Dave Holland Sextet - Pass It On
Composiciones: “The Sum Of All Parts” (Robin Eubanks), “Fast Track”, “Lazy Snake”, “Double Vision”, “Equality”, “Modern Times”, “Rivers Run”, “Processional”, “Pass It On”
Todas las composiciones por Dave Holland, excepto donde se indica.
Músicos: Dave Holland (contrabajo), Alex “Sasha” Sipiagin (trompeta), Antonio Hart (saxo alto), Robin Eubanks (trombón), Mulgrew Miller (piano) y Eric Harland (batería).
Grabado en Avatar Studios en agosto de 2007
Dare2 Records 0600753106679
Comentario: Nueva andadura discográfica de Dave Holland, en este caso a cargo de su nueva formación de sexteto, para la que sólo conserva a su fiel escudero el trombonista Robin Eubanks. El quinteto del contrabajista ha sido durante años una de las formaciones más brillantes de jazz contemporáneo, de modo que la comparación es obligada, si bien se torna difícil, ya que los colores de este sexteto se parecen a los del grupo anterior sólo en parte. Si las voces de los vientos entremezcladas en “The Sum Of All Parts” o “Modern Times” pueden recordar al trabajo conjunto de Eubanks y Chris Potter en los directos del quinteto, el concepto de este Pass It On es más lineal y melódico, a veces se acerca a la big band (aprovechando el potencial de las tres voces solistas y la armonía del piano) y a veces a trabajos mucho más antiguos de Holland en los que caminaba sobre el alambre de la libre improvisación (“Rivers Run” en su introducción).
Evidentemente ni un piano es un vibráfono ni Mulgrew Miller es Steve Nelson, y ese es quizás el cambio más radical en la alineación, y el que hace la música algo menos abstracta y más previsible, lo cual no es ni bueno ni malo, pero puede decepcionar a los habituados a la sonoridad del Dave Holland Quintet. También influye el hecho de encontrar composiciones métricamente más simples que las habituales amalgamas (“Fast Track”, “Equality” y “Pass It On” en 4/4, “Double Vision” en 4/4 y 6/8) . La sección rítmica funciona a las mil maravillas, con un enorme Eric Harland que se entiende a la perfección con el líder. El trompetista Alex Sipiagin ostenta un nivel fuera de lo común (buena prueba de ello son sus discos para Criss Cross), y se muestra especialmente lírico en la deliciosa balada “Processional” que, en métrica de 5/4, aporta un cambio de ambiente con un bonito arreglo de vientos. Holland nos regala una de sus brillantes introducciones a contrabajo solo en “Lazy Snake”.
No nos engañemos, el que la música no alcance la complejidad del anterior grupo de Dave Holland (sería impensable llegar a ese nivel en un proyecto sin rodaje) no implica que sea sencilla. Pass It On esconde multitud de regalos para el oyente en distintos planos, gana en elegancia lo que pierde en riesgo, y es, sin duda, una de las grabaciones del año. Tan sólo se trata de escucharla evitando las comparaciones, aunque ni nosotros mismos hayamos podido resistirnos.
Arturo Mora Rioja
Todas las composiciones por Dave Holland, excepto donde se indica.
Músicos: Dave Holland (contrabajo), Alex “Sasha” Sipiagin (trompeta), Antonio Hart (saxo alto), Robin Eubanks (trombón), Mulgrew Miller (piano) y Eric Harland (batería).
Grabado en Avatar Studios en agosto de 2007
Dare2 Records 0600753106679
Comentario: Nueva andadura discográfica de Dave Holland, en este caso a cargo de su nueva formación de sexteto, para la que sólo conserva a su fiel escudero el trombonista Robin Eubanks. El quinteto del contrabajista ha sido durante años una de las formaciones más brillantes de jazz contemporáneo, de modo que la comparación es obligada, si bien se torna difícil, ya que los colores de este sexteto se parecen a los del grupo anterior sólo en parte. Si las voces de los vientos entremezcladas en “The Sum Of All Parts” o “Modern Times” pueden recordar al trabajo conjunto de Eubanks y Chris Potter en los directos del quinteto, el concepto de este Pass It On es más lineal y melódico, a veces se acerca a la big band (aprovechando el potencial de las tres voces solistas y la armonía del piano) y a veces a trabajos mucho más antiguos de Holland en los que caminaba sobre el alambre de la libre improvisación (“Rivers Run” en su introducción).
Evidentemente ni un piano es un vibráfono ni Mulgrew Miller es Steve Nelson, y ese es quizás el cambio más radical en la alineación, y el que hace la música algo menos abstracta y más previsible, lo cual no es ni bueno ni malo, pero puede decepcionar a los habituados a la sonoridad del Dave Holland Quintet. También influye el hecho de encontrar composiciones métricamente más simples que las habituales amalgamas (“Fast Track”, “Equality” y “Pass It On” en 4/4, “Double Vision” en 4/4 y 6/8) . La sección rítmica funciona a las mil maravillas, con un enorme Eric Harland que se entiende a la perfección con el líder. El trompetista Alex Sipiagin ostenta un nivel fuera de lo común (buena prueba de ello son sus discos para Criss Cross), y se muestra especialmente lírico en la deliciosa balada “Processional” que, en métrica de 5/4, aporta un cambio de ambiente con un bonito arreglo de vientos. Holland nos regala una de sus brillantes introducciones a contrabajo solo en “Lazy Snake”.
No nos engañemos, el que la música no alcance la complejidad del anterior grupo de Dave Holland (sería impensable llegar a ese nivel en un proyecto sin rodaje) no implica que sea sencilla. Pass It On esconde multitud de regalos para el oyente en distintos planos, gana en elegancia lo que pierde en riesgo, y es, sin duda, una de las grabaciones del año. Tan sólo se trata de escucharla evitando las comparaciones, aunque ni nosotros mismos hayamos podido resistirnos.
Arturo Mora Rioja
Jaco Pastorius - The Early Years Recordings
Composiciones: “The Chicken”, “I Just Want To Make Love To You”, “Higher”, “Ming Of Mings”, “Amelia”, “Rice Pudding”, “Do You Like The Sound Of The Music”, “Ballye De Nina”, “Between Races”, “Domingo”, “Wiggle Waggle”, “Opus Pocus”, “Continuum”, “The Balloon Song”, “All The Things You Are”
Músicos: Jaco Pastorius (bajo eléctrico) en las siguientes formaciones:
Woodchuck: Billy Burke (órgano) y Bob Herzog (batería).
Tommy Strand & Upper Hand.
Wayne Cochran & C.C. Riders.
Ira Sullivan Quintet: Ira Sullivan (trompeta), Joe Diorio (guitarra eléctrica), Alex Darqui (Fender Rhodes) y Steve Bagby (batería).
Peter Graves Orchestra.
Jaco Pastorius (demos): Othello Molineaux (steel drums), Alex Darqui (teclados) y Bobby Economou (batería).
Pat Metheny Trio: Pat Metheny (guitarra eléctrica) y Bob Moses (batería).
Grabado entre 1969 y 1975.
Holiday Park Records. KDJ-001
Comentario: Nueva edición de material inédito en torno a la figura de Jaco Pastorius, esta vez con el pro de tratarse de material muy antiguo (entre 1969, cuando el bajista contaba con 17 años de edad, y 1975) y el contra de la mala calidad de sonido. La primera mitad del CD incluye grabaciones orientadas al rhythm & blues, centrándose en los trabajos que Jaco realizó en la Upper Hand de Tommy Strand y en los C.C. Riders de Wayne Cochran. Si bien, como se esperaba, Pastorius mantiene el groove con firmeza, resulta revelador escuchar sus licks y recursos melódicos habituales en una etapa tan temprana de su carrera musical, como pone de manifiesto en su solo en “Higher”.
Los registros con la orquesta de Peter Graves (posterior arreglista de la Jaco Pastorius Big Band) dan cuenta de un Jaco más suelto, inspirado en las improvisaciones y frenético en unos acompañamientos marca de la casa. Las rudimentarias grabaciones de sus originales “Opus Pocus” y “Continuum” perfilan la forma final que tomarían en su álbum homónimo de 1976, si bien de forma algo tosca. También se incluye la única toma conocida de “The Balloon Song”. Para cerrar el disco y, sin duda, atraer la atención de potenciales compradores, aparece un “All The Things You Are” bajo el liderato de un joven Pat Metheny cuyo discurso camina más deslabazadamente de lo habitual. La versión, en directo, se interrumpe tras el solo de Pastorius.
Completada por unas buenas notas al libreto, pero corta de información en cuanto a formaciones y autores de temas, esta edición para fieles seguidores del genio de las cuatro cuerdas presenta un interés puramente histórico, no tratándose en absoluto de una grabación esencial, como, por contra, reza la carpetilla trasera del CD (“Essential Early Years Recordings”).
Arturo Mora Rioja
Músicos: Jaco Pastorius (bajo eléctrico) en las siguientes formaciones:
Woodchuck: Billy Burke (órgano) y Bob Herzog (batería).
Tommy Strand & Upper Hand.
Wayne Cochran & C.C. Riders.
Ira Sullivan Quintet: Ira Sullivan (trompeta), Joe Diorio (guitarra eléctrica), Alex Darqui (Fender Rhodes) y Steve Bagby (batería).
Peter Graves Orchestra.
Jaco Pastorius (demos): Othello Molineaux (steel drums), Alex Darqui (teclados) y Bobby Economou (batería).
Pat Metheny Trio: Pat Metheny (guitarra eléctrica) y Bob Moses (batería).
Grabado entre 1969 y 1975.
Holiday Park Records. KDJ-001
Comentario: Nueva edición de material inédito en torno a la figura de Jaco Pastorius, esta vez con el pro de tratarse de material muy antiguo (entre 1969, cuando el bajista contaba con 17 años de edad, y 1975) y el contra de la mala calidad de sonido. La primera mitad del CD incluye grabaciones orientadas al rhythm & blues, centrándose en los trabajos que Jaco realizó en la Upper Hand de Tommy Strand y en los C.C. Riders de Wayne Cochran. Si bien, como se esperaba, Pastorius mantiene el groove con firmeza, resulta revelador escuchar sus licks y recursos melódicos habituales en una etapa tan temprana de su carrera musical, como pone de manifiesto en su solo en “Higher”.
Los registros con la orquesta de Peter Graves (posterior arreglista de la Jaco Pastorius Big Band) dan cuenta de un Jaco más suelto, inspirado en las improvisaciones y frenético en unos acompañamientos marca de la casa. Las rudimentarias grabaciones de sus originales “Opus Pocus” y “Continuum” perfilan la forma final que tomarían en su álbum homónimo de 1976, si bien de forma algo tosca. También se incluye la única toma conocida de “The Balloon Song”. Para cerrar el disco y, sin duda, atraer la atención de potenciales compradores, aparece un “All The Things You Are” bajo el liderato de un joven Pat Metheny cuyo discurso camina más deslabazadamente de lo habitual. La versión, en directo, se interrumpe tras el solo de Pastorius.
Completada por unas buenas notas al libreto, pero corta de información en cuanto a formaciones y autores de temas, esta edición para fieles seguidores del genio de las cuatro cuerdas presenta un interés puramente histórico, no tratándose en absoluto de una grabación esencial, como, por contra, reza la carpetilla trasera del CD (“Essential Early Years Recordings”).
Arturo Mora Rioja
Andrés Olaegui Cuarteto - Ave Fénix
Composiciones: “Ave Fénix”, “ Rumberías”, “Los campanilleros (intro)”, “Los campanilleros”, “Generalife” (bulerías), “Soñando con la Bahía”(alegrías), “Hacia el Sur” (bulerías),“Un Instante en la Eternidad” (dedicado a José Antonio Galicia),“Como el aire fresco de la Mañana”, “Entre la Pena y la Gloria” y “Steing With You”.
Músicos: Andrés Olaegui (guitarra eléctrica y española), Ricardo Rodero (saxos tenor y soprano), Javier Pérez (bajo eléctrico) y Luis Abela (batería y armónica en “Los campanilleros”), con Eva Durán (voz), Araceli de la Fuente (voz), Javier Romanos (guitarra flamenca), Carlos Mancuzo (percusión), Jorge la Fuente (cContrabajo), Arcadio Marín (guitarra flamenca), Luis Escrivano (contrabajo), Pedro Sarmiento (piano), Raúl Márquez (violín), Javier Alejano (cuarteto de cuerdas), Jaime Muelas (flauta y voz) y Jesús Mañeru (cajón).
Records Luna Negra (México) 2008-Manantial de Músicas 2008
Comentario: En este segundo trabajo en solitario Andrés Olaegui sigue la línea continuista y uniforme iniciada en su anterior disco Como niños, jazz flamenco fusión lleno de matices, sensaciones y aromas que resucitan el espíritu del legendario grupo Guadalquivir al que perteneció.
Este espíritu está presente en “Ave Fénix” con solos de Andrés Olaegui, Ricardo Rodero y el siempre presente Javier Pérez con el apoyo de las percusiones del brasileño Carlos Mancuzo, de igual manera en “Soñando con la Bahía”, “Como el aire fresco de la Mañana”, “Entre la Pena y la Gloria” y “Steing With You” donde vuelve a mostrarlo con fuerza y elegancia, sobre todo en el penúltimo de ellos, un blues bien construido con brillantes alternancias de Ricardo Rodero, Andrés Olaegui y Javier Pérez.
Composiciones como “Rumberías” muestran una riqueza instrumental de carácter arábigo-andalusí con impactantes solos del violinista Raúl Márquez y de Jaime Muelas al nay (flauta egipcia).
En el tema folclórico “Los campanilleros (intro)” la voz cálida y clara como el agua de Araceli de la Fuente se sirve del acompañamiento de Javier Romanos a la guitarra flamenca para dar paso a “Los Campanilleros”, una original versión instrumental donde se van sucediendo los solos de armónica de Luis Abela (a lo Antonio Serrano) y Jaime Muelas a la flauta con Andrés Olaegui a la guitarra eléctrica y Javier Romanos a la guitarra flamenca y el apoyo del cuarteto de cuerdas de Javier Alejano.
“Generalife” es otro de los temas vocales cantado –en esta ocasión– por Eva Durán acompañada por los solos del arrebatador y arrogante saxo soprano de Ricardo Rodero, la guitarra de Andrés Olaegui y el bajo de Javier Pérez en otra composición de jazz, rock y flamenco.
“Hacia el Sur” es una composición flamenca con destacado papel de la guitarra española (fresca y continua como agua de manantial) de Javier Romanos con la ayuda de palmas y percusiones.
“Un Instante en la Eternidad” es un homenaje a José Antonio Galicia, balada nostálgica, pasional y poética donde el piano de Pedro Sarmiento y las guitarras flamenca de Arcadio Marín y eléctrica de Andrés Olaegui dialogan y reflexionan con profundo sentimiento.
Un trabajo de artesanía bien pensado, maduro y hecho con los ojos y oídos del alma.
Enrique Farelo
Músicos: Andrés Olaegui (guitarra eléctrica y española), Ricardo Rodero (saxos tenor y soprano), Javier Pérez (bajo eléctrico) y Luis Abela (batería y armónica en “Los campanilleros”), con Eva Durán (voz), Araceli de la Fuente (voz), Javier Romanos (guitarra flamenca), Carlos Mancuzo (percusión), Jorge la Fuente (cContrabajo), Arcadio Marín (guitarra flamenca), Luis Escrivano (contrabajo), Pedro Sarmiento (piano), Raúl Márquez (violín), Javier Alejano (cuarteto de cuerdas), Jaime Muelas (flauta y voz) y Jesús Mañeru (cajón).
Records Luna Negra (México) 2008-Manantial de Músicas 2008
Comentario: En este segundo trabajo en solitario Andrés Olaegui sigue la línea continuista y uniforme iniciada en su anterior disco Como niños, jazz flamenco fusión lleno de matices, sensaciones y aromas que resucitan el espíritu del legendario grupo Guadalquivir al que perteneció.
Este espíritu está presente en “Ave Fénix” con solos de Andrés Olaegui, Ricardo Rodero y el siempre presente Javier Pérez con el apoyo de las percusiones del brasileño Carlos Mancuzo, de igual manera en “Soñando con la Bahía”, “Como el aire fresco de la Mañana”, “Entre la Pena y la Gloria” y “Steing With You” donde vuelve a mostrarlo con fuerza y elegancia, sobre todo en el penúltimo de ellos, un blues bien construido con brillantes alternancias de Ricardo Rodero, Andrés Olaegui y Javier Pérez.
Composiciones como “Rumberías” muestran una riqueza instrumental de carácter arábigo-andalusí con impactantes solos del violinista Raúl Márquez y de Jaime Muelas al nay (flauta egipcia).
En el tema folclórico “Los campanilleros (intro)” la voz cálida y clara como el agua de Araceli de la Fuente se sirve del acompañamiento de Javier Romanos a la guitarra flamenca para dar paso a “Los Campanilleros”, una original versión instrumental donde se van sucediendo los solos de armónica de Luis Abela (a lo Antonio Serrano) y Jaime Muelas a la flauta con Andrés Olaegui a la guitarra eléctrica y Javier Romanos a la guitarra flamenca y el apoyo del cuarteto de cuerdas de Javier Alejano.
“Generalife” es otro de los temas vocales cantado –en esta ocasión– por Eva Durán acompañada por los solos del arrebatador y arrogante saxo soprano de Ricardo Rodero, la guitarra de Andrés Olaegui y el bajo de Javier Pérez en otra composición de jazz, rock y flamenco.
“Hacia el Sur” es una composición flamenca con destacado papel de la guitarra española (fresca y continua como agua de manantial) de Javier Romanos con la ayuda de palmas y percusiones.
“Un Instante en la Eternidad” es un homenaje a José Antonio Galicia, balada nostálgica, pasional y poética donde el piano de Pedro Sarmiento y las guitarras flamenca de Arcadio Marín y eléctrica de Andrés Olaegui dialogan y reflexionan con profundo sentimiento.
Un trabajo de artesanía bien pensado, maduro y hecho con los ojos y oídos del alma.
Enrique Farelo
Abe Rábade - Jazzia
Composiciones: “Logos”, “Da orde ao Caos”, “Liberación”, “Ases Soprados”, “Azar”, “Creación da Baralla”, “Tristano Complex”, “Asorey” (para o amigo Carlos Asorey), “Danza Derviche”, “Broken Chart”
Músicos: Abe Rábade: piano
Dep-Legal: C-3525-2008
Comentario: En ocasiones empleamos el término mágico para designar y alabar la música contenida en un disco o en una actuación en directo. En el espectáculo Jazzia se combina el arte musical y el ilusionismo de la mano del pianista gallego Abe Rábade y el prestidigitador Kiko Pastur.
Musicalmente diez juegos de manos sin chistera ni conejo y mucha magia componen Jazzia. El comienzo intimista donde las manos acarician el teclado transformando el piano en una bella caja de música tierna e infantil se denomina “Logos”. “Da orde ao Caos” es un blues breve y disonante. De vanguardia e improvisación libre, el piano saca de la chistera un instrumento de percusión interna, armónicos y sonidos onomatopéyicos vocales y reminiscentes a lo Keith Jarrett con pasión y técnica en “Liberación”.
En “Ases Soprados” un manantial de sonidos emanan de las manos Abe Rábade desembocando en un sueño silencioso. Sonido imperceptible bajo la tenue luz de las cuerdas interiores; los dedos nos invitan a un paseo suave y melancólico en “Azar”. Pinceladas mínimas y poéticas en blanco y negro en “Creación da Baralla”.
Imprimiendo velocidad, swing y bop, en el recuerdo Tete Montoliu, Oscar Peterson, Martial Solal y por su puesto Lennie Tristano en “Tristano Complex”. Solemnidad, reflexión y sensibilidad, emergente y pasional, Keith Jarrett en espíritu está en “Asorey” y “Danza Derviche”.
Y para finalizar un ragtime tan amable, directo, sincero y swingueante, que Art Tatum aparecerá en “Broken Chart”.
Enrique Farelo
Músicos: Abe Rábade: piano
Dep-Legal: C-3525-2008
Comentario: En ocasiones empleamos el término mágico para designar y alabar la música contenida en un disco o en una actuación en directo. En el espectáculo Jazzia se combina el arte musical y el ilusionismo de la mano del pianista gallego Abe Rábade y el prestidigitador Kiko Pastur.
Musicalmente diez juegos de manos sin chistera ni conejo y mucha magia componen Jazzia. El comienzo intimista donde las manos acarician el teclado transformando el piano en una bella caja de música tierna e infantil se denomina “Logos”. “Da orde ao Caos” es un blues breve y disonante. De vanguardia e improvisación libre, el piano saca de la chistera un instrumento de percusión interna, armónicos y sonidos onomatopéyicos vocales y reminiscentes a lo Keith Jarrett con pasión y técnica en “Liberación”.
En “Ases Soprados” un manantial de sonidos emanan de las manos Abe Rábade desembocando en un sueño silencioso. Sonido imperceptible bajo la tenue luz de las cuerdas interiores; los dedos nos invitan a un paseo suave y melancólico en “Azar”. Pinceladas mínimas y poéticas en blanco y negro en “Creación da Baralla”.
Imprimiendo velocidad, swing y bop, en el recuerdo Tete Montoliu, Oscar Peterson, Martial Solal y por su puesto Lennie Tristano en “Tristano Complex”. Solemnidad, reflexión y sensibilidad, emergente y pasional, Keith Jarrett en espíritu está en “Asorey” y “Danza Derviche”.
Y para finalizar un ragtime tan amable, directo, sincero y swingueante, que Art Tatum aparecerá en “Broken Chart”.
Enrique Farelo
Atomic - Retrograde
Composiciones: CD1: 1 “Db Gestalt” 2 “Retrograde” 3 “Invisible Cities” 4 “Painbody” 5 “Correspondence” 6 “Sweet Ebony” 7 “King Kolax”.
CD2: 1 “Invisible Cities II” 2 “Papa” 3 “Don Don” 4 “Folkton” 5 “Hola Calamares” 6 “Swedish Oklahoma (In The Desert Of Love)” 7 “Koloniestrase”.
CD3 (Live In Seattle): 1 “Crux” 2 “Db Gestalt” 3 “Painbody” 4 “Swedish Oklahoma (In The Desert Of Love)” 5 “King Kolax” 6 “ABC 101b”.
1.1, 1.6, 1.7, 2.2, 2.4, 2.5, 3.2, 3.5 compuestos por Fredrik Ljungkvist. 1.2, 1.3, 1.5, 2.1, 2.7, 3.1, 3.6 compuestos por Håvard Wiik. 1.4, 2.3, 3.3 compuestos por Magnus Broo. 2.6, 3.4 compuestos por Ingebrigt Håker Flaten
Músicos: Fredrik Ljungkvist (saxos), Magnus Broo (trompeta), Håvard Wiik (piano), Ingebrigt Håker Flaten (contrabajo), Paal Nilssen-Love (batería y percusión)
CD1 y CD2 grabados en SAMI el 25 y 26 de julio de 2007. CD3 grabado en directo en Tula’s Jazz Club de Seattle el 24 de enero de 2008.
Publicado en 2008 por Jazzland Recordings. Universal (Jazzland Rec. 06025 8843 8)
Comentario: Tal y como hicieron en 2005 con The Bikini Tapes, en 2008 el quinteto nórdico Atomic ha editado Retrograde, el segundo triple CD en su discografía. Sin embargo hay algunas diferencias más que notables entre ambas grabaciones. The Bikini Tapes, un directo grabado en siete localizaciones ditintas, servía para resumir su carrera y de ese modo aprovechar la relativa popularidad del quinteto. Su repertorio, si se obviaban cuatro temas inéditos, procedía de sus discos anteriores: Feet Music (2001) y Boom, Boom (2003) a nombre de Atomic, y del doble Nuclear Assembly Hall (2004) protagonizado por el octeto Atomic / Schoool Days.
Retrograde es distinto. En primer lugar esta grabación no es un resumen, no son tres discos en directo, entre otras razones porque apenas han transcurrido tres años desde que publicaron The Bikini Tapes, y en ese período de tiempo tan solo han publicado Happy New Ears? (2006) y el doble CD Distil (2008, a nombre de Atomic /School Days). Otra diferencia es que dos de los tres compactos están grabados en estudio y en ellos se recogen nuevas composiciones que por fortuna no muestran demasiadas novedades. Como grupo, Atomic funciona a un gran nivel, puesto que son ya muchos los años de compartir escenarios. A lo largo de ellos han ido creando una complicidad que se disfruta (¡y de qué manera!) en sus arrebatadores directos y también en sus grabaciones, ya que han sido capaces de reflejar esa brillantez en CD. Individualmente continúan destacando sobremanera el batería y percusionista Paal Nilssen-Love y el contrabajista Ingebrigt Håker Flaten. Desde hace ya unos años ambos músicos se han erigido en unas figuras de primer nivel en el jazz europeo e internacional con unas carreras individuales más que interesantes. Por otra parte en Retrograde, tal y como ha ocurrido con sus anteriores discos, hay unos cuantos temas sobresalientes: “King Kolax”, “Db Gelstat”, el precioso homenaje a Don Cherry titulado “Don Don”, su grito de guerra “Hola Calamares” (sí, en español) y sobre todo ese temazo que es “Painbody”, con el que no cuesta nada cerrar los ojos e imaginarse al saxofonista Fredrik Ljungkvist dirigiendo en los directos a esa máquina de hacer música que es Atomic y poniéndola a funcionar a todo trapo.
El tercer compacto, de título Live In Seattle, aparece como Bonus Disc. En él se recoge al grupo en un concierto íntegro en enero de 2008 en el Tula’s Jazz Club de la ciudad norteamericana. El repertorio consiste en cuatro temas de Retrograde, más dos piezas provenientes de su anterior Happy New Ears?. Allí muestran composiciones cercanas al free-bop junto a otros temas que por más tranquilos y abstractos, aunque perfectamente estructurados, no resultan menos interesantes. Gracias precisamente a esta alternancia en la intensidad y a la variedad en sus composiciones los nórdicos logran que en sus conciertos no decaiga el interés por su música.
Parafraseando a los diarios deportivos, se podría lanzar el titular “en 2008 Atomic repiten la jugada de 2005 y vuelven a ganar por goleada”. Quizás haya que terminar haciéndose una pregunta, que no es otra que por qué a la vista de sus grabaciones y de sus magníficos directos (como Atomic o en compañía de School Days tal y como ocurrió en el concierto de clausura de la edición de 2008 del festival Imaxinasons en Vigo), no son más habituales en las citas jazzísticas de nuestro país.
Pachi Tapiz
CD2: 1 “Invisible Cities II” 2 “Papa” 3 “Don Don” 4 “Folkton” 5 “Hola Calamares” 6 “Swedish Oklahoma (In The Desert Of Love)” 7 “Koloniestrase”.
CD3 (Live In Seattle): 1 “Crux” 2 “Db Gestalt” 3 “Painbody” 4 “Swedish Oklahoma (In The Desert Of Love)” 5 “King Kolax” 6 “ABC 101b”.
1.1, 1.6, 1.7, 2.2, 2.4, 2.5, 3.2, 3.5 compuestos por Fredrik Ljungkvist. 1.2, 1.3, 1.5, 2.1, 2.7, 3.1, 3.6 compuestos por Håvard Wiik. 1.4, 2.3, 3.3 compuestos por Magnus Broo. 2.6, 3.4 compuestos por Ingebrigt Håker Flaten
Músicos: Fredrik Ljungkvist (saxos), Magnus Broo (trompeta), Håvard Wiik (piano), Ingebrigt Håker Flaten (contrabajo), Paal Nilssen-Love (batería y percusión)
CD1 y CD2 grabados en SAMI el 25 y 26 de julio de 2007. CD3 grabado en directo en Tula’s Jazz Club de Seattle el 24 de enero de 2008.
Publicado en 2008 por Jazzland Recordings. Universal (Jazzland Rec. 06025 8843 8)
Comentario: Tal y como hicieron en 2005 con The Bikini Tapes, en 2008 el quinteto nórdico Atomic ha editado Retrograde, el segundo triple CD en su discografía. Sin embargo hay algunas diferencias más que notables entre ambas grabaciones. The Bikini Tapes, un directo grabado en siete localizaciones ditintas, servía para resumir su carrera y de ese modo aprovechar la relativa popularidad del quinteto. Su repertorio, si se obviaban cuatro temas inéditos, procedía de sus discos anteriores: Feet Music (2001) y Boom, Boom (2003) a nombre de Atomic, y del doble Nuclear Assembly Hall (2004) protagonizado por el octeto Atomic / Schoool Days.
Retrograde es distinto. En primer lugar esta grabación no es un resumen, no son tres discos en directo, entre otras razones porque apenas han transcurrido tres años desde que publicaron The Bikini Tapes, y en ese período de tiempo tan solo han publicado Happy New Ears? (2006) y el doble CD Distil (2008, a nombre de Atomic /School Days). Otra diferencia es que dos de los tres compactos están grabados en estudio y en ellos se recogen nuevas composiciones que por fortuna no muestran demasiadas novedades. Como grupo, Atomic funciona a un gran nivel, puesto que son ya muchos los años de compartir escenarios. A lo largo de ellos han ido creando una complicidad que se disfruta (¡y de qué manera!) en sus arrebatadores directos y también en sus grabaciones, ya que han sido capaces de reflejar esa brillantez en CD. Individualmente continúan destacando sobremanera el batería y percusionista Paal Nilssen-Love y el contrabajista Ingebrigt Håker Flaten. Desde hace ya unos años ambos músicos se han erigido en unas figuras de primer nivel en el jazz europeo e internacional con unas carreras individuales más que interesantes. Por otra parte en Retrograde, tal y como ha ocurrido con sus anteriores discos, hay unos cuantos temas sobresalientes: “King Kolax”, “Db Gelstat”, el precioso homenaje a Don Cherry titulado “Don Don”, su grito de guerra “Hola Calamares” (sí, en español) y sobre todo ese temazo que es “Painbody”, con el que no cuesta nada cerrar los ojos e imaginarse al saxofonista Fredrik Ljungkvist dirigiendo en los directos a esa máquina de hacer música que es Atomic y poniéndola a funcionar a todo trapo.
El tercer compacto, de título Live In Seattle, aparece como Bonus Disc. En él se recoge al grupo en un concierto íntegro en enero de 2008 en el Tula’s Jazz Club de la ciudad norteamericana. El repertorio consiste en cuatro temas de Retrograde, más dos piezas provenientes de su anterior Happy New Ears?. Allí muestran composiciones cercanas al free-bop junto a otros temas que por más tranquilos y abstractos, aunque perfectamente estructurados, no resultan menos interesantes. Gracias precisamente a esta alternancia en la intensidad y a la variedad en sus composiciones los nórdicos logran que en sus conciertos no decaiga el interés por su música.
Parafraseando a los diarios deportivos, se podría lanzar el titular “en 2008 Atomic repiten la jugada de 2005 y vuelven a ganar por goleada”. Quizás haya que terminar haciéndose una pregunta, que no es otra que por qué a la vista de sus grabaciones y de sus magníficos directos (como Atomic o en compañía de School Days tal y como ocurrió en el concierto de clausura de la edición de 2008 del festival Imaxinasons en Vigo), no son más habituales en las citas jazzísticas de nuestro país.
Pachi Tapiz
Bruno Angelini / Joe Fonda / Ramón López - New York City Session
Composiciones: “China” (Fonda), “Morning” (Angelini), “Song for My Mother” (Fonda), “Exploration” (Angelini), “Queens” (López), “Resistance” (Angelini), “Fragile” (Angelini, Fonda, López), “Brothers” (Angelini), “New York City Mood” (Angelini), “I Learned a lot from You” (Fonda), “Union Square” (López).
Músicos: Bruno Angelini (piano), Joe Fonda (bajo), Ramón López (batería).
Grabado en Acoustic Recording, Brooklyn, N.Y.C., el 30 de noviembre de 2007.
Editado en 2008 en formato digital (descarga de pago) por Sansbruit sbr005 http://sansbruit.fr
Comentario: Llevo días escuchando este disco y al final he caído en la cuenta de que me recuerda a una sesión de los años 70. Una sesión de free jazz de esos años (y lo digo en el sentido amplio, de artistas que eran de free o de tantos otros que no lo eran pero que se acercaron a él en tropel). Con sus temas, que aunque en ocasiones huyen hacia adelante nunca llegan a perderse de vista. Con su irritación, que al final no es tanta. Con su búsqueda de matices, en lo que sí entran a fondo. Una sesión a ratos introspectiva, en general los temas de Angelini, en los cuáles a veces recurre a elementos clásicos; muy abierta en otros, serían más bien los de Fonda, a los que imprime un carácter más jazzy. Y algo importante es esta impronta definitivamente jazzera que tiene el disco. Sobre todo por esto es por lo que me recuerda a una vieja sesión de free jazz. Hay esa misma falta de pretensiones. Esa creencia en el “ahora”. En el desarrollar las cosas del modo más natural, rápido y lógico. O al menos eso es lo que me parece visto desde aquí y ahora (¿quién era el que decía que cuando alguien habla del pasado no hace otra cosa que hablar del presente a través de otras historias?). La cuestión es que este disco, como tantos otros y como tantos amigos aficionados últimamente coinciden en decir sobre otros discos parecidos, podríamos describirlo como un trabajo que no descubre nada nuevo pero que está magníficamente realizado, lo cual no es poco. Pero, si pensamos que el estilo dentro del que se están moviendo hace tan sólo 20 o treinta años era completamente revolucionario, ¿no da que pensar?
No digo esto con ninguna doble o triple intención. Todo lo contrario, lo que parece, es. Es decir, que es un placer escuchar discos de ese género que nos gusta tanto, el free jazz, sin añadirse presión alguna, sin esperar encontrar la última revelación, sin buscar cosas raras. Simplemente, disfrutarlo. Pasarlo bien escuchando a varios músicos haciendo lo que saben y dentro del ámbito en que se sienten más cómodos. Por eso, escuchar a Angelini, Fonda y López en una sesión en la que todos han cedido un poco para hallar un punto de encuentro más amplio dentro del que moverse y agitarse, es una gozada completa. Como debe ser todo buen disco.
Jack Torrance
Músicos: Bruno Angelini (piano), Joe Fonda (bajo), Ramón López (batería).
Grabado en Acoustic Recording, Brooklyn, N.Y.C., el 30 de noviembre de 2007.
Editado en 2008 en formato digital (descarga de pago) por Sansbruit sbr005 http://sansbruit.fr
Comentario: Llevo días escuchando este disco y al final he caído en la cuenta de que me recuerda a una sesión de los años 70. Una sesión de free jazz de esos años (y lo digo en el sentido amplio, de artistas que eran de free o de tantos otros que no lo eran pero que se acercaron a él en tropel). Con sus temas, que aunque en ocasiones huyen hacia adelante nunca llegan a perderse de vista. Con su irritación, que al final no es tanta. Con su búsqueda de matices, en lo que sí entran a fondo. Una sesión a ratos introspectiva, en general los temas de Angelini, en los cuáles a veces recurre a elementos clásicos; muy abierta en otros, serían más bien los de Fonda, a los que imprime un carácter más jazzy. Y algo importante es esta impronta definitivamente jazzera que tiene el disco. Sobre todo por esto es por lo que me recuerda a una vieja sesión de free jazz. Hay esa misma falta de pretensiones. Esa creencia en el “ahora”. En el desarrollar las cosas del modo más natural, rápido y lógico. O al menos eso es lo que me parece visto desde aquí y ahora (¿quién era el que decía que cuando alguien habla del pasado no hace otra cosa que hablar del presente a través de otras historias?). La cuestión es que este disco, como tantos otros y como tantos amigos aficionados últimamente coinciden en decir sobre otros discos parecidos, podríamos describirlo como un trabajo que no descubre nada nuevo pero que está magníficamente realizado, lo cual no es poco. Pero, si pensamos que el estilo dentro del que se están moviendo hace tan sólo 20 o treinta años era completamente revolucionario, ¿no da que pensar?
No digo esto con ninguna doble o triple intención. Todo lo contrario, lo que parece, es. Es decir, que es un placer escuchar discos de ese género que nos gusta tanto, el free jazz, sin añadirse presión alguna, sin esperar encontrar la última revelación, sin buscar cosas raras. Simplemente, disfrutarlo. Pasarlo bien escuchando a varios músicos haciendo lo que saben y dentro del ámbito en que se sienten más cómodos. Por eso, escuchar a Angelini, Fonda y López en una sesión en la que todos han cedido un poco para hallar un punto de encuentro más amplio dentro del que moverse y agitarse, es una gozada completa. Como debe ser todo buen disco.
Jack Torrance
Cecil Taylor with William Parker & Masashi Harada - CT: The Dance Project
Composiciones: “A ASTRAL FLUID ON THE EARTH“ 1 “Looking Into The Universe” (11:00) 2 “Emerging From The Cosmic Exterial” (4:19)
“B SOUL ACTIVITIES” 3 “Feeling” (12:12) 4 “Willing” (11:45)
Todos los temas compuestos por Cecil Taylor.
Músicos: Grabado en Berlín el 8 de julio de 1990 en Akademie der Künste (Berlín).
Publicado en 2008 en FMP. FMP CD 130 http://www.fmp-label.de/
Grabado en Berlín el 8 de julio de 1990 en Akademie der Künste (Berlín).
Publicado en 2008 en FMP. FMP CD 130
“B SOUL ACTIVITIES” 3 “Feeling” (12:12) 4 “Willing” (11:45)
Todos los temas compuestos por Cecil Taylor.
Músicos: Grabado en Berlín el 8 de julio de 1990 en Akademie der Künste (Berlín).
Publicado en 2008 en FMP. FMP CD 130 http://www.fmp-label.de/
Grabado en Berlín el 8 de julio de 1990 en Akademie der Künste (Berlín).
Publicado en 2008 en FMP. FMP CD 130
Alexander von Schlippenbach - Piano Solo ’77
Composiciones: 1 “Brooks” (13:04) 2 “The Onliest – The Loneliest 1” (8:08) 3 “Lhotse” (20:28) 4 “The Onliest – The Loneliest 2” (7:06)
Todos los temas compuestos por Alexander von Schlippenbach
Músicos: Alexander von Schlippenbach (piano).
Grabado entre el 18 y el 21 de febrero de 1977 en el FMP-Studio (Berlín).
FMP. FMP CD 129 http://www.fmp-label.de/
Comentario: Tras los problemas, juicios incluidos, que han mantenido parado el catálogo de FMP desde 2004, que es cuando publicó The Seven Circles de Beñat Achiary, en 2008 Jost Gebers retoma la publicación de nuevas referencias. Las dos primeras grabaciones en esta nueva fase pertenecen a dos pesos pesados del piano: el norteamericano Cecil Taylor y el alemán Alexander Von Schlippenbach.
CT: The Dance Project es la grabación de un espectáculo de 1990 en el que participaron Cecil Taylor, el contrabajista William Parker, el percusionista Masashi Harada y cuatro bailarinas. Aunque por medio del CD únicamente se pueda apreciar la música, la ausencia de la parte visual no es inconveniente para el disfrute de esta obra.
Como es habitual en las obras de Taylor, quien se acerque a esta grabación se encontrará con su pianismo percusivo característico o esos momentos “marca de la casa” en los que da la impresión de que los músicos tocan los unos contra los otros, aunque también es cierto que esa sensación es menos acusada que en otras ocasiones. Debido a ello, los 40 minutos que dura esta obra no llegan a provocar esa gran tensión y la subsiguiente sensación de agotamiento puramente físico que son capaces de producir algunas de sus grabaciones. Aquí el tono resulta más calmado, con algunos pasajes que incluso se podrían calificar como líricos. La obra se adecua al ritmo de un espectáculo de danza, y de ese modo se van alternando sucesivamente y en periodos relativamente cortos unas exposiciones torrenciales de la música, frente a otros momentos en los que abundan los espacios y que sirven para ir perfilando distintos ambientes. El resultado es un disco de Taylor, lo que ya es bastante, en un contexto diferente al habitual.
Piano Solo’77 de Alexander Von Schlippenbach fue grabado a lo largo de cuatro jornadas en el estudio FMP de Berlín. Los cuatro temas del compacto (que suponen uno más que los incluidos en el LP publicado originalmente) dejan la fuerte impresión de ser una competición de Alexander Von Schlippenbach consigo mismo. Como suele ser habitual, en su trabajo este pianista utiliza elementos que incluyen influencias de lo más diverso. En un momento estamos ante un pianista que bebe de la clásica contemporánea, para que a continuación su trabajo muestre trazas de estilos que retrotraen a las primeras épocas del piano en el jazz.
Como hecho destacado hay que constatar que a lo largo de los 50 minutos aparece la fuerte influencia de un pianista como Thelonious Monk en este pionero de la libre improvisación europea. Tres temas comienzan de tal modo que parece que Schlippenbach se basara no solamente en la estructura de composiciones de Monk para comenzar a construir unos discursos en los que tampoco tiene problema alguno en incorporar puntualmente disonancias típicamente monkianas. De cierta manera pudiera incluso llegar a pensarse que en este proyecto estuviera de algún modo el germen de lo que décadas más tarde se transformaría en su proyecto Monk’s Casino, que en forma de triple compacto sería la referencia número 100 del sello suizo Intakt Records.
Sea como fuere hay que aplaudir que la reactivación de FMP ponga en circulación dos obras de tal nivel.
Pachi Tapiz
Todos los temas compuestos por Alexander von Schlippenbach
Músicos: Alexander von Schlippenbach (piano).
Grabado entre el 18 y el 21 de febrero de 1977 en el FMP-Studio (Berlín).
FMP. FMP CD 129 http://www.fmp-label.de/
Comentario: Tras los problemas, juicios incluidos, que han mantenido parado el catálogo de FMP desde 2004, que es cuando publicó The Seven Circles de Beñat Achiary, en 2008 Jost Gebers retoma la publicación de nuevas referencias. Las dos primeras grabaciones en esta nueva fase pertenecen a dos pesos pesados del piano: el norteamericano Cecil Taylor y el alemán Alexander Von Schlippenbach.
CT: The Dance Project es la grabación de un espectáculo de 1990 en el que participaron Cecil Taylor, el contrabajista William Parker, el percusionista Masashi Harada y cuatro bailarinas. Aunque por medio del CD únicamente se pueda apreciar la música, la ausencia de la parte visual no es inconveniente para el disfrute de esta obra.
Como es habitual en las obras de Taylor, quien se acerque a esta grabación se encontrará con su pianismo percusivo característico o esos momentos “marca de la casa” en los que da la impresión de que los músicos tocan los unos contra los otros, aunque también es cierto que esa sensación es menos acusada que en otras ocasiones. Debido a ello, los 40 minutos que dura esta obra no llegan a provocar esa gran tensión y la subsiguiente sensación de agotamiento puramente físico que son capaces de producir algunas de sus grabaciones. Aquí el tono resulta más calmado, con algunos pasajes que incluso se podrían calificar como líricos. La obra se adecua al ritmo de un espectáculo de danza, y de ese modo se van alternando sucesivamente y en periodos relativamente cortos unas exposiciones torrenciales de la música, frente a otros momentos en los que abundan los espacios y que sirven para ir perfilando distintos ambientes. El resultado es un disco de Taylor, lo que ya es bastante, en un contexto diferente al habitual.
Piano Solo’77 de Alexander Von Schlippenbach fue grabado a lo largo de cuatro jornadas en el estudio FMP de Berlín. Los cuatro temas del compacto (que suponen uno más que los incluidos en el LP publicado originalmente) dejan la fuerte impresión de ser una competición de Alexander Von Schlippenbach consigo mismo. Como suele ser habitual, en su trabajo este pianista utiliza elementos que incluyen influencias de lo más diverso. En un momento estamos ante un pianista que bebe de la clásica contemporánea, para que a continuación su trabajo muestre trazas de estilos que retrotraen a las primeras épocas del piano en el jazz.
Como hecho destacado hay que constatar que a lo largo de los 50 minutos aparece la fuerte influencia de un pianista como Thelonious Monk en este pionero de la libre improvisación europea. Tres temas comienzan de tal modo que parece que Schlippenbach se basara no solamente en la estructura de composiciones de Monk para comenzar a construir unos discursos en los que tampoco tiene problema alguno en incorporar puntualmente disonancias típicamente monkianas. De cierta manera pudiera incluso llegar a pensarse que en este proyecto estuviera de algún modo el germen de lo que décadas más tarde se transformaría en su proyecto Monk’s Casino, que en forma de triple compacto sería la referencia número 100 del sello suizo Intakt Records.
Sea como fuere hay que aplaudir que la reactivación de FMP ponga en circulación dos obras de tal nivel.
Pachi Tapiz
Voro García - Vorocity
Composiciones: 1 “Dante” (Dee Jay Foster) 2 “My Little Girl” (Voro García) 3 “The Shortest” (Voro García) 4 “Baladí” (Voro García) 5 “I’ll Be Seeing You” (Sammy Fain) 6 “Familias” (Toni Belenguer) 7 “Smile” (Charlie Chaplin) 8 “Vorocity” (Voro García).
Músicos: Voro García (trompeta), Vicent Macian (saxo tenor), Albert Sanz (piano), André Sumelius (batería), Dee Jay Foster (contrabajo), Toni Belenguer (trombón), Perico Sambeat (saxo alto).
Publicado en 2008 por Mat Music
Comentario: El trompetista valenciano Voro García puede estar satisfecho de su debut discográfico como líder, un acontecimiento que podría parecer temprano debido a su juventud pero que, teniendo en cuenta su competencia como instrumentista y su buen hacer como compositor, ha caído por su propio peso. En líneas generales estamos ante una concepción clásica con swing ágil (“The Shortest”), bajos caminantes (“My Little Girl”), standards (“Smile”, “I’ll Be Seeing You”) y también composiciones de sus compañeros (“Familias”, “Dante”). “Baladí” es todo menos baladí: es una hermosa composición en la que, sutilmente, se cuelan líneas abiertas en ese clasicismo a través de un tempo etéreo en el que el trompetista y Albert Sanz dibujan con mucha lírica una espiritualidad que recuerda la atmósfera de “After the Rain” (John Coltrane). El gigante del saxofón también está sugerido en la introducción majestuosa de “Dante”, otro original muy logrado de esta grabación. Es el primer Miles Davis, en cambio, quien aparece evocado en esa entrada sobresaliente de Voro en su versión retozante de “Smile”. A pesar de contar con seis músicos a su servicio, el trompetista ha sabido equilibrar su participación y la idea del disco se aleja de los arreglos de semi big band para reducirse al concepto trio-cuarteto. La composición que da título al disco incide en Davis pero esta vez en el de épocas más avanzadas y quizá vislumbre nuevos territorios para la creatividad del valenciano. Un trabajo, en definitiva, de un instrumentista con muchas cosas que decir, con un fraseo sólido y bien cincelado. Su música cautiva en una primera escucha y pide muchas otras.
Quinito L. Mourelle
Músicos: Voro García (trompeta), Vicent Macian (saxo tenor), Albert Sanz (piano), André Sumelius (batería), Dee Jay Foster (contrabajo), Toni Belenguer (trombón), Perico Sambeat (saxo alto).
Publicado en 2008 por Mat Music
Comentario: El trompetista valenciano Voro García puede estar satisfecho de su debut discográfico como líder, un acontecimiento que podría parecer temprano debido a su juventud pero que, teniendo en cuenta su competencia como instrumentista y su buen hacer como compositor, ha caído por su propio peso. En líneas generales estamos ante una concepción clásica con swing ágil (“The Shortest”), bajos caminantes (“My Little Girl”), standards (“Smile”, “I’ll Be Seeing You”) y también composiciones de sus compañeros (“Familias”, “Dante”). “Baladí” es todo menos baladí: es una hermosa composición en la que, sutilmente, se cuelan líneas abiertas en ese clasicismo a través de un tempo etéreo en el que el trompetista y Albert Sanz dibujan con mucha lírica una espiritualidad que recuerda la atmósfera de “After the Rain” (John Coltrane). El gigante del saxofón también está sugerido en la introducción majestuosa de “Dante”, otro original muy logrado de esta grabación. Es el primer Miles Davis, en cambio, quien aparece evocado en esa entrada sobresaliente de Voro en su versión retozante de “Smile”. A pesar de contar con seis músicos a su servicio, el trompetista ha sabido equilibrar su participación y la idea del disco se aleja de los arreglos de semi big band para reducirse al concepto trio-cuarteto. La composición que da título al disco incide en Davis pero esta vez en el de épocas más avanzadas y quizá vislumbre nuevos territorios para la creatividad del valenciano. Un trabajo, en definitiva, de un instrumentista con muchas cosas que decir, con un fraseo sólido y bien cincelado. Su música cautiva en una primera escucha y pide muchas otras.
Quinito L. Mourelle