Paco Charlín – The Ultimate Jazz Earth-tet
Músicos: Paco Charlín (contrabajo); Jaleel Shaw (saxo alto); Jonathan Kreisberg (guitarra); Donald Edwards (batería)
Composiciones: 1.Difrok; 2.Waltz of
Souls; 3.2K2; 4.Tale of a Child; 5.Suihy Kebo; 6.Fli-fla; 7.JVP; 8.New
Code; 9.Improlography
Todas las composiciones y arreglos por Paco Charlín
Duración: 44min 21seg
Grabado en el Teatro Principal de Pontevedra, Galicia, el 18 de julio de 2005. Mezclado, masterizado y producido por Isaac Palacín.
Free Code Records. REF: FC01CD
Comentario: Las yemas de los dedos de
Charlín están bajo el embrujo de la música de Charles
Mingus. Gran parte de los argumentos de esta afirmación se basan
en Tale Of A Child e Improlography (los títulos son ya una primera
pista), dos temas de unos tres minutos de duración que Charlín
firma en solitario en esta la primera entrega discográfica a
su nombre, y con la que completa el (para él) excelente 2005
en lo que a cantidad y calidad de colaboraciones se refiere.
Dejando a un lado el fuerte protagonismo que las dos piezas anteriores
tienen en el disco (no sin antes mencionar el acierto de Tale Of A Child,
con un lenguaje descriptivo e inteligentemente infantil), Charlín
ha echado mano de la factoría de los sonidos neoyorquina para
completar la grabación. En las filas de The Ultimate Jazz Earth-tet
encontramos a Jaleel Shaw, un saxo alto de fuerte carácter coltraniano
(escúchese Fli-Fla), capaz de evocar en igual medida a Ornette
Coleman (como ocurre en New Code). El peso armónico es llevado
en volandas por el guitarrista Jonathan Kreisberg, de fraseo limpio
y acordes cristalinos ligeramente arañados por la distorsión,
siendo casi inmediata la asociación de su sonido con Kurt Rosenwinkel.
La rítmica viene firmada por Donald Ewards, quien, para cerrar
el círculo y seguir focalizando la atención en torno a
un punto de referencia, al igual que Shaw, ha formado parte de la Mingus
Big Band.
The Ultimate Jazz Earth-tet deja al descubierto las bases de la música
que contiene: las composiciones y sus desarrollos son la exposición
clara y directa del lenguaje aprendido y heredado de unos músicos
que brillan por su juventud y el virtuosismo técnico. El encontrar
una voz propia es sólo cuestión de tiempo y paciencia.
Mientras tanto, esperemos que este cuarteto siga deleitándonos
con producciones de envergadura similar a la presente.
William Parker Quartet – Sound Unity
Músicos: William Parker: contrabajo. Rob Brown: saxo alto. Hamid Drake: batería. Lewis Barnes: trompeta.
Grabado en Montreal y Vancouver el 27 de junio y el 2
de julio de 2004.
Editado por AUM Fidelity. http://www.aum-fidelity.com
Comentario: Sí, William Parker ha vuelto a conseguirlo. He aquí otro disco formidable de un músico al que el cartel de máximo contrabajista del actual free jazz se le queda pequeño. Porque como puede escucharse aquí, este hombre que acompañó a músicos como Cecil Taylor, Don Cherry, David S. Ware, Peter Brötzman, Derek Bayley, Matthew Shipp, Tomasz Stanko o Enrico Rava entre otros, se consolida cada vez más como un líder excelente que le confiere a cada uno de sus proyectos una fuerte personalidad.
Seis temas firmados por el propio Parker (hay que ver cómo este músico ha revalorizado la composición en estos contextos) conforman este “Sound Unity” y fueron registrados durante dos actuaciones pertenecientes a la primera gira que el cuarteto realizaba por Canadá. La interacción que muestran los músicos es espectacular, alimentando en todo momento ese groove arrollador que con acentos ornettianos recorría sus trabajos anteriores. Rob Brown y Lewis Barnes vuelven a estar fenomenales en esos duelos de alto vuelo a los que se ven empujados por una rítmica de ensueño. ¿Qué más se puede decir a estas alturas del inigualable trabajo de Hamid Drake? Aquí lo tenéis en otro disco para disfrutarlo desde el comienzo hasta el final, con un solo de casi tres minutos en “Wood flute song” (composición dedicada a Don Cherry) que se pasa volando.
El único lunar estaría quizá en las maneras en la que se han acabado algunos temas recurriendo al fade out o cortando justo antes de que entren los aplausos del público (a quien ya se había escuchado celebrando algún solo, por ejemplo).
Los seguidores del William Parker Quartet que aún no se hayan hecho con este álbum, deberían ir solicitándolo con los ojos cerrados. Quienes aún no tengan el placer de conocer a este cuarteto, pueden comenzar también por el maravilloso “O’Neal’s Porch” (como suele decirse, un álbum para perderle el miedo a los músicos free).
“Sound Unity” no es ninguna sorpresa, pero eso no quita que sea posiblemente uno de los discos más hermosos que nos dejó el 2005.
Sergio Zeni
Músicos: Daniel Almada:
piano. Martín Iannacone: chelo y voz. Marcelo Nisinman: bandoneón.
Gregor Hilbe: batería. Marcio Doctor: percusión.
Músicos invitados: Rodríguez Domínguez:
saxo soprano. Christian Gerber: bandoneón. Lopecito: voz. Nicolás
Nobili: voz
Grabado en Buenos Aires, Berlín y Basilea en 2005.
Editado por Galileo Music Communications.
Comentario: Segunda entrega de esta agrupación electroacústica liderada por dos jazzmen argentinos residentes en Europa: Daniel Almada y Martín Iannacone. Tango Crash es sin lugar a dudas la propuesta más madura de todas aquellas que en los últimos años han decidido aunar el lenguaje del tango más actual con las texturas de la electrónica, sumando en este caso elementos provenientes del jazz y la improvisación.
Tango con mordiente, directo, poderosamente rítmico, en el que tampoco faltan pasajes de gran lirismo, generalmente protagonizados por el chelo de Iannacone (miembro también de la estupenda agrupación Será una noche y de uno de los tríos del pianista Ernesto Jodos) y el bandoneón de Marcelo Nisinman (a quien algunos aficionados al jazz recordarán por su participación en “Libertango”, el disco con el que Gary Burton rindió homenaje a Astor Piazzolla). Voces que se cuelan entre los quiebros desafiantes de la música como trocitos de realidad, condimentos electrónicos muy bien dosificados, guiños, parodias e improvisaciones de un saxo soprano -el de Rodríguez Domínguez, integrante del Quinteto Urbano- que es puro fuego, redondean una propuesta de gran energía que suele tener en el piano de Almada su columna vertebral.
Doce temas, de los cuales once llevan las firmas de Daniel y/o de Martín, que ahondan en la línea abierta en su disco debut y que ponen de manifiesto que de Piazzolla para aquí, en esta música, ya no vale el esto no se hace, esto no se dice, esto no se toca. El tango de pronto hizo crash y los nuevos tiempos pueden tener una banda sonora tan atrevida como ésta, aunque siempre pueda alzarse alguna voz como ésa que, a modo de caricatura arrabalera, se cuela ya al final del disco: “¡Perdoname, pero esto no es tango, esto no es tango!”
Sergio Zeni
Marc Copland - Some love songs
Comentario: Marc Copland: piano. Drew Gress: contrabajo. Rueckert: batería.
Pirouet. 2005.
Comentario: Quienes nos quedamos boquiabiertos ante la sencilla belleza de “Haunted Heart and other ballads” (Hatology, 2001), nos preguntábamos cuándo volveríamos a disfrutar de la elegante química de este trío.
En 2003 el pianista de Filadelphia, Gress y Rueckert se reunieron en “Marc Copland and…” (Hatology) con Michael Brecker y John Abercrombie como invitados, pero no fue hasta enero del pasado año cuando volvieron a entrar en un estudio con la idea de editar un disco en trío.
Las dudas sobre si la formación volvería a estar a estar a la altura de las sesiones de 2001 se derriten al comenzar a escuchar el primer corte, la bellísima “Rainy night house” de Joni Mitchell.
Sólo han pasado unos segundos y uno ya aprecia el estilo de uno de los mejores pianistas surgidos en los últimos años, se maravilla con los diálogos entre los miembros del grupo, comprueba que las semillas de Bill Evans continúan dando frutos dorados.
Los dedos de Marc miman cada tema con una desnuda sinceridad. Gress vuelve a hacer gala de su sonido rico y musculoso. Rueckert es otra vez ese mago capaz de percutir los platos con gotas de lluvia.
“Round she goes” y “Time was” –presentes también en el disco anterior del pianista, “Time within time”- dan cuenta, además, de las virtudes de Copland como compositor.
“Glad to be unhappy” (Richard Rogers), “Spartacus Love Theme” (Alex North), “Footprints” (Wayne Shorter) y “My foolish heart” (Victor Young) completan un evocador paseo que pone de relieve la personalidad de un trío para el que la música siempre está por encima de cualquier demostración de virtuosismo.
Este álbum es una excelente oportunidad para volver a sumergirse en los colores nocturnos de Marc Copland. En la serena belleza de alguien que ama las canciones.
Sergio Zeni
Pepi Taveira – Bs. As. inferno
Músicos: Pablo Puntoriero: saxos alto y soprano y flauta. Paula Shocron: piano. Jerónimo Carmona: contrabajo. Mariana Baraj: voz y percusión. Joaquin deFrancisco: trombón. Fermín Merlo: marímbula. Sergio Verdinelli: percusión y batería. Pepi Taveira: batería, mbira , bolón, talking drum y piano.
Grabado en junio y agosto de 2005
Comentario: Tras escuchar “BsAs Inferno”,
no nos resulta extraño saber que este trabajo fue señalado
como mejor disco de jazz hecho en Argentina en 2005. Su autor, Pepi
Taveira, estudió percusión clásica, dio sus primeros
pasos como batería en Buenos Aires, continuó su formación
en el Berklee College of Music y obtuvo una beca para la Manhattan School
of Music, institución que finalmente abandonaría fascinado
por la Fareta School of Drum and Dance, en la que junto a músicos
africanos afincados en Nueva York realizó un aprendizaje que
influyó decisivamente en su estilo. Se fogueó en el cuarteto
de Hal Crook y luego tocó –entre otros- con Clark Terry, Danilo
Pérez, Chris Cheek, Delfeayo Marsalis, John Lokwood y Antonio
Hart. A su regreso a la Argentina, colaboró con el guitarrista
Walter Malosetti y con el hijo de éste, el bajista Javier Malosetti;
formó parte del Afro Jazz Trío (con Pablo Bobrowicky y
Martín Ianaccone) y editó su primer álbum como
solista bajo el coltraneano título de "Dahomey Dance"
(BAU, 2004).
En el trabajo que nos ocupa ahora, Taveira además de aparecer
como un interesante compositor –firmando once de los trece temas del
disco-, se muestra como un líder de gran madurez, exprimiendo
desde su batería lo mejor de cada integrante del grupo y estructurando
casi todo el desarrollo de la música alrededor de su percusión,
siguiendo en este sentido el ejemplo de maestros como Art Blackey y
Elvin Jones. Junto a la sabiduría postmonkiana de Paula Shocron
y el pulso creativo de Jerónimo Carmona, Pepi conforma la que
es posiblemente la sección rítmica más potente
de la escena bonaerense, con la que interactúa de maravillas
el saxo impetuoso de Puntoriero. El jazz libre y de latidos negros de
Taveira, siempre impregnado de cierta argentinidad, ve aquí potenciado
este aspecto de su música con la presencia de Mariana Baraj (ya
presente en “Dahomey Dance”), cantante y percusionista que ha desplegado
una interesante actividad en el más reciente folklore argentino
de vanguardia. La pasión de Taveira por los colores africanos
queda especialmente reflejada en temas como “Feli”, “Fareta”, “Para
Luis Agudo” o “Sanatáfrica”, posiblemente el cenit de todo este
trabajo, con una polirritmia volcánica, un encomiable tejido
colectivo y unos solos de alto voltaje a cargo de Puntoriero, deFrancisco
y Shocron.
Una grata y vigorosa sorpresa que invita a seguirle los pasos a este
batería de sonidos negros e ideas claras.
Sergio Zeni
Músicos: David Hines (bajo),
Steve Hunt (teclados), Steve Kirby (guitarra), Steve Michaud (batería),
Allan Holdsworth (guitarra)
Temas: Skippy, Q, Toe Nail, Nebula, Lucia, No Loops,
Neuro Man, Antillia.
Duración: 50’06’’
Spice Rack Records. Ed. 2005. http://www.davidhines.com
http://www.stevehuntjazz.com
Comentario: Excelente album del bajista
norteamericano David Hines con reminiscencias que nos devuelven a los
tiempos de Weather Report, Mahavishnu Orchestra, Return To Forever y
Miles Davis Bitches Brew. Composiciones brillantes y llenas de virtusismo
hacen que este sea un album altamente recomendable para los amantes
del jazz-rock de los 70s y del jazz fusión actual. En la producción
y teclados, qué teclados, está Steve Hunt, teclista de
Stanley Clarke en los 80s y de la banda del guitarrista Allan Holdsworth,
que aparece como invitado solista en los temas “Skippy” y “Antillia”.
Al principio, Steve Hunt sólo iba a participar interpretando
un par de solos en el disco, que se iba a grabar en su estudio, pero
a Steve le parecieron tan buenas las composiciones, que decidió
involucrarse totalmente en el album. Gran trabajo de todos los músicos
brillando todos a gran altura, haciendo que este no sea el típico
trabajo en solitario de un bajista, sino el trabajo de un conjunto de
4 músicos que suenan a grupo potente y conjuntado. Desconocidos,
pero no menos sorprendentes resultan ser el guitarrista de Boston Steve
Kirby y el batería Steve Michaud, que ya apareciera en el primer
album en solitario de Hunt. Sin duda una de las más gratas sorpresas
del año 2005.
Manuel Cebada Montero
Bobo Stenson, Anders Jormin & Paul Motian - Goodbye
Composiciones: 1.Send in the clowns (4:14) ; 2.Rowan (6:02); 3.Alfonsina (5:07); 4.There comes a time (6:37); 5.Song about Earth (7:11); 6.Seli (8:45); 7.Goodbye (6:35); 8.Music for a while (5:13); 9.Allegretto rubato (5:23); 10.Jack of clubs (2:55); 11.Sudan (2:34); 12.Queer street (2:06); 13.Triple play (1:56); 14.Race face (4:39)
Músicos: Bobo Stenson (p); Anders Jormin (cb); Paul Motian (bat)
Duración: 1h 10min 13seg
Grabado en abril de 2004 en los Avatar Studios, Nueva
York. Ingeniero de sonido: James A. Farber. Producido por Manfred
Eicher.
REF: 1904 (982-5173)
www.ecmrecords.com
Comentario: Si existe un sello
por excelencia que los músicos americanos han utilizado para
cultivar su lado más europeo, y que sirve para trazar un conexionado
cultural con epicentro en el norte del Viejo Continente, y con ramificaciones
hacia el resto del globo terráqueo, éste es ECM.
Bajo estos dos axiomas (es decir, las grabaciones de músicos
americanos para ECM, y el cultivo multicultural del sello), y a sabiendas
de que la trayectoria musical de Stenson está íntimamente
ligada a la de ECM (y viceversa), es fácil disparar (o encadenar)
las siguientes trazas en la música del pianista:
1. Las grabaciones de Jarrett para ECM, hecho que permite converger
en el nombre de Stenson, cuya música suena bien a Bill Evans,
bien a un Evans filtrado a través de Jarrett;
2. El nacimiento y crecimiento musical de Stenson junto a Jan Garbarek
en la década de los setenta, una de las figuras más
comerciales del sello, y cuya obra saca jugo de las raíces
del folk europeo;
3. La eclosión mediática de Stenson a finales de los
ochenta/principios de los noventa como parte de las grabaciones del
cuarteto de Charles Lloyd para ECM, con el que grabó numerosos
discos: Fish Out Of Water (1989, ref.1398), Notes From Big Sur (1991,
ref.1465), The Call (1993, ref.1522), All my Relations (1994, ref.1557),
Canto (1996, ref.1635), además de otras múltiples colaboraciones
cruzadas;
4. El concepto ‘europeizante’ de ECM, que justifica el encontrar en
los créditos de Goodbye un tratado tan heterogéneo como
el estándar homónimo de Gordon Jerkins, piezas firmadas
por Tony Williams u Ornette Coleman, la presencia de una pieza de
Henry Purcell, o los cinco minutos reservados para el corte sudamericano
de Alfonsina y su mar.
Esta nueva entrega de Stenson podría definirse como uno de
esos discos que dan de beber a la melancolía, condensando las
notas de piano y arrojándolas contra las ventanas sin preguntar
si la meteorología justifica nuestro estado de ánimo.
Con una factura de trío precisa en el que la sabia y longeva
alquimia de Anders y Stenson es cumplimentada por el delicado pulso
de un Motian, quien sustituye en esta ocasión a Jon Christensen.
Un disco labrado desde el respeto por la historia, con la añorante
mirada hacia el pasado desde el presente.
Sergio Masferrer
Composiciones: 1.Diàleg (8:36); 2.Sin equipaje
(5:45); 3.Long walk home (8:18); 4.Conversación (6:22);
5.Lado sur (6:29); 6.Lado norte (6:56); 7.El paseíllo (8:21);
8.Meridiano (5:36); 9.Con onda (6:09)
Músicos: Ramón Díaz (bat, perc); J. Alberto Medina (piano & fender rhodes); Jeppe Rasmussen (saxos soprano & tenor); Idafe Pérez (trompeta & fliscorno); Luismo Valladares (contrabajo & bajo eléctrico)
Duración: 1h 02min 48seg
Todos los temas compuestos por Ramón Díaz, excepto
#3, firmado por Jeppe Rasmussen, #4 de José Alberto Medina,
y #9 a nombre de Luismo Valladares. Grabado los días 11
y 12 de abril de 2005 en los 44.1 Studios, Girona. Ingeniero de
sonido: Tony Paris; mezclado y masterizado por Ferrán Conangla;
producción ejecutiva a cargo de Jordi Pujol.
REF: FSNT-241
www.freshsoundrecords.com
Comentario: En este cuarto trabajo a su nombre, Ramón Díaz cambia al completo la formación con la que ha editado las dos anteriores entregas para Fresh Sound New Talent, ¿O si no qué? (FSNT-044, editado en 1998) y Sketches (FSNT-132, en el 2001). Así, al contrabajo encontramos a Luismo Valladares sustituyendo a Curro Gálvez, mientras que el lugar de Víctor de Diego (quien por el momento ha trasladado el peso de su carrera discográfico al sello vasco Errabal) es ocupado por Jeppe Rasmussen. Otro cambio notable en la formación es el acierto en la incorporación de un instrumento armónico en lugar de un segundo apoyo melódico: el piano y/o el Fender Rhodes de las manos del canario José Alberto Medina, un músico de envidiable capacidad descriptiva (escúchese First Portrait (FSNT-190) a nombre de J.A.M. Trio).
El disco se desarrolla sin sobresaltos sobre el cálido asiento rítmico del contrabajo, el piano y la batería. Los temas tienen un halo cálido, con una fuerte componente melódica que demuestra la generosidad compositiva de Ramón Díaz, quien centra la atención a partes iguales entre las modulaciones tonales y los cambios rítmicos de los temas (de hecho, dicha generosidad se traslada a su instrumento, y en ningún momento Díaz busca centrar toda la atención del oyente). En los sesenta minutos de Diàleg encontramos infinidad de detalles y referencias acústicas: atmósferas del segundo quinteto de Miles Davis en Long walk home (aunque el tema es suficientemente inquieto y gira tantas veces sobre sí mismo que esta definición es sólo una aproximación); ritmos tumbaos de carácter latino en Conversación; o el crescendo en intensidad rítmica y sonora de Diàleg, y cómo éste converge hacia las líneas melódicas de Medina, quien pasa el testigo al soprano de Rasmussen. Con parecido perfil se desarrolla Sin Equipaje, mientras que el blues parece tomar cartas en el asunto en Lado Sur, tema al que se yuxtapone la melosidad de Lado Norte (redundo, inevitablemente, al insistir en la aportación de Medina con el Fender Rhodes).
A modo personal, Diàleg pasa a formar parte de un catálogo selecto de Fresh Sound New Talent, junto a grabaciones como la citada First Portrait de José Alberto Medina, o Heckler City de Juan Pablo Balcázar (FSNT-232); una serie de discos caracterizados por un equilibrado uso de los giros entre la rítmica y la armonía, y con una espectacular y sencilla capacidad para narrar historias.
La interpretación en solitario en el
jazz, es uno de los retos más importantes a que se
puede enfrentar un músico. Circunstancias como la imposibilidad
de poderse apoyar en otros instrumentos para llevar a cabo
la ejecución musical, la inexistencia de otros músicos
como referencia, la soledad entre instrumento e instrumentista
y el inexorable e inevitable resultado final obtenido por
el músico, hacen de esta disciplina, un dogma de fe
en donde intimidación y riesgo son dos caras de la
misma moneda, y de la cual no todo músico sale victorioso.
El jazz presenta una extensa tradición de grabaciones
y actuaciones de pianistas en solitario, desde Art Tatum,
pasando por Bill Evans, a Cecil Taylor, Keith Jarrett, Fred
Hersch o Brad Mehldau, que han convertido los trabajos y actuaciones
a piano solo, en un fantástico viaje de imprevisibles
resultados, en donde el músico debe de ofrecer lo mejor
de si mismo, todo ello en arras de sacar adelante una labor
siempre difícil, arriesgada y comprometida. Es la soledad
del músico delante de su instrumento y del camino que
le abre esa posibilidad, la mayor libertad de que disponen
y lo que ha propiciado resultados inclasificables y de una
extraordinaria riqueza musical.
Es esta riqueza la que ha pretendido, y en más de una
ocasión ha conseguido transmitir, las presentes grabaciones
del sello discográfico alemán ACT, a través
de su nueva serie de discos titulados PianoWorks. Para ello
se ha valido de músicos provenientes de diversos estilos
para crear música, entendida en su acepción
más amplia. Empezando por el pianista alemán
Joachim Kühn, que ha reflejado su propia historia musical,
desde la música barroca o clásica hasta el jazz
más libre; el músico americano Kevin Hays, con
una extraña, pero a veces efectiva mezcla de sonidos
tradicionales y contemporáneos; continuando por la
elegancia y el buen gusto interpretativo del pianista suizo
George Gruntz; hasta finalizar con el músico cubano
Ramón Valle y su planteamiento musical a base de influencia
cubanas pero sin caer en clichés preconfigurados.
Cada pianista ofrece su propia personalidad e individualidad
en este conjunto de grabaciones que a buen seguro harán
disfrutar a los aficionados al piano, y que deberán
de buscar (como tesoro en una isla desierta) y adquirir, para
poder escuchar y disfrutar, pero ante todo, prepararse para
un viaje musical sin fronteras, y que presentará nuevas
formas de entender el jazz.
Juan Carlos Abelenda
Joachim
Kühn - Piano Works I (Allegro Vivace)
Músicos: Joachim Kühn
(piano)
Grabado el 11 de Junio 2003.
ACT 9750-2
Comentario: El primero
de los trabajos dedicados a la serie de pianos del sello
alemán ACT, lo inaugura el excelente músico
de Leipzig, Joachim Kühn, y representa una de las mejores
grabaciones de esta primera serie de trabajos publicados.
El contenido del mismo refleja lo que ha sido y es la carrera
de este pianista, al interpretar y desarrollar aspectos
bien diferenciados de la misma, desde la música clásica
(con temas de Francois Couperin, Johann Sebastián
Bach y W. A. Mozart), pasando por temas de dos músicos
de jazz que más le han influenciado, Coltrane y Ornette
Coleman (con quien ha tocado de una forma regular), para
terminar con tres composiciones propias, alguna de ellas
con una fuerte carga de libertad interpretativa.
La escucha de todo el repertorio proporcionará al
aficionado la sensación de un músico completo,
perfecto conocedor del material que interpreta, de una técnica
y un virtuosismo excepcional, y ante todo de una musicalidad
como elemento comunicador y catalizador de sus ideas musicales.
El discurso de Kühn se basa en la búsqueda de
la melodía, en una búsqueda del lirismo, (no
importa el tipo de música que desarrolle), pero todo
ello unido a una gran fuerza interpretativa a base de cambios
armónicos y rítmicos, que ofrecen un colorido
musical diferente en función del pasaje interpretado.
Es por ello que la conjunción de todos los elementos
señalados, proporcionan una música totalizadora
y heterogénea, que recorre y explora los más
amplios terrenos musicales, como la sensualidad, el lirismo,
el gusto romántico por la interpretación o
la libertad improvisatoria hasta sus últimas consecuencias.
Todo ello hacen del presente trabajo, un exquisito manjar
que debe de ser deleitado con calma y con suma paciencia,
a dosis, para poder disfrutar en toda su amplitud, y para
no perder ni un ápice de la música que surge
en todo momento. Muy recomendable.
Juan Carlos
Abelenda
Músicos: George Gruntz (piano)
Grabado el 4 y 5 de
Diciembre 2004.
ACT 9751-2
Comentario: El
pianista suizo George Gruntz es uno de los músicos
que mejor fama tiene ganada a nivel internacional, gracias
a sus facetas de compositor, arreglista, director de
big band o director artístico (en concreto en
Berlín entre los años 1972 a 1994), así
como acompañante de artistas de la talla de Joe
Henderson, Lee Konitz, Franco Ambrosetti o Dino Saluzzi.
La presente grabación podríamos decir
que es uno de los trabajos de la serie de Piano Works
con una concepción más clásica,
ya sea por elección de algunos de los títulos
que aparecen en el compacto (como por ejemplo, “My Foolish
Heart”, “Well You Needn´t”, “A Loves You Porgy”
o “A Night in Tunisia”), como por la interpretación
que se lleva a cabo. Pero junto con estos temas encontramos
otros de composición propia de Gruntz, que hacen
del conjunto del trabajo, un resultado variado y ecléctico;
de ente los mismos señalar “Rising The Luminator”,
una pieza basada en tres movimientos, y cuyo título
proviene de una escultura del artista Jean Tinguely
de 24 metros de longitud que se encuentra expuesta en
la localidad de Bâle.
El contenido de toda la música interpretada nos
presentan a un músico global, que ha bebido de
muchos estilos musicales, y que de alguna forma podemos
percibir en sus interpretaciones (tanto propias como
ajenas), y que son expuestas con una voz rica, personal,
muy contrarrestada gracias a los arreglos del propio
pianista, y ante todo con un gusto y una elegancia dignas
de ser escuchas.
Una interesante aportación para un músico
que a pesar de su edad (setenta y dos años en
la actualidad), debuta en el formato de piano, por lo
que se refiere a grabaciones.
Juan Carlos Abelenda
Músicos: Kevin Hays
(piano, fender rhodes y voces)
Grabado el 31 de Marzo
y el 1 de Abril 2004.
ACT 9752-2
Comentario: La
trayectoria musical de Kevin Hays tras su paso por el
sello Blue Note se podría calificar de dispersa
y un tanto hierática, a tenor de los últimos
proyectos en los cuales se encuentra involucrado, no
siempre con resultados satisfactorios (entre ellos,
mencionar, que sirve de acompañante al batería
americano Bill Stewart, o el dúo formado con
Eli Degibri, y con quien tiene un cedé publicado).
El trabajo editado en la serie Piano Works del sello
alemán ACT, refleja con claridad esta dispersión
estilística, al hallarnos con un cedé
que se encuentra entre la frontera de lo que es calificable
de jazz, de lo que no es. El trabajo de Hays es ante
todo ecléctico, arriesgado por momentos, muy
experimental (debido a la utilización de voces
y del fender rhodes), con claras influencias de la música
clásica y del jazz, y con ciertas pinceladas
a música de indios americanos (como en el tema
“Homestead” y más concretamente en “Humming Bird
Song”, que presenta un sampler vocal extraído
del albúm “The Goleen Collection –The Spiritual
Songs- Tradicional Chants & Flute Of The American
Indian”).
Todos los temas de la sesión son originales de
Kevin Hays, y de alguna forma demuestran el talento
que posee este pianista americano, pero como ya he dicho
anteriormente, los resultados no son siempre satisfactorios,
de forma muy especial cuando canta, como en el tema
“You are my sunshine”, circunstancia esta que hace bajar
bastantes enteros la calidad del trabajo. Pero a parte
de estos altibajos, la grabación presenta interesantes
momentos musicales que no deben de ser obviados, en
concreto en el tratamiento de los temas, y muy especialmente
de una búsqueda sonora basada en influencias
de la música clásica, y más específicamente
de la música barroca, y ello a través
de la reiteración de ideas y motivos musicales,
de una forma obsesiva, y que le permiten la armonización
y rearmonización de los mismos de diversas formas.
Es en esta búsqueda de sonidos y armonías,
donde se encuentra lo mejor y más granado de
la presenta grabación, y que confieren un resultado
final cuanto menos curioso y diferente, pero dejando
una sensación final insatisfactoria de la escucha
del mismo.
Juan Carlos Abelenda
Músicos: Ramón
Valle (piano)
Grabado el 10 y 11 de
Mayo 2005.
ACT 9753-2
Comentario: El
trabajo en solitario del pianista cubano Ramón
Valle, (músico afincado desde el año 1998
en Holanda), causará más de una sorpresa
a los aficionados al jazz. El pianista de cuarenta y
un años, nos demuestra que a pesar de sus profundas
raíces musicales cubanas, es capaz de ofrecernos
una perspectiva basada en esas influencias, pero un
con un elemento bien diferenciado del estilo cubano,
todo ello gracias a un estupendo gusto interpretativo,
a un ambiente por momentos relajado, o por la ejecución
de otros pasajes muy sonoros y rítmicos, y en
definitiva, con un colorido final heterogéneo
y equilibrado que hace la escucha de “Memorias” interesante
y nunca aburrida.
Para el presento proyecto, Ramón Valle ha utilizado
doce composiciones, seis del famoso compositor cubano
Ernesto Lecuona, y otras seis, de su propia autoría.
Lo que hace que el disco presente una belleza y unas
atmósferas bien diversas, es este planteamiento
bien diferenciado del estilo cubano (a pesar de los
diferentes temas interpretados), que permite afirmar
que los temas desarrollados no caigan dentro de los
clichés propios del jazz cubano o del “alabado
y a veces denostado” latín jazz. Los temas propios
de Ramón Valle, respiran tradición musical,
pero a su vez tranquila docilidad, hermosura incontenible
o un expresivo refinamiento como por ejemplo en “Free
at Last” (un tema con uan clara concepción de
libertad), “Reverso”, o el que da título al trabajo,
“Memorias”. A estos hay señalar la preciosa lectura
del tema de Lecuona “Aquella Tarde” o “Andalucía”,
y ante todo la conocida composición “La Comparsa”,
por tan sólo por citar algunos ejemplos. Pero
junto con estos temas, hay otros más cadenciosos
y por ello sonoros, que provocan un resultado en el
desarrollo del trabajo heterogéneo y diferente,
que hace amena la escucha del disco.
En definitiva, un bello trabajo que bien es recomendable
su adquisición a los amantes del jazz, y muy
especialmente a los aficionados al piano.
Juan Carlos Abelenda
Músicos: Bugge Wesseltoft,
Joachim Kühn, Michael Wollny, Brad Mehldau, Esbjörn
Svensson Leszek Mozdzer, Richard Beirach, George Gruntz,
Kevin Hays, Ramón Valle, Jens Thomas y Eric Watson
(piano)
Compilación.
ACT 9749-2
Comentario: El
presente cedé de esta serie de trabajos a piano
solo, muestra una recopilación de algunos de
los temas interpretados en los anteriores trabajos comentados,
más el añadido de otros pianistas, y que
en algunos casos se presentan con composiciones que
son interpretadas por vez primera, como son el caso
de Esbjörn Svensson, de Leszek Mozdzer o Eric WatsoN,
y por su puesto, todos ellos ejecutado a piano solo.
Juan Carlos Abelenda
Músicos: Baptiste Trotignon (piano)
CD Grabado e 24 y 25 de Mayo 2005.
DVD Grabado en directo el 26 de Septiembre de 2003 en Festival
de Piano ux Jacobins, Cloître des Jacobins, Tolouse.
NV 805611 CD + DVD
Comentario:
Estupendo, superlativo, increíble y brillante, estos
algunos de los adjetivos que se podrían aplicar al
nuevo trabajo de Baptiste Trotignon. Este último trabajo
del pianista francés se presenta en la modalidad de
un digipack doble, conformado por un CD (con una duración
de unos cuarenta y tres minutos) y un DVD (de casi setenta
y seis minutos), que recoge la actuación en directo
y a piano solo que se llevó a cabo el 26 de Septiembre
de 2003 en Cloître des Jacobins, Tolouse.
Esta segunda grabación a piano solo de Trotignon (ya
tenía publicado en el año 2003 “Solo” en este
mismo sello discográfico), nos muestra a un músico
maduro, con unas ideas claras y con un estilo consolidado,
melódico por momentos mientras que en otros contundente,
enérgico y a veces majestuoso; y con ciertas dosis
de tensión interpretativa.
El estilo de Trotignon tiene un claro reflejo en algunos de
los pianista actuales más importantes, como Keith Jarrett
y Brad Mehldau; pero no se queda en ese espejo que tiene como
referencia, sino que presenta un estilo muy personal, que
gusta por momentos de composiciones cargadas de notas y grandes
sonoridades (muy propio de los solos que llevó a cabo
en su momento Jarrett), con un tratamiento armónico
importante, muy fluido, todo ello perfectamente interpretado
gracias a un portentoso dominio de la técnica (al igual
que Mehldau, despliega a la perfección el estilo de
independencia de manos).
No cabe la menor duda tras la escucha de este nuevo trabajo
en solitario de Trotignon, que el pianista tiene una relación
emocional y telepática con su instrumento, y que la
conjunción de piano e intérprete es total, posibilitando
que la comunicación que se lleva a cabo entre ambos
sea plasmada en la música que emana. La música
para Trotignon es comunicación, y sirve para expresar
sus sentimientos y emociones, pero además para este
pianista la música es algo más, un lenguaje
que perfectamente interpretado y desarrollado le permite expresarse
de determinadas formas (por su puesto gracias a través
de una técnica depurada), para de esta forma volcar
sus improvisaciones e ideas musicales.
Todo esto que acabo de señalar se puede observa en
el DVD que acompaña al compacto, y si el aficionado
presta atención podrá observar el desarrollo
tanto emocional como el despliegue de facultades técnicas
que lleva a cabo Trotignon a lo largo de todo la grabación
del concierto (gracias a un perfecta realización con
diversas cámaras que permiten la visualización
del pianista desde diversos ángulos), y en donde interpreta
temas de su anterior trabajo en solitario más el añadido
de temas franceses. Una oportunidad única de poder
disfrutar de uno de los pianistas franceses más importantes
de la actualidad, y de un músico que es una realidad
a pesar del gran desconocimiento que hay por parte de los
aficionados. Imprescindible su escucha.
Juan Carlos Abelenda
Composiciones: 1. All white (6:06); 2. Drop (7:42);
3. M.C. (4:57); 4. As if (8:02); 5. L B O (1:54); 6. Pigling Bland
(4:24); 7. Bone (3:29)
Duración: 36:34
Músicos: -Elton Dean / alto sax, saxello,
electric piano
- Hugh Hopper / bass
- Mike Ratledge / organ, electric piano
- Phil Howard / drums (1-3)
- John Marshall / drums (4-6)
- Roy Babbington / double bass (4-6)
Comentario: No es mucho suponer
si afirmo que nos encontramos ante una de los discos más
importantes del jazz-rock progresivo que jamás se grabaron.
Y es que no hay tiempo para el respiro, cada tema destila originalidad
por todas partes, desde All white,-donde destaca el misterioso saxello
de E.Dean, bien secundado por M.Ratledge en el piano eléctrico-
pasando por Drop, donde la hipnótica caída de una
gota nos adentra en el interior de una gruta, que sirve de escenario
para que M.R. y E.D. jueguen con sendos pianos eléctricos,
y den paso a un corrosivo y estridente solo de órgano del
primero.
M.C., hermosa y oscura balada cuyo sonido parece proceder de una
lejana dimensión.
As if, donde son especialmente turbadores los solos de E.D. con
su saxo de sonido de pasta disonante, y Roy Babbington al contrabajo
con arco, melódico y poético a partes iguales.
L.B.O., es un solo para lucimiento de John Marshall que nos introduce
en Pigling Bland, donde es nuevamente E.D. quien nos deleita con
un solo excelente de saxo alto, pleno de melodía y buen gusto.
Bone, cierra el álbum de la misma forma misteriosa a como
empezó, sonidos oscuros, tímbricos y atmosféricos,
y otra vez el corrosivo y ácido órgano de M.R. del
mejor estilo canterbury.
Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a Elton Dean
por los buenos momentos que me hizo sentir en vida,- fallecido el
pasado 8 de febrero a consecuencia de dolencias de hígado
y corazón- y por los registros que ha legado a todo buen
aficionado a la música.
Composiciones: 1. Without a song….16:37; 2. Global Warming…15:16; 3. Introductions……..1:00; 4. A Nightingale Sang in Berkeley Square…10:58; 5. Why Was I Born?....16:15; 6. Where or When……12:20
Músicos: Sonny Rollins/tenor sax; Clifton Anderson/trombone; Stephen Scout/piano (kalimba en # 2 ); Bob Cranshaw/electric bass; Perry Wilson/drums; Kimati Dinizulu/percusión
Recorded at Berklee performance center,Boston;
September 15,2001
www.fantasyjazz.com-2005
Comentario: Larga
es la trayectoria profesional que te contempla, pero si los viejos
rokeros nunca mueren, los jazzman son eternos.
Con más de 70 años graba este cd en la Berklee de
Boston. Solo los grandes se atreven a algo así, para demostrar
su grandeza.
Su sonido sigue guardando potencia, fluidez, frescura y autenticidad
a partes iguales.
Esta grabación rezuma swing por todos sus poros, swing
de calado hondo.
Todo un clásico para comenzar Without a song, donde destaca
Sonny, Stephen Scout y Bob Cranshaw, estos últimos llevando
el ritmo con soltura.
Global Warming, es la única composición de Sonny
en este trabajo. De ritmo festivo y caribeño, con acompañamiento
de Scout en la marimba, donde no podían faltar las percusiones
de Kimati Dinizulu y, la batería Perry Wilson.
A Nightingale Sang in Berkeley Square, tras la introducción,
Sonny que más que interpretar el saxo, lleva un discurso
verbal y reflexivo que desemboca en un solo de piano sereno, melódico,
de refinado gusto a cargo de Stephen Scout. Cierra de forma magistral
el maestro, con el beneplácito del respetable.
Why Was I Born?...., este corte comienza con otro alarde discursivo
y, a capella de Sonny, para dar paso al resto del grupo.
El tema cuenta con otro excepcional solo de Stephen Scout,-un
tipo por el que no corre sangre por sus venas, sino swing-al que
releva Clifton Anderson con su trombón, ¡qué
fuerza la suya! Y una vez más como en los anteriores temas
es S.Rollins quien certifica el final.
Where or When, pone el broche de oro este Without a song The 9/11
concert.
Tema donde destacamos la tertulia armoniosa y compenetrada de
Sonny y Anderson, con posterior monólogo de este último.
Y de igual manera cabe destacar una vez mas a Stephen Scout, con
sus “escarceos amoroso y onomatopéyicos”- a lo K.Jarrett-con
otro solo gozoso.
Con alegría de vivir, Sonny, da por terminado el concierto
con otro solo marca de la casa al que el público responde
con una multitud de aplausos.
¡Bravo Maestro y, larga vida!
Enrique Farelo
Freddie Hubbard - the Hub of Hubbard
Composiciones: 1 Without a Song (Vicent Youmans) 12:50; 2 Just One of Those Things ( Porter ) 7:14; 3 Blues for Duane (Hubbard) 7:32; 4 The Things We Did Last Summer (Cahn, Styne) 7:19
Músicos: tenor-saxophonist Eddie Daniels ,pianist Roland Hanna, bassist Richard Davis and drummer Louis Hayes, Freddie Hubbard trumpet.
Comentario:
El comentario de esta obra ha sido realizado de la versión
vinilo. El cd contiene un tema adicional, titulado Muses for Richard
Davis, compuesto por R.Hanna.
El continente,-la portada- de este disco es inversamente proporcional
a la belleza contenida en el mismo. No es ni con mucho la obra mas
conocida de F.Hubbard, pero indudablemente es una de las mejores.
¡Obra maestra sin concesiones!
Todo aderezado con un sonido, que para sí, quisieran grabaciones
posteriores.
El disco comienza con Without a Song, la velocidad de vértigo
y la compenetración caracterizan los excelentes solos de
Hubbard y Daniels, de principio a fin.
L.Hayes proporciona un enorme impulso, y una seguridad rítmica
y sólida no solo en este tema si no en todos.
Just One of Those Things, es un ejercicio de arrebato delirante
y disparatado; en el primer solo de Freddie- pleno de swing- te
deja sin aliento. Toma el relevo E.Daniels con la misma fuerza y
garra. Los solos de Hanna ponen “cordura”y finura, igualmente a
gran velocidad. Compenetración entre todos, y vértigo
que rompe moldes. Una gozada para los músicos y para los
oyentes.
Blues for Duane; es un blues dedicado al hijo de Freddie,-Duane-
interpretado a la trompeta con sordina, con solos que nos rodean
de belleza y lirismo; complementándose con las intervenciones
de Eddie, las modulaciones de R.Hanna al piano, y la contundencia
de R.Davis.
The Things We Did Last Summer; la ausencia de E.Daniels, marca el
devenir del tema, cobrando protagonismo el feeling de F.Hubbard,
que llena su trompeta de ecos infinitos, en una balada eterna.
Enrique Farelo