto muy equilibrado. Eso sí, si bien instrumentalmente el piano no persigue llamar la atención, no hay duda alguna de que sí lo consigue respecto a la labor compositiva: la personal voz a los vientos de Chris Cheek, y la consagrada base rítmica de Jeff Ballard y Larry Grenadier desarrollan las 5+1 composiciones que hablan desde ya con la voz propia y sincera de Sanz, con una mano derecha que consigue balancear melodía y ritmo, con fraseos que sutilmente contienen aroma a jazz latino (especialmente Don’t Wait for 6 y un Todo a su tiempo que recuerda por momentos a Succotash, pieza que abre el Inventions and Dimentions(Blue Note, 1963) de Herbie Hancock), con un pretendido alejamiento de los típicos desarrollos y estructuras del blues, sin la necesidad de llenar cada segundo del mayor número de notas (como ocurre en Nana).
La sesión vivida y registrada en la Jazz Gallery de Nueva York es más un diamante en bruto que una joya tallada. Y es cierto que es necesario labrar el material para tomar conciencia del contenido del álbum. Afortunadamente, a diferencia de lo que ocurre en otras muchas ocasiones, el esfuerzo tiene su recompensa.
Sergio Masferrer
Sara Lazarus - Give Me The Simple Life
Músicos: Sara Lazarus (v),
Alain Jean-Marie (p), Gilles Naturel (b), Winard Harper (bat), Andrea
Michelutti (bat) y la colaboración especial de Bireli Lagréne
(g)
Grabado los días 16 y 17 de Junio, y 5 de Octubre de 2004.
Editado en 2005.
Dreyfus Jazz. Fdm 36 671-2
Comentario: Estupendo y sorprendente
el debut discográfico de esta desconocida cantante para el
mundo del jazz, aunque sus antecedentes no pueden ser mejores, a
consecuencia que en el año 1994 ganó el primer premio
del concurso internacional Thelonious Monk. Para su debut se ha
rodeado de dos de los músicos que con más asiduidad
colabora, el fantástico pianista francés Alain Jean-Marie
(músico con una extraordinaria carrera en Francia, y gran
desconocido por los aficionados españoles) y el contrabajista
Gilles Naturel; más la combinación de dos baterías
en determinados temas y la colaboración puntual en dos cortes
del guitarrista Bireli Lagréne.
El trabajo se encuentra conformado por doce composiciones en donde
podemos apreciar baladas a medio tiempo, standards como “He Was
Good to Me”, “I´m Thru With Love” o “This Can´t be Love”
o temas con sabor a blues. Todo ello hace que el disco se encuentre
perfectamente equilibrado musicalmente, lo que permite percibir
los diversos registros y cualidades vocales que posee la cantante,
así como a los variados retos que se enfrenta, todos ellos
desde un gran sensibilidad y excelente gusto musical.
Pero una de las mejores cualidades de Sara Lazarus, y por ello de
cualquier cantante, es la posibilidad de contar historias con las
palabras, circunstancia esta que consigue y de forma natural y sin
artimañas vocales. Pero además, Sara Lazarus posee
algunas cualidades sobresalientes, como un fraseo vocal claro y
conciso, una extraordinaria facilidad para adaptar su voz a las
modulaciones e inflexiones de las distintas composiciones a las
que se enfrenta (ya sean baladas, temas a medio tempo o temas con
gusto a blues), y ante todo a presentar una voz bella y lírica
sin aditivos, que le confieren una naturalidad y un swing sólido
en todo momento. Prueba de ello es el tema “Once Upon a Summertime”
o la interpretación del tema de Cole Porter “He Was Good
to Me”, donde Sara Lazarus desarrolla el tema en una atmósfera
lírica y romántica, todo ello para obtener como resultado
final la apropiáción del tema de una forma excepcional,
y que aporta una de las mejores y más bellas interpretaciones
del cedé.
Al éxito de la grabación hay que mencionar obligatoriamente
a los músicos que acompañan a la cantante, en especial
al piano cálido y preciosista en su ejecución de Alain
Jean-Marie y al perfecto sentido rítmico del contrabajo de
Gilles Naturel, quienes son el complemento perfecto a lo largo de
los doce cortes que dura el disco.
El resultado de todo lo comentado es un álbum de debut impresionante
por parte de Sara Lazarus, de quien esperamos con impaciencia su
nueva grabación. Imprescindible su escucha para los aficionados
al repertorio vocal.
Juan Carlos Abelenda.
Pablo Ablanedo Octet - Alegría
Músicos: Pablo Ablanedo (p, vcl on #7); Jenny Scheinman (violin), Taylor Haskins (tp, Flgh), Anat Cohen (cl on #1,2,3 & 10), Chris Cheek (ts, ss), Jerome Sabbagh (ts, ss), Ben Monder (g), Fernando Huergo (b), Franco Pinna (d, bombo), Julio Santillán (g on #3 & 5), Ernesto Klar (electronics on #7)
Composiciones: 1.Alegría
(8:04); 2.La Procesión (11:37); 3.Una Más (8:08);
4.Coral (10:17); 5.Espiritu Mágico (7:38); 6.Lux (3:16);
7.El Grito Sagrado (5:01); 8.La Vida Sigue (10:42); 9.Naif (7:47);
10.Y así se Va (6:00)
Duración: 1h 18min 28seg
Todos los temas compuestos por Ablanedo, excepto #7, compuesta por Ernesto Klar y Pablo Ablanedo. Grababo en los Peter Karl Studios Brooklin de Nueva York, en agosto de 2002. Mezclado por Fredick Rubens en los Looking Glass Studios, NYC; masterizado por Nathan James en los Hill Factory Studios, NYC. Producido por Fredick Rubens y Pablo Ablanedo, excepto #7 coproducida por Ernesto Klar y Pablo Ablanedo. Producción ejecutiva: Jordi Pujol.
Editado en 2002 por Fresh Sound New Talent FSNT-156CD
http://www.freshsoundrecords.com
Comentario: La formación de octeto es algo bastante extraño de encontrar a día de hoy. El uso de los recursos necesarios para sacar a la luz un trabajo con esta formación, tanto a nivel humano (para la grabación y posterior promoción del disco) como a nivel compositivo, parece limitar mucho la producción. Pablo Ablanedo afronta el reto, a sabiendas de que cuenta con el apoyo y la impresionante actualidad de los músicos de Fresh Sound New Talent. Sirvan como ejemplo Ben Monder, Jerome Sabbagh, Taylor Haskins, Fernando Huergo o Chris Cheek.
El resultado es impresionante: las sucesivas escuchas del disco consiguen ir desgranando poco a poco una fruta de sabor intenso, repleta de matices y sutiles cambios de forma. El violín de Jenny Scheinman se introduce como un cuchillo afilado entre la trompeta y los saxos en Alegría, y las notas de la guitarra de Monder quedan en suspenso sobre el colorido tapiz tejido por violín, piano, vientos y platos de batería. Una Más, Espíritu Mágico y La Vida Sigue son temas que impactan por cómo van girando, por cómo las melodías son abrazadas por todo el conjunto, y cómo éstas son interpretadas por uno de los solistas, y cómo la estela que éste desprende es recogida por un segundo instrumento, y así sucesivamente, hasta que todo el peso del tema se desploma sobre el suelo, sobre la trompeta, el piano o el silencio, y cómo éste vuelve a levantarse ayudado por el resto de arreglos orquestales. Como un témpano de hielo se erige sobre las demás composiciones El Grito Sagrado: la electrónica de Ernesto Klar y la voz susurrante de Ablanedo, recitando los dos primeros versos del himno nacional argentino, consiguen, además de asustar en el sentido literal, proyectar el concepto del disco.
Alegría, en palabras de Ablanedo, es una alusión a la satisfacción que al autor le produce el poder crear música, al júbilo que encuentra en cultivar y cuidar ese pequeño rincón interior. El primer disco de Ablanedo, From Down There (FSNT, 2000) tuvo una estupenda respuesta de público y crítica, y quizás haya sido en el júbilo generado por esta respuesta donde Ablanedo ha encontrado la inspiración para componer y arreglar Alegría. De ser así, no alcanzo a imaginar qué magnitud tendrá el siguiente trabajo de este argentino. Algunos entremeses pueden ir degustándose con el trabajo de coordinación que ha llevado a cabo en la grabación y edición de The Sound Of New York Jazz Underground (FSNT, 2003).
Sergio Masferrer
Composiciones: Goes Blue (Ximo Tébar); Love You (Cole Porter); Laura (D.Raskin & J.Mercer); The Days of Wine and Roses (Henriy Mancini); Invitation (B.Kaper & P.Webster); Midnight Creeper (Lou Donaldson); Come to Me (Ximo Tébar); Blues Walk (Lou Donaldson)
Músicos: Ximo Tébar (guitarra eléctrica), Dr. Lonnie Smith (órgano), Idris Muhammad (batería); Lou Donaldson (saxo alto en temas 3, 6 y 8)
Grabado en directo en Sintonia (Madrid), Noviembre
de 1998.
Nuevos Medios 15 809 CD
Comentario: Tercer álbum de la serie "The Jazz Guitar Trio" en la que Ximo Tébar se ha acercado al tradicional formato de guitarra, órgano y batería. En este caso, acompañado por Dr. Lonnie Smith al Hammond B-3 e Idris Muhammad a los elementos percusivos, el valenciano se centra en el blues como forma de expresión (el título es una meridiana declaración de intenciones). Para la ocasión, además, el combo se amplía a cuarteto en tres de los temas gracias a la inestimable presencia del maestro Lou Donaldson al saxo alto (pasaba por allí, y se quedó a grabar).
Pocas opiniones podrán ir en contra del resultado musical. Ximo siempre ha demostrado un profundo conocimiento del blues en su forma de improvisar, y en este Goes Blue, más allá de hacer un buen trabajo, el guitarrista demuestra pausa, relajación, sabiduría, control y mucha, mucha pasión. Otro elemento reseñable es el lenguaje personal de Tébar, capaz de asimilar grandes influencias, pero nunca de copiar. En un contexto en que la figura de Kenny Burrell podría pesar demasiado, el trío suena con peso propio, con total dominio de la situación y un sabor genuino, como si estuvieran tocando en la misma sala en que se encuentra el oyente en ese momento.
Mientras Ximo disfruta citando melodías en sus solos, cuenta con el rocoso soporte rítmico de Idris Muhammad, garantía de calidad a la batería, mezclando seguridad y creatividad a partes iguales. Dr. Lonnie Smith, por su parte, hace un acompañamiento sutil y delicado, desplegando todo un arsenal de recursos cuando le llega el turno de solear. La presencia de Lou Donaldson aporta un delicioso contraste y no desentona en absoluto, siendo la auténtica guinda de un sabroso pastel. Entre los momentos memorables de la grabación se encuentra la vertiginosa improvisación de Tébar en el Porteriano I Love You, la introducción a guitarra sola de la bonita versión en bossa nova del clásico Days of Wine and Roses, el ambiente oscuro que el trío sabe imprimir a partir de los acordes menores de Invitation (el corte más largo del CD) o el divertido shuffle de Midnight Creeper.
Arturo Mora Rioja, 2005
Composiciones: Ginger Bread Boy (Jimmy Heath);
But Not For Me (George & Ira Gershwin); Nica's Dream
(Horace Silver); Donna Lee (Charlie Parker); You Don't Know
What Love Is (De Paul & Raye); St. Thomas (Sonny Rollins);
Sugar (Stanley Turrentine); The Champ (Dizzy Gillespie)
Músicos: Ximo Tébar (guitarra eléctrica y voz), Joey DeFrancesco (órgano, trompeta), Idris Muhammad (batería)
Grabado en directo en Jamboree (Barcelona),
Diciembre de 1999
Omix 04012 CD
Comentario: Y como no hay
dos sin tres, tampoco hay tres sin cuatro. Para la cuarta
(y hasta ahora última) entrega de "The Jazz
Guitar Trio", Ximo Tébar ha vuelto a reclutar
al excelente Idris Muhammad a la batería, pero en
esta ocasión el experto en órgano Hammond
B-3 es Joey DeFrancesco, un enorme músico en un momento
brillante de su carrera. También cambia el escenario,
en esta ocasión el de la barcelonesa sala Jamboree,
en directo y con público. Si las tres ediciones anteriores
de la serie habían dejado claro el nivel y la calidad
de Ximo, en The Champs demuestra, además, una enorme
madurez, siendo, posiblemente, la mejor de las cuatro grabaciones.
Y qué bien que la mejor grabación de un músico
sea siempre la última, ¿verdad?
Gran culpa de ello tendrá la elección de los
temas, buenos y compensados. En The Champs el concepto de
creatividad se basa en la soltura, la relajación
y la concepción de una atmósfera cálida
e intensa a la vez. Ese buen ambiente se nota en los simpáticos
devaneos de DeFrancesco con la trompeta en el Gershwiniano
But Not For Me, o en la larga e impresionante rendición
de Nica's Dream, una auténtica delicia. Hasta los
temas lanzados, como el Parkeriano Donna Lee (cada día
que pasa crece enteros el rumor de que fue Miles Davis quien
lo compuso), imprimen una sensación de reposo y total
control, muy por encima de la demostración técnica
que se presupone. DeFrancesco demuestra las mejores cualidades
de los músicos jóvenes, aunando un fraseo
contemporáneo, curtido en mil batallas de aprendizaje
y heredero de múltiples y variadas influencias, con
un total respeto a la más pura tradición jazzística.
Da gusto escuchar a Ximo y a Joey alternarse, apoyarse,
hablar entre ellos. Como da gusto fijarse con detenimiento
en el trabajo de Idris Muhammad. No puede haber mejor batería
para esta formación.
Y, así, el disco avanza, entre la deliciosa You Don't Know What Love Is donde Joey hace sus pinitos a la trompeta, el caribeño acercamiento al St.Thomas de Sonny Rollins o el corte final, el que da título al disco. Un buen tema de Dizzy Gillespie con melodía repetitiva donde el grupo dice adiós, o más bien esperemos que sea un hasta luego, porque a Ximo y sus formaciones de trío les queda cuerda para rato.
Arturo Mora Rioja, 2005
Composiciones: Embrujado (Tébar);
Brújula (Tébar/Andújar); Todo
se mueve (Tébar/Casañ); Naima (Coltrane);
Quinta Managua (Tébar); No Peeking (Mossman);
Confía el Final (Tébar/Andújar);
Mr. Benson (Tébar); Uiri Ba Bobuba (Tébar);
Teen Town (Pastorius); Tabasco para Johnny (Tébar);
Treinta de Marzo (Tébar)
Músicos: Ximo Tébar (guitarra eléctrica, scat, programación de batería y efectos, pads de sintetizador, coros), Ester Andújar (voz), Miquel Gil (voz), Arantxa Domínguez (coros), Sergio Marciano (rap, coros, bongo, shaker, güiro, campana), Ricardo Belda (Rhodes, piano), César Giner (bajo eléctrico), Wilson "Chembo" Corniel (congas), Pepe Cantó (percusión), Esteve Pí (batería), Santi Navalón (Rhodes, sintetizadores y teclados), Julian Vaughn (batería), José Manuel Casañ (voz), David Pastor (trompeta), Javier Mustieles (Rhodes, órgano, moog, sintetizadores y teclados), Joey Dragland (coros), Ben Sidran (rap, Wurlitzer, teclados), Michael Philip Mossman (trompeta)
Grabado en Alameda Estudios, La Sala,
Estudis Tabalet y AC Estudis (Valencia), Junio a Noviembre
2002
OMIX 030007
Comentario: Pues no sólo de trío de guitarra jazzística vive el hombre. Ximo Tébar tiene mucho de camaleón, con lo bueno y lo malo que eso supone. Su formato fusionero de aires mediterráneos, aquél que ya presentara en grabaciones como Son Mediterráneo o Homepage, le ha hecho acreedor al conocimiento por parte de un segmento más amplio de público (y a la presencia en escenarios más prestigiosos), al igual que a las críticas por parte de un número importante de aficionados a su trabajo más "straight ahead".
Y es que, encima, en este Embrujado
el valenciano se aleja por completo de su lado más
jazzístico, incluso de esa suave calidez, casi
homenaje al Pat Metheny Group, presente en su anterior
entrega en este formato. En este caso la deuda estilística
la contrae con el George Benson de los años
setenta, el de discos como Breezin', al que incluso
dedica el corte Mr. Benson. Las simples melodías
son descritas por la preciosa voz de Ester Andújar,
incluyendo letra en castellano en varios temas, e
incluso por el vocalista de Seguridad Social, José
Manuel Casañ, en uno de ellos (Todo se mueve).
La rockera base de batería, los acaramelados
arreglos y la falta de profundidad en lo que a improvisaciones
se refiere, hace que el resultado final navegue (y
a veces naufrague) entre la fusión más
comercial de los años ochenta y el pop americano
más edulcorado.
Entre el plantel presente en la grabación cabe
destacar el buen hacer del bajista César Giner,
seguro e imaginativo durante todo el disco. Disco
que se hace excesivamente largo, dada la monotonía
del tratamiento. Los mayores puntos negros se encuentran,
precisamente, en las versiones cuyo cometido debería
ser añadir contraste. La coltraniana Naima
pierde por completo su carácter pseudo-místico,
y la rearmonización del Teen Town de Jaco Pastorius
(que Ximo explica en la carpetilla del disco) no es
suficiente aportación para un tema ya revisionado
a diestro y siniestro por músicos del género.
Tan sólo el cierre final a guitarra sola de Treinta de marzo nos recuerda que, frivolidades aparte, en Ximo tenemos a un pedazo de guitarrista, y a un pedazo de músico. El hecho de que Embrujado sea, posiblemente, su trabajo más errático, no resta mérito a la carrera del valenciano, abanderado del buen jazz en cualquiera de sus formatos. Son los peligros de ser un camaleón.
Arturo Mora Rioja, 2005
Composiciones:
1.- All Up In It 2.- Frida K. The Beautiful 3.- Trident
4.- Spiraling Out 5.- Pooch (For Wilber Morris) 6.-
A Time To 7/8.- Last Minute Trip (Part One, Part Two)
9.- Poppa's Gin In The Chicken Feed 10.- Robinia Pseudoacacia
Duración total 48:18
Temas compuestos por 1: Tryptych Mith / 2, 4, 5, 6,
9, 10: Cooper-Moore / 3: Tom Abbs / 7, 8: Chad Taylor
Músicos: Cooper-Moore (piano), Tom Abbs (contrabajo), Chad Taylor (batería)
Grabado el 31 de marzo de 2005. Producido
por Steven Joerg y Triptych Myth. Editado en 2005
Aum Fidelity. AUM035 http://www.aumfidelity.com
Comentario:
Uno de los aspectos más interesantes del jazz
hoy en día es la cantidad de sorpresas que puede
uno llegar a encontrarse dada la relativa facilidad
que los músicos están encontrando para
que su música sea editada y distribuída,
gracias en especial a Internet: un medio que de algún
modo ha permitido universalizar el acceso a la música...
siempre que se tengan los medios tecnológicos
y económicos necesarios
The Beautiful, la grabación aquí comentada
y editada por el sello americano AUM Fidelity que dirige
Steven Joerg, es una de esas sorpresas. Y no es por
que Cooper-Moore, Tom Abbs o Chad Taylor sean unos músicos
desconocidos. Tampoco por que en este disco estén
redefiniendo las bases del trio jazzístico por
excelencia de aquí hacia el futuro. Tampoco por
el conocimiento de la historia jazzística que
demuestran, de un modo más visible por parte
del pianista. El motivo de la sorpresa es el grupo como
unidad. Una entidad que funciona con vida propia, independiente
pero complementada en sus integrantes. Estos son capaces
de aportar a las composiciones esa vida interior que
en un momento determinado logra llegar al oyente, engancharlo
y emocionarlo. Estos tres músicos despliegan
sus capacidades, no con un ánimo académico
y enciclopédico de apabullar, sino como herramientas
que les dan la capacidad de crear una obra que recorre
momentos muy diferentes, en dónde momentos de
gran tensión son seguidos de otros de gran lirismo
y en dónde del mismo modo recurren a la complejidad
que a la belleza de la simplicidad.
Una sorpresa: otro de esos discos (y hay muchos), que
seguramente pasará sin ni siquiera merecer un
acercamiento por parte de muchos aficionados (uno de
los problemas derivados de la gran abundancia de grabaciones
tanto actuales como pasadas disponibles en este momento
por distintos medios) previo a proporcionarle el reconocimiento
que merecería.
José Francisco Tapiz
Romano,
Sclavis, Texier, Le Querrec - Carnet Des Routes
Romano, Sclavis, Texier, Le Querrec - Carnet Des Routes. Suite
Africaine.
Henri Texier Quartet - La compañera
Romano, Sclavis, Texier, Le Querrec - Carnet Des
Routes
Composiciones: 1.- standing ovation (Aldo
Romano) 4:26 2.- vol (Louis Sclavis) 6:02 3.- daoulagad (a
glq) (Henri Texier) 6:18 4.- bororo dance (Aldo Romano) 6:46
5.- annobon (Aldo Romano) 5:02 6.- les petits lits blancs(Louis
Sclavis) 6:55 7.- flash memoire (Louis Sclavis) 3:25 8.- korokoro
(Henri Texier) 5:17 9.- entrave (Henri Texier) 3:29
Músicos: Louis Sclavis (clarinete,
saxo soprano), Henri Texier (contrabajo), Aldo Romano (batería),
Guy LeQuerrec (Laica)
LBLC 6659
Romano, Sclavis, Texier, Le Querrec - Carnet Des
Routes. Suite Africaine.
Composiciones: 01.- Hauts Plateaux 4:43
02.- Bois Croisés 2:04 03.- Soweto Sorrow 4:07 04.-
Ggaba 4:15 05.- Windhoek Suite 7:53 06.- Pingouin 1:53 07.-
Guy Danse 3:58 08.- Water Buffalo 5:32 09.- Sur Le Lac 6:08
10.- Impala 1:46 11.- P'tit Môme 1:58 12.- Soul Is Free
5:23 13.- Girafe 1:54 14.- Ombrelles 1:44 15.- Bob De Klipton
5:47
LBLC 6609
Henri Texier Quartet - La compañera
Composiciones: 1.- Não Incomodar (H.Texier)
6:50 2.- Nebbia (H.Texier) 8:10 3.- Resistance (H.Texier)
3:50 4.- Hyeoka (H.Texier) 5:30 5.- Zum Beispiel (De Schepper)
6:48 6.- Terra Negra (H.Texier) 4:05 7.- La Compañera
(H.Texier) 2:35
Músicos: Jacques Mahieux (batería),
Philippe De Schepper (guitarra), Henri Texier (contrabajo),
Louis Sclavis (Clarinetes y saxofón). Invitado Michel
Marre (trompeta y corneta en 2 y 6)
Grabado en febrero de 1983. Editado en 1989.
LBLC 6525
Editados por Label Bleu. http://www.label-bleu.com Distribuídos por Karonte
Comentario: A la espera de la tercera entrega discográfica del trio Romano - Sclavis - Texier, no sin cierta impaciencia por parte de algunos aficionados entre los que me incluyo, no está de más el buceo por el fondo de catálogo del sello francés Label Bleu. Una búsqueda no exhaustiva permite toparse de buenas a primeras con obras de primera categoría, algunas de las cuales (en concreto las del trio señalado), claman desde su ausencia en alguna de las guías de referencia (la Penguin Jazz On Cd en cualquiera de sus ediciones), usadas por multitud de aficionados.
Comenzando cronológicamente con la primera de las tres obras comentadas, La Compañera, nos encontramos con el cuarteto de Henri Texier. Entre sus integrantes hayamos al imprescindible saxofonista y clarinetista procedente de ARFI Louis Sclavis. Esta formación en un par de temas se incrementa hasta el formato de quinteto con la incorporación del trompetista Michel Marre. Grabado en 1983, presenta una estructura típica en los discos de aquellos años: cinco temas, con una duración total de apenas 38 minutos, obligada sin duda por la limitación en la extensión de los vinilos. Aquí todas las piezas son obra de Texier (salvo Zum Beispiel). En ellas nos encontramos con ciertos elementos que anticipan lo ofrecido en trabajos posteriores: búsqueda de la melodía, la exploración en ciertos momentos por terrenos cercanos al free y la libre improvisación, un gran sentido del ritmo y la impresión de estar ante un grupo compacto. En este caso y además del trabajo de un compañero de primera, como es Louis Sclavis, cuenta con el nada desdeñable el trabajo de Jacques Mahieux o la guitarra eléctrica de Philippe De Schepper. Como se ha señalado, este es Un disco que permite adivinar muchas claves posteriores y con algunas composiciones en la línea de lo mejor del contrabajista francés: Nao Incomodar, Resistance, Hyeoka o Terra Negra.
Las joyas de esta triada son las editadas a nombre del cuarteto
Texier-Sclavis-Romano más el fotógrafo Guy LeQuerrec,
que aparece en los créditos con su Laica. Dos obras
que merecen la penta tanto por su aspecto musical como por
el fotográfico. Comenzando por este último aspecto,
los amplios libretos que acompañan a estas grabaciones
recogen visualmente el periplo de los músicos y el
fotógrafo por Africa, en un recorrido que les sirvió
(¡y cómo!) como fuente de inspiración
musical.
Musicalmente ambas presentan algunas similitudes a la vez
que disparidades.
Carnet Des Routes presenta menos piezas, aunque más extensas, aportadas en igual número por cada uno de los músicos. Grabada en 1994 y 1995 e inspirada por sendos viajes que tuvieron lugar en 1990 y 1993, recoge dos temas maravillosos como son Annobon (Aldo Romano) y Les Petits Lits Blancs (Louis Sclavis)... dos piezas que no hacen desentonar en demasía al resto de las composiciones. En estas se rastrean influencias africanas, rockeras (ya les gustaría a algunos grupos de rock tener a un batería con la potencia, precisión y verstilidad de Aldo Romano) o del jazz especialmente en su vertiente de inspiración europea.
Estas mismas influencias son las que recoge Suite Africaine, obra grabada en 1999 e inspirada por un viaje realizado en 1997. En este caso a las piezas más o menos largas compuestas por cada uno de los músicos, se añaden otras más cortas. Estas en algunos momentos aparecen como puros esbozos de melodías. También son utilizadas como puentes en esta suite, en algunos momentos para mostrar el trabajo a solo y en otros casos para trabajar en improvisaciones del grupo. A pesar de no tener unas piezas tan redondas como las señaladas en Carnet Des Routes, el resultado final es más equilibrado en cuanto a la composicion, evitando el posible efecto eclipse que pudieran tener dos piezas de este nivel. En definitiva y a la espera de la tercera entrega de este grupo de título African Flashback, estos son dos discos más que recomendables.
José Francisco Tapiz
Músicos: Anthony
Bianco (Batería y cimbales), Magnus Alexanderson
(guitarra eléctrica y Loops), Jair-Rohm Parker Wells
(Fitcher electric double bass y Loops)
Composiciones: 1-3 Steamroot Variations 58:11 (part
1 18:36, part 2 12:09, part 3 27:26) 4 Life | less 4:36
Grabado directamente a Pro Tools en Steamroom,
East London, el 28 de agosto de 2004.
Editado en 2005 por Red Toucan Records. RT9328 http://www3.sympatico.ca/cactus.red
Comentario: A medio camino entre la libre improvisación, el post-rock y el noise se mueve la propuesta de Decision Dream, en una grabación en directo en el estudio de este trio con formación típicamente rockera. El núcleo fundamental lo compone la larga Steamroom Variations. De casi una hora de duración y dividida en tres partes recorre diversos ambientes y paisajes, que hacen de esta una obra bien interesante y variada. Una pieza no sólo para aficionados al jazz, sino también al rock en un sentido amplio.
Música para escuchar sin prejuicios... como casi toda, por otra parte.
José Francisco Tapiz
The Cosmosamatics - Zetrons
Músicos: Sonny Simmons
(saxo alto, corno inglés), Michael Marcus (saxo tenor,
clarinete bajo), Masa Kamaguchi (contrabajo), Jay Rosen (batería)
Composiciones: 1.- Crossroads Out! (S.Simmons)
9:54 2.- Road Dogg (M.Marcus) 7:41 3.-Mingus Mangus (S.Simmons)
11:32 4.- Serene (Eric Dolphy) 5:38 5.- Shining Winds (M.Marcus)
6:38 6.- Harmonious Beautious (M.Marcus) 7:02 7.- Dance Of
The Zetrons (M.Marcus) 8:52 8.- 12 Seasons Of Love (M.Marcus)
8:36
Grabado en directo: 1, 2, 5-7 en Alchemia,
Cracovia, Polonia. 25-XI-2004. 3-4 en Bimhuis, Amsterdam,
Holanda. 13-XI-2004. 8 en Porgy & Bess, Viena, Austria.
22-XI-2004
Editado en 2005 por Not Two Records http://www.nottwo.com.
MW 764-2
Comentario:
Zetrons hace la séptima referencia, segunda en el sello
polaco NotTwo, del grupo Cosmosamatics. Este es un cuarteto
de formación variable en cuanto a sus integrantes pero
liderado por dos saxofonistas: el histórico Sonny Simmons
y el también clarinetista bajo Michael Marcus.
Zetrons recoge el estado de este grupo, que completan en esta
ocasión el batería Jay Rosen (con orientación
funkie en algún momento) y el contrabajista Masa Kamaguchi,
a finales del pasado 2004, por medio de la edición
de unos temas en directo, regogidos en Polonia (Club Alchemia),
Holanda (Bimhuis) y Viena (Porgy & Bess).
Más allá de las referencias al free y lo que
ello pueda implicar (falsamente), en las 8 piezas predominan
además de un nivel instrumental y una interacción
más que notables, la composición y los arreglos
(Shining Winds o la balada Harmonious Beautious). Todo ello
sin olvidar tampoco las referencias a un hard-bop moderno
y actual (Crossroads Out!), una preciosidad (bailable) como
Dance Of Zetrons, los homenajes a Charles Mingus (Mingus Mangus)
o las visitas al legado de Eric Dolphy (Serene). Un detalle
a destacar a pesar de estar recogido en directo es la falta
de aplausos (presentes discretamente en alguno de los temas),
lo que permite concentrarse en una grabación más
que recomendable. En el fondo, un buen disco con algo tan
sencillo como música basada en la tradición
y el buen gusto.
José Francisco Tapiz
Músicos: Håvard Wiik (p); Ingebrigt Håker Flaten (cb); Paal Nilssen-Love (bat); Magnus Broo (tp); Fredrik Ljungkvist (st, cl bajo)
Composiciones:
Disco 1: Geometrical Restlessness 5:54 Feets From Above 8:33
Kerosene 12:34 Leave Stacy 6:39 Boom Boom 13:38
Disco 2: Den Flyktiga Magneten 6:00 El Coto 10:04 Bop About
7:37 Alla Dansar Samba Til Tyst Musik 12:21 Konrad Hopp Om
Livet 9:49
Disco 3: Toner Fran För 6:01 Alla Dansar Samba Til Tyst
Musik 12:21 Hyper 6:10 Kerosene 13:20 Re-Lee 6:47 Boom Boom
13:32
Grabado en directo en marzo y julio de 2004.
Editado por JazzLand Records en 2005 http://www.jazzlandrec.com/
Jazzland Rec 0602498715406
Comentario:
The Bikini Tapes: tercera obra a nombre de Atomic (cuarta
si se tiene en cuenta el doble compacto Nuclear Assembly Hall,
editada en 2003 por Okka Disk, con titularidad y formación
compartidas y complementadas con el grupo School Days) en
formato de triple compacto grabado en directo. Más
allá de ser un recopilatorio de grandes éxitos
(a pesar del gran éxito que el grupo ha logrado cosechar
en su existencia y la juventud de sus integrantes), el disco
sirve para mostrar una parte de su potencia en directo para
una propuesta fuertemente melódica en sus partes escritas
y que bebe del free y de sus derivaciones en la parte desarrollada
libremente a lo largo de las improvisaciones.
A lo largo de los tres compactos el grupo realiza un recorrido
por su discografía, presentando como novedad cuatro
cortes inéditos. De su primer disco Feet Music recuperan
dos piezas. Esta obra no permitía adivinar ni de lejos
lo que han mostrado posteriormente, especialmente en sus directos.
Allí destacaban por encima de todo el tandem rítmico
conformado por Paal Nilssen-Love a la batería e Ingebrigt
Håker Flaten al contrabajo, frente a unos compañeros
bastante por detrás en cuanto a niveles de creatividad
y ejecución instrumental. En estos momentos y especialmente
en sus directo, todos sus integrantes muestran un nivel más
que notable, con una evolución se podría decir
que asombrosa para el trompetista Magnus Broo, el saxofonista
Fredrik Ljungkvist y en menor medida el pianista Håvard
Wiik.
Puesto que este directo corresponde a unos conciertos posteriores
a la edición de su segundo disco, de título
Boom Boom, nueve piezas pertenecen a esta grabación.
Entre ellas se incluyen dos magníficas lecturas del
tema que daba título a esta obra, otras dos de Alla
Dansar Samba Til Tyst Musik y una más que tremenda
versión en directo de Re-Lee. Un tema que en esta ocasión
pasa de lo puramente testimonial en su grabación en
estudio a mostrar en qué se puede transformar esta
pieza en el fragor del directo. Todo gracias a una más
que efectiva ronda de solos-retos de duración decreciente
por parte del pianista, el trompetista y el saxofonista.
Tampoco olvidan un recuerdo al más que recomendable
Nuclear Assembly Hall. De esta obra recuperan Kerosene en
un par de lecturas. A pesar de no ser una versión del
tremendo tema de los Big Black del músico y productor
de Chicago Steve Albini, el tema no es nada desdeñable.
En cuanto a las piezas inéditas, el grupo continúa
con su el grupo continúa con su trabajo basado en las
melodías para la parte compuesta y la libertad en la
parte improvisada. Destaca sobre ellas Leave Stacy, un bonito
y sentido homenaje al gran Steve Lacy.
Y la pregunta: ¿puede resultar excesivo este triple
compacto en directo? No, a la vista de sus directos y del
nivel de estas tres horas de Atomic en directo. Puede parecer
excesivo, pero se podría decir que es más que
recomendable. Jazz para todos los públicos, sí,
pero no por ello exento de calidad.
José Francisco Tapiz
Composiciones: 1. Paseo
de los melancólicos 2. Como tu quieras 3. Patio chico
4. Zahora 5. Torre de babel 6. Gato blanco, gato negro 7.
Los zapatos de Candela 8. Canción para Rubén
Músicos: José María Carlés
(Piano); Llibert Fortuny (Saxo alto); Ramón Cardo (Saxo
tenor); Chris Higgins (Contrabajo); Chris Kase (Trompeta);
Marc Miralta (Batería)
Editado en 2005 por NUBA RECORDS. Distribuído por KARONTE
Comentario: Hay obras
musicales que se escuchan con la vista; esta es una de ellas,
composiciones y arreglos, músicos elegidos con mimo,
esmero y capricho. ¡Lo que Carlés lleva en la
mente para cada uno!.
Elegancia, sutilidad, lujo y dedicatorias, Carlés hace
y deja hacer en absoluta armonía siendo líder
sin dejar de ser el centro de su obra.
Obra de marcada linealidad alta que recorre los temas con
escalas repetitivas y ascendentes con juego de silencios.
¿Por qué Torre de Babel, si todos los músicos
hablan el mismo idioma bep-bop, swing e ideas convergentes
que parten de Carlés?
Este disco me recuerda a We Will Meet Again de Bill Evans
(1979) en instrumentación y filosofía. Esto
no quiere decir que éste esté basado en aquel
ni mucho menos ya que ambas obras mantienen personalidad propia.
Paseo de los Melancólicos -¿dedicado al Atléti?
¡Forza Carlés!- Paseo del grupo como pequeña
big-band, sucediéndose los solos de Fortuny, Kase y
Carlés con destacados arreglos en los metales y final
contundente.
Como tú quieras, destaca -a mi particular modo de ver-
el solo breve y vanguardista de Chacón, menos bop de
lo esperado.
Patio Chico. ¡Vaya susto! El tema está dedicado
a la memoria Antonio José Gómez y no a Antonio
Jiménez como reza en las notas interiores del encarte
en inglés. Destacan los solos de Kase y Carlés.
Torre de Babel, balada dedicada a la hoy su pareja -Noelia-
y, al día en el que la conoció, marcado a fuego
en el calendario de su corazón. Serena conversación
de Cardo y Carlés, al que no podía faltar Higgins,
con desvanecido final.
Gato blanco, gato negro. ¿Dedicada a Emir Kusturica
-Gato negro, gato blanco de 1998? Destacable la labor de Fortuny
al saxo alto al que le sigue un solo de Marc realmente original
con más “nueces que ruido”.
Los zapatos de Candela, para su hija del mismo nombre. Caracterizado
por las pinceladas de color y elegancia de Chacón,
el baladista Carlés y el dialogante Higgins con final
indolente.
Con Canción para Rubén -a su hijo del mismo
nombre- se cierra el disco. Quietud, tranquilidad y la sutil
elegancia de Chacón en primer plano, Ramón después
y, siempre Carlés en el fondo de forma callada y tímida
pero siempre presente. El tema concluye en una marcha de los
músicos en la lejanía.
Torre de Babel es un capricho de José María
para si y, para todos. ¡No os privéis!
Composiciones: 1. Sunwind 7:44 2. Cató-scopio
6:06 3. Soliloquio 7:27 4. Cyborg 7:33 5. Rosa dels vents
6:31 6. Ziribuye 5:52 7. Maya 2:13 8. Epicuro 6:09 9. Ni Mari
ni Hostias 5:52
Músicos: Perico Sambeat (saxos, flauta); Raynald
Colom (trompeta); Toni Belenguer (trombón); José
Reinoso (piano, teclados); Paco Charlín (contrabajo);
Marc Ayza (batería).
Editado en 2005 por Contrabaix. Distribuído
por Karonte.
Comentario: Después del aclamado Friendship
-ACT 2003-, que tan buena acogida tuvo entre críticos
y público aparece este Ziribuye, que si bien no cuenta
con el elenco de figuras que aquel -Brad Mehldau, Kurt Rosenwinkel,
Ben Street, Jeff Ballard- atesora una calidad sobrada y probada,
con el mismo nivel internacional y, además, con músicos
casi en su totalidad españoles, a excepción
del uruguayo J.Reinoso.
Ziribuye nos cuenta la historia de un pueblo nómada
-Los Zlot-, acostumbrado a saltar de un planeta a otro, que
llega a su fin al ser atraídos por la gravedad solar
al huir del fuego de su último planeta -idea de parecido
pelaje al apuntado por autores como Erich Von Daniken en “Regreso
a las estrellas” y “Recuerdos del futuro”- y, aún diría
mas, incluso el diseño de portada corresponde al título
de “Saltalunas jugando en el suelo de Gaia” -Rhea Marmentini
2005-.
En lo estrictamente musical la obra se caracteriza por ser
miscelánea, caleidoscópica y rica en colores
y timbres. Temas como Sunwind, donde el cristalino fender
de Reinoso nos sirve como amanecer -al comienzo- y lluvioso
después en la lejanía, con solos de Raynald,
el propio Reinoso y Perico; Cyborg donde la guitarra bajo
de Charlín marca el ritmo de forma constante y repetitiva,
recordando en el juego de metales y teclados disonantes a
grupos de fusión como Matrix -John Harmon- e incluso
al sello CTI; Ziribuye, el tema mas free, disonante, vanguardista
de todo el disco -¿Art Ensemble of Chicago?- que parte
del caos -saxo, trompeta y fender- para llegar a la reflexión
con el excelente solo de Colom y las originales atmósferas
de Reinoso en un segundo plano muy presente, para retornar
sucio y caótico al final.
Y de estas lunas saltamos a Maya -¿la madre de Buda?.
¿Ilusión de los budistas? Belleza baladista,
melodía exquisita a la flauta de Perico, armonía
en el piano de Reinoso y, percusiones de Marc en la mejor
línea de new age.
Rosa de los vientos, es el tema vocal para lucimiento de Elma Sambeat, de voz cristalina y aterciopelada -¡como la seda-; ¡los solos de Belenguer y Reinoso solo suponen un paréntesis en el cobrado protagonismo de Elma, que en su scatear recuerda a Flora Purim.
Cató-Scopio, es un ejercicio de bop interpretado a velocidad de vértigo en los dialogos.
Soliloquio, balada con escobillas, saxo y fiscorno que dan paso al solo de contrabajo de Charlín y al sonido feelin de Perico recordando a Paul Gonsalves -Cleopatra,Impulse 1963-.
Epicuro y Ni Mari ni Hostias, son para el lucimiento individual
de Belenguer, Reinoso y Perico, en el primero de ellos y Colom
a trompeta abierta, Perico, el fender de Reinoso y el trombon
de Belenguer en el segundo.
En definitiva un disco diferente a otras cosas grabadas con
anterioridad por Perico, que no solo no desmerece sino que
muy al contrario enaltece.
Músicos: Philip Catherine (guitarra), Bert Joris (trompeta) y la Brussels Jazz Orchestra.
Grabado los días 3, 4 y 5 de Enero
2005
Dreyfus Jazz
FDM 36675-2
Comentario: Los
discos de big bands junto con instrumentos solistas son
sin lugar a duda, una de las grandes tradiciones del jazz
de todos los tiempos. Instrumentos solistas como el piano,
el saxo, la trompeta o la guitarra han sido protagonista
de tales eventos, y prueba de ello son la gran cantidad
de grabaciones que han quedado para el disfrute de los
aficionados; algunas de ellas piezas imprescindibles de
la historia del jazz.
El presente disco que nos ocupa, es el maestro belga de
la guitarra Philip Catherine, junto con su colaborador
habitual el trompetista Bert Joris, quienes llevan a cabo
la última grabación del guitarrista, estupendamente
secundados por la Brussels Jazz Orchestra.
El cedé se encuentra conformado por música
completamente original de Catherine, a excepción
del tema de Duke Ellington “In a Sentimental Mood”, mientras
que los arreglos de toda la música es llevada cabo
por Bert Joris.
El resultado de todo este planteamiento es una música
efectiva, con melodías bellas, líricas y
sensuales mientras que en otros momentos la música
se torna rítmica y llena de swing. De todo ello
Catherine es un consumado maestro, (su carrera discográfica
así nos lo corrobora), demostrándolo a lo
largo de toda la grabación, y a través de
un sonido limpio y cristalino, extrayendo texturas, matices
y “colores” de todas las composiciones; claro ejemplo
de ellos, son los temas “Letter from My Mother”, “December
26th (in tempo)” o la estupenda recreación del
tema “In a Sentimental Mood”. Por el contrario, las participaciones
de Bert Joris (tanto a la trompeta como al flughelhorn)
son el contrapunto y el complemento perfecto a la guitarra
de Catherine, por su pulcritud y majestuosidad. En el
otro lado de la grabación se encuentra la participación
de la Brussels Jazz Orchestra, que es el “instrumento”
refinado para ejecutar y desarrollar la música
del guitarrista y los arreglos del trompetista, todo ello
tanto con gran solvencia rítmica y swing.
El último disco de Philip Catherine con la Brussels
Jazz Orchestra hará las delicias de los aficionados
tanto a la guitarra como a las big bands, y el resultado
de todo ello es una música agradable, nunca monótona
ni aburrida, de principio a fin. Altamente recomendable.
Juan Carlos Abelenda
Músicos: Enrico Pieranunzi (piano), Charlie Haden (contrabajo) y Paul Motian (batería).
Grabado en Roma los días 6,
7 y 8 de Marzo 2003
CAM JAZZ
CAMJ 7769-2
Comentario: Las
grabaciones del admirable pianista italiano Enrico
Pieranunzi no deberían de dejar indiferente
a ningún aficionado al piano, y mucho menos,
este “encuentro especial” con el contrabajista Charlie
Haden y el batería Paul Motian (músicos
que participaron en otro estupendo disco de este mismo
pianista, “FelliniJazz”, para el sello discográfico
Cam Jazz). La participación de Haden y Motian
son siempre garantía de éxito en una
grabación, siendo el acompañamiento
de pianistas a lo largo de los años en sus
respectivas carreras musicales ha sido superlativo,
tan sólo cabe recordar que en los años
60 fueron parte del trío de Keith Jarrett,
para pasar posteriormente a integrarse en el afamado
cuarteto americano del mismo pianista.
Con estos antecedentes, el resultado musical de la
presente grabación presenta muchos puntos de
conexión entre los tres músicos, y en
concreto una compenetración y entendimiento
total, todo ello a consecuencia de una sesión
de grabación relajada y profundamente lírica,
que propició una música elegante, melodiosa
e intuitiva, pero nunca empalagosa.
La grabación se encuentra conformada por cinco
composiciones de Pieranunzi, tres de Haden y otras
tres de standards. La mayoría de los temas
interpretados tienden a un tratamiento a medio tiempo,
muy romántico y sentimental, pero como he comentado
nunca meloso.
El tratamiento musical de los temas parte de un planteamiento
muy imaginativo, con tiempos lentos y estructuras
suaves, pero harmónicamente interesante y muy
trabajado, que deja el suficiente espacio para el
lucimiento de todos los músicos. Con estos
planteamientos, Paul Motian se encuentra “como pez
en el agua” aportando su gran sabiduría a la
batería, y teniendo como máxima musical
la extrema delicadeza y control de sus golpes, y todo
ello como base de la melodía, que es el gran
fin a conseguir, pero siempre pendiente de los desarrollos
de sus compañeros de grabación. Es el
arte de la sugerencia, el arte del silencio musical
y modelo excelso de musicalidad sin límites.
En el otro lado de la balanza, nos encontramos el
contrabajo de Charlie Haden, un músico pletórico
de recursos, en donde su instrumento cumple no sólo
las funciones rítmicas, sino también
melodiosas, donde desarrolla un gusto por los sonidos
profundos y graves, y presentando unos solos muy naturales
y extremadamente melodiosos.
Ante tales acompañantes, Enrico Pieranunzi
aporta sus mejores credenciales musicales, un gusto
musical exquisito por la melodía, por las texturas
sonoras, con claras reminiscencias e influencias de
Bill Evans, pero con un toque personal.
El resultado final de toda la grabación es
sin duda el triunfo de la música, gracias a
la perfecta complicidad entre tres artistas enamorados
de la melodía, y que revela una interacción
colectiva casi telepática, en algún
momento necesaria para el resultado final obtenido.
Sin duda alguna, un encuentro especial que no debe
de pasar por alto para los aficionados al piano.
Juan Carlos Abelenda
Músicos: Gonzalo Tejada (contrabajo), Chris Kase (trompeta y flughelhorn), Dani Pérez (guitarra), Iñaki Salvador (piano) y David Xirgú (batería)
Grabado los días 10, 11 y 12
de Diciembre de 2004
Laida ELKAR
KD-697
Comentario: En
España, las grabaciones como líder de
contrabajistas van apareciendo poco a poco en el mercado
discográfico; no con la asiduidad que nos gustaría,
aunque buena prueba de ello es el último trabajo
del contrabajista Gonzalo Tejada. Para llevar a cabo
la presente grabación, Tejada se ha rodeado
de algunos de los músicos más reconocidos
del panorama jazzístico actual, para desarrollar
un programa por completo lleno de composiciones originales,
cinco temas del contrabajista y dos del guitarrista
Dani Pérez.
Esta grabación, es de aquellas que en una primera
escucha engañan al aficionado, lo que obliga
a llevar a cabo reiteradas audiciones para apreciar
en toda su extensión tanto la música
interpretada, como las ideas que son desarrolladas.
Un primera escucha acelerada de este cedé nos
llevará a la conclusión que la música
desplegada a lo largo de los siete temas, es en muchas
ocasiones algo ligera o excesivamente suave, llegando
incluso por momentos a ciertas dosis de monotonía.
No le faltará razón a quien argumente
la anterior afirmación, pues sin duda la música
interpretada en la mayoría de los temas presenta
un planteamiento claramente dúctil y relajado,
con ciertas atmósferas y sonoridades, en especial
en el flughelhorn de Chris Kase, que recuerda en más
de una ocasión al trompetista americano Chuck
Mangione. Pero aún siendo verdad lo comentado
anteriormente, no lo es del todo, ya que hay ciertos
temas de este trabajo presentados con una ejecución
interna muy interesante. En los temas “Ziklo 2”, “Song
for Lorenzo”, “Fonteamineiro” o “Primer Movimiento”
se puede comprobar la resolución de los mismos
por parte de los músicos que acompañan
a Tejada, como por ejemplo, las aportaciones pianísticas
de Iñaki Salvador en “Ziklo 2”; o los diversos
colores que aportan las diversas guitarras que utiliza
Dani Pérez, así como los movimientos
y desarrollos armónicos que realiza en “Fonteamineiro”,
que demuestra la inteligencia y talla musical que
posee como músico; o la maestría en
la batería de Xirgú, por la sutiliza
de sus golpes y la labor de acompañamiento
a lo largo de todos los temas.
En consonancia con sus compañeros, Gonzalo
Tejada se presenta como un líder con unas ideas
claras en tanto en la presentación como en
la ejecución de sus solos, así como
un acompañante sólido y atento a los
desarrollos que llevan a cabo sus compañeros.
El resultado final del trabajo no dejará indiferente
al aficionado, pero sin duda alguna, pedirá
de éste un esfuerzo en la escucha del compacto,
para poder disfrutar de las esencias que se hallan
esparcidas en él.
Juan Carlos Abelenda
Composiciones: 1.J-zone
(5:20); 2.For colores (5:06); 3.Lonely woman (7:48);
4.You look flat (4:20); 5.You look sharp (3:36); 6.
Peace (5:01); 7.When the blues will leave (6:21);
8.Sun Ra inspiration (7:33)
Músicos: Sergi Sirvent Escué
(p); Esteban Hernández (b); Daniel Domínguez
(drums, right channel); Joe Smith (drums, left channel)
Duración: 45min
28seg
Grabado en los Estudis Moraleda, Barcelona, el 18
de julio de 2003. Ingeniero de grabación: Jordi
Vidal; producido por Sergi Sirvent; producción
ejecutiva: Jordi Pujol.
REF: FSNT-208
www.freshsoundrecords.com
Comentario: Free
Quartet, más que un disco, es una declaración
de intenciones, la exposición directa de las
influencias y del momento que vive el trío
compuesto por Sergi Sirvent, Daniel Domínguez
y Esteban Hernández.
La pronta grabación de las sesiones programadas
para el día 18 de junio de 2003 (9 muses, FSNT-193_2,
y Unexpected plays the Blues in Need, FSNT-231) brindaba
la oportunidad al trío de disponer de los estudios
de la Moraleda. El resultado: los ocho cortes que
componen Free Quartet. Si hay estándares a
día de hoy que reflejen espontaneidad, frescura
y libertad (aún siendo calificados como estándares),
éstos forman parte del legado que el cuarteto
de Ornette Coleman registró en la década
de los 60. Así, en el repertorio nos encontramos
con Lonely Woman y Peace (ambas incluidas en The Shape
of Jazz to Come, 1959). Completan el material una
tercera versión de Coleman (en los créditos
del disco se juega con el nombre original del tema:
When Will the Blues Leave? (Something Else!, 1958),
llamándose la versión When the Blues
Will Leave), una pieza que toma su estructura de un
fragmento de contrabajo de Space is the Place (original
de Sun Ra), dos piezas improvisadas y tres composiciones
de Sirvent.
El resultado: un tanto irregular. El experimento de
dos baterías (Domínguez en el canal
derecho; Joe Smith en el izquierdo) resulta curioso,
pero el lenguaje que emplea la pareja de músicos
es similar, y en la práctica sus patrones quedan
fundidos en uno solo. For Colores, pieza improvisada,
resulta inconexa y simple: exposición de las
dos baterías, exposición de contrabajo
y piano, y resolución en un crescendo en intensidad
del cuarteto. You look sharp tampoco convence: demasiado
vacía. Sin embargo, en un balance global, los
anteriores factores enumerados (claramente negativos)
quedan contrarrestados por los momentos brillantes
del cuarteto: la excelente J-zone, firmada por Sirvent
(lástima que, siendo éste el primer
tema, el resto no siga en la misma dirección);
la sencillez y elegancia de You look flat; y la interpretación
(quizás demasiado correcta, demasiado clásica)
de las piezas de Coleman, donde la formación
consigue un muy buen nivel de cohesión, controlando
el tempo y la intensidad de los temas con acierto.
Sergio
Masferrer