Chuck Loeb - Presence


Composiciones: "Good to Go", "Rikki Don't Lose That Number", "Window of the Soul", "Starting Over", "Llévame", "Presence", "The Music Outside", "The Western Sky", "Hangin' with You", "Mr. Martino", "Shed a Little Light".

Músicos: Chuck Loeb (guitarras, teclados, bajo eléctrico, bajo sintetizado, programación de baterías y percusiones), Lizzy Loeb (flauta), Wolfgang Haffner (batería), Nathan Ecklund (trompeta y trombón), Dave Mann (saxo, flautas y arreglos de vientos), Ron "Buttercup" Jenkins (bajo eléctrico), Will Lee (bajo eléctrico), Matt King (piano), Brian Killeen (bajo), Josh Dion (batería y percusión), Carmen Cuesta (voz), Carl Carter (bajo), Mike Ricchiuti (piano y Fender Rhodes), Till Bronner (trompeta y fiscorno), Christian Diener (contrabajo), Mitchel Forman (arreglos de cuerda), Andy Snitzer (saxo alto), Tom Schumann (piano) y Brian Dunne (batería).

Heads Up 3117

Comentario: El esfuerzo individual en la creación de una obra artística se alimenta de la presencia de otros músicos que aportan su visión personal para dar forma al proyecto. Así lo entiende Chuck Loeb, y por ese motivo ha rendido tributo a esa presencia en el título de su nuevo CD, Presence, su primero para Heads Up International.

En él Loeb ofrece nueve originales y dos versiones (el "Rikki Don't Lose That Number" de Steely Dan y el "Shed a Little Light" de James Taylor), conformando una obra de excelente producción con muy pocas sorpresas que continúa la línea de trabajo habitual del guitarrista neoyorquino. Estilísticamente encuadrables en la onda del smooth jazz, los temas de Presence están construidos con pulcritud e interpretados con precisión. La guitarra de Loeb proyecta un sonido envidiable y hasta el más mínimo detalle está cuidado.

"Good to Go", "Starting Over" (con reminiscencias de Pat Metheny), "The Western Sky" o "Mr. Martino" (con evidente dedicatoria) brillan sobre el resto de composiciones. Tampoco falta el habitual devaneo vocal de la madrileña Carmen Cuesta-Loeb, esposa del guitarrista, en "Llévame", redondeando un trabajo que hará las delicias de los aficionados al jazz fusión más comercial.

Arturo Mora Rioja




Abe Rábade Trio - Playing on Light (7 Sounding Photos)


Composiciones: "Eses", "Zero", "Inner Battle", "Nómadas", "Avalancha", "Protection", "Bright Flow".

Todas las composiciones por Abe Rábade.

Músicos: Abe Rábade (piano y Fender Rhodes), Paco Charlín (contrabajo y bajo eléctrico), Bruno Pedroso (batería).

Grabado en MB Estúdios (Oporto, Portugal), del 30 de noviembre al 2 de diciembre de 2005.
Nuba Records. Karonte 7792

Comentario: Cruzar barreras nunca es sencillo. Si dominar una de las Bellas Artes ya es complicado, abordar la interacción entre varias es una labor de gigantesca resolución. Playing on Light, último trabajo del compostelano Abe Rábade, es un disco excelente de principio a fin, pero además gana enteros cuando se relaciona su música con las imágenes a las que acompaña (las "siete fotos sonoras" a que hace referencia el subtítulo del CD).

Fotografías en blanco y negro de variados autores que representan distintos conceptos (sensualidad, introspección, abatimiento, desamparo, violencia, protección y luminosidad, en palabras del propio Rábade), y que llevan aparejadas uno de los siete temas que conforman el disco (¿o es al revés?). Para colmo, cada foto, cada tema, también viene acompañado por un poema, en gallego, de María do Cebreiro (hermana del pianista). Perfectamente arropado por el luso Bruno Pedroso y el también gallego Paco Charlín, Abe Rábade afronta su proyecto con celo, erigiéndose en compositor, deleitando en las melodías, abordando sus improvisaciones con sabor e intención y desplegando sabiamente las armonías subyacentes.

"Eses" recibe al oyente con el calor y la sensualidad de un swing conducido por curvas polirrítmicas, mientras en "Zero" encontramos un viaje al fondo de uno mismo guiado por una introducción ad líbitum. "Inner Battle" rompe con la linealidad del proyecto para explorar sonoridades oscuras, a veces desgarradoras y disonantes, valiéndose para ello de la peculiar tímbrica del Rhodes combinado con el bajo eléctrico. "Nómadas", indeleblemente asociado a la indescriptible mirada de los niños de la fotografía que representa, se erige en punto álgido del CD, representando con fidelidad las desoladas soledades de espacios inmensos y desérticos, e imprimiendo pinceladas de la bohemia melancolía de las vidas errantes. En "Avalancha" las notas del piano desbocadas se despeñan por el precipicio y uno juraría oír las pezuñas de los bóvidos pisoteando el Serengeti africano en las baquetas de Pedroso, en un desarrollo temático que supone todo un ejercicio de virtuosismo cabal. Descenso de revoluciones para ir finalizando: "Protection" proyecta una melodía dulce, casi infantil, perfilando intuitivamente en la mente las figuras de madre e hijo en la intimidad, así como esa fortaleza tan privada como intangible defendida por las miradas de ambos personajes. El cierre, con el optimismo de "Bright Flow", su fluir en compás ternario y su caleidoscópica progresión de armonías.

En Playing on Light se vislumbra el proceso de madurez de un trío que ha renunciado al exhibicionismo sin contenido para investigar en el corazón mismo de su concepto musical y emplear su dominio de la técnica instrumental para sentir, moldear y exhibir belleza. Es de agradecer que, en esta época en que la mezcla de géneros musicales está apoyando el crecimiento del jazz más que nunca, dicha mezcla se realice directamente a partir de disciplinas artísticas. Y, sobre todo, es de agradecer el éxito del experimento.

Sergio Cabanillas y Arturo Mora




Mariano Díaz Quartet - Plan B


Composiciones: "Zuco de laranja", "Charly", "Plan B", "Moment's Notice" (John Coltrane), "East 5th", "Peonza" (Perico Sambeat), "And I Love Her" (Lennon/McCartney), "Hi Steepers" (Tom Scott).

Todos los temas compuestos por Mariano Díaz excepto donde se indica.

Músicos: Mariano Díaz (piano) Perico Sambeat (saxos alto y soprano), Mario Rossy (contrabajo) y Marc Miralta (batería).

Grabado en enero de 2007

Comentario: Gran disco de jazz, el que acaba de publicar el Mariano Díaz Quartet. En estos tiempos en que cuesta tanto separar el “ser o no ser” a causa de la introducción, con fortuna dispar, de elementos musicales tradicionalmente separados del jazz, se presentan cuatro músicos haciendo un disco que no admite dudas ni en el marco, ni en las formas, ni en los resultados. Plagado de composiciones originales y fijando las corrientes de finales de los cincuenta y principios de los sesenta (incluyendo el Coltrane pre-Impulse) como punto de partida. No se piense que el cuarteto se relaja recreando o plagiando ambientes de hace casi cincuenta años, nada más lejos de la realidad. El cuarteto imprime aire fresco y personal, propio de músicos con sobrado y reconocido talento, y además de gran personalidad y experiencia en sus carreras.

A estas alturas afortunadamente poco podemos decir de músicos como Perico Sambeat, saxofonista que además de haber asimilado con el alto el sonido de Coltrane, demuestra la nada fácil hazaña de haberle imprimido su sello personal, y cuya belleza al soprano pone al servicio de las melódicas composiciones de Ramón Díaz.

El derroche de imaginación que aportan en este disco contrabajista y batería, los convierten en una rítmica de que convierten cada escucha en nuevos descubrimientos, haciendo que temas como “East 5th” suenen repetidamente en el reproductor. Y un pianista, líder y compositor que además se muestra correctísimo en los solos (escúchese su intervención en el tema que da titulo al CD) y con muy buen gusto en los acompañamientos.

Respecto al repertorio, cuatro temas compuestos por el líder, y uno compuesto por Sambeat, este último de difícil ejecución, cargado de bop, que junto al tema que abre el disco muestra la solidez del cuarteto en tempos rápidos. Añadir que no parece casualidad que el estándar del disco sea una acertadísima interpretación del “Moment's Notice” de Coltrane. Y como curiosidad, el disco acaba un tema de Lennon y McCartney y con otro de Tom Scout dejando un sabor alegre, aunque en mi opinión los mejores momentos del disco quedan en los seis primeros temas.

Un disco cargado de jazz, en el que contrariamente a lo que se pudiera pensar por la trayectoria de sus integrantes, no hay referencia al jazz-flamenco ni al latin-jazz, y que permite disfrutar de estos músicos en un ambiente jazzístico más “ortodoxo”, en el que se desenvuelven con soltura e imaginación.

Víctor Bobeche




Joachim Kühn - Poison


Composiciones: "Purple Haze" (Jimi Hendrix), Lucy In The Sky With Diamonds (Lennon/McCartney), "Angel Dust" (Gil Scott), "Cocaine" (J. J. Cale), "Hohenrausch" (Kühn), "Griserie" (A. Bosc), "Sister Morphine" (Marianne Faithful), "Man With The Golden Arm", "Mushrooms" (Kühn), "Tequila" (Chuck Rio), "White Widow" (Kühn)

Músicos: Joachim Kühn (piano), Jean-Paul Celea (contrabajo), Wolfgang Reisinger (batería, electrónica)

Grabado el 10 y 11 de diciembre de 2004.
In & Out Records, 2006.

Comentario: Tras la disolución forzosa del trío Kühn/Humair/Jenny-Clarke, el pianista ha tardado varios años en grabar de nuevo en este formato tan querido por él. A la vista de Poison cabe suponer que era una espera necesaria, no ha debido ser fácil encontrar compañeros como los que redondean aquel vibrante grupo: por un lado hay una clara prolongación del trabajo de la entente Kühn/Humair/Jenny-Clarke, que se materializa a través de la potencia que desprende cada interpretación; por otro el sonido de este nuevo proyecto es mucho más "moderno", hay una clara actualización que se manifiesta especialmente en los ritmos cerrados de Reisinger y el bajo macizo y musculoso de Celea. No pasan a menudo, en Poison, contrabajo y batería a primer término, sin embargo su labor es en todo momento sólida, inspirada e inspiradora.

Todos los temas del disco tratan sobre drogas de todo tipo, siendo muchos de ellos conocidos éxitos del universo del rock. En ese sentido hay que elogiar el esfuerzo, exitoso, que ha realizado Kühn para conseguir que la adaptación de los temas no resulte lineal y prescindible, como es desgraciadamente frecuente en este tipo de experimentos. Aun así, es justo reconocer que resultan mucho más emocionantes las exposiciones finales de los temas –tras la recurrente parte intermedia en que el grupo improvisa con implacable fuerza– que las presentaciones iniciales, donde sí sobrevuela en algún momento el indeseado fantasma de lo vano ("Purple Haze").

Kühn se revela como un más que notable saxofonista (tanto "Hohenrausch" como "Man With The Golden Arm" se ven favorecidos por excelentes intervenciones al alto, llenas de pasión y sentido). No obstante, es al piano donde reconocemos al Kühn más visceral y apasionado. Bien en "Mushrooms", a piano solo, donde un hermoso tema sirve como pretexto para poner sobre la mesa otra de sus fabulosas digresiones; bien a través de poderosas interpretaciones como "Purple Haze", "Cocaine" y Hohenrausch"; o aun mediante temas más amables que le permiten improvisaciones tan melódicas y cuidadosas, como "Angel Dust", o travistiendo hermosos clásicos como "Lucy In The Sky With Diamonds" en oscuros vehículos de creación personal.

Una grabación potente, vibrante a pesar de los estrictos presupuestos de los que partía (que encorsetan hasta cierto punto el resultado), y que vuelve a poner sobre el tapete el imponente carácter, la desarmante calidad musical de Joachim Kühn.

Ricardo Arribas




Marcos Pin Trío - Directions


Composiciones: "Where Are You?", "Zigzag", "Escarabote's Blues", "The Dance Of The Smoke", "Abuchiña", "Killer Bishop", "Luchy's Purr"

Músicos: Marcos Pin (guitarra), Oriol Roca (contrabajo), Shay Ifrah (batería), Thanos Athanasopoulos (saxofón tenor en "Killer Bishop"), Pablo Gutiérrez (Fender Rhodes en "Zig Zag" y "Killer Bishop").

Grabado en abril de 2006 en Zeist, Holanda.
FreeCode Jazz Records, 2007.

Comentario: Hay comentarios que nos predisponen tontamente en contra de una grabación, aun cuando no son necesariamente negativos. Había pensado comenzar estas líneas señalando que Directions me parece una grabación formalmente humilde, a cargo de un trío guitarra-contrabajo-batería de sonido clásico y maneras reposadas, y que sin duda no hará tambalearse los cimientos del mundo del jazz. A mí, al menos, me ocurre que cuando leo un comentario similar a éste acerca de un disco instintivamente desisto de encontrar demasiado valor en él. Error. Con frecuencia una grabación anodina responde a esa descripción, pero no todas las que lo hacen son anodinas, ni mucho menos.

Con Directions no es posible obviar que el recipiente es de sobra conocido y, sin embargo, el contenido vale mucho la pena, sin complacencias: creo que se trata de un buen disco, y lamentaría que sus posibles oyentes pudieran perdérselo por el mero hecho de no ser formalmente rompedor. Si se tratara de una película estaríamos hablando, sin mayores sobresaltos, sin desconfiar de su posible calidad, de una "cinta de género".

Pues bien, lo que ofrece este trabajo del Marcus Pin Trío (complementado por el Fender Rhodes de Pablo Gutiérrez y el tenor de Thanos Athanasopoulos en alguno de los temas), es un sonido elegante y aterciopelado, muy nocturno, si no original sí de sobra atractivo y logrado. La guitarra de Marcus Pin navega con soltura a través de un repertorio conformado por hermosos y atractivos temas como "Where Are You?" o "The Dance Of The Smoke", composiciones llenas de toques bluesy ("Escarabote’s Blues"), cadenciosas baladas ("Luchy’s Purr") y algún que otro gozoso hard bop ("Killer Bishop"). Marcos Pin es un guitarrista más atento al timbre, a la atmósfera y el color de la grabación, que a la consecución de potentes improvisaciones: el resultado es un buen puñado de estupendas improvisaciones. Shay Ifrah aporta un vivaracho sonido al grupo, brillante, leve, inquieto, lleno de gozosos giros rítmicos; lo cierto es que en ocasiones parece perder ligeramente el tempo durante alguna de sus luminosas intervenciones, pero ello no pesa en el resultado y sí lo hacen, en cambio –y mucho–, su actitud y su excelente trabajo tras los platos, muy definitorios del sonido del trío. Oriol Roca, con la serena seguridad de su (con)trabajo, cierra el círculo sonoro del grupo, rellenando huecos y empastandolo todo con aplomo pero sin pesadez.

La grandeza de las formaciones y las maneras clásicas está en la posibilidad que ofrecen de ser rematadas con nuestra personal concepción musical: que le pregunten a la terna Jarrett/Peacock/DeJohnette si hay todavía espacio para la creación en el seno de formaciones ya trilladas. Pues bien, este trío de músicos aporta con su Directions una nueva, discreta, valiosa faceta a través de esta grabación sólida y bien resuelta.

Ricardo Arribas




Hala Strana - Heave the Gambrel Roof


Composiciones: "Returning", "Motra Dhe Vëllai", "Havazi I Dy Motrave", "Grain", "Marl", "Home", "Wedding of the blind", "Rat Lines", "Heave the Garmbrel Roof", "Molars of Smoke", "The Loss of What We Keep"

Todos los temas compuestos por Hala Strana, excepto 2, 3, 7 y 9.

Músicos: Steven R Smith (), Loren Chase (1)

Grabado durante junio y agosto del 2005.

Sello Music Fellowship (MF29).

Comentario: Steven R. Smith, estadounidense residente en Los Angeles, usa el proyecto Hala Strana para explorar, mostrar su amor y reinterpretar la música folk de la Europa del Este. Toca prácticamente todos los instrumentos: dulcimer, violines, guitarras acústicas, eléctricas, bouzukis, lap steel, etc. que construye él mismo. Cada uno de los discos del proyecto contienen una serie de versiones de canciones tradicionales de la zona (moldavas, transilvanas, etc....), algunas fieles al original y otras totalmente deconstruidas, cuyo sonido y ambiente es similar al de los propios originales de Smith.

Este disco sigue el mismo camino. Los originales son maravillosas y oscuras tonadas basadas en drones, que miran tanto a los ragas indios como a la música de los Apalaches, que destilan esencias psicodélicas enterrando preciosas melodías con regusto eslavo sepultadas en un sonido hipnótico y repetitivo, donde ancestrales canciones se oyen a lo lejos, se pierden entre drones que mutan y crecen, que se tejen y entremezclan para formar una amalgama única que trasciende el sonido y nos transporta a otro mundo, a otra época.

Angel María García Martiartu




Agustí Martínez - Are spirits what I hear?


Composiciones: "Serie B (To Scelsi)", "For Pau", "Tic", "Are Spirits What I Hear?", "Meeting", "Stateless Folk Song", "Cross-light", "Moc and Caniche (To Paula)", "Che Collons!", "Island Lala".

Todos los temas compuestos por Agustí Martínez.

Músicos: Agustí Martínez (saxo alto).

Grabado en diciembre del 2006 (1, 2, 5, 7, 8 y 9) y enero del 2007 (3, 4, 6 y 10).

Sello Etude Records (Etude011).

Comentario: Agustí Martínez y su instrumento. Solo, solamente él y el sonido producido por su saxo.

La soledad del corredor de fondo de la que habla en las notas interiores ejemplifica el sonido de este disco. Se trata, y lo consigue, de explorar las posibilidades del sonido y de su saxo, pero no como un ensayo puramente técnico y carente de alma, sino como una celebración del instrumento y sus posibilidades como una oportunidad para jugar y explorar a través de los rincones del sonido por medio del instrumento. Se trata de jugar con las llaves, con la caña, con el propio Agustí (con su respiración, con su fraseo, con la vibración) como una prolongación del instrumento. De jugar con la propia estructura del sonido, con sus silencios. Se trata en definitiva de cómo esculpir el sonido a través del saxo alto, de cómo expresar multitud de emociones.

Hay espacio para todo: lirismo y belleza como en la última pieza, la breve “Island Lala”, aunque en su mayor parte las piezas contienen juegos de vibración, juegos con la caña para generar un sonido percutido, a veces sutil, a veces ostentoso, manipulación de la duración y la emisión del aire para conseguir que el saxo suene como feedback eléctrico, breves estallidos free, racimos de notas aisladas, microscópicos clusters, gemidos y gritos a través del saxo como explorador privilegiado de un apasionante viaje a través del sonido.

Angel María García Martiartu




Dave Liebman - Richie Beirach - Ron McClure - Billy Hart - Redemption - Quest Live In Europe


Composiciones: "Round Midnight" (Thelonious Monk) 11:29; "Ogunde" (John Coltrane) 10:26; "WTC/Steel Prayers" (David Liebman / Richie Beirach) 14:48: "Dark Eyes" (Fedor Varany) 11:44; "Lonely Woman" (Ornette Coleman) 8:21; "Redemption" (Billy Hart) 19:20.

Músicos: David Liebman (saxos tenor y soprano y flauta de madera), Richie Beirach (piano), Ron McClure (contrabajo), Billy Hart (batería).

Grabado en directo.
1-3: 3 de noviembre de 2005 en Kantonsschule, Baden (Suiza).
4-6: 2 de noviembre de 2005. Sunset Club, París (Francia).

Publicado en 2007 por Hat Hut Records. HatOLOGY 642. http://www.hathut.com

Comentario: Lo primero que puede sugerir un disco en directo que documenta la reunión de un grupo como Quest quince años después de su separación, es que se trata de un puro ejercicio nostálgico (en el mejor de los casos) cuando no crematístico. Esta sensación, previa a la escucha, se puede ver acentuada si uno le echa un vistazo a los seis temas incluidos en la grabación. Entre ellos no hay más que dos composiciones de alguno de los miembros del grupo. De los cuatro restantes hay dos standards de la categoría de "Lonely Woman" de Ornette Coleman y "'Round Midnight" de Monk. Los otros dos son "Dark Eyes" y el "Ogunde" de John Coltrane.

Afortunadamente esas sospechas desaparecen para no volver con las primeras notas del "Round Midnight" que abre el disco. La música de Monk en general y este gran tema en particular son habituales en el repertorio de una gran cantidad de grupos. Sin embargo, en muchos casos los acercamientos a esta música están más cercanos a la interpretación que a la creación. En el caso presente, este cuarteto realiza una magnífica versión en la que sobresalen el piano de Beirach y especialmente Liebman al soprano. Este tema señala de algún modo los parámetros para el resto de la grabación. Por una parte está la gran capacidad de los cuatro músicos para aproximarse a un repertorio propio o ajeno y realizar una creación artística de primer nivel. Esta la llevan a cabo desarrollando los temas de un modo lo suficientemente extenso como para dejar espacio para que todos ellos se puedan lucir con sus correspondientes solos: salvo "Lonely Woman" que dura ocho minutos, el resto de temas supera los diez, llegando en el caso del que da título a la grabación hasta casi los veinte. Liebman aporta una gran variedad de timbres utilizando el saxo soprano a lo largo de la mayor parte de la grabación, pero también el tenor y la flauta de madera en la preciosa y exótica versión del tema de Ornette Coleman. Mención especial merece "Redemption", obra del batería Billy Hart, un tema que trae a la mente al cuarteto clásico de Coltrane pero yendo más allá de la mera imitación. Una gran reunión de viejos conocidos trabajando a un gran nivel.

José Francisco Tapiz




Zadik Zecharia - Kurdish Melodies on Zorna / Remixes


Composiciones: "Mule Driver", "DJ Caress", "kinono Shel Rothschild", "Mule Driver", "DJ Cube and Yayehe Smon", "Yayehe Smon", "Nemoi", "David Ovadia", "Spark O & Nico Teen", "Gal Tushia", "Poochlatz", "Finkel".

Todos los temas son remezclas de de Zadik Zecharia por diferentes Dj's de Israel.

Músicos: Mule Driver, DJ Caress, kinono Shel Rothschild, DJ Cube and Yayehe Smon, Yayehe Smon, Nemoi, David Ovadia, Spark O & Nico Teen, Gal Tushia, Poochlatz, Finkel.

Grabado en Jerusalén en 2006.

Sello Something on the road (CD-R)

Comentario: La zorna es un instrumento de viento cuyo sonido recuerda en su potencia e hipnótico sonido al de las gaitas escocesas, aunque en forma y tamaño se asemeje a la dulzaina. Proveniente del Medio Oriente y con diferentes denominaciones se encuentra en territorios como Persia, Israel o el Kurdistán. Procedente de este último lugar, aunque afincado en Israel, es Zadik Zecharia, un virtuoso de este instrumento.

A lo largo del disco se suceden doce composiciones que usan como fuente, reconocible o no, el sonido de la zorna de Zecharia.

El disco progresa desde postulados electrónicos cercanos al grime o el dubstep, como en el caso de "Mule Driver", "DJ Caress", "kinono Shel Rothschild", a la electrónica más convencional de "DJ Cube and Yayehe Smon" a los field recordings de "Yayehe Smon" que nos lleva a un ambiente similar al de un zoco. Pero es en la segunda mitad del disco donde de forma admirable las composiciones crean un estado anímico, un paisaje sonoro que desdibuja el timbre del instrumento para dotar de una textura nueva a las canciones, con unas piezas que se van volviendo más ambientales (es maravilloso lo que consigue "David Ovadia"), creando una música basada en drones que mutan, se expanden y llenan todos los pliegues de las composiciones. Es el caso de "David Ovadia". "Gal Tushia" usa el sonido de la zorna pervirtiéndolo, distorsionando y usando una percusión hipnótica en contraste con el sonido "rasposo" de la zorna tratada. "Poochlatz" usa secuencias parecidas para conseguir, mediante el tratamiento del sonido, una textura masiva saturando el sonido para llevarnos a un punto hipnótico. "Finkel" desdibuja totalmente el timbre original para construir una pieza de ruidismo donde el espíritu de la zorna sigue vivo.

Angel María García Martiartu




Terell Stafford - Taking Chances; Live At The Dakota


Músicos: Terell Stafford (trompeta y fiscorno), Tim Warfield (saxos soprano y tenor), Bruce Barth (piano), Derrick Hodge (contrabajo) y Dana Hall (batería).

Grabado del 13 al 15 de junio de 2005 en el Dakota Bar & Grill, Minneapolis.

Comentario: Llegados a este punto en el mundo del jazz, en el que el bop es puro clasicismo, y la vanguardia es la misma que hace 25 años, parece un poco absurdo tocar según qué música de según qué manera.

Ante afirmaciones tan tajantes y al mismo tiempo tan poco concretas, sólo puedo explicarme desexplicándome.

Terell Stafford es un trompetista excelente, heredero de una tradición que tiene su raíz en Hubbard y Shaw (e inevitablemente en Brown) y que al mismo tiempo ha sabido mirar atrás con perspectiva para beber de los clásicos. Así, su estilo amalgama una serie de tendencias que se manifiestan en su música sin forzarla. Ésta, un hard bop relativamente convencional, funciona mejor que la mayoría de propuestas de estas características, y eso no es nada fácil.

En su último CD, el directo Taking Chances: Live At The Dakota, Stafford y su quinteto tocan con rabia, con fuerza, con sofisticación, con ganas, con clase y con una burrada de swing. Esto no es sólo cosa del líder: su grupo tiene mucho que ver, con un Tim Warfield que se dedica mucho al soprano (para nuestro deleite) y que destaca a lo largo de todo el CD. Bruce Barth es uno de esos pianistas que empiezan sin pena ni gloria y que, desde hace unos años, merece mucha mas atención de la que recibe. La rítmica compuesta por Derrick Hodge y Dana Hall lleva mucho tiempo tocando unida, y hacen que todo funcione a la perfección con una facilidad casi insultante.

El planteamiento es el mismo que en tantos otros discos de hard bop, acartonados desde su misma concepción. Pero el grupo está en forma, o se ve aupado por la calidez del público o lo que demonios sea que provoque esta magia; la cosa es que funciona. Puede que en realidad, la única forma en la que deba grabarse esta música sea en vivo. Puede que el hard bop, hoy en día, sólo tenga sentido así, directo, natural, lanzado al espectador como una ráfaga de viento en un día de calor.

Discos como éste los hay a patadas; pero discos como éste… de éstos no hay tantos. No sé si me explico.

Yahvé M. de la Cavada




Joe Puma - The Jazz Guitar of Joe Puma


Composiciones: "Loris" (Joe Puma), "A Little Rainy" (Joe Puma), "What Is There To Say" (Duke-Harburg), "Hallelujah" (Youmans-Robin-Grey), "How About You?" (Lane-Freed), "Pumatic" (Joe Puma), "Liza" (G. & I. Gershwin), "Moon Song (Johnston-Costow)", "I'm Old Fashioned" (Kern-Mercer), "Time Was" (Prado-Luna), "Ain't Misbehavin'" (Waller-Razaf-Brooks), "Li'l Basses" (Dick Garcia), "Unison Blues" (Vinnie Burke), "Ubas" (Oscar Pettiford), "Blues For Midge" (Joe Puma), "Stablemates" (Benny Golson), "I Got It Bad And That Ain't Good" (Ellington-Webster), "Mother Of Earl" (Earl Zindars), "Indian Summer" (Herbert-Dubin).

Músicos: Joe Puma, Barry Galbraith, Dick Garcia (guitarras); Don Elliott (vibráfono), Bill Evans, Eddie Costa (p); Vinnie Burke, Dante Martucci, Oscar Pettiford (contrbajo); Ted Sommer, Al Levitt, Jimmy Campbell, Paul Motian (batería).

Grabado en Nueva York entre 1954 y 1957.

FSR-CD 435
Fresh Sound


Urbie Green - All About Urbie Green, his Quintet and Big Band


Composiciones: "Reminiscent Blues" (Urbie Green), "Thou Swell" (Rodgers-Hart), "You Are Too Beautiful" (Rodgers-Hart), "Paradise" (Brown-Clifford), "Warm Valley" (Ellington), "Frankie And Johnny" (Tradicional), "One For Dee" (Urbie Green), "Limehouse Blues" (Furber-Braham), "Am I Blue?" (Akst-Clarke), "Dirty Dan" (Urbie Green), "Too Late Now" (Lane-Lerner), "Sleep" (Burnett-Geibel), "Soft Winds" (Henderson), "With The Wind And The Rain In Your Hair" (Edwards-Lawrence), "I Ain't Got Nobody" (Williams-Graham), "Stella By Starlight" (Young-Washington), "Little John" (Carisi), "Home" (Van Steedeen Jr.-Clarkson Hany), "Cherokee" (Noble), "'Round Midnight" (Monk), "Springsville" (Carisi), "Plain Bill From Bluesville" (Carisi).

Músicos: Joe Wilder, Nick Travis, Phil Sunkel, Doc Severinsen (trompetas); Johnny Carisi (trompeta y arreglos); Urbie Green (trombones de vara y pistones); Chauncey Welsh, Jack Satterfield, Jack Green, Lou McGarity, Rex Peer (trombones); Bill Barber, Don Butterfield (tuba); Hal McKusick (saxo alto); Al Cohn y Ray Beckenstein (saxos tenores); Sol Schlinger, Danny Bank (saxo barítono); Dave McKenna (piano); Jimmy Raney (g); Percy Heath, Jack Lesberg, Vinnie Burke (contrabajo); Kenny Clarke, Osie Johnson (batería).

Grabado en Nueva York en 1955 y 1956.

FSR-CD 436
Fresh Sound


George Handy - Pensive


Composiciones: "Heavy Hands", "Pulse", "Tender Touch", "Foolish Little Boy", "The Sleepwalker", "A Wooden Sail In A Wooden Wind", "Maretet", "Pensive", "Of Gossamer Sheen", "Stream Of Consciousness", "The Flatterer", "Knobby Knees".

Todas las composiciones son de George Handy.

Músicos: Dick Sherman, Charlie Panelli (trompetas), Gene Orloff (trompeta, violín), Frank Rehak, Billy Byers (trombones), Dave Schildkraut (saxo alto), Ray Beckenstein (flauta, saxo alto), Tommy Mace (oboe, saxo tenor), Danny Bank (saxo barítono), Tony Aless (piano), Buddy Jones (contrabajo), Osie Johnson (batería).

Grabado en Nueva York en abril de 1955.

FSR-CD 438
Fresh Sound


Joe Holiday - Holiday for Jazz


Composiciones: "Cotton Candy", "And Now It Is Love", "My Funny Valentine" (Rodgers-Hart), "Martha's Harp", "Timmy's Tune", "Love Is A Many Splendored Thing" (Fain-Webster), "Opening Night" (Hal Mitchell), "Tiny Mite", "Curtain Call", "Mimi The Champ", "Hello To You", "Winter Snow", "Skeetie", "Dorothy's Little Shadow", "Study In Turquoise", "My Cousin Niño".

Los temas son de Joe Holiday salvo cuando se indique lo contrario.

Músicos: Idrees Sulieman, Blue Mitchell, Art Farmer, Thad Jones, Joe Newman (trompetas); Eddie Bert (trombón); Earl Warren (saxo alto); Joe Holiday (saxo tenor); Cecil Payne (saxo barítono); Johnny Acea, Duke Jordan (piano); Franklin Skeete, Wendell Marshall, Addison Farmer (contrabajo); Max Roach, Osie Johnson, Carmen Pepe, Art Taylor (batería).

Grabado en Nueva York entre 1953 y 1957.

FSR-CD 439
Fresh Sound


Jackie McLean & Miles Davis - Complete Studio Sessions


Composiciones: "Minor March" (McLean), "Dr. Jackle" ["Dr. Jekyll"] (McLean), "Dear Old Stockholm" (Trad.), "Chance It" ["Max Is Making Wax"] (Pettiford), "Donna" ["Dig"] (McLean), "Woody'n You" (Gillespie), "Conception" (Shearing), "Out Of The Blue" (Davis), "Denial" (Davis), "Bluing" (Davis), "Dig" (Davis), "Chance It" ["Max Is Making Wax", toma alternativa], "Donna" [toma alternativa], "Woody'n You" [toma alternativa].

Músicos: Miles Davis (trompeta); Jackie McLean (saxo alto); Sonny Rollins (saxo tenor); J. J. Johnson (trombón); Milt Jackson (vibráfono); Ray Bryant, Gil Coggins, Walter Bishop, Jr. (piano); Percy Heath, Oscar Pettiford, Tommy Potter, Charles Mingus (contrabajo); Art Taylor, Kenny Clarke, Art Blakey (batería).

Grabado en Hackensack, Nueva Jersey, en 1955, 1952 y 1951.

JC 1006
Jazz Connections/Blue Moon

Comentario: Las continuas y crecientes oleadas de reediciones plantean un par de problemas: uno es separar por un lado la reaparición de grabaciones añoradas, olvidadas o completamente desconocidas, y por el otro el reciclaje indiscriminado de material ya disponible en el mercado, presentado con más o menos gracia y coherencia. La segunda cuestión es la calidad de sonido, que depende de las fuentes que se usen y de la maña del productor. Personalmente creo que en las reediciones de Fresh Sound se abusa de la reducción de ruido de fondo, que redunda en cierta falta de brillantez. Sobre gustos, ya se sabe.

Todas las grabaciones aquí reseñadas proceden de la década de los cincuenta, en la que pasaron un montón de cosas en el jazz: por un lado se dieron pasos de gigante, pero por otro se produjo mucha "música de ambiente". A esta segunda categoría pertenecerían los temas que abren The Jazz Guitar of Joe Puma, recopilación que reúne dos LPs completos a nombre de Puma (Bethlehem y Jubilee) más temas de dos discos ABC/Paramount (uno a nombre de Vinnie Burke y otro compartido con Jimmy Raney, Dick Garcia y Chuck Wayne). Puma pertenece a esa gran casta de guitarristas italoamericanos que han desempeñado un importante papel en el desarrollo del instrumento dentro del jazz, y musicalmente, al menos en este disco, su estilo bebe mucho –a veces roza el calco– de sus contemporáneos Sal Salvador (temas para Bethlehem, sello en el que también grabó Salvador) y Tal Farlow (curiosamente en los temas con Vinnie Burke y Eddie Costa, escuderos del mejor trío de Farlow). Como guitarrista, Puma es técnicamente impecable y la garra que le falta al principio del CD le sale en la segunda mitad, sobre todo en los temas para Jubilee, aunque sólo sea por sus acompañantes: Oscar Pettiford en todos los temas, con Eddie Costa en trío o con Bill Evans y Paul Motian en cuarteto. En cuanto al sonido, hay que señalar que el defecto al final de "Ubas" procede del LP original.

El decenio que nos ocupa fue además el del auge del músico que compaginaba el jazz con el empleo estable en las grandes orquestas de radio y TV (y de cine en Los Ángeles). All About Urbie Green His Quintet And His Big Band es un excelente escaparate de uno de esos músicos, el trombonista Urbie Green. Como muchos de sus contemporáneos, Green vivió el nacimiento del bop como espectador, pero mantuvo su afinidad por el swing de su adolescencia, con un estilo preciosista al trombón, aprovechando los recursos expresivos de este instrumento, con el que se manifiesta como seguidor de Louis Armstrong a través de Jack Teagarden y Bill Harris, con toques de Tommy Dorsey en las baladas. Aquí, aparte del buen hacer de Green, destaca Dave McKenna, que interpreta a piano solo dos de los temas del primero de los dos LPs ABC/Paramount (Blues And Other Shades Of Green y el que da nombre al CD). El segundo LP cuenta con Green y McKenna, además de los solos de Al Cohn al tenor y el característico alto de Hal McKusick. Cabe añadir que el arreglista en esta segunda mitad del CD es Johnny Carisi –que venía de grabar con varios de los presentes (Green entre ellos) un LP para RCA que no se publicaría en su momento–, cuyo tratamiento de "Soft Winds" y "Cherokee" es particularmente llamativo.

Si a Carisi le recuerda alguien es principalmente porque sus "Israel" y "Springville" están en discos de Miles Davis (Birth Of The Cool y Miles Ahead), pero en estos tiempos en que el jazz pre-1960 se pierde en la nebulosa del olvido, quién se acuerda de George Handy, uno de los aventureros musicales más excéntricos del jazz de este periodo. Como arreglista sus obras más destacables son las que hizo para la orquesta de Boyd Raeburn, tan excitante como deficitaria. En los años que nos ocupan grabó un par de LPs para el sello "X" (RCA), By George! –aquí rebautizado como Pensive– es el menos logrado de los dos (el otro es Handyland, U. S. A.), y lo cierto es que a pesar de los solistas –especialmente Schildkraut al alto, otro olvidado de lujo– este disco no termina de cuajar: es notable la influencia de Stravinski, pero la instrumentación es complicada (un solo violín con seis vientos) y los temas tienden a presentar un desarrollo confuso. Quizás Handy quiso acometer demasiados riesgos de una sola vez; al menos queda como testimonio de la experimentación de la época. También es cierto que en este caso, por la instrumentación y los arreglos, una reedición a partir de las cintas originales podría marcar la diferencia.

Reconforta e inquieta a la vez saber que aún quedan músicos de los que a uno apenas le suena el nombre, como Joe Holiday. Las anotaciones de Holiday For Jazz (recopilación de un EP Prestige más un LP Decca) son más informativas que la enciclopedia de Leonard Feather (media docena de líneas) o el New Grove (nada). Holiday nació en Sicilia pero cumplió su primer año en New Jersey. Como saxofonista, Holiday es un sólido alumno de la escuela de Stan Getz (es reseñable el paralelismo con Mike Cuozzo: ambos nacidos en 1925, italoamericanos, tenores con estilos muy similares, vecinos de Newark y hoy prácticamente olvidados). Este testimonio del toque de Holiday –excelente tono y extremadamente ágil en tempos rápidos ("Opening Night")– tiene swing a patadas y cuenta con acompañantes de primera línea que mantienen alto el nivel general cumpliendo de sobra en los solos y en la ejecución de unos arreglos que presentan, no obstante, mucho cliché bop de la época y que son, a ratos, ramplones (la obra de Ernie Wilkins no envejece bien).

Si el CD de Holiday es una de esas reediciones que se agradecen por presentar material desconocido, confieso que el motivo de la que sigue se me escapa completamente. La música que contiene Complete Jackie McLean & Miles Davis Studio Sessions ha sido reeditada hasta la saciedad en CD (Prestige y Blue Note), recontramasterizada, en obras completas o en cómodos fascículos… en otras palabras, es probable que el "discerning collector" al que se refiere la publicidad de este subsello ya tenga esta música en algún formato. A esto hay que añadir que es engañosa la presentación pareja de ambos músicos, Miles es el líder indiscutible aquí, y tampoco se trata precisamente de lo más granado de las carreras de Miles (en transición) o de McLean (en formación). La música está presentada en orden cronológico inverso de grabación; el anotador indica que es para que la escucha no sea "tan árida", por lo que el disco se abre con "Minor March" (variación sobre "Dickie's Dream") que paradójicamente no augura nada bueno: Art Taylor tiene serios problemas con el tempo (óigase el final) y los vientos no andan especialmente lucidos (Miles suelta un par de clichés suyos de la época que no son buena señal). El resto del disco es más que correcto –Miles en transición sigue siendo mucho Miles–, pero lo cierto es que, en el contexto de las carreras de estos dos artistas, ésta no fue una colaboración particularmente memorable y ni de lejos es representativa de sus respectivas obras.

Fernando Ortiz de Urbina




Josetxo Goia-Aribe - Los pendientes de la Reina


Composiciones: “Vals – Los pendientes de la Reina”, “Tximeleta”, “Mendi-gaña”, “A, e, i, o, u”, “Oi Pello Pello”, “Aizak Pello aizak”, “Alferraren astea”, “Habanera al aire”, “Las golondrinas”, “Vals – Los pendientes de la Reina”, “Jota – Los pendientes de la Reina”, “Balada para dormir a una Reina”.

Música compuesta por Josetxo Goia-Aribe.

Músicos: Josetxo Goia-Aribe (saxo tenor y soprano), Estitxu Pinatxo Olaziregi (voz) y Sorkunde Idigoras Viedma (piano); Luisa Brito Gouveia (contrabajo) con la colaboración de Guillermo McGill Ferrari (batería y percusión) y Diana Campóo Schelotto (castañuelas).

Grabado los días 27 y 28 de enero de 2007 en San Sebastián.

Comentario: Tras más de diez años abrazando el jazz y la música tradicional de su tierra, tras cuatro discos abriendo lazos entre los sonidos cosmopolitas e improvisados y los sonidos y canciones del País Vasco y Navarra, Josetxo Goia-Aribe presenta Los pendientes de la Reina, un trabajo compuesto de seis temas con textos en euskera, uno en castellano y cinco temas instrumentales.

Bajo un título relacionado con San Fermín –como sospecharán algunos al observar la portada– y confirmado por el propio Goia-Aribe en el interior del libreto, se esconde una música bella, variada y profunda, que no merece la injusticia de ser circunscrita a una audiencia cercana a las fiestas pamplonicas.
Las composiciones del navarro resultan sencillas y cercanas, sin que ninguno de los intérpretes pierda ni un gramo de jazz al abordar los diversos temas, consiguiendo despertar un crisol de emociones y gratas sorpresas durante la escucha del CD.

Emociones que van desde la nostalgia del vals que da título al disco, donde el particular fraseo de Josetxo Goia-Aribe, es capaz de llevar el ambiente jazzístico a tierras navarras, hasta la trascendencia de “A, e, i, o, u”, la tristeza de “Oi, Pello Pello”, o la alegría de “Tximeleta”, pudiendo ser un buen ejemplo de su variedad rítmica y temática el tratamiento del cuarteto sobre el los versos de Gustavo Adolfo Bécquer en “Las golondrinas”, el único tema en castellano del disco.

Los elaborados arreglos muestran un grupo con gran rodaje y ensayo, con varios meses trabajando el proyecto en directo. La contrabajista Luisa Brito, consigue la difícil tarea de aportar swing en un contexto rítmico en ocasiones muy diferente a los acostumbrados al jazz. La pianista Sorkunde Idigoras manteniendo la tensión necesaria en acompañamientos, y especialmente Extitxu Pinatxo con una voz muy versátil, cuyo timbre suena muy bien tanto en temas expresivos como en los momentos más íntimos. Señalar las dos apariciones especiales, una muy curiosa y puntual de Diana Campóo y sus castañuelas y la del percusionista y batería Guillermo McGill con presencia en cinco de los cortes de este trabajo.

Este es un disco que permite un acercamiento desde varias latitudes musicales y que ofrece, a quienes se acercan desde una postura jazzística, la experimentación de un trayecto imaginario único, tras el cual queda una extraña necesidad de completarlo con una visita presencial. Sensaciones que en mi caso son habituales al escuchar la obra de este gran músico.

Víctor Bobeche




Mike Hansen - At Every Point


Composiciones: "The day before the day", "Tidying up after", "The alarm went off sooner than expected", "Once held a lighter high in the sky", "An example of what I mean".

Todos los temas compuestos por Mike Hansen.

Músicos: Mike Hansen (giradiscos preparado, guitarra y percusión).

Grabado en 2006.

Étude Records (Etude010)

Comentario: Mike Hansen juega con los detalles, cada composición es un lienzo en el que va dando pinceladas, pequeños apuntes que conforman la pieza (drones, percusión o sonidos tratados) y que juntos conforman un todo.

En la primera pieza, "The day before the day", la más larga del disco, encontramos sonidos tratados que luchan y se entrecruzan, diferentes percusiones que aparecen y desaparecen a lo largo del tema. En "Tidying up after" un comienzo "industrial" da paso a una percusión casi militar que conforma el esqueleto del tema mientras diferentes sonidos tratados van mutando para terminar en el ambiente opresivo e industrializado con el que comenzó. En "The alarm went off sooner than expected" el comienzo profundo casi abisal recuerda algunas composiciones de Main (grupo inglés de los noventa, creadores de un ambient oscuro y asfixiante), pequeños sonidos (samplers de pianos límpidos o tratados) adornan sin que la sensación de profundidad disminuya hasta acercarnos al último tramo del tema en que parece salir a la superficie. En "Once held a lighter high in the sky" el sonido de una guitarra se une a diferentes fuentes de ruido (borbotones industriales, scratching metálico, ruido blanco). La última pieza del disco, "An example of what I mean", engarza el sonido casi cristalino de una caja de música con diferentes fuentes sonoras ya sean drones percusivos, estática o poluciones sonoras, a mitad del tema la percusión se adueña del sonido para que vuelva progresivamente el sonido inicial y a partir de ese momento se funden las diferentes fuentes sonoras para crear una amalgama que muere en un abrupto final.

Angel María García Martiartu




Lafayette Gilchrist - 3


Músicos: Lafayette Gilchrist (piano), Anthony "Blue" Jenkins (bajo eléctrico) y Nate Reynolds (batería).

Grabado en Baltimore, Maryland (EE. UU.)

Comentario: La primera vez que escuché a Lafayette Gilchrist, en su CD The Music According To Lafayette Gilchrist (Hyena, 2004), pensé que estaba ante un pianista muy original que aglutinaba estilos que iban desde Monk hasta John Medeski. Pero seguí escuchándole y me di cuenta de que en esos deditos había mucho más. Mucho funk, mucho soul y mucho Andrew Hill, entre otras cosas. Además, también había un talento excepcional a la hora de componer o escribir arreglos y voicings para vientos.

Un par de años después, Gilchrist publica su primer CD en trío, llamado simplemente "3" ( o "three") y sigue mostrando una capacidad asombrosa para improvisar, doblegando el teclado a su antojo, haciendo lo que le apetece con el ritmo y pasándose de una mano a otra los fraseos con una naturalidad impresionante.

3 se sustenta básicamente en la labor del pianista, debido en parte a un acompañamiento bastante sobrio. El bajista Anthony "Blue" Jenkins, que ya le acompañó en su anterior CD (Towards The Shining Path, 2005) y su batería habitual, Nate Reynolds, mantienen una base continua, sin sobresaltos, poco invasiva e incluso monótona. El resultado no deja de tener su riesgo, porque muchos oyentes que se acerquen a esta música en busca de un trío clásico pueden verse sorprendidos ante un disco apoyado casi exclusivamente en las improvisaciones de Gilchrist, con un omnipresente bajo eléctrico y una batería que marca obsesivamente todos los acentos en la caja sin llegar a adquirir autonomía. Por otro lado, el sonido contemporáneo que denota el trío, deudor, aunque menos de lo que parece de buenas a primeras, de los conceptos del M-Base, es muy refrescante, aunque una ecualización menos plana en la mezcla hubiese producido un disco con más matices.

El lenguaje de Gilchrist puede confundirse como uno más dentro de un mar de tendencias que están afectando a buena parte de pianistas jóvenes. Ritmos sincopados, grooves pegadizos, armonías venidas del pop, rock, soul, etc... Aspectos que unos pocos bordan y que otros muchos imitan sin talento. Pues bien, Gilchrist es otra cosa. Él no es un pianista de jazz que se acerca a esos mundos para tontear puntualmente con ellos, sino que para él, es igual de influyente Sun Ra que Billy Preston o Prince. No estamos ante un músico de jazz en el sentido estricto de la palabra, aunque, no nos equivoquemos, lo que toca es puro jazz. ¿Cómo se da esta aparente paradoja? Pues muy fácil, como muchísimos grandes del jazz antes que él, Gilchrist es simple y llanamente un músico negro. Conocedor del pasado y del presente de la música de su gente, pone toda su experiencia al servicio forjar un futuro genuino. Y es que con todo lo bueno que es este disco, estoy seguro de que el próximo será mejor.

Yahvé M. de la Cavada




Kurt Elling - Nightmoves


Composiciones: "Nightmoves" (Michael Franks & Michael Small), "Tight" (Betty Carter), "Change Partners" (Irving Berlin), "If You Never Come To Me" (Antonio Carlos Jobim, Luis de Oliveira & Ray Gilbert), "Undun" (Randy Bachman), "Where Are You, My Love?" (Harold Adamson & Jimmy McHugh), "And We Will Fly" (Alan Pasqua, Kurt Elling & Phil Gladston), "The Waking" (Kurt Elling, Rob Amster & Theodore Roethke), "The Sleepers" (Fred Hersch & Walt Whitman), "Leaving Again" (Keith Jarrett & Kurt Elling), "In The Wee Small Hours" (David Mann & Bob Hilliard), "A New Body And Soul" (Edward Heyman, Robert Sour, Frank Eyton & Johnny Green), "I Like The Sunrise" (Duke Ellington).

Músicos: Kurt Elling (voz), Laurence Hobgood (piano), Rob Amster (contrabajo), Christian McBride (contrabajo), Willie Jones III (batería), Bob Mintzer (saxo tenor), Rob Mounsey (piano eléctrico y teclados), Guilherme Monteiro (guitarra), Howard Levy (armónica), Gregoire Maret (armónica) y The Escher String Quartet (Adam Barnett-Hart – violín, Wu Jie – violín, Pierre Lapointe – viola y Andrew Janss – chelo).

Grabado en Avatar Studios, Nueva York.
Concord 0888072301382.

Comentario: Kurt Elling vuelve a ofrecernos un proyecto personal cargado de emotividad y capaz de colmar exigentes niveles de calidad. Tras su excelente Man In The Air de hace cuatro años, el vocalista de Chicago abandona Blue Note para presentarnos este Nightmoves, su primer CD para el sello Concord.

Rodeado de sus colaboradores habituales (el pianista, arreglista y director musical Laurence Hobgood, el contrabajista Rob Amster y el batería Willie Jones III), Elling aborda un repertorio donde la mezcla de temas clásicos con composiciones contemporáneas basa su éxito en un sonido de grupo claro y reconocible. "And We Will Fly" y "I Like The Sunrise" son las interpretaciones más líricas del disco, en el que destaca el dúo de voz y contrabajo de "The Waking" (sobre un poema de Theodore Roethke) y el arreglo de cuerdas de "The Sleepers". El vocalese –consistente en articular con la voz una improvisación previamente interpretada por un músico de jazz, y ponerle letra– aparece en "Leaving Again" (sobre solo de Keith Jarrett) y en las melodías improvisadas por Dexter Gordon en "Where Are You?" y "Body and Soul", y por Von Freeman en la mencionada "I Like the Sunrise".

Para redondear el trabajo, Elling cuenta con un abanico de contrastados colaboradores, entre los que se encuentran Bob Mintzer (Yellowjackets), los armonicistas Howard Levy (ex-Béla Fleck and the Flecktones) y Gregoire Maret (Pat Metheny Group) y, sobresaliendo, el contrabajista Christian McBride.

Arturo Mora Rioja




Jesús Santandreu - Out Of The Cage


Composiciones: "Title", "Una de tantes", "Mustafá sostenido", "Conter amunt", "Avant i arrere", "Gor", "Out Of The Cage", "Xicotiniu".

Todos los temas compuestos por Jesús Santandreu.

Músicos: Jesús Santandreu (saxo tenor), Abe Rábade (piano), Paco Charlín (contrabajo) y Vicente Espí (batería).

Grabado en Estudi Laietana (Barcelona) el 3 y 4 de noviembre de 2005.
FSNT 289.

Comentario: Seguro que más de uno y más de dos oyentes sometidos a un blindfold test (una escucha de un disco sin conocer de antemano sus intérpretes) ubicarían Out Of The Cage, nueva creación del saxofonista Jesús Santandreu, en Estados Unidos. "El xiquet", como es conocido en el mundillo jazzístico, ha desarrollado un sonido de saxo tenor redondo, incisivo, muy rico en armónicos. Su fraseo y ataque recuerdan al mismísimo John Coltrane, y la grabación, repleta de originales, es un variado catálogo de jazz moderno mediante el que el valenciano se expresa con total soltura.

Entre dicho catálogo sobresalen el universo modal de "Title", los Coltrane changes (sucesión de acordes presentados inicialmente por John Coltrane en su "Giant Steps") de "Mustafá sostenido", el aire místico de "Avant i arrere" o el incendiario blues menor "Gor".

Por si no bastara con las habilidades del propio Santandreu, éste encuentra complicidad con otro maestro a la banqueta del piano: Abe Rábade. El compostelano se mueve como pez en el agua en los entornos armónicos creados por el líder, aportando cohesión y lenguaje. Sus compañeros de viaje, Paco Charlín y Vicente Espí, rematan un trabajo más que interesante.

Arturo Mora Rioja