Anthony Braxton - Quartet Standards (Brussels) 2006


Composiciones: CD 1: “Forest Flower” (Charles Lloyd); “It’s You Or No One” (Julie Styne); “Darn That Dream” (Jimmy Van Heusen); “Improvisation Nº1”; “Very Early” (Bill Evans); “If I Should Looe You” (Robin /Ranger)
CD 2: “Virgo” (Take 2) (Wayne Shorter); “Embarcadero” (Paul Desmond); “Night Dreamer” (Wayne Shorter); “It Never Entered My Mind” (Rodgers/Hart); “Fine And Dandy” (James/Swift); “Monk’s Mood” (Thelonious Monk)
CD 3: “Three Little Words” (Harry Ruby); “Wave” (Antonio Carlos Jobim); “Ruby My Dear” (Thelonious Monk); “Mean To Me” (Fats Waller); “Afternoon In Paris” (John Lewis); “What’s New” (Bob Haggart)
CD 4: “Alice In Wonderland” (Fain/Hilliard); “Ah Leu Cha” (Charlie Parker); “For All We Know” (J. Fred Coots); “Improvisation Nº2”; “Tadd’s Deligth” (Tadd Dameron); “All Of You” (Cole Porter)
CD 5: “I’m Old Fashioned” (Jerome Kern); “Exx-Thetics” (George Russell); “How Little We Know” (Springer/Leigh); “Out To Lunch” (Eric Dolphy); “Early Autumn” (Woody Herman); “Star Eyes” (Gene De Paul)
CD 6: “Israel” (John Carisi); “These Foolish Things” (Strachey/Link/Marvell); “Improvisation Nº3”; “Strike Up The Band” (George Gershwin); “You’re My Thrill” (Clare/Gorney); “Virgo” (Take 1) (Wayne Shorter)

Músicos: Anthony Braxton (saxofón), Alessandri Giachero (piano), Antonio Borghini (contrabajo), Cristiano Calcagnile (batería)

36 temas. 6 CD. 6 horas aproximadamente.
Grabado en directo entre el 23 y el 26 de noviembre de 2006 en PP Café, Bruselas, Bélgica. Publicado en 2008 por Amirani Records. AMRN014 http://www.amiranirecords.com

Comentario: Casi desde el mismo inicio de su carrera musical Anthony Braxton se ha dedicado a trabajar sobre la tradición, bien sea recreando la música de un determinado artista o trabajando en proyectos compuestos exclusivamente por standards. En la entrevista que le hacíamos en Tomajazz a finales de 2007 Braxton lo explicaba cuando le preguntábamos cómo enfocaba el tratamiento de dichos standards: “He llegado a la conclusión de que para mí es muy saludable, de vez en cuando, distanciarme de mi propia música y tocar la tradición. Todavía soy sensible a la tradición. Así que he tratado, cada cierto tiempo, de sacar un CD de standards…Y cuando yo trato de tocar bebop procuro divertirme, probar diversos enfoques. Puede que toquemos «Giant Steps» sin acordes, o a veces podemos improvisar totalmente y quizás meter algo en medio... Procuro tratar la tradición de una manera más flexible. A veces tocamos la música de forma muy estricta y correcta, a veces sólo extractos de esa música. La tradición, la verdadera tradición, es la tradición de la creatividad, y creo que, en muchos casos, los estilistas y los tecnócratas se han olvidado de que la verdadera tradición es el reto que presenta la época que te ha tocado vivir, el reto de hallar una forma creativa de usar los materiales. Uno puede tocar Bach y aun así ser creativo... Estoy pensando en Glenn Gould, el pianista, cuando toca Bach, ¡oooh!... ¡Cuando toca Schoenberg suena casi como Chopin! Es personal, es creativo”. Quizás sólo quedaría añadir que Braxton ha sido capaz de transmitir el cariño que tiene y con el que afronta la reinterpretación de esta música.

Su encuentro en 2006 en Bélgica con un trío de músicos italianos para la grabación de este séxtuple CD resulta de algún modo sorprendente, ya que estos no cuentan en su haber con un amplio historial de colaboraciones con Braxton, tal y como les sucedía a Kevin Norton, Andy Eulau y Kevin O’Neal, integrantes de su Standard Quartet y con quienes publicaba en Leo Records los dos cuádruples CD 20 Standards (Quartet) 2003 y 23 Standards (Quartet) 2006. Sin embargo, todavía resulta más sorprendente el nivel de entendimiento al que llegan los cuatro músicos especialmente en los temas de los últimos CD. En el libreto no se indica, pero da la impresión de que estos fueron grabados al final de los cuatro días de conciertos en los que se grabó esta caja.

En lo relativo al repertorio, su elección sigue sorprendiendo por la amplitud que el concepto de standard tiene para Braxton. En esta ocasión, rara avis en sus proyectos centrados en material ajeno, se incluyen tres piezas improvisadas con duraciones que van entre los tres y los ocho minutos. El arco temporal abarcado por el resto de los temas recorre prácticamente desde los inicios del jazz hasta finales de los 60. Así, hay composiciones de Fats Waller (un fabuloso “Mean To Me”), Paul Desmond, Wayne Shorter, Eric Dolphy, George Rusell, Tadd Dameron, Charlie Parker, Thelonious Monk (“Ruby My Dear” es toda una delicia), Bill Evans, Charles Lloyd, Woody Herman y, por supuesto, piezas clásicas entre las clásicas como “All Of You”, “Star Eyes”, “These Foolish Things”, “Darn That Dream”, “If I Should Lose You” o incluso una versión de “Wave” de Antonio Carlos Jobim.

Quizás lo único que se eche de menos es el que no se haya dejado un mayor tiempo entre tema y tema para recoger los aplausos y la respuesta del público. En la mayoría de las ocasiones los temas finalizan de un modo casi abrupto para dar paso al siguiente inmediatamente, dejando la impresión de que la grabación no se hubiera realizado en directo. Algo que resulta extraño, puesto que en más de una ocasión la audiencia muestra su satisfacción al terminar el solo correspondiente. De cualquier modo ésta es una cuestión menor y casi anecdótica.

¿Es posible que este séxtuple CD sea la mejor manera para comenzar una aproximación a la obra de Braxton? Quizás se podría sugerir para ello el proyecto dedicado a Charlie Parker y publicado en HatOlogy. Aunque bien pensado, quizás tampoco sería una manera tan mala de acercarse a una figura histórica del jazz que con más de 60 años sigue trabajando a un ritmo frenético. En el fondo, lo que hay en estos seis CD son unos temas fantásticos recreados por unos muy buenos músicos, y si hay una constante en la carrera de Braxton, además de su interés por la vanguardia, es su gran respeto (que no es lo mismo que sumisión), a la hora de trabajar en la gran tradición del jazz.

Pachi Tapiz




Chuck Loeb - Between 2 Worlds


Composiciones: “Let’s Go”, “Hiram” (Chuck Loeb & Carmen Cuesta), “Mittens”, “Between 2 Worlds” (Chuck Loeb & Carmen Cuesta), “Oh No You Didn’t” (Chuck Loeb & Lizzy Loeb), “Let’s Play”, “Sò Tinha De Que Ser Com Vocè” (Antonio Carlos Jobim & Aloysio Oliveira), “The Great Hall”, “Mean Old Man” (James Taylor), “360”, “Early Turns To Late” (Chuck Loeb & Lizzy Loeb).

Todas las composiciones por Chuck Loeb, excepto donde se indica.

Músicos: Chuck Loeb (guitarras), Carmen Cuesta, Lizzy Loeb (voz), Eric Marienthal (saxos y flauta), Till Brönner (trompeta), Nathan Eklund (trompeta y trombón), Brian Culbertson (trombón), Pat Bergeson (harmónica), Will Lee, Gerald Veasley (bajo eléctrico), Dieter Ilg (contrabajo), Dave Weckl, Wolfgang Haffner (batería), Bashiri Johnson, David Charles (percusión).

Grabado en Avatar Studios (Nueva York, Estados Unidos) y Bam Bam Studios (Berlín, Alemania).
Heads Up CD 3151

Comentario: Músico completo, excelente guitarrista, compositor y productor, alma máter de Metro, una de las mejores bandas de jazz fusión de la actualidad, Chuck Loeb nos tenía acostumbrados al smooth jazz y la búsqueda de sitio en las emisoras de FM en sus discos como líder. En este caso nos sorprende con un trabajo variado donde cubre tan amplio rango estilístico que, quizás, este Between 2 Worlds (“entre dos mundos”) debiera haberse titulado “Between Various Worlds” (“entre varios mundos”).

En el CD encontramos sonoridades europeas y americanas, temas instrumentales y vocales, jazz tradicional, fusión, smooth y r&b. Si identificamos los dos mundos a que se refiere el título como Estados Unidos y Europa, la división lógica del disco separaría los siete primeros temas, grabados en Nueva York con músicos americanos, y los cuatro últimos, grabados en Berlín a trío con Dieter Ilg y Wolfgang Haffner.

En el primero de los casos encontramos una sonoridad más comercial, asentada en la pegada de una sección rítmica donde Dave Weckl comparte papel con Will Lee (bajista en el último disco de Metro) y Gerald Veasley (bajista en la inmediata gira de presentación de dicho disco). El primero aporta clase y estilo en su melodía al bajo sin trastes en la bellísima “Hiram”, dedicada al recientemente fallecido Hiram Bullock, con quien compartía andanzas en el David Letterman Show. El sonido más cercano al funk y al rhythm&blues lo encontramos en “Let’s Go” y “Mittens”, con la presencia de Eric Marienthal y, en el segundo caso, del germano Till Brönner.

En proyectos anteriores Loeb nos tenía habituados a contar con la voz de su esposa, Carmen Cuesta. En este caso a la madrileña (prominente en “Between 2 Worlds” y la bossa nova “Sò Tinha De Que Ser Com Vocè”) se suma su hija, Lizzy Loeb, en el tema pop “Oh No You Didn’t”, que también co-compone.

La segunda parte del disco nos regala al Chuck Loeb más jazzero en la siempre arriesgada formación de trío. Rodeado de dos monstruos como son los alemanes Ilg y Haffner (compañero de andanzas en Metro), homenajea a dos de sus maestros, Jim Hall (“The Great Hall”, con espacio para el lucimiento del contrabajista) y Pat Metheny (“360” y su pegadizo arpegio), mostrándose como un guitarrista intenso, elegante, de variados recursos. También se enfrenta al jazz de corte tradicional en “Let’s Play”, blues menor dedicado a Mike Stern donde el trío lo completan Gerald Veasley y un Dave Weckl sutil a las escobillas (más desbocado en su solo). El disco lo cierra la formación europea con la balada “Early Turns To Late”, cuya melodía ejecuta Pat Bergeson a la harmónica.

Sorprendente como mínimo, Between 2 Worlds es un hito en la carrera de Chuck Loeb. Ante un planteamiento tan ecléctico va a ser difícil que a los oyentes les guste el CD completo, pero seguro que todos encuentran su espacio en él. En vez de un disco, Loeb podría haber grabado dos o tres distintos, pero quizás sea mucho pedir en tiempos de crisis. Económica, que no musical.

Arturo Mora Rioja




Benny Lackner Trio - Pilgrim


Composiciones: “Mowgla” (Lackner & Perkins), “Pilgrim” (Lackner, Perkins & Nievergelt), “Beyond”, (Nievergelt), “Let It Die” (Feist), “Brad Plus” (Lackner, Perkins, Nievergelt), “Blind” (Nievergelt), “I Never” (Nievergelt), “Lonely, Lonely” (Fesit, Sherr), “K.W.S. Nightmare” (Nevergelt), “Transkei” (Lackner, Perkins), “Emma’s Song” (Nievergelt).

Músicos: Benny Lackner (piano, Wurlitzer, Nord Lead 2), Derek Nievergelt (contrabajo, bajo eléctrico, Wurlitzer, Nord Lead 2) y Robert Perkins (batería, percusión, electrónica).

BHM 1032-2

Comentario: El sello alemán BHM nos trae el tercer disco del trío de Benny Lackner, una formación que afronta su séptimo año de vida fieles a su estilo de trío de piano moderno, con ligeras similitudes con tríos europeos como los de Tord Gustavsen, Wolfgang Haffner, E.S.T. o Tingvall Trio, y mayores semejanzas con formaciones americanas. No en vano el quinto corte del CD se titula “Brad Plus”, en clara alusión a Brad Mehldau y The Bad Plus, evidentes fuentes de inspiración del grupo.

Situado el punto de partida, conviene aclarar que el Benny Lackner Trio no es una copia de los anteriormente citados, tan sólo parte de un concepto asentado hoy en día para expresarse de forma personal y espontánea. La idea de este grupo es más cooperativa que la de los tríos de Mehldau, y la contención mucho mayor que en el caso de The Bad Plus (Robert Perkins es mucho más fino y comedido que Dave King). Las composiciones, por lo general cortas (la duración total del disco apenas supera los 40 minutos), están muy bien construidas, creando paisajes sonoros y desarrollándose sin prisa. Melodías y armonías sugerentes caminan sobre una firme sección rítmica con pequeñas pinceladas de música electrónica. Líneas de bajo de notas largas alumbran “Let It Die”, mientras la mencionada “Brad Plus” comienza con suavidad para ir creciendo en el solo de piano. “Pilgrim” y “Blind” aportan colores más festivos y en “Lonely, Lonely” encontramos una bella melodía interpretada al contrabajo.

“Emma’s Song”, una especie de nana a piano solo, cierra un disco encantador que deja con ganas de más. Y es que la música de Benny Lackner agrada, interesa, pero también parece estar aún en fase de crecimiento. Al que asistiremos con gusto.

Arturo Mora Rioja




Jazz Big Band Graz - Electric Poetry & Lo-Fi Cookies


Composiciones: “Trancefactor”, “Some Days Ago... In The Future”, “The Smile Of Smiles”, “Shades Of Tango”, “Meshell’s Dreamland”.

Todas las composiciones por Horst-Michael Schaffer.

Músicos: Heinrich Von Kalnein, Horst-Michael Schaffer (dirección), Heinrich Von Kalnein, Robet Friedl, Klaus Gesing, Herb Berger, Martin Harms (saxos, maderas), Andi Pesendorfer, Axel Mayer, Horst-Michael Schaffer, David Jarh (trompetas y fiscornos), Reinhard Summerer, Christophe Schweizer, Philip Yaeger, Wolfgang Tischhart (trombones), Oliver Kent (piano), Uli Rennert (teclados, Vocoder, guitarra, máquinas), Henning Sieverts (contrabajo, violonchelo) y Gregor Hilbe (batería, samples, programación y electrónica) con Barbara Buchholz (theremin).

Grabado del 5 al 9 de julio de 2006 en Bauer Studios, Ludwigsburg (Alemania). Samples acústicos grabados el 14 y 18 de agosto de 2006 en Studio Musicgarden Graz (Austria).
Intuition 34072

Comentario: Varios han sido los músicos que han intentado ampliar el campo funcional de sus instrumentos, introduciendo variaciones a nivel técnico o sónico que se salieran de lo habitual. A veces con éxito. En este caso se trata de un gran instrumento: la big band, ni más ni menos. El trompetista Horst-Michael Schaffer presenta cinco composiciones largas en las que juega con la paleta tímbrica formada por la instrumentación que antaño hiciera las delicias de los fanáticos del swing. Electric Poetry & Lo-Fi Cookies es una grabación embriagadora, una especie de versión jazzera de la Cinematic Orchestra donde se aplican conceptos de música electrónica a una instrumentación puramente acústica, todo ello sazonado con textos a cargo de literatos como William Blake o el mismísimo Shakespeare.

Los solos transcurren sobre secciones rítmicas cercanas a ciertos estilos de música de baile, mientras la mezcla de sonoridades en los vientos recuerda por momentos a bandas sonoras de películas de James Bond. Sugerentes y descriptivos, los arreglos caminan con firmeza y elegancia, sin estridencias ni demostraciones pirotécnicas. La calidad melódica de “Trancefactor” o el ambiente post-moderno de “Some Days Ago… In The Future” (con una curiosa interpretación de Barbara Buchholz al theremin) contrastan con el aire arrabalero, desenfadado y, al final, swingueante de “Shades Of Tango”, la persistencia de “Meshell’s Dreamland” o la clase del brillante “The Smile Of Smiles” y su hipnotizante línea vocal.

Las notas al libreto de Colin Towns pueden parecer pretenciosas a simple vista, pero una escucha detallada les otorga legitimidad y validez. Towns defiende la supremacía de Europa en la innovación musical contemporánea, habla de las composiciones como “cuadros sonoros”, de los arreglos dice que “otorgan un propósito a las grandes bandas en el siglo XXI” y concede a la agrupación la respuesta a varias de las siguientes cuestiones: “¿Quién creará las noticias del mañana? ¿A dónde nos llevará la tecnología? ¿Quién llevará a la música a nuevos lugares, nos hará celebrar de nuevas formas lo que ya conocemos o nos asustará con una nueva visión especial?”.

Arturo Mora Rioja




Fernando Marco Trío & Celia Mur - Joy Spring


Composiciones: “Joy Spring” (Clifford Brown), “Insensatez” (Antonio Carlos Jobim), “Five Brothers” (Gerry Mulligan), “Stolen Moments” (Oliver Nelson), “Up Jumped Spring” (Freddie Hubbard), “Everything I Love” (Cole Porter), “Inside A Silent Tear” (Sheila Jordan), “Laura” (Mercer & Raskin), “Line For Lyons” (Gerry Mulligan), “Whisper Not” (Benny Golson), “West Side Baby” (T. Bone Walker).

Músicos: Celia Mur (voz), Fernando Marco (guitarra eléctrica), Ricardo Belda (piano) y Lucho Aguilar (contrabajo).

Grabado el 4 y 5 de julio de 2006 en el Auditorio Municipal de Vila-real (Castellón).
Blau Records 03

Comentario: Desde Levante nos llega este disco delicioso, un pequeño songbook vocal sin más pretensiones que ofrecer jazz de calidad, elegante y sincero. El trío del guitarrista castellonense Fernando Marco recorre con solvencia las armonías de standards habituales como “Stolen Moments”, “How Insensitive”, “Everything I Love” o el “Joy Spring” que da título al álbum para que la vocalista Celia Mur haga gala de sus evidentes cualidades vocales.

Sin artificios ni pirotecnias, la ausencia de batería y la presencia de dos instrumentos armónicos (piano y guitarra) teje un colchón sonoro de agradable escucha que facilita el buen trabajo de la cantante. Ésta demuestra estilo en sus reposadas improvisaciones en scat y en sus dúos con Lucho Aguilar, contrabajista cuyo trabajo merece mención especial, al ser el responsable de casi todo el peso rítmico en semejante formación y acometer la tarea con excelentes resultados.

Marco y Belda, músicos de dilatada carrera, se desenvuelven con total seguridad en un entorno que les viene como anillo al dedo. Los arreglos, simples y efectivos, se integran perfectamente en el conjunto. Y por si no bastara con la música, encontramos otro detalle elegante: el diseño de la carpetilla.

Arturo Mora Rioja




Portinho Trio - Vinho Do Porto


Composiciones: “Vinho Do Porto” (Dom Salvador), “Satin Doll” (Johnny Mercer, Duke Ellington, Billy Strayhorn), “Pools” (Don Grolnick), “Cançao Que Morre No Ar” (Carlos Lyra, Ronaldo Boscoli), “Doce De Coco” (Jacob do Bandolin), “Aquarela do Brasil” (Ary Barroso), “Footprints” (Wayne Shorter), “Homage to Tom: Sucedeu Assim, Só Saudade, Angela” (Antonio Carlos Jobim, Marino Pinto, Newton Mendonça), “Viva O Rio De Janeiro” (Hermeto Pascoal), “Vai De Vez” (Lula Freire, Roberto Menescal), “Who’s Smoking?’” (Paquito D’Rivera, Claudio Roditi)

Músicos: Portinho (batería), Klaus Mueller (piano) y Itaiguara Brandao (bajo eléctrico), con Lincoln Goines (bajo eléctrico) y Jay Ashby (trombón y percusión).

Grabado en el Manchester Craftsmen’s Guild, Pittsburg (Filadelfia, Estados Unidos).
MCGJ 1033

Comentario: Divertido, desenfadado, calentito. El percusionista brasileño Portinho completa su trío con la presencia del trombonista Jay Ashby en un disco muy bien elaborado, de fácil escucha pero no exento de riesgos en momentos concretos. Si versiones míticas como las de “Satin Doll”, “Footprints” o “Aquarela do Brasil” no aportan más que buenas interpretaciones, en el “Pools” de Steps Ahead se introducen variaciones rítmicas que otorgan nuevas visiones de la pieza. La octava pista del CD es un homenaje a Antonio Carlos Jobim donde se entrelazan tres composiciones poco conocidas del maestro, y el trío se gusta con un original de Hermeto Pascoal (“Viva O Rio De Janeiro”).

Portinho se muestra sobrado, ligero, sin sobreactuar ni requerir protagonismo y dirigiendo a la banda desde sus cimientos. Kalus Mueller aporta solvencia y buenas improvisaciones, y el bajista Itaiguara Brandao precisión rítmica y buen sonido. Tres de las piezas contemplan el buen hacer del estadounidense Lincoln Goines, incluyendo solos de altura. Por otro lado Jay Ashby juega un papel importante, pero no deja de ser una incorporación, sin alterar el sonido del trío y añadiendo condimentos a un plato ya de por sí bien cocinado.

Arturo Mora Rioja




Mahogany Frog - Do5


Composiciones: “G.M.F.T.P.O”, “T-Tigers & Toasters”, “Last Stand At Fisher Farm”, “You're Meshugah!”, “I Am Not Your Sugar”, “Demon Jigging Spoon”, “Medicine Missile”, “Lady Xoc & Shield Jaguar”, “Loveset”

Músicos: Graham Epp & Jessie Warkentin (guitarras elécricas, MicroMoog, órgano Farfisa, Farf Muff, ARP String Ensemble, Korg MS2000, pianos eléctricos y acústicos), Scott Ellenberger (bajos eléctricos y acústicos, percusión y Briscoe organ), J.P. Perron (batería y electrónica), Graham Epp y Scott Ellenberger (trompetas)

Grabado entre octubre de 2006 y mayo de 2007
MoonJune Records 2008

Comentario: No resulta fácil expresar las semejanzas de Mahogany Frog con bandas progresivas ni del pasado ni del presente.

Su complejidad instrumental viene de la mano de instrumentos eléctricos primigenios y su sonido es progresivo, agresivo, disonante y ácido, resultando difícil identificar guitarras, teclados o incluso trompetas.

Rock progresivo enérgico e instrumental pero no exento de control es modulado por cambios de ritmo que combaten la monotonía manteniendo al oyente en constante atención para desgranar los diversos pasajes instrumentales, y es que Mahogany Frog basa su música en un sonido compacto, intenso y granítico donde los instrumentos se confunden hasta crear adicción por parte de quien a ellos se acerca.

Do5 es una obra conceptual y uniforme que funciona a gran altura, donde resulta complicado destacar una composición de otra, donde se funde un tema con los demás y al que volverás en numerosas ocasiones en busca de algo nuevo.

Enrique Farelo




The Larry Coryell Organ Trio - Impressions


Composiciones: “Very Early” (Bill Evans), “Stowaway” (Larry Coryell), “Come Rain or Come Shine” (Harold Arlen), “Embraceable You” (George Gershwin), “Cariba” (John L. Montgomery), “Impressions” (John Coltrane), “Szabodar” (Larry Coryell), “Full Moon Over Istanbul” (Paul Wertico), “Centerpiece”, (Harry Edison)

Músicos: Larry Coryell (guitarra eléctrica); Sam Yahel (órgano Hammond B-3); Paul Wertico (batería).

Grabado en Nueva York.
Chesky SACD337

Comentario: Nadie duda de la importancia de Larry Coryell. Sin entrar a valorarlos, muchos de sus discos de los setenta son clave para entender la evolución del jazz y el guitarrista ya no tiene nada que demostrar. Desde hace años, Coryell vuelve una y otra vez a su faceta más bop, que combina hábilmente con el espectro latino cuando es necesario. Probablemente verle en directo sea bastante interesante, pero su producción discográfica tiene muy poco que ofrecer, tal y como demuestra Impressions.

The Larry Coryell Organ Trio es un grupo de vocación tradicionalista que ofrece una música que va de lo correcto a lo intrascendente y que, en momentos aislados, despega de la monotonía con algunos solos muy ingeniosos. El problema es que todos estos momentos interesantes vienen de mano del organista Sam Yahel, cuya labor en el disco es verdaderamente disfrutable.

En realidad, el autentico problema es que Coryell no dice nada que no se haya dicho antes y, para colmo, lo dice con muy poco entusiasmo. Su estilo, impregnado de Wes Montgomery hasta rozar el delirio en algunos pasajes, está exento de fuerza y de convicción y disipa una y otra vez el interés del oyente. De Paul Wertico no hay mucho que decir, aparte de que acompaña con oficio, pero con poca convicción.

En realidad, visto el proyecto ya se intuye por dónde va a ir la cosa, pero un puñado de standards y una formación clásica no condenan un disco al convencionalismo. Soy de los que creen que una versión de “Centerpiece” nunca está de más, venga de donde venga. Veo una versión del “Very Early” de Evans por un trío de guitarra-órgano-batería y se despierta en mí el interés rápidamente. Pero esto suena a música rutinaria tocada de manera rutinaria por músicos que ya no tienen mucho que decir, al menos, en un estudio.

Para escuchar un gran disco con una formación similar, vayan a por The Wes Montgomery Trio, de 1959, con Melvin Rhyne y Paul Parker. Creo que se parece bastante más a lo que quería hacer Larry Coryell que lo que le ha salido a él.

Yahvé M. de la Cavada




Mario Pavone double tenor quintet - Ancestors


Composiciones: “Ancestors”, “Strata Blue”, “Tomes”, “Iskmix”, “Arc for Puppy”, “Beige Structure”, “Pachuca”, “Andrew”

Todos los temas compuestos por Mario Pavone.

Músicos: Mario Pavone (contrabajo); Tony Malaby (saxos tenor y soprano); Jimmy Greene (saxos tenor y soprano); Peter Madsen (piano); Gerald Cleaver (batería).

Grabado en Nueva York el 15 de enero de 2008.
Playscape PSR#011508

Comentario: Mario Pavone lleva unos cuantos discos publicados con el sello Playscape, todos muy recomendables. En ellos, la lista de colaboradores habituales del contrabajista es más que destacable: Steven Bernstein, Tony Malaby, Paul Bley, Matt Wilson, Gerald Cleaver, Peter Madsen, Michael Sarin… Nombres que garantizan que el producto que factura Pavone es de mucha categoría y, con toda seguridad, de un alto interés.

Ancestors, firmado por el Mario Pavone’s Double Tenor Quintet, presenta ocho originales arreglados por Steven Bernstein, Dave Ballou, el guitarrista (y director del sello Playscape) Michael Musillami y el propio Pavone, a razón de dos temas por cabeza. El resultado, un disco redondo y potente que mantiene el nivel de principio a fin.

Los saxos de Tony Malaby y Jimmy Greene, de raíz bien distinta, se complementan de manera explosiva y son una de las principales claves del éxito del proyecto. El primero, con su sonido carnoso y su estilo impredecible y el segundo, con el tono cálido y musculoso de los tenores clásicos unido al lenguaje post-bop contemporáneo que pocos instrumentistas de su generación dominan como él. Peter Madsen también está en una forma excelente y brinda unos cuantos solos magníficos y Gerald Cleaver sigue tan sólido y atento como siempre.

Buena banda, buenos temas, el contrabajo profundo y firme de Mario Pavone y la inspiración de maestros como Andrew Hill y Dewey Redman, a quienes está dedicado el CD. Todo esto y mucho más es lo que contiene Ancestors, uno de los mejores discos del año pasado. No se lo pierdan, de verdad.

Yahvé M. de la Cavada




Tetterapadequ - And The Missing R


Composiciones: “Brain Shower”, “Futprinz”, “Dopey”, “Screw The Driver”, “It Might As Well Be Ciputraf”, “Britney”, “Truccu Billu Billu”, “Monga”, “Chorna”, “Crocodile Dandy”, “É lava”, “Sousa lareira lallá”, “La virtú dei forti”

Todos los temas compuestos por Tetterapadequ excepto “Dopey”, por Joao Lobo y “Crocodile Dandy”, por Giovanni Di Domenico.

Músicos: Daniele Martini (saxo tenor); Giovanni Di Domenico (piano); Gonçalo Almeida (contrabajo); Joao Lobo (batería).

Grabado en noviembre de 2007.

Clean Feed CF120CD

Comentario: A veces intentarlo es suficiente. El mero hecho de arriesgarse es una recompensa y la búsqueda se convierte en el fin. And The Missing R, el CD que ha sacado el grupo Tetterapadequ recientemente en Clean Feed, es un alarde de búsqueda y de riesgo y, aunque haya momentos de gran irregularidad, la recompensa es real.

Los miembros del cuarteto están muy compenetrados y se percibe en todo momento una gran atención a lo que ocurre a su alrededor por parte de todos ellos. Los cuatro jóvenes comenzaron a tocar juntos en el club De Pater (Holanda) y su nombre proviene de un acrónimo de “De Pater Quartet” al que le falta la “R” a la que se alude en el título del disco. Desde entonces, han desarrollado una música que debe casi tanto a la composición como a la improvisación y que transita por terrenos muy variados.

No falta cierto sentido del humor, aunque la intención del cuarteto parece ser alcanzar un horizonte musical que signifique algo, o que tenga cierta trascendencia. Aunque presumimos que no hay un cerebro único detrás de la maquina, destacan inevitablemente el saxofonista Daniele Martini y el pianista Giovanni Di Domenico. Ambos tienen voces interesantes e inquietas, aunque pueden llegar a protagonizar pasajes un tanto exasperantes.

Con todo, And The Missing R es una grabación estimulante en la que se descubren nuevos matices con cada escucha. Uno de esos discos raros sobre los que me siento incapaz de decidir lo bien que están. Eso si, de bien para arriba, y subiendo.

Yahvé M. de la Cavada




Fredrik Nordström Quintet - Live In Coimbra


Composiciones: “Yakiniku”, “Russian T”, “No Longer”, “In Motian”, “Cocoon”, “Pizza Girl”, “Mister Barista”

Todos los temas compuestos por Fredrik Nordström excepto “Cocoon”, por Björk Gudmundsdottir/Thomas Knak.

Músicos: Fredrik Nordström (saxo tenor); Mats Äleklint (trombone); Mattias Ståhl (vibráfono); Torbjörn Zetterberg (contrabajo); Fredrik Rundqvist (batería).

Grabado en Coimbra, Portugal, el 5 de noviembre de 2005.

Clean Feed CF119CD

Comentario: Lo que es la distribución. Siempre he pensado que, si Fredrik Nordström hubiese grabado en sellos con mejor distribución o, al menos, algo más accesibles, estaría mucho mejor considerado. Tampoco es que sea el salvador del saxo tenor europeo pero es, sin ninguna duda, una de las voces más interesantes que vienen del norte. Su estilo conjuga la tradición norteamericana con la sensibilidad europea y, como ocurre con los buenos, es difícil de encasillar.

Esa resistencia a dejarse definir rápidamente es la que reina a lo largo de su último CD, Live In Coimbra. Con un quinteto de lujo, Nordström ofrece un concierto especial, una de esas actuaciones que se disfrutan de principio a fin y a las que prácticamente no les sobra nada.

Fredrik Rundqvist y el genial Mattias Ståhl son habituales de Nordström y saben bien lo que se hacen, siendo el contrabajista Torbjörn Zetterberg quien menos destaca dentro del quinteto. Para ser justos, hay que decir en su defensa que, cuando se grabó este concierto, acababa de aterrizar en el grupo para sustituir ni más ni menos que a Ingebrigt Haker-Flaten.

Lo que sería la frontline, formada por Nordström y Mats Äleklint, alcanza momentos verdaderamente gloriosos, tanto como solistas como tocando al unísono. Äleklint, a quién pudimos escuchar en el estupendo Every Woman Is A Tree del grupo Angles, también está de sustitución (reemplazando a Magnus Broo, otro que tampoco es fácil de suplir…), y cubre la papeleta con algo más que oficio. Su tremenda implicación es una de las claves del éxito del concierto. Otra de esas claves es el vibráfono de Ståhl, pero, ¿en qué disco en el que participa no lo es?

Nordström no sólo tiene una buena banda; tiene buenos temas, las ideas claras y un gran dominio del instrumento. Su estilo multirreferencial puede recordar a Rollins tanto como a Shepp o Ayler, pero tiene un carácter personal que le hace muy interesante.

La música que estos cinco instrumentistas tocaron en Coimbra aquella tarde de noviembre suena terriblemente espontánea y fresca y, aunque utiliza códigos y lenguajes clásicos dentro del jazz, la sensación de modernidad no se resiente. Verlo en directo debió de ser una gran experiencia. Los demás nos conformamos con escuchar un gran disco, lo que, bien visto, no es precisamente poca cosa.

Yahvé M. de la Cavada




Paul Bley - About Time


Composiciones: “About Time”, “Encore”

Todos los temas compuestos por Paul Bley.

Músicos: Paul Bley (piano).

Grabado en Nueva York el 31 de mayo de 2007.
Justin Time JUST 228-2

Comentario: Después de una obra maestra como Solo In Mondsee, sería muy arriesgado sacar otro disco en piano solo por parte de casi cualquiera; pero Paul Bley es muchas cosas, menos cualquiera.

Por otro lado, Solo In Mondsee se grabó en 2001 y el disco que hoy nos ocupa, About Time, en mayo de 2007. Entre ambos hay tiempo suficiente para justificar una nueva obra aunque, tratándose de Bley, podría grabar a piano solo cada semana y seguiría siendo enriquecedor.

About Time es muy diferente a Solo In Mondsee. No tiene la gravedad, ni la trascendencia, ni el sentido de búsqueda de éste último, pero es un disco enorme que transmite una extraña sensación de cercanía al oyente. Grabado en estudio, uno llega a sentirse junto a Bley, compartiendo un momento de absoluta distensión y comodidad, con el pianista brindando un recital que suena más a confidencia que a concierto privado.

A lo largo de una larga improvisación, Bley despliega toda su maestría con tanto talento como sentido del humor, y se reafirma como uno de los mejores pianistas del mundo y, por supuesto, uno de los grandes nombres vivos del jazz. La segunda pieza, titulada “Encore” (a pesar de que se cita recurrentemente el tema “Pent-Up House” de Sonny Rollins), no es sino la guinda de un disco que, si bien ha pasado un tanto desapercibido entre las novedades del año pasado, podemos afirmar que está muy por encima de las entregas de muchos otros pianistas. Paul Bley, no obstante, no es un pianista cualquiera.

Yahvé M. de la Cavada




Martí Serra Trío - Alguns moments bons


Composiciones: 1. “Aixo Rai” 5:57; 2. “Bye Bye Blackbird” 6:15; 3. “Alguns moments bons” 6:41; 4. “Record de llum groga” 9:20; 5. “Little Melonae” 6:08; 6. “Canço de gràcies” 7:50; 7. “Bye-ya” 6:44

Todos los temas compuestos por Martí Serra, excepto los temas 2 (Henderson/Dixon), 5 (Jackie McLean) y 7 (Thelonious Monk).

Músicos: Martí Serra (saxo tenor), Rai Ferrer (contrabajo) y Xavier Maureta (batería).

Grabado en directo en la sala Jazz Room (Barcelona), el 16 de Abril de 2008.

Fresh Sound New Talent. FSNT 324

Comentario: Alguns moments bons es el disco de presentación de uno de los mejores saxos tenores del panorama jazzístico nacional, aunque relativamente desconocido para los aficionados. A pesar de ello, Martí Serra no es un músico recién llegado a la escena jazzística, sino todo lo contrario, pues ha estado en los últimos años fogueándose y aprendiendo en un buen número de combos de la capital catalana, entre ellos citar el grupo de Giulia Valle, el de Jordi Matas, el de Raynald Colom e incluso el grupo de Guillermo McGill.

Para la presente grabación el saxofonista catalán ha contado con la colaboración de dos músicos a los que conoce a la perfección y con los que se ha ido forjando como músico. El entendimiento y compenetración del trío se percibe de forma clara y palpable a lo largo de toda la grabación, proporcionando momentos de gran belleza musical alternados con otros de gran improvisación, como el tema “Bye Bye Blackbird”, en donde la mezcla de ambos elementos proporciona una lectura del tema clásico que inmortalizó Miles Davis, sencillamente fantástica. Uno de los puntos fuertes del presente compacto es la formación escogida para la grabación (al eludir de forma expresa el instrumento del piano), que ha reportado la exclusión del carácter intrínsecamente armónico que aporta el mismo, y que ha propiciado la aparición de muchos espacios musicales que permiten crear ciertas ambigüedades y disonancias sonoras, que son resueltas con la aportación de los tres músicos, pero siempre con el objetivo final y prioritario de redundar cada una de ellas en beneficio del grupo como entidad prioritaria.

Que la grabación se haya realizado en directo durante una actuación en el club Jazz Room de Barcelona ha supuesto un plus para la misma, y en concreto por la naturalidad y sencillez con que son interpretados los temas, y que representa el fruto del trabajo y el conocimiento que tienen los músicos tanto del material interpretado como de sus propios recursos musicales.

El compacto de presentación de Martí Serra augura muchos momentos de satisfacción, lo que obligará a los aficionados a estar atentos a la carrera musical de este prometedor saxofonista. Un compacto de obligada escucha.

Juan Carlos Abelenda




Duot - Duot


Composiciones: “Idea 1”, “Infeccion”, “Sachs”, “Tripijoc”, “P.L.”, “Un Jazz”, “U”, “Idea 1”

Todos los temas compuestos por Duot.

Músicos: Albert Cirera (saxos); Ramón Prats (batería).

Grabado en Manresa en 2007.
Autoedición.

Comentario: Duot es un proyecto con agallas y, sólo por eso, ya merece la pena. No es fácil ver propuestas que partan del free-jazz o una improvisación tan libre en nuestro país, lo que es una verdadera pena. El motivo es, con toda probabilidad, una mezcla de factores como ciertos complejos que arrastran gran parte de músicos, falta de referentes, de estímulos, de público o mera ignorancia musical.

El dúo formado por el batería Ramón Prats y el saxofonista Albert Cirera presentan su primer CD como un buen manojo de música improvisada, autoproducida, autoeditada y, en definitiva, independiente. Lo mejor que tiene este disco es precisamente esa independencia exenta de complejos. No es que los ocho cortes del CD sean perfectos, ni mucho menos, pero sí podemos afirmar que están tocados con naturalidad y entusiasmo. Hay momentos verdaderamente intensos aunque, en algunos otros, a ambos músicos parece faltarles experiencia y solidez. Pero esta música no es fácil de tocar y tanto Prats como Cirera la afrontan con mucha convicción.

Tanto la presentación, necesariamente sobria, como el contenido del disco, nos dejan con la sensación de que falta algo; de que este primer CD es una obra inacabada o el primer capítulo de una nueva aventura. No es música impresionante pero puede llegar a serlo. De momento es música arriesgada, inquieta, inspiradora, serena, valiente, fresca… Estaremos pendientes porque la cosa no pinta nada mal.

Yahvé M. de la Cavada