Metro - Express


Composiciones: “The Red Fish” (Chuck Loeb), “Tell Me A Thousand Times” (Mitchel Forman), “Rio Frio” (Chuck Loeb), “Maikl Burekka” (Will Lee & Mitchel Forman), “Express” (Wolfgang Haffner), “Sloth” (Mitchel Forman), “Up Above The Stars” (Chuck Loeb), “Nuna” (Wolfgang Haffner), “Absynth Blues” (Mitchel Forman), “The Standard (For MB)” (Chuck Loeb & Will Lee), “Slow Down” (Mitchel Forman & Will Lee)

Músicos: Chuck Loeb (guitarras eléctrica y acústica), Mitchel Forman (teclados, coros), Wolfgang Haffner (batería) y Will Lee (bajo eléctrico, voz)

Grabado en Castle Oak Studio (California, Estados Unidos)
Marsis Jazz EFDS 3051

Comentario: Da gusto ver cómo una de las bandas de fusión más importantes del período posterior a los años ochenta sigue creciendo y creando productos de primer nivel como este Express. El tándem Loeb-Forman vuelve a dar forma a excelentes composiciones, labor en la que cuentan con la ayuda del nuevo bajista Will Lee y de un Wolfgang Haffner que cobra más presencia en dicho campo (excelente su Acoustic Shapes a trío para el sello ACT, con ocho originales del batería alemán).

El disco bebe de la variedad estilística, desde el intimismo de las baladas “Tell Me A Thousand Times” o “The Standard (For MB)” (en memoria de Michael Brecker, a quien, junto a Joe Zawinul, está dedicado todo el disco) a la libre improvisación con guitarra distorsionada sobre ritmos electrónicos de “Up Above The Stars”. Dichas texturas de corte moderno más cercanas a las músicas comerciales de baile, al igual que ocurre en la introducción de “Express”, parecen directamente inspiradas en el desgraciadamente extinto e.s.t. (Esbjörn Svensson Trio), banda cuya influencia en grupos contemporáneos y posteriores empieza a dejarse sentir. Dicha pieza, “Express”, se encuentra entre lo mejorcito del disco, con una sencilla melodía de guitarra eléctrica que conversa con el contrapunto facilitado por el bajo y la mano izquierda del piano. El disco empieza y acaba con divertidos guiños musicales. “The Red Fish” aporta sonoridades cabareteras y un final a lo Count Basie, mientras “Slow Down” comienza con un ambiente relajado, casi chill-out, para transformarse en rock vocal con Will Lee haciendo las veces de cantante. Entre medias otros puntos álgidos son la fusión relajada de “Nuna”, el solo de guitarra acústica milimetrado en “Maikl Burekka” y la evidente influencia del Pat Metheny Group en “Rio Frio”, fabulosa composición de Chuck Loeb donde Mitchel Forman nos regala una improvisación muy bien construida.

Mientras sigan apareciendo trabajos como Express el jazz fusión continuará estando de enhorabuena. Con una producción excelente, este último CD de la banda supera el ya alto listón impuesto por los anteriores e invita a mirar al futuro.

Arturo Mora Rioja




Yellowjackets + Mike Stern - Life Cycle


Composiciones: “Falken’s Maze” (Bob Mintzer), “Country Living” (Jimmy Haslip), “Double Nickel” (Mike Stern), “Dreams Go” (Mike Stern), “Measure Of A Man” (Russell Ferrante), “Yahoo” (Bob Mintzer), “I Wonder” (Bob Mintzer), “3 Circles” (Russell Ferrante, Jimmy Haslip, Bob Mintzer & Marcus Baylor), “Claire’s Closet” (Russell Ferrante), “Lazaro” (Jimmy Haslip & Bob Mintzer)

Músicos: Bob Mintzer (saxos tenor y soprano, clarinete bajo, clarinete en si bemol y EWI), Russell Ferrante (piano, teclados y percusión), Jimmy Haslip (bajo eléctrico, programación) y Marcus Baylor (batería y percusión) con Mike Stern (guitarra eléctrica).

Grabado en BiCoastal Music (Ossining, Nueva York)
Heads Up 3139

Comentario: Sí y no. Por un lado Life Cycle es un disco imponente, con excelentes composiciones y una interpretación envidiable por parte de los cinco músicos que en él aparecen. Por otro lado el experimento de juntar a los Yellowjackets con el guitarrista Mike Stern no acaba de funcionar del todo. A ratos el disco suena a Yellowjackets con un guitarrista, a ratos suena a Mike Stern con una banda detrás, pero rara vez se da la comunión deseada.

Quedémonos con lo bueno. Parece que los Jackets han remontado definitivamente el vuelo tras los problemas a que se enfrentaron hace unos años cuando finalizó su contrato discográfico con Warner Brothers. Por otro lado su anterior trabajo, Twenty-Five (CD y DVD en directo en el que interpretaron grandes éxitos de sus veinticinco años de existencia) podría haber supuesto un cambio de orientación en su carrera. Nada de eso. La banda se encuentra en un estado saludable, bordando el jazz fusión que tan bien saben hacer y sonando mejor que nunca. Ya desde el inicial “Falken’s Maze” dejan claras sus intenciones, con contundencia y sin concesiones a la galería. En “Country Living” y el blues menor “Double Nickel” Stern aparece de forma más prominente (el primero finaliza con un diálogo entre el guitarrista y Bob Mintzer, la melodía del segundo contiene un típico fraseo suyo). Las dos baladas del CD, ambas originales de Ferrante, son dos pequeñas joyas. “Claire’s Closet” presenta un aspecto más naíf con su línea melódica de clarinete, mientras “Measure Of A Man”, con Mintzer al soprano y Jimmy Haslip haciendo gala de su clase y estilo en la melodía, es una pieza memorable, oscura e intimista. Para elevar las revoluciones, la siguiente, “Yahoo”, se basa en la complejidad métrica (una amalgama resultante en un compás de 15/4), al igual que en la composición colectiva “3 Circles” (en 7/4), mientras en “I Wonder” y “Lazaro” aparece el típico sonido Yellowjackets con marcada presencia de clarinete bajo en la primera y de EWI en la segunda (aparente homenaje melódico a Michael Brecker enfatizado por Bob Mintzer en su solo – 2’37”).

En la mayoría de las interpretaciones la figura de Stern se diluye en el universo musical de los Yellowjackets. La prueba no acaba de funcionar, pero el cuarteto sigue a su nivel. Buena noticia a medias para sus fans, para el movimiento del jazz fusión y para la música en general.

Arturo Mora Rioja




Abe Rábade GHU! Project, vol. 2 - Open Doors


Composiciones: “Campo da Estrela”, “Cebreiro”, “Open Door”, “Prestige”, “Get Off My Back”, “Tránsito Nº 1”, “Iria”, “Inner Urge” (Joe Henderson)

Todas las composiciones por Abe Rábade, excepto donde se indica.

Músicos: Abe Rábade (piano), Chris Kase (trompeta y fiscorno), Perico Sambeat (saxo alto), Jesús Santandreu (saxo tenor), Alan Ferber (trombón), Nelson Cascais (contrabajo) y Bruno Pedroso (batería).

Grabado en MB Estúdios (Gaia, Portugal) del 27 al 29 de agosto de 2007
Karonte 7804

Comentario: ¿Y si en vez de nacer en Galicia lo hubiera hecho en Nueva York? Quién sabe. Por lo menos Abe Rábade no hace ascos a sus raíces, como demuestra en “Campo de Estrela” (primer tema de su nuevo Open Doors), dedicado a su Santiago de Compostela natal. En este el segundo volumen de su GHU! Project el pianista amplía su trío con base rítmica portuguesa (Nelson Cascais al contrabajo y Bruno Pedroso a la batería) hasta convertirlo en un septeto con cuatro excelentes instrumentistas. Los arreglos, dulces, delicados, perfectamente engarzados, recuerdan bastante a los que Avishai Cohen escribiera para su International Vamp Band en el disco Unity, que Rábade no había escuchado antes de su propia grabación. Los caminos del jazz son inescrutables.

Open Doors es un trabajo superlativo, que uno no se cansa de escuchar una y otra vez. Los siete músicos trabajan en común para dar forma a un proyecto delicioso, lleno de matices. El piano de Rábade manda, pero no sobresale. Más bien actúa como hilo conductor. Perico Sambeat y Jesús Santandreu se muestran más comedidos que habitualmente, ofreciéndonos su lado más lírico, el habitual en un Chris Kase que acaricia los oídos en cada intervención (baste escuchar el principio de “Cebreiro”). “Get Off My Back” camina con soltura, el ternario “Tránsito Nº 1” embelesa y Rábade hace suyo el “Inner Urge” de Joe Henderson con un solo inspirado.

Al igual que ocurriera en Playing On Light, anterior trabajo del compostelano, el apartado visual juega un papel importante. Diversas pinturas de Deli Sánchez decoran el interior de la carpetilla, retratando a cada uno de los músicos y a los paisajes que inspiran algunos de los temas, como el comprometido “Prestige” o “Iria”, dedicado a la pareja del pianista. Por si no fuera suficiente con la música.

Arturo Mora Rioja




Gerald Veasley - Your Move


Composiciones: “Hear Now!” (Chuck Loeb), “Slip ‘n’ Side” (Chuck Loeb), “So Close To The Sun” (Gerald Veasley/Chris Farr), “Greenwood” (Gerald Veasley/Chris Farr), “Your Move” (Chuck Loeb), “Cross Currents”, “Three Tears”, “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)” (Sylvester Stewart), “Traveling Light” (Chuck Loeb/Gerald Veasley), “Roxanne’s Dance”

Composiciones por Gerald Veasley, excepto donde se indica.

Músicos: John Swana (trompeta), Matt Cappy (trompeta y fiscorno), Nathan Eklund (trompeta, fiscorno y trombón), Chris Farr (saxos alto, tenor y soprano, EWI, flauta), Chuck Loeb (guitarras, bajo, bajo sintetizado, teclados, Fender Rhodes, órgano, sintetizadores, batería, percusión, programación y edición), Wendell Sewell (guitarra), Will Brock (piano, teclados adicionales), Mark Knox (teclados y sintetizadores adicionales), Donald Robinson (piano, teclados y sintetizadores), Peter Kuzma (órgano), Gerald Veasley (bajos eléctrico, acústico y tenor), Josh Dion (batería y percusión), James Rouse (batería), Brian Dunne (batería y percusión, programación), Martin Walters (platillos adicionales), Pablo Batista (percusión), Richard Waller III (baterías adicionales), Mikki Kornegay (voz)

Grabado en Supreme Sounds Studio (Bryn Mawr, Filadelfia, Estados Unidos).
Heads Up 3130

Comentario: Lo bueno es que no es el típico disco de un bajista, lo malo es que sobrepasa con mucho la frontera del smooth jazz. Gerald Veasley, reputado músico de sesión, presenta en Your Move una producción cuidadísima para la que ha contado con el mismísimo Chuck Loeb. Precisamente Veasley se unió a la banda de este último, Metro, durante su reciente gira veraniega, en la que interpretaban “Cross Currents”, sexta pista del CD, una enorme composición con un groove contagioso como pocos. En directo la pieza agradecía el riesgo y contundencia del jazz fusión bien interpretado, en el disco queda floja, plana y edulcorada. Como el resto de temas.

Una pena, porque composiciones como la pegadiza “Slip ‘n’ Side” o la casi bailable “Traveling Light” merecían mejor suerte, pero Veasley (de segunda ocupación disc jockey) eligió el camino de la radio comercial, alejándose no sólo de la faceta de bajista estrella (se agradece) sino de la improvisación jazzística, con independencia del estilo. Desde ese punto de vista Your Move es un bombazo, a buen seguro hará las delicias de dentistas, ascensoristas y ligones cansados de la voz de Barry White.

Arturo Mora Rioja




Rocío Faks - Everness


Composiciones: “Los Enigmas” (poema de Jorge Luis Borges, música de Joe Smith), “Bicho Solto” (Djavan; arreglos de Marco Mesquida), “Eu Ñao Existo Sem Voce” (A.C. Jobim), “Durazno Sangrando” (Luis A. Spinetta; arreglos de Rocío Faks), “E Luxo So” (Ary Barroso; arreglos de Joel Moreno), “Everness” (Poema de Jorge Luis Borges, Música de Joe Smith), “Zamba Del Laurel” (Gustavo Leguizamon; arreglos de Rocío Faks), “Bebê” (Hermeto Pascoal; arreglos de Ramón Ángel Rey), “O Bem Do Mar” (Ary Barroso).

Músicos: Rocío Faks (voz), Jordi Matas (guitarra eléctrica y acústica), Ismael Dueñas (piano), Masa Kamaguchi (bajo acústico) y Joe Smith (batería) con las apariciones especiales de Carlos Sarduy (trompeta), Alan Sousa (percusión), Gorka Benítez (flauta, saxo tenor), Zoila Herranz Pintado y Clara Sallago (coros).

Grabado en estudios 44.1 en Gerona (España).
Fresh Sound World Jazz FSWJ 039

Comentario: Gran disco el realizado por la cantante argentina Rocío Faks, compuesto por cinco temas en brasileño y cuatro en castellano y al que no se debe encasillar en el recurrido género jazz-bossa, pues se corre el peligro de truncar en exceso el contenido de este trabajo. Algo en lo que se incurre siempre que se etiqueta una obra de arte, pero que en este caso llevaría a una injusticia mayor dada la multicolor belleza que se encuentra en este CD, y que se puede describir desde varios prismas.

Desde el punto de vista del repertorio, con un crisol de compositores (donde solamente se repiten Joe Smith poniendo música a Jorge Luis Borges, y Ary Barroso).

Desde el punto de vista de los arreglos, con una variedad que permite disfrutar de las ya mencionadas composiciones sobre Borges, la sencillez de la vocalista en los arreglos sobre los compositores argentinos Luis A. Spinetta y Gustavo Leguizamon, y las bossa novas y baladas brasileñas que, siendo de célebres compositores brasileños (Ary Barroso, Jobim, Djavan y Pascoal), no son sus temas más escuchados.

Y finalmente observando a los músicos, un cuarteto “made in Fresh Sound” que se encarga de tejer el colchón jazzístico durante todo el disco, con espacios para mostrar su talento y cuya paleta se ve aumentada con el apoyo puntual de vientos, percusión y coros.

Al compás de esta belleza multicolor nos lleva la voz cálida, segura, con gran dominio del tempo, sin superfluos alardes técnicos y con gran versatilidad de Rocío Faks, una voz que consigue transmitir sentimientos en todos los temas, y que muestra una perfecta comunión con los miembros del cuarteto, a este respecto resulta expresivo el dúo voz-contrabajo en “Eu Ñao Existo Sem Voce”.

Un puente colgante, o quizás deba decir un “puente jazzeante” entre Argentina y Brasil alzado desde Barcelona por una excelente vocalista que comparte el protagonismo con los músicos que le acompañan, consiguiendo un poco frecuente equilibrio entre instrumentos y voz en otros discos de jazz vocal.

Víctor Bobeche




Kevin Brow - Koptor


Composiciones: “Fograbbit”, “Maske I Overmorgen”, “How Does Water Flow”, “Outer Spokes Center Hole”, “Underground”, “Imaginary Lines”, “Black Bear” (Brow, Opsvik, Sacks, Mosher), “Jeg Gjorde Det I Forgars”, “First New Koptor”, “Second New Koptor”, “Third New Koptor”, “Kobs Mejkr” (Brow, Opsvik, Sacks, Mosher).

Todos los temas compuestos por Kevin Brow, excepto donde se indica.

Músicos: Rob Mosher (saxo soprano, corno inglés), Jacob Sacks (piano), Eivind Opsvik (contrabajo) y Kevin Brow (batería).

Fresh Sound New Talent FSNT 314

Comentario: El batería canadiense afincado en Dinamarca Kevin Brow publica Koptor, dando así nombre a su proyecto, un cuarteto de saxo, piano, contrabajo y batería.

El proyecto está basado en composiciones propias del baterista, composiciones con un marcado carácter rítmico, y en general eludiendo la complejidad armónica, buscando especialmente la sorpresa en los arreglos y cambios de ritmo, y la interlocución entre los cuatro integrantes del cuarteto, en un entorno cargado de lirismo.

En este contexto la rítmica, protagonista, se muestra robusta, contundente y dinámica, esto último gracias a la capacidad de escucha y acentuación del líder del cuarteto, apoyado por el contrabajista noruego Eivind Opsvik, al que le gusta explotar las posibilidades melódicas de su instrumento, y a quien se puede escuchar en sus dos trabajos como líder y en un importante número de discos publicados por el sello Fresh Sound.

Subrayando el lirismo del disco se encuentran Rob Mosher, cuyas intervenciones al saxo alto y especialmente al corno inglés se funden con el resto del cuarteto, rozando el sonido camerístico; y el pianista Jacob Sacks, sin duda un hombre fundamental en la música del cuarteto, con intervenciones inteligentes y evitando alardes técnicos, lo que le permite estar siempre abierto a la interlocución con el resto del grupo.

El cuarteto llega a momentos brillantes, como en “Jeg Gjorde Det I Fogars” y “How Does Water Flow”, composiciones modales donde se lucen Sacks y Mosher, destacando también los cortos pasajes a modo de interludios que se suceden durante el disco.

Un disco que muestra un jazz aparentemente relajado, pero cargado de sorpresas, de interacción, de melodía. Y que, en contra de lo que se podría pensar por su sencillez armónica, se disfruta más con cada escucha.

Víctor Bobeche




Ambrose Akinmusire - Prelude (To Cora)


Composiciones: “Dreams of the Manbahsniese”, “Vibe Solo/Intro”, “Aroca”, “HumSong” (Skidrow Anthem), “M.I.S.T.A.G. (My Inappropriate Soundtrack To A Genocide)”, “Trumpet Intro/Dedication To Ruby”, “Ruby”, “Trapped In A Dream” (Aaron Parks), “Dingmandingo” (Walter Smith III), “Stablemates” (Benny Colson).

Todas las composiciones por Ambrose Akinmusire excepto donde se indica.

Músicos: Ambrose Akinmusire (trompeta), Walter Smith III (Saxo tenor), Aaron Parks (piano), Joe Sanders (contrabajo), Chris Dingman (vibráfono) y Justin Brown (batería) con las intervenciones especiales de Junko Watanabe (voz) y Logan Richardson (Saxo alto).

Fresh Sound New Talent FSNT 312

Comentario: El trompetista Ambrose Akinmusire, con apenas 26 años y un currículo como acompañante en el que aparecen nombres como Joe Henderson, Billy Higgins, Joshua Redman o Steve Coleman, publica su primer álbum Prelude, dedicado abiertamente a Cora, su madre.

Este primer trabajo, un compendio de variadas influencias jazzísticas contemporáneas sin definirse claramente hacia ninguna, deja pinceladas de muchas ideas que posiblemente desarrolle en posteriores discos.

Tras las primeras reminiscencias de fusión cercana a Return To Forever en “Dreams Of The Manbahsniese”, disfrutamos con los ritmos modernos de “HumSong”, con un ritmo muy cercano al drum’n’bass, si bien el exquisito sonido de CD impide que la batería se erija en protagonista; el sonido espiritual en “M.I.S.T.A.G. (My Inappropriate Soundtrack To A Genocide)” que por momentos recuerda a la etapa trascendental de Coltrane; el vals “Rubi” donde apreciamos el bello sonido de la trompeta de Akinmusire; y el romántico “Trapped In A Dream”, uno de los pasajes más bellos del disco, y que resume la carga de lirismo que contiene el trabajo.

Entre este eclecticismo destaca especialmente Aaron Parks, con intervenciones brillantes, y muy inteligente en el acompañamiento tanto con el piano acústico como el eléctrico aprovechando los momentos en los que coincide. También destaca Justin Brown, activo a lo largo de todo el trabajo y también con intervenciones brillantes.

Un primer disco recomendable y un buen preludio, que invita a seguir a este joven trompetista de bello sonido en futuros trabajos.

Víctor Bobeche




William Parker Quartet - Petit Oiseau


Composiciones: 1.- “Groove Sweet” 17:56 2.- “Talaps Theme” 5:29 3.- “Petit Oiseau” 9:33 4.- “The Golden Bell” 6:23 5.- “Four For Tommy” 4:04 6.- “Malachi’s Mode” 8:04 7.- “Dust From A Mountain” 5:52 8.- “Shorter For Alan” 12:37

Todos los temas compuestos por William Parker

Músicos: Rob Brown (saxo alto; clarinete en 7), Lewis Barnes (trompeta), William Parker (contrabajo; flauta india en 7), Hamid Drake (batería; pandero y balafón en 7)

Grabado en diciembre de 2007 en System Two Studios, Brooklyn. Editado en 2008 por AUM Fidelity. AUM050

Comentario: Resulta sorprendente el poder de evocación que tiene cierta música. En el caso de Petit Oiseau, la tercera grabación del William Parker Quartet, las sensaciones durante la primera escucha son las mismas que las del año 2001 con O’Neal’s Porch (Centering Music, editado en 2002 por AUM Fidelity), la primera grabación de este mismo cuarteto. Por fortuna para quienes nos maravilló esta primera obra, este disco presenta pocas novedades. En esta grabación aparecen de nuevo en acción un cuarteto de músicos algo más que competentes que trabajan a partir de un puñado de magníficas composiciones de William Parker. Éstas son expuestas empapadas de un potente groove que es obra de ese tándem rítmico imprescindible que forman desde hace muchos años Hamid Drake (batería) y William Parker (contrabajo). Sobre esta sólida base el cuarteto realiza unos desarrollos en los que además de los correspondientes solos, las interacciones atentas entre los músicos, sean estas predeterminadas o no, toman un papel fundamental.

De este modo aparecen pequeñas joyas como “Malachi’s Mode” en 3/4, los doce minutos de “Shorter For Alan”, el toque espiritual de “Dust From A Mountain”, “Petit Oiseau” con sus aromas bop o los 17 minutos de “Groove Sweet”, una pieza que recoge los temas “Hamid’s Groove”, “Groove #7” y “Daughter’s Joy”. El resultado es un disco imprescindible.

José Francisco “Pachi” Tapiz




Tim Hagans - Alone Together


Composiciones: “See You Again”, “Not Even The Rain”, “Sweet Peach Tree”, “Over And Back”, “You Don’t Know What Love Is”, “Alone Together”, “Stella By Starlight”

Músicos: Tim Hagans (trompeta), Marc Copland (piano), Drew Gress (contrabajo), Jochen Rückert (batería)


Grabado en Munich, en noviembre de 2006 por Jason Seizer.
Pirouet Records. 2008.
PIT3030

Comentario: Alone Together viene a confirmar las señas de identidad de esa nueva etapa en la trayectoria de Tim Hagans que augurábamos al comentar Beatiful Lily, su debut en Pirouet Records. La grabación del nuevo trabajo del trompetista tuvo lugar inmediatamente después de la gira que este grupo realizó por Europa en noviembre de 2.006. Acompaña aquí a Hagans el mismo trío que registró, a nombre de Marc Copland, los excelentes Haunted Heart And Other Ballads y Some love songs.

Todo ese rodaje previo se transmite con naturalidad al disco en forma de fluidez, confianza y redondez sonora, y posibilita que la aparentemente caprichosa asimetría que lo conforma (los cuatro primeros cortes son originales de Copland, los tres últimos son conocidos standards) no entorpezca para nada su discurrir. La sombra de Miles (en especial la de su segundo gran quinteto), inspira y sobrevuela una vez más una grabación de Hagans, aunque su influencia no llega a ser asfixiante. Casi toda la atmósfera de Alone Together está impregnada de aquella intangible sofisticación que aún hoy continúa seduciéndonos. Además de la voz davisiana del líder, están esa indefinición rítmica propia de Tony Williams que Rückert suaviza, haciéndola suya, y esos amplios espacios que tan bien administraban Ron Carter y Herbie Hancock para las improvisaciones de los solistas. La trompeta de Hagans, moviéndose generalmente en los registros medios, propicia este post bop, enérgico en el fondo y más bien sereno en la forma, que comparte con la de Davis ese indagar constante que la lleva en multitud de direcciones sin ofrecer respuestas, pasando sin solución de continuidad de una pregunta a otra, impregnándolo todo de un dinamismo contagioso.

Aunque Copland -con ese pianismo reflexivo, deliverado, tendente a un lirismo abstracto- tiene en muchos aspectos una aproximación diametralmente opuesta a la música del trompetista, su conexión con Hagans es excelente debido a que ambos gozan dejando sus discursos abiertos (aquí el piano tiende a cerrar de algún modo su línea principal, dejando en el aire multitud de posibilidades secundarias, mientras que la trompeta desarrolla numerosos discursos consecutivos, casi todos inconclusos). La participación del pianista en la grabación resulta esencial, por el rico y comedido sustento que proporciona al grupo, por sus composiciones y por la lectura que hace de los standards, transformados cada uno de ellos en un guante para su teclado.

No obstante, no predominan aquí esos climas líricos e introspectivos tan característicos de los álbumes de Copland con Gress y Rückert; la tarea del contrabajista y del batería discurre en esta ocasión fundamentalmente por senderos más rítmicos, cocinando para las composiciones una plataforma sólida y llena de swing desde la que los solistas se zambullen con fruición.

Los cortes de tiempos lentos merecen de todas maneras ser destacados: “Not even rain”, con una delicada introducción del trío; “You don't know what love is”, con un delicioso monólogo de Hagans, y un “Stella by starlight” desgranada con elegancia sobre las escobillas de Rückert.

Carente de la pretensión de ser una grabación memorable, Alone Together posee valores innegables entre los que destaca esa brillante ejecución individual y colectiva que recorre el disco, con unos músicos que saben plasmar en todo momento su personalidad sin zancadillear el sonido resultante y, de hecho, potenciándolo. Un álbum en el que talento, modestia y solvencia se dan la mano con un resultado notable.


Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Marcelino Galán - Zinco


Composiciones: “SuperKurt”. “Campeonciño”. “Castaño oscuro”. “Waiting 4 Max”. “El pequeño Lucas”. “Moquina”. “Xacoblues”. “Emiles”.
Todos los temas compuestos por Marcelino Galán.


Músicos: Marcelino Galán (guitarra), Pablo Castaño (saxofón alto), Manuel Gutiérrez (piano), Xacobe Martínez Antelo (contrabajo) y Max Gómez (batería)

Grabado en Santiago de Compostela el 25 y el 26 de agosto de 2007.
Producido por Marcelino Galán.
Free Code Jazz Records FC34CD


Comentario: A quienes hayan seguido los pasos al jazz hecho en Galicia en estos últimos años, no les debería asombrar que una propuesta como la que Marcelino Galán y sus compañeros nos acercan en este Zinco resulte tan estimulante. Sin embargo, uno no puede dejar de sorprenderse y disfrutar de las pinceladas de buen gusto que van salpicando el disco aquí y allá.

Los músicos, que ya han compartido diferentes proyectos, jam sessions, giras y trabajos discográficos se entienden como verdaderos amigos y el quinteto respira como un solo hombre.

Desde el comienzo (un tema dedicado a Kurt Rosenwinkel), percibimos que Galán se muestra más interesado por el sonido del grupo que por los lucimientos personales. Marcelino no es de esos guitarristas que acaban yendo deprisa a ninguna parte. Nada de exhibicionismos huecos ni de gestos sobreactuados: su trabajo (con ese sonido pulcro y limpio y ese fraseo sorprendentemente sencillo) gana enteros en su improvisación conjunta con Pablo Castaño al final de “Castaño Oscuro”, o en “Xacoblues”, donde sabe encontrar y sostener perfectamente el pulso del tema.

El sonido sedoso que extrae Pablo Castaño del saxo alto sobrevuela toda la grabación, pero es quizá en “Moquina” donde el saxofonista consigue su mejor intervención: tras un sereno comienzo, la temperatura emocional de su improvisación se va elevando (siempre esa rítmica impecable, tan atenta) para concluir tras una catarsis sonora nada aparatosa pero sí muy emocionante. Manuel Gutiérrez ofrece en todo momento ese piano suyo tan particular, que extrae petróleo emocional a partir de una engañosa sencillez llena de tensión oculta (“Campeonciño”, “El Pequeño Lucas”, “Emiles”). También Xacobe y Max Gómez dejan buena muestra de cómo saben manejar una improvisación: en “Waiting 4 Max” podemos disfrutar de ambos, primero de Xacobe y luego de Max (tras un sorprendente final en falso del tema). Hay que destacar también el imponente sonido que nos ofrece el contrabajista en la introducción del precioso “Xacoblues”, lleno de una emoción sabiamente dosificada.

Pero, por encima de las improvisaciones individuales, es de resaltar el trabado sonido conjunto de este grupo. El sólido y dinámico triángulo que conforman Manuel Gutiérrez, Xacobe Martínez Antelo y Max Gómez es esencial en el resultado de la grabación, por la atención con que saben escuchar al conjunto y por la rapidez y solvencia con que interaccionan con él.

Las composiciones (pensadas especialmente para los miembros de este quinteto) y los arreglos muestran el gusto del líder por un lenguaje directo y seductor, un bop actualizado que cuando se ciñe a maneras más clásicas suena ligeramente insustancial (“SuperKurt”, “Castaño Oscuro”) pero que al desprenderse de clichés externos cobra verdadera fuerza (“Campeonciño”, “Moquina”).

Tras las buenas señales que asomaban en discos como Roho (su debut como líder, en cuarteto) e Isto e Jazz! (con el quinteto de Martínez Antelo), Zinco perfila con nitidez a Marcelino Galán como un músico maduro, preparado para emprender nuevos y gratificantes desafíos.


Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Esperanza Spalding - Esperanza


Composiciones: “Ponta de areia” (Fernando Brant/Milton Nascimento), “I Know You Know”, “Fall In”, “I Adore You”, “Cuerpo y alma (Body And Soul)” (Johnny Green/Edward Heyman/Robert Sour), “She Got To You”, “Precious”, “Mela”, “Love In Time”, “Espera”, “If That’s True”, “Samba em preludio” (Baden Powell/Vinicius de Moraes)

Todas las composiciones por Esperanza Spalding, excepto donde se indica.

Músicos: Esperanza Spalding (voz, contrabajo, bajo acústico), Donald Harrison (saxo alto), Ambrose Akinmusire (trompeta), Leo Genovese (piano y Wurlitzer), Niño Josele (guitarra española), Otis Brown (batería y coros), Horacio “El Negro” Hernández (batería), Jamey Haddad (percusión), Gretchen Parlato (coros) y Theresa Pérez (coros)

Grabado en Wellspring Sound (Acton, Massachusetts, Estados Unidos) y Big Time Audio (Jonesborough, Tennessee, Estados Unidos).
Heads Up 3140

Comentario: Haciendo honor a su nombre de pila y al título de este su segundo disco (primero para Heads Up International), Esperanza Spalding aporta un soplo de aire fresco a la actualidad jazzística con su música de agradable escucha pero en absoluto trivial. Contrabajista de extraordinaria técnica, en Esperanza muestra evidentes progresos en su faceta de cantante, presente en la mayoría de cortes del CD. En algunos casos interpreta sonidos sin palabras, a veces al unísono con otros instrumentos melódicos (como en “Mela”, dedicada al batería cubano Francisco Mela). En otras ocasiones canta letras en inglés, portugués, e incluso se atreve con una traducción al castellano de “Body And Soul”.

La voz de la Spalding suena dulce, aterciopelada, y a la vez segura y llena de intención. En la elección del repertorio muestra una clara predilección por la música brasileña, abriendo el disco con el “Ponta de areia” de Milton Nascimento y cerrándolo con la “Samba em preludio” de Baden Powell a dúo con el Niño Josele. Leo Genovese y Otis Brown asumen su papel de fieles escuderos de la líder, con Jamey Haddad aportando detalles percusivos. Como compositora, Esperanza despliega melodías pegadizas sobre secuencias de acordes cálidas, en muchos casos con un riff de contrabajo de fondo. “I Know You Know”, “Fall In”, “Precious” o, especialmente, “I Adore You”, son temas que a buen seguro despertarán el interés del público en directo.

Esperanza Spalding es mucho más que una cara bonita. En su nuevo CD demuestra concepto, lirismo y sobradas habilidades técnicas, en un compendio de estilos que incluye al soul y a la bossa nova con el jazz como firme vigilante. Esperemos que no le quite ojo.

Arturo Mora Rioja




David Liebman & Ellery Eskelin - Renewal


Composiciones: “Cha” (Jim Black), “The Decider” (Ellery Eskelin), “Out There” (take 2) (Eric Dolphy), “Renewal” (David Liebman), “Palpable Clock” (Tony Marino), “Dimi And The Blue Man” (David Liebman), “IC” (Ellery Eskelin), “Free Ballad” (Liebman, Eskelin, Marino, Black), “Out There” (take 1) (Eric Dolphy).

Músicos: David Liebman (saxo tenor), Ellery Eskelin (saxo tenor), Tony Marino (contrabajo), Jim Black (batería y percusión).

Grabado el 27 de junio de 2007 en Systems Two, New York City. Publicado en 2008 por hatOlogy. HatOLOGY 654

Comentario: Renewal es la segunda grabación del grupo formado por Dave Liebman, Ellery Eskelin, Tony Marino y Jim Black. El cuarteto se estrenó en 2005 tras la publicación de Different But The Same también en hatOlogy. En el tiempo transcurrido entre estas dos grabaciones los cuatro músicos han actuado bajo la denominación que daba título a su primer disco.

Aquella primera grabación de estos cuatro músicos fue una relativa sorpresa. Aparentemente los estilos de Ellery Eskelin y David Liebman son muy diferentes entre sí. A ello se unía el hecho de que cada uno de estos músicos incorporaba a uno de sus acompañantes habituales a la nómina de participantes en ese disco: Jim Black es el casi sempiterno acompañante de Eskelin, mientras que Tony Marino lleva colaborando con Liebman desde 1991. Por estos motivos la impresión previa a la escucha de esa primera grabación fue la de estar ante un experimento puntual; una formación de estudio, más que un grupo como tal. Sin embargo la escucha y disfrute de ese primer disco sirvieron para mostrar la inexactitud que a veces pueden llevar incorporadas las primeras impresiones.

Y en 2008 llega Renewal. Una de las novedades está relacionada con el repertorio escogido. En el primero la mitad de los temas, de algún modo, eran composiciones ajenas al grupo. En Renewal el repertorio ajeno se reduce a dos tomas del “Out There” de Eric Dolphy, cuya diferencia es el orden en que Eskelin y Liebman realizan sus respectivos solos. Por otra parte, en el primer CD Eskelin y Liebman eran los compositores de todos los temas propios del grupo. En esta ocasión además de los saxofonistas, tanto el batería Jim Black como el contrabajista Tony Marino aportan sendos temas, lo que incide en incrementar la variedad de la propuesta. De esa manera hay momentos en los que uno no sabe exactamente en qué lugar está el límite entre lo compuesto y lo improvisado (“IC –Instante Counterpoint” de Eskelin), aproximaciones al blues (“Palpable Clock” de Marino), un 7/4 juguetón (“Cha” de Jim Black, en el que el batería está especialmente brillante), un par de preciosas baladas (“Renewal” de Liebman y la breve “Free Ballad” compuesta por los cuatro músicos), una composición estructurada en diferentes secciones (“The Decider” de Eskelin), un tema con ciertos tintes étnicos (“Dimi And The Blue Man” de Liebman), junto a las dos versiones de uno de los temas más recomendables de Eric Dolphy.

Y quizás no merezca la pena comentar mucho más, sino recomendar encarecidamente la escucha de esta grabación, que supone un gran salto cualitativo respecto al estreno discográfico de este cuarteto.

José Francisco “Pachi” Tapiz




Rufus Wainwright - Rufus Does Judy


Composiciones: “Overture”, “When You’re Smiling”, “Almost Like Being In Love/This Can’t Be Love”, “Do It Again”, “You Go To My Head”, “Alone Together”, “Who Cares”, “Puttin’ On The Ritz”, “How Long Has This Being On”, “Just You, Just Me”, “The Man That Got Away”, “San Francisco”, “That’s Entertaintment”, “I Can’t Give You Anything But Love”, “Come Rain Or Come Shine”, “You’re Nearer”, “A Foggy Day”, “If Love Were All”, “Zing!”, “Stormy Weather”, “You Made Me Love You/For Me And My Gal/The Troley Song”, “Rock-A-Bye Your Baby With A Dixie Melody”, “Over The Rainbow”, “Swanee”, “After You’ve Gone”, “Chicago”

Músicos: Rufus Wainwright (voz), acompañado por orquesta de treinta y seis músicos dirigida por Stephen Oremus

Grabado en directo en el Carnegie Hall, New York, los días 15-16 de Junio de 2.006.
Geffen Records, 2.007.


Comentario: Todos sabemos que la perfección es un esquivo aliado, quizá un engañoso objetivo. Es, además, una impresión muy subjetiva que se relaciona directamente con el modo de sentir de cada uno de nosotros. La perfección, pues, como algo absoluto, no existe. Sin embargo, a veces sentimos el impulso de otorgarsela a grabaciones que nos parecen especialmente equilibradas, bien planteadas o resueltas. Se trata de perfecciones parciales, acotadas, un poquito menos subjetivas que la temible perfección absoluta.

Rufus Wainwright es uno de los músicos que más me ilusionan de unos años a esta parte. Es un músico de asombrosos descaro vital y ambición musical… el descaro le confiere un atractivo irresistible, la ambición desemboca en grabaciones maravillosas. Curiosamente, cada una de esas grabaciones me emocionan enormemente pero me dejan con la sensación de ser tremendamente imperfectas: digamos que no podría comentar honestamente que tienen esas perfecciones parciales que mencionaba antes. aunque ganas me dan, y sería muy capaz de forzar mi honestidad en este caso.

Espero que no sea preciso, la música de Wainwright se sostiene envidiablemente sobre esa escurridiza imperfección. Sus discos no resultan quizá del todo redondos, pero suele ser más por una cuestión de forma que de fondo: es uno de los pocos músicos que conozco que consigue estar a la altura de una ambición musical inalcanzable.

¿Qué se le pasa por la cabeza a un músico como Rufus Wainwright para lanzarse con indudable entusiasmo en pos de un proyecto tan descabellado como este? Rufus Does Judy es la reproducción literal de un exitoso disco de Judy Garland de 1.961, grabado en el famoso local neoyorkino: Wainwright reinterpreta los temas (todos ellos extraidos cancionero norteamericano, y muchos de sobra conocidos por el aficionado al jazz) y los arreglos de aquella noche, ¡y hasta algunas de las bromas!

Las sensaciones, ya antes de escuchar la grabación, son contrapuestas: por un lado, es difícil no sentir simpatía ante un empeño tan descabellado pero, sin duda, honesto; por otro, también es difícil no cuestionarse el por qué de este megalómano capricho.

En cuanto a los motivos, el hecho de que alguien tan comprometodo como Wainwright con la lucha por la igualdad social entre hetero y homosexuales, además de ser un deslumbrante provocador al respecto (basta recordar los colofones de los conciertos de sus últimas giras para hacerse una idea: en 2.005 interpretaba “Gay Messiah” crucificado en el escenario, con los músicos disfrazados de soldados romanos; en 2.007 procedía, sin música, a travestirse parsimoniosamente en escena, en albornoz, para entregarse luego con sus músicos a una hilarante coreografía al ritmo de un optimista “Get Happy”), reinterpretar tal cuál una grabación que en su día fue simbólicamente abrazada por la comunidad gay puede dar algunas pistas: sin duda Wainwright no pretende sugerir que nada ha cambiado, pero sí es cierto que queda todavía demasiado por hacer al respecto, y que las leyes están muy por delante de gran número de personas.

Pero las motivaciones de los músicos a la hora de implicarse en determinados proyectos, por buenas que sean, no influyen en la calidad del resultado; por eso conviene dejar de lado todo ello a la hora de enfrentarse con la música. Y el caso es que cuesta entrar en esta grabación: resulta en principio dificil de digerir para el aficionado a Rufus porque son temas muy alejados de los suyos y la conexión con ellos resulta algo forzada (se nota que se trata de un proyecto grabado sin apenas rodaje); y también es costoso para los aficionados al cancionero representado, pues la interpretación del cantante es inusualmente “imperfecta” (suple un estilo más acabado y perfectamente afinado con poderío vocal, frescura y una intención gozosamente lúdica, aunque en ocasiones esas frases levemente desafinadas llegan a molestar –“When You’re Smiling”-), Wainwright no trata de “firmar” los temas a toda costa, los expone sin manierismos, centrandose en el repertorio.

Pero en general la escucha de Rufus Does Judy resulta enormemente disfrutable, y el difícil empeño se salda con buena nota. Vale la pena resaltar la ajustada interpretación de “Almost Like Being In Love/This Can’t Be Love”; la fantástica, etetea atmósfera lograda en “Do It Again”, combinando un arreglo sutil y atento con el precioso falsete de Wainwright; el arrebatador, vibrante “You Go To My Head”; el genuino dramatismo de la revisión de “Alone Together”; la extrovertida inyección de optimismo de “That’s Entertaintment” y “Zing!”; la sensibles, emocionantes revisiones de “A Foggy Day” y “If Love Were All”, acompañado únicamente por el piano… En cambio el forzado, deliverado estilo vocal de de Martha Wainwright, que interpreta “Stormy Weather”, choca frontalmente con la naturalidad pasmosa de Rufus y, aunque a menudo estos choques resultan musicalmente constructivos, en este caso el tema supone un bache en el tercio final del concierto.

En definitiva, aún careciendo de la fascinante brillantez de Release The Stars (también publicado en 2.007), Rufus Does Judy supone un interesante y gozoso jalón en la carrera musical de este músico tan sorprendente como ilusionante.


Ricardo Arribas




Marilyn Crispell - Vignettes


Composiciones: “Vignette I”, “Valse Triste”, “Cuida Tu Espíritu” (Nelson), “Gathering Light”, “Vignette II”, “Vignette III”, “Vignette IV”, “Vignette V”, “Sweden”, “Once”, “Axis”, “Vignette VI”, “Vignette VII”, “Ballade”, “Time Past”, “Stilleweg” (Henriksen), “Little Song For My Father”

Todas las composiciones de Marilyn Crispell excepto las que se indican.


Músicos: Marilyn Crispell (piano).

Grabado en abril de 2.007. ECM Records, 2008.


Comentario: “Vignette I”.- La vida suele mantenernos demasiado ocupados como para que sea frecuente que nos sentemos tranquilamente con ánimo de contemplar la evolución de nuestros sentimientos con respecto a nuestro propio pasado. Este corte de Marilyn Crispell no induce directamente esa reflexión en el oyente, pero podría muy bien haber servido a la pianista para aislarse de la tiranía del reloj y dar paso a una tal reflexión. Suponiendo que así hubiese sido, lo que sigue es la historia improbable de ese tiempo, de esa reflexión generosamente compartida por Crispell con este oyente todavía fascinado por la experiencia.

“Valse Triste” / “Cuida Tu Espíritu”.- Nos asomamos a un abismo cruel. Hay sensaciones intensas y hermosas que quedaron atrás hace años, y que duele revivir desde el recuerdo. No es que los años nos impidan vivir de nuevo sensaciones similares, es que el dolor que provocó entonces el abrupto final de aquellas vivencias nos vacunó irremisiblemente contra ellas. Creimos que jamás remontaríamos el vuelo, creimos que el corazón se rasgaría sin remedio, que la vida había tocado techo antes de tiempo, que restaba tan solo una enfermiza, angustiosa agonía… pero el tiempo sofocó el incendio finalmente, y quedamos inermes, exhaustos, huecos, insensibles. Hoy recordamos desde una distancia insalvable, contentos de haber vivido todo aquello, añorando los momentos dulces por bellos, añorando los amargos por intensos. Resultó que sí había un futuro, provechoso y hasta dichoso. Hoy el dolor es otro, hoy lamentamos haber perdido aquella inocencia suicida, aquella gallardía imposible. ¿A cambio de qué? Parece ahora que negociamos calor en la sala y tibieza en las venas a cambio del viento en el rostro y la sangre hirviendo en el pecho.

“Gathering Light”.- Se hace preciso mirar hacia otro lado: la emoción continúa a flor de piel, pero logramos deshacer el abrazo amargo del recuerdo y percibimos, por unos instantes, imágenes algo más luminosas que en seguida se van densificando… una vez arrancada la costra, será preciso enfrentarse a las heridas todavía abiertas, restañarlas, cicatrizarlas.

“Vignettes II-V”.- Hemos llegado al fondo de nuestro pequeño exorcismo. Ahora pasamos alternativamente del más absoluto yermo mental a un estado de rabia resignada, que es más una pretensión que una rebelión cierta…

“Sweden”.- Poco a poco, casi sin darnos cuenta, vamos recuperando las riendas. Pensar que solo las alocadas vivencias del pasado son vividas al cien por cien no es más que una alucinación malsana. El tiempo proporciona una capacidad de análisis que matiza, sí, nuestra postura ante las cosas, y que nos permite, a la larga, llegar más lejos. Las vivencias extremas de entonces eran, muchas veces, artificiosamente intensas; hoy, más viejos, quizá más sabios, sabemos saborear las cosas acercándonos más a su valor real que al que queremos otorgarles… aunque a menudo ese valor sea menor que aquel otro, tan ardiente, que le dábamos antaño. No se trata de desacreditar al pasado sino de ponerlo en su justo lugar, como la parte de nuestra existencia que verdaderamente es, con sus luces y sus sombras, con su energía tan alegre, inconscientemente derramada, una barahunda de recuerdos de quienes ya no somos, de quienes fuimos, de quienes siempre seremos.

“Once”- Volvemos a echar un vistazo al pasado, solo que ahora nuestra rememoración rezuma cariño y el zarpazo de la añoranza se compensa con la satisracción que supone haber vivido aquellas experiencias. Energía y foco; dos armas esenciales que ahora nos asisten en nuestra aventura. Tristes y hermosos, los recuerdos enriquecen nuestro presente y vaticinan un futuro vibrante.

“Axis” / “Vignettes VI-VII”.- Nos dejamos llevar por la recien recuperada confianza, ese valor que se retroalimenta por sí solo. Hay cierta severidad en nuestros movimientos, pero la energía vibra de nuevo en nuestro interior y sentimos con viveza su zumbido. El mundo, tal cuál es, contiene su propio código de belleza, que nos disponemos a redescubrir.

“Ballade” / “Time Past”.- Después del pequeño calvario sufrido a cuenta del pasado, que parecía dejar al presente convertido en un hueco, absurdo castillo de humo, resulta edificante constatar que tal no ha sucedido: nuestra mirada, por fin serena, atenta, abierta, se pasea sobre un paisaje lleno de posibilidades vitales, de multicolores sensaciones a saborear. Solo tenemos que alzar los brazos y dejarnos mecer por la suave brisa, que nos llena de modo diferente que los huracanes de antaño, de manera más sutil y plena, más rica y compleja. Queda un poso ligeramente amargo, un poso que suma en lugar de restar, terminando de matizar el momento.

“Stilleget”.- Y al fin un instante sencillamente alegre. Ligera, leve, llena de sentido, la alegría nos masajea con su grácil torbellino vital.

“Little Song For My Father”.- Ignoro qué motivo indujo a Marilyn Crispell a rematar esta formidable grabación con un tema en recuerdo de su padre. Supongo que el periplo narrado en las líneas anteriores es solo producto de la colisión entre la música de Crispell y la conciencia de un servidor, quizá especialmente sensible a esta música en concreto. En todo caso, finalizar este pequeño exorcismo regresando a un pasado no tan lejano, y particularmente doloroso, fue para mí la constatación de que las creaciones de la imaginación pueden ser, son, no solo reales sino más sólidas que cualquier otra.


Quizá están faltando adjetivos en esta reseña: haced el favor de considerarle aplicados los mejores, de mi parte; creo que no hace falta explicitarlos. También puede que falte una descripción más clara de la música que contiene el CD: supongo que podría definirse como una grabación de Crispell a piano solo en la línea de sus otras grabaciones, en trío, para ECM. Quienes no hayan escuchado demasiado a Marilyn Crispell puede que desconfíen de estas grabaciones: hacen bien, sumergirse en esta música puede resultar provechoso o esteril en función del oyente. En cambio quienes conozcan la obra de la pianista sabrán que vale la pena arriesgarse.


Ricardo Arribas




Mauger - The Beautiful Enabler


Composiciones: “Acuppa”, “Bearings”, “Flac”, “Intone”, “The Beautiful Enabler”, “I'll See You When I Get There”, “Meddle Music”

“Acuppa” y “Meddle Music” compuestos por Gerry Hemingway, “Flac” y “The Beautiful Enabler” por Mark Dresser, “Intone” y “I'll See You When I Get There” por Rudresh Mahanthappa y “Bearings” por Hemingway, Dresser y Mahanthappa.


Músicos: Rudresh Mahanthappa (saxo alto); Mark Dresser (contrabajo); Gerry Hemingway (batería).

Grabado en Nueva York el 17 de diciembre de 2006. Publicado en 2008 por Clean Feed Records. CF114.


Mark Dresser / Ed Harkins / Steven Schick - House Of Mirrors


Composiciones: “Xonia”, “Flumbus”, “Scrubble”, “Oscula”, “Rebus”, “Floxy”, “Moa”, “Scuzzy”

Todos los temas compuestos por Mark Dresser y Ed Harkins.


Músicos: Ed Harkins (varias trompetas y melófono); Mark Dresser (contrabajo con pastilla “surrealista” diseñada por Kent McLagan); Steven Schick (multiples percusiones)

Grabado en la Universidad de California-San Diego en enero de 2006. Publicado en 2008 por Clean Feed Records. CF117.

Comentario: Mark Dresser es un músico profundo, experimentador e inteligente. Desde hace décadas se ha dedicado a pasear por los paisajes del jazz en busca de cosas nuevas que decir, tanto en su faceta de contrabajista, como en la de líder y compositor. Muchos palos ha tocado en este tiempo y nunca ha resultado decepcionante; sus aventuras le han llevado a formar parte de algunos de los grupos mas emocionantes de los últimos años y a participar e incluso liderar decenas de discos memorables.

El sello portugués Clean Feed es uno de los que más (y mejor) ha documentado su trabajo reciente, desde su solo de contrabajo Unveil al fantástico dúo con Roswell Rudd, Airwalkers. Ahora salen de golpe dos grabaciones más protagonizadas por Dresser pero, como suele ser habitual en él, tratadas de una forma colectiva.

Mauger es un super-trío, un all-stars, un dream-team o como se le quiera llamar. El hecho está formado por Rudresh Mahanthappa, Mark Dresser y Gerry Hemingway, tres músicos que con su sola presencia avivan el interés por una grabación, con lo que verles juntos hace salivar el oído rápidamente.

Teniendo en cuenta la versatilidad de cada uno de ellos, de buenas a primeras es difícil saber con qué nos vamos a encontrar, al menos en cuanto a enfoque (la calidad está más asegurada). Afortunadamente ninguna personalidad solapa a otra, y los tres se ven completamente representados, tanto a nivel instrumental como compositivo. En The Beautiful Enabler hay lugar para composiciones de todos ellos e incluso para una creación colectiva.

Lo mágico del disco es que transmite una sensación de flexibilidad que hace que, reconociendo claramente el carácter particular de cada músico, todo fluya como un “todo” poli-estilístico, como si los tres instrumentos se abrazasen con fuerza hasta amoldarse milimétricamente uno a otro. Esta unidad confiere naturalidad al proyecto y, aunque Hemingway suena algo más contenido en ocasiones o Mahanthappa algo más clásico, la música respira y se expande por el aire, imbatible.

The Beautiful Enabler es una de las grabaciones ineludibles del año, y Mauger, uno de los grupos que más prometen de los aparecidos en los últimos años.

Con House Of Mirrors, el otro disco que nos ocupa, aflora la faceta más cercana a la música contemporánea de Dresser. Otro trío en este caso, muy diferente al anterior. Dresser decidió escribir todas estas composiciones inspirado en el libro pedagógico de ritmos de Edwin Harkins, una figura capital de la New Music y un virtuoso de la trompeta (en este disco toca hasta 6 modelos diferentes, todos poco habituales en el ámbito jazzístico). Dresser y Harkins, mano a mano, escribieron y desarrollaron el proyecto como dúo, ensayando ocasionalmente y llegando a actuar en una ocasión. Tiempo después Dresser se unió a la Universidad de California-San Diego, donde Harkins imparte clases desde hace años. Allí el proyecto tomó forma con la incorporación de Steven Schick, profesor de percusión de la UCSD y un nombre muy conocido en los círculos de la música contemporánea.

House Of Mirrors es un esfuerzo experimental, pero tremendamente asequible, en el que es difícil separar lo que es composición de lo que es improvisación. Afortunadamente, todo el disco posee una indudable libertad que le sitúa adecuadamente entre la música contemporánea y el jazz. Lejos de encorsetarse en caminos limitados o expuestos a demasiadas premisas iniciales, la variedad y desenfado de la grabación resulta refrescante.

El papel de Dresser, tan importante como el de Harkins, no es tan deliberadamente protagonista en una escucha parcial. Pero incluso Schick, que parece supeditado a un segundo plano, ve resurgir su papel a medida que se suceden las escuchas. House Of Mirrors es un proyecto completamente colectivo, imposible de llevar a cabo sin alguno de sus miembros pero, además, debe entenderse como un conjunto en todos sus aspectos. A pesar de la solidez independiente de la mayor parte de las piezas, es en una exposición completa en la que podemos percibir el carácter de la obra y los centenares de matices que contiene.

Ambos discos muestran dos caras de un mismo Mark Dresser, acompañado por personalidades tan interesantes como él. Un mismo Mark Dresser para músicas muy diferentes. Eso si, todas buenas.


Yahvé M. de la Cavada




Trio Viriditas - Live At Vision Festival VI


Composiciones: “Wind at the ear says June”, “And loudspeakers loyal to the sea's deep bass say June”, “Hiranyagarbha”, “Melancholy”, “A wind reads ruts saluting the blue silk beyond pain”, “Viriditas Waltz”, “Braggadocio”, “Fuer die Katz's deli(ght)+Starbucks”, “Peace”

Todos los temas compuestos por Alfred Harth, Wilber Morris y Kevin Norton excepto “Melancholy” por Morris, “Viriditas Waltz” por Norton, “Braggadocio” y “Fuer die Katz's deli(ght)+Starbucks” por Harth y “Peace” por Horace Silver.


Músicos: Alfred Harth (saxos, clarinetes, trompeta de bolsillo y voz); Wilber Morris (contrabajo); Kevin Norton (batería y vibráfono).

Grabado en Nueva York el 2 de junio de 2001. Publicado en 2008 por Clean Feed Records. CF115


Adam Lane / Lou Grassi / Mark Whitecage - Drunk Butterfly


Composiciones: “The Last of The Beboppers”, “Sanctum”, “Like Nothing Else”, “Chichi Rides The Tiger”, “Drunk Butterfly”, “Avanti Galoppi”, “Marshall”, “Imaginary Portrait”, “Five O'Clock Follies”

Todos los temas compuestos por Adam Lane excepto “The Last of The Beboppers” y “Avanti Galoppi” por Lou Grassi y “Like Nothing Else”, “Drunk Butterfly” y “Five O'Clock Follies” por Mark Whitecage.


Músicos: Mark Whitecage (saxo alto y clarinete); Adam Lane (contrabajo); Lou Grassi (batería).

Grabado el 18 de julio y el 7 de agosto de 2007. Publicado en 2008 por Clean Feed Records. CF116.

Comentario: Hay toda una comunidad de músicos underground que pasean su honestidad por diferentes escenarios y sellos discográficos. No hay entre ellos ningún tipo de factor común más allá de la forma de afrontar la música, que no es poco. Pero la valentía no les pertenece solo a ellos, sino a esos escenarios y esos sellos que con más o menos presupuesto (generalmente esto ultimo) les dan la plataforma para llegar a un publico mas amplio.

Tanto Adam Lane, Mark Whitecage y Lou Grassi por un lado, como Alfred Harth, Wilber Morris y Kevin Norton por otro, han podido beneficiarse de algunos de esos festivales y sellos (particularmente CIMP), entre los que destaca Clean Feed, en donde todos ellos han visto publicado más de un trabajo suyo. Dos tríos con un planteamiento inicial similar (la clásica formación viento-bajo-batería), que acaban desarrollando música muy diferente.

En primer lugar, hay que dejar claro que una grabación inédita del trágicamente fallecido Wilber Morris es un acontecimiento en si misma. A partir de ahí, hay que entender también que Live At Vision Festival VI es un documento único de un peculiar trío que se disolvió en el mismo día que Morris fallecía.

El denominado Trio Viriditas reúne al multiinstrumentista alemán Alfred Harth (que suele firmar como Alfred “23” Harth e incluso como A23H) con dos titanes de la escena neoyorquina, Morris y el inconmensurable Kevin Norton. Harth, que reside desde hace tiempo a caballo entre Corea y Japón (se le ha podido escuchar en varios grupos de Otomo Yoshihide) es un músico multidisciplinar que toca maderas y metales indistintamente. Este detalle puede hacer que afloren similitudes entre este grupo y otro ilustre trío liderado por otro saxofonista-trompetista: el Trio X de Joe McPhee, Dominic Duval y Jay Rosen. Sin embargo, el discurso de Harth carece de la profundidad del de McPhee y, por otro lado, por muy buenos que sean Duval y Rosen, no son ni de lejos Morris y Norton. Tal y como estoy sugiriendo con este comentario, este Live At Vision Festival VI se sustenta principalmente sobre la excelente base de estos dos músicos.

Un papel como el que adopta Harth, que cambia obsesivamente de instrumento, es con seguridad mucho más disfrutable contemplando la actuación en directo que en disco, donde se resiente ligeramente. Hay solos del alemán que empiezan pero nunca llegan a ser desarrollados, dejando al oyente con una sensación confusa. Sin llegar a ser errático, esa falta de focalización hace que destaque aún más la labor de sus compañeros. Morris y sobre todo Norton captan la atención la mayor parte del tiempo, con enrevesadas líneas de contrabajo, un drumming intenso pero orgánico y unas texturas armónicas al vibráfono que hacen de Norton un verdadero prestidigitador.

Si a esto añadimos buenas y muy variadas composiciones, tenemos un disco que, si bien no podemos considerar redondo (el sonido no es perfecto, hay algún dropout que deja incompleto algún tema…), es sin ninguna duda un gran pedazo de música.

Adam Lane, Lou Grassi y Mark Whitecage son tres francotiradores de la escena underground que no dejan de trabajar, moviéndose de un proyecto a otro. Dada la música que suelen producir por separado, uno esperaría que Drunk Butterfly tuviese más free tradicional o, al menos, más rabioso. Sin embargo, estamos ante una grabación serena y reflexiva, lo que no quiere decir que no haya tensión y libertad a mansalva. La premisa es rendir homenaje a viejos maestros (no en vano una de las piezas se llama “The Last of The Beboppers”) manteniendo un carácter contemporáneo; algo que en las liner notes se define atinadamente como “Avant Swinging Bop”.

Whitecage, un gran músico mucho menos conocido de lo que debiera, no sólo brilla al saxo alto (su instrumento habitual), sino que nos obsequia con algunos solos memorables al clarinete. Es natural que sea el solista principal, siendo el único viento, pero es que el saxofonista tiene muchísimo que decir a todos los niveles: ideas, sonido, ejecución… Lane, además de ser un acompañante fantástico, solea con inteligencia y usa el arco en numerosas ocasiones, siempre con éxito. Lou Grassi puede resultar un poco cansino en alguna de las grabaciones de su mastodóntica carrera, pero aquí esta lúcido, intuitivo, sosteniendo el conjunto sin estridencias pero sin dejarlo caer en ningún momento.

En general, todo el aspecto instrumental es de una perfección difícil de ver últimamente. Aunque eso sería suficiente para estar ante un gran disco, las composiciones son tremendas, completamente alejadas del tono casual y marrullero de algunas grabaciones de este tipo. Todo parece estar asimilado, interiorizado y dispuesto para servirse con fluidez y sentido. Los tres miembros aportan composiciones pero, en este caso, Adam Lane se muestra superior (quizá por ser el músico mas completo del trío) firmando los mejores temas del CD.

Poco hay que elucubrar sobre Drunk Butterfly más allá de decir simplemente que se escucha de cabo a rabo con atención y que, al final, uno quiere volver a escucharlo. Esto es lo que pasa con este tipo de discos: uno se acerca a ellos esperando encontrarse lo habitual y se da de bruces con un disco de primera categoría, muy por encima de la mayoría de las grabaciones de los implicados. Que por cierto, tampoco suelen estar nada mal.


Yahvé M. de la Cavada




Conference Call - Poetry In Motion


Composiciones: “The Shining Star” (Gebhard Ullmann), “Poetry in Motion” (Michael Jefry Stevens), “The Path” (Joe Fonda), “Next Step” (Joe Fonda), “Back To School” (George Schuller), “Quirky Waltz” (Michael Jefry Stevens), “Desert... Bleue... East” (Gebhard Ullmann).

Músicos: Gebhard Ullmann (saxo tenor, soprano y clarinete bajo); Michael Jefry Stevens (piano) Joe Fonda (contrabajo); George Schuller (batería y percusión).

Grabado en Brooklyn, Nueva York, el 7 de septiembre de 2006. Publicado en 2008 por Clean Feed Records. CF118

Comentario: Poetry In Motion podría ser el mejor disco del grupo Conference Call. O puede que no, pero la cuestión es que tras una primera escucha, esa es la sensación que queda.

Con la formación aparentemente estable desde hace unos años (George Schuller es el batería oficial, aunque le precedieron Matt Wilson y Han Bennink y Gerry Hemingway le ha sustituido en alguna ocasión), el grupo parece cómodo y relajado, comunicándose a un nivel espectacular. Esa parece la base de la banda y de la música que toca: la extraordinaria comunicación entre ellos. Todos los temas parecen tremendamente abstractos y sin embargo están muy definidos. Pero lo que es más importante, los músicos alcanzan ese estado de gracia en el que parece que todos tocan completamente a su aire y sin embargo, escarbando en los sonidos, uno puede percibir la sintonía que les hace imprescindibles a todos ellos.

Gebhard Ullmann, nombre básico del jazz y la vanguardia europea, posee un sonido pleno pero flexible al tenor y etéreo pero contundente al clarinete bajo. Así, consigue el difícil objetivo de sonar diferente según la pieza, no sonando a nadie en concreto. Michael Jefry Stevens tiene desde hace años un grupo con Joe Fonda, con lo que es natural que se entiendan a la perfección, y su estilo abierto y lírico es necesario para la música. Concentrándose en la parte media y aguda del teclado, recurre en ocasiones a armonías enriquecedoras y patrones percusivos que se repiten obsesivamente. Su papel es quizá el más impresionante puesto que, seguramente sin pretenderlo, desvía la atención del oyente hacia su piano en todo momento.

Pero Poetry In Motion es una obra coral, porque todos tocan en todo momento para todos y al final, es imposible disfrutar exclusivamente de lo que hace uno de ellos. Por ejemplo, George Schuller parece tener un papel secundario por lo aéreo y sofisticado de su toque, pero poco a poco se revela como una de las claves de la banda. Y no nos olvidemos de Fonda, con esas líneas poderosas e inspiradas que zigzaguean envolviendo a sus compañeros.

Además, las composiciones tienen la misma cualidad que los músicos: la de lograr una unidad ilusoria, teniendo en cuenta lo variado de la propuesta. Hay cientos de matices entre ellas y caracteres muy diversos pero, curiosamente, Poetry In Motion suena compacto, indeleble, capaz de soportar el juicio de los oídos más exigentes.

Quizá es por el resultado, orgánico y atemporal, o porque simplemente, lo firman cuatro nombres de un talento extraordinario. En definitiva, es una música inclasificable que navega entre la libertad más pura y el sentido más definitivo.

Poetry In Motion. Ahora que lo pienso, visto así, es mucho más que el nombre de un tema o el título del CD. Es toda una definición.


Yahvé M. de la Cavada




Paulo Curado - The Bird, The Breeze and Mr. Filiano


Composiciones: “Tríptico part I”, “Novos Mundos para o João (Tríptico part III)”, “Villages (The Vanguard and All)”, “Ouros e Talhas”, “The Breeze”, “Escondidas”, “Pequenos Duendes”, “As If”, “Tríptico part II (The Bird)”, “Por Fim Assim”, “Tempos Difíceis”

Todos los temas compuestos por Paulo Curado, Ken Filiano y Bruno Pedroso.


Músicos: Paulo Curado (saxo alto y flauta), Ken Filiano (contrabajo); Bruno Pedroso (batería).

Grabado en Gaia, Portugal, el 30 de octubre de 2006. Publicado en 2008 por Clean Feed Records. CF113


Jorge Lima Barreto - Zul Zelub


Composiciones: “Zul”, “Zelub”

Todos los temas compuestos por Jorge Lima Barreto.


Músicos: Jorge Lima Barreto (piano, radios, CD pregrabados)

Grabado en Lisboa en mayo y agosto de 2005. Publicado en 2008 en Clean Feed Records. CF111

Comentario: Portugal se mueve, eso está claro. No solo por la incesante demostración de coherencia (y excelencia) discográfica de Clean Feed, que cada poco tiempo nos sorprende con nuevas y magnificas grabaciones, sino por la cantera de músicos portugueses interesantes. En realidad, más que por los músicos, por la gran cantidad de ideas desarrolladas en el país vecino, afrontadas con sapiencia, libertad y un fuerte sentido del riesgo.

Dos nuevas referencias del catalogo Clean Feed documentan esa inquietud; dos propuestas completamente diferentes, que ponen de manifiesto la variedad de la escena portuguesa.

Por un lado tenemos a Paulo Curado, un saxofonista sobresaliente al que hemos podido escuchar en multitud de proyectos, que en esta ocasión forma trío con su compatriota Bruno Pedroso y con un invitado especial: Ken Filiano.

The Bird, The Breeze and Mr. Filiano es un disco que me ha sorprendido desde el primer momento. Viendo la formación y que todas las piezas son aparentemente improvisaciones colectivas, uno espera encontrarse ante una blowing session libre y poderosa. Sin embargo, resulta difícil creer que muchos de los temas del disco (muy buenos, por otro lado), sean completamente improvisados, tanto por su forma como por la pulcra ejecución del trío. Por otra parte, la libertad esta ahí, evidentísima, así que más bien da la sensación de que, antes de la grabación, los músicos pudieron tomarse un tiempo diseñando escenarios y acordando lugares comunes. Sea como sea, tanto en los temas colectivos como en los solos y dúos que los aderezan, hay una forma específica y dúctil, que permite a los miembros del grupo expresarse con naturalidad sin deformarla.

Curado se manifiesta como un solista interesantísimo, con un sonido clásico que a veces recuerda a Ornette, pero con una carga espiritual más fuerte. Sus fraseos, quebrados y urgentes, están empapados de un fuerte sentido melódico. Su trabajo con la flauta deja con ganas de más, gracias a su estupendo sonido y a la mencionada espiritualidad que rezuma.

Filiano es uno de los mejores contrabajistas de la escena y aquí su papel le permite mostrar todas sus cualidades. Apoyado por un sonido sublime (cosa no tan habitual en los contrabajistas), improvisa con swing y un lirismo que no siempre aflora en sus grabaciones. Pedroso es un batería sólido, capaz de tocar en múltiples situaciones de forma convincente. Aquí se muestra implicado y comunicativo, atento a lo que sucede para obrar en consecuencia.

En definitiva, podemos decir que este trabajo sobrepasa las expectativas y se sitúa entre lo mas interesante producido en la escena portuguesa de los últimos años. ¿Por qué? Pues simple y llanamente porque suena grande y trascendente, transmitiendo la sensación de que dentro de unos años va a sonar tan fresco como hoy.

Jorge Lima Barreto es una figura capital en la música creativa portuguesa desde hace más de 25 años, tanto con el dúo Telectu como en solitario con su música, obras y escritos. Muy cercano a la música contemporánea y la electrónica, mezcla ambas tendencias con el espectro jazzístico en Zul Zelub, formado por dos largas piezas que no queda claro si buscan contraponerse o complementarse. En cualquier caso, esta es una obra experimental que tiene mucho de concepto y algo de solidez, aunque no la suficiente.

La idea es desarrollar composiciones e improvisar sobre dos medios diferentes: en “Zul”, sobre ondas de radio aleatorias producidas en directo y en “Zelub”, sobre cuatro CDs pregrabados con elementos de sonido natural. La cuestión es que la idea es interesante y durante muchos momentos resulta inspiradora, pero la larga duración de ambas piezas hace que sea imposible no perder el interés con facilidad.

Incluso afrontando Zul Zelub como un recital de piano solo, Barreto no consigue sobrevivir a las dimensiones de su propio proyecto. Tampoco hay que obviar que Barreto es un cuidado estilista del teclado, capaz de conjugar un lirismo delicioso con los pasajes más beligerantes, y que referentes clásicos como el ineludible Cecil Taylor, aportan el punto de tradición a la música. En cualquier, caso, un esfuerzo que resulta muy interesante y arriesgado, pero difícil de sostener durante los mas de 75 minutos de duración del disco.

Yahvé M. de la Cavada




John Surman - Howard Moody - Rain On The Window


Composiciones: John Surman (saxos barítono y soprano, clarinete bajo), Howard Moody (órgano de iglesia).

Músicos: "Circum I", "Stained Glass", "The Old Dutch", "Dancing In The Loft" (Moody – Surman), "Step Lively!" (Moody – Surman), "Stone Ground", "Tierce" (Howard Moody), "Circum II", "Rain On The Window", "Dark Reeds" (Moody – Surman), "O Waly Waly" (Tradicional, arreglos por Moody – Surman), "A Spring Wedding", "I'm Troubled In Mind" (Tradicional, arreglos por Moody – Surman), "On The Go", "Pax Vobiscum"

Todos los temas compuestos por John Surman, salvo los indicados.

Grabado en Ullem Church de Oslo, Noruega en enero de 2006. Publicado en 2008 por ECM. ECM 1986.

Comentario: El saxofonista John Surman tiene bien asimilado cómo lograr que sus obras se encuadren dentro en ese tópico conocido como “sonido ECM”, tal y como muestra en Rain On The Window. Su nueva grabación en el sello alemán es un dúo con el organista Howard Moody. El inicio de la colaboración entre ambos músicos se remonta a 1996. En 2006, diez años más tarde, fue cuando realizaron la presente grabación, que ha sido finalmente publicada en 2008.

Con lo bueno y con lo malo que esto implica, este disco sigue en la línea de otros publicados anteriormente por Surman en ECM. La novedad en este caso es la participación de Moody. Ello permitió que Surman se centrase en tocar únicamente los saxos (soprano y barítono) y el clarinete bajo, al contrario de lo que ocurría en esas otras ocasiones en las que también se aplicaba a los teclados. Moody es quien se encarga aquí de dicha labor y debido a ello no pasa de tener un papel secundario a lo largo de toda la grabación. Su trabajo consiste casi exclusivamente en tejer un soporte sonoro sobre el que Surman desarrolla sus solos. De esta manera la obra queda muy lejana de la interacción que se supone debiera caracterizar a un dúo dentro del jazz, a pesar de que una formación de órgano y saxo no sea la más habitual. No obstante, este papel secundario del organista permite disfrutar del magnífico sonido que Surman es capaz de extraer de sus instrumentos. Este elemento resulta potenciado por una grabación en la que apenas hay una nota más alta que las demás. El resultado final es un disco agradable y (excesivamente) correcto en su factura, que tras la escucha deja la impresión de que los músicos (y con ellos la grabación) hubieran podido ir bastante más allá.

José Francisco “Pachi” Tapiz




D.F.A. - 4th


Composiciones: “Baltasaurus”, “Flying Trip”, “Vietato Generalizzare”, “Mosoq Runa”, “The Mirror”, “La ballata De S'isposa 'E Mannorri”


Músicos: Alberto De Grandis (batería, percusión, voz en 5), Alberto Bonomi (órgano Hammond A-100 con Leslie 760, Fender Rhodes, piano Steinway, sintetizador y flauta), Silvio Minilla (guitarras eléctricas), Luca Baldassari (guitarra bajo) con la colaboración del trío vocal femenino Andhira (voz en 6), Elena Nulchis, Cristina Lanzi, Egidiana Carta, Zoltan Szabo (violonchelo en 4 y 6) y Maria Vicentini (violín y viola en 4 y 6).

Grabado en mayo de 2008 en Sotto Il Mare Studio, Verona (Italia)

MoonJune Records 2008


Comentario: Duty Free Area no es un grupo que se prodigue en exceso, sólo cuatro discos hasta la fecha desde el ya lejano año 1997, fecha de publicación de su primer trabajo Lavori in Corso, sin embargo el tiempo les ha hecho madurar como a los buenos vinos y su música se muestra sutil y matizada, llevándoles a alcanzar altas cuotas en los arreglos, composiciones complejas y fuertemente estructuradas que nos recuerdan a grupos como Nektar y National Health o Hatfield And The North por sus esencias canterbury.

Es posible que con 4th estemos, pues, asistiendo a su ópera prima donde nada está dejado al azar y la fusión del jazz con el rock progresivo-canterbury proyecta música imaginativa y rica en matices, compacta, equilibrada, sin fisuras, potente en ocasiones y tierna en otras.

El disco es mayoritariamente instrumental contando con dos temas vocales, “The Mirror” y sobre todo “La ballata De S'isposa 'E Mannorri”, un broche de oro final, una deliciosa pieza de corte folclórico de la región italiana de Sardinia donde destaca el trío vocal femenino Andhira.

Del resto de composiciones es difícil destacar una por encima de otra ya que la obra mantiene un alto nivel de calidad, sin embargo, temas como “Baltasaurus”, que abre el compacto, es de las más destacadas por sus desarrollos largos e intensos y sus constantes alternancias entre la guitarra de Silvio Minilla (que recuerda a Phill Miller) y los teclados de Alberto Bonomi y el apoyo contundente y preciso de la sección rítmica, que nos hacen pensar en bandas alemanas como Dzyan o los anteriormente nombrados Nektar.

Pero donde se ponen de manifiesto verdaderamente las complejidades y la mayor madurez compositiva de Alberto De Grandis y Alberto Bonomi es en “Mosoq Runa”, tema con exposición, desarrollo y desenlace, de sensibilidad romántico-sinfónica y canterbury. La belleza de la introducción del piano es acompañada por Zoltan Szabo al violonchelo y Maria Vicentini al violín y viola, desarrollando Alberto Bonomi combinaciones coloristas de teclado que entran y salen ensamblando a la perfección con el resto de los instrumentos.

“Flying Trip” es una pieza de belleza canterbury donde se muestra claramente que todo esta cuidado al máximo, la intervención de Alberto Bonomi a la flauta es breve y precisa, lo que certifica lo anteriormente argumentado. “Vietato Generalizzare”, rompe moldes por su rock potente y granítico que bien pudiera haber servido de obertura.
En resumidas cuentas el grupo suena fresco, sin estereotipos y queriendo ser ellos mismos.


Enrique Farelo




Nobu Stowe/Alan Munshower/Badal Roy - An Die Musik. Total Improvisations


Composiciones: 1 "Duo I" (3.12) 2 "Trio I”" (7.37) 3 "Duo V" (6.32) 4 "Trio II" (6.12) 5 "Duo IV" (4.22) 6 "Trio III" (12.19) 7 "Duo VII" (5.34) 8 "Solo Tabla" (4.07) 9 "Duo III" (6.29) 10 "Trio VI" (9.39) 11 “Pochi" (3.12)

Toda la música se improvisó/compuso espontáneamente por Nobu Stowe, Alan Munshower y Badal Roy (tríos), Nobu Stowe y Alan Munshower (dúos), Badal Roy (“Solo Tabla”) y Nobu Stowe (“Pochi”).

Músicos: Nobu Stowe (piano), Alan Munshower (batería) y Badal Roy (tabla y voz)

Grabado el 10 de octubre de 2006 (Tríos, “Solo Tabla” y “Pochi”) y el 12 de octubre de 2006 (Dúos). Publicado en 2008 por Black Saint. Black Saint 121397.

Comentario: El pianista japonés, aunque residente en los Estados Unidos, Nobu Stowe continúa en An Die Musik trabajando sobre la improvisación total, tal y como hizo en su anterior grabación Hommage An Klaus Kinski (ver reseña en http://www.tomajazz.com/discos/breves.php?d=2008-01-01#stowe_pembleton_hommage), también publicada en Soul Note. Para su nueva grabación Stowe ha cambiado de acompañantes. En la anterior Lee Pembleton era el encargado de crear sus lienzos sonoros a lo largo de toda la obra, y este dúo era acompañado puntualmente por Perry Robinson, Blaise Siwula y Ross Bonadonna. En la presente ocasión el número de participantes se reduce a un máximo de tres, siendo Stowe el único músico que participa en ambas grabaciones. Al pianista le acompañan el batería Alan Munshower y Badal Roy a las tablas. El resultado de su encuentro aparece recogido en once piezas. De ellas diez son improvisaciones (5 dúos de Stowe y Munshower, 4 tríos y un solo de Badal Roy), mientras que el único tema compuesto previamente es “Pochi”, interpretado en dúo por Stowe y Munshower.

A diferencia de Hommage An Klaus Kinski, en la que había unas cuantas improvisaciones cercanas al free y que resultaban ser lo menos logrado del CD, en An Die Musik Stowe se centra en explotar el aspecto más melódico de sus improvisaciones, lo que incide muy beneficiosamente en la grabación. La música varía entre la intensidad que alcanzan en “Duo I” o “Trio II” y la suavidad de “Duo IV”. Otros dos temas sumamente interesantes son “Trio I” (en la que el grupo va transformando con gran naturalidad y de un modo nada forzado las melodías que surgen de las improvisaciones) o la larga “Trio III” (de más de 12 minutos, en la que se pasa de la suavidad inicial a una gran intensidad). En esta grabación hay que destacar a Badal Roy, un maestro a las tablas, que resulta ser el complemento perfecto para el batería Alan Munshower. En “Solo Tabla” es un placer disfrutar de su maestría con este instrumento.

El resultado final es un disco más que recomendable, ya que esta es seguramente la mejor de las grabaciones publicadas hasta el momento por Nobu Stowe.

Nota: Mas información sobre Nobu Stowe en http://www.myspace.com/nobustowe

José Francisco “Pachi” Tapiz




Sumrra - Ao vivo


Composiciones: 1. “Believe In Trane”; 2. “Continuo”; 3. “Chanzo”; 4. “Home”; 5.“Mr. Jones”; 6. “Nature Wine”; 7. “Intruso”

Temas 1, 3, 4, 5 y 7 compuestos por Xacobe Martínez Antelo y temas 2 y 6 compuestos por Manuel Gutiérrez.


Músicos: Manuel Gutiérrez (piano), Xacobe Martinez Antelo (contrabajo) y Lar Legido (batería)

Grabado en directo los días 14 15 y 16 de julio de 2007.
Free Code jazzrecords. FC33CD.



Comentario: Muy interesante la grabación en directo que propone el grupo Sumrra a través del sello discográfico gallego Free Code Jazz Records, que a lo largo de los últimos años esta desarrollando una importante labor dando a conocer a un buen número de músicos gallegos. Más de un aficionado se acercará con recelo debido al desconocimiento del grupo o de los propios músicos, pero tras la escucha de los primeros temas, ese recelo se tornará en curiosidad, a tenor de la sugestiva propuesta musical que plantea. La música que se escucha a lo largo de todo el disco presenta claras influencias de la gran tradición del trío piano – contrabajo - batería, encabezada, sin duda alguna, por Keith Jarrett, perceptible en más de un tema. Aparte de esta tradición, también es posible distinguir influencias de grupos más actuales, como el trío escandinavo E.S.T. Es indudable que los músicos jóvenes nacionales cada vez tienen entre sus influencias a referencias mucho más cercanas en el tiempo, pero sin perder otras algo más lejanas, que sin duda alguna forman parte de la “cimentación” de todo buen músico, y sin las cuales, difícilmente se podría avanzar. Junto con estas ascendencias es posible percibir a un trío con ideas propias, comenzando por un repertorio compuestos en exclusiva por los miembros del trío, así como una sonoridad de fuerte calado interpretativo, que es realzado gracias a que la grabación se llevó a cabo en directo.

Los integrantes de Sumrra presentan un trabajo personal, con un complejo musical no sólo a nivel de grupo, sino también a nivel individual, pues cada músico dispone de suficiente espacio para presentar sus propias credenciales como solista, pero siempre encuadradas dentro del grupo.

El resultado de la grabación habla por si sola de la calidad interpretativa de Sumrra y no queda otro remedio que recomendar su escucha de forma bien atenta y acordarnos de esta formación, que esperamos que nos sigan deleitando con más buena música.


Juan Carlos Abelenda.




Sebastián Chames Quartet - primera toma


Composiciones: “Serenity” (Joe Henderson) 5:30; “Ensueño de la bailarina” (Sebastián Chames) 7:36; “No More Breakfast In The 10th District” (Edward Pérez) 7:25; “Inma” (Sebastián Chames) 7:20; “Oliloqui Valley” (Herbie Hancock) 7:43; “3 For Bruce” (Sebastián Chames) 5:26 ; “Firewater” (Búster Williams) 7:32; “The Anthem Of Your Absence” (Edward Pérez) 7:32; “Voyage” (Kenny Barron) 6:36

Músicos: Sebastián Chames (piano), Xavier Pérez (saxo tenor), Edward Pérez (contrabajo), y Ludwig Alfonso (batería)

Grabado, mezclado y masterizado en Park West Studios, 33 E, 16 th St. Brooklyn NY.

New Mood Jazz. FAM 22051.



Comentario: New Mood Jazz es otros de los sellos independientes nacionales, junto al prestigioso Fresh Sound New Talent, que está llevando a cabo un arduo y atractivo trabajo, el de dar a conocer nuevos músicos y formaciones nacionales. Este es el caso del desconocido pero interesante pianista Sebastián Chames, que presenta su disco en formato de cuarteto. La grabación incluye cinco temas originales (tres del pianista y dos del contrabajista), más cuatro temas que no se podrían etiquetar de standards, sino de composiciones con un fuerte gusto jazzístico. Ante el presente repertorio Chames y su grupo ofrecen una interpretación aguerrida con fuertes pinceladas de hard-bop (en la que es necesario mencionar el excelente saxo tenor Xavier Pérez, que secundado por un pianismo racional y por momentos intelectual), con un claro predominio del trabajo del grupo, que triunfa por encima de las individualidades solistas.

Resulta muy interesante en la presente grabación comprobar la interpretación de los temas por parte del cuarteto de Chames, lo que permite descubrir un músico con una voz personal, atrevida, pero ante todo, muy sugestiva.


Juan Carlos Abelenda.




Jordi Rossy Trio - Wicca


Composiciones: 1. “Sexy Time”; 2. “El Bardo”; 3. “Tainos”; 4. “Metamorfosis”; 5.“Loving Tone”; 6. “Wicca”; 7. “Moose Love”

Todos los temas compuestos por Jordi Rossy salvo “Metamorfosis” y “Living Tone” compuesto por Albert Sanz.


Músicos: Jordi Rossy (piano), Albert Sanz (Hammond Organo), R.J. Miller (batería).
Con la colaboración especial de Félix Rossy (trompeta en el tema “Wicca”) y Enrique Oliver (saxo tenor en el tema “Wicca”).

Grabado los días 17, 18 y 19 de Junio de 2007.
Fresh Sound, New Talent. FSNT-309



Comentario: El nombre de Jordi Rossy es bien conocido de los aficionados al jazz, en concreto por haber pertenecido como baterista durante bastantes años al trío del pianista norteamericano Brad Mehldau. Hace un tiempo que Jordi Rossy ha “aparcado” el instrumento que le dio a conocer (aunque en muchos conciertos que lleva a cabo en la ciudad de Barcelona sigue practicando la batería), para pasar a centrarse en la carrera de pianista. Wicca es su primer trabajo como líder al piano, y para sorpresa de muchos aficionados, Rossy no se decanta por el tradicional formato de piano, contrabajo y batería, sino que se deja acompañar de un segundo teclado, el órgano Hammond del pianista Albert Sanz, y la batería de R.J. Miller. Así mismo la presente grabación sirve como presentación de una joven promesa para el jazz, el hijo de Rossy, Félix Rossy, que toca la trompeta en el tema que da título al compacto.

La música que desarrolla el trío de Jordi Rossy destaca en su sonido como consecuencia del juego que ofrecen tanto el órgano como el piano. Junto a esta sonoridad bien diferenciada, es necesario señalar la aportación de la batería de R.J. Miller. Las contribuciones de los músicos proporcionan una música por momentos lírica y en otros momentos meditabunda, todo ello en pos de una búsqueda interpretativa y de un proyecto musical personal, que permite el desarrollo de las ideas del líder, y que demuestra los excelentes fundamentos que como pianista posee Jordi Rossy, muy especialmente ante el riesgo a la hora de llevar cabo un proyecto con una formación atípica.

El trabajo de Jordi Rossy como líder nos concede ante todo la posibilidad de descubrir a un músico “nuevo”, con una vocación de iniciar una nueva etapa musical, que la afronta con brillantez y decisión.


Juan Carlos Abelenda.




Belmondo & Milto Nascimiento - Belmondo & Milto Nascimiento


Composiciones: 01. “Ponta de Areia”; 02. “Cançao do sal”; 03. Milagro dos peixes”; 04. “Oraçao”; 05. “Travessia”; 06. Morro Velho; 07 “Nada será como antes”; 08. “Berceuse / Malilia”; 09. “Saudade dos avioes da panair > Ponta de Areia”

Músicos: Milton Nascimiento (voz y guitarra), Lionel Belmondo (saxo soprano y flauta), Stéphane Belmondo (fiscorno), Eric legnini (piano), Thomas Bramerie (contrabajo), André Ceccarelli (batería), Wilson Lopes (guitarra), Lincoln y Richard Cheib (percusión), con la sección de vientos y grupo de cuerdas de la Orchestre nacional d´Ile-de-France.

B flat recordings 2008

Comentario: El jazz y la música de Brasil son dos viejos compañeros de viaje, que se conocen a la perfección, y muy especialmente, gracias al hermanamiento que se produjo en los años sesenta entre la bossa nova y el jazz. Se puede afirmar que la música popular brasileña ha experimentado a lo largo de su historia diversas vías de desarrollo, siendo una de ellas la aportación e influencia del jazz, lo que posibilitó a la bossa nova convertirse en un género sofisticado y que devino en estándar y referencia universal. Por el contrario, la contribución de la bossa nova al jazz residió en la posibilidad de una nueva pulsación rítmica, así como muy especialmente en la ampliación de la categoría de standard con la acogida de grandes solistas.

Milto Nascimiento es en la actualidad uno de los poetas de la música brasileña. Este cantante, con una larga trayectoria profesional y cuya calidad vocal quedó perfectamente demostrada a lo largo de los años setenta, ha colaborado con algunos de los músicos de jazz más prestigiosos como Wayne Shorter, Herbie Hancock, o Toots Thielemans. Nascimento ha vuelto ha hermanar la música brasileña y el jazz. Para ello se ha dejado acompañar de los hermanos Belmondo (Lionel y Stéphane), junto con otros músicos de contrastada calidad como son Thomas Bramerie, Eric Legnini o André Ceccarelli. Con todos los elementos, el proyecto musical que proponen Nascimiento y los hermanos Belmondo resulta ser de una gran inspiración, tanto por el repertorio escogido, como por los arreglos llevados a cabo, pero muy especialmente, por la interpretación vocal de Milto Nascimiento, que demuestra ser algo más que un cantante: un poeta de la música. Tan sólo hay que escuchar algunos de los temas propios del brasileño como “Milagro dos peixes” o “Nada será como antes”, para poder apreciar como interactúan las sutilezas musicales de los instrumentos, con la dulce y por momentos plácida voz de Nascimiento, y que permiten disfrutar de una música inclasificable y globalizadora.

Una música para disfrutar.


Juan Carlos Abelenda.




Brad Mehldau Trio - Live


Composiciones: CD 1
“Introduction” 0:15; “Wonderwall” (Gallager) 8:45; “Ruby´s Rub” (Mehldau) 13:07; “O Que Será” (Buarque) 10:38; “B-Flat Waltz” (Mehldau) 9:11; “Black Hole Sun” (Cornell) 23:21 ; “The Very Thought Of You” (Noble) 13:03

CD 2
“Buda Realm” (Mehldau); 12:00; “Fit Cat” (Mehldau) 10:41; “Secret Beach” (Mehldau) 11:35; “C.T.A.” (Heath) 16:16; “More Than You Know” (Eliscu/Rose/Youmans) 12:09; “Countdown” (Coltrane) 14:57


Músicos: Brad Mehldau (piano), Larry Grenadier (contrabajo) y Jeff Ballard (batería).

Grabado en directo en el Village Vanguard, Nueva York, en Octubre11-15 de 2006.
Nonesuch 7359-79956-5



Comentario: Live es la nueva grabación del pianista americano Brad Mehldau, y en concreto su segunda registro con su “nuevo” trío, conformado por el contrabajista Larry Grenadier y el baterista Jeff Ballard. Hace unos tres años Ballard reemplazó al baterista original del Brad Mehldau trío, Jorge Rossy. Desde entonces muchas cosas han sucedido en el seno de este grupo, y más en concreto desde la grabación del disco que dio a conocer la actual formación, Day Is Done en el año 2005, con el mismo sello discográfico.

Brad Mehldau se ha reencontrado en esta grabación en directo con el mítico club de Nueva York, Village Vanguard, en donde llevó a cabo sus conocidas grabaciones The Art of Trio. Para la presente grabación se escogieron temas desarrollados entre los días 11 al 15 de Octubre de 2006, teniendo en cuenta que la música que se encuentra en el doble compacto es tan sólo una porción de toda la que se tocó a lo largo de los cinco días que duró su estancia en el club neoyorkino. De hecho y para desespero de los aficionados, en la web de sello discográfico Nonesuch, es posible descargar en formato MP3 de alta calidad (previo pago), los tres pases que ofreció a cabo durante el viernes, y que se han llegado a titular como Complete Friday Night Sets, que proporcionan seis temas adicionales, todos ellos distintos a los que aparecen en el compacto y de extenso minutaje.

El repertorio que utiliza Mehldau en la presente grabación es la típica mezcla de standards, composiciones propias y temas procedentes del mundo del pop, siempre bajo su personal concepción musical a base de la de: construcción y construcción de los temas; fuerte carga improvisatoria; un elevado grado de entendimiento, interrelación y comunicación entre todos los músicos; arreglos basados en una importante idiosincrasia que conllevan una lectura nueva de alguno de los temas, y una técnica interpretativa por parte de Mehldau que explota hasta sus últimos extremos, y en concreto el diálogo entre mano derecha y mano izquierda, en donde crea atmósferas cargantes y vigorosas a través de la mano derecha mientras recibe apoyos de la izquierda, lo que hará al aficionado estar muy atento a estos desarrollos, que abren la puerta a una creatividad vertiginosa y desbocada de extraordinaria calidad.

El grupo de Mehldau muestra encontrarse en un proceso creativo expansivo, prueba de ello son los extensos minutajes de la mayoría de los temas que interpretan, pero así mismo por la aportación musical de los integrantes del trío, que con su propias contribuciones conforman un grupo unitario y totalitario. Comenzando por el baterista Jeff Ballard, que sin duda alguna ha supuesto una revigorización del grupo, y en el que despliega una interpretación menos agresiva, más concisa y por ello más consistente que al inicio de su andadura en el trío. Los solos que despliega Ballard a lo largo de todo el disco son altamente creativos y ricos en sonoridades, valga como ejemplo el que despliega en el tema de Soundgarden, “Black Hole Sun”, pero igual de importante es la aportación de ideas en el tema “Ruby´s Rub” por encima del piano y contrabajo, lo que hacen del instrumento de la batería algo más que un simple creador de sonidos polirrítmicos.

Igual de creativo y musical se muestra Larry Grenadier, perfecto escudero y conocedor de la música de Mehldau, que extiende su faceta de acompañante y de solista con la misma solvencia y contundencia que su compañero de rítmica, siempre atento a extender los apoyos necesarios para que su líder pueda expandir su música.

Ante la aportación de Ballard y Grenadier, Brad Mehldau sigue apostando por la mezcla de tradición, temas originales y modernidad rockera que tan buenos resultados le han reportado. Mehldau desarrolla el tema de Oasis, “Wonderwall, y para su interpretación se sirve de la modernidad en la concepción del tema para presentarlo con un claro gusto post-bop, o el espectacular tema de veinte tres minutos “Black Hole Sun”, (sin lugar a dudas uno de los momentos álgidos del presente trabajo) y en donde el pianista no sólo demuestra un gusto exquisito por la música que desarrolla, sino por la compleja construcción rítmica y sonora que obtiene, lo que permite al trío explorar y explotar nuevas vías de comunicación hasta ahora nunca desarrolladas, y que permite al grupo elevar la interrelación y la improvisación a cotas difícil de conseguir por formaciones similares en la actualidad. También hay que destacar dos pequeñas joyas: la primera, la interpretación de clásico tema de Chico Buarque “O Que Sera”. La sola presentación del tema por parte de Mehldau con ciertos elementos del minimalismo contemporáneo y con una economía de notas, para pasar acto seguido a un discurso improvisatorio, melódico y rítmico con claras reminiscencias a Bill Evans, es posible calificarla de obra de arte. La segunda joya es la interpretación de “Countdown” de John Coltrane, un tema que Mehldau ha abordado con anterioridad. La escucha de este tema sorprenderá a más de un aficionado, y traerá a la memoria algún trabajo de Keith Jarrett, en donde tras una presentación estándar del mismo, este es desarrolla con unos parámetros más acordes del estilo free, y que abastece al tema de Coltrane con una sonoridad hasta ahora desconocida en Mehldau, pero que a buen seguro augura nuevos planteamientos musicales.

En definitiva, Brad Mehldau vuelve a presentarnos a su trío en un estado de gracia y de forma superlativos, y en el que el pianista americano reafirma su gran capacidad creadora, lo que le permite instaurar un universo propio y diferenciado, con un vigor y una obsesión que por momentos parece no tener límites, pero que proyectan una concepción sonora única de este trío. Estamos ante el trío del siglo XXI, disfrutémoslo.


Juan Carlos Abelenda.