Oregon - 1000 Kilometers


Composiciones: “Deep Six” (Mark Walker), “From A Dream”, “Catching Up”, “1000 Kilometers”, “Bayonne” (Paul McCandless), “Simone”, “Free Imp” (Oregon), “Back Pocket” (Glen Moore), “Relentless Imp” (Oregon), “Paraglide”, “The Bactrian” (Glen Moore), “1000 Kilometers (reprise)”

Todas las composiciones por Ralph Towner, excepto donde se indica.

Músicos: Paul McCandless (oboe, corno inglés, clarinete bajo y saxo soprano), Ralph Towner (guitarra clásica, guitarra sintetizador, piano y teclados), Glen Moore (contrabajo) y Mark Walker (batería, percusión, batería sintetizador).

Grabado en Ludwigsburg (Alemania) del 20 al 25 de noviembre de 2006.
CamJazz 7803-2

Comentario: Es de agradecer la persistencia de grupos como Oregon, fieles a un sonido propio, ajenos a críticas adversas y dispuestos a seguir escribiendo brillantes páginas del jazz contemporáneo. La nueva entrega de la banda estadounidense, 1000 Kilometers, es una dedicatoria a Thomas Stöwsand, agente del grupo durante más de 30 años, fallecido a finales de 2006.

Musicalmente se trata de un trabajo variado y de apetecible escucha donde la figura de Ralph Towner sobresale por encima del resto. No sólo es el compositor de la mayoría de títulos del CD, además su piano y su guitarra suelen llevar la voz de mando en casi todos los temas, permitiéndose incluso cerrar el disco a piano solo. Las composiciones alternan compases en 4/4 con las amalgamas de los dos primeros cortes y el 3/4 de “Simone” y “Paraglide” (este último con reminiscencias a los temas acústicos del 80/81 de Pat Metheny). “1000 Kilometers”, el más largo, enfatiza los motivos líricos, con una deliciosa melodía interpretada al más puro estilo Oregon. El buen uso de dinámicas en “Catching Up” y “The Bactrian” (obsesiva figura rítmica incluída) las sitúa entre las piezas más destacadas de la grabación. La aportación de Paul McCandless, “Bayonne”, presenta un aspecto más cercano a la fusión de los ochenta, y la de Mark Walker, “Deep Six”, despliega un entramado rítmico similar al que ya grabara Michael Brecker en 1992 con la composición de Don Grolnick “Dogs In The Wine Shop” (Now You See It… (Now You Don’t), GRP Records) o el mismísimo Dave Lombardo en 1998 con su grupo de thrash metal Grip Inc. (“Toque de muerto” de Power Of Inner Strength, Metal Blade).

Pequeños dúos, generalmente entre Towner y McCandless, acaban de dar forma a un trabajo continuista de ejecución impecable. El único pero lo encontramos en “Back Pocket”, ramplón dúo pseudo-bluesero entre contrabajo y batería donde Glen Moore aporrea su contrabajo del siglo XVIII obteniendo sonidos de dudoso gusto. Por lo demás Oregon sigue disfrutando de buena salud. Por mucho tiempo.

Arturo Mora Rioja




Pin.Cirera.Legido.Martínez - Pin.Cirera.Legido.Martínez


Composiciones: “Ursus arctos” (Martinez), “Where are they?” (Pin), “Even Albert” (Cirera), “Oriob” (Pin), “O xefe da tribu” (Martinez), “Búsqueda e captura” (Martinez), “After the big lie” (Pin), “Killer bishop” (Pin), “Laio” (Martinez), “Path number one” (Martinez).

Músicos: Albert Cirera (saxo tenor), Marcos Pin (guitarra), Xacobe Martínez Antelo (contrabajo) L.A.R. Legido (batería).

Grabado el 10 y 11 de Julio de 2007 en Pontevedra.

Comentario: Este disco muestra una representación de jóvenes músicos gallegos con mucho que decir dentro del panorama jazzístico actual. En él podemos escuchar a un cuarteto con una técnica avanzada y con gran gusto e imaginación para la composición, especialmente la del contrabajista Xacobe Martínez.

Entre los componentes de este grupo se encuentran dos de los integrantes del excepcional trío Sumrrá, L.A.R. Legido y Xacobe Martínez Antelo, que ponen al servicio del cuarteto su contundente y firme rítmica; además de Albert Cirera con el sonido claro y fuerte de su tenor y el guitarrista Marcos Pin, de bello sonido y con un gran control de los silencios tanto en sus intervenciones como en los acompañamientos.

El repertorio del disco lo componen temas originales con diversas influencias, sin moverse del terreno jazzístico, influencias que pueden separarse en función del autor del tema. Sobresale “O xefe da tribu”, un tema modal con un intenso solo de Cirera acompañado de forma excepcional por Marcos Pin, un guitarrista con un sensacional sentido del tiempo no sólo en sus solos. Otro tema destacable dentro del repertorio del CD es el tema bop “Killer bishop”, donde llama la atención un solo de contrabajo con cita a Mingus incluida. Y “Laio”, esta vez con aires tradicionales donde contrabajo y batería vuelven a mostrar su clase y compenetración.

Un disco en el que se podrá disfrutar de buenos improvisadores armados sobre una excelente y potente base rítmica, con unos temas que en su mayoría dejan clara una admiración por el bop en su más moderna expresión. Un gran trabajo con el que se adivina un gran futuro para estos músicos, algo que ya auguran ellos mismos en el último tema, cargado de libertad y expresividad in crescendo.

Víctor Bobeche




Matt Penman - Catch Of The Day


Composiciones: “Astrolabe”, “Channels”, “Hot yoga”, “New age”, “Frosted”, “Haven”, “Waylo”, “Nectorous master”.

Todos los temas compuestos por Matt Penman.

Músicos: Matt Penman (contrabajo), Seamus Blake (saxo tenor, saxo soprano), Aaron Parks (piano), Eric Harland (batería).

Grabado el 8 y 9 de Abril de 2007 en Brooklyn.

Comentario: El contrabajista Matt Penman se rodea para la grabación de su segundo trabajo como líder de tres jóvenes compañeros, realizando un disco de jazz contemporáneo que transcurre en un ambiente relajado y melódico.

Este ambiente es fruto de unas composiciones, en su mayoría baladas y temas a medio tempo, que evocan sentimientos como nostalgia, romanticismo y que contrastan con la agresividad mostrada en la foto de portada (un pez mordiendo un dedo del contrabajista en el momento de tañer).

También ayuda al tono en el que transcurre la escucha de este disco el joven pianista Aaron Parks, con un sonido suave y sutil al piano con clara formación clásica, y el saxofonista Seamus Blake, cuyo saxo ya se ha escuchado en no pocos discos de Fresh Sound, donde también tiene trabajos a su nombre, y que hace gala de un sonido nada rocoso al tenor, mientras explora los sonidos aún más dulces al soprano.

La música permite al líder trazar líneas propias durante el acompañamiento, sin que esto derive en protagonismo, excepto en algún pasaje del disco como “Channels”. Esta libertad también se extiende al más experimentado del cuarteto, el batería Eric Harland, a quien hemos podido escuchar entre otros muchos, junto a Greg Osby, y que muestra un excelente sentido musical, algo que le hace un batería ideal para este proyecto. Sin duda el dúo rítmico, muy activos durante todo el disco (especialmente Harland), y las intervenciones de los Blake y Parks, podrían utilizarse como ejemplo de cómo hacer un disco de jazz melódico, distinguiéndose de un proyecto de nuevas músicas o música instrumental.

Un proyecto jazzístico de un músico joven que muestra un especial gusto por la melodía en este trabajo homogéneo con una coherencia plausible y que sin duda gana tras cada escucha, acompañado por jóvenes cargados de experiencia. Como curiosidad comentar la próxima visita del contrabajista a Madrid, según anuncia el cartel del Johnny, dentro del ciclo “Jazz es primavera 2008”, acompañando a John Scofield en su gira europea.

Víctor Bobeche




Jordi Matas Organic Trio - Landscape


Composiciones: “Landscape”, “Géminis”, “Seguint la pista a la vida”, “Núvol”, “Malson a la cova”, “Racó”, “Time´s up”, “Belleza oculta”.

Todos los temas compuestos por Jordi Matas.

Músicos: Jordi Matas (guitarra), Albert Sanz (Hammond b3), David Xirgu (batería).

Grabado en directo el 1 y 2 de Febrero de 2007 en Jambore (Barcelona).

Comentario: El joven guitarrista Jordi Matas publica el tercer álbum a su nombre, si no contamos el disco a nombre del cuarteto Hat del que forma parte. Su último disco está grabado en directo en el renombrado club barcelonés Jamboree por tres músicos que comparten una experiencia musical y discográfica muy por encima de lo que podría imaginarse en músicos tan jóvenes.

Estos dos factores permiten al guitarrista asumir riesgos como grabar en directo con un trío de guitarra, órgano y batería (trío orgánico como el guitarrista lo ha bautizado), algo que no había hecho en sus anteriores discos.

La escucha del disco transmite algo que debería transmitir cualquier grabación en vivo: un extraño vacío por no haber podido estar en el club los días en que se produjo el evento, solamente paliado con la imposibilidad física de haberlo presenciado y la seguridad de intuir, tras la escucha del CD, lo que debió ser una gran velada.

La música de Landscape, se mueve dentro de un jazz con influencias contemporáneas; así, tras empezar con la composición que da nombre al disco, se puede disfrutar de un tema con ambiente groove como “Géminis”, de una balada más trascendental dentro de una atmosfera rock (“Núvol”), o del drum‘n bass “Malson a la cova”.

La escucha resulta vibrante durante todo el disco-concierto, el sonido de Albert Sanz al Hammond encaja con facilidad en el trío, dando un aire moderno a la música.

Hay que destacar al más experimentado de los tres músicos, el batería David Xirgu, versátil y activo en todos los contextos por los que transcurre el disco, con algunas intervenciones excepcionales, como la que realiza en “Time´s up”.

Un disco de jazz grabado en vivo, recomendable, que interesa no solo a los aficionados al jazz, también a los aficionados a la buena música actual. Y es que este es un trabajo realizado por tres jóvenes y buenos instrumentistas donde muchas tendencias y aficiones musicales podrán verse reflejadas.

Víctor Bobeche




Jason Palmer - Songbook


Composiciones: “Priest lake”, “Found it”, “Laid up”, “Checkmate”, “One for J Mac”, “In a certain way”, “The shadow boxer”, “Hoop-ti-du”, “Will there ever be employment for the exonerated people”.

Todos los temas compuestos por Jason Palmer.

Músicos: Jason Palmer (trompeta), Ravi Coltrane (saxo tenor), Greg Osby (saxo alto), Warren Wolf (vibráfono), Leo Genovese (piano y Fender Rhodes) Mat Brewer (contrabajo), Tommy Crane (batería).

Grabado el 28 y 29 de octubre de 2006 en Brooklyn.

Comentario: El trompetista Jason Palmer, a quien pudimos ver en la última gira que trajo a Greg Osby por Madrid, publica su primer álbum, con apariciones estelares como atractivo. Por un lado el mencionado Greg Osby presta su saxo alto al servicio de su sideman, y por otro el saxofonista tenor Ravi Coltrane.

En Songbook aparece el cuarteto de Jason Palmer, con el pianista Leo Genovese, el contrabajista Matt Brewer y el batería Tommy Crane. Estos dos últimos, compañeros también del quinteto de Greg Osby en sus últimas giras europeas. Añadiéndose en algunos cortes los saxofonistas mencionados y el vibrafonista Warren Wolf.

Jason Palmer consigue crear distintos ambientes gracias a la rotación de invitados, a la versatilidad de Genovese (destacables sus actuaciones en el piano y Fender Rhodes), y a unas composiciones que cubren varios espectros del jazz nacido en las últimas cuatro décadas, pasando por el jazz modal, la fusión eléctrica e incluso el latin jazz.

El cuarteto se desenvuelve bien por sí solo, con una rítmica elegante y coordinada y un pianista percusivo, muy en la línea de los pianistas neobopers cuando se sienta al piano acústico, destacando su intervención en “Checkmate”.

En cuanto a las apariciones especiales sobresale, como no podía ser de otro modo, Greg Osby mostrando su estilo anguloso y su tono inconfundible al saxo alto, y dejando huella en cada uno de los temas donde interviene, especialmente en “Found it”, donde el ambiente creado por el Fender Rhodes y su intervención nos hacen revivir su pasado M-Base; y en “Laid up”, un tema que podríamos encuadrar dentro del latin-jazz, y que sin duda gana enteros con la intervención del saxofonista norteaméricano.

Un disco que a pesar de un manifiesto eclecticismo en cuanto a sonidos e influencias no impide mantener coherencia y unidad, donde los nombres de los invitados pueden ocultar la calidad del joven trompetista y su cuarteto.

Víctor Bobeche




Gerald Cleaver - Detroit


Composiciones: “Far East (side)”, “(For wrath kills the foolish man, and envy slays) The silly one”, “Henry”, “Step three”, “Dorham”, “Gratefull”, “Seven siters down”, “Carla’s day”, “Found”, “Pilgrim’s Progress”, “6350”, “Detroit (keep it in mind)”, “Praise the Lord!”.

Todos los temas compuestos por Gerald Cleaver.

Músicos: Gerald Cleaver (batería), J.D. Allen (saxo tenor), Andrew Bishop (saxo tenor, saxo soprano, clarinete bajo), Jeremy Pelt (trompeta y fiscorno), Chris Lightcap (contrabajo).

Grabado el 18 de diciembre de 2006 en Brooklyn.

Comentario: Seis años después del excepcional Adjust, Gerald Cleaver publica su segundo trabajo en solitario. Quienes admiramos Veil of Names, el proyecto que lideraba en el citado disco el batería estadounidense, como grupo revelación, esperábamos ansiosamente la evolución del joven batería.

Si en su primer trabajo Gerald se acompañaba de nombres clarísimamente alineados con la vanguardia jazzística que él mismo profesaba (Mat Maneri, Craig Taborn), en este repite Andrew Bishop para cambiar de músicos y de pretensiones musicales.

En Detroit, claro homenaje a su ciudad natal, Cleaver se rodea de un sexteto más ortodoxo para realizar un jazz contemporáneo partiendo de esquemas más melódicos con el post-bop como punto de referencia.

Esto se observa desde el segundo tema (el primero es uno de los pasajes cortos, a modo de pinceladas musicales, que se suceden durante el CD).

Entre estos temas con claras referencias del bop moderno destacan “Henry”, una balada que bien podría haber firmado Coltrane, introducida por batería y saxo tenor de forma muy similar a como lo hubieran hecho Elvin Jones (batería de saxo tenor que sin duda es referencia en Gerald Cleaver) y su líder en 1964. “Step Three” es un tema con compás cuatro por cuatro con referencias al original free de los primeros setenta, donde hay que prestar atención al solo de Andrew Bishop con Cleaver manteniendo el pulso; y muy especialmente al corte que da nombre al disco, “Detroit (keep it in Mind)”, un tema modal, cargado de nostalgia, y donde Gerald Cleaver vuelve a parecerse en el acompañamiento a Elvin Jones.

Un disco con la mirada en los resortes del jazz moderno, con una buena ejecución, y en el que además el continente está a la altura del contenido, fruto de las excelentes fotografías en blanco y negro, de la ciudad homenajeada en el interior del libreto.

Víctor Bobeche




Albert Sanz Trío - Metamorfosis


Composiciones: “Pati de col.legi (playgroun)” (Albert Sanz), “Mood Indigo” (Duke Ellington), “Written word” (Ornette Coleman), “Metamorfosis” (Albert Sanz), “Moondreams” (Mercer-Evans), “Afiche” (Stampone-expósito), “Invitation” (Bonislau kaper).

Músicos: Albert Sanz (piano), Masa Kamaguchi (contrabajo) R.J. Miller (batería), Mamen García (voz en “Afiche”).

Grabado en mayo y noviembre de 2006 en Barcelona.

Comentario: Albert Sanz publica un disco que cubre un amplio espectro de estilos sin despegarse de una línea jazzística con un factor común: comunicación.

Y es que el disco de Albert Sanz es un constante y fluido dialogo entre los integrantes del trío, especialmente entre pianista y contrabajista, gracias principalmente a la capacidad del primero para trazar líneas suaves sin alardes técnicos excesivos, dejando espacio para sus compañeros de viaje, y a la capacidad de escucha e imaginación del contrabajista. Todo ello sostenido de manera sutil por R.J. Miller.

Así el disco transcurre entre piezas con los inicios del movimiento free como punto de mira, con composición de Ornette Coleman incluida; standards no excesivamente visitados dentro del jazz actual como “Moondreams” e “Invitation”, cargados de lirismo y belleza.

Hay dos temas que destacan en el disco, una versión del “Afiche”, interpretada por Mamen García que consigue transmitir una expresividad y fuerza acorde a la letra del tango. Y el ellingtoniano “Mood Indigo”, donde la sencillez del pianista y el buen hacer del contrabajista japonés crean un dialogo con una tensión latente sostenida por las escobillas de Miller.

Un disco cargado de eclecticismo, cuya fácil escucha rezuma sensaciones diversas, como belleza, libertad, compañerismo, nostalgia. Una excelente grabación en directo, que puede mostrar un collage de influencias diferentes y que en este trabajo no resultan disonantes.

Víctor Bobeche




Nelson Project - Vol. 1 - Full Nelson


Composiciones: “111-44” (arreglo Txema Riera), “Patterns” (arreglo Joan Monné), “The blues and the abstract truth”, “Nelson moments”, “Full Nelson”, “Black, Brown and Beautiful” (arreglo Joan Vidal), “Goin´up north” (arreglo Lluis Vergés), “Elegy for a Duck” (arreglo Rocky Albero), “Stolen Moments” (arreglo Guillermo Klein), “Straight Ahead”. Todos los temas compuestos por Oliver Nelson excepto Nelson Moments, de Enric Peinado.

Músicos: Rocky Albero (trompeta), Pablo Arias (saxo alto), Albert Cirera (saxo tenor), Noè Escolà (saxo barítono), Enric Peinado (guitarra eléctrica), Manuel Kaprovickas (contrabajo), Pep Mula (batería).

Producido por Frank Andama Music S.L. New Mood Jazz FAM 22048

Comentario: Este joven grupo, ganador del 2º Concurso de Jazz Sala Montjuic, ha sabido aprovechar estupendamente el premio conseguido con la grabación de este Full Nelson - Vol. 1. La música registrada en esta grabación derrocha frescura y, muy especialmente, una absoluta falta de prejuicios a la hora de abordar la obra de todo un peso tan pesado como injustamente olvidado en el panorama jazzístico, como es Oliver Nelson, y en verdad sorprenden por sus excelentes resultados. Cuando uno escucha este disco, no tiene la sensación de encontrarse ante un grupo de músicos enfrentándose a las composiciones de un grande, ni tan siquiera abordándolas como standards asépticos en los que incluir a través de los solos algún ramalazo personal, sino que existe una cohesión y un sentido que ponen en evidencia la grandeza de estas composiciones, de sus arreglos, a través de una estupenda interpretación. ¿Y las razones de que un grupo de músicos jóvenes aborden la obra de un intérprete y compositor con 50 años de antigüedad? Pues, como ellos dicen en sus liner notes, simplemente, porque mola…¿En realidad necesitamos más razones? Si tenemos en cuenta que el proyecto surge a partir de la transcripción íntegra por parte de Albert Cirera, del álbum The blues and the abstract truth (obra maestra de Oliver Nelson, de finales de los 50, en la que se reunieron Bill Evans, Eric Dolphy, Freddie Hubbard, Jimmy Cobb, Roy Haynes y el propio Nelson), podremos intuir fácilmente que estamos ante un trabajo apasionado, con músicos que reviven estas composiciones a través de la ayuda en forma de arreglos de amigos, profesores y de los propios músicos, sin coartarse en ningún momento ante el peso histórico de estos temas. Al contrario, lejos de resultar revisionista, nos encontramos con un disco de lo más actual, con un cuidado técnico exquisito y una buena presentación en digipack, atractivos todos reunidos que configuran lo que puede ser para el neófito una excelente forma de acercarse al universo musical de Oliver Nelson.

Diego Ortega Alonso




Ferran Fages - Cançons Per A Un Lent Retard


Composiciones: “Suspens Vertical”, “Mès ráìd que l'ull”, “Tangent al dit”, “Lombra del dit”, “Suspens horizontal”, “Paraula clau”, “El retard del mirall”, “Gir lent”, “Retall larg”.

Todas las composiciones Ferran Fages, excepto 6 por Ferran Fages y Dimitra Lazaridou-Chatzigoga.

Músicos: Ferran Fages (Guitarra acústica), Dimitra Lazaridou-Chatzigoga (desafines en corte 6).

Grabado en diciembre del 2006 y febrero del 2007 en Barcelona.
Editado en 2007 por Etude.
Etude013

Comentario: Ferrán Fages con la sola ayuda de una guitarra acústica,como demuestra en este disco, es capaz de conmover pero no de conmover en el sentido lacrimógeno de la palabra, sino de remover por dentro.

Escuchar esta obra da la oportunidad de enfrenterse a uno mismo, de enfrentarse a la soledad existencial de saberse solo, a la profunda realidad de la incomunicación no buscada, a la imposibilidad que da la dificultad de esa comunicación en determinados momentos. El impulso creativo de esta obra ha sido contemplar, con angustia e impotencia por lo que parece desprenderse de la escucha y de las notas interiores, el paulatino deterioro hasta la muerte de su padre. Ese rango de emociones que desprende el disco y la forma en que las plasma hace que la escucha no sea fácil pero el esfuerzo merece la pena.

Formalmente deudor de de Derek Bailey, en algunos momentos juega con los espacios, con el tempo de cada nota, ralentizándolo o produciendo cascadas y clusters, informes y bellos en casa caso. Transmitiendo con quietud o rapidez, con intrincados solos o con minimales frases, un racimo de emociones como vacío, tristeza, angustia y rabia.

Ángel Mari García Martiartu




Keith Jarrett, Gary Peacock, Jack DeJohnette - Setting Standards-New York Sessions


Composiciones: Standards Vol. 1
“Meaning Of The Blues” (Bobby Troup/Leah Worth) 9:23, “All The Things You Are” (Jerome Kern/Oscar Hammertein) 7:44, “It Never Entered My Mind” (Richard Rogers/Lorenz Hart) 6:42, “The Masquerade Is Over” (Allie Wrubel/Herbert Magidson) 5:57, “God Bless The Child” (Arthur Herzog/Billie Holiday) 15:32

Standards Vol. 2
“So Tender” (Keith Jarrett) 7:15, “Moon and Sand” (Alec Wilder/William Engvick/Mortimer Palitz) 8:54, “In Love In Vain” (Jerome Kern/Leo Robin) 7:06, “Never Let Me Go” (Raymond Evans/Jay Livingston) 7:49, “If I Should Lose You” (Ralph Rainger/Leo Robbin) 8:28, “I Fall In Love to Easily” (Sammy Cahn/Jule Styne) 5:12

Changes
“Flying, Part I” (Keith Jarrett) 16:03, “Flying, Part II” (Keith Jarrett) 14:45, “Prism” (Keith Jarrett) 6:31

Músicos: Keith Jarrett (piano), Gary Peacock (contrabajo) y Jack DeJohnette (batería)

Todos los temas grabados en Enero 1983, en los estudios Power Station, New York.

Reedición de los años 1983, 1984 y 1985
ECM Records 2030-32 1737344

Comentario: Con motivo del nacimiento hace veinticinco años del trío formado por Keith Jarrett, Gary Peacock y Jack DeJohnette, el sello discográfico alemán ECM Records reedita en el presente año 2008 las grabaciones que llevaron a cabo los tres músicos en los estudios Power Station de Nueva York en el año 1983. Estas grabaciones permitieron la aparición de tres discos titulados Standards Vol. 1, Standards Vol. 2 y Changes. Los dos primeros contenían un repertorio basado en standards, mientras que el tercero estaba conformado exclusivamente por temas de Keith Jarrett completamente improvisados. Las grabaciones se presentan en un cofre de edición limitada con tres compactos, en el que se incluye toda la discografía editada por el trío, así como un libreto que consta de unos textos escritos por Peter Rüedi, más el añadido de fotos de archivo de las sesiones de grabación.

La aparición de estas grabaciones permitirá a más de un aficionado la posibilidad de adquirirlas por primera vez, mientras que por el contrario, otros tendrán la oportunidad de volver a escuchar y disfrutar de unos discos que en el momento de su aparición causaron un profundo impacto musical debido a la confluencia de diversos factores. En esa épocaJarrett volvió a grabar en formato de trío tras sus provechosas grabaciones y conciertos a piano solo de los años 70, o con el afamado cuarteto europeo acompañado por Jan Garbarek, Palle Danielsson y John Christensen. También por el nacimiento formal del trío standards, al señalarlo como tal para el título de dos de las tres grabaciones, y que indicaba una declaración de intenciones clara y palmaria: dedicarse al repertorio del gran cancionero norteamericano (o más conocido como, “Great American Songbook”). Por la elección de dos músicos (Gary Peacock y Jack DeJohnette) con los que Jarrett ya había tocado y grabado con anterioridad, y que resultaron ser los compañeros ideales para el viaje que estaban a punto de iniciar, a consecuencia del enorme caudal musical que cada uno de ellos había adquirido con los años; y muy especialmente, por una manera nueva, distinta y poco convencional de desarrollar la interpretación y el tratamiento del swing.

El pianista americano sabía perfectamente por esas fechas cual era su objetivo y la forma de ejecutarlo, y ante todo lo que quería extraer musicalmente tanto de Gary Peacock como de Jack DeJohnette. Esta circunstancia permitirá al aficionado percibir unas grabaciones cabales, realizadas con reflexión, a pesar de que las mismas se llevaron a cabo en un tiempo extremadamente breve (dos días y medio), y que sin duda alguna demuestra entre ellas un hilo conductor invisible, pero claramente interrelacionado.
Estas grabaciones permiten escuchar el proceso creativo no sólo de Jarrett, sino también del resto de músicos. El pianista americano deja suficientes espacios para los solos que desarrollan, pero muy especialmente para los de Gary Peacock. De Keith Jarrett hay que señalar el constante control de los cambios musicales que desarrolla, pasando de momentos de un gran proceso improvisatorio a otros estados más convencionales tanto a nivel de swing como de sonoridad, pero en donde de la libertad que desarrolla Jarrett va a depender por completo el resultado final de los temas, muchas veces sorprendente, y pocas veces predecible. Para ello Jarrett y su trío tienen un exquisito control, tanto de la forma como de la expresión, lo que permite evidenciar que los tres músicos están perfectamente compenetrados y siempre atentos a las evoluciones de cada uno. Tan sólo cabe escuchar la primorosa interpretación del tema de Billie Holiday “God Bless The Child” (con una duración superior al cuarto de hora) para concebir todo lo señalado, y que permitirá a cualquier aficionado entender (o intentar entender), la relación tan especial que desarrolla Jarrett entre música, swing y armonía; un triángulo perfecto que muy pocos músicos entienden como Jarrett. Sin duda alguna, una pequeña joya de orfebrería musical.

Por último no me gustaría dejar de señalar dos de los elementos más significativos y reconocibles de este trío: el tratamiento de la melodía y del tempo musical (en esta faceta Jack DeJohnette es un consumado especialista); estos dos elementos han permitido a esta formación una seña de identidad propia e identificable a lo largo de los años. El uso de la melodía y el tempo ha permitido al trío de Keith Jarrett obtener una sonoridad de tremenda precisión y de equilibrada articulación, posibilitando construir un discurso musical profundo, imaginativo, cargado de momentos de tensión pero resueltos con sensibilidad hasta convertir muchos temas en obras de arte.

Estos tres discos reeditados por ECM no deberían de pasar desapercibidos para todos los aficionados al pianista americano, a pesar de tenerlos en su discoteca, pues permitirá comprobar como la creación alcanza cotas y niveles sencillamente sublimes, que muestran a Keith Jarrett como uno de los creadores del piano más transgresores de toda la historia del jazz. Y lo mejor de todo, es que sigue en estupenda forma creativa, tanto a nivel discográfica como concertista; tan sólo esperamos que pueda durar otros veinticinco años más.

Juan Carlos Abelenda




Territory Band 6 with Fred Anderson - Collide


Composiciones: “Collide Part 1” - 10:39 “Collide Part 2” - 9:49 “Collide Part 3” - 7:24 “Collide Part 4” - 11:13 “Collide Part 5” - 12:55

Tema compuesto por Ken Vandermark

Músicos: Axel Doerner (trompeta), Per-Åke Holmlander (tuba), Fredrik Ljungkvist (saxos barítono y tenor), Fred Anderson (saxo tenor), Dave Rempis (saxos alto y tenor), Ken Vandermark (saxo tenor y clarinete), Jim Baker (piano), David Stackenäs (guitarra), Kent Kessler (contrabajo), Fred Longberg-Holm (violonchelo), Paul Lytton (percusión), Paal Nilssen-Love (percusión), Lasse Marhaug (electrónica)

Duración: 52:57

Grabado por Bob Weston en concierto el 24 de agosto de 2006 en Jay Pritzker Pavilion, Millenium Park (Chicago), como parte de la serie de conciertos “Made in Chicago: World Class Jazz”. Mezclado por Weston y Vandermark. Masterización por Weston. Editado en 2007 por Okka Disk. OD12090 http://www.okkadisk.com

Comentario: Además de sus Vandermark Five, que en 2007 han visto la edición de su décimo álbum en estudio titulado Beat Reader, Vandermark lleva centrando su atención a lo largo de los últimos años en su proyecto Territory Band, que en su sexta encarnación ha visto la edición de Collide. Su anterior grabación New Horse For The White House a nombre de Territory Band-5, publicada también en Okka Disk, era un triple compacto que recogía cuatro composiciones de Vandermark interpretadas tanto en estudio como en directo. Por el contrario, Collide es un compacto sencillo.

En esta ocasión el grupo, integrado por trece miembros y que cuenta con el veterano Fred Anderson como invitado, desarrolló en directo el tema que da título al disco a lo largo de cinco partes con una duración media de diez minutos cada una de ellas. A lo largo de la grabación aparece una fuerte sensación de que el trabajo estuvo muy medido y bien estructurado. De este modo el inicio sirve para exponer la composición de Vandermark: una pieza no hubiera encajado demasiado mal en alguna de las formaciones anteriores a la actual de los Vandermark Five. En éste tema destaca su carácter melódico, realzado por unos buenos arreglos en los que toman un papel predominante los saxos. A causa de éstos, el inicio de la grabación bien pudiera llevar a engaño a algún oyente desprevenido, ya que por encima de los arreglos en la música de esta formación tienen un papel muy importante para su desarrollo especialmente ciertos elementos cercanos a la libre improvisación. De esta manera la composición irá apareciendo y desapareciendo expuesta en distintos formatos (entre los que se incluyen algunos potentes solos), para dejar que los músicos realicen distintas aproximaciones más o menos libres, en las que toman un papel muy importante la interacción entre todos ellos. Además de los saxos a lo largo de toda la grabación, destacan el guitarrista David Stackenäs en la primera parte y la electrónica de Lasse Marhaug (a quien ya habíamos escuchado en la versión de Oslo de los Powerhouse Sound) a lo largo de la parte central del disco. Su duración de poco más de 50 minutos, frente a las más de dos horas y media de la anterior grabación de la Territory Band, resulta perfecta para mantener el interés a lo largo de toda la duración del CD.

José Francisco Tapiz




LiLLiPuT OrkeStrA - Ça urge!


Composiciones: 1.- “Tableau I” 5:07, 2.- “Freedom Rain” 8:44, 3.- “Ça urge!” 3:28, 4.- “Duende” 6:06, 5.- “Glubb” 2:57, 6.- “Arpèges” 0:54, 7.- “Invisible” 6:24, 8.- “Ponte do sol” 1:51, 9.- “Torpeur” 7:02, 10.- “Fourmis violentes” 1:00, 11.- “Motet motus” 5:28, 12.- “Pour Lester” 5:21

Composiciones por Laurent Rochelle (1, 2, 4, 5, 7, 11), Piero Pépin (3, 9) y Lilliput Orkestra (improvisaciones colectivas en 6, 8, 10, 12).

Músicos: Laurent Rochelle (clarinete bajo, saxo soprano, flautas, electrónica y teclados), Piero Pépin (trompeta, corneta, programación y teclados), Olivier Brousse (contrabajo y bajo), Pascal Portejoie (batería y percusiones).
Invitados: Lionel Malrik (fender rhodes en "Tableau I"), Mingo Josserand (Fender Rhodes en "Invisible").


Grabado por Mingo Josserand en junio y septiembre de 2006. Editado en 2007 por Linoleum Lin 007 http://www.linoleum-records.com

Comentario: A pesar de que su nombre pueda llevar a equívocos, LiLLiPuT OrkeStrA es una formación francesa integrada únicamente por cuatro músicos. El concepto musical con el que trabajan en Ça Urge trae a la memoria el de músicos como el también francés Louis Sclavis, debido especialmente a las distintas referencias que utilizan para crear su música y que no tienen que ver exclusivamente con lo que podríamos denominar la ortodoxia del jazz. De cualquier modo y por encima de éstas, hay que señalar que en esta grabación sobresalen un puñado de composiciones más que notables. "Glubb", acelerada y nerviosa, suena al descaro de una banda callejera, y posiblemente sea un tema ideal para abrir sus conciertos. Por el contrario, tanto "Invisible" (que trae a la memoria a Weather Report) como "Pour Lester" son dos temas lentos y preciosos. "Ça urge" vuelve a ser un tema rápido con una pulsación casi rockera. Sin embargo la joya del disco es "Duende", un tema a medio tiempo que es quizás el tema en donde mayor sea la influencia de Sclavis.

José Francisco Tapiz




Peter Brötzmann - Ten Years. Chicago Tentet At Molde 2007


Composiciones: “Ten By Ten” 39:06 “Little By Little” 11:52 “Step By Step” 22:57

Todos los temas compuestos por Peter Brötzmann

Músicos: Joe McPhee, Peter Brötzmann, Kent Kessler, Michael Zerang, Johannes Bauer, Per Ake Holmlander, Fred Lonberg-Holm, Mats Gustafsson, Ken Vandermark, Paal Nilssen-Love

Duración: 73:55

Grabado en directo en Molde Jazzfestival (Noruega) el 20 de julio de 2007. Editado en 2007 por Okka Disk OD12072 http://www.okkadisk.com

Comentario: Diez años han pasado ya desde que Peter Brötzmann publicase en Okka Disk el triple compacto The Chicago Octet – Tentet y que sirvió de presentación a la mejor big-band de free jazz en ese momento. Sin apenas cambio desde su formación inicial (Johannes Bauer sustituye en este disco a Jeb Bishop – quien no pudo estar en la gira de 2007- como única novedad desde su anterior disco) y unas cuantas grabaciones después, ésta formación sigue siendo toda una máquina de tocar free en directo. La grabación vuelve a estar tomada en directo y en esta ocasión es nuevamente Peter Brötzmann el responsable de las tres largas composiciones. Aunque estilísticamente la música está encuadrada dentro de la tradición del free, Brötzmann tiene la sabiduría de manejar la intensidad sonora a lo largo de la grabación. De este modo, a pesar de los casi 40 minutos de duración de la pieza inicial “Ten By Ten” o de los más de veinte de “Step By Step”, en su desarrollo pasan por fases de tuttis frenéticos y solos en la tradición del paroxismo free, pero también por momentos de tranquilidad y llenos de espacio que sirven para que el oyente pueda coger aire antes de la siguiente embestida de esta mole sonora. “Little By Little”, la más breve del CD, presenta un planteamiento diferente: comienza tranquila, casi abstracta, con breves apuntes (apenas unas notas) de los diferentes músicos, en algo parecido a un diálogo a varias bandas. A partir de éste inicio el tema va tomando impulso y desarrollando en forma de un potente solo al que se van incorporando el resto de instrumentos, para terminar en forma de una explosión de energía sonora. En su desarrollo son tan importantes el solo director a partir del que se estructura el tema, como los arreglos en forma de aportaciones conjuntas del resto de la banda.

Enhorabuena por los diez años, por poder seguir saliendo de gira con esta formación, pero sobre todo por poder editar grabaciones como la aquí comentada.

José Francisco Tapiz




Daniel Levin Quartet - Blurry


Composiciones: "Law Years" (Ornette Coleman) 6:14, "Improvisation II" (Levin, Wooley, Moran, Morris) 6:51, "209 Willard Street" 10:42, "Cannery Row" 8:31, "Untitled" 8:13, "Relaxin' With Lee" (Charlie Parker) 5:19, "Sad Song" 6:50, "Blurry" 7:26

Todos los temas compuetos por Daniel Levin, salvo los indicados.

Músicos: Daniel Levin (violonchelo), Nate Wooley (trompeta), Matt Moran (vibráfono), Joe Morris (contrabajo).

Grabado el 3 de junio de 2006 en Firehouse 12 por Nick Lloyd. Masterización por Peter Pfister. Editado en 2007 por hatOLOGY. hatOLOGY 653 http://www.hathut.com

Comentario: Aunque Daniel Levin (nacido en 1974) es un músico que viene de la música clásica (comenzó a tocar el violonchelo con seis años), tiene tras de sí una interesante carrera en la que además de tocar con músicos como Tim Berne, Anthony Braxton, Joe Morris, Joe McPhee, Ken Vandermark o William Parker, ha aparecido en grabaciones en hatOLOGY, Riti Records, EMANEM, Clean Feed, Not Two o Rogue Art.

Blurry es la tercera grabación de su cuarteto. Tras crear este grupo en 2001, su estreno discográfico vino con la grabación de 2002 Don’t Go It Alone editada por Riti Records (el sello de Joe Morris) en 2003. Su continuación se tituló Some Trees (hatOLOGY 632, 2005), mientras que 2007 ha visto una nueva entrega, Blurry, nuevamente en el sello suizo HatOlogy. A lo largo de todos estos años únicamente ha habido un cambio en la formación: el corneta Dave Ballou, presente en la primera grabación, fue sustituido a partir de la segunda por el trompetista Nat Wooley. Una formación que por otro lado resulta original en cuanto a sus componentes, ya que además de la trompeta y el violonchelo, incluye un contrabajista y un vibrafonista. Resultan notables tanto la ausencia de la batería, como la de un instrumento armónico como pudiera ser el piano, lo cual amplía notablemente las posibilidades de investigación sonora para este cuarteto, frente a otras formaciones más usuales.

Blurry supone un notable paso hacia delante de este cuarteto si lo comparamos con sus dos discos anteriores. La áspera topografía previa, merced a unas formas muy pegadas al free jazz y la libre improvisación, se transforman en un panorama que a primera vista resulta suave e incluso carente de aristas, por medio de una conexión con la música clásica merced a las composiciones de Levin. Precisamente por ese motivo un tema como “Improvisation II”, obra de los cuatro músicos, desentona del resto del conjunto. Ornette Coleman, a quien ya había versioneado en Don’t Go It Alone, es nuevamente visitado por medio de “Law Years”. El otro tema que no es obra de Levin es el Parkeriano “Relaxin’ With Lee”. Del resto de composiciones destaca sobremanera un tema con un título aparentemente tan aséptico como “Untitled”. Éstas sirven como bases perfectas para que el cuarteto demuestre su maestría con sus respectivos instrumentos. Uno de los aspectos a destacar es que aunque la grabación sea suave en apariencia, está llena de unos detalles en algunos momentos disonantes, que la hacen especialmente atractiva. Hay que destacar en todo ello el papel de la grabación, pero sobre todo de la masterización, tras la que está ese mago de nombre Peter Pfister.

José Francisco Tapiz




Paolo Fresu - Richard Galliano - Jan Lundgren - Mare Nostrum


Composiciones: 1. Mare Nostrum - 05:55 (Jan Lundgren) 2. Principessa - 04:35 (Richard Galliano) 3. Eu Nao Existo Sem Voce - 02:58 (A. C. Jobim / Vinícius De Moraes) 4. The Seagull - 03:18 (Jan Lundgren) 5. Que reste-t-il de nos amours? - 04:32 (Charles Trénet) 6. Years Ahead - 05:05 (Jan Lundgren) 7. Sonia's Nightmare - 04:04 (Paolo Fresu) 8. Chat Pitre - 03:00 (Richard Galliano) 9. Valzer del Ritorno - 04:24 (Paolo Fresu) 10. Open Your Mind - 04:05 (Jan Lundgren) 11. Liberty Waltz - 04:10 (Richard Galliano) 12. Mio Mehmet, forse il destino m'impedirà di rivederti - 04:29 (Paolo Fresu, inspirado en un poema de Nazim Hikmet) 13. Ma Mère L'Oye - 04:28 (Maurice Ravel) 14. Para Jobim - 03:57 (Richard Galliano) 15. Varvindar Friska - 03:11 (tradicional)

Músicos: Paolo Fresu (trompeta, fiscornio), Richard Galliano (acordeión, bandoneón), Jan Lundgren (piano)

Grabado, mezclado y masterizado por Stefano Amerio en Artesuono Recording Studios, Cavalicco (Udine, Italia) entre el 7 y el 11 de enero de 2007. Producido por René Hess. Editado en 2007 por ACT Music. ACT 9466-2

Comentario: Mare Nostrum es el resultado del encuentro entre el trompetista Paolo Fresu, el acordeonista Richard Galliano y el pianista Jan Lundgren. Grabado entre el 7 y el 11 de enero de 2007, recoge 15 temas. Entre ellos se incluyen además de versiones de composiciones de A.C.Jobim, Charles Trénet, Maurice Ravel e incluso de un tema tradicional, once piezas compuestas individualmente por cada uno de los tres titulares de la grabación.

Su trabajo va bastante más allá del puro encuentro ocasional promovido por una discográfica entre tres músicos artísticamente desconocidos buscando un disco en el que plantar una etiqueta de all-stars. Por el contrario, el resultado es una música orgánica, sumamente bella, que discurre despacio, sin prisas, impregnada por un fuerte componente melancólico. La principal virtud de Mare Nostrum, además de servir como una colección de temas preciosos, es su capacidad de emocionar. Un disco que resulta ideal para escuchar en un soleado atardecer otoñal mientras se mira por una ventana cómo caen las hojas amarillas de los árboles.

José Francisco Tapiz




Raynald Colom - #Sketches Of Groove#


Músicos: Raynald Colom (trompeta y fliscorno); Abe Rábade (piano y rhodes); Tom Warburton (contrabajo); Marc Ayza (batería); Roger Blauia (percusión); Martí Serra (saxo tenor); Guim G. Balasch (saxo alto y flauta); Raül Reverter (saxo alto); Philippe Colom (clarinete bajo); David Soler (guitarra eléctrica y pedal steel); Joan Díaz (teclados); Antonio Serrano (armónica); Aurelio Santos (human beat box); José Reinoso (piano)

Grabado en Gerona en marzo de 2007

Comentario: Raynald Colom es uno de los pocos los músicos que están haciendo jazz de calidad en España. Afortunadamente, hay mucha gente tocando y desarrollando su propia voz, pero pocos tienen un lenguaje tan maduro como el de Colom.

Su sonido, abierto, afilado, brillante y contundente es una de las claves de su estilo. Un estilo basado en la tradición y que, a diferencia de otros trompetistas del panorama nacional, se puede relacionar con algunos de los principales exponentes de la trompeta mainstream contemporánea del otro lado del charco, como Russell Gunn, Jeremy Pelt y sobre todo, el joven Christian Scott. Éste es uno de sus principales valores, porque Raynald Colom no solo toca condenadamente bien, sino que practica un jazz de su tiempo, moderno y multicultural.

Después del excepcional My Fifty One Minutes (fsnt, 2005), Colom se vuelve a rodear de mas de una docena de músicos de altura que brindan grandes momentos a #Sketches Of Groove#, como Guim G. Balasch, Martí Serra, Marc Ayza o Roger Blauia, que aporta un carácter impagable a unos cuantos temas, con detalles de percusión y cajón flamenco extraordinarios. Todos juntos, bajo la dirección del trompetista, confeccionan un disco que demuestra que existe un jazz en España que no necesita excusas estilísticas para maquillar deficiencias técnicas o creativas.

Desde el explosivo “12 Hours Effect” que abre el CD, pasando por el fascinante “Juanito’s Groove”, los “Sketches” con ecos de Miles y el “Come Sunday” a dúo con José Reinoso, #Sketches Of Groove# es una apuesta segura y un excelente trabajo de uno de los mejores instrumentistas que tenemos en nuestro país.

Yahvé M. de la Cavada




Red Callender - Swingin’ Suite



Red Callender - Speak Low


Músicos: Red Callender (contrabajo y tuba); diferentes formaciones con músicos como Buddy Collette, Eddie Beal, Bill Douglass, Gerald Wilson, Billy Bean, Gerald Wiggins, Red Mitchell, etc.

Grabado en Hollywood, entre noviembre de 1955 y abril de 1958

Comentario: Estos dos CDs saldan una deuda que tenía el mercado con Red Callender. Este multiinstrumentista, compositor y arreglista grabó centenares de discos, pero a su nombre hay bien poquito, lo que aporta a estas novedades aún mas interés.

Para situar en un contexto histórico al hombre y su música, es mejor remitirse a su autobiografía, Unfinished Dream, o a la del gran Charles Mingus, Menos Que Un Perro (mondadori, 2000), que tiene palabras mas que gratas y muy reveladores para uno de los mejores contrabajistas de su época.

Speak Low y Swingin’ Suite son dos discos complementarios, porque están grabados en fechas muy cercanas y sobre todo, porque uno esta dedicado al Callender contrabajista y otro al tubista, siendo éstos sus dos instrumentos principales. El factor común es su excelente pluma tanto al componer (que se ve especialmente en Swingin’ Suite) como al arreglar. Profundamente centrada en la orquestación, su música se sitúa en esa transición del clasicismo a la modernidad, al igual que el propio Callender, que es un exponente perfecto de los músicos que supieron nadar en todas las corrientes con éxito.

A pesar de que hay solistas de altura, como Gerald Wiggins y Gerald Wilson, la ocasión de escuchar al genial Buddy Collette no tiene precio, destacando por encima de todos sus compañeros.

Callender tocó con nombres como Louis Armstrong, Lester Young, Dexter Gordon, Charlie Parker, Charles Mingus, Art Tatum e incluso James Newton. Sus grabaciones como líder son un documento histórico de alta calidad musical que llevaban demasiado tiempo fuera de circulación.

Yahvé M. de la Cavada




BassDrumBone - The Line Up


Músicos: Mark Helias (bajo y contrabajo); Gerry Hemingway (batería); Ray Anderson (trombón)

Grabado en New York, el 24 de abril de 2005

Comentario: Vaya tres. Es difícil que no salga buena música de aquí, teniendo en cuenta la capacidad de cada uno de ellos por separado y el tiempo que llevan colaborando juntos en una u otra batalla. Y efectivamente, la música es buena, todos tocan bien, etc, pero la cosa no acaba de despuntar.

No quiero decir que no haya buenos momentos, pero los tres permanecen siempre en el umbral de la corrección, con un innegable saber hacer que no pasa de interesante.

The Line Up es el tercer y menos interesante disco de este democrático grupo en el que nadie sobresale, y en este detalle es donde radica su principal interés, en la capacidad para escuchar(se) e interactuar de los tres instrumentistas.

Así que aquí tenemos una ración de buen jazz, avanzado pero accesible, que recomendamos consumir con la perspectiva adecuada valorando a sus interpretes por su actuación en otros contextos, como el Mark Helias’ Open Loose, el Gerry Hemingway Quartet o la Ray Anderson Alligatory Band, por poner un grupo de cada uno de ellos, mayormente mas interesantes que éste BassDrumBone.

Yahvé M. de la Cavada




Nestor Munt & Enric Cervera - No Do


Músicos: Nestor Munt (trompeta, fliscorno, melófono, voz y percusión); Enric Cervera (contrabajo, voz, percusiones acústicas y procesadas)

Grabado en Barcelona el 12 de mayo de 2007

Comentario: Nestor Munt y Enric Cervera son dos francotiradores de la escena barcelonesa que llevan dando guerra en uno u otro frente desde los años 70. En un mundillo minoritario (el del jazz español) que pertenece a otro mundillo minoritario (el del jazz en general), ellos son un ejemplo perfecto de lo mas alternativo dentro de lo alternativo y de la gran música que se puede hacer desde las trincheras.

NO DO es su ultima propuesta, un disco grabado a dúo (con numerosos overdubbings) y preciosamente autoeditado en digipack. Una propuesta que va mas allá de lo jazzistico y que se apoya en un repertorio variado y sorprendente que capta el interés del oyente en todo momento. Tanto Munt como Cervera tienen un sonido fantástico en sus instrumentos “principales”, pero aquí hay mucho más que trompeta y contrabajo. El inteligente uso que hacen de la electrónica y la percusión lleva la música mas allá del “saber hacer” para entrar en el terreno de la creación de texturas y fondos fascinantes. Sobre ellos, las improvisaciones de Munt y la solidez rítmica de Cervera navegan hacia sonidos eclécticos y emocionantes.

Reconozco que, cuando llegó a mis manos este disco, no conocía ni de oídas a sus dos protagonistas. Ahora, después de escucharlo una y otra vez, me siento en la obligación de recomendarlo sin reservas ni “peros” posibles. Un discazo de tomo y lomo y un gran descubrimiento.

Yahvé M. de la Cavada




Gorka Benítez - Al otro lado


Músicos: Gorka Benítez (voz, saxo tenor y flauta); Carme Canela (voz), Albert Bover (piano); Dani Pérez (guitarra eléctrica y acústica); Nic Thys (bajo); David Xirgu (batería y percusión)

Grabado en Barcelona el 7 y 8 de julio de 2007

Comentario: Hay quien verá el nuevo disco de Gorka Benítez, Al Otro Lado, como un giro a su carrera. Para mi, sin embargo representa un paso adelante en una discografía nutrida de grabaciones muy diferentes y casi siempre muy interesantes. Benítez es amigo de probar cosas nuevas y de enfrentar su estilo (acotado por sus limitaciones, pero probablemente el más personal de todos los saxofonistas españoles) a contextos diferentes.

En Fabou (fswj, 2001) se atrevió a cantar un tema suyo, al igual que en Solo La Verdad Es Sexy (fsnt, 2005), y algunas de sus melodías se acercaron al pop y al rock en Bilbao (fsnt, 2007). Al Otro Lado es la consolidación de esos flirteos, que no tenían nada de inofensivos.

Así que Benítez reúne a su grupo, compuesto por nombres imbatibles de la escena nacional, y decide grabar un disco de canciones, con él cantando y tocando por igual. El bilbaíno no es (ni pretende ser) un cantante técnico, pero se ve que lleva tiempo haciéndolo y su voz suena real y con carácter. Esto es lo importante cuando hablamos de “canciones de autor”, escritas e interpretadas por un mismo creador, que busca expresarse con su propia voz, al margen de ortodoxias técnicas o estéticas.

Y con todo esto sobre la mesa, sale Al Otro Lado, un disco maravilloso que no solo rivaliza con Solo La Verdad Es Sexy como mejor obra del saxofonista, sino que para el abajo firmante es uno de los mejores discos de jazz español que se han grabado en mucho tiempo.

Las canciones son, en general, fantásticas, la banda suena impresionante, y hay una atmósfera emocionante, pero natural, a lo largo de todo el disco.

Las sofisticadas armonías vocales de Carme Canela (que canta en solitario “Garum-Africa” y “Miratge”) dan el empuje perfecto a la voz de Benítez, que también desgrana frases y solos memorables con el tenor. Albert Bover esta en un momento extraordinario, siendo difícil destacar alguno de sus solos, al igual que Dani Pérez (en “Angel”, su guitarra pone los pelos de punta con pocas notas e intensos cromatismos) y Nic Thys que protagoniza “Un Poquito Solo” con una intervención preciosa. Una vez mas, el invento no funcionaria sin David Xirgu, que levanta, sostiene y empuja al conjunto con un drumming, quizá mas ligero de lo habitual para adaptarse a las circunstancias, pero que no pierde tensión ni firmeza en ningún momento.

Sería fácil caer en el gravísimo error de catalogar este disco, pretender colgarle la etiqueta de “jazz”, “pop”, “cantautor” o lo que quiera cada uno, porque uno de los puntos fuertes de Al Otro Lado recae sobre su inclasificabilidad.

Y es que Benítez ha conseguido una de las cosas más difíciles a las que aspira un músico: crear directamente para uno mismo, honesto y sin rendir cuentas a nadie y, lo más importante, hacer una música que no fusiona, sino que rompe barreras y derriba muros entre estilos para crear algo propio.

No se si es jazz, pop o cualquier otra cosa, pero tampoco me importa. Solo se que es de Gorka Benítez y que suena estupendamente.

Yahvé M. de la Cavada




Ferran Fages - Cançons Per A Un Lent Retard


Músicos: Ferran Fages (guitarra acústica); Dimitra Lazaridou-Chatzigoga (detunings en tema 6)

Grabado en Barcelona entre diciembre de 2006 y febrero de 2007

Comentario: La discográfica independiente Etude Records alumbró el año pasado dos de los mejores discos grabados en España: Are Spirits What I Hear?, del saxofonista Agustí Martínez y Cançons Per A Un Lent Retard, de Ferran Fages. Esto viene a corroborar que hay otra escena en Cataluña que, aunque puede ser eclipsada por músicas mas banales (e innegablemente mas populares), esta completamente activa, y produciendo excelentes propuestas.

Cançons Per A Un Lent Retard es, además, uno de los mejores discos de música creativa grabados en solitario con guitarra acústica que yo haya escuchado en mucho tiempo.

Una grabación que desde una melancolía árida, demanda atención al oyente el cual enseguida queda atrapado por el micro universo que desarrolla Fages. Mediante armónicos imposibles, acordes subyugantes, un inquietante uso del feedback y el slide, e incluso golpeando el cuerpo del instrumento, el guitarrista ejerce una presión amigable sobre su aliado en la creación de esta música: el silencio. Un silencio tan elocuente e importante como el propio Fages, y que termina de definir la brutalidad estática de la separación, la nostalgia febril, pero callada, que queda tras la despedida.

A lo largo de las nueve composiciones que lo conforman, Cançons Per A Un Lent Retard se mantiene fascinante, profundo, emocional y tremendamente intenso. Es conveniente acercarse a él con cautela puesto que no puede (ni debe) ser una escucha casual, pero sería imperdonable no acercarse a él en absoluto.

Yahvé M. de la Cavada




Fabian Zone Trio - The Masters Return!


Composiciones: “The Wayshowers” (Fabian Zone), “My one and only love” (Wood/Mellin), “Bebop” (Dizzy Gillespie), “Morning after” (Christian Fabian), “Chameleon” (Herbie Hancock), “Summerland” (Christian Fabian), “Willow weep for me” (Ann Ronell), “Billies Bounce” (Charlie Parker), “Dear Thaddeus and Roland” (Jimmy Owens), “Abian blue” (Mike Longo), “All blues” (Miles Davis), “Milestones” (Miles Davis).

Músicos: Christian Fabian (contrabajo), Mike Longo (piano) Lewis Nash (batería), Andres Boiarsky (saxo tenor), Jimmy Owens (trompeta).

Grabado el 22 de enero de 2007 en Nueva York.

Comentario: El trío de Fabian Zone, realiza un recorrido por el jazz clásico, devolviendo al presente milenio, temas ya célebres dentro del mundo del jazz y la canción norteamericana, con un afán más revisionista que vanguardista.

Sin duda el líder se erige como protagonista en este disco, aportando tres temas en el trabajo, que no rompen la línea revival de éste, y mostrando un sonido potente y buena afinación, además de un especial gusto al utilizar el arco, como puede comprobarse en “My One And Only Love” donde sólo utiliza el pizzicato para acompañar la intervención de Mike Longo, éste último con un pianismo muy cercano a Bud Powell.

Respecto a los standards propiamente jazzísticos, decir que vuelven (parafraseando el título del disco) con muy pocos cambios estilísticos con respecto a los originales. En “Bebop” el estilo de Jimmy Owens no llega al “nerviosismo” en su fraseo exhibido por el autor del tema, aunque sí muestra el mismo tono brillante. “Billie’s Bounce” es tocada a trío, a un tempo algo más lento que el original, pero sin salirse de los patrones armónicos marcados por Bird. Algo parecido ocurre con “All Blues”, también tocada a trío, donde el ritmo se vuelve algo más funky y Mike Longo toma el piano eléctrico.

Aunque como ejemplo valga el tema de que cierra el CD, con Miles Davis como compositor invocado por segunda vez, y donde coinciden los cinco músicos que aparecen en The masters return!, grabando un “Milestones” con la vista puesta en la partitura original.

Un disco que interesará tanto a los amantes del jazz, especialmente al de los años cincuenta, como a los a los no aficionados que deseen tener una muestra fiel de algunos de los temas que han hecho grande a esta música, desde un punto de vista actual.

Víctor Bobeche




Falkner Evans - Arc


Composiciones: “Regatta”, “Singing darkness”, “Central Park West” (John Coltrane), “Fee-fi-fo-fum” (Wayne Shorter), “Bar Enigma”, “Lucia´s happy heart”, “Make tracks, child”, “Come rain or come shine” (Johnny Mercer, Harold Arlen), “Lost in the Stars” (Kurt Weill, Maxwell Anderson).

Todos los temas compuestos por Falkner Evans excepto donde este indicado.

Músicos: Falkner Evans (piano), Belden Bullock (contrabajo), Matt Wilson (batería).

Grabado el 27 y 28 de Julio de 2006 en Brooklyn.

Comentario: El pianista Falkner Evans presenta su tercer disco a su nombre, el cual también es su tercer disco a trío. Un disco para el que el pianista estadounidense cuenta con Matt Wilson, batería que ya acompañara a Falkner Evans en sus trabajos anteriores, y con el contrabajista Belden Bullock que, entre otros, ha acompañado al pianista Adbullah Ibrahim.

Falkner Evans se muestra seguidor de la línea marcada por Bill Evans, aunque mostrándose más activo que éste último con su mano izquierda. Con su trío consigue una excelente conjunción, especialmente con Matt Wilson, un batería cuya actividad rítmica sobresale durante todo el trabajo.

El repertorio lo forman en su mayoría composiciones originales, con una carga romántica. Sobresalen los cortes con tempo más vivo del disco, “Singing Darkness” y “Bar Enigma”, dos temas donde sobre la base armónica de la mano izquierda de Evans se escucha el acompañamiento de un inquieto y polirrítmico Wilson. Respecto a los standards seleccionados para el trabajo, no resulta extraño, teniendo en cuenta los derroteros del CD, que los dos temas de músicos modernos correspondan a saxofonistas precisamente en su versión más lírica.

Cabe recordar no obstante, que para sobrevivir en la actual crisis de la industria discográfica, quizás sea necesario ofrecer algo más en la carpeta (en este caso habría que decir que es necesario ofrecer algo). Aunque en ningún caso este pequeño desliz debe impedir el disfrute de un disco elegante, tanto en la ejecución como en el repertorio, que a buen seguro cumple con las expectativas de los amantes del clásico trío de piano jazz americano. Un disco cargado de swing y de buen gusto.

Víctor Bobeche




John Coltrane - Fearless Leader


Grabado entre 1957 y 1958.
Incluye los siguientes discos editados a nombre de John Coltrane:
Coltrane, Traneing In, Soultrane, Lush Life, Settin’ The Pace, Standard Coltrane, Stardust, The Believer, Black Pearls, Bahia, The Last Trane
48 temas. 6 CD.
Concord, 2007


John Coltrane - Interplay


Grabado entre 1956 y 1958.
Incluye temas publicados en los siguientes discos originalmente:
Hank Mobley – Al Cohn – Zoot Sims – John Coltrane Tenor Conclave
Varios - Interplay for 2 trumpets and 2 tenors
Arthur Taylor – Taylor’s Waylers
Prestige All Stars - Wheelin’ and Dealin’
John Coltrane – Paul Quinichette - Cattin’ with Coltrane and Quinichette
John Coltrane – Dakkar
Tommy Flanagan – John Coltrane – Kenny Burrell – Idrees Sulieman – The Cats
Kenny Burrell – John Coltrane - Kenny Burrell & John Coltrane
Mal Waldron - The Dealers
34 temas. 5 CD.
Concord, 2007

Comentario: No es infrecuente considerar la carrera de John Coltrane como una sucesión de etapas, quemadas una tras otra, tras la búsqueda de un sonido que mutatis mutandis, de alguna manera le servía para reinventar todo lo anterior en sus sucesivas encarnaciones. Su permanencia en periodos continuos en un número muy reducido de compañías discográficas (Prestige, Impulse!, Atlantic y Columbia en compañía de Miles Davis), en fases aparentemente muy marcadas y diferentes entre sí, hacen que pueda prevalecer la idea de una carrera distribuida en compartimentos estancos. De esta manera aparece su estancia en Columbia acompañando a Miles Davis, integrando uno de sus quintetos históricos, que daría unas cuantas obras fundamentales en la historia del jazz encabezadas por Kind Of Blue. Su estancia en Atlantic, recogida en la caja de siete compactos The Heavyweight Champion muesta su inmersión en el jazz modal (con ese gran éxito comercial que fue My Favourite Things) y su incursión inicial en el free jazz, llegando a grabar con los acompañantes de Ornette Coleman. ¿Qué se puede decir de su estancia en Impulse! que duró desde principios de los años 60 hasta el final de sus días? A Love Supreme es una de esas obras presente prácticamente en cualquier discoteca (y no sólo de los aficionados al jazz), mientras que su cuarteto es una referencia absoluta en la historia del jazz.

Con anterioridad el saxofonista pasó por el sello Prestige. Esta fase de su carrera, entroncada con el hard-bop característico de la época y previa a sus fases modales, free y espiritual, habitualmente aparece como minusvalorada respecto a las demás. En más de una ocasión se la ha calificado simplemente como una “fase de formación”. Algo hay de cierto en esta afirmación: si Coltrane se caracterizó por algo a lo largo de toda su carrera fue por su enorme ansia y su éxito en ampliar sucesivamente los límites de su música en un camino que debido a haber sido interrumpido por su fallecimiento, parece que apuntaba hacia el infinito, o siendo más prudentes, hacia unos límites que nadie ha sido capaz no ya de delimitar, sino de apuntar. Dicho de otra manera, toda la carrera de Coltrane se puede calificar como una etapa de formación sin interrupciones.

En la etapa previa a la incorporación de Prestige al catálogo de Concord, esta fase de su carrera se encontraba recogida además de en los correspondientes compactos individuales, en sendas cajas que incluían por un lado la primera fase de su estancia (discográficamente hablando), al lado de Miles Davis, y por otros 16 compactos con el resto de las grabaciones de Coltrane lejos de la compañía del trompetista. En esta nueva etapa se va a proceder a la reedición de todo ese material. Este va a ser distribuído en cuatro box-set. Hasta este momento (febrero de 2008) se han editado tres: primero fue el que a lo largo de cuatro CD recogía las grabaciones de Miles Davis y titulado The Legendary Prestige Quintet Sessions. Posteriormente han sido editadas dos más a nombre de Coltrane. Fearless Leader fue la primera de estas referencias e incluía todo el material editado a nombre de Coltrane. Interplay es la segunda de las obras, quedando pendiente la edición de una tercera recopilación que se publicará previsiblemente a lo largo de 2008.

Como elemento característico y más destacable de estas reediciones hay que señalar la remasterización de los temas. Gracias a ella adquieren un nuevo brillo y muestran matices ocultos en lo publicado anteriormente. Un aspecto importante para los aficionados completistas es que en las dos cajas dedicadas a Coltrane no se añade material adicional con respecto a lo publicado anteriormente. Otro elemento a destacar son unos libretos amplios y muy completos. Contienen, obviamente, la información básica con todos los datos de las sesiones de grabación, así como las portadas y notas de los discos originales. Lo más interesante y didáctico son los completos análisis obra de Lewis Porter, toda una referencia entre los expertos sobre Coltrane, además de algún texto ciertamente interesante y escrito desde la rendición ante la figura del saxofonista. La presentación es también muy lujosa, ya que en su diseño se prescinde de esas enormes cajas de tamaño LP, en la que se incluían las todavía más incómodas cajas de plástico, de tal modo que su tamaño ha quedado reducido a menos de la mitad. Hay que señalar que en cada una de las cajas los temas se presentan según su orden cronológico de grabación.

Los seis compactos incluidos en Fearless Leader presentan los once LP publicados originalmente a nombre de John Coltrane. El que aparece recogido en los cinco CD de Interplay se editó repartido a lo largo de nueve LP. No obstante, en uno de ellos (Taylor’s Wailers de Art Taylor, editado en 1957) sólo participó en un tema, mientras que en otro (The Dealers de Mal Waldron, publicado en 1965) se le escucha en dos de los cuatro temas. Una diferencia importante entre estas dos obras es que si bien en Fearless Leader hay un hilo conductor claro para la elección del material incluido, en Interplay éste es más difuso. Aún así, el material de esta obra se puede agrupar por una parte en sesiones al uso de all-stars, en la que se le puede escuchar acompañado por otros saxofonistas, algo que sería poco frecuente hasta llegar a la fase final de su carrera. Por otro lado, se incluyen colaboraciones con artistas de Prestige como Kenny Burrell y Paul Quinichette. El pianista Mal Waldron, nota para sus admiradores, es quien aparece a lo largo de una mayoría de los temas, tocando y también componiendo. La larga versión de “Soul Eyes” es uno de los momentos más emotivos de esta caja, conjuntamente con el tema que le da título.

Musicalmente, para Coltrane el periodo en el que se realizaron estas grabaciones (que va de 1956 a 1958) resulta muy interesante, y en cierto sentido similar a una montaña rusa. En este periodo relativamente breve va a ser expulsado del grupo de Miles Davis por sus problemas con las drogas; pasará un tiempo tocando, grabando y (según sus propias palabras) aprendiendo con Thelonious Monk; será readmitido en el quinteto de Miles con el que grabará en Columbia unas cuantas obras maestras de la historia del jazz, que marcarán fuertemente su desarrollo; finalmente, en Prestige será cuando grabe por primera vez a su nombre. Esto es lo que ocurre exclusivamente en el plano musical. En el ámbito de lo estrictamente personal, se desengancha de la heroína gracias a su fuerza de voluntad y en un periodo muy breve, lo que le hará entrar en una fase de renacimiento espiritual y personal a la que se referirá de un modo explícito en las notas de A Love Supreme. Un reflejo de este cambio se puede apreciar en el tema “Straight Street” (que se podría traducir libremente como “El camino recto”), grabado en la primera sesión tras lograr desengancharse del caballo, el 29 de mayo de 1958. Una sugerencia para quien posea todo este material es la escucha cronológica del material de ambas cajas, para apreciar la evolución de éste gigante.

Y quizás no habría que añadir mucho más, haciendo caso al propio protagonista. La música de Coltrane, por fortuna, habla por si sola y tiene ganado por derecho propio un lugar destacado en la historia del jazz. Si Coltrane no hubiera llegado a grabar nada más que el material aquí recogido, sin duda alguna no brillaría con la luz propia que tiene en la actualidad, pero tampoco habría pasado a una segunda fila de los músicos de la historia del jazz.

En su valoración global, se puede señalar que la ausencia de material inédito (cebo habitual para los aficionados) queda totalmente compensada por otros elementos como su lujosa presentación, los libretos, pero sobre todo el sonido de la música allí contenida. Todo ello hace que merezca la pena invertir en su adquisición.

José Francisco Tapiz