Lucio Balduini - Lucecita


Composiciones: “Wake Up Donny”, “De dónde vienen los árboles”, “Rayando discos”, “Peces y círculos baño de diversión” (Enrique Norris), “Atari”, “Pequeño Lulu”, “El indestructible gusanito ve colores brillantes”, “Gusanito metálico” (Enrique Norris), “Donny en sueños”

Todas las composiciones por Lucio Balduini excepto donde se indica.

Músicos: Lucio Balduini (guitarra, efectos, loops, grabador), Ariel Naon (contrabajo, bajo eléctrico, set free), Pedro Aeths Etcheberry (batería) y Alberto Ibarguren (kaos padd y edición).

Comentario: Los tiempos cambian, los conceptos varían y la precisión estilística se diluye en un zozobrante mar de etiquetas que, por fortuna, parece no afectar a ciertos músicos cuyo trabajo discurre a caballo de diversas corrientes artísticas. Tal es el caso del guitarrista argentino Lucio Balduini, que en su reciente Lucecita muestra su particular visión creadora apoyándose en un contexto jazzístico moderno donde el crossover con la música electrónica es más que evidente.

Ya en el primer corte “Wake Up Donny” la inusual métrica de 5/4 fluye sobre ambientes chill-out aunando tensión y liberación en un todo expresivo. Si bien el envoltorio formal de “Peces y círculos” y “Gusanito metálico” es más asequible para el oyente medio, en “De dónde vienen los árboles” la línea solista y la sección rítmica aparentan llevar pulsos distintos, y “Atari” nos sumerge en el universo free de la mano de un bien elaborado unísono entre guitarra y contrabajo.

Balduini es un guitarrista elegante, capaz de sacrificar la intrincada ejecución técnica en favor de un sonido elaborado con el que definir paisajes sonoros en conjunción con diversos efectos. Con ciertas reminiscencias de Bill Frisell (en “Pequeño Lulu” se puede apreciar, incluso, un cierto sabor al Medio Oeste estadounidense), en Lucecita se encuentra bien secundado por la discreta batería de Pedro Aeths Etxeberry y la potente sonoridad de Ariel Naon al contrabajo (a destacar su solo en la penúltima pista del CD). Sinceridad y contemporaneidad ilustran este trabajo discográfico. No cabe duda de que Lucio Balduini ha sabido alumbrarse con la lucecita adecuada.

Arturo Mora Rioja




The Engines - The Engines


Composiciones: “Riser” (McBride) 8:35, “Jet Lag” (Bishop) 9:33, “Careful” (Daisy) 6:53, “Mish Mumkin” (Rempis) 10:09, “Rewind” (Bishop) 9:39, “Backend Cover” (Rempis) 12:27, “Four Broken Plates” (Daisy) 8:46, “Mash Tun” (McBride) 9:07

Músicos: Dave Rempis (saxofones alto, tenor y barítono), Jeb Bishop (trombón), Nate McBride (bajo), Tim Daisy (batería)

Grabado el 8 y el 9 de julio de 2006 en Chicago. Publicado en 2007 por Okka Disk. OD12057 http://www.okkadisk.com

Comentario: The Engines es un cuarteto compuesto por unos músicos que resultarán más que conocidos a los seguidores de los Vandermark Five. Tanto Jeb Bishop (trombón), como Dave Rempis (saxos alto, tenor y barítono), Nate McBride (contrabajo) o Tim Daisy (batería) han sido integrantes del citado grupo en uno u otro momento de su trayectoria.

Los cuatro músicos, a razón de dos por cabeza, son los autores de los ocho temas de The Engines. Un repertorio que bien podría encajar en el de los Vandermark Five y en el que son tan importantes la composición como los arreglos y los solos. Esto es precisamente lo que sucece con los dos temas de Bishop. “Jet Lag” con casi diez minutos de duración muy bien estructurados, y “Rewind”, en la que se decanta por un tempo lento. “Riser”, de McBride, muestra una escritura angulosa en la que abundan los silencios, mientras que “Mash Tun” es un tema potente y con cierto regusto funk que por momentos parece un encuentro entre el repertorio de los Vandermark 5 con el de los Spaceways Inc., proyecto en el que el bajista participa junto con Vandermark y Hamid Drake. Por su parte Daisy opta en “Careful” y “Four Broken Plates” (composición mediante) por el camino de la abstracción, que recuerda en cierto modo a los temas actuales del repertorio de los Vandermark Five.

Aunque The Engines no es un mal disco analizado pieza a pieza, la sensación final que deja es la de una excesiva dispersión.

José Francisco Tapiz




Jim Baker – Steve Hunt – Brian Sandstrom – Mars Williams - Extraordinary Popular Delusions


Composiciones: “hail to thee, malthusia”, “devil may care: though perhaps not as much as might have been hoped”, “futile jester”, “experiments on animals in space”, “space on experiments in animals”, “goat and adding machine ritual”, “somebody rang a bell”, “feudal gestures”, “…that which, when you stop believing in it…”

Todas las piezas improvisadas por Williams, Baker, Sandstrom y Hunt.

Músicos: Mars Williams (saxofones), Jim Baker (piano, sintetizador, piano eléctrico), Brian Sandstrom (contrabajo y guitarra eléctrica), Steve Hunt (batería y percusión).

Grabado en Chicago en agosto de 2005. Publicado en 2007 por Okka Disk. OD12056 http://www.okkadisk.com

Comentario: Composiciones instantáneas y formas free al estilo clásico las de este cuarteto de Chicago, con una música que remite a Ayler, Shepp, pero sobre todo a Brötzmann en su faceta más hiper-expresionista, con piezas como “devil may care: though perhaps not as much as might have been hoped” o “feudal gestures”. Dos temas que parecen transplantados de unas sesiones en cuarteto del Machine Gun a la actualidad. Por su parte “goat and adding machine ritual” es una pieza de un cuarto de hora que trae a la memoria por momentos la música de Sun Ra. La sorpresa agradable del disco es, sin embargo, “…that which, when you stop believing in it…” en la que el cuarteto improvisa una melodía en la que saca a relucir su lado más lírico. Pura ortodoxia free.

José Francisco Tapiz




Aki Takase Piano Quintet - Tarantella


Composiciones: “Tarantella” (Aki Takase) 14:01, “Walking batterie woman” (Carla Bley) 6:03, “Drinking Music” (Carla Bley) 5:13, “Tripot” (Maurice Horsthuis) 6:12, “Hat and beard” (Eric Dolphy) 10:53, “Let those who appear” (Aki Takase) 15:12, “Song for Che” (Charlie Haden) 7:36

Músicos: Aki Takase (piano), Aleks Kolkowski (violín), Maurice Horsthuis (viola), Tristan Honsinger (violonchelo), Nobuyoshi Ino (contrabajo)

Grabado en Deutschlandradio, Berlín, el 30 de septiembre de 1997. Editado en 2006 por Psi Recordings. Psi 06.03

Comentario: Aires a música clásica contemporánea y ciertos retazos de pianismo monkiano en Tarantella. Si hace unos años se puso de moda el término “deconstrucción”, quizás no hubiera nada más apropiado que instaurar el término “reconstrucción” para calificar la propuesta de la Takase.

En ello influye sin duda alguna la formación responsable de la grabación: un quinteto, poco frecuente en la libre improvisación o en el jazz, compuesto por piano y cuatro cuerdas: violín, viola, violonchelo y contrabajo, entre los que se encuentra el ilustre Tristan Honsinger.

Lo más llamativo, aparte de la formación, es el repertorio. Escuchando cómo son desarrolladas, ya que las composiciones son tan importantes como los arreglos, se podría pensar en piezas escritas ex profeso para el quinteto: nada más lejos de la realidad. De los siete temas incluidos, únicamente dos son obra de Takase: “Tarantella” (precioso, con un inicio en el que parece que la música fuese a salirse de su envoltorio merced a unos arreglos en los que las cuerdas van retomando una serie de motivos) y “Let those who appear”. El resto son piezas ajenas, entre las que se incluyen dos de Carla Bley (“Walking batterie woman” y “Drinking Music”), y sendos clásicos obra de Eric Dolphy (“Hat and beard”) y Charlie Haden (“Song for Che”). En la reinterpretación de estos temas, quizás los más reconocibles y con un mayor historial en forma de versiones tras de sí, residen quizás esos elementos que caracterizan a esta grabación. Sin duda alguna la reinterpretación de estos dos clásicos resulta de lo más sorprendente en su traslación al mundo de la clásica contemporánea.

Si el jazz es la música de la sorpresa, éste sería sin duda el mejor calificativo para una música que está en un punto muy interesante entre los universos del jazz, la clásica contemporánea y la libre improvisación.

José Francisco Tapiz




Schlippenbach Trio - Winterreise


Composiciones: “Winterreise 1” 46:25, “Winterreise 2” 20:26

Compuesto por Schlippenbach, Lovens, Parker

Músicos: Evan Parker (saxo tenor), Alexander von Schlippenbach (piano), Paul Lovens (batería y címbalos).

Duración: 1:06:59

Grabado en The Loft, Colonia, Alemania. “Winterreise 1”: 5 de diciembre de 2005. “Winterreise 2”: 6 de diciembre de 2004. Editado en 2006 por Psi Recordings. Psi 06.10

Comentario: Evan Parker, Alexander Von Schlippenbach y Paul Lovens son tres viejos conocidos que en el inicio del invierno cogen el coche y bien abrigados y cargados de música tanto para escuchar durante el viaje como para vender en los conciertos, realizan una gira en acústico por distintos clubs.

Winterreise ofrece un par de piezas tomadas de sus giras de 2004 y 2005 en The Loft (Colonia), de 46 y 20 minutos de duración respectivamente. En ellas el trío muestra su entendimiento y su forma de trabajar en común. Ésta está desarrollada de tal manera que incluye fases en solo, dúo y trío. Esa forma de trabajar sólo es posible gracias a un entendimiento que va más allá de lo puramente musical y que el tiempo se ha encargado de desarrollar y pulir.

En las dos improvisaciones el trabajo se inicia por parte del piano de Von Schlippenbach. El tema más interesante de los dos es “Winterreise 1”. A lo largo de su desarrollo pasa por fases de distinta intensidad, mostrando amplios espacios para que von Schlippenbach muestre tanto su lirismo como su maestría al piano, mientras que Parker y Lovens permanecen por momentos como espectadores impasibles. Sin embargo, estos roles cambian en otros momentos para que un intenso Parker se convierta durante algunos minutos en el protagonista casi exclusivo de la música. Sin embargo, uno de los momentos más intensos de todo el CD tiene lugar cuando el batería y el saxofonista (aquí al tenor) se enzarzan en un intenso dueto en la parte intermedia de la pieza, fiesta expresionista a la que no tarda en unirse von Schlippenbach para rematar ese pasaje con un magnífico trabajo en trío.

“Winterreise 2” resulta más predecible, con un inicio prolongado durante más de dos minutos en el que apenas suenan unas pocas notas (que recuerda al comienzo del directo de Paul Bley en Mondsee), que inician una improvisación que va tomando sucesivamente cuerpo y aumentando su intensidad.

Paul Lovens, Alexander von Schlippenbach y Paul Lovens: tres viejos zorros a los que resulta un placer escuchar tocar en total libertad. Un placer incrementado, por cierto, gracias a la lectura de las notas escritas por Schlippenbach.

José Francisco Tapiz




François Houle – Evan Parker – Benoit Delbecq - La lumière des pierres


Composiciones: “stone through sunlight” 18:04, “moonlight through stone” 16:44, “stone on stone” 10:55

Todos los temas por Houle, Parker, Delbecq

Músicos: François Houle (clarinetes), Evan Parker (saxo tenor), Benoit Delbecq (piano preparado)

Duración: 45:55

Grabado en la Capilla del Buen Pastor, Montreal, Canadá, el 9 de octubre de 2005.
Publicado en 2007 por Psi Recordings. Psi 07.02

Comentario: La lumière des pierres es la grabación del primer encuentro en un escenario del trío integrado por Evan Parker (saxo tenor) y el dúo compuesto por François Houle (clarinetes) y Benoit Delbecq (piano preparado). Lo que más sorprende de la grabación es la calidad melódica de las improvisaciones desarrolladas por los tres músicos. En éstas toma un papel primordial el trabajo conjunto. Aunque hay un gran espacio para los solos individuales, la sensación que queda tras la escucha es la de estar ante un trío con un largo pasado común a sus espaldas, gracias al entendimiento conjunto que son capaces de desplegar.

Quizás no sea más que la magia de la música, la magia del sitio, la magia de las composiciones instantáneas, la magia de los creadores. Si además ocurre, como en ésta ocasión, que los músicos están en sintonía, el resultado puede llegar a ser una pequeña joya, como lo es esta grabación.

José Francisco Tapiz




Furt - OMNIVN


Composiciones: “ever” 19:05, “obliged” 15:52, “yet” 17:33, “us” 25:17

Músicos: Richard Barrett (electrónica en vivo), Paul Obermayer (electrónica en vivo).

Duración: 1:17:47

“ever” y “us” grabadas en directo en el festival Sonorities en Sonic Arts Research de Belfast, Irlanda, el 25 de abril de 2006. “obliged” y “yet” grabadas en St. Oswald Church en Durham, Inglaterra, el 9 de3 marzo de 2005.
Editado en 2006 por Psi Recorgings. Psi 06.09

Comentario: OMNIVN , la nueva obra en Psi del dúo Furt (Richard Barrett y Paul Obermayer, ambos a la electrónica), parte de una idea ciertamente interesante: un sonido que se desarrolle gravitando entre las expresiones de cuatro fuentes sonoras diferentes y muy diferenciadas: grabaciones de gamelan, voces humanas modificadas en distintos idiomas, sonidos de un sintetizador analógico y la música de tres improvisadores (Evan Parker a los saxos, Barry Guy al contrabajo y Paul Lytton a la batería / percusión). Estética e, incluso, filosóficamente dicho punto de partida podría permitir la construcción de una estructura con preguntas e intentos de respuestas; que partiese para su desarrollo de ciertas hipótesis de trabajo y/o suposiciones en las que encajar un concepto artístico.

Lamentablemente el resultado se queda en un punto intermedio e indefinido entre el interés y la duración excesiva. En el haber habría que incluir el inicio del CD por medio de “ever” en la que se contrapone el sonido orgánico de los gamelan frente al sonido sintético del sintetizador y en la que se incluyen unas discretas aportaciones de los libre-improvisadores antes citados. “obliged” también resulta ciertamente interesante con un inicio a base de voces en distintos idiomas. En el debe queda la sensación de una obra excesiva en duración. Esta sensación acompaña la escucha bastante antes de la finalización de “yet”, el tema que pone punto y final a la grabación y que se extiende a lo largo de más de 25 minutos.

José Francisco Tapiz




Foxes Fox - naan tso


Composiciones: “Naan Tso” 30:58, “Slightly Foxed” 8:43, “Reinecked Gefettet” 13:56, “Renard Pâle!” 15:24
Todos los temas compuestos por Beresford / Edwards / Moholo / Parker, salvo “Slightly Foxed” por Edwards / Moholo / Parker.

Músicos: Evan Parker (saxo tenor), Steve Beresford (piano), John Edwards (contrabajo), Louis Moholo-Moholo (percusión)

Duración: 1:09:24

Grabado en Gateway Studios (Londres) el 27 de octubre de 2004.
Editado en 2005 por Psi Recordings. psi 05.07

Comentario: Grabado con motivo del retorno del batería y percusionista Louis Moholo-Moholo a Ciudad del Cabo (Sudáfrica) desde su exilio londinense, naan tso (que significa “aquí está” en el lenguaje Xhosa) recoge una sesión en estudio de un cuarteto que toma el nombre de su primera grabación Foxes Fox (Emanem 4035).

Los cuatro temas incluidos en el compacto son improvisaciones por parte de los integrantes de un cuarteto de lujo: Evan Parker, Steve Beresford, John Edwards y Louis Moholo-Moholo. A lo largo de la grabación habría que destacar además de la complicidad entre los músicos, el sentido melódico de la propuesta, presente en más de un momento. Esto se logra especialmente gracias a las cascadas de notas de Beresford y al saxo tenor de Parker.

El grueso del CD se lo lleva la más de media hora de “Naan Tso”, que es todo un ejemplo de cómo construir una propuesta libre-improvisada. “Renard Pâle!” comienza como un tema peleón por parte del cuarteto, que Beresford redirige con maestría. Tras la entrada del pianista en el juego de sus compañeros en forma de solo y lanzando bloques de notas, se auto-responde abriendo en su música unos grandes espacios que sirven para calmar el tono del tema, recomponerlo y redireccionarlo con total naturalidad. No obstante, los gustos personales mandan, mi favorito es “Reinecked Gefettet”. A lo largo de sus catorce minutos el cuarteto opta por acentuar el carácter más lírico de su propuesta, con un tono calmado y melancólico. Un hasta luego que no podría haber sido dicho de mejor manera.

José Francisco Tapiz




Stefano Bollani - I’m In The Mood For Love


Composiciones: “Makin’ Whoopee” (W Donaldson), “Cheek to Cheek” ( I Berlin), “I’m in the Mood for Love” (J McHugh), “Puttin’ on the Ritz” (I Berlin), “How Long has this been going on?” (G Gershwin), “Margie” (C Conrad, B Davis & JR Robinson), “Moonlight Serenade” ( G Miller), “It’s only a Paper Moon” ( H Arlen), “A Kiss to build a Dream On” ( O Hammerstein, B Kalmar & H Ruby ), “Honeysuckle Rose” (F Waller), “But not for me” (G Gershwin)

Músicos: Stefano Bollani (piano), Ares Tavolazzi (contrabajo), Walter Paoli (batería).

Grabado en Roma el 3 y 4 de agosto de 2006
Venus, TKVC 35396. Publicado por Egea Records. Distribuido por Karonte

Comentario: La belleza atrae la belleza, aunque las reglas de la atracción sean muchas veces indescifrables. En nada tienen que ver el sobrio estuchado en negro riguroso de Egea con las postales nostálgicas y sicalípticas en sepia y blanco y negro de Venus. En nada, el registro en directo o en abrigadas iglesias y pequeños auditorios y teatros italianos de Egea, con el trabajo de estudio en, atención, Hyper Magnum Sound del sello japonés. Tampoco el mediterranismo militante de la casa italiana con la concentración en el repertorio de estándares que caracteriza a Venus, un nombre que, como Egea, denota toda una vocación. La belleza atrae a la belleza y Egea ha comenzado a distribuir el catálogo de Venus en Europa, antes sólo accesible como dolosas importaciones.

Stefano Bollani no es nuevo en el sello japonés. A este I’m In The Mood For Love le preceden cuatro álbunes, entre ello uno dedicado a Jobim, otro de repertorio italiano, y sobre todo uno de los discos más divertidos y contagiosos del pianista, Black and Tan Fantasy, parcialmente consagrado a los temas ducales. La fantasía es uno de los atributos más valiosos de Bollani en su irresistible impulso a introducir ángulos infrecuentes en temas conocidos y a replantearlos en otros esquemas rítmicos. A esa fantasía le da rienda suelta en sus trabajos para Label Bleu, mientras su reciente Solo para ECM atiende a una seriedad muy acorde con el sello germano. En concordancia con los ideales estéticos de Venus no hay aquí ni lo uno ni lo otro sino un entregarse al gozo del juego de su trío en temas como “Moonlight Serenade”, “It’s only a Paper Moon” o “A Kiss to Build a Dream on”. No es el Bollani superocurrente, de humor absurdo y que invita al juego el que domina aquí sino el pianista de elegantes líneas claras y sofisticada enunciación, aunque cuando brota el chispeante fantaseador, lo hace de veras, como en “Honeysuckle Rose”, en el que el trío se explaya, estupendos Ares Tavolazzi y un firme Walter Paoli.

I’m in the Mood for Love se mueve entre una juguetona travesura y la dulzura, y entre esos márgenes hay interpretaciones a las que se vuelve por la complicidad del trío, como una suelta pero burbujeante “Makin’ Whoopee”, un “Cheek to Cheek” recaracterizado en un rumiativo medio tiempo muy jarrettiano, “Margie” revestida de marcha, y las citadas “It’s only a Paper Moon” y “Honeysuckle Rose”, los dos cortes más sustanciosos del álbum. Bollani cierra este álbum de repostería fina con un “But not for Me” en solo que, como corresponde a un producción de Venus, saltan ecos de Teddy Wilson, Earl Hines y Errol Garner. Disfrutón.

Ángel Gómez Aparicio




Die Enttäuschung - Die Enttäuschung


Composiciones: 1. “Drei-null” (Mahall); 2. “Arnie & Randy” (Mahall); 3. “Vorwärts-rückwärts” (Dörner); 4. “Drive it down on the piano” (Jennessen); 5. “Resterampe” (Mahall); 6. “Klammer” (Mahall); 7. “Vorwärts-rückwärts” (Dörner); 8. “Oben mit” (Mahall); 9. “Viaduct” (Dörner); 10. “Very Goode” (Jennessen); 11. “Wer kommt mehr von ALG” (Mahall); 12. “Silke” (Roder); 13. “Selbskritik Nr. 4” (Mahall); 14. “Silverstone Sparkle Goldfinger” (Jennessen); 15. “Foreground behind” (Dörner); 16. “4/45” (Dörner); 17. “Mademoiselle Vauteck” (Jennessen).

Músicos: Rudi Mahall (clarinete bajo), Axel Dörner (trompeta), Jan Roder (contrabajo), Uli Jennessen (batería).

Grabado en Berlín en 2006.
Intakt CD 125/2007

Comentario: Die Enttäuschung es un grupo berlinés de aliento monkiano-ornettiano que ha hecho de la travesura un arte. Parecen capitaneados por Rudi Mahall, aunque es probable que este “barco de locos” navegue sin capitán y, si no desde luego a la deriva, sí con el rumbo cambiante y clandestino de una embarcación pirata. En todo caso, el clarinete bajo de Mahall hace las veces de proa. Los hemos visto tocando en nuestro país claramente liderados por el gran Alexander von Schlippenbach, interpretando esa magnífica integral de Thelonious que han llamado Monk's Casino que fue, como este disco que ahora reseñamos, impecablemente editado por el sello Intakt. Qué gran estampa ofrecían: Schlippenbach, como un viejo marino sabio y desencantado, y a un lado la tripulación joven y canalla...

La cubierta de esta nueva entrega de Intakt no podía ser más atinada: el collage de Katja Mahall, muy en la estela del Richard Hamilton de Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?, concuerda a las mil maravillas con el contenido musical, consistente en casi una veintena de piezas de corta duración (sólo “Very Goode” sobrepasa los 5 minutos), composiciones propias, de melodías quebradas y fragmentarios fraseos, con una hábil administración de belleza y humor. Este último rasgo, el humor, indisociable de la manera de tocar del cuarteto, me parece un auténtico acierto, un hallazgo, más aún cuando el humor parece haber sido desterrado del panorama jazzístico, donde es tenido por superfluo y es desdeñado, acaso desde que, en los años 60, empezara a considerarse un vestigio de los tiempos en que nuestra música no quedaba lejos del vodevil y del circo, y el músico negro hacía las veces de payaso. Lo cierto es que, a pesar de dicha “interrupción”, el humor recorre la historia toda del jazz, desde Fats Waller y Satchmo hasta Dizzy o Sonny Rollins; que el jazz –diríamos parafraseando el título de un disco de Horace Silver– tiene sentido del humor. Y si bien se diría que fue Frank Zappa quien, desde los márgenes del jazz, recogió ese testigo de la venerable tradición humorística jazzística, a la que hizo magníficas contribuciones desde finales de los 60 en adelante, parece que casos como el de Die Enttäuschung o Steven Bernstein y sus Sex Mob, entre otros, permiten hablar de nuevos tiempos para el jazz sonriente.

Roder y Jennessen aportan una más que suficiente, estimulante variedad rítmica, que se sitúa en un segundo plano, Mahall y Dörner en primera línea, jugando con el swing en caída libre de un modo que hace fácil la comparación con el binomio Ornette/Don Cherry. Sus composiciones contienen pasajes de gran belleza melódica, bien combinadas con su característica ironía. Por suerte –para uno, al menos, que tiene la sensibilidad algo delicada–, Dörner no hace excesivo alarde de sus avances en la exploración de texturas con la trompeta.

En definitiva, Die Enttäuschung no hace honor a su nombre, que en alemán quiere decir “decepción” o “desengaño”. Su nueva propuesta se nos antoja una de las más risueñas y refrescantes del 2007.

Alberto Marina Castillo




Aki Takase & Silke Eberhard - Ornette Coleman Anthology


Composiciones: CD 1: 1. “Turnaround”; 2. “Lonely Woman”; 3. “Free”; 4. “The Blessing”; 5. “Folk Tale”; 6. “Open to the Public–Check Out Time”; 7. “Cross Breeding”; 8. “The Sphinx”; 9. “Dedicated to OC–Doughnut”; 10. “Revolving Door”; 11. “Mr. and Mrs. People”; 12. “Angel Voice”; 13. “Motive for Its Use”; 14. “The Disguise”; 15. “Change of the Century”; 16. “Focus on Sanity”
CD 2: 1. “Congeniality”; 2. “Airborne”; 3. “Broadway Blues”; 4. “Beauty Is a Rare Thing”; 5. “Face of the Bass”; 6. “Peace”; 7. “Little Symphony”; 8. “Eventually”; 9. “Humpty Dumpty”; 10. “Eos”; 11. “W.R.U.”; 12. “Check Up–Enfant”; 13. “I Heard It over the Radio”; 14. “Rount Trip”; 15. “Music Always”; 16. “Love Call”; 17. “Una muy bonita”

Músicos: Silke Eberhard (saxo alto, clarinete, clarinete bajo), Aki Takase (piano).

Intakt Records (Intakt CD 129).

Comentario: Aki Takase y Silke Eberhard nos ofrecen, gracias a la hospitalidad discográfica de Intakt Records, esta espléndida “antología” celebratoria del primer Ornette, una suerte de Variaciones Coleman. Aproximaciones a la obra primera, composiciones que datan de esa primera década (1958-1968) en que se dio a conocer el genio felino, pausado y salvaje, del siempre controvertido formulador de la harmolodía. Aproximaciones a esa obra desesperadamente hermosa, desde diferentes ángulos, como si Eberhard y Takase quisieran acorralar a la fiera, que desde los primeros compases del primer corte, “Turnaround”, comienza a ronrronear y cae rendida ya en “Lonely Woman” a los pies de ellas. Ellas: la extraordinaria pianista Aki Takase y ese descubrimieno –nuestro, al menos, seguro que muchos de ustedes ya la conocían– llamado Silke Eberhard, al saxo alto, clarinete y clarinete bajo.

Como hace notar Bert Noglik en el texto introductorio, no deja de ser llamativo y estimulante el acercamiento a las composiciones de aquel Ornette del “Original Quartet”, compuesto por el saxo alto, su inseparable trompetista Don Cherry, el contrabajista Charlie Haden y Billy Higgins a la batería. Esto es, un cuarteto SIN PIANO. Aki Takase se enfrenta valientemente a ese repertorio, con arreglos atrevidos y atractivísimos, de una variedad estilística que añade sorpresa a la ya de por sí impredecible música de Coleman. La elección de los temas, su disposición y los diversos acercamientos a aquellas melodías “liberadas” del tejano nos parecen de una extraordinaria sensibilidad y revelan un profundo conocimiento de su obra. Todos los temas son de Coleman y arreglados por Takase, que firma únicamente una composición, “Dedicated to OC-Doughnut”, curiosamente en piano solo. Baste a dar idea de la multitud de enfoques que presenta el doble cedé, a modo de ejemplo, la secuencia inicial: desde ese monkiano “Turnaround” pasamos a una estremecedora versión de “Lonely Woman” (Eberhard al clarinete, su fraseo tan sólo sombreado aquí y allá por los graves de Takase y las cuerdas golpeadas), de ahí a la contrastante crispación de “Free” y la fluidez de “The Blessing”... “Cuando interpreto sus composiciones”, dice Takase, “pretendo desenvolverme en un espacio intermedio entre tonalidad y atonalidad”. Se dice en el libreto que Takase no ha escuchado a Coleman en sus grabaciones acompañado por pianistas (Geri Allen, Joachim Kühn...), lo cual se tiene por positivo, por cuanto la pianista puede, de algún modo, “partir de cero”, inocentemente.

Este doble cedé no es meramente una antología, sino también –como señala Noglik– una “enciclopedia de acercamientos a las melodías de Coleman. Toda suerte de arreglos e improvisaciones imaginables son aquí explorados –en lo que se refiere a melodía, harmonía, ritmo y sonido”. De modo análogo al Monk's Casino de Schlippenbach (la integral de Monk publicada también en Intakt), esta Ornette Coleman Anthology supone un proyecto in progress, que ha ido fraguándose en múltiples conciertos y al que se van añadiendo otros temas ornettianos, además de las treinta y pico piezas incluidas en el presente cedé. Takase desempeña, además, un papel parecido al del Schlippenbach investigador y arreglista, éste en el caso del legado de Monk y aquélla en el caso de Coleman. Takase ya había realizado varias grabaciones-homenaje: recuérdense, entre otras, las dedicadas a Fats Waller o ese disco a dúo con Rudi Mahall en que rendían tributo a Eric Dolphy.

Con “Una Muy Bonita” –como conjurando ese prejuicio posmoderno que nos hace a veces rehuir la belleza, esa cosa tan rara y no necesariamente medioburguesa– se cierra este caleidoscópico homenaje, con mucho una de nuestras novedades favoritas.

Alberto Marina Castillo




Jackie McLean - Complete 1955-1957 Quartet Quintet Sextet Sessions


Composiciones: CD 1: 1. “It's You Or No One”; 2. “Blue Doll / Mood Melody”; 3. “The Way You Look Tonight”; 4. “Little Melonae”; 5. “Lover Man”; 6. “A Foggy Day”; 7. “Kerplunk”; 8. “Up”; 9. “Lorraine”; 10. “Lights Out”
CD 2: 1. “Inding”; 2. “Sentimental Journey”; 3. “Why Was I Born?”; 4. “Contour”; 5. “When I Fall In Love”; 6. “Abstraction”; 7. “Sweet Doll”; 8. “Just For Marty”; 9. “Dee's Dilemma”; 10. “It Could Happen To You”
CD 3: 1. “Su-blues”; 2. “Steeplechase”; 3. “Gone with the Wind”; 4. “McLean's Scene”; 5. “Mean To Me”; 6. “Flickers”; 7. “Help”; 8. “Beau Jack”; 9. “Mirage”
CD 4: 1. “Minor Dream”; 2. “Hear A Rhapsody”; 3. “Embraceable You”; 4. “I Never Knew”; 5. “These Foolish Things”; 6. “Our Love Is Here To Stay”; 7. “I Cover the Waterfront”; 8. “What's New”; 9. “Old Folks”; 10. “Bean and the Boys”; 11. “Strange Blues”; 12. “Outburst”
CD5: 1. “Bird Feathers”; 2. “Easy Living”; 3. “Windy City”; 4. “Pondering”; 5. “The Lady Is A Tramp”; 6. “Alto Madness”; 7. “Disciples Love Affair”; 8. “Millie's Pad”; 9. “Not So Strange Blues”
CD6: 1. “Jackie's Ghost”; 2. “What's New?”; 3. “Chasin' the Bird”; 4. “A Long Drink of the Blues”; 5. “Filide”; 6. “Millie's Pad”; 7. “Two Sons”; 8. “What Good Am I Without You?”; 9. “Tune Up”

Músicos: Donald Byrd, Bill Hardman, Webster Young (trompeta); Ray Drapper (tuba); Curtis Fuller (trombón); Jackie McLean (saxo alto y tenor sólo en temas 4-5 del disco 6), John Jenkins (saxo alto); Hank Mobley (saxo tenor); Mal Waldron, Elmo Hope, Wade Legge, John Meyers, Gil Coggins (piano); Doug Watkins, Paul Chambers, Arthur Phipps, Bill Salter, George Tucker (contrabajo); Roland Tucker, Art Taylor, Philly Joe Jones, Larry Ritchie, Louis Hayes (batería).

Temas grabados entre octubre de 1955 y diciembre de 1957, en el estudio de Rudy Van Gelder, Hackensack, New Jersey, y en Nueva York (temas 6-10 del disco 6).
Jazz Connections, Absolute Distribution. JC 1001

Comentario: Destacar una serie de grabaciones en virtud de la evolución estilística detectada en ellas puede parecer, en el caso de los músicos de jazz y a simple vista, un argumento digno de Perogrullo. Pocos géneros artísticos aparecen tan sujetos a la personalidad del creador y su devenir biográfico, tan proclives por ello a la mudanza, de esencia tan escurridiza como el jazz y de tan universal impulso como él, al tiempo que de raigambre tan marcadamente local o urbana (cada “gran” estilo arraigado en una gran ciudad o metrópolis jazzística, Nueva Orleans como punto de partida casi indiscutido). Permítasenos, con todo, celebrar la aparición de estos seis cedés de Jackie McLean, entre otras muchas razones y cualidades –que no va uno a descubrirle a nadie a estas alturas–, por eso mismo: por el interés que suscita ese período crucial en que este vástago musical de Charlie Parker se abría camino hacia el propio estilo. Otros músicos hubo, muchos saxos altos que arrastraron el sambenito de pasar por meros “émulos” de Charlie Parker (Sonny Stitt, Phil Woods, etc.), pero si algo ha demostrado el tiempo es que Bird no podría haber contado con mejores valedores de su legado, auténticos continuadores, sí, pero en el mejor sentido posible: perseveraron en el camino abierto por Bird para seguir sendas propias a lo largo de las cuales se desarrollaba y decantaba el estilo propio de estos músicos, de modo que la tradición parkeriana se veía asimismo enriquecida. Jackie McLean (1931-2006) fue uno de los mejores “continuadores”. El trombonista Grachan Moncur acertaría al respecto, refiriéndose a la primera grabación de McLean con Miles Davis: “El sonido de Jackie McLean engrandecía lo que Bird estaba haciendo, era algo así como Bird en tres dimensiones”.

La bibliografía jazzística al uso suele despachar a nuestro músico en un par de líneas que vuelven sobre lo mismo, sobre su indiscutible ascendiente parkeriano. Para el lugar común, quizá fuera mejor no decir nada. Pues no caben en dos líneas el día en que su madre –Alpha Omega su enigmático nombre– le regala al pequeño un saxo alto; la fascinación primera por Lester Young; el paso por las universidades –como él solía referirse al magisterio de aquellos genios– de Bud Powell, de Bird, de Miles Davis, Charles Mingus y Art Blakey; la lucha contra sí mismo y su drogodependencia y su definitivo triunfo contra las servidumbres que a tantos músicos de su generación impuso la heroína; el lamento del blues que pocos como él supieron trasladar al saxo alto; y, sobre todo, el logro indiscutible de un sonido propio, de una voz que, parafraseando a Unamuno, expresaba el “sentimiento trágico del jazz”.

Esta caja es el primer lanzamiento de la colección Jazz Connections (Absolute Distribution), de la que ya hay disponible casi una decena de sugerentes títulos dedicados a Count Basie (las “Dance Sessions” y grabaciones en combos de los años 50), Tommy Potter, Jackie McLean con Miles Davis, Peanuts Hucko y, últimamente, Barbara Carroll. La presente edición de estas grabaciones completas de los primeros cuartetos, quintetos y sextetos que liderara McLean, entre los años 1955-1957, se nos ofrece como “Memorial Edition”, pues apareció un año después de la desaparición del saxofonista, el 31 de marzo de 2006. Recoge alrededor de 8 horas de McLean en estado puro en los siguientes álbumes: The New Tradition, Lights Out, 4, 5 and 6, Jackie's Pal, McLean's Scene, Jackie McLean & Co., Bird Feathers (antología de la que se escoge el tema homónimo, en el que interviene nuestro saxofonista), Alto Madness, Strange Blues, Makin' The Changes, A Long Drink of The Blues y Fat Jazz, la mayoría de ellos editados originalmente por Prestige.

McLean era, por aquel entonces, uno de los músicos que orbitaban alrededor de Mingus en sus célebres workshops. En el 56 graba con el grupo de aquél Pithecanthropus Erectus, todo un hito jazzístico. Parece que fue Mingus quien lo animó a buscar su propio sonido al margen de la influencia de Bird. Y es curioso comprobar cómo el sonido de McLean posee algo de esa fiereza mingusiana aderezada con una rara habilidad para la disonancia, que parece sugerir una cierta deriva atonal y que habría de entroncar años más tarde con el jazz “liberado” de su admirado Ornette Coleman... Sea como fuere, encontramos en estas grabaciones al mejor McLean, en plenitud de facultades y acompañado por músicos de excepción: Donald Byrd, Doug Watkins o Bill Hardman, todos los cuales pasarían, como él mismo, por los Jazz Messengers; el excelente Mal Waldron, que aporta un puñado de estupendas composiciones; el alto parkeriano John Jenkins, con quien se enzarza en sabrosos diálogos; Ray Drapper, en una curiosa formación con tuba, etc. Un período de su carrera verdaderamente atractivo, justo antes de que diera el paso a Blue Note como consumado hard-bopper.

El libreto reproduce, en la contraportada, una magnífica instantánea: Jackie McLean, al parecer ajeno a nuestra mirada –la mirada del fotógrafo– y tocado con un sombrero –lo que nos hace pensar que abandona su casa o el estudio de grabación acaso y se dirige a la calle–, desciende una escalera y a punto está de desaparecer de nuestra vista, en el ángulo inferior derecho de la fotografía... Comenzó así a rodar esta espléndida colección, Jazz Connections, despidiendo del mejor modo posible el talento sin par de Jackie McLean.

Alberto Marina Castillo




Marc Ribot - Exercises In Futility


Músicos: Marc Ribot (guitarra)

Grabado en Nueva York entre septiembre y noviembre de 2007
Tzadik, 2007

Comentario: El mes pasado, en esta misma web, un servidor ensalzaba como uno de los mejores discos en música improvisada a guitarra solo de los últimos tiempos, al Cançons Per A Un Lent Retard, del guitarrista Ferran Fages. Bueno, pues parece que estamos de enhorabuena: si Cançons… era, indudablemente, una joya tocada exclusivamente con guitarra acústica, Exercises In Futility también lo es, aunque hay que dejar claro que son discos muy diferentes. Donde Fages cultivaba sensaciones, Ribot se lanza a la caza de las ideas infinitas resultantes de la mezcla de creatividad e intelectualidad.

Éste tampoco es el primer disco que Marc Ribot ha grabado en guitarra solo, pero probablemente sea el mejor. A lo largo de los catorce “etudes” que conforman la mayor parte de estos ejercicios, Ribot produce melodías, acordes y sonidos que hipnotizan al oyente. Una vez sumergidos en la música del guitarrista, resulta imposible parar. Ese trance consigue una prórroga en la pista 15, “The Joy Of Repetition”, que sólo se diferencia de las demás por su duración y denominación. Pero Exercises In Futility es una obra redonda, que trata del guitarrista y su inventiva para doblegar a su guitarra de cuerdas de nylon y sacar de ella todos los sonidos posibles, sea tocándola, culebreando entre sus cuerdas e incluso frotándola con fuerza (como se aprecia en la pieza descriptivamente llamada “Wank”).

Parece que este es el primero de una serie de discos de Ribot en solo que Tzadik pretende editar dentro de su Composer Series. En ese caso, puede que lo mejor este por llegar pero, tal y como están las cosas, este disco es difícil de superar.

Yahvé M. de la Cavada




Pat Metheny - Day Trip


Músicos: Pat Metheny (guitarra eléctrica y acústica); Christian McBride (contrabajo); Antonio Sánchez (batería)

Grabado en Nueva York el 19 de octubre de 2005
Nonesuch

Comentario: Hay veces que no entiendo a Pat Metheny. Después de la gran farsa de su proyecto con Brad Mehldau (uno de los más vergonzosos productos de marketing que ha visto el jazz en mucho tiempo), el guitarrista saca Day Trip, un disco a trío grabado poco antes. Y una vez más, como en tantos proyectos (incluidos ambos Metheny-Mehldau), lo que podía haber sido un gran disco se queda en correcto.

Metheny parece tener una obsesión por llenar; llenar los discos, los temas, los solos… en todo debe haber mucho de todo, y eso no siempre funciona. Esa tendencia al exceso juega contra el guitarrista, que tiene fama de sobreproducir sus discos, en un alarde de perfeccionismo incontrolado.

Day Trip tiene temas fantásticos, pero en el conjunto del disco quedan diluidos, habiendo momentos verdaderamente aburridos en él. Indudablemente, Christian McBride y Antonio Sánchez son dos acompañantes excepcionales cuyas aportaciones armónicas y rítmicas (además de algún que otro solo estupendo) surgen habitualmente para deleite del oyente. Pero cada cierto tiempo la atención se escapa, huyendo de solos monótonos y vacíos, por muchas notas que tengan.

A partir del tema “Is This America? (Katrina 2005)”, el nivel del disco sube con temas como éste mismo (con un sofisticado Metheny a la acústica de cuerdas de nylon), “When We Were Free”, “The Red One” o “Day Trip”. Junto a “Calvin’s Keys” y “Son of Thirteen” habrían compuesto un repertorio excelente que hubiese dejado a Day Trip en mejor lugar. Qué gran disco de cuarenta minutos se ha perdido.

Yahvé M. de la Cavada




Yaron Herman - A Time For Everything


Músicos: Yaron Herman (piano), Matt Brewer (contrabajo), Gerald Cleaver (batería), Jean Pierre Taieb (pregrabación y diseño de sonido)

Laborie

Comentario: Hay una serie de constantes entre los pianistas jóvenes que poco a poco se vuelven irritantes. Las versiones de Radiohead o Bjork, la utilización de pregrabados y algunos efectismos propios de los herederos de los pianistas de moda pueden acabar devaluando un disco innecesariamente. Pero cuando es tan redondo y esta tan lleno de música magnifica como A Time For Everything, cualquier crítica se desvanece.

Este pianista israelí afincado en Francia (donde está tremendamente considerado), ya tenía dos grabaciones a su nombre, entre las que destaca el disco Variations (naive, 2006) a piano solo. Pero A Time For Everything descubre a un pianista que se vuelve explosivo en el contexto del trío, rezumando elocuencia en cada frase, tocando por igual temas propios y ajenos con un solo lenguaje, rico y fascinante. Con la ayuda de Matt Brewer y Gerald Cleaver (nada menos), Herman se expresa con la misma libertad sobre piezas de Scriabin o de Sting, desembarazándose de todo manierismo. Sus improvisaciones suenan genuinas y originales, y a lo largo de todo el disco, la música no desfallece en ningún momento.

Próximamente, Herman dará unos cuantos conciertos en nuestro país. Sirvan estas líneas para reivindicarle y animar a todos los aficionados a descubrir a un pianista que dará mucho que hablar en el futuro.

Yahvé M. de la Cavada




Alan Plachta Quinteto - Lúdico


Composiciones: “Guillotina”, “Amanece”, “Cuando las maquinas”, ”Encuentro”, “Cuando la oscuridad”, “Despedida”, “Musserías”, “No hay cuadro chico”, “Laberinto”, “Él, solito”

Todos los temas compuestos por Alan Platcha

Músicos: Gustavo Musso (saxo alto y soprano), Damián Fogiel (saxo tenor y soprano), Alan Plachta (guitarra y dirección musical), Carlos Alvarez (contrabajo), Alejandro López (batería).

Grabado en 2007 en estudios Mandarina Música (Buenos Aires, Argentina)
Editado por PAI Records PAI 3112
El cd incluye una pista interactiva para ordenador.

Comentario: De la mano del compositor, arreglador y guitarrista argentino Alan Pachta nos llega Lúdico. Uno de los excelentes discos editados por el sello Pai Records. Comenzando por el atractivo diseño de arte realizado por acuarelas del pintor Vladimir Merchensky, nos adentramos en un disco que nos lleva por un intrincado mundo de armonías y juegos melódicos entre los saxos y la guitarra principalmente.

La música del Alan Pachta Quinteto se mueve, respira, disfruta y nos obliga a seguirla. Por momentos es compleja y oscura. Por momentos es libre y llena de vida. Una guitarra con un estilo bien definido, sonidos nítidos, notas justas y solos virtuosos. Dos saxos que aportan improvisaciones muy oportunas a las partituras escritas por Plachta.

“Guillotina”, como su nombre nos advierte, comienza cortando de lleno el aire que nos rodea con frases guitarrísticas, una batería con mucho swing y los saxos en su plenitud. Arreglos bien definidos, bases sólidas y composiciones bien argumentadas. Imágenes, máquinas, paisajes, cuadros y sobre el final una conversación a solas con la guitarra. Un hermoso viaje musical que culmina de la mejor manera.

Alan Patcha tocó como sesionista con Celeste Carballo, Pipi Piazzolla (nieto de Astor y fundador del grupo Escalandrum) y su composición titulada “Tres años”, que forma parte de su cd De todas las tardes integra la compilación de jazz argentino Open Dreams editada en 2005 por el sello inglés SLAM Productions.

Más información en http://www.myspace.com/alanplachtamusica

Christian Inostrosa




Javier Malosetti - Onyx


Composiciones: “Kervokian”, “Full glasses”, “Noviembre”, “Little Ed”, “C.C. Waltz”, “Jack & Mint”, “Fine pals”, “Rough biker”, “Banana boat”, “Happy tour”, “Triceratops”, “Onyx”

Músicos: Andrés Beeuwsaert (piano), Pepi Taveira (batería), Walter Malosetti (guitarra), Bolsa González (batería), Rafa Arcaure y Claudio Cardone (sintetizadores), Richard Nant (trompeta), Pablo Puntoreiro (saxo tenor), Juane Scalona (trombón), Pappo (guitarra eléctrica en “Triceratops”), Javier Malosetti (bajo eléctrico, contrabajo, guitarra y batería)

Editado en Agosto de 2004. EPSA Music Argentina (COD. 607000501)

Comentario: Dicen que lo bueno pasa de padre a hijo, y en este caso no es la excepción. Javier Malosetti, hijo del excelente guitarrista de jazz Walter Malosetti heredó de su padre toda la musicalidad y la extendió no sólo al bajo eléctrico (su instrumento principal) sino a la originalidad de sus composiciones y a la variedad de instrumentos que toca en sus discos. Dueño de un sonido propio, este versátil bajista formó parte de la banda de Luis Alberto Spinetta, con quien grabó los discos Don Lucero, Exactas y Pelusón of Milk, y tocó con Dino Saluzzi, Lito Vitale, Jaime Ross y Baby López Furst, entre otros.

Onyx es su quinto disco, en el que no sólo demuestra su virtuosismo al ejecutar el bajo sino su capacidad de lograr complejas y solemnes composiciones, además de grabar algunas guitarras, baterías y voces en distintos temas.

El disco comienza con “Kervokian” y un Malosetti disparando toda su artillería en un solo de bajo veloz y preciso. “Full Glasses” parte de una base de acordes en el bajo para derivar en el sonido bien al estilo del bajista con una fuerte base de batería y el apoyo de los teclados, pasando de la fusión rockera a un swing tradicional con un bajo caminante.

El funk, la fusión, el bajo con efectos y el groove resaltan en el tema que bien podría ser el corte del disco: “Banana Boat”, tema a escuchar de este album para el que quiera adentrarse en el mundo de Javier Malosetti.

Disco variado y contundente, donde pasamos de la calma de guitarras acústicas al ritmo de batería, bajo y teclados en power trio.

Más información en: http://www.myspace.com/javiermalosetti

Christian Inostrosa




Sumrra - 2


Composiciones: “Burla negra” (Xacobe Martinez) 8:40, “Vida sen Pipa” (Xacobe Martínez) 10:00, “Mala Memoria”, (Manuel Gutiérrez) 6:17, “Minoria Absoluta”• (Xacobe Martínez) 9:08, “Red Roof Ridge” (Manuel Gutiérrez) 8:20, “Estación Norte” (Xacobe Martínez) 7:56, “Litel” (Xacobe Martínez) 11:50

Músicos: Manuel Gutiérrez (piano), Xacobe Martínez (contrabajo) y L.a.r. Legido (batería)

Grabado en mayo de 2005 en el conservatorio de Música de Lugo.
Errabal records.

Comentario: Sumrra es un trío de profundas convicciones, de sonido empastado, pleno de fuerza y dramatismo al que no le faltan ni la dosis justa de técnica, ni lirismo ni swing.
El trío es compacto, sin grietas, e individualmente tiene una solvencia total sobre su música de acusada personalidad. Pocos en España pueden equipararse en calidad creativa, a excepción hecha del Abe Rábade Trío, aunque están más inclinados al clasicismo del be-bop.
Y es que este trío nada en aguas del jazz moderno, tal es así que han sido comparados con el mismísimo Esbjörn Svensson Trío.
Sorprende gratamente el protagonismo del pianista Manolo Gutiérrez como un firme valor de este instrumento por su madurez, entrega, pulcritud, técnica y sentimiento, combinando momentos endiabladamente rápidos –en los que percute el teclado– con otros más apacibles. Recuerda a McCoy Tyner en la composición propia “Mala Memoria”, y se muestra igualmente turbador en “Minoria Absoluta”, en la que vuelven a converger la velocidad con el reposo. En “Red Roof Ridge” vuelve a demostrar velocidad y contundencia, haciendo saltar las teclas como si fueran golpeadas por un látigo.
Muchas son las líneas dedicadas a Manolo Gutiérrez, pero no por ello tiene menos importancia Xacobe Martínez, que pone cordura y ritmo desde una perspectiva más oscura pero no menos valiosa, al margen de ser el autor de la mayoría de los temas.
Completa el grupo L.a.r. Legido. Un batería versátil, ágil y moderno, capaz de controlar perfectamente los tiempos.
Para terminar esta breve reseña, significar que los merecimientos de este trío son mayores que los beneficios obtenidos en cuanto a reconocimiento, deseando que alguien tome nota y saque del anonimato a un grupo que debería ocupar otro lugar.

Enrique Farelo




Tord Gustavsen Trio - The Ground


Composiciones: “Tears Transforming”, “Being There”, “Twins”, “Curtains Aside”, “Colours of Mercy”, “Sentiment”, “Kneeling Down”, “Reach Out and Touch It”, “Edges of Happiness”, “Interlude”, “Token of Tango”, “The Ground”.

Todas las composiciones por Tord Gustavsen

Músicos: Tord Gustavsen (piano), Harald Jhonsen (contrabajo), Jarle Vespestad (batería)

Grabado en enero de 2004. Publicado en 2005 por ECM Records. http://www.ecmrecords.com

Comentario: Desde los primeros compases de “Tears Transforming”, tema que abre el álbum, la música se define por sí misma. Se muestra descriptiva, sugerente e impregnada por un sentimiento poético profundo, cuya musicalidad, melodía y armonía de gran belleza ennoblece las almas más duras y enriquece a las más sensibles.

Sí. The Ground es un libro de poesía, es un caminar por un otoñal paseo arbolado, es una mirada perdida en un estanque en una tarde gris y lluviosa, una fotografía en blanco y negro, es nostalgia y evocación bucólica, es la banda sonora imaginaría de una película europea.

The Ground suena a empaste suave y tranquilo donde todo está cuidado al más mínimo detalle. Es un bello “encaje de bolillos”. Dejes donde dejes caer el láser rezuma polvo de plata fina, es una oda intimista, es una obra perfecta.

Tord Gustavsen lidera este trío con la técnica de Keith Jarrett, la sensibilidad de Bill Evans y la modernidad de Esbjörn Svensson.

Tord Gustavsen acaricia con dulzura las teclas de ébano y nácar, Harald Johnsen pone lirismo, mientras los platillos de Jarle Vespestad nos encandilan con sutilidad y buen gusto.

The Ground se escucha con atención y deleite, de una sola vez. No es una obra en la que exista desperdicio; todo se aprovecha, no hay tema mayor ni menor, todos guardan una alta calidad creativa, sin altibajos, rayando a gran altura.

Delicatessen.

Enrique Farelo




Marc Copland - Voices, New York Trio recordings Vol 2


Composiciones: “Vignette”, “Albert”, “River’s Run”, “Voices”, “Runner”, “That’s It?”, “All Blues”, “At Night”

Músicos: Marc Copland (piano), Gary Peacock (contrabajo), Paul Motian (batería)

Grabado el 13 y el 14 de junio de 2006 en Nueva York.
Pirouet Records, 2007

Comentario: Tras el excelente Modinha, el pianista de Filadelfia presenta con este Voices la segunda entrega de su trilogía neoyorkina. Sus compañeros de viaje son en esta ocasión dos maestros indiscutibles en el arte de conversar a tres bandas. Gary Peacock y Paul Motian se ajustan como un guante a las armonías abiertas de Copland, a su serena pero inquieta introspección, a esas líneas que impregnan el aire de preguntas sin respuesta. Con la participación de estas dos figuras, la música del pianista se tensa vigorosamente sin perder en absoluto su natural tersura.

Entre los tres se crea una curiosa relación musical en la que cada uno de ellos mantiene su personalidad sin que el diálogo se resienta. Así, Copland da buena muestra de ese pianismo velado tan personal, suave y etéreo en la forma, intenso y aventurado en el fondo. Motian, entretanto, descompone los ritmos a base de los delicados revoloteos percusivos marca de la casa, e incluso cuando fija ritmos más o menos convencionales (como en “Albert”) los sitúa de tal modo que consigue un raro extrañamiento. El resultado es una sensación curiosamente similar a la producida por el piano de Copland: un flujo constante de pompas de jabón que en seguida estallan discretamente en nuestro interior, dejándonos a nosotros intrigados y a nuestros sentidos simultáneamente mecidos y espoleados. Tanto Copland como Motian parecen empeñados en todo momento en liberar a la música de sus ataduras rítmicas y armónicas, en desconectar los diferentes elementos que la empastan, para descubrir que aún sin esas ataduras la música permanece unida, vibrante. Peacock, por su parte, aporta un poderoso, firme sustrato propulsivo que vertebra de algún modo el sonido del grupo, evitando la abstracción total: la libertad que propone el contrabajista es más constructiva que deconstructiva (al contrario que la de sus colegas).

El resultado es una grabación algo más esquiva que otras del pianista con la emoción yaciendo bajo la piel, presta a alcanzarnos a poco que escarbemos. Y vale la pena hacerlo, pues descubriremos el vibrante y extraño swing de “Albert”, el jugoso remoloneo del pianista alrededor de sus propias ideas en “Voices”, el interludio off-rhythm que supone “That’s It”, la poderosa y peculiar recreación de “So What” de Miles Davis o la hermosa composición “River’s Run” (ya escuchada en el magnífico Time Within Time), que en Voices se adorna con una improvisación de gran altura de Copland, llena de una melancolía vivaz, recatadamente doliente, honda y sincera.

Sin grandes ruidos ni saltos al vacío, Marc Copland continua construyendo una discografía de alto vuelo. Un jazz delicioso para disfrutar en pequeños sorbos.

Ricardo Arribas - Sergio Zeni




Edu Tancredi & Bandón 33 Featuring Miguel Zenón, Antonio Serrano & Ana Finger - Venimos tumbando


Composiciones: “El Subibaja”, “Hocus Pocus”, “Montevideo”, “El germen”, “La mama vieja”, “Baialona”, “Mapa del mundo”, “Venimos tumbando”, “Como un blues”, “Zamba del aire”

Músicos: Edu Tancredi (piano), Ana Finger (voz), Antonio Serrano (armónica), Mathew Simon (trompeta), Pere Grau (saso soprano), Miguel Zenòn, Pere Grau (saxo alto), Eladio Reinòn (saxo tenor), Juajo Arrom (trombón), Xavi Figuerola (saxo barítono), Alejandro Luzardo (guitarra), Matìas Migues, Paco Weht, Javier Gòmez (contrabajo), Santiago Blanco, Salvador Toscano (batería), Carlos Reyes "Compota", Alejandro Luzardo, Santiago Blanco, Alexis Liden, Sandro Lustosa, Salvador Toscano (percusión)

Fresh Sound World Jazz FSWJ 037

Comentario: El pianista barcelonés Edu Tancredi y su grupo nos ofrecen un jugoso disco en el que se combinan los ritmos latinos con unos esmerados arreglos y unas interpretaciones solistas llevadas a cabo con minuciosa pulcritud. Es especialmente en la elaboración de los arreglos para tamaña banda donde reside la virtud de este disco. La cantidad de instrumentos diferentes que participan en la grabación suponen una dificultad añadida para el desarrollo de las composiciones, porque a priori podrían dar lugar a temas demasiado cargados, excesivamente densos. Sin embargo, Tancredi consigue que el resultado interpretativo sea óptimo.

Llama la atención la presencia de nombres como el de Miguel Zenón, cuya participación se reduce a tres temas, en los cuales deja su huella de magnífico intérprete en forma de solos construidos sobre los cálidos ritmos del Bandón 33. El armonicista Antonio Serrano sólo participa en el tercer tema, aportando con el sonido de su instrumento un toque nostálgico que rompe con la dinámica de saxofones y supone un punto de inflexión interesante con respecto a la totalidad del disco.

También hay sitio para la voz de la uruguaya Ana Finger, que interpreta un par de temas con el grupo, bastante más intimistas que el resto de composiciones.

Diego Ortega Alonso




Ana Finger - Ciudades lejanas


Composiciones: “Canto al Río Uruguay”, “Valparaíso”, “It Might Be You”, “Sea Monkeys”, “Vientos de Ayer”, “Ciudades Lejanas”, “Peter Gast”, “Blue Skies”, “A Night in Tunisia”, “Poema XXII”

Músicos: Ana Finger (voz), Eduardo Tancredi (piano), Mario Rossy (contrabajo), Xavi Maureta (batería), Joan Chamorro (saxos tenor y barítono), Jordi Prats (saxo alto), Dani Forcada (percusión)

Grabado en 2006 en Barcelona Publicado en 2007 por Fresh Sound World Jazz FSWJ 036

Comentario: El disco de Ana Finger comienza sensual como la propia voz de la cantante, y a través de la atmósfera que surge de la interpretación austera basada en el bajo de Mario Rossy y el acompañamiento suave de Edu Tancredi al piano y la batería de Dani Forcada. De hecho, gran parte del protagonismo musical de casi todo el disco se lo lleva el contrabajo de Rossy, quien lleva el peso de las composiciones con su ritmo entrecortado, hasta aproximadamente la mitad del disco en el que la música se decanta claramente por conceptos más cercanos al sonido de los crooners. Los vientos también se mantienen durante todo el disco en términos similares, desarrollando sus solos dentro de una dinámica sumamente contenida.
Los momentos interpretativos pasan por algún tema puramente jazzístico, algunos con ramalazos de bossa nova y otros de un sonido mucho más comercial como el “It Might be You” de Alan Bergman y Dave Grusin para la película Tootsie; también alguna composición de Caetano Veloso (“Peter Gast”) o el “A Night in Tunisia”, mientras que el resto son composiciones propias bastante light desde un estricto punto de vista musical, con letras basadas en poemas de Maria del Mar Estrella, o de la propia Finger en colaboración con Francisco Suárez.

Diego Ortega Alonso




Dafnis Prieto Sextet - Taking The Soul For A Walk


Composiciones: “Taking the soul for a walk”, “The sooner the better”, “En las ruinas de la infancia”, “Until the last minute”, “Comandante”, “Just say it”, “Tell me about her”, “Two Excuses”, “I felt you were coming”, “Prelude para Rosa”, “You´ll never say yes”, “Emergency call”

Todas las composiciones por Dafnis Prieto.

Músicos: Peter Apfelbaum (saxos soprano, tenor y melodica), Avishai Cohen (Trompeta), Yosvany Terry (saxos soprano y alto) , Manuel Varela (piano), Yunior Terry (contrabajo), Dafnis Prieto (batería), Itai Kriss (flauta en el tema 10)

Grabado por Joe Marciano en Systems Two, Brooklyn, Octubre 2007. Dafnison Music - 001

Comentario: El jazz latino consigue dar una vuelta de tuerca más con la obra siempre inquieta y novedosa del baterista cubano Dafnis Prieto, cuyas composiciones dan un paso más en pro de la necesaria renovación del latin jazz desde su propia base. Las composiciones están sujetas a un estudio concienzudo de los cambios cromáticos que van determinando el devenir de las melodías perfectamente sopladas por el trío de vientos que conforman Avishai Cohen, Yosvany Terry y Peter Aftelbaum, con el añadido en el tema 10 de Itai Kriss a la flauta. Bajo este entramado sonoro se encuentra cómodamente Prieto para generar una suerte de polirritmos llenos de intencionalidad tan variopinta como marcada por su experiencia en el M-Base, su claro acento musical caribeño y su conocimiento del contrapunto, adaptado a su lenguaje musical. El trabajo de Manuel Varela a los teclados y el bajo de Yunior Terry son el complemento idóneo que enlaza entre la sección de vientos y la rítmica de Prieto, el primero por el carácter melódico que aporta y el segundo por entenderse perfectamente con el sentido rítmico del líder de la banda. Todo ello conforma un cocktail de sonidos que no pueden pasar desapercibidos a los oídos inquietos: Se nota muy mucho la producción propia, en el sentido de que en este trabajo se aprecia un mayor control sobre el resultado final que en sus anteriores trabajos About The Monks o con el Absolute Quintet. Asimismo, Taking The Soul For A Walk es un disco en general bastante más intimista que los anteriores trabajos de Prieto, quizás por la dedicatoria que le hace al alma de Miguel Anga Díaz, o tal vez por tratarse de su primer trabajo exclusivamente controlado por él. El caso es que en su propia firma del disco, Prieto incide en el carácter emocional inherente a este disco, y eso es algo que se aprecia claramente en toda la grabación.

Diego Ortega Alonso




Romano-Sclavis-Texier-Le Querrec - African Flashback


Composiciones: 1. “Berbère “,2. “Derrière Le Sable”, 3. “Harvest”, 4. “Entre Chien Et Loup”, 5. “Three Children”, 6. “African Panther 69”, 7. “Surreal Politik “, 8. “Viso Di Donna”, 9. “Fo Lion “, 10. “Le Long Du Temps”, 11. “55 Wheels”, 12. “Look The Lobis”, 13. “Dieu N'Existe Pas”

Músicos: Aldo Romano (batería), Louis Sclavis (clarinete bajo), Henri Texier (contrabajo).
Guy LeQuerrec (fotografías)

Label Bleu LBLC 6679

Comentario: Resulta verdaderamente placentero encontrarse con proyectos como éste, en el que se combinan magistralmente todos los aspectos estéticos que pueden enmarcar un disco en perfecta simbiosis con un libro de fotografías. El concepto de disco deja de existir a favor de un nuevo objeto, cuya presentación, cuidada con sumo esmero, resulta casi de culto por su belleza integral:

Belleza visual, en primer lugar, porque la caja que contiene tanto el disco como el digipack del cd ya es de por sí una pequeña obra maestra. Una vez dentro de la caja, nos encontramos con el libreto de fotografías del francés Guy Le Querrec, una serie que nos sumerge de lleno en la África profunda, la África caótica, que siempre está en movimiento, y ese movimiento Le Querrec lo capta de forma perfecta a través de sus instantáneas. Tal vez resulte paradójico, pero esa sensación de dinamismo en algo tan estático como una fotografía es quizás la esencia misma del viaje que nos propone el fotógrafo con su selección fotográfica, y que tiene su parangón en la música de Romano, Sclavis y Texier: Una música que desde el primer momento nos está hablando de un viaje, pero no se queda solamente ahí: la música misma es la que nos coge de la mano y nos sumerge en ese universo en blanco y negro captado por el objetivo de Le Querrec, de manera que la obra de arte se conforma como un todo indisoluble cuyo sentido radica en la experiencia viajera de los tres músicos y el fotógrafo por el continente negro.

Una forma perfecta de cerrar la trilogía que se abriera con Carnet Des Routes y que continuara con Carnet Des Routes.Suite Africane.

Diego Ortega Alonso