Wolfgang Muthspiel - Bright Side


Composiciones: “Etude #2”, “Mehldau”, “Shanghai”, “Etude #1”, “East Coasting” (Charles Mingus), “Dhafer”, “Homebody”, “Sleep”, “More Igor”.

Todas las composiciones por Wolfgang Muthspiel, excepto donde se indica.

Músicos: Wolfgang Muthspiel: guitarras; Matthias Pichler: contrabajo; Andreas Pichler: batería.

Grabado en agosto de 2005 en TSB, Steinakirchen (Austria)

Material Records 016-2

Comentario: Excelente el último trabajo del guitarrista Wolfgang Muthspiel. Con la única compañía de los sobrios hermanos gemelos Pichler, el austriaco presenta en Bright Side el destilado de años de depuración estilística, cuyo resultado es un trabajo encuadrable dentro del jazz europeo más actual, cargado de tensión y dramatismo y, a la vez, lirismo y belleza.

Todas esas características quedan claras ya en el primer corte, “Etude #2”, en el que el austero acompañamiento del contrabajo deja paso a una segunda guitarra arpegiada mediante la cual Muthspiel se dobla a sí mismo. La búsqueda de tensiones no sólo se basa en la armonía, sino también en obligados rítmicos muy bien escogidos. “Mehldau” sirve para comprobar cómo se puede ejecutar un compás de 7/8 con una sensación de continuidad evocadora de métricas más habituales. En la balada “Shanghai” el líder nos recuerda a Bill Frisell, dibujando paisajes de colores similares a los del estadounidense, mientras que en “Etude #1”, tras una introducción a guitarra sola donde hace uso de la técnica de tapping, nos asombra con una composición oscura, donde la atención del oyente se centra en el trémolo constante de la segunda guitarra, por encima incluso de los pasajes melódicos. El mingusiano “East Coasting” conduce el devenir de la obra por derroteros más tradicionales, confirmándose como el preámbulo ideal para “Dhafer”, la composición más larga y elaborada del CD, confeccionada en varias partes y con voz humana haciendo las melodías incluida (en la carpetilla del disco no se indica de quién se trata). Es éste un espacio para el lucimiento de los tres músicos, con especial mención al buen solo de contrabajo de Matthias Pichler y a un Muthspiel que, nuevamente, se acompaña a sí mismo en una segunda pista de guitarra, si bien en este caso sin presencia de bajo ni batería. Ya hacia el final de la obra, el animado 3/4 de “Homebody” lleva a los músicos en volandas hacia el medio tiempo desenfadado de “Sleep”, en el que el guitarrista hace alusiones al “Jean Pierre” que popularizara Miles Davis a principios de los 80. “More Igor” pone el punto final con un motivo algo obsesivo que da paso a un ambiente brillante y relajado, muy en línea con todo el material anterior.

Durante todo el disco Wolfgang Muthspiel improvisa como si interpretara una partitura escrita, con intención y sin atropellos, haciendo gala de un lenguaje moderno donde prima el contenido sobre la forma, donde más allá de poder ser encuadrado en patrones predefinidos permite al lenguaje jazzístico salir de sus entrañas. Una equilibrada mezcla de cerebralismo y arrojo que nos ha dejado el mejor lado del guitarrista austriaco: el Bright Side.

Arturo Mora Rioja




Simone Kopmajer - Romance


Composiciones: “How Do You Keep the Music Playing?”, “A Blossom Fell”, “We Kiss in a Shadow”, “Calling You”, “Whatever Happens”, “Exactly Like You”, “Someone to Light Up My Life”, “The Way You Look Tonight”, “A Time for Love”, “Where or When”, “Just Squeeze Me”, “Whatever Happens” (reprise)

Músicos: Simone Kopmajer – voz; John di Martino – piano; George Mraz – contrabajo; Tim Horner – batería; Eric Alexander – saxo tenor

Grabado en Avatar Studios (Nueva York), 13 y 14 de abril de 2004.

KARONTE 7789

Comentario: Romance es el título del segundo disco de la joven cantante austriaca Simone Kopmajer. En él hace gala de una buena entonación vocal y sobradas capacidades líricas, si bien tanto la apariencia como el fondo del proyecto adolecen de revisionismo, dulzura gratuita y una escandalosa falta de ambición. La Kopmajer repasa grandes estándares del pasado arreglados para la ocasión por el pianista John di Martino sin ningún tipo de riesgo, hasta tal punto que, de no ser por la evidente calidad de sonido de la producción, la grabación podría haber tenido lugar hace décadas. La excesiva corrección y búsqueda de delicadeza y exquisitez hacen de Romance una obra monótona, salvada en última instancia por la buena labor de George Mraz y alguna que otra intervención solista del tenor Eric Alexander.

Temas acaramelados como “How Do You Keep the Music Playing?”, “We Kiss in a Shadow”, “Calling You” o “Where or When” acercan el trabajo al registro de Diana Krall, referencia actual en este tipo de entornos, si bien la voz de Simone Kopmajer busca decididamente la edulcoración sin límites y carece del tono bluesy de su homóloga canadiense. Apenas la figura de bajo de “All Blues” al principio de “Exactly Like You” y el tratamiento latino en “The Way You Look Tonight” son los únicos ápices de originalidad que se desprenden de la escucha de todo el CD, y el abuso de baladas y medios tiempos cohesiona en exceso el proyecto. Es una pena que, con músicos de tanto nivel y medios técnicos suficientes, se caiga en el tradicionalismo carente de contenido de forma tan deliberada. No obstante, Kopmajer demuestra buenas cualidades vocales y tiempo tendrá, esperemos, para enfocar su carrera hacia caminos más interesantes. Mientras tanto, quien solo quiera escuchar “un disco bonito de jazz cantado”, tiene en Romance un claro candidato al triunfo.

Arturo Mora Rioja




Ximo Tébar & Fourlights - Eclipse


Composiciones: “Inner Urge” (Joe Henderson); “Martino”; “Mensaje”; “My Evidence (About Monk and Coltrane)”; “ESP” (Miles Davis); “Ralladura”; “Eclipse”; “Pinocchio” (Wayne Shorter); “One Step Ahead” (Dave Samuels); “Puré de patata”; “Tricotism” (Oscar Pettiford).

Todos los temas compuestos por Ximo Tébar excepto donde se indica.

Músicos: Ximo Tébar – guitarra eléctrica, scat, sintetizadores, programación de loops; Dave Samuels – vibráfono y marimba; Anthony Jackson y César Giner – bajo eléctrico; Rob Bargad - piano y órgano; Donald Edwards – batería; Darío Boente – sintetizadores; Roland Guerrero – percusión.

Grabado en Millenia Studios (Valencia), 14 y 15 de diciembre de 2005, y Victoria Studios (Nueva York), 20 y 21 de diciembre de 2005.

OMIX 05017 CD

Comentario: Esto ya casi está. Paralelamente a sus excelentes grabaciones en trío de guitarra, órgano y batería, Ximo Tébar lleva años trabajando en proyectos alternativos cercanos al jazz pero con múltiples caras. Homepage, Son Mediterráneo o Embrujado desvelaban sonoridades cercanas a la fusión de los ochenta, a la cálida tradición popular brasileña o a la música de baile no exenta de contenido. No obstante siempre había algún pero que poner, y el resultado no llegaba a ser todo lo redondo que cabía esperar. Eclipse supone un salto cualitativo, un taller musical donde las ideas toman forma y se expresan de forma clara y contundente.

El “Inner Urge” de Joe Henderson suena profundo e intenso gracias a las largas notas del bajo de Anthony Jackson, el buen groove de un Donald Edwards cuyo trabajo a lo largo de todo el disco es fantástico y el aporte de un Dave Samuels que hace subir enteros la cotización del CD. Si bien Jackson sólo interviene en dos cortes, César Giner nos hace olvidarnos del estadounidense por completo, demostrando enorme claridad y precisión. Entre los momentos álgidos de la grabación se encuentra “My Evidence”, batido musical entre los detalles melódicos de “Giant Steps” y los rítmicos de “Evidence”, y dedicado a los compositores de ambos temas, John Coltrane y Thelonious Monk respectivamente. “ESP” toma una nueva dimensión tras ser pasado por el tamiz de la bossa-nova, y el “One Step Ahead” que Samuels ya grabara con su Caribbean Jazz Project en Paraíso (Concord Records, 1990) respira frescura y buena adaptación a la guitarra de Ximo, un Ximo cuyas evoluciones son atrevidas y deliciosas a partes iguales, en un proyecto en el que parece encontrarse muy a gusto y estar bien arropado por parte de sus acompañantes. Si la relajación venía de la mano de cortes como “Mensaje” o “Eclipse” y la pirotecnia de “Ralladura” (¡qué título más bien escogido!), otra de las estrellas del disco posiblemente sea “Puré de patata”, composición trabajada donde funk y oscuridad se dan la mano con un rápido y efectivo walking bass como testigo de improvisaciones cuidadosamente construidas. Aparte de los ya mencionados, el otro héroe de la sesión es el teclista Rob Bargad, siempre entregado al sonido de conjunto y consciente de cuándo acentuar los discursos solistas de sus compañeros.

Pues sí, esto ya casi está. Con el tiempo Ximo Tébar ha ido afianzando los cimientos de sus proyectos menos straight ahead y está dotando de coherencia estructural a unas producciones siempre cuidadas, por otra parte. Puede sonar paradójico, pero parece que este Eclipse está dejando ver la luz.

Arturo Mora Rioja




De Diego Brothers - Live, Bilbaína Jazz Club # 1


Músicos: Juan de Diego: trompeta y fliscorno. Víctor de Diego: saxo tenor. Elisabet Raspall: piano. Pere Loewe: contrabajo. Caspar St. Charles: batería.

Grabado en La Bilbaína Jazz Club de Bilbao, el 22 de septiembre de 2005

Artimaña Records R0028

Comentario: De Diego Brothers es uno de los proyectos más personales de los hermanos vascos Víctor y Juan de Diego, músicos de reconocida trayectoria que han participado en numerosas formaciones con otros músicos y que además lideran sus propios grupos. La formación que ambos comparten, creada en el año 1993, presenta para su debut discográfico una grabación en directo en “La Bilbaína Jazz Club” de Bilbao, club por excelencia de esa ciudad.

En la actualidad se realizan muy pocos trabajos con estas características, pues sin ser un álbum novedoso en cuanto a la música, si lo es por su desarrollo. El proyecto de los De Diego Brothers se encuentra enmarcado en el estilo be-bop, concretamente en la época clásica de Blue Note. Ello es apreciable tanto en el repertorio escogido, que incluye temas de Herbie Hancock (“Driftin’”), de Lee Morgan (“Boy, What a night” y “The Sidewinder”) o Andrew Hill (“The Rumproller”), así como en el tipo de formación escogida para su interpretación, trompeta, saxo tenor, piano, contrabajo y batería.

La música desplegada por los hermanos De Diego muestra de una forma clara un perfecto conocimiento de la misma, lo que redunda en una interpretación precisa y preciosa llena de swing y de fuerza por momentos. Las interpretaciones individuales tanto de Víctor como de Juan de Diego demuestran pasión por el lenguaje extendido y ante todo el conocimiento del estilo que despliegan, pero no como una copia, sino con un talante propio, y con unos solos basados en la tradición musical americana pero con claras ascendencias modernas. A todo ello contribuye de forma muy importante la sección rítmica que les acompaña, que lleva a cabo una labor importante y de peso como sustento de los dos líderes. Cabe señalar la elegancia y sutileza pianística de Elisabet Raspall, así como el exquisito toque del batería Caspar St. Charles.

Todo lo señalado anteriormente proporciona una música que se podría calificar de dichosa y seductora, y que por momentos nos hace retrotraer a una época muy determinada del jazz, pero con la única finalidad de hacer disfrutar al oyente, y donde se demuestra un gran respeto por algunos de los temas clásicos más conocidos del be-bop y del jazz moderno, pero con una aportación personal fresca y agradable. Este un disco para disfrutarlo sin pausa, pero ante todo sin prisa.

Juan Carlos Abelenda




Ernesto Jodos - Solo


Músicos: Ernesto Jodos: piano.

Grabado en vivo en el Centro Cultural del Parque de España / AECI.
Rosario, Argentina, el 29 de marzo de 2003,
excepto “A pesar del Diablo” y “Parisian Thoroughfare”, registradas en febrero de 2004.

BlueArt/Bau BACD-112

Comentario: Si hay un músico con una trayectoria que de alguna manera pueda simbolizar la renovación que ha vivido en estos últimos años el jazz en Argentina, ése es Ernesto Jodos, y este CD es sin lugar a dudas un hito en dicha trayectoria, retratándolo con esa desnudez que sólo es posible en los discos en solitario registrados en directo.

Ya desde “Four In One” de Monk, tema con el que abre el disco, Jodos se muestra como un improvisador muy personal, sin ninguna preocupación por dar ejemplos de virtuosismo, alimentando una tensión que nos mantiene expectantes, replegándose, expandiéndose, bordeando sutilmente la melodía, arriesgando, imaginando nuevas y estimulantes disrupciones.

Como comenta Diego Fisherman en la notas que acompañan a esta edición, en el jazz “se habla de algo que no está: el tema. A veces estuvo y a veces estará. Y, también en ocasiones, es tan elusivo (…) que no llega a estar nunca del todo. Sin embargo, sobre ese tema –o contra su ilusión– se define el espacio en el que se articula el jazz. Y el arte de Jodos, en particular, es precisamente el de trabajar con conciencia en ese espacio”.

Para comprobar placenteramente cómo trabaja Ernesto en ese territorio esencial del jazz, sólo hay que dejar que vayan cayendo como perlas cada una de sus interpretaciones. El evanescente lirismo de “Darn That Dream”, las tensiones angulosas de “Pent-Up House/Alone Together”, los dibujos luminosos de “Sweet And Lovely”, la estimulante energía de “Parisian Thoroughfare”, la emoción contenida de “Prelude To A Kiss”…

Otros cuatro temas nos enseñan, además, sus notables recursos como compositor: “A pesar del diablo”, “Drenar los años”, “Ll # 1” y el emotivo “Gaby’s tune”.

A la hora de hablar de influencias, hay tantos detalles de buen gusto, que no son pocos los nombres que podrían ser evocados. El mismo Fisherman cita a Tristano, Andrew Hill, Bud Powell, Herbie Nichols, Monk, Bill Evans, Beirach, Paul Bley, Fred Hersch, Debussy y Alban Berg.

Éste es un nuevo regalo de un pianista cuyo talento suena cada vez menos a revelación y cada vez más a confirmación. Muy recomendable.

Sergio Zeni




Hélène Breschand, Jean François Pauvros - Sombre


Composiciones: 1. mouillage 3'16" 2. étrave 11'22" 3. ombres 3'33" 4. courant chaud 2'45" 5. rêve d'algues 4'40" 6. à l'origine... 3'19" 7. houle 5'18" 8. l'étoile renversée 11'07"

Composiciones de Hélène Breschand y Jean-François Pauvros.

Músicos: Hélène Breschand (arpa acústica), Jean-François Pauvros (guitarra eléctrica).

Grabado en el final de 2004 y principio de 2005 en Studios Campus. Editado en 2005 por Les Disques Victo.

VICTO CD 095.

Comentario: Pocos meses antes de la grabación de este CD (entre finales de 2004 y principios de 2005) la parisina Hélène Breschand compartía, entre otros, un proyecto en dúo con el guitarrista de Marsella Jean Marc Montera. Cuando actúa por primera vez con Jean-François Pauvros (guitarra eléctrica), es en un concierto organizado por Epsilonia para una emisora de radio, en enero de 2003, en Les Instants Chavirés (“un encuentro fuerte e inesperado”, en palabras de ella) ¿Atracción por la guitarra? “Me hubiese gustado tocarla, de hecho puede ser que me hubiese gustado hacer rock”. Sin embargo, Hélène se decidió finalmente por el arpa a una edad muy temprana. Este otro instrumento de cuerda ejerció en ella “un efecto mágico, como una voz íntima, interior...”.

Sombre es una obra de ocho piezas con cuerdas sólidas, palpables silencios, y arropamiento de voces. Durante la escucha uno acaba inmerso en acordes y creaciones espontáneas bajo el prisma de una fecunda interacción. Con profusión de técnicas extendidas en los respectivos instrumentos se pone énfasis en su carácter espacial, sobre todo en la aportación musical de Pauvros. Este músico francés, de Lille pero residente en Paris, desarrolla desde finales de los setenta un importante papel en la música creativa y la exploración sonora, sobre todo en el terreno del free-rock. En fechas más recientes se ha asociado con músicos japoneses (Jac Berrocal, Arto Lindsay, Otomo Yoshihide, Marteau Rouge, Elliott Sharp, Keiji Haino, Sonic Youth,....). Sin embargo, aquí, el sonido de ambos instrumentos transcurre por pasajes –imagínese el recorrido topográfico de una corriente: la mayoría de los títulos guardan relación con el agua– en los que el trayecto puede ser manso y apacible, virgen y cristalino, y a la vez libre y caudaloso, soñador, bravo, también tortuoso y chirriante,... Una guitarra más cercana a la del ya fallecido Sonny Sharrock –con mucha versatilidad, además de manipulaciones (delays, bucles, arco, etc.)– que, por ejemplo, al noise o la rápida digitalización propias de su compatriota Dominique Répécaud.

Tal vez la presencia instrumental de Hélène en Sombre puede no aparecer tan evidente como la de Pauvros, porque ella cultiva un discurso discreto, matizado, sobradamente intuitivo y fundamental para lograr un mágico entramado musical, con ecos de los grandes clásicos contemporáneos, los que se mantuvieron muy abiertos con el instrumento que ella toca: John Cage, Luciano Berio, etc. Y, más a su favor, su planteamiento estético es diferente a la de otros compañeros improvisadores que trabajan con el arpa (por ejemplo: Rhodri Davies, con toda suerte de materiales, economía sonora y abstracciones, o Zeena Parkins, con una actitud de más proyección sonora, arpa electrónica incluida, pero tal vez –es gusto personal– menos transguesora).

Chema Chacón




Kazue Sawai, Michel Doneda, Kazuo Imai, Lê Quan Ninh, Tetsu Saitoh - Une Chance Pour l’Ombre


Composiciones: 1. Une chance pour l’ombre 22'03" 2. A chance for shade 27'51"

Músicos: Kazue Sawai (koto), Lê Quan Ninh (percusión), Michel Doneda (saxos soprano y sopranino), Kazuo Imai (guitarra acústica), y Tetsu Saitoh (contrabajo).

Grabado en directo en el 20º Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville el 17 de mayo de 2003. Editado en 2004 por Les Disques Victo. (VICTO CD094, 2005)

Comentario: El encuentro de esta formación como tal era inédito hasta ese momento, el 17 de mayo de 2003, la grabación en vivo en el 20º Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville, en Canadá. Sin embargo, entre ellos ya se conocían musicalmente: los músicos japoneses han compartido proyectos previos en Francia, de donde proceden Lê Quan Ninh y Michel Doneda. Este último, sobre todo, ha viajado varias veces a Japón con algún proyecto intercontinental. Entre improvisadores esto no quiere decir mucho. Lo realmente importante es que son excelentes músicos y precisamente por eso fueron llamados para conmemorar un vigésimo aniversario de uno de los mejores festivales dedicado a la música improvisada que hay en el mundo.

Aquí prevalece la música, no tiene sentido recurrir a un “encuentro Oriente-Cccidente”, el concepto pronto se queda corto, ahogado en sí mismo, una vez que el lenguaje es totalmente improvisado. Incluso escuchando un instrumento autóctono y tradicional japonés como el koto en manos de Kazue Sawai, lo verdaderamente destacable es su majestuosa presencia en las dos piezas aquí registradas. Igualmente la interacción instrumental, más significativa en la primera parte, lleva a una participación exploratoria del quinteto, con Kazuo Imai y Tetsu Saitoh, que se suman a los ya antedichos. Los pasajes se desarrollan ininterrumpidamente en diferentes alternancias: mientras las cuerdas del koto fluctúan con las de la guitarra, a la vez se manifiesta la interacción en la fricción con la piel del bombo, arco y cuerdas de contrabajo y sopranino. La inmensa fuerza creativa del quinteto acústico en la segunda parte da paso a la escucha de varias conversaciones entre dos o tres instrumentos en un primer plano. La sensibilidad queda aún más presente, a flor de piel, las cuerdas dibujan su diálogo creativo en el espacio y el tiempo, pierde fuerza pero gana en emoción, las texturas se reconocen y las voces individuales se reclaman mutuamente. Todo forma parte de la música.

El grupo, que mantiene el nombre “Une Chance Pour l´Ombre” tuvo oportunidad de reunirse a la semana siguiente en Francia para un nuevo concierto. Quedó registrado de forma extraoficial, y un extracto de una de las piezas pasó a formar parte del libro-disco de la serie Improvised Music from Japan 2004.

Chema Chacón