Albert Vila - Foreground Music


Composiciones: “Berenklauw”, “Gym-jam”, “Old Boy”, “Fruit Music”, “Zong”, “Online”, “The Bean”, “Y tu?”, “Mr Late”, “Hundred Years Of Solitude”.

Todos los temas compuestos y arreglados por Albert Vila

Músicos: Albert Vila (guitarra), Enrique Oliver (saxo tenor), Roger Mas (piano, Fender Rhodes), Tom Warburton (contrabajo), Marc Ayza (batería).

Grabado el 9 y 10 de Diciembre de 2006 en Amsterdam.

Comentario: Diez composiciones componen el último disco de Albert Vila. Diez temas que no desmerecen el título del álbum, poniendo al quinteto del guitarrista en primera línea del jazz contemporáneo español.

Un disco contundente, gracias a unos arreglos flexibles donde se mueven con relativa libertad los cinco músicos, y a la calidad de la grabación, que permite apreciar al potente Tom Warburton y al activo Marc Ayza, batería cuyos acompañamientos e intervenciones en Foreground Music a muy pocos dejará indiferente.

En este contexto se desenvuelve a la perfección el sonido profundo y claro al tenor de Enrique Oliver, arropado en las líneas melódicas por el líder, liberado de tareas armónicas, asumidas con autoridad por Roger Mas.

El disco contiene momentos brillantes, con distintas influencias geográficas y variadas métricas, sin apartarse del ámbito jazzístico. Destacan temas a medio tempo como “The Bean” o el modal “Fruit Music”, que acaban en una auténtica descarga de tensión, tensión que llega al máximo en “Old Boy”, uno de los más interesantes del disco.

Un disco que respira eclecticismo, gracias a la variedad compositiva del líder, y con abundantes pinceladas de calidad que hacen más que recomendable su atenta escucha.

Víctor Bobeche




Nagl / Bernstein / Akchoté / Jones - Big Four Live


Composiciones: 1 - “Radiergummi” 6:15, 2 – “Artie Shaw” 1:56, 3 – “Monx” 5:37, 4 -“New Viper Dance”, 5 – “Teahouse Tango”, 6 – “Big Four”, 7 – “Ring A Ring”, 8 – “Muddy”, 9 – “Muggles 2000”

Temas 1, 3, 6 y 7 compuestos por Max Nagl. Temas 2, 4, 5, 8 y 9 compuestos por Steven Bernstein.

Músicos: Max Nagl (saxo alto); Steven Bernstein (trompeta); Noël Akchoté (guitarra); Bradley Jones (contrabajo)

Grabado en vivo en el festival de Willisau el 3 de septiembre de 2005. Editado en 2007 por hatOLOGY. Distribuido por Harmonia Mundi España.
HatOOLOGY 637

Comentario: Grabado en vivo en el festival de Willisau el 3 de septiembre de 2005. Editado en 2007 por hatOLOGY. Distribuido por Harmonia Mundi España.
HatOOLOGY 637

No hace falta que mires el final de la reseña si lo único que quieres es una opinión sobre si este disco merece o no la pena. Lo diré ya: la merece, y mucho. Aquellos que quieran saber por qué,... sigan leyendo.

Al que ya conozca el anterior (y único) registro de este grupo (Big Four, hatOLOGY 585, 2002), tan sólo decirle que este es aún mejor. La mitad de los temas ya figuraban en el disco de estudio, pero aquí crecen, no sólo en duración, sino en riqueza musical. Pero quien no haya tenido la fortuna de escuchar el primer trabajo de Nagl y compañía es probable que se haya visto sorprendido por lo atípico de la formación. ¿Se han olvidado de mencionar al batería (odio eso de “baterista”)? Pues no, no hay batería. Y el conjunto no es tan caprichoso. De hecho, homenajea a los Big Four de Sidney Bechet y Muggsy Spanier de 1940, cambiando el soprano (o clarinete) de Bechet por el alto de Nagl. Y la verdad es que el elemento percusivo no se echa de menos, fundamentalmente por la excelente labor de Bradley (suele figurar como Brad en otros contextos) Jones, que arrastra al grupo con energía sin renunciar a exquisitas incursiones melódicas. Nagl y Bernstein (sí, el de Sex Mob y los imprescindibles Diasporas de Tzadik) prefieren en muchos momentos el diálogo al soliloquio y protagonizan los mejores momentos, aunque sería injusto olvidarnos del sonido cálido y redondo del magnífico Akchoté.

Con todo, aquí lo más importante no es la suma de las partes, sino la excelente e imaginativa unidad resultante, a la vez fresca y equilibrada, contenida y exultante. Por supuesto, lo que en los antiguos Big Four era conversación civilizada y elegante, en sus nietos es charla distendida y heterodoxa, pero siempre, en ambos casos, estimulantemente inteligente. Un poco en la línea de lo que hiciera John Zorn acompañado de George Lewis y Bill Frisell con temas hard bop de Sonny Clark, Mobley o Dorham en su proyecto News For Lulu. También allí curiosamente, era aún más interesante el disco en directo (More News For Lulu, hatART, 1989).

Por si eres de los que sólo mira la conclusión y ni siquiera has leído las primeras líneas: sí, es un gran disco y merece mucho la pena.

Juan Antonio Rico




Giovanni Mirabassi - Terra Furiosa


Composiciones: “Alfonsina y el mar” (Ariel Ramírez – Feliz Luna), “#3”, “Sienna’s Song”, “Last Minutes (Intro)”, “Last Minutes”, “Radicaus Libres”, “W.A.F. ”, “Amba”, “Worry Doll”, “We Have The Blues Mr. President” (Achinoam Nini)

Todos los temas compuestos por Giovanni Mirabassi, salvo los indicados.

Músicos: Giovanni Mirabassi (piano), Gianluca Renzi (contrabajo), Leon Parker (batería)

Grabado en Studio de Meudon el 19 de junio de 2007. Editado en 2008.
Discograph 6136542.

Comentario: El pianista italiano Giovanni Mirabassi, discípulo de Enrico Pieranunzi, presenta su nueva grabación Terra Furiosa en el formato de trío de jazz por antonomasia, acompañado por el contrabajista Gianluca Renzi y el batería Leon Parker. Esta obra es el resultado delicioso de un encuentro más o menos casual en el estudio. Inicialmente la reunión fue planificada para la grabación de tres temas para un disco de Mirabassi con Parker como invitado. El grado de entendimiento y el nivel de ejecución desarrollado por los tres músicos hicieron que esa noche mágica del 19 de junio de 2007 el encuentro se prolongase hasta completar el presente CD.

Entre los nueve temas se encuentran siete originales de Mirabassi, más sendas versiones que abren ("Alfonsina y el mar") y cierran ("We Have The Blues, Mr. President") el compacto. Su propuesta se mueve por el universo de los pianistas post-evansianos (de hecho Bill Evans es un músico con una gran influencia sobre el citado Pieranunzi), y en el que priman el gusto por la melodía y el lirismo. Además de las dos versiones citadas se incluyen joyas como “Sienna’s Song”, “Last Minutes” e incluso algún tema como “W.A.F.” que parece que hubiera sido escrito por el mismísimo Bill Evans.

José Francisco Tapiz




The Neil Cowley Trio - Loud... Louder... Stop


Composiciones: "Hib Nibs" (Cowley, Sadler, Jenkins), "Dinosaur Die", "Scaredy Cat", "Ginger Sheep", "Clumsy Couple", "Captain Backfire", "Well", "We Are Here To Make Plastic", "Synaesthesia Traffic", "Streets Paved With Half Baguettes Pt2".

Todos los temas por Neil Cowley salvo el indicado.

Músicos: Neil Cowley (piano), Richard Sadler (contrabajo), Evan Jenkins (batería).

Grabado en el verano de 2007 en Real World Studios, Londres. Publicado en 2008 por Cake Music / Candid Records.
CACD78551

Comentario: Tras su exitoso debut en 2006 por medio de Displaced (Hide Inside Records), CD merecedor del galardon al mejor álbum en los BBC JAZZ AWARDS de 2007, el pianista Neil Cowley entrega en Cake (subsello de Candid Records) la segunda grabación de su trío titulada Loud... Louder... Stop.

La música de este joven grupo se mueve en la dirección abierta por formaciones como The Bad Plus y sobre todo EST (Esbjörn Svensson Trio). De este modo el grupo estructura algunos de sus temas en torno a unas líneas melódicas que por medio de su repetición progresiva con leves variaciones construyen unas estructuras que consiguen crear un efecto hipnótico conforme el tema aumenta su intensidad y se acerca a su clímax. También optan en más de un caso por unas estructuras cercanas a la música pop. No obstante, tanto el pianista como el trío tienen la oportunidad de mostrar otras facetas y de este modo hacen aflorar su vena más lírica, su formación clásica (Cowley, con apenas 10 años, era concertista de clásica interpretando la música de genios como Shostakovich) o formas cercanas al blues.

De cualquier modo la calidad de las composiciones (todas ellas obra del pianista, salvo el primer tema que está compuesto por el trío), la calidad individual de cada uno de los tres músicos, así como un trabajo conjunto que es capaz de mantener la intensidad de su propuesta y a su vez de llenarla de detalles, hacen de Loud... Louder... Stop una gratísima sorpresa.

José Francisco "Pachi" Tapiz




The Alon Farber Hagiga Sextet - Optimistic View


Composiciones: “Optimistic View”, “Mystic Seven”, “Smile Of The Cat”, “Don Avignion (For Avi Leibovich)”, “Kundalini”, “Zambura”, “Bird Cry/Takashim” (Amos Hoffman).

Todas las composiciones por Alon Farber, excepto donde se indica.

Músicos: Alon Farber (saxos soprano y barítono), Hagai Amir (saxo alto), Omri Mor (piano), Amos Hoffman (guitarra, oud), Hagai Cohen-Milo (bajo), Dani Benedikt (batería, arreglos).

Grabado en Tel-Aviv por Bill Tzuren en Septiembre de 2006 ,en Bardo Studios.
Fresh Sound New Talent FSNT-307

Comentario: Resulta prometedoramente atractivo descubrir nuevas formas de expresión jazzística procedentes de un contexto hebreo sin tener que atravesar la tan manida mezcolanza entre jazz y klezmer, y Alon Farber y su grupo logran introducirnos en una música tibia y sensual muy elaborada que no pierde ese carácter espontáneo propio del lenguaje del jazz, ni tampoco olvida que se trata de un proyecto de músicos israelíes y, por tanto, portadores de una tradición irremediablemente unida a sus intérpretes. Aun así, existen ciertos guiños a otros estilos diferentes como se puede apreciar, por ejemplo, en el carácter latino de “Don Avignion (For Avi Leibovich)”, o en la inclusión del oud en “Zambura”, sin duda el tema más elaborado de Optimistic View, sin, por supuesto, desmerecer el resto de temas. También es de destacar el último corte del disco, “Bird Cry/Takashim”, compuesto por Amos Hoffman, que en realidad son dos temas unidos (o separados, según se mire) por un prologado silencio que desemboca, unos tres minutos y medio antes de finalizar, en un maravilloso solo de oud.

Aunque todos los intérpretes sobresalen en la interpretación de las composiciones, debemos destacar muy especialmente el papel de Amos Hoffman a la guitarra y oud, pues resulta determinante para que la escucha de Optimistic View nos termine por convencer de que hemos disfrutado de una estupenda unión de sonidos procedentes del Mediterráneo y de la tradición jazzística norteamericana.

Diego Ortega Alonso




Kris Davis - Rye Eclipse


Composiciones: “Rye Eclipse”, “Wayne Oscar”, “Prairie Eyes”, “Minnow Bucket”, “Empty Beehive”, “Samuro”, “Black Tunnel”, “Rye Resurrected” (Kris Davis, Tony Malaby, Eivind Opsvik, Jeff Davis).

Todas las composiciones por Kris Davis, excepto donde se indica.

Músicos: Kris Davis (piano), Tony Malaby (saxo tenor), Eivind Opsvik (contrabajo), Jeff Davis (batería).

Grabado por Joe Marciano el 28 de Junio de 2007 en Systems Two, Brooklyn, Nueva York.
Fresh Sound New Talent FSNT-310

Comentario: Rye Eclipse es la tercera grabación de la pianista canadiense Kris Davis para Fresh Sound New Talent, y la conforma el registro de siete piezas compuestas por la artista durante la gira canadiense que realizó con su cuarteto en 2007, más una octava composición firmada por los cuatro músicos (“Rye Resurrected”) que sirve para cerrar la grabación.

Rye Eclipse es un disco con un sonido áspero e inquietante, que deambula entre la improvisación libre y la composición instantánea, no temiendo entrar en otros terrenos más propios de la música de cámara. Una amalgama que, basándose en la deconstrucción formal y en la liberalización de las estructuras que soportan la composición, consigue lograr los objetivos estéticos que pretende a través de unas magníficas intervenciones solistas por parte de los cuatro músicos, las cuales se entrecruzan para dar lugar a una maraña donde caos y orden se encuentran en perfecta sintonía.

Así, el sonido al tenor de Tony Malaby resulta claramente apropiado en este contexto, como también la rítmica abstracta de Jeff Davis, que se entiende a la perfección con su señora, firmante del disco. Y no debemos dejar de mencionar el papel de Eivind Opsvik, que, aunque discreto, consigue crear la atmósfera apropiada para que la música no resulte inconexa, tarea harto complicada en discos como éste y, por tanto, digna de mencionar. A Kris Davis la encontramos cómoda en su rol de líder, y no podemos evitar establecer paralelismos entre su sonido y el de otra pianista heredera de la escuela de Cecil Taylor como es Marilyn Crispell, aunque pasada por un tamiz monkiano (véase, por ejemplo, la composición “Wayne Oscar”) y menos agresivo y lírico que el de la pianista de Philadelphia, quizás más austero y cercano a la estética de la música para piano de compositores contemporáneos como Ligeti.

Diego Ortega Alonso




Ramón Díaz - Unblocking


Composiciones: “Unblocking”, “Ocean Legacy”, “Bad Milk” (Rasmussen), “Demasiado tráfico” (Pérez), “Dioses de papel”, “Danzarina”, “Suite canaria” (tradicional), “Bombo Clart”.

Todas las composiciones por Ramón Díaz, excepto donde se indica.

Músicos: Ramón Díaz (batería), José Alberto Medina (piano y Fender Rhodes), Jeppe Rasmussen (saxos tenor y soprano), Idafe Pérez (trompeta y fiscorno), Luismo Valladares (contrabajo y bajo eléctrico).

Grabado en Girona el 30 y 31 de Julio de 2007 en 44.1 studios.
Fresh Sound New Talent FSNT-311

Comentario: Después de tres años sin pasar por el estudio de grabación, el grupo de Ramón Díaz da a luz este Unblocking (traducido al castellano, Desbloqueo), que viene a ser la evolución lógica de lo que fue su primer disco, Diàleg (FSNT-241), y que para nada supone ningún desbloqueo, sino más bien la consecución de un ideario musical elaborado a partir de muchas horas de tocar juntos. El disco está lleno de matices que muestran a las claras la compenetración lograda por todos los músicos, a través de composiciones arregladas en su mayoría por el baterista tinerfeño, salvo las tres indicadas anteriormente.

La melodía se constituye como el aspecto fundamental de conexión entre los músicos, aunque mantienen el espacio necesario para que la improvisación respire. Así, podemos disfrutar de grandes intervenciones solistas tanto de Idafe Pérez como del danés Jeppe Rasmussen, mientras que José Alberto Medina aporta lo que podríamos definir como el clima de las composiciones, con su particular visión lírica de la música, llevándonos hacia unos tiempos musicales tan apacibles como las temperaturas de su Gran Canaria natal, aunque cuando se pone tras el Fender Rhodes el resultado quizás no resulte tan decisivo como cuando se sienta al piano. Luismo Valladares mantiene la rítmica de manera discreta, sin embargo aprovecha algunos momentos para lucir el sonido de su instrumento, como por ejemplo sucede en su solo de bajo eléctrico en “Dioses de Papel”. Y hablando de papel, el del líder está claramente marcado en el sentido rítmico de Ramón Díaz, que aporta una infinidad de matices a las composiciones, enriqueciéndolas con multitud de variaciones rítmicas que harán las delicias de los aficionados al instrumento.

Diego Ortega Alonso




Jewels And Binoculars - Ships With Tattooed Sails


Composiciones: 1 – “If You See Her, Say Hello”; 2 – “Blind Willie McTell”; 3 – “Father Of Night”; 4 – “I Believe In You”; 5 – “Cold Iron Bounds”; 6 – “It’s Alright Ma (I’m Only Bleeding)”; 7 – “Spirit On The Water”; 8 – “Jack-A-Roe” (tradicional, arreglos por Jewels And Binoculars); 9 – “Gates Of Eden”; 10 – “Señor”; 11 – “One More Cup Of Coffee”; 12 – “It’s All Over Now, Baby Blue”

Todos los temas por Bob Dylan, salvo el indicado.

Músicos: Michael Moore (saxo alto, clarinete, clarinete bajo y melódica); Lindsey Horner (contrabajo); Michael Vatcher (batería y percusiones).
Músico invitado: Bill Frisell (guitarras en 2, 6 y 9).

Grabado en Kaleidoscope Sound, Union City, Nueva Jersey entre septiembre y diciembre de 2006. Publicado en 2007 por Upshot Records.

Comentario: Jewels And Binoculars es un proyecto de Michael Moore, Lindsey Horner y Michael Vatcher que desde hace ya unos años está dedicado a acercarse a la música de Bob Dylan en clave de jazz. Su tercer disco mantiene el magnífico nivel de los anteriores y en él el trío vuelve a bucear en temas del repertorio dylaniano. En este caso todos ellos están compuestos por Mr. Zinmermann, salvo una versión del tema tradicional “Jack-A-Roe”. Entre ellos se incluyen los muy conocidos “If You See Her, Say Hello”, “One More Cup Of Coffee”, “It’s Alright Ma (I’m Only Bleeding)”, “Gates Of Eden” o “I Believe In You”, que pertenecen a distintas fases de la carrera del judío converso de Duluth.

La principal novedad del disco es la participación de Bill Frisell en tres temas. El guitarrista se adapta perfectamente a la propuesta del trío. Su toque abstracto a la vez que elegante permite vislumbrar nuevas posibilidades para el proyecto. Uno de los momentos de mayor brillantez de la obra tiene lugar gracias a la interacción de Frisell con Moore en la versión de la estremecedora “It’s Alright Ma”.

José Francisco Tapiz




Bill Frisell - History, Mystery


Composiciones: CD1: “Imagination”; “Probability Cloud”; “Probability Cloud Part 2”; “Out Of Body”; “Struggle”; “A Momentary Suspension Of Doubt”; “Onward”; “Baba Drame” (Boubacar Traore); “What We Need”; “A Change Is Gonna Come” (Sam Cooke); “Jacky-ing” (Thelonious Monk); “Show Me”; “Boo And Shout”; “Struggle Part 2”; “Heal”; “Another Momentary Suspension Of Doubt”; “Probability Cloud (Reprise)”.
CD2: “Monroe”; “Lazy Robinson”; “Question #1”; “Answer #1”; “Faces”; “Sub-Conscious Lee” (Lee Konitz); “Monroe Part 2”; “Question #2”; “Lazy Robinson Part 2”; “What We Need Part 2”; “Waltz For Baltimore”; “Answer #2”; “Monroe Part 3”.

Todos los temas compuestos por Bill Frisell salvo los indicados.

Músicos: Ron Miles (corneta); Greg Tardy (clarinete y saxo tenor); Bill Frisell (guitarra); Jenny Scheinman (violín); Eyvind Kang (viola); Hank Roberts (violonchelo); Tony Scherr (contrabajo); Kenny Wollesen (batería).

Publicado en 2008 por Nonesuch.
Nonesuch 435964

Comentario: Nonesuch ha editado en mayo de 2008 History, Mistery de Bill Frisell. El doble CD está grabado en estudio y en directo en 2006 en distintos lugares (Washington D.C., Boston, y Hanover en New Hampshire). Frisell aparece acompañado por un septeto de viejos conocidos repartidos entre una sección de cuerda de ensueño (Eyvind Kang, Jenny Scheinmann y Hank Roberts), un par de vientos (Ron Miles y Greg Tardy), más la correspondiente sección rítmica (Tony Scherr y Kenny Wollesen). El octeto se mueve a placer por los 30 temas en que están repartidos los 90 minutos de duración de esta obra.

Dos son los principales hallazgos de la obra. En primer lugar un magnífico ramillete de composiciones. Si exceptuamos las versiones de Monk (“Jacky-ing”), Konitz (“Sub-Conscious Lee”), Sam Cooke (“A Change Is Gonna Come”) y de la pieza del músico de Mali Boubacar Traore (la fascinante “Baba Drame”), el resto son obra de Frisell. En segundo lugar están los compañeros elegidos para el viaje, los cuales por fortuna no ejercen de meros comparsas. Gracias a esto unos magníficos arreglos permiten explotar todo el potencial melódico de las composiciones y de los músicos. Dos ejemplos fascinantes son las magníficas “Probability Cloud” (que aparece en tres versiones diferentes, a cual más interesante) y “Struggle”.

El resultado final confirma una vez más el papel de Bill Frisell como uno de los guitarristas imprescindibles en la escena del jazz actual.

José Francisco Tapiz




Kaulakau - Bernoiver


Composiciones: “Maese”, “Viatge al no res” (Jordi Molina), “Bernoiver” (Franco Molinari), “El clatell de la Traudell”, “L’últim 7” (Jordi Molina), “Mesó pi”, “Toto caelo/Cardamina”, “Olala”, “Il Fischietto”

Todos los temas son de Marc Egea excepto los indicados

Músicos: Enric Canada (batería y percusiones); Marc Egea (viola de rueda electroacústica, flautas, percusiones, voz); Jordi Molina (tenora); Franco Molinari (contrabajo)

Grabado en Girona, diciembre de 2006. Publicado por Discmedi.

Comentario: La banda Kaulakau pide al oyente que busque, si lo desea, una definición para su música tras la escucha de ésta, mientras que ellos indican, con la boca pequeña, que “folk-jazz sería una definición bastante aproximada”.

Dicho esto, y después de repetidas escuchas de Bernoiver, me niego categóricamente a caer en la vulgaridad de etiquetar esta música. Porque en este disco hay folklore y hay jazz, como también hay música medieval, experimentación y decenas de matices que enriquecen cada segundo de grabación. Tampoco quiero dar una impresión equivocada, presentando Bernoiver como un batiburrillo de tendencias sin orden ni concierto. Todo lo contrario, la música aquí contenida es digna de figurar entre las mejores grabaciones recientes que conjugan el jazz con cualquier folklore del mundo.

Con una inusual formación, que pone en evidencia una vez más sus múltiples raíces, Kaulakau es una banda colectiva en la que todos importan por igual. A la sólida y enriquecedora base rítmica compuesta por Franco Molinari y Enric Canada se unen dos instrumentos completamente atípicos en el ámbito jazzistico. Marc Egea, a pesar de tocar otros instrumentos en la grabación, destaca por su zanfona (o viola de rueda), un instrumento medieval que domina pasmosamente a todos los niveles. Por otro lado Jordi Molina es un virtuoso de la tenora (instrumento tradicional catalán con un sonido cercano al del oboe, aunque con un registro algo más grave), que utiliza para improvisar algunos solos escalofriantes. Escuchándole uno no puede evitar pensar que si Coltrane estuviese vivo, tras escuchar este Bernoiver, querría agenciarse una tenora cuanto antes.

Con todo esto, y mediante siete composiciones originales, Kaulakau se presenta como una de las pocas alternativas reales del jazz en España. Un proyecto valiente y tan atractivo, que uno abandona al instante la posibilidad de encontrar una etiqueta que lo defina. Porque las etiquetas son para la música pequeña, y en Bernoiver, el planteamiento, la ejecución, las composiciones y la interpretación son verdaderamente grandes.


Yahvé M. de la Cavada




Andrew Drury - Renditions (solos 2004-2007)


Composiciones: “the school of the americans”, “exhalations”, “more of everything”, “touchdown of the century”, “extraordinary rendition”, “my favorite cereal bowl”, “i would also like to mention aluminium”, “from a ww2 veteran’s garage”, “other priorities”, “an advertisement for civilization”, “an insidious usage of the word “friends”, “quaint”

Toda la música interpretada, grabada y producida por Andrew Drury en Brooklyn, entre el 2004 y el 2007

Publicado en 2008 por Creative Sources Recordings
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Comentario: El mundo de la improvisación es muy peligroso. En la búsqueda del “mas allá” que exige constantemente ese mundo, uno puede perderse en divagaciones, naufragar en insensateces y hundirse bajo incontables fracasos. Por otro lado, cuanto mayor es el riesgo, mayor es la recompensa.

Andrew Drury, batería de formación sólida y músico inquieto como pocos, se convierte en Renditions en un improvisador puro, lanzado a la difícil tarea de tocar con algo menos manido, pero mucho más arriesgado que un instrumento musical tradicional.

A lo largo de 12 composiciones, Drury utiliza los materiales mas insospechados (tanto, que el abajo firmante se siente incapaz de identificar con exactitud ninguno de ellos) para crear sonidos, e improvisar con ellos. Sonidos que se alejan por completo de lo musical, tradicionalmente hablando, y que aprovechan su rareza para coger por sorpresa al oyente y mantenerle pegado al altavoz.

Drury, a partir de las texturas que se producen en sus manos, construye desarrollos coherentes que hacen que lo que podría convertirse en ruido puro y duro, se transforme en improvisación destilada, libre de toda impureza. La búsqueda de Drury, arriesgada como no he visto en mucho tiempo, se sirve del misterio, de ambientes catárticos y de una provocación evidente para producir un disco tan interesante como desconcertante, y por encima de todo, muy recomendable. Eso si, solo para orejas muy abiertas.

(Recomiendo a todo aquel que tenga interés, la descripción de la “Junk Percussion” que el propio Drury escribe en su web: http://www.andrewdrury.com/junkpercussion.html )

Yahvé M. de la Cavada




Manolo Rodríguez y Carlos Costa - Dos Caras de la Misma Moneda


Composiciones: “Translate”, “The Desired”, “The Smelly Cat’s Suite”, “Kommunity”

Músicos: Manolo Rodríguez (guitarras eléctrica y barítono, dirección en “Kommunity”), Carlos Costa (bajo eléctrico), Francis Hernández (piano) y J.M. “Churchi” (batería)

Grabado en Guipúzcoa del 27 al 30 de diciembre de 2007


Machuca Trio - Energy


Composiciones: “Energy”, “The Astronaut”, “Swing For Syndicate” (Rodríguez – Méndez), “Red”, “At One O’Clock”, “Slavon Matxuka”, “Blue”

Todos los temas son de Manolo Rodríguez, excepto el indicado

Músicos: Manolo Rodríguez (guitarra), José Miguel Méndez “Churchi” (batería) y Carlos Costa (bajo)

Grabado del 3 al 8 de diciembre de 2005

Comentario: Manolo Rodríguez y Carlos Costa son dos nombres que me eran desconocidos hasta hace bien poco. Desde entonces, he podido escuchar dos de sus proyectos: Machuca Trío, y el más reciente Dos Caras de la Misma Moneda. Ambos, junto a sus respectivas grabaciones, son piezas de una carrera basada en la construcción de un camino diferente, árido e inclemente, en el que poco ha colaborado el reduccionista y papanatas panorama jazzístico nacional.

Tras varias aventuras musicales (tanto juntos como separados) estos dos canarios montaron Machuca Trío junto al batería José Miguel Méndez (alias “Churchi”), y en diciembre del 2005 entraron en el estudio para dar buena muestra de todos sus anhelos e influencias. A lo largo de los siete temas de Energy, escritos casi en su totalidad por Manolo Rodríguez, la banda se muestra inventiva y poco acomodada, yendo de un sitio a otro de forma natural. Quizá es en “Swing For Syndicate”, el tema mas eminentemente jazzístico, donde su música se tambalea, pero a medida que se van escuchando composiciones como “The Astronaut”, “Red” y sobre todo “At One O’Clock”, la inquietud del trío queda manifiesta. Independientemente de algún titubeo, o algún intrascendente y puntual problema de ejecución, Energy se revela como un disco rico en forma y contenido, atípico en España y de una calidad notable.

Dos años después, vuelven al estudio con otra encarnación musical, “Dos Caras de la Misma Moneda”, para producir, sin ninguna duda, una de las grabaciones más apasionantes que ha dado nuestro país en los últimos años.

Valiente, comprometida, inteligente, inspirada, cautivadora… La música que produce este cuarteto hace brotar elogios e impresiones en cada escucha.

Tras su paso por Nueva York y participar en seminarios con músicos que siempre habían sido una inspiración para ellos, la falta de focalización que podía percibirse en Machuca Trío quedó atrás.

Este disco es la cristalización de lo que Rodríguez y Costa buscan desde hace años. A falta de referentes (e incluso de apoyo de cualquier tipo) en nuestro país para desarrollar música improvisada de estas características, esta banda puede considerarse huérfana y pionera al mismo tiempo.

Con una fuerte influencia de Tim Berne o Marc Ducret, entre otros, Dos Caras de la Misma Moneda es un disco tremendamente creativo, que contiene composición e improvisación de primera categoría.

El añadido del piano de Francis Hernández da soporte y amplitud a una banda en la que todos se dejan respirar e interpretan libremente sin colisionar. Aquí no hay nada casual o accidental, los planteamientos desarrollados en los cuatro temas del disco son complejos, avanzados e insólitos en España. Desde el corto boceto de “Kommunity” hasta la titánica “The Smelly Cat’s Suite” con sus 29 minutos de duración, la sensación de estar ante una obra trascendente no decae.

Acompañando al CD hay un DVD que sirve como eslabón entre los dos proyectos. Dicho DVD contiene un concierto de Machuca Trío, que ve interpretado casi todo el repertorio de Energy, y un pequeño documental donde Costa y Rodríguez hablan de la evolución, musical y personal, que han sufrido en los últimos años. Un documento interesante para comprender mejor al músico y el contexto en el que trabaja y que suaviza la desazón de enfrentarse a un disco que dura mucho menos de lo que debería.
Escribo esta crónica según vuelvo de un concierto ofrecido por el nuevo grupo de un celebre músico español, reconocido internacionalmente. Un concierto lamentable y vergonzante, que me hace preguntarme una vez más por qué Carlos Costa y Manolo Rodríguez tienen que luchar para desarrollar su música, mientras que otros con su “fama” hace tiempo que se echaron a dormir.

Los dos canarios, tras este gran disco, ya están en el camino. La cosa funciona y suena condenadamente bien, ahora solo falta que el público les responda.

Yahvé M. de la Cavada




Fabian Gisler - Backyard Poets


Composiciones: “Poetry From Neverland A”, “Poetry From Neverland B”, “The Inner Storm”, “Sham King”, “Sans Un Mot” (Vallon), “Fields Of Darkness”, “A New Life”, “Starsky’s Delight” (Walsdorff), “Freedom Speech” (Gisler), “Neues Stück” (Walsdorff)

Todos los temas son de Gisler, Schröeder, Vallon y Walsdorff, salvo los indicados

Músicos: Fabian Gisler (contrabajo); Henrik Walsdorff (saxos alto y tenor); Colin Vallon (piano); John Schröeder (batería)

Grabado en Zurich, el 1 y 2 de octubre de 2005, y en Basel el 25 de junio de 2005

Comentario: La hoja de servicios de Fabian Gisler es larga y nada desdeñable; por eso resulta tan extraño que no haya debutado antes como líder, dada su capacidad para componer y llevar una banda. Backyard Poets sirve como carta de presentación de su cuarteto, que parece llevar operativo bastante tiempo (de hecho, resulta curioso que esta grabación tuviera lugar hace tres años). Los miembros del grupo también son intérpretes sólidos y experimentados, a pesar de la juventud de alguno de ellos (el propio Gisler tiene 31 años, y Colin Vallon, que también acaba de debutar con hatOLOGY, sólo 28). La música que desarrollan depende mucho de todos ellos, basada como está en la comunicación constante entre los instrumentistas.

Para empezar hay que decir que el disco está dividido en dos, una primera parte grabada en estudio y una segunda en directo. En estudio las composiciones son más abiertas y dan pie a los cuatro improvisadores para tocar de forma expansiva, aunque también reflexiva. Las notas se esparcen por el espacio, con una cierta tendencia a disiparse demasiado rápido, cosa que le resta aplomo al conjunto. Aun así, es evidente que los cuatro se conocen bien (musicalmente) y hay una sensación constante de acción-reacción sobre la que se sustenta el grupo.

La parte en directo está mas definida, llegando a parecer en algunos momentos que estamos escuchando a otra banda. A lo largo de tres temas mucho mas ortodoxos, con un desarrollo y lenguaje más convencional, el cuarteto se muestra fogoso y explosivo, muy seguro de lo que tiene entre manos. La espontaneidad perdida se ve compensada con soltura y desinhibición, y deja claro que, tanto Gisler como sus compañeros, pueden trabajar en muchos contextos.

Los cuatro miembros dominan su instrumento sobradamente, aunque ninguno llega a emocionar individualmente. En un momento u otro el oyente se sorprende con una frase Walsdorff, se deja arrastrar por un break de Schröeder o un lick de Gisler e incluso vibra con una explosión de frescor juvenil de Vallon, pero estos destellos se pierden en un vehiculo que a veces se vuelve rutinario.

No nos equivoquemos, Backyard Poets es un debut muy interesante de un contrabajista a tener en cuenta. Aquí hay talento, categoría y un alto nivel de interpretación y ejecución; lo único que falta es un poco mas de consistencia e ir desarrollando una voz propia.

Yahvé M. de la Cavada




Drew Gress - The Irrational Numbers


Composiciones: “Bellwether”, “Chevelle”, “Your Favorite Kind”, “Faux Jobim”, “Neopolitan”, “Blackbird Backtalk”, “By Far”, “Mas Relief”, “That Heavenly Hell”, “True South”

Todas las composiciones de Drew Gress


Músicos: Drew Gress (contrabajo, electrónica), Ralph Alessi (trompeta), Tim Berne (saxofón alto), Craig Taborn (piano), Tom Rainey (batería).

Grabado en Brooklyn, Nueva York, el 22 y el 23 de agosto de 2006.

Premonition Records, 2.007


Comentario: The Irrational Numbers podría escucharse como una continuación de 7 Black Butterflies (2005), la fantástica grabación anterior de Dress: mismo sello, idéntica formación, David Torn como productor y, una vez más, el contrabajista como autor de todos los temas. Pero ante composiciones tan ricas, estructuradas con tanto cuidado y tan bien engarzadas con las improvisaciones resulta difícil quedarse en esa lectura tan simplista: este disco es una obra densa y rica que sorprende a la vuelta de cada recodo del camino.

Alessi, Berne, Taborn y Rainey hacen suyo el proyecto del líder a través de intervenciones llenas de sentido y pasión. La sonoridad del tándem que conforman trompetista y saxofonista es uno de los lujos más placenteros que puede ofrecernos el jazz de hoy. Craig Taborn vuelve a estar inspirado y libre de complejos, sin necesidad de tomar la primera línea para brillar con luz propia. En cuanto a Rainey, su prodigiosa variedad de recursos le permite estar siempre presente sin saturar al oyente, mordisqueando cada frase con incontestable autoridad. ¿Y qué decir del amigo Drew? Dueño de una preciosa sonoridad y de un discurso absolutamente personal, Gress vuelve a perfilarse aquí como un líder al que le entusiasman los desafíos.

La grabación arranca con una atmosférica introducción que da paso a “Chevelle”, tema que ya presenta a Craig Taborn como uno de los ejes fundamentales del proyecto: el pianista, inspirado y muy suelto, desgrana acordes llenos de una peculiar coherencia interna. Su solo en este corte comienza con una entrecortada escala ascendente que nos arranca de la estructura del tema y nos lleva en volandas, ingrávidos, durante toda la improvisación, para depositarnos de nuevo sobre ella al terminar: una creación fabulosa de Taborn, quien tiene también a su cargo la preciosa coda final. “Your Favourite Kind” tiene un corte muy bopper; Berne y Rainey se dedican a romper constantemente el ritmo sin terminar de abandonarlo, y sobre ellos el resto del grupo navega briosamente a golpe de improvisación. Una de las armas más sorprendentes de este conjunto es su capacidad para incrementar o atenuar la intensidad de los temas sin soltarlos ni un solo instante, como sucede con “Faux Jobim” a pesar de su ritmo lento. Tienen mucho que ver con ello las líneas entrecruzadas de Alessi y Berne, y el percutir insistente, que no obstrusivo, de Tom Rainey. “Neopolitan”, en cambio, es un corte de desarrollo muy libre, que a lo largo de sus más de doce minutos pasa por multitud de estadios sonoros, mostrando diferentes combinaciones sonoras (unísonos de trompeta y alto que terminan descomponiéndose, aceradas exploraciones à la Berne, pasajes en los que Taborn armoniza a su antojo…). “Blackbird Blacktalk”, otro tema de vibrante desarrollo, se beneficia de una apoteósica improvisación simultánea de piano, trompeta y alto. Gress nos da un respiro en los siguientes dos cortes: “By Far” permanece muy lenta, tras una etérera introducción de Taborn, explorando armonías inconclusas, cadenciosas, y “Mas Relief” es un breve solo del contrabajista, donde apreciamos cómodamente la hondura de su sonido. “That Heavenly Hell” arranca con una apabullante potencia que luego se atenúa para ofrecer dos dúos, el primero, de Gress y Alessi, luego otro de Taborn y Berne (éste realmente impresionante). Finalmente, “True South” trae una especie de calma tensa, pues en seguida Gress nos sorprende con un pasaje muy libre en el que Alessi improvisa en diferentes pistas superpuestas sobre la batería explosiva de Rainey, para rematar con la cadenciosa melodía inicial y un curioso jueguecito sonoro final.

Quizá sea una apreciación precipitada, pero el señor Gress parece haber comenzado a tallar a hierro y fuego su nombre en la no muy extensa lista de líderes/contrabajistas/compositores que en el jazz han sido.


Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Jason Seizer - Time Being


Composiciones: “Between Now And Then”, “Corrections”, “Time Being”, “Requiem”, “All The Things You Are”, “Trip To The Stars”


Músicos: Jason Seizer (saxofón tenor), Marc Copland (piano), Matthias Pichler (contrabajo) y Tony Martucci (batería)

Grabado el 20 y el 21 de agosto de 2006 en Munich, Alemania.

Pirouet Records, 2008.
PIT3027


Comentario: Esta grabación de Jason Seizer arranca con unas secuencias armónicas de Copland desarmantemente hermosas. Ciertamente la presencia del pianista imprime una inconfundible cadencia al disco, a pesar de la engañosa discreción de su estilo: no debemos fiarnos de su contenida placidez, bajo esa calma chicha se esconde un tumultuoso caudal sensitivo.

El hecho de que Seizer sea director artístico de Pirouet no es motivo para mostrarnos condescendientes: su tenor demanda nuestra atención por méritos propios. Poseedor de un sonido muy matizado y sedoso, de sorprendente brevedad (en ocasiones recuerda a Stan Getz –“All The Things You Are”-, otras veces introduce un ligero toque abrasivo muy expresivo –“Trip To The Stars”), en las intervenciones solistas se muestra valiente y capaz, y suele servirse con habilidad de la atenta pero punzante prestación de Copland.

Mathias Pichler es un contrabajista de maneras discretas, de esos cuya labor se refleja más en la respuesta de sus compañeros que en su impacto directo en el oyente. Tony Martucci, en cambio, llama poderosamente la atención a pesar de un estilo aparentemente desganado, por su entrecortada polirritmia y su atención a la labor de sus colegas.

Estamos ante una grabación de una madura placidez que, a través de tres temas originales de Seizer, dos de Copland y el clásico “All the thing you are”, mantiene una seductora tensión entre el tenor mate y sinuoso del saxofonista y los levitantes paseos sonoros del piano. Resaltaremos la hermosa composición que abre la grabación (“Between Now And Then”), las improvisaciones de Copland en “Corrections” (emocionante cómo el pianista va construyéndola sin prisa para desembocar en una intensa catarsis) o “Trip To The Stars” y la de Seizer en este mismo tema, contagiado quizá por la magia surgida de los dedos del pianista para lograr instantes de sincera emoción.

Sin aspavientos ni salidas de tono, “Time Being” se resiste a dejar el reproductor a pesar de su relativa falta de pretensiones.


Ricardo Arribas – Sergio Zeni




John Ruocco - Am I asking too much?


Composiciones: “Kuk Kuk”, “Am I Asking Too Much (If I Ask For World Peace)”, “A Glimmer”, “Benebe”, “Waltz 4”, “Little Stones”

Todas las composiciones de John Ruocco


Músicos: John Ruocco (clarinete), John Taylor (piano), Riccardo del Fra (contrabajo)

Grabado en noviembre de 2006 en Munich por Jason Seizer.
Pirouet 2008
PIT3029


Comentario: Cuatro años después de haber colaborado en 12 miniatures de Thomas Stabenow, John Ruocco vuelve a entrar en los estudios de Pirouet para registrar este disco como líder.

A través de seis piezas firmadas por el clarinetista americano (entre las que cabe destacar temas como “Kuk Kuk”, “A glimmer” o “Waltz 4”) el trío nos sumerge en delicadas atmósferas de carácter intimista presididas por solos de límpida factura.

Dentro de una interacción en la que destaca un casi constante juego de dúos hay que señalar la fraternal empatía que existe entre Roucco y John Taylor, la cual nos deja pasajes muy seductores (particularmente brillante resulta la imprivisación conjunta que ofrecen en “A Glimmer”). El sonido lánguido, abstracto, reposado y ondulante de Roucco se mueve de maravillas sobre las teclas del británico, si bien adolece de cierta falta de garra que impide que la temperatura musical se eleve como cabría desear (“Kuk Kuk” o “Benebe”). En cambio en otros pasajes, espoleado quizá por la labor de sus colegas, se muestra notablemente insidioso (“Am I Asking Too Much?”, “Waltz 4”), lo cual eleva de forma apreciable el alcance de sus improvisaciones. Taylor, por su parte, ofrece tanto vibrantes líneas de acompañamiento (“Am I Asking Too Much?”) como improvisaciones de deslumbrante calidad formal que consiguen insuflar a las composiciones un plus de emoción que les viene de perlas (“Waltz 4”, “Little Stones”). El trabajo de Riccardo del Fra resulta impecable, graduando de un modo admirable su expresivo sonido a través de los 43 minutos que dura la grabación, mostrándose a ratos inquieto y dialogante, a ratos discreto y casi invisible.

Para quienes busquen sonidos de una serena belleza, este Am I asking too much? , más allá de algunos altibajos, puede resultar una opción muy recomendable.


Ricardo Arribas – Sergio Zeni