Pirineos Jazz Orchestra & Randy Brecker - Transatlantic Connection


Composiciones: "Above and Below" (Randy Brecker, arreglos de Alan Baylock), "Nada especial" (Iñaki Askunze), "Ez da posible" (Ruper Ordorika, arreglos de Dani Pérez e Iñaki Askunze), "My Ideal" (Robin, Whiting & Chase, arreglos de Maria Schneider), "Harpoon" (Randy Brecker), "The Way Up" (Pat Metheny & Lyle Mays), "Free Fall" (Randy Brecker, arreglos de Vince Mendoza), "Miniatura" (Iñaki Askunze), "Cantaloupe Island" (Herbie Hancock, arreglos de Guillermo Klein), "Skylark" (Hoagy Carmichael), "Young and Fine" (Joe Zawinul).

Todos los arreglos de Iñaki Askunze, excepto donde se indica.

Músicos: Pascal Drapeau, Laurent Agnès, Jacky Berekoetxea, Ramón García (trompeta), Fidel Fourneyron, Sébastien Arruty, Juan Carlos Aoiz, Lionel Segui (trombón), Ion Robles (saxos alto y soprano), Mikel Andueza (saxo alto), Gorka Benítez, Víctor de Diego (saxo tenor), Roberto Pacheco (saxo barítono), Albert Bover (piano y teclados), Dani Pérez (guitarras eléctrica y acústica), David González (contrabajo y bajo eléctrico), Didier Ottaviani (batería), Laura Ridruejo (voz) e Iñaki Askunze (arreglos y dirección).

Grabado en los estudios Elkar (San Sebastián), noviembre de 2005
FAM 22037, New Mood Jazz

Comentario: El arreglista Iñaki Askunze presenta un brillante trabajo de varias caras basado en la composición hispano-francesa de su big band Pirineos Jazz Orchestra y en la estelar aparición del trompetista Randy Brecker (la "conexión transatlántica" que evidencia el título). El repertorio encuentra sus mayores cotas de expresividad en los originales de Askunze ("Nada especial" y "Miniatura") y en las composiciones del propio Brecker ("Harpoon", "Above and Below" y "Free Fall"). El resto navega entre la sencillez melódica del "Ez da posible" del cantautor vasco Ruper Ordorika y la complejidad formal del fragmento de "The Way Up" (Pat Metheny Group) que, en formato de big band, pierde algo de fuerza. El grueso del disco, de sonido actual y seductores arreglos, contrasta claramente con su parte final, más conservadora, donde la cantante Laura Ridruejo aborda "Skylark" y el "Young and Fine" de Joe Zawinul.

Entre los miembros de la orquesta se encuentran algunos de los mayores talentos del jazz nacional, como Albert Bover, Dani Pérez, Mikel Andueza, Gorka Benítez o Víctor de Diego, si bien Randy Brecker acapara la mayoría de los solos del disco, labor que afronta con calidad y solvencia. Mención especial merece el buen trabajo del batería francés Didier Ottaviani.

Arturo Mora Rioja




CMS Trio - Colina Miralta Sambeat Trio


Composiciones: "Teo" (Thelonious Monk), "Syeeda's Song Flute" (John Coltrane), "Youkali" (Kurt Weill), "Pringators" (Perico Sambeat), "Hugo" (Javier Colina, Marc Miralta & Perico Sambeat), "Sábanas negras" (Perico Sambeat), "Encuentros" (Tito Arnedo), "Love for Sale" (Cole Porter), "Day Tripper" (John Lennon & Paul McCartney), "A mi manera" (Marcelino Guerra). El tema "Drume negrita" (Ernesto Grenet) se puede descargar de http://www.contrabaix.com/cmstrio.

Músicos: Javier Colina (contrabajo), Marc Miralta (batería) y Perico Sambeat (saxos).

Grabado en Grabaciones Silvestres (Sant Quirze Safaja, Barcelona), enero de 2007.

Comentario: A veces la lógica tiene cabida incluso en manifestaciones artísticas tan impredecibles como el jazz. La reunión de tres talentos de la categoría de Javier Colina, Marc Miralta y Perico Sambeat estaba destinada a dar un buen fruto, y así ha sido. El altísimo nivel técnico y expresivo de los músicos se combina con un entendimiento gestado durante años de trabajo en común, destilando arte y frescura. Pocas grabaciones en trío de saxo, contrabajo y batería (sin instrumentos armónicos como el piano o la guitarra, y sin una segunda voz solista que pueda biselar los acordes subyacentes) suenan con tanta soltura y claridad de lenguaje.

El variado repertorio incluye distintos tipos de enfoque, desde el blues basado en un riff de bajo de "Encuentros" a la dulzura de "A mi manera" (del cubano Marcelino Guerra, no confundir con el "My Way" de Frank Sinatra), pasando por el funk de "Pringators" o los arreglos de temas binarios en métrica de 3/4 ("Love for Sale" o el coltraniano "Syeeda's Song Flute", aire flamenco incluido). Monk, Kurt Weill o los Beatles son testigos del desparpajo con que el grupo afronta interpretación e improvisación con una sencillez insultante.

Arturo Mora Rioja




Uri Caine Ensemble - Uri Caine Plays Mozart


Composiciones: "Sonata para piano en Do Mayor, K 545: primer movimiento",
"Sinfonía No. 40 en Sol menor, K 550: primer movimiento",
"Sinfonía No. 41 en Do Mayor, K 551: segundo movimiento",
"Quinteto para clarinete y cuerdas en La Mayor, K. 581: cuarto movimiento",
"Sonata para piano en Do Mayor, K 545: segundo movimiento",
"Sinfonía Concertante en Mi bemol Mayor, K 364: tercer movimiento",
"Don Giovanni: Batti, batti, o bel Masetto",
"La Flauta Mágica: Bei Männern, Welche Liebe Fühlen y Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen",
"Sonata para piano en La Mayor, K. 331: Rondó a la Turca",
"Sonata para piano en Do Mayor, K 545: tercer movimiento"

Todos los temas compuestos por Wolfgang Amadeus Mozart

Músicos: Chris Speed (clarinete), Ralph Alessi (trompeta), Uri Caine (piano), Nguyên Lê (guitarra), Joyce Hammann (violín), Drew Gress (contrabajo), Jim Black (batería), DJ Olive (platos)

Duración: 76:18

Grabado en Amstelkerk, Amsterdam, Holanda entre el 16 y el 18 de junio de 2006.
WINTER & WINTER - WIN 910130-2 Distribuye Diverdi http://www.diverdi.com

Comentario: Si hay un músico en la escena jazzística actual capaz de enfrentarse al reto de llevar con imaginación la música clásica a los terrenos del jazz y la improvisación, este es sin duda el pianista de Filadelfia, Uri Caine. De la misma manera que hiciera anteriormente con la música de Wagner, Mahler, Schumann, Bach y Beethoven, en 2006 ha sido el turno de Mozart.

El gran acierto de Caine a la hora de afrontar este repertorio es acercarse a él sin miedo, despojándose de sus posibles prejuicios. Esto sin duda alguna le ha permitido adoptar la libertad de afrontar estas composiciones desde muy distintos ángulos y por medio de distintas formaciones. Sin perder la esencia de la música, el resultado es un maridaje muy interesante entre composición e improvisación.

El propio Caine muestra su maestría interpretando a piano solo los tres movimientos de la "Sonata para piano en Do Mayor". En sus manos la música de Mozart suene a jazz clásico, a blues o como una música abierta y llena de libertad. Sin embargo, a pesar de esta muestra de su enorme capacidad como pianista, Caine resulta sumamente sabio al ceder su protagonismo en el resto del disco a sus compañeros. Uno de los grandes beneficiados es DJ Olive: sus aportaciones, si bien no siempre en primer plano, sirven para llenar de detalles y complementar brillantemente el trabajo de todos sus compañeros. Del resto de músicos, señalar que Chris Speed, Ralph Alessi, Drew Gress y Jim Black demuestran aquí el porqué de su pertenencia a la primera división de los intérpretes en sus respectivos instrumentos. Quizás el único que puntualmente resulte un tanto excesivo en la grabación es el vietnamita Nguyên-Lê, absorbido por momentos por su papel de superguitarrista hendrixiano.

En cuanto a los momentos más brillantes del disco, es obligatorio señalar cuatro delicias para los oídos: en primer lugar los tres movimientos de la “Sonata para piano en Do Mayor", que sirven para abrir, cerrar y marcar el ecuador del disco, con Caine enfrentándose al piano en solitario y triunfando. Como muestra del trabajo del grupo, la adictiva recreación del "Rondó a la Turca" está llena de detalles que van aflorando escucha tras escucha y que hacen de esta una pieza casi perfecta y que hacen de éste el tema que más ha sonado en mi equipo de sonido en el pasado 2006.

José Francisco Tapiz




Sound in Action Trio - Gate


Composiciones: “Horizontal Fall (for Han Bennink)” (Ken Vandermark), “The Prophet” (Eric Dolphy), “Red Cross (for Elvin Jones)” (Ken Vandermark), “Medium Cool (For Paul Lovens)” (Ken Vandermark), “Enlightenment” (Hobart Dotson y Sun Ra), “Togo” (Ed Blackwell), “Side Car (for Tony Williams)” (Ken Vandermark), “Slate (for Paul Lytton)” (Ken Vandermark), “One Up, One Down” (John Coltrane), “Love Cry” (Albert Ayler), “House Party Starting” (Herbie Nichols).

Músicos: Ken Vandermark (saxo tenor, saxo barítono, clarinete y clarinete bajo), Robert Bary (batería), Tim Daisy (batería).

Grabado en Chicago, los días 29 y 30 de julio de 2003.

Atavistic 160 (Green Ufos)

Comentario: Frente a lo intrincado de V5, Sound in Action Trio es un grupo de claridad meridiana. Dos sets de batería que crean diálogos melódicos se superponen rítmicamente, crean texturas tímbricas, y un saxofonista y clarinetista imprime la melodía con enorme limpieza. Si un formato como éste resulta propenso a lo explosivo, al cataclismo, no es eso lo que se encuentra aquí, sino una logradísima corriente de diálogo intergrupal, extraordinariamente equilibrada, ya sea en las pocas ocasiones en las que domina la fuerza, como, en la mayor parte del disco, en tiempos medios o calmados.

Por mucho que V5 sea el grupo insignia de Vandermark, no debe considerarse Sound in Action Trio como un proyecto menor; no es el saxofonista un músico de entretenimientos. El avance respecto al primer álbum del trío, ahora con Tim Daisy ocupando el lugar de Tim Mulvena, el refinamiento del método, las versiones, soberbiamente seleccionadas, junto a un buen puñado de temas propios dedicados a bateristas, y el ya comentado equilibrio, lo sitúan ya como un álbum sobrado de interés para el seguidor del saxofonista o para quien no lo es.

Se inicia el álbum con una dedicatoria muy característica de Vandermark” a Han Bennink, en lo que es el corte más agitado del álbum, en el que el saxofonista impone su bronco barítono sobre un tema de llamada ayleriana y los dos bateristas desatan un torbellino de golpes que atienden más al pulso que a figuras dadas. Por el contrario la versión de “The Prophet”, de Eric Dolphy, con Vandermark en el clarinete bajo, tras un comienzo casi pastoral inicia un diálogo entre baterías y viento, de gran movimiento.

“Red Cross”, dedicada a Elvin Jones, es un blues coltrananiano, con un Vandermark poderosa y emocionalmente declamatorio sobre un fondo de baterías lleno de los característicos tripletes de Jones. Y no es el único tema en este modo: la versión de “One Down, One Up”, de Coltrane, deja igualmente sin respiro. Aunque el legado del saxofonista de Hamlet no se asocia normalmente a Vandermark, son estas dos piezas que evidencian con qué profundidad lo ha absorbido el de Boston.

“Medium Cool” y “”Slate”, dedicadas a Paul Lovens y Paul Lytton respectivamente, tienen la confiada calma folk de Jimmy Giuffre y en ellas el tapiz de platos sobre el que serpentean los clarinetes de Vandermark encandila. Muy cercano a la dedicatoria a Elvin Jones resulta la de Tony Williams, “Side Car”, con Vandermark en el tenor en una improvisación más clásica que casi todo lo que se encuentra en el resto del álbum.

Mediada la duración del disco se encuentra una lectura absorbente de “Togo” –quizás el mejor tema de este trabajo–, poderosísima, con carga ritual e hipnótica y un tenor que se enseñorea en el flujo percusivo, llegando a un ardiente clímax final. El resto de las versiones es de gran diversidad. La realizada sobre “Enlightenment”, de Sun Ra, rebosa swing, con Vandermark guiando con el barítono y un vibrante cruce de baterías. “Love Cry”, de Albert Ayler, con el barítono, comienza casi meditativamente para alcanzar una temperatura febril, mientras “House Party Starting”, de Herbie Nichols, en un quedo clarinete, posee una inusual fragilidad y ligereza en su tratamiento y tono.

La enorme musicalidad del álbum, los procedimientos musicales puestos en juego, la sobrada respuesta colectiva y la diversidad de sus cortes invitan a una continua y atenta escucha. ¿Puede considerarse algo así secundario?

Ángel Gómez Aparicio




Charles Tolliver Big Band - With Love


Composiciones: “Rejoicin’”, “With Love”, “Round Midnight”, “Mournin’ Variations”, “Right Now”, “Hit the Spot”.

Músicos: Charles Tolliver (trompeta), David Guy (trompeta), Chris Albert (trompeta), Keyon Harrold (trompeta), David Weiss (trompeta), James Zollar (trompeta), Joe Fiedler (trombón), Clark Gayton (trombón), Stafford Hunter (trombón), Jason Jackson (trombón), Aaron Johnson (trombón bajo, tuba), Todd Bashore (saxo alto, clarinete), Jimmy Cozier (saxo alto), Craig Handy (saxo alto, saxo soprano, clarinete y flauta), Billy Harper (saxo tenor), Bill Saxton (saxo tenor, clarinete), Howard Johnson (saxo barítono, clarinete bajo), Stanley Cowell (piano), Robert Glasper (piano), Ched Tolliver (guitarra), Cecil McBee (contrabajo), Victor Lewis (batería).

Blue Note (EMI)

Comentario: La big band de Charles Tolliver era un iceberg escondido, necesitado de un momento propicio para ser descubierto. Desde su nacimiento en 2000 existían entusiastas crónicas del progreso de una banda que, como el iceberg, se había desgajado de su tiempo y todavía presentaba una frescura y unos modos de una época en los que sobrevivían la fuerza y lo vibrante del jazz heredero de los sesenta y setenta.

David Weiss, trompetista de la formación –y artista Fresh Sound con dos estupendos discos en el catálogo–, además de especialista en el jazz de la época, se deshacía en elogios, lo mismo que Francis Davis en el Village Voice o Ben Ratliff en el New York Times. El renovado aprecio por el toque de Tolliver, proveniente de su participación en el laureado Times Lines de Andrew Hill, ha señalado éste como el momento adecuado, tanto que no sería descabellado presentar su edición como efecto directo del álbum de Hill, sino además como un acto de restitución.

Si el Tolliver del presente era un enigma, algunas reediciones han ido manteniendo su significado como músico: discos como Dance with Death, de Andrew Hill; Jacknife, de Jackie McLean o el restallante Members don git Weary, de Max Roach, al que Tolliver aportaba una inusual agresión con su trompeta más metálica. Pero la idea de que el Tolliver trompetista había sido engullido por las realidades del Tolliver hombre de negocios al mando de su sello Strata-East se imponía. With Love confirma que Tolliver no vuelve de vacío; sus solos de nuevo levantan ampollas. Como decía una guía de la época, Tolliver mostraba en Live in Tokyo una big band aguerrida y unos arreglos, teniendo en cuenta Impact, que hacían de él uno de los mejores álbumes para gran formación de los años setenta, pletórico de fuerza y resonantes combinaciones sonoras.

No hay nada difícil en la propuesta de Tolliver; música sólida, vibrante y de masa metálica que, ya desde su portada, con una estética perteneciente a la época Blue Note post Miles y Lyons, podría situarse en cualquier punto del continuo jazzístico desde los setenta hasta estos momentos.

“Rejoicin’” comienza con una típica línea oscilante de Tolliver a ritmo de vals y con la batería punteando acentos a doble tiempo. El torbellino creado por Victor Lewis se mueve entre una ordenada masa explosiva de metales, en una conjunción que crea tensión hasta desembocar en un solo lleno de ímpetu y soplo de Tolliver, y una muestra del toque ambidiestro de Cowell (a Tolliver le gusta mantener cerca a sus amigos de la época Strata East, Cowell y Harper), siempre de personal diseño. Tras el impacto de ésta, harto efectiva a la hora de dar inicio a un álbum, se recupera el aliento con “With Love”, un número semilatino, quizás el corte más convencional y menos suculento de este trabajo, por más que el empaste de las secciones de la banda convenza.

Otra cosa es el planteamiento casi monumentalista de “’Round Midnight”, enorme en sus cambios de carácter, la imbricación de las secciones, su impulso y sus solos. “Mournin’ Variations” es, no sólo por su duración, escasamente superior a “’Round Midnight”, el plato fuerte del disco. Tras una breve introducción de flautas, se plantea el tema al modo en que se hiciese en “Rejoicin’”, para pasar a una sección coltraniana en la que se suceden los solos de Billy Harper, épico con sus frases recortadas, trombón, Tolliver y Glasper, contra la poderosa urdimbre del cuerpo de la gran formación. Su efecto acumulativo es altamente emocional y da paso a un arreglo del “Right Now”, que Jacklie McLean interpretó en el álbum del mismo título, sin Tolliver. La línea caliente marcada por “Mournin’ Variations” continúa en este corte insistente, tenso y compacto, el de mayor pegada del álbum, y en “Suspicion”, que con el grosor salvaje de sus metales, su fondo rímico afrocaribeño y con las preguntas y respuestas de su secciones, suena casi dizzygillespiana.

La descomunal electricidad acumulada en este tramo final del disco se cierra con el brutal “Hit the Spot” que lo concluye. Esta música incisiva, enérgica, de metal pesado, está interpretada de forma sobrebia por una big band de puro nervio, pero merece señalar aparte el impresionante trabajo de una rítmica extraordinaria.

Sí, como decía la vieja guía, Tolliver sigue levando ampollas.

Ángel Gómez Aparicio




Enrico Rava - Full of Life


Composiciones: “Recuerdos” (Enrico Rava), “The Surrey with the Fringe on Top” (Hammerstein/Rodgers), “Mystère” (Enrico Rava), “Miss MG” (J. Girotto), “Moonlight in Vermont” (Balckburn/Suessdorf), “Boston April 15th” (J. Girotto), “Happiness is to Win a Big Price in Cash” (Enrico Rava), “Nature Boy” (Ahbez), “Visions” (Enrico Rava), “Miss MG - Alternate take” (J. Girotto).

Músicos: Enrico Rava (trompeta y fiscorno), Javier Girotto (saxo barítono y saxo soprano), Ares Tavolazzi (contrabajo), Fabrizio Sferra (batería).

Grabado en Cavalicco los días 11 y 12 de noviembre de 2002.

CamJazz 7759 2 (Karonte)

Comentario: La destilación y la altura alcanzadas por Easy Living y The Words and the Days (ECM) invitan a reconsiderar toda la obra reciente de Enrico Rava. Habrá quien busque el inicio de este periodo dorado sin encontrar una respuesta definitiva, salvo la excepcionalidad de un disco como Duo in Noir (Between the Lines), junto a Ran Blake, y un reguero de enormes interpretaciones en Montreal Diary o Shades of Chet, hasta toparse con este Full of Life, un disco atípico, inesperado, fuera de la línea de las últimas producciones del trompetista italiano.

Para empezar, el grupo es poco familiar, con el saxofonista argentino Javier Girotto como segunda voz, y una rítmica que se revela como muy eficaz para los propósitos del grupo, en especial con las propulsivas y melodiosas líneas del contrabajista Ares Tavolazzi. Ese propósito no es otro que el de ofrecer una música que en todo momento canta, ya sea en el registro lírico en el que se mueve Rava en sus piezas y en los estándares elegidos, como en las piezas que proporciona Girotto, líder de Aires Tango, que sin referirse directamente a este tipo de música, participan de su ambiente emocional.

La combinación Rava-Girotto es espléndida, con un barítono nada ronco y un soprano que roza lo chillón, pero se mantiene sin romperse lanzando contralíneas al trompetista. En el tema que da título al disco hay referencias al modelo West Coast sin instrumento de acordes, algo que aparece y desaparece a placer a lo largo del álbum (escúchense la preciosa combinación de timbres y contrapunto en “Recuerdos”, de Rava, o en la memorable “Boston April 15th” de Girotto).

Como es habitual en los últimos álbumes del trompetista, hay revisiones continuas de sus temas; aquí, “Visions” o “Happiness is to Win a Big Prize in Cash”, compuesta con motivo de la concesión del Jazzpar Prize a Rava. Comparar la primera con la tan formidable lectura alcanzaba en su último ECM, es percibir que diferencia de óptica opera en este disco. Las versiones abundan en lo lírico, con un desolado “Nature Boy”, y un no menos emocional “Moonlight in Vermont”. Si en los últimos álbunes de Rava para el sello alemán hay un placentero abandono, una delectación en lo paralizado, hay sin embargo en este Full of Life un dinamismo y algo ligeramente inubicable que lo dota de una gran frescura y capacidad de sorpresa.

Ángel Gómez Aparicio




Enrico Rava Quintet - The Words and the Days


Composiciones: ”The Words and the Days” (Enrico Rava), “Secrets” (Enrico Rava), “The Wind” (Russ Freeman), “Echoes of Duke” (Enrico Rava), “Tutù” (Enrico Rava), “Sogni Proibiti” (Rosario Boancorso), “Todamor” (Enrico Rava), “Serpent” (Enrico Rava), “Art Deco” (Don Cherry), “Traps!” (Roberto Gatto), “Bob the Cat” (Enrico Rava), “Dr. Ra and Mr Va” (Enrico Rava).

Músicos: Enrico Rava (trompeta), Gianluca Petrella (trombón), Andrea Pozza (piano), Rosario Bonacorso (contrabajo), Roberto Gatto (batería)

ECM 1982. Nuevos Medios

Comentario: No hay músico más adepto en estos momentos a expresar el placer, la delectación, que Enrico Rava. Bajo el pavesiano título de The Words and The Days, el trompetista italiano vuelve a ofrecer una entrega de puro detenimiento, de bañarse en la sonoridad de la trompeta, en su fina emisión, en su lento trazo, en las dinámicas, en la austera belleza de un recato sin embargo ardiente, en un tono lujuriosamente pleno ya sea en lo quedo como en breves y emotivas explosiones en el registro agudo.

Con Gianluca Petrella actuando como su sombra en un estoico y romántico trombón, con Andrea Pozza al piano en sustitución de Stefano Bollani, y la sobria rítmica, con un texturado Roberto Gatto, Rava continúa con el equipo que hizo de Easy Living su última obra maestra, modelo, aún cuando The Words and The Days está sobre todo formado por baladas de gran soltura, que no ha querido repetir.

Como indica su título, hay en éste una gran carga de melancolía, de alguien que extrajese la belleza de tiempos y amores pasados. Esa atmósfera reflexiva, emocional y sensual es la que impregna la gran mayoría del disco, en piezas como “Tute”, “Todamor” o el tema que le da el titulo al CD, alguna con eco a canción italiana. Mas no es este el único acercamiento: ondulante y con un mínimo apoyo instrumental, discurre una sueltísima “Serpent”; “Echoes of Duke” revisita la época Cotton Club de Ellington con el gruñente trombón de Petrella.

También hay dos versiones, una breve de “Art Deco” de Don Cherry a dúo con el trombonista, y un dramático “The Wind” de Russ Freeman, en la que lenta y casi ceremoniosamente se van añadiendo los instrumentos. Pero si hay un corte mayor es “Secrets”, en el que el lirismo de Rava se derrama en una melodía memorable. No, no hay nadie como Rava a la hora de expresar el placer y su rememoración de forma tan pausada, tan rica, con tanta plenitud.

Ángel Gómez Aparicio




James Clay - Tenorman James Clay. The Kid from Dallas


Composiciones: “In a Sentimental Mood” (Ellington/ Mills), “The Devild and the Deep Blue Sea” (Arlen /Koheler), “Easy Living” (Rainger/Robin), “Minor Meeting” (Sonny Clark), “Airtight” (Herb Geller), “Willow Weep for Me” (Ann Ronell), “Three Fingers North” (Sonny Clark), “Lover Man” (Davis- Sherman- Ramirez), “Marbles” (Sonny Clark), “It’s Alright With Me” (Cole Porter), “Scrapple from the Apple” (Charlie Parker), “Out of the Blue” (Miles Davis), “Sandu” (Clifford Brown), “Cheek to Cheek” (Irvin Berlin).

Músicos: James Clay (saxo tenor), Bobby Timmons (piano), Lorraine Geller (piano), Sonny Clark (piano), Jimmy Bond (contrabajo), Red Mitchell (contrabajo), Peter Littman (batería), Lawrence Marable (batería), Frank Capp (batería), Billy Higgins (batería).

Grabado en Los Angeles, los días 25 de julio y 4 de agosto de 1956, y 18 de febrero y 26 de marzo de 1957.

Fresh Sound 437

Comentario: La puerta más común de entrada a James Clay habrá sido para más de un aficionado la escucha de Art Deco, de Don Cherry, o de Red Mitchell Quartet. Habrá quien lo haya hecho de la forma canónica, escuchando su disco más fácil de hallar (no sé si el más difundido), The Sound of Wide Open Spaces, con David Newman, su compañero en la banda de Ray Charles; y aún quien se haya acercado intrigado por la compañía temprana del saxofonista, Ornette Coleman y Cherry en tiempos duros de rechazo y marginación.

Quien lo haya hecho vía el disco Red Mitchell o el del propio Clay, tendrá una idea más cabal de lo que ofrece este Tenorman James Clay. Por mucho que su apellido sea arcilla, no mucho hay de inestable en el toque de este saxofonista tejano de formidable tono viril, amplio, muy definido, de elasticidad en sus frases y con una buena capacidad estructural, reflejo de su admiración por Sonny Rollins.

Tenorman James Clay recoge la totalidad del contenido de Tenorman, álbum del desaparecido baterista Larance Marable, un corte procedente de una antología de westcoasters, una aparición televisiva y cuatro cortes extraídos del disco de Red Mitchell antes citado. Es en el disco de Marable, el único que grabó como líder, en el que se encuentra la carne de esta compilación, y no solo por la estupenda banda, completada por Sonny Clark y Jimmy Bond, sino por el repertorio interpretado.

Aquellos que califican a Clark como uno de los infravalorados compositores del bop tendrán más materia para caldear la discusión con tres temas de gran calidad, como “Minor Meeting”, de gran originalidad, “Three Fingers North” y “Marbles”, éste claramente dedicado al líder de la sesión, que se explaya en un bien ganado solo. No menos original que el primero de los citados es el inteligente “Airtight”, de Herb Geller, otro compositor y arreglista no tratado en su justa medida, que muestra la cohesión de una banda que une chispa, aportada por Clark, con lo untuoso del tono de un tenor aquí zigzagueante, y buena combustión swing.

Pero son las baladas los temas que Clay derrite hasta punto de caramelo con su control del tono; “Easy Living” y “Lover Man” descuellan. De las piezas extraídas del álbum de Mitchell, “Scrapple from the Apple”, con la vertiginosa digitación del bajista y el impulso extra de sus líneas adelantadas en el beat, y “Cheek to Cheek” son las escogidas. En cuanto al sonido, primoroso, buena profundidad y separación entre instrumentos. Esta sí es una sólida y apetitosa entrada a Clay.

Ángel Gómez Aparicio




Jon Robles - I Remenber Leonard


Composiciones: “Començar de Novo” (Ivan Lins), “Alone Togerther” (Schwartz, Dietz), “Triste” (A.C.Jobin), “En Blanco” (J.Díaz), “My One & Only Love” (Wood, Mellin), “Traneology” (Dany Pérez), “Skylark” (Hoagy Carmichael), “Giant Steps” (J.Coltrane), “Jontxu” (Jon Robles), “Falling Grace” (Steve Swallow), “Skech” (Robles, Mengual), “I Remenber Leonard” (Jon Robles).

Músicos: Jon Robles (saxos), Albert Sanz (piano), David Mengual (Bajo), David Xirgu (Batería), Carme Canela (Voz), Dani Pérez, V. Solsona, J.Díaz, J.Monné.

Grabado en los estudios Laietana, Barcelona, los días 7 y 8 de diciembre de 2004 y 19 de febrero de 2005.

NEW MOOD JAZZ 2005

Comentario: Es indudable que lo que caracteriza la buena música es la autenticidad y el amor que se pone en ella y este es el caso del disco que nos ocupa, “I remenber Leonard”. Jon Robles pasa por ser ya una realidad que apunta maneras de gran jazzman, y para ello se rodea de excelentes músicos y amigos, que hacen que su obra adquiera carácter propio y maduro.

Es cierto que la mayoría de temas que componen este álbum son versiones de estándares, pero no menos cierto es que parecen propias.

Si tuviéramos que dividir las composiciones del disco, lo podríamos hacer en tres partes, de las que la primera estaría formada por los temas vocales, donde es parte importante Carme Canela.

En “Començar de Novo”, canta en portugués y se vale del scat para dar mayor realce a un tema ya de por sí bello, donde destaca por igual el trabajo de Albert Sanz al piano y el saxo soprano de Jon Robles. En”Triste”, el scat vuelve a protagonizar esta composición del inolvidable Antonio Carlos Jobim, en el que se suceden los solos de Albert Sanz y el fraseo continuado y seco de Robles, que se desvanece poco a poco en la voz de Carme Canela. En “My One & Only Love”, el saxo tenor de Robles y el piano de Sanz sirven de excusa a la voz de Canela, que esta vez canta en inglés.

Como continuación de la división propuesta al comienzo, la segunda parte bien pudiera estar dedicada a las composiciones propias, entre las que podemos enumerar “En Blanco”, de Díaz, donde encontramos la alternancia instrumental del saxo soprano de Robles –perfecta modulación melódica en el comienzo y mayor arrebato después– y la guitarra eléctrica del propio Dani Pérez –en una intervención tan serena como moderna–, y en el que no debemos pasar por alto el solo de piano del compositor del tema.

“Traneology” lleva la firma de Dani Pérez, pero es el contrabajo de D. González el que lleva la voz cantante, con un contrapunto del ritmo en primera persona que deja el diálogo al tenor de Robles y a la guitarra de Dani Pérez, pero que finaliza Díaz al piano. “Jontxu”, deliciosa balada de corte jazz-flamenco, sirve para el lucimiento de la guitarra española de Rodriguez y la eléctrica de Solsona, en un solo tan intenso como veraz, que nos lleva a alcanzar uno de los momentos de mayor sensibilidad del disco.

“Skech” supone veinticinco segundos de excusa para el tenor de Robles y el diálogo de los contrabajos de González y David Mengual. Cierra esta segunda parte de composiciones propias el titulo que da nombre al disco, “I Remenber Leonard”, en el que Joan Monné nos acerca a la ternura de su piano acústico, repleto de tonos grises, románticos y nostálgicos.

Finalizan la división las composiciones ajenas –las versiones–, entre las que encontramos “Alone Together”, en la que Albert Sanz y Robles se enzarzan en un acalorado debate al que asisten pasivos David Menguad y David Xirgu. “Skylark” es una bellísima balada, un guiño a Ben Webster de parte de Robles en el saxo tenor, bien secundado por el piano de Albert Sanz y las escobillas de David Xirgu.

“Giant Steps” constituye todo un brindis al genial Coltrane. Robles en el saxo tenor comienza a capella para unirse al saxo alto de Perico Sambeat, que desemboca en el desarrollo coltraniano del propio Robles, con el acompañamiento de David Xirgu y David Mengual, alcanzando cuotas de gran creatividad.

Finalizamos este comentario con “Falling Grace”, una bulería compuesta por Steve Swalow, donde vuelven a encontrarse Robles y Sambeat para hablar de flamenco y jazz, con el acompañamiento de Rodriguez y Paquito González, cajones, palmas y jaleos.

Enrique Farelo




Otomo Yoshihide - The Multiple Otomo Project: Monochrome Otomo / Multiple Otomo


Composiciones: CD / Monochrome Otomo
1. “Generator And Records” 3:52 2. “Turntable Feedback I” 7:57 3. ”Handmade Generator” 1:32 4. “Records I” 1:55 5. “Surface And Sinewave” 5:15 6. “Cardboard Chip Needle” 1:42 7. “Turntable Feedback II” 3:40 8. “Prepared Guitar” 6:26 9. “Cut Records” 2:43 10. “Coins” 1:58 11. “Violin Bow With Handmade Needle” 7:34 12. “Test Tone Records” 3:31 13. “Records II” 4:00 14. “Contact Mic” 1:26 15. “Needles” 3:09 16. “Records III” 1:44 17. “Guitar And Rasps” 3:41 18. “Alloy” 2:54

DVD / Multiple Otomo
1. "Burner" 4:10 2. "Vinyls" 4:28 3. "Plucks" 2:48 4. "Yellow Record" 2:53 5. "Quadrant" 4:38 6. "Uncoiled" 1:10 7. "Needles" 0:51 8. "Frets" 2:41 9. "Tone Generator" 2:48 10. "Spiral" 1:27 11. "Pulse" 2:21 12. "Clamps" 0:38 13. "Luminous" 4:37 14. "Dispenser" 1:07 15. "Taped Records" 1:39 16. "Rotations" 3:32 17. "Colored Records" 1:31 18. "Corrosion" 1:52 19. "Brushes & Washers" 0:46 20. "Red Record" 4:00 21. "Tinfoil" 2:48 22. "Layered" 3:10 23. "Clip & Spiral" 0:42 24. "Hands" 2:42 25. "Jagged" 1:31 26. "Rasps" 3:43 27. "Crackles" 1:20 28. "Color Liquid" 2:28 29. "Blue Feedback" 1:26 30. "Turntable Graveyard" 3:35

Todos los temas por Otomo Yoshihide.

Músicos: Otomo Yoshihide (guitarra eléctrica, giradiscos, objetos)

Grabado entre 2003 y 2005.
Publicado en 2007 por Asphodel ASP3007 http://www.asphodel.com

Comentario: Otomo Yoshihide es uno de los músicos japoneses más reconocidos internacionalmente gracias a una carrera que se extiende a lo largo de más de tres décadas. Guitarrista autodidacta, también es manipulador de cintas, giradiscos, osciloscopios, samplers o instrumentos folklóricos. Es un músico encuadrado dentro de la música experimental que ha participado en proyectos de free jazz, música punk o avant-garde.
Multiple Otomo es uno de sus últimos proyectos discográficos. Compuesto por un cd y un dvd, Monochrome Otomo y Multiple Otomo respectivamente, sus títulos podrían inducir a pensar que nos encontramos ante una recopilación de parte de su carrera. Nada más lejos de la realidad. Las 48 piezas que integran esta obra son un disco en solitario de este mago del sonido. Haciendo uso de guitarras, giradiscos o generadores de ondas, Yoshihide construye un muestrario perfecto, un catálogo imponente de sus capacidades como músico experimental. Así, es capaz de integrar en su discurso elementos como el ruido blanco, los acoples o el sonido producido por la destrucción del soporte mismo de la música. Totalmente coherente con este hecho, el artista no tiene problema alguno en utilizar su giradiscos sin discos o incorporar muelles, gomas elásticas o cualquier elemento capaz de producir sonido de cualquier forma imaginable o no.

El dvd, Multiple Otomo, está estructurado en torno a las filmaciones de Masako Tanaka, Tim Digulla y Michelle Silva, e incluye 30 piezas. Su visión permite adentrarnos en la generación (real o simulada) de tan particular universo sonoro. Este aspecto visual se impone en algunos momentos sobre lo puramente sonoro: el resultado es una creación en la que se quiebra el discurso musical, que queda condicionado muchas veces a la tarea de los vídeo creadores.

Por fortuna, nada de esto ocurre a lo largo de las 18 piezas que componen el cd Monochrome Otomo. La ausencia de todo estímulo visual, impone, a la vez que sugiere, la creación de un discurso que, si bien desnudo, resulta muy variado y lleno de sentido. Asimilable conceptualmente a la realidad de la naturaleza, bella por definición, contiene un microcosmos en el que conviven momentos crispados, nerviosos, caóticos e incluso insoportables con otros llenos de quietud o melodía. El resultado son 60 minutos de una experiencia sensorial maravillosa y única.

José Francisco Tapiz




Al Haig Trio - 03/13/54 One-Day Session. Vogue & Esoteric Recordings


Composiciones: “Yardbird Suite” (Charlie Parker), “Mighty Like a Rose” (Nevin-Stanton), “Just One Of Those Things” (Cole Porter), “Taboo” (Ernesto Lecuona), “’S Wonderful” (Gershwin-Gershwin), “Just You, Just Me-Spotlite” (Klages-Greer), “The Moon Is Yellow” (Ahlert-Leslie), “’Round About Midnight” (Monk), “Autumn In New York” (Vernon Duke), “Isn’t It Romantic” (Rodgers-Hart), “They Can’t Take That Away From Me” (Gershwin-Gershwin), “Royal Garden Blues” (Williams), “Don’t Blame Me” (Fields-McHugh), “Moonlight In Vermont” (Suessdorf-Blackburn), “If I Should Lose You” (Rainger-Robin), “April In Paris” (Duke-Harburg), “All God’s Chillun Got Rhythm” (Kahn-Kaper-Jurmann), “Body And Soul” (Green-Sour-Heyman-Eyton), “Gone With The Wind” (Wrubel-Madigson), “My Old Flame” (Johnston-Coslow), “On The Alamo” (Kahn-Jones), “Taking A Chance On Love” (Rodgers-Hart).

Músicos: Al Haig (piano), Bill Crow (contrabajo), Lee Abrams (batería). Invitados: Harry Babasin (contrabajo) y Larry Bunker (batería).

Grabado en Nueva York, el 13 de marzo de 1954 y en Los Angeles, el 6 de septiembre de 1952.
Fresh Sound Records (FSR-CD 432).

Comentario: No parece casual que Al Haig brille en dos momentos fundacionales del jazz moderno. Primero, como miembro del mítico combo formado por Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Curly Russell, Stan Levey y él mismo al piano, aquel quinteto que hiciera saltar las primeras chispas del bebop en el club Three Deuces. Y, además, como pianista de la orquesta Capitol de Miles Davis, durante algunos momentos álgidos de la grabación de Birth of the Cool. Ahí es nada. No responde al azar, sino a la admiración que por Haig sentían dos gigantes como Davis y Parker. El pianista de Nueva Jersey, que se disputaba con Duke Jordan el puesto de acompañante preferido de Bird, aparece, por ejemplo, en las grabaciones legendarias de Shaw ‘Nuff, Salt Peanuts y Hot House, pero también en aquellas penúltimas sesiones de Parker, en el 53, en las que se fraguó Now is the time.

Este disco es fruto de un solo día de trabajo, una maratoniana sesión que da idea del caudal improvisador de Haig, respaldado por las escobillas de Abrams y el toque sin fisuras de Crow, o bien en solitario en tres de las pistas, “Don’t Blame Me”, “April In Paris” y “My Old Flame”, sencillamente portentosas. El trío recorre una veintena de estándares, desde la parkeriana “Yardbird Suite”, donde empieza todo, hasta “Royal Garden Blues”, estándar del ragtime, imprimiendo a todos los temas, de tan diversa procedencia, una delicadeza y buen gusto impagables, una elegancia que, siendo deudora de Nat King Cole y Teddy Wilson, es consustancial al estilo sutil de Haig, de quien podría decirse lo que Dan Morgenstern escribiera en 1980 sobre otro gran pianista de la era bebop, George Wallington, que como Haig permaneció durante años retirado de la escena musical: “Si el pianista y compositor George Wallington hubiera muerto de forma violenta hace 20 años, tras llevar una existencia autodestructiva, se habría convertido sin duda alguna en una leyenda del jazz. Por el contrario, al haberse retirado de los circuitos musicales a comienzos de los años 60, Wallington, figura semiolvidada, es raramente recordado, si acaso, por ser el compositor de un par de piezas que otros artistas popularizaron y como pianista del primer grupo que tocó bebop en la calle 52, el Oscar Pettiford-Dizzy Gillespie Quintet de 1943-1944”. Esta reedición supone, pues, una feliz recuperación que aplaudimos con entusiasmo.

Alberto Marina Castillo




Zoot Sims - Plays Alto, Tenor And Baritone


Composiciones: “9:20 Special” (Earl Warren), “The Man I Love” (Gershwin / Gershwin), “55th And State” (Zoot Sims), “Blue Room” (Rodgers / Hart), “Gus’s Blues” (Gus Johnson), “That Old Feeling” (Brown / Fain), “Bohemia After Dark” (Oscar Pettiford), “Woody’n You” (Dizzy Gillespie), “Blinuet” (George Handy), “The Trouble With Me Is You” (Handy / Segal), “Where You At?” (Handy / Segal), “Zonkin’” (George Handy), “Noshin’” (George Handy), “Major-Major” (George Handy), “Minor-Minor” (George Handy), “Pegasus” (George Handy).

Músicos: Zoot Sims (saxo alto, saxo tenor, saxo barítono y voz), John Williams (piano), Knobby Totah (contrabajo), Gus Johnson (batería).

Grabado en Nueva York. 1 a 8 de octubre, 12 de octubre y 2 de noviembre de 1956.
Originalmente publicado como “Zoot” (Argo 12” LP 608) y producido por Dave Usher.

Temas 9 a 16, grabados el 13 (?) de noviembre de 1956.
Originalmente publicados como “Zoot Sims plays alto, tenor and baritone” (ABC-155) y producido por Creed Taylor.

Reeditado en 2007 por Fresh Sound Records (FSR-CD 434).

Comentario: Cuentan que al ver las primeras imágenes de los astronautas sobre la luna, Zoot Sims exclamó: “¡Guau! ¿Qué te parece? ¡Y yo sigo tocando “Indiana”!”. La anécdota revela, amén de su fino sentido del humor, un espíritu indómito y desenfadado, incapaz de seguir los dictados de la moda si no se corresponden con lo que la honesta elección personal impone.

Hallamos en estas dos grabaciones, reunidas ahora con su habitual tino por Fresh Sound, a ese músico libre que fue Zoot Sims. En una primera parte aparece en formación de cuarteto convencional, mientras que en la segunda parte, la que da título a esta reedición, el cuarteto ve multiplicarse al gran saxofonista y arreglista californiano hasta aportar él solito toda una sección de saxos (tenor, alto y barítono, con el que debuta aquí discográficamente), grabados en varias pistas, que se entrelazan en los arreglos chispeantes y frescos de George Handy. ¡Cuatro hermanos en uno!, podría decir alguien, recordando a los célebres “Four Brothers”. Sims se atreve incluso a cantar.

Completan esta máquina de swing John Williams, cuyos racimos de notas acompañan y colorean admirablemente los solos de Sims, como un confeti sonoro, junto a Totah y Johnson como eficaz base rítmica. De la primera parte cabría destacar, la sentida e impecable interpretación de “The Man I Love”, así como las limpias líneas melódicas de “That Old Feeling” y “Bohemia After Dark”, al saxo alto. De las composiciones de Handy, con un encantador sabor de época, me quedaría con “Blinuet” y su hermosa introducción al piano, y “The trouble with me is you”, preciosa balada en la que Sims se expresa con su consabida claridad, ese vigor sin asperezas y esa levedad característicos de su toque.

Acaso la mejor prueba de la destreza de Zoot Sims –si es que hiciera falta aportar pruebas de su evidente excelencia– sea la aparente sencillez de su estilo diáfano, algo así como la poesía de William Carlos Williams, que nos hace exclamar, mientras seguimos el ritmo con el pie: ¡qué fácil parece!

Alberto Marina Castillo




Bill Carrothers - Keep your sunny side up


Músicos: Bill Carrothers (piano), Ben Street (contrabajo) y Ari Hoenig (batería)

Grabado los días 27 y 28 de febrero de 2006 en Munich.
Pirouet Records, 2007. PIT3021

Comentario: Carrothers vuelve a editar en el sello de Jason Seizer y lo hace una vez más en trío, tras aquel I love Paris (2005) con Nicolas Thys y Dre Pallemaerts. Este disco, registrado un mes después del estupendo No Choice con Marc Copland, podría prejuzgarse como un trabajo más o menos rutinario. Nada más alejado de la realidad; tras su amable apariencia se esconde una nueva confirmación de la creatividad y el gusto exquisito de Bill Carrothers.

Sin necesidad de parapetarse tras planteamientos arriesgados, su deliciosa elegancia nos sorprende con mil y un detalles a través de páginas como la optimista “I Can’t Begin To Tell You”, las vivaces, juguetonas “My dreams are getting better all the time” y “Say It Isn’t So” o la delicada y vibrante “London by night”.

Street y Hoenig realizan un soberbio trabajo para redondear el sonido de un trío de maneras clásicas y trasfondo punzante, interactuando siempre con frescura y rigor. Un disco redondo, alegre y apetitoso como ese huevo frito que evoca la portada.

Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Bob Brookmeyer Septet And Octet - Kansas City Sounds


Composiciones: “Jumping at the Woodside” (Count Basie), “A Blues” (Clarence “Big” Miller), “Blue and Sentimental” (Basie, Livingston, David), “Doggin’ Around” (Battle, Evans), “Travlin’ Light” (Young, Mundy, Mercer), “Moten Swing” (Buster & Bennie Moten), “Stretching Out” (Bob Brookmeyer), “Now Will You Be Good?” (Jentes, Pease, Terker), “Pennies From Heaven” (Johnston, Burke), “King Porter Stomp” (Morton, Burke, Robbins), “Ain’t Misbehavin’” (Waller, Razaf, Brooks), “Bee Kay” (Bill Potts).

Músicos: Bob Brookmeyer Septet: Bob Brookmeyer (trombón de válvulas), Al Cohn (saxo tenor), Paul Quinichette (saxo tenor), Nat Pierce (piano); Jim Hall (guitarra), Addison Farmer (contrabajo), Osie Johnson (batería), Clarence “Big” Miller (voz).

Bob Brookmeyer Octet: Harry Edison (trompeta), Bob Brookmeyer (trombón de válvulas), Zoot Sims (saxo tenor), Al Cohn (saxos tenor y barítono), Hank Jones (piano), Freddie Green (guitarra), Eddie Jones (contrabajo), Charlie Persip (batería).

Bob Brookmeyer Septet: Originalmente, publicado como “Kansas City Revisited” (UAS-5008) y producido por Jack Lewis.
Grabado en Nueva York, Olmstead Sound Studios, 23 de octubre, 1958.

Bob Brookmeyer Octet: Originalmente publicado como “Stretching Out” (UAS-5023) y producido por Jack Lewis.
Grabado en Nueva York, Nola Studios, 27 de diciembre, 1958.

Reeditado en 2007 por Fresh Sound Records (FSR-CD 430).

Comentario: Nada mejor que la reedición de dos álbumes festivos como los que incluye la presente reedición para celebrar la música de Bob Brookmeyer, que hoy día se mantiene tan activo como siempre y, tras haber sorteado una grave enfermedad, ofrecerá varios conciertos durante los próximos meses en Europa. Para celebrar la música de Brookmeyer, que es aquí también entusiasta celebración del sonido de Kansas City, la ciudad que lo vio nacer.

Pues los dos discos se nos ofrecen como claro ejemplo de lo que se llamó “moderno clasicismo”, siendo lo “clásico” el sonido –rebosante de swing, claro, melodioso, aparentemente sencillo– de la orquesta de Count Basie, con Lester Young relajando el imparable swing de los años treinta. Nunca sobran los homenajes a Basie, mucho menos en una década tan pródiga en ellos como fueron los cincuenta, pues, como afirma el propio Brookmeyer, “la música puede ser como el amor o la pintura. El hecho de que una canción y un cierto espíritu haya estado rondando por ahí durante un buen tiempo, no disminuye necesariamente su valor”. En este sentido, no nos parece menos gratificante la mirada atrás de estos músicos modernos, que el acercamiento de Pee Wee Russell a los temas de Ornette Coleman o Coltrane, por poner un ejemplo.

El espíritu de Basie está presente desde la primera nota de “Jumping At The Woodside” o “Doggin’ Around”, de irresistible swing, hasta el hermoso arreglo de “Ain’t Misbehavin’” o el walking de “Moten Swing”. Contribuyen a ello no solo los “hermanos” Al Cohn y Zoot Sims, tan familiarizados con el sonido Kansas City, o los excelentes Hank Jones y Jim Hall, músicos todos algo más jóvenes e involucrados en el bebop o el cool y que, como Brookmeyer, “regresan” a la tradición jazzística (aunque, para ser exactos, habría que decir que más que volver a la tradición, se desenvuelven en ella a sus anchas), sino los propios “protagonistas” de aquella época dorada: Paul Quinichette, un espléndido Harry Edison, la imbatible rítmica dictada por la guitarra de Freddie Green. A ellos se suma, en un par de temas que suponen su debut discográfico, el cantante Clarence “Big” Miller que, en la vena de Joe Williams, viene como anillo al dedo en este regreso al universo de Basie.

Sigamos –a ser posible, al pie de la letra– las instrucciones que el propio Brookmeyer proporciona para la correcta audición de este disco: “Agarre un buen vaso del mejor Dewar’s, un viejo sillón grande y confortable, suba el volumen y escuche”.

Alberto Marina Castillo




Dino Saluzzi Group - Juan Condori


Músicos: Dino Saluzzi (bandoneón), Félix ‘Cuchara’ Saluzzi (saxofón tenor, saxofón soprano y clarinete), José María Saluzzi (guitarras), Matías Saluzzi (contrabajo y bajo de seis cuerdas) y U. T. Gandhi (percusión).

Grabado en octubre de 2005 en Buenos Aires.

ECM, 2006.
1978 B0007360-02

Comentario: Kultrum, la primera grabación de Saluzzi para ECM cumplirá dentro de unos meses 25 años. De todos los discos registrados desde entonces para el sello de Manfred Eicher, este maravilloso Juan Condori es seguramente el que suena más directo, cálido y cercano. El antecedente más claro dentro del sello muniqués está indudablemente en el otro título firmado por el Dino Saluzzi Group, Mojotoro (1992).

En el disco que nos ocupa, Saluzzi vuelve a pintar con maestría el paisaje del noroeste argentino fundiéndolo con su mundo interior, del cual nos trae también un clásico del lenguaje urbano de Buenos Aires, “Milonga de mis amores”, de Pedro Laurenz.

El grado de compenetración y afinidad musical que Dino comparte con su hermano, su hijo y su sobrino es total, potenciando el resultado global por encima de virtuosismos instrumentales. La sensación que se tiene al escucharles interpretar esta bellísima selección de temas es la de una corriente veloz pero serena que fluye con suavidad, sin tropiezos. No hay asomo de complacencia en ningún instante de esta grabación, cuyos casi ochenta minutos resultan mágicos.

El bajo de Matías Saluzzi es esencial en la obtención de esa cadencia fluida de la que hablamos; su pulso anima todo el tiempo sin pedir un protagonismo que muy bien podría merecer. El italiano U.T.Gandhi (quien tocó junto a músicos como Rava, Sclavis, Galliano o Trovesi) aporta color y variedad evitando también la notoriedad, mientras José María Saluzzi llena de armonías los trastes de su guitarra, siempre imbricado a la perfección con los vientos y el bandoneón.

Hay en todo momento una nítida sensación de orden musical y la improvisación está perfectamente acotada para conseguir que en general sea la composición y el arreglo lo que brille, porque este Juan Condori es ante todo un disco espléndidamente compuesto. Dino Saluzzi se ha volcado en unos temas que a veces, como sucede en la magnífica “La vuelta de Paco Orillas” o en “Juan Condori”, son pequeñas suites llenas de melodías diferentes, que nos van llevando más y más alto en una aventura musical cautivante. De todas maneras, el grupo nos ofrece también una muestra de su capacidad para la composición espontánea colectiva, en especial en uno de los cortes, titulado inequívocamente “Improvisación”.

No es de extrañar que esta obra esté cosechando las máximas calificaciones. Estamos ante un disco absolutamente recomendable.

Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Federico Lechner Tango & Jazz Trío - Estela


Músicos: Federico Lechner (piano), Jorge Cerrato “Jato” (bajo eléctrico) y Marcelo Gueblón (batería).

Grabado en marzo de 2.006 en Madrid.
Bost Records

Comentario: Federico Lechner es un apasionado creador de historias. Sus dedos las trenzan con cristalina nitidez a lo largo y ancho de este equilibrado cóctel, especiado a base de tangos y estándares, que termina con “Esbaesbabaesbababaesbabababaesbababababagui”, un tema del propio Lechner recuperado de su disco homónimo.

Se trata de historias que logran atraer con engañosa facilidad hacia el jazz sensibilidades de procedencia indudablemente tanguera. Vale la pena resaltar la vivaz interpretación de “Donna Lee”, de Charlie Parker; el apasionado, arrebatador dúo con Martha Patricia (“Nostalgias” de Cobián/Cadicamo) o la deliciosa revisión de “El Día Que Me Quieras”, de Gardel y Le Pera; pero lo cierto es que el disco transcurre con sostenida emoción de principio a fin, recorriendo con agilidad y ligereza, sin asperezas, el ecléctico repertorio.

Jorge Cerrato y Marcelo Gueblón cumplen con eficacia su labor, dejando en todo momento a Lechner la parte del león. Lástima que la elección del bajo eléctrico nos prive del sonido hondo y noble del contrabajo, pues la elegancia de las líneas de Lechner se hubiese seguramente beneficiado mucho con ello. No obstante, se trata de un trabajo sólido y bien resuelto, atractivo y disfrutable.

Ricardo Arribas




Monte Easter - The Complete Recordings Vols. 1 (1945-1951) y 2 (1952-1960)


Composiciones: “Ain’t Cha Glad” (Monte Easter), “Empty Bed Blues” (Monte Easter), “She Knows What To Do” (Monte Easter), “Monte’s Blues” (Monte Easter), “I Need A Girl Like You”, “Evening Blues”, “Boogie Woogie Man” (Monte Easter), “I Love My Man” (Monte Easter), “Ooh-Lawdy! Lawdy!” (Monte Easter), “It’s Heaven” (Monte Easter), “Without Your Love” (H. & H. Tobias / D. Oppenheim), “There’s Always Another Day” (M. Easter / J. Smith), “I’m Hunched” (Monte Easter), “Real Fine Daddy” (Monte Easter), “Jump Boys Jump” (Monte Easter), “What’s The Use” (Monte Easter), “I Was Mad” (Monte Easter), “Thomas Avenue Blues” (Monte Easter), “Sweet Lovin’ Women” (Monte Easter), “Casablanca Boogie” (Monte Easter), “Pastel” (Callender / Otis), “That’s His Secret” (Robinson), “Jesse Mae’s Blues” (Robinson), “New Orleans Hop” (Monte Easter), “After Dark” (E. Tate / Monte Easter), “Just A-Rockin‘” (Monte Easter), “Blues In The Evening” (Monte Easter), “Going Back To Kansas City”, “Midnight Rider”, “Slow Freight Back Home” (James Nolen), “Let’s Try It Again” (James Nolen), “Weekend Blues” (Monte Easter), “Weekend Blues” (Monte Easter), “Weekend Blues” (Monte Easter), “Birdland Hop” (Monte Easter), “Birdland Hop (Do The Hoosie Doosie)” (Monte Easter).

Músicos: Vol. 1:
Monte Easter and his Orchestra:
Monte Easter (voz y trompeta), Earl Simms (saxo alto), Hubert Allen (saxo tenor), Martha Potts (piano), Addison Farmer (contrabajo), Charles Blackwell (batería).
Mary De Pina with Monte Easter and his Band: Mary De Pina (voz), Monte Easter (trompeta), Maxwell Davis (saxo tenor), Rosetta Andrews (piano), Ralph Hamilton (contrabajo), Charles Blackwell (batería).
Monte Easter and his Orchestra; Jimmy Delaney with the Monte Easter Orchestra; Mary Wallace: Jimmy Delaney (voz), Mary Wallace (Mary De Pina) (voz), Monte Easter (voz y trompeta), Earl Sims (saxo alto y saxo barítono), Hubert Allen (saxo alto y saxo tenor), Clara Lewis (piano), Bernard Carriere (contrabajo), Sonny Heard (batería).

Vol. 2:
Monte Easter and his Orchestra; Jessie Mae Robinson with Monte East (sic) Orchestra; Pat Reed with Monte Easter Orchestra:
Pat Reed (voz), Jesse Mae Robinson (voz), Monte Easter (voz y trompeta), Maxwell Davis (saxo tenor), Rosetta Andrews (piano), Jimmy Nolen (?) (guitarra), Ralph Hamilton (contrabajo), Charlie Blackwell (batería).
Monte Easter and his Band: Monte Easter (voz y trompeta), Jimmy Nolen (voz y guitarra), Maxwell Davis (saxo tenor).
Monte Easter and his Band o Jimmy Nolen: Monte Easter (voz y trompeta), Jimmy Nolen (voz y guitarra), J.D. Ware (saxo tenor), Alice Young (piano), Clarence Lively (piano), Frank Dandridge (contrabajo), Gabriel Williams (batería).
Monte Easter and his Band: Monte Easter (voz y trompeta), Caughey Roberts (saxo alto y saxo tenor), Eddie Davis (saxo tenor), Alice Young (piano), Jimmy Nolen (guitarra), Jesse Price (batería).

Todos los temas fueron grabados en Los Angeles, entre los años 1945 y 1960.
Reeditado en 2007 por Blue Moon (BMCD 6053 y BMCD 6054).

Comentario: Madeleine Peyroux ha dicho: “El jazz es la más alta forma del arte norteamericano. Incluso si estamos de acuerdo en que es un término muy vago, no podemos olvidar que comprende toda la música del siglo XX. Y que en cierto modo el pop está contenido en el jazz”. La música del semiolvidado trompetista Monte Easter (1913-2000) da fe de esta afirmación nada apresurada acuñada por una de las voces más bellas del momento.

Easter compartió escenario con grandes figuras del jazz –quizás la más insólita por inesperada sea la de Eric Dolphy–, pero (y no me tomen demasiado en cuenta este “pero”) su estilo y sus composiciones encajan en el más emocional y sencillo rhythm and blues.
En las presentes, que son sus grabaciones completas conocidas, se acompaña de un puñado de muy buenos músicos, como la estupenda cantante Mary De Pina (también conocida como Mary Wallace), más rotunda aún después de oír la voz melosa de Jimmy Delaney; pianistas invariablemente femeninas, como Rosetta Andrews o Martha Potts (sobrina de Lester Young); Earl Simms en el saxo alto; o tenores de ostensible vibrato, como Hubert Allen, Maxwell Davis y el propio Delaney.

La práctica totalidad del repertorio está formada por composiciones de Easter, cuya característica y graciosa voz cascada contrasta admirablemente con las voces femeninas (por ahí andan también Pat Reed y Jessie Mae Robinson, émula de Billie Holiday) y halla un magnífico complemento en la guitarra de Jimmy Nolen, que se suma a la banda en los años 50, o sea, en el segundo disco, y viene a enriquecer notablemente su sonido.

Sabrosos boogies, alguna ramplona balada y hermosos blues los de Monte Easter. Música de juke box que invita a brincar o brindar (los más audaces se atreverán a brindar y brincar al mismo tiempo).

Alberto Marina Castillo




Myra Taylor, Earl Jackson, Ella Mae Morse - Swingin’ Small Combos Kansas City Style. Vol.3: Kansas City Jumps


Composiciones: “I Don’t Want To Set The World On Fire” (Durham / Benjamin), “My Pop Gave Me A Nickel” (Durham / Seiller / Marcus), “Dig It” (Dameron / Dameron / Leonard), “Take It Easy Greasy” (Myra Taylor), “Tell Your Best Friend Nothin’” (Myra Taylor), “The Spider And The Fly” (Myra Taylor), “Still Blue Water” (Myra Taylor), “Move Out” (Ford / Taylor), “Quit Barking In My Rhubarb (Gang Of Mine)” (Wills / Hill), “Clinging Vine” (Ford / Taylor) “It’s A Sin To Tell A Lie” (Mayhew), “I’m In My Sins This Morning”, “Booted”, “Early In The Morning” (Leo Hickman / Louis Jordan / Dallas Bartley), “Bombo B. Bailey” (Frank DeVol), “On The Sunny Side Of The Street” (Jimmy McHugh / Dorothy Fields), “Kansas City Jumps” (Earl Jackson) versión original, “Kansas City Jumps” (Earl Jackson), “Talking To Myself” (Earl Jackson) versión original, “Talking To Myself” (Earl Jackson), “Woman Don’t Want A Good Man No More” (Earl Jackson), “Take Out The Squeal If You Want A Meal” (Luper / Jackson), “If I Had One” (Smith), “So Help Me” (Von Tenner-Smith) versión original, “So Help Me” (Von Tenner-Smith).

Músicos: Temas 1 a 3; Harlan Leonard and His Rockets: Myra Taylor (voz), Harlan Leonard (clarinete, saxo alto y saxo barítono), Edward Johnson (trompeta), William H. Smith (trompeta), James Ross (trompeta), Richmond Henderson (trombón), Fred Beckett (trombón), Walter Monroe (trombón), Darwin Jones (saxo alto), Henry Bridges (clarinete y saxo tenor), Jimmy Keith (saxo tenor), William Smith (piano), Stanley Morgan (guitarra), Winston Williams (contrabajo), Billy Hadnott (contrabajo), Jesse Price (batería).

Grabado en Chicago el 13 de noviembre de 1940.

Temas 4 a 7; Myra Taylor and Jimmy Keith’s Orchestra: Myra Taylor (voz), Jimmy Keith (saxo tenor), posiblemente Gerald “Spider” Hunter (trompeta), Maurice Wheeler (saxo alto y saxo barítono), Elbert “Coots” Dye (piano), Ike Witt (contrabajo), Edward “Lil’ Phil” Phillips (batería), guitarrista desconocido.

Grabado en Kansas City el 31 de octubre de 1946.

Temas 8 a 13; Myra Taylor and Reiser-Meyers Trio: Myra Taylor (voz), piano, guitarra y contrabajo desconocidos.

Grabado en Chicago, 1947.

Temas 14 a 16: Ella Mae Morse (voz), Vernon “Geechie” Smith (trompeta), Dave Cavanaugh (saxo tenor), Pete Johnson (piano), Ulysses Livingston (guitarra), Billy Hadnott (contrabajo), Lee Young (batería).

Grabado en Los Angeles, 9 de diciembre, 1947.

Temas 17 a 25; Earl Jackson and His Orchestra: Walter Roberts (voz), Luther Luper (voz), Earl Jackson (saxo tenor), Buddy Tate (saxo tenor), trompeta, saxo alto, saxo barítono, piano, guitarra, contrabajo y batería desconocidos.

Grabado en Los Angeles el 26 de abril de 1949.

Reeditado en 2007 por Blue Moon (BMCD 6055).

Comentario: Tras los dos discos dedicados, respectivamente, al batería Jesse Price (BMCD 6019), y a las trayectorias de “Geechie” Smith y de “Crown Prince” Waterford (BMCD 6046), Blue Moon edita el tercer volumen de la serie Swingin’ Small Combos Kansas City Style, consagrado en esta ocasión a tres talentos vinculados de un modo u otro a aquel ámbito: Myra Taylor, Ella Mae Morse y Earl Jackson.

En la primera sección, Myra Taylor –que recuerda a la maravillosa Mildred Bailey, aunque su estilo sea más festivo y su timbre algo distinto–, aparece integrada en la banda de Harlan Leonard o acompañada por la Jimmy Keith’s Orchestra –con la que graba sus éxitos “Take It Easy Greasy” y “The Spider And The Fly”, de composición propia– o por el Reiser-Meyers Trio, en la estela del trío de piano, guitarra y contrabajo de Nat “King” Cole. Myra “Mama” Taylor, que compartiera la escena con astros como Earl Hines, Roy Eldridge o Tad Dameron, vive aún, que sepamos, y en 2001 publicó su último álbum hasta la fecha, My night to dream. La inclusión en este disco de los tres temas cantados por Ella Mae Morse se explica por la procedencia de la banda que la respalda: ahí están Pete Johnson, legendario pianista de boogie-woogie, Vernon “Geechie” Smith y Lee Young, entre otros.

El sexteto de Kansas City rebosa swing y la versátil Ella Mae Morse (1924-1999) –que debutara con la orquesta de Jimmy Dorsey fingiendo tener 19 años cuando contaba con 14, y que frecuentó tanto el jazz como el rhythm and blues, el country o el pop, así como la pantalla–, no posee un gran registro, pero sí un timbre cálido, y se luce en la versión de “On The Sunny Side Of The Street”.

En cuanto a la tercera y última sección, consagrada a Earl Jackson y su banda, reparo en el tema que da título al volumen, “Kansas City Jumps”, cantado por un Luther Luper que recuerda en su simpático histrionismo al mejor Cab Calloway, así como en Walter Roberts, con su característico estilo.

Alberto Marina Castillo




The East-West Jazz Septet - The Birdland Stars On Tour 1956


Composiciones: ““Two Pairs of Aces” (Manny Albam), “Minorin’ the Blues” (Ernie Wilkins), “A Bit of the Blues” (Manny Albam), “Phil ‘Er Up” (Manny Albam), “Roulette” (Ernie Wilkins), “Last Lap” (Manny Albam), “Hip Boots!” (Ernie Wilkins), “For Kicks Only” (Ernie Wilkins), “Ah Funky New Baby” (Manny Albam), “Playboy” (Ernie Wilkins), “Conte’s Condolences” (Manny Albam), “Birdland Fantasy” (Ernie Wilkins).

Músicos: Conte Candoli (trompeta), Kenny Dorham (trompeta), Phil Woods (saxo alto), Al Cohn (saxo tenor), Hank Jones (piano), John Simmons (bajo), Kenny Clarke (batería).

Grabado en directo durante el Birdland All-Star Tour en febrero de 1956.
Originalmente publicado como “The Birdland Stars on Tour” por RCA Victor (LPM-1327 y LPM-1328).
Reeditado en 2007 por Fresh Sound Records (FSR-CD 431).

Comentario: He aquí una muestra de lo que el East-West Jazz Septet dio de sí en su gira de 1956 por veinticinco ciudades de EE.UU. La idea de agrupar a estos músicos fue de Morris Levy, el astuto y siniestro propietario del Birdland, que decidió explotar la creciente fama de su club y aprovechar (¿o sería más exacto decir “aprovecharse de”?) el elenco de estrellas que pasaban por su célebre club neoyorquino.

El septeto incluye un par de músicos de la escena West Coast: el nunca suficientemente reconocido trompetista Conte Candoli y el contrabajista John Simmons; así como cinco músicos de la costa Este, desde los consagrados Kenny Clarke o Hank Jones, hasta un floreciente Phil Woods.

Si la flamante etiqueta East-West Jazz Septet reviste un carácter eminentemente comercial, lo mismo cabría decir de las categorías “East Coast” y “West Coast”, que nunca deberían ser tomadas como compartimentos estancos. Estas grabaciones son una buena razón para dudar de dicha nomenclatura. En ellas se cruzan, más que escuelas, poderosas individualidades. El resultado es arrollador.

La banda contó con un puñado de temas compuestos para la ocasión por Manny Albam y Ernie Wilkins. Temas sencillos para que los músicos pudieran familiarizarse rápidamente con el repertorio, en el que subrayaríamos el tema segundo, “Minorin’ The Blues”, en el que sobresalen todos los músicos, desde la introducción de Simmons y Clarke insinuando el tema, hasta la rueda de solos típica de estos conciertos de bandas all-stars, los rutilantes solos de Candoli, Cohn, Dorham, Jones y Woods, el más joven (¡tan sólo 24 añitos!), en cuyo solo diríase que está ya toda su música.

Como curiosidad, en la pista 9 podemos oír a Pee Wee Marquette, el singular maestro de ceremonias del Birdland (inmortalizado por Lee Friedlander en una de sus magníficas fotografías), presentando al septeto.

¿Qué puede decirse de noches como éstas, que Fresh Sound recupera para nuestros agradecidos oídos? El East-West Jazz Septet, lógicamente, causa furor.

Alberto Marina Castillo




Dave Burrell - Momentum


Músicos: Dave Burell (piano), Michael Formanek (contrabajo) y Guillermo E. Brown (batería).

Grabado en Brooklyn, New York, en noviembre de 2005
High Two Recordings, 2006.

Comentario: Tras un disco en solitario (Margy Pargy, SplacH, 2005) y otro junto al percusionista Billy Martin (Consecuences, Amulete, 2006) Dave Burrell vuelve al formato del trío haciendo gala de un desaliño formal sorprendente. Algunos de sus más queridos recursos expresivos parecen ser balbuceos, tropezones, notas en falso y patadas al metrónomo. Sorprende, además, que una extraña pero indiscutible grandilocuencia revista algunas de sus piezas ("Fade to black" es un claro ejemplo). El resultado es una música rabiosamente intensa, llena de una rasgada belleza y un señorial aliento trágico.

Si su anterior trío con William Parker y Andrew Cyrille (Expansion, 2004) resultaba cautivador por la diversidad de aproximaciones de cada uno de los tres músicos, esta nueva formación parece específicamente concebida para recrear estos temas. Aquí los integrantes confluyen participando de una fuerza intensa aunque contenida, de una pulsación tosca y vibrante, de un ritmo interno entrecortado y vital. El resultado es tan fascinante o más, una excitante colección de composiciones donde estructura y ritmo se muestran con sorprendente desnudez y Burrell se deja llevar a veces por arrebatos de rudo melodismo ("Cool reception"). El free se integra en el pianismo de Burrell con un discurso de contornos aparentemente convencionales y un trasfondo asombrosamente inquieto e indagante ("Momentum").

La importancia de los últimos discos de Burrell quizá no ha sido aún debidamente apreciada, pero trabajos como éste le hacen a uno soñar. Momentum es un disco profundamente conmovedor, lleno de una dulzura hosca, sincera y duradera.

Ricardo Arribas y Sergio Zeni




CMS Trio - Colina Miralta Sambeat Trio


Composiciones: Teo (Thelonious Monk), Syeeda’s song flute (John Coltrane), Youkali (Kurt Weill), Prinngators (Perico Sambeat), Hugo (Colina- Miralta-Sambeat), Sábanas Negras (Perico Sambeat), Encuentros (Tico Arrendó), Love for sale (Cole Porter), Day Tripper (Lennon/McCartney), A mi manera (Marcelino Guerra).

Músicos: Perico Sambeat (saxo alto), Javier Colina (contrabajo), Marc Miralta (batería y percusión).

Grabado en Enero de 2007

Comentario: CMS, arriesgado reto se esconde tras estas siglas, pues aunque es obvio el tirón comercial (ganado tras años de buenos trabajos) que tienen estos tres nombres como autores de un cd, también son ciertas la responsabilidad de responder a las altas expectativas generadas y la extraña tendencia de algunos al excesivo escudriño de todo aquello no lleve etiqueta “underground”, propia de algunos lanzamientos jazzísticos.

Entre cábalas extra-musicales uno empieza a escuchar el cd que arranca con ritmo cubano perfectamente marcado por Colina, ¿Una guajira? ¿Un Chachachá?, es “Teo” de Monk, seguramente el músico de jazz moderno más invocado por músicos latinos. Tras el tema de Thelonious Monk el trío se lanza con Coltrane, en unos arreglos más cercanos a la versión original, donde Sambeat llega a niveles de expresividad comparables a los del saxofonista norteamericano, sin perder el cubanísimo solo de Colina y el flamenquillo en el acompañamiento de Miralta.

Tras este sensacional comienzo, el trío se encarga durante el resto del disco de superar todas las expectativas creadas antes de su escucha. Por un lado, la sabiduría de unos músicos expertos, que han sido protagonistas activos en la madurez del jazz realizado en la península, y por otro la química propia de músicos que llevan muchos años tocando juntos, no en vano estos tres músicos ya se han encontrado en diferentes formatos (los tres han coincidido en New York Flamenco Reunion de Miralta o en los discos de la serie Jazz viene del sur editados por Resistencia).

Todo esto permite disfrutar de un Perico Sambeat en plena forma, especialmente intenso y lírico (escúchese “Youkali”), aportando además dos composiciones, (con un blues incluído). Un Javier Colina cuyo contrabajo abandera la tarea de buscar (y encontrar) el lado “latino” del swing. Y un Miralta que sin asumir protagonismo, con elegancia a la que nos tiene acostumbrados, resuelve la difícil tarea de llenar los espacios de un trío de estas características, mostrando su versatilidad en un trabajo tan ecléctico en cuanto al ritmo se refiere.

Un disco excelente que recorre ritmos cubanos, españoles, el blues, el swing, el jazz moderno, e incluso por el pop sesentero de los beatles con la sensación de que sus integrantes llevan esta música dentro desde su nacimiento, lo cual da mucho más valor si cabe a todo el trabajo que hay detrás de este proyecto.

Víctor Bobeche




Xacobe Marínez Antelo Quinteto - Isto é jazz!!!


Músicos: Pablo Castaño (saxofón alto), Toño Otero (saxofón tenor), Marcelino Galán (guitarra), Xacobe Martínez Antelo (contrabajo), Max Gómez (batería).

Grabado los días 21 y 22 de agosto de 2006 por Radio Galega.
Free Code Jazz Records / FC106CD.

Comentario: Estamos de acuerdo: Xacobe Martínez Antelo Quinteto puede que no sea un nombre muy fácil de memorizar, pero hacer el esfuerzo bien vale la pena. Quien lo haga se pondrá sobre la pista del estimulante y último proyecto de este contrabajista, a quien algunos conocerán a través de los recomendables discos del trío Sumrrá.

Sobre unas composiciones de muy buen nivel, directas y llenas de un arrollador groove algunas –“Pai”, “Búsqueda e Captura”, “Todo O Que Poderías Ter Sido De Non Ter Elexido Ser O Que Eres” –, indagantes otras – “Flu!”, “Kahvio” –, el quinteto desarrolla una propuesta que bebe del hard bop y encaja perfectamente en ese sabor clásico de Free Code, un jazz actual que dialoga con la tradición.

Los casi cincuenta minutos de Isto é jazz!!! son atravesados por los ricos juegos que dibujan en primer plano el alto de Pablo Castaño y el tenor de Toño Otero, dos saxofonistas de precioso sonido, sobre una cuidada alfombra sonora tejida por la siempre presente guitarra de perfume methenyano de Marcelino Galán, el contrabajo profundo del líder (hay que ver lo bien que sabe colocar las notas) y la excelente batería, vivaracha y atenta, de Max Gómez, quien ya participó en otras formaciones vinculadas a este sello como SOS Trío y SPJ.

Decir de este disco que se trata de buen jazz hecho en Galicia sería quedarse corto. Acerquémonos sin prejuicios a la propuesta de Martínez Antelo y disfrutemos de su música. Isto é jazz de calidade!!!.

Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Pat Moran - This is Pat Moran. The Complete Trio Sessions Featuring Scott LaFaro


Composiciones: “Making Whoope” (Donaldson/Kahn), “In Your Own Sweet Way” (Brubeck), “Onilosor” (Rosolino), “Come Rain or Come Shine” (Arlen-Mercer), “Collar Greens and Black-Eyed Peas” (Pettiford), “I Could Have Danced All Night” (Lerner/Loewe), “Blues” (Moran/Frey), “The Man I Love” (Gershwin), “I Get a Kick out of You” (Porter), “I Wish I Knew” (Harris /Young), “You Don’t Love What Love is” (Raye/De Paul), “I’m Glad There is You” (Madeira/Dorsey), “Sometimes I am Happy” (Youmans/Caesar), “You and The Night and the Music” (Schwartz/Dietz), “But Not for Me” (Gershwin), “Embraceable You” (Gershwin), “Lover Come back to Me” (Romberg/Hammerstein III), “Someone to Watch over Me” (Gershwin), “Goodbye” (Jenkins).

Músicos: Beverly Kelly (voz), Pat Moran (piano), Scott LaFaro (contrabajo), Johnny Whited (batería).

Grabado en Chicago, en diciembre de 1957
Fresh Sound 440

Comentario: Este es un disco que a veces surge en las discusiones sobre Scott LaFaro. El principal motivo son las declaraciones del contrabajista, recogidas por Martín Williams para Jazz Review, y según las cuales el fastidioso LaFaro afirmaba: “ni siquiera me gusta ninguno de mis discos, excepto quizás el primero que hice con Pat Moran para Audio Fidelity”. Pat Moran era una pianista de sólida educación clásica que iba para concertista, hasta que un día escuchó en directo a Oscar Peterson y según propia admisión, no volvió a mirar atrás. Su encuentro con el contrabajista fue del todo casual: “conocí a Scotty en un club de Saint Louis cuando tocaba con Chet Baker. Era la última noche del grupo allí y nosotros empezábamos el día siguiente. Al terminar su actuación, nos quedamos hablando y una chica le pidió a Chet que le cantase y Chet empezó a cantar “Look for the Silver Lining”. Seguimos hablando y Scotty y yo nos hicimos buenos amigos”. La atribución de estas sesiones a LaFaro ha sido muy discutida, dándose por seguro que el bajista se trataba de John Doling, músico habitual en el grupo de Moran. La pianista, hoy con el nombre de Patti Moran McCoy, la hermana de LaFaro y la cantante Beverly Kelly lo identifican sin embargo como el contrabajista de estas grabaciones. Tipo de afinación, digitación y articulación dejan poco margen de sospecha.

No hay que ser fetichista para disfrutar de la magnífica portada de este disco, aunque ayuda. Con semejante imagen y un título como This is Pat Moran, todo el foco de atención se centra en la pianista, pero en realidad se trata de una música muy de trío, no tanto por las intervenciones de los otros miembros –el baterista queda algo relegado–, como por la naturaleza de los arreglos. Pianista tendente a construir por medio del encadenamiento de frases cortas, algo que le da un swing especial, pero de ataque demasiado uniforme, Moran consigue despertar el interés en sus interpretaciones por medio de los tiempos poco habituales para los temas, repentinos acelerandos o retardandos, de un modo que inspira más simpatía que otra cosa, pues hay un elemento “showbizzy” difícil de soslayar.

El ritmo de mambo en el que toma “Come Rain or Come Shine”, el tirón de “Collar Greens and Black-Eyed Peas”, el disparatado e irónico arreglo de “I Could Have Danced all Night”, o el tempo al que dispara “Yesterdays” no están nada mal para una pianista que se enseñó a sí misma bebop pero su efervescencia, un tanto juvenil, despierta como dijimos, más que otra cosa la simpatía. Afortunadamente Moran deja amplio espacio para que LaFaro se explaye, como en “In Your Own Sweet Way” o la citada “Yesterdays”, por no hablar de “Onilosor”, toda para él. Como bien aprecian las notas era la época del “Hi-fi craze” y el sonido es espectacular, favorecedor en especial con LaFaro, mostrado con sensacional nitidez.

Además del disco de Moran, se incluye en el CD Beverly Kelly with The Pat Moran Trio, cuyo principal aliciente está en escuchar qué hace el grupo, pues la cantante, con una voz muy juvenil y fresca, no da mucha profundidad a sus interpretaciones de canciones de temática amorosa (escúchese su “You don’t Know what Love Is” frente a las que expresan mayor entusiasmo).

Al final de álbum se han añadido dos temas con la pianista en solitario, provenientes de otro registro para Audio Fidelity. Tras estos álbumes, Pat Moran dejó la música, contrajo matrimonio, tuvo hijos, escribió un libro infantil con el cómico Steve Allen que recibió el National Book Award, y descubrió la religión. Bajo el nombre de Patti Moran McCoy (http://www.pattimccoy.com) ha vuelto y ha grabado dos discos, uno con coro de gospel, Jesus in Paris, y otro de temas religiosos a piano solo, The Gospel Truth. La dama del piano Mariam McParland la invitó a su programa, pero es raro encontrarla en los recuentos de pianistas de los 50.

Ángel Gómez Aparicio




Gerry Mulligan Concert Jazz Band - Live at The Olimpia. Paris 1960


Músicos: Don Ferrara (trompeta), Conte Candoli (trompeta), Nick Travis (trompeta), Bob Brookmeyer (trombón y piano), Willie Dennis, Alan Ralph (trombones), Gene Quill (saxo alto), Bob Donovan (saxo alto), Jim Reider (saxo tenor), Zoot Sims (saxo tenor), Gene Allen (saxo barítono y clarinete bajo), Gerry Mulligan (saxo barítono y piano), Buddy Clarke (contrabajo), Bill Crow (contrabajo), Mel Lewis (batería), Gus Johnson (batería).

Grabado en el teatro Olympia de París el 19 de noviembre de 1960 y el 6 de octubre de 1962.

Gambit Records, 2006.
69249

Comentario: El éxito obtenido por Mulligan en su primer viaje a París, cuando en 1954 se presentó con su célebre cuarteto sin piano, le permitió volver a frecuentar con cierta regularidad los escenarios de la capital francesa. Este doble CD reúne quince temas de su Concert Jazz Band en una gran actuación de 1960, más seis de un concierto con su cuarteto de 1962.

A la formación de trece músicos se le sumó en aquella oportunidad el saxo del brother Zoot Sims, uno de los tenores más cálidos de la corriente cool. En la Concert Jazz Band, Mulligan pudo experimentar, como pocas veces, su rol de arreglista, y a juzgar por lo que podemos escuchar aquí, debió sentirse feliz con esta banda. Es todo un placer sentir cómo el neoyorkino juega con los colores de los metales al frente de una máquina de swing perfectamente engrasada.

Temas rítmicos como “You took advantage of me”, “Core of apple”, “Out of this world”, “I’m gonna go fishing” o “Bweeba Bobbida” desbordan un optimismo de ensueño. En los tiempos medios, por otra parte, la banda tiene el andar elegante de un felino. Los más de veinte minutos de “Spring is sprung” se nos pasan volando con las diferentes secciones, que tensan la melodía de un modo irresistible, con unos solistas de lujo y una rítmica impecable. En las composiciones más intimistas, la Concert Jazz Band tampoco se queda atrás, como puede comprobarse en las lecturas que realizan de standards como “My funny Valentine”, “Body and soul” o “Come rain or come shine”.

Los cortes pertenecientes al cuarteto que Mulligan formó con Brookmeyer, Crow y Johnson, sin estar mal, no llegan a alcanzar el brillo de los firmados por la big band, y hacen que decaiga un poco la valoración de esta edición que, de todas maneras, resulta muy recomendable.

Más de una hora y media en París que no defraudará a los conocedores del cool jazz. Mulligan era una fiesta

Sergio Zeni




Enrico Pieranunzi, Marc Johnson, Paul Motian - Untold Story


Composiciones: “Chantango” (Pieranunzi), “Abacus” (Motian), “Episode” (Pieranunzi), “For Your Peace” (Pieranunzi), “September Waltz” (Pieranunzi), “Mode VI” (Motian), “Improlude” (Pieranunzi, Johnson y Motian), “Dream Book” (Pieranunzi), “Django” (Lewis).

Músicos: Enrico Pieranunzi (piano), Marc Johnson (bajo), Paul Motian (batería).

grabado en París en febrero de 1993.
EGEA Pieranunzi Series, Historic Collection 128
(Karonte)

Comentario: IDA Records estuvo en acción desde mediados de los años 80 hasta la mitad de la década posterior. En su catálogo aparecieron grabaciones de Barney Wilen, Laurent de Wilde, Riccardo del Fra y algunas de las mejores de Louis Sclavis, particularmente su impecable Ellington on the Air. Tres realizó Enrico Pieranunzi, una en solitario, a dúo con Marc Johnson, The Dream Before Us, y este Untold Story a trío, que ahora recupera EGEA en lo que ha bautizado como Pieranunzi Series, Historic Collection.

Sobre lo primero poco que añadir, pues es el pianista italiano es de esos músicos que produce seguidores y no oyentes ocasionales, pero sí hay que comentar algo sobre lo histórico, pues Untold Story es un disco que se merece el rescate, y ahora en su reencarnación casi merece ese título, no sé si de algo no contado, pero sí al menos de algo poco divulgado. Hace catorce años de su grabación y el tiempo no sólo ha sido clemente con él sino que ha incrementado su singularidad: hay en él una frescura de concepción y una diversidad de ejecución que lo sacan de la estética mediterránea de temas cantables y pianismo hiperlírico, de la que forma parte la enorme mayoría de la producción de Pieranunzi desde entonces.

Sólo hay que entrar en un esquinado tema del pianista, “Episode”, para percibir a otro Pieranunzi de toque asertivo, de ejecución rápida y poderoso ataque. Y si no es precisamente un pianista dado a la abstracción, resulta fascinante oír cómo encara los recortados temas de Paul Motian, la melodía oriental sin ornamento alguno de “Abacus”, cuyo tratamiento puede traer a la mente a los primeros tríos de Jarrett, con Motian, y “Mode VI”, un tema contemplativo que también posee la desnudez esencial de los temas de Motian, que no deja al intérprete dónde esconderse, trascendiendo así todo discurso técnico. Si la primera de ellas está más destinada a Johnson, el desarrollo al que somete Pieranunzi a la segunda, en una especie de romanticismo con tintes “noir”, la convierte en suya. “Improlude”, tema, como su nombre indica, improvisado, no está muy de la práctica de este tipo de Motian con Paul Bley, salvo que la ejecución lleva la marca Pieranunzi por todos lados.

Hasta ahí lo que no se encuentra en otros discos de Pieranunzi. Programado con gran cuidado, hay también líricas piezas del pianista. Y hay entre ellas melodías extraordinarias, como el anhelo que despide la de “For Your Peace” o el melancólico balanceo de “September Waltz” y “Dream Book”. Pero si hay una interpretación monumental es la de “Chantango”, un tema sobrio y hondo en una especie de ensoñación fatalista, soberbiamente texturado y coloreado por Motian y en el que Johnson derrama apasionado melodismo.

Untold Story se cierra con un recogidísimo “Django”, homenaje de un maestro europeo a otro. De la empatía de Johnson y Pieranunzi hay tantas muestras que resulta inútil apuntar más. También las hay de la existente entre el pianista y Motian, pero no está de más recordar cómo la concepción del baterista abre de maneras insospechadas el torrente melódico de los otros componentes del trío. Frente a la cohesión del trío Pieranunzi-Johnson-Baron aquí lo que se encuentra es una continua variedad de opciones.

Untold Story es enorme música de trío, enorme. Una historia que merece, y mucho, ser escuchada.

Ángel Gómez Aparicio




Michele Rabbia, Marilyn Crispell, Vincent Courtois - Shifting Grace


Composiciones: “Masque” (Rabbia), “Encounter 1” (Rabbia, Crispell y Courtois), “Figure!” (Rabbia), “Encounter 2” (Crispell y Courtois), “Fantasia su uno Scritto” (Rabbia), “Shifting Grace” (Rabbia), “Liaisons” (Rabbia), “Encounter 3” (Rabbia, Crispell y Courtois), “Encounter 4” (Crispell y Courtois), “Petit Hommage” (Rabbia), “Masque Trio Version” (Rabbia).

Músicos: Marilyn Crispell (piano), Vincent Courtois (violonchelo), Michele Rabbia (percusión).

Grabado en Cavalicco los días 4 y 5 de diciembre de 2005.
CamJazz 7791 2
(Karonte)

Comentario: Michele Rabbia es un malabarista de la percusión. Su actitud en el escenario es la de un músico al acecho de la vibración proveniente de sus compañeros de grupo, hiperactivo en la creación del sonido, que envuelve todo en su invención con los elementos más variados (agujas de punto, tubos de distinta consistencia y longitud, canicas) y que determina el curso que toman los temas.

Rabbia ha tocado con músicos de toda especie, italianos y no italianos, y cuenta con aportaciones espléndidas hechas en discos, como Raccolto, de Stefano Battaglia (ECM), o el muy particular My Favorite Standards, de Giancarlo Schiaffini (Imprint Records), con el más insólito “Lover Man” existente. En él acompañaba al trombonista con Giovanni Maier, un bajista de enorme clase con el que ha desarrollado una buena química, como en su álbum a dúo We are (Symphonia Odyssey).

En Shifting Grace se une a otro músico con el que ya ha demostrado su empatía; el violonchelista francés Vincent Courtois, aunque con Marilyn Crispell la realción es más reciente. Como corresponde a un malabarista, su álbum es más aéreo que sólido, basado en la creación de ambientes y texturas más que en temas estructurados y desarrollos melódicos. He ahí los cinco cortes titulados “Encounter”, breves apuntes de interconexión musical más que de contenido. Pero es el sonido lo que gobierna el eje de la creación de Rabbia, y en algunas piezas logra efectos del todo sorprendentes con canicas, golpeadores metálicos y otros artilugios, con especial fortuna en una “Fantasia su uno Scritto”, entre naïf y conceptual, en la que usa los roces y golpes de una tiza sobre la pizarra en agitado proceso de escritura, y el bisbiseo producido por la manipulación de papeles.

Movido sobre todo por ideas rítmicas, algún corte no deja de ser eso mismo, como “Figure”. Rabbia encuentra sin embargo temas más durables en las piezas de contenido melódico, sobre todo en la hermosa “Masque”, ofrecida en dos versiones, un despejado tema con la corriente poética y fugitiva de las versiones de Crispell de temas de Annette Peacok, basadas en el sentido del espacio y la enunciación. Ésta es sin embargo la línea menos común en el álbum.

Ángel Gómez Aparicio




Randy Weston Trio & Sextet - From 52nd Street to Africa


Composiciones: “Hi Fly”, “Excerpt from Bantu Suite”, “Beef Blues Stew”, “Machine Blues”, “Blues for Strayhorn”, “Sad Beauty Blues”, “Afro Black”.

Todas las composiciones por Randy Weston

Músicos: Ray Copeland (trompeta), Frank Haynes (saxo tenor), Randy Weston (piano), George Joyner (bajo), Bill Woods (bajo), G.T. Hoogan (batería), Lennie McBrowne (batería), Big Black (congas).

Grabado en Newport, el 5 de julio de 1958, y en San Francisco, en octubre de 1966.
Fresh Sound 433

Comentario: El título de este trabajo, From 52nd Street to Africa, es exacto en su literalidad pero no en su espíritu. Sí, ese es el trayecto vital del gigante amable Randy Weston, mas solo hay que escuchar las grabaciones para Riverside que preceden a las registradas en el Festival de Newport de 1958, que forman la primera parte de este disco, para observar cuántos ecos e inflexiones africanas hay en ellos. El viaje de Weston al continente negro en 1961 no hizo sino cristalizar esas visiones en una estética desde entonces casi completamente definida y que poco ha cambiado hasta la edición del pasado año de Zep Tepi (Random Chance).

Los registros de Newport se inician con uno de los temas más conocidos de Weston, “Hi Fly”, unos de esos cortes que desprenden su bonhomía y optimismo. La suspensión neumática del ritmo, el toque distendido y de fuerte pulso la hacen tremendamente acogedora. “Excerpt from Bantu Suite”, como recogen las notas del álbum, formó parte después de la suite Uhuru Africa (Roulette), como su tercera sección. Esta es mucho más característica del modo posterior de Weston: inmensamente repetitivo, hipnótico, percusivo y con gusto por dejar flotar la resonancia natural del piano en sus graves. Su sección central es entregada al toque africanizante de G.T. Hoogan. En ella se evidencia todo lo que debe Weston al estilo de la época, pero también qué personales, qué poco deben sus soluciones y definición del sonido a nadie más que a Monk (ataque, torneo de frase) y a Ellington (espacio, coloraciones). La presentación del concierto por Allan Morrison incide en cuan empapadas están las composiciones de Weston en el blues (¿cuántos de sus títulos incluyen el término?), en demasía; aquí, “Beef Blues Stew”, muestra para el contrabajista George Joyner, y “Machine Blues”, un tema con un soberbio drive y no pocas lecciones absorbidas del ragtime.

Grabado un mes después de su explosivo Monterrey ‘66, con un restallante Booker Ervin, Live at Both/And es fruto del Weston totalmente africanizado. Sus dos primeros cortes están dentro de ese terreno ellingtoniano-contemplativo que Weston comparte con Abdullah Ibrahim, temas de tonos pastel, majestuosos y hermosamente dolientes. Esto último es lo que encarna el segundo de ellos, “Sad Beauty Blues”, un título que describe a la perfección lo que despiden en su larga y resignada lentitud, el primero con el tenor de Frank Haynes como estrella, el segundo con la trompeta de Ray Copeland. “Afro Black” representa al Weston festivo. Con un ritmo caribeño, es un vehículo para la conga de Big Black y la batería de Lennie McBrowne, con ambiente de camaradería del grupo. Es de lamentar que la toma del sonido no sea tan brillante como la existente en Monterrey, habría ayudado mucho a unas grabaciones que no cambian mucho el panorama de la obra de Weston, que al fin y al cabo es una obra de una sola pieza más interpretable como un continuo que como un proceso de búsqueda, pero que son disfrutables en extremo.

Ángel Gómez Aparicio




Thomas Rückert - Blue in Green


Músicos: Thomas Rückert (piano), Matthias Pichler (contrabajo) y Jochen Rückert (batería).

Grabado los días 24 y 25 de mayo de 2006 por Jason Seizer en Pirouet Studios, Munich.

Pirouet / PIT3018

Comentario: El sello de Jason Seizer vuelve a respaldar un trabajo de Thomas Rückert tras la buena acogida que disfrutó en Alemania Dust of Doubt. Aquí lo tenemos una vez más en trío, pero en esta ocasión con el austríaco Matthias Pichler en sustitución de Matt Penman.

El pianista cultiva, en un estilo relajado y sensible, un mainstream puesto al día que bien podría tener su modelo en otro trío que graba en el mismo sello, con el mismo productor y con el mismo baterista: el que encabeza Marc Copland. Como aquél, Rückert pone especial énfasis en la creación de un trasfondo armónico algo etéreo, muy abierto y cambiante (“Sidran”, “Perpetuum”), aunque no lleva estos mecanismos tan lejos como el pianista de Filadelfia ni tiene la poética de éste al hilvanar las armonías con un sentido melódico.

Resulta esencial la presencia de su hermano, Jochem, batería muy atento al matiz que, con esa fenomenal ingravidez que baila sobre los platos, añade una magia especial con cada golpe. En todo momento su chispa eleva el nivel de la grabación. Pichler recorre el disco con una efectiva sobriedad y cumple con sobrada eficacia cuando sus cuerdas son llamadas a situarse en primer plano (“House”, “Rainy day”).

De los nueve cortes que componen el álbum, podríamos destacar una versión muy fresca de la conocida “I Should Care” de Cahn, Stordahl y Weston, la ensoñadora lectura de la pieza de Miles Davis y Bill Evans que da título al disco, y algunas páginas del propio Thomas como “Sidran” (un homenaje a “Nardis”), “Perpetuum” con su aire de vals y en especial, la delicada y optimista “On and on” con que se cierra el disco, composición que pone en juego un fuego armónico muy interesante, propiciado por una estructura sencilla pero llena de posibilidades.

No es este un disco excesivamente original. Sin embargo en la ejecución se perciben apuntes muy personales que permiten intuir una posible e interesante evolución del pianista alemán. Da la impresión de que Rückert lleva dentro música valiosa y, aunque todavía no ha encontrado el modo de plasmarla en toda su potencia, los abundantes fogonazos de talento que contiene “Blue In Green” dejan muy buen sabor de boca. Claro que, con el estupendo nivel que estamos encontrando en un buen número de grabaciones de pianistas, sería difícil colocar a ésta en un lugar preferencial. Sólo podría encabezar la lista de la compra de mamá Rückert.

Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Pete Jolly Quartet, Quintet and Sextet - Pete Jolly Quartet, Quintet and Sextet


Composiciones: “Dancers in Love” (Ellington), “Clickin’ with Clax” (Rogers), “Black” (Eardley), “I got it Bad and it ain’t Good” (Ellinton- Webster).

“Whistle while you Work” (Morey y Churchill), “Perkin’” (Rogers), “Beyond the Sea” (Lawrence y Trenet), “I dig Ed” (Rogers), “Lullaby of the Leaves” (Young y Petkere), “Forelock” (Rogers), “Soft as Spring” (Wilder), “Just for Judie” (Rogers), “If I Love Again” (Murray y Oakland), “Red Eyes” (Jolly), “Pushin’ Sand” (Hillman y Simmons), “I’ll Be in Scotland after you” (Rogers).

“Jolly Jumps in” (Giuffre), “Pete’s Meat” (Rogers), “Why Do I Love you?” (Kern y Hammerstein III), “I Get a Kick of you” (Porter).

“Hyacinth” (Wallington).

Músicos: Bill Perkins (saxo tenor), Pete Jolly (piano), Buddy Clark (bajo), Mel Lewis (batería).
Hollywood, 9 de marzo de 1955.

Conte Candoli (trompeta), Bill Perkins (saxo tenor), Pete Jolly (piano), Buddy Clark (bajo), Mel Lewis (batería).
Hollywood, 10 y 11 de marzo de 1955.

Shorty Rogers (trompeta), Jimmy Giuffre (saxo barítono), Pete Jolly (acordeón), Howard Roberts (guitarra), Curtis Counce (bajo), Shelly Manne (batería).
Hollywood, 6 de marzo de 1955.

Pete Jolly (acordeón), Howard Roberts (guitarra), Bob Bertaux (bajo), Bob Neal (batería).
Hollywood, 3 de junio de 1956.

Fresh Sound Jazz City 2241.

Comentario: Pete Jolly es un pianista al que todo el mundo ha escuchado, consciente o inconscientemente. Los primeros se habrán topado con él en los cientos de sesiones realizadas con la flor y nata del jazz West Coast, con Shorty Rogers o Art Pepper, Chet Baker o Stan Getz. Los segundos inadvertidamente en las sintonías de series tan famosas como Superagente 86, Dallas, MASH o Vacaciones en el mar, pues Jolly mantuvo una apretadísima agenda como músico de estudio.

Con una pulsación nerviosa, taquigráfica y tocando a dos manos, con un retumbante uso de los graves, Jolly es de esos pianistas efusivos que saca lo mejor de sí en los tiempos rápidos, y los hay en abundancia en esta recopilación. Entresacada de los contenidos de una aparición en televisión, tres álbumes y un EP, algunos bien conocidos, todos de portadas prodigiosas, la colección reagrupa sus contenidos (no completos) según formaciones. De Duo, Trio, Quartet (RCA, 1955), extrae los cortes en esta última formación, con un sedoso Bill Perkins que sobresale en las dos piezas de Ellington, “Dancers in Love” y “I got it Bad and it Ain’t Good”, sobre la segura rítmica de Clark y Lewis y el canturreante e inquieto piano del líder. La brevedad de éstas también es marca en la siguiente sesión, la editada en The Five (RCA 1955), grabada sólo un día después con el reclutamiento de Conte Candoli. El desenfado sienta como un guante al quinteto y arrollan con un “Whistle while you Work” y los medios tiempos de autoría de Shorty Rogers, como “Forelock” o la estupenda “I’ll be in Scotland after you”, la primera con una soberbia entrada de Conte Candoli. La banda muestra corazón en “La mer”, de Trenet, y “Soft as Spring”.

Pete Jolly debutó como acordeonista y fue presentado como “Boy gonder Accordionist” a los siete años. De aquella presentación surgió su nombre artístico, al pronunciar el locutor su apellido, Ceragioli, como Jolly. Los restantes cortes del CD le muestran en dicho instrumento, al frente de un sexteto que hace swing a placer en cuatro cortes, con el líder como principal solista, en especial en “Jolly Jumps in”, de Jimmy Giuffre, que muestra una vez más su mano para dotar profundidad de voces en el arreglo, y un veloz “I get a Kick out of you”. Cierra la colección “Hyacith”, de George Wallington, en extrovertido cuarteto con su amigo de la adolescencia, el guitarrista Howard Roberts.

Ángel Gómez Aparicio




Teddy Charles Tentet - Vibrations. The Complete Teddy Charles Tentet


Composiciones: “Vibrations” (Maldron), “The Quiet Time” (Giuffre), “The Emperor” (Charles), “You Go To my Head” (Gillespie y Coots), “Lydian M-1” (Russell), “Nature Boy” (Abez), “Green Blues” (Charles).

“Show Time” (Brookmeyer), “Word from Bird” (Charles).

“Word from Bird” (Charles).

Músicos: Art Farmer (trompeta), Billy Butterfield (tuba), Gigi Gryce (saxo alto), J.R. Monterose (saxo tenor), George Barrow (saxo barítono), Sol Schlinger (saxo barítono), Teddy Charles (vibráfono), Mal Waldron (piano), Jimmy Raney (guitarra), Teddy Kotick (contrabajo), Joe Hunt (batería).
Nueva York, 6, 11 y 17 de enero de 1956.

Art Farmer (trompeta), Billy Butterfield (tuba), Hal Stein (saxo alto), Robert Newman (saxo tenor), George Barrow (saxo barítono), Teddy Charles (vibráfono), Hal Overton (piano), Jimmy Raney (guitarra), Addison Farmer (contrabajo), Ed Shaughnessy (batería).

Art Farmer (trompeta), Eddy Bert (trombón), Jim Buffington (corno), Billy Butterfield (tuba), Hal Stein (saxo alto), Robert Newman (saxo tenor), George Barrow (saxo barítono), Teddy Charles (vibráfono), Hall Overton (piano), Jimmy Raney (guitarra), Addison Farmer (contrabajo), Ed Shaughnessy (batería).

Nueva York, 23 de octubre de 1956.

Fresh Sound Jazz City 2240

Comentario: Vayamos por partes. Este es un disco mayúsculo en la historia del jazz. No hay lista centrada en la evaluación de sus mayores logros en que no se cite, pues no es éste otro que The Teddy Charles Tentet (Atlantic), aquí rebautizado bajo la aportación que a él hizo como compositor y arreglista Mal Waldron, de hecho la pieza que ha sido incluida en colección del Rutgers Institute of Jazz Studies entre The Greatest Jazz Recordings of All Time, raro honor. Eso sería suficiente para que este fuese el título que apareciese en su lomo y portada. Otra cosa es su subtítulo, The Complete Teddy Charles Tentet, pues en él se incluye “Show Time”, efectivamente en decateto, además del tema título del álbum donde ésta aparece, Word from Bird, ya en dodecateto. (Una pregunta que se enrolla en las tripas: ¿en qué limbo se encuentran los LPs que no se recuperan en su totalidad? Aún estando llenos de interés quedan relegados a un muy, muy lejano rescate, salvo golpe de suerte, o van directamente al olvido). Vibrations reproduce el contenido, menos un tema en cuarteto, de la reedición del álbum por la casa madre, Atlantic, si bien en el relanzamiento por Collectables se decidió por reproducir sólo el contenido original del LP. Y si hablamos de contenidos sin más éste es, no se dude, de primera.

El disco se abre con el citado “Vibrations” de Waldron, una pieza que tras su inicial redoble despliega energía concentrada en su forma cambiante, oscuramente amenazadora pero lacerada por el sentido del blues habitual de su autor. Excelentemente organizada, entra con libre movilidad en diferentes fragmentos protagonizados por distintas combinaciones instrumentales (estupendo el bello sonido del alto de Gigi Gryce). Hay en ello una gracia, equilibrio y buen gusto en los voicings, casi de ballet. “The Quiet Time” es la aportación de Jimmy Giuffre, una melancólica meditación entre el relajo y lo oriental construida en las delgadas líneas de alambre propias del estilo del saxofonista y clarinetista: contrapunto despejado punteado por flotante percusión tímbrica. “The Emperor”, del líder, parte de una idea melódica irresistible que si en su arreglo puede parecer en su inicio algo académica da puertas a la soltura hasta alcanzar el climax por medio de un mantenido tira y afloja entre instrumentos y esquemas rítmicos. El arreglo de Gil Evans de “You go to my Head” que le sigue es consecuentemente etéreo en su suave enunciación, nada que ver con el sencillamente extraordinario “Lydian M1” de George Russell, una maravilla de maestra circulación continua del grupo, uno de esos ovillos a los que Russell es tan dado en la que, como en la anterior, la mayor parte solista es cedida a Charles. El vibrafonista es el encargado del arreglo de un “Nature Boy” dotado de suspense en sus cuidadosamente situadas disonancias y estructura, algo que le da una apariencia de “tercera corriente”, aunque sin pizca de su sequedad. Este aspecto también está presente en “Green Blues” de Charles, altamente estructurada y de contrapunto más orquestal. Los temas tomados de Word from Bird, el así titulado, una pieza de peso, y “Show Time”, de Bob Brookmeyer, son por el contrario más sueltas, con un menor peso del arreglo, aunque sin la brillante concentración de lo que le precede.

La misión de Charles era, como expresaba en las notas de uno de sus álbumes, usar material poco común en el jazz, y material común de forma poco convencional, por medio de técnicas compositivas que produzcan un ambiente jazzístico cohesivo y que a la vez liberen a los solistas. Su compañero de empeños, Hall Overton, las cifraba en “1. Formas más largas que la usual forma de canción de 32 compases; 2. Armonía más variada, como la politonalidad y los acordes de cuarta; 3. Contrapunto espontáneo cuando cualquier intérprete observe que una línea melódica extra puede ir bien; 4. Centros tonales fluctuantes”. Puede parecer académico, un aspecto resaltado por la portada de este Vibrations con el grupo posando frente a las fachadas cubiertas de hiedra del City College de Nueva York, pero no hay de ello más que en algunos ejercicios del Jazz Workshop de Mingus, en el que Charles participó, y el Modern Jazz Quartet. Mucho menos, de “tercera corriente”. Se ha resaltado repetidamente el plantel de arreglistas que hacen de este álbum una pieza única. Estilizada, de gran toque de grupo, con un material de alta composición y conductivo de swing, sin duda lo es.

Ángel Gómez Aparicio