Juan Camacho Quinteto - La Estrategia Del Tiempo


Composiciones: “La furia del artesano”, “Naufrago cruzando la pasarela sobre la autopista”, “Estuve hablando con los trenes, pero no quisieron oírme”, “Hip Bop”, “Tratado cartográfico (lo que esconden los mapas)”, “Los contornos del viento”, “Ciudadano Ken”, “Viajero en el metro sosteniendo la barbilla con la mano”, “Aunque lluevan piedras”, “Náufrago volviendo sobre sus pasos”

Todas las composiciones por Juan Camacho.

Músicos: Juan Camacho (guitarra eléctrica y guitarra española); Alex Cid (saxo tenor); Teo Gómez (piano y teclados); Arturo Mora (contrabajo, bajo eléctrico y fretless); Renato Di Prinzio (batería y accesorios)

Grabado en Madrid los días 21, 22 y 23 de mayo de 2008
Prodart 01

Comentario: A veces me pregunto dónde se esconde este jazz. Me refiero al jazz curtido, pateado en decenas de escenarios, currado bolo a bolo, humilde pero real. Jazz exprimido al máximo por un grupo de músicos que se ha tomado la molestia de plantarlo, cultivarlo y cuidarlo, hasta saber exactamente cómo sacar lo mejor de él.

Eso es lo que transmite el quinteto de Juan Camacho, experiencia, solidez y jazz de campaña. Su quinteto es una formación engrasada, que se comunica a la perfección y que dibuja con precisión las ramificaciones de las composiciones del guitarrista. Éste, como buen líder, deja mucho espacio a sus músicos, quedando su guitarra como un instrumento más del grupo y no como el protagonista.

Y es una gran decisión, porque es estupendo escuchar la combinación de la sapiente (y prudente) guitarra de Camacho y del tenor de Alex Cid, que hierve de ideas con un precioso sonido. Cid es un saxofonista muy prometedor, con un discurso coherente y un evidente conocimiento de los clásicos que juega a su favor. Renato Di Prinzio y Arturo Mora también se complementan a la perfección: ambos forman una unidad rítmica de primera, mediante la constante actividad del primero y la extremada solidez del segundo; a Di Prinzio se le ve cómodo en cualquier tempo y acentúa adecuadamente cada cambio, mientras que Mora está dibujando constantemente, tejiendo preciosas líneas que le sitúan al frente sin desviar nuestra atención de lo que ocurre en el resto del tema (¡y qué precioso sonido le saca al bajo eléctrico!). Y no olvidemos al versátil Teo Gómez, que suena convincente tanto al piano como a los teclados, adaptando su fraseo a lo que el contexto le exija.

Pero La Estrategia Del Tiempo es, además, una fantástica colección de composiciones. Camacho se muestra como un escritor ágil, sin miedo a la complejidad y, más importante aún, evitando que ésta se vuelva farragosa para el oyente. Uno puede no fijarse en los recovecos que plantean los temas del guitarrista, que no son pocos, y disfrutar de manera natural cada pieza incluida en este disco.

En estos tiempos en los que crecen jazzmen de pacotilla aquí y allá, en los que las tendencias, la pedantería y el gafapastismo quieren robarnos lo bonito de esta música –la autenticidad–, la música de Juan Camacho es un soplo de aire fresco. La Estrategia Del Tiempo no es el disco del año, ni este quinteto el grupo de jazz del momento, de eso no hay duda. Pero ambos son auténticos.
Jazz del de verdad, que no es poco.

Yahvé M. de la Cavada




Simon Jermyn - Simon Jermyn’s Trot A Mouse


Composiciones: “Conduit”, “No, No, No”, “Becoming”, “Otabur”, “Narly”, “Middle Place”, “Kaboose”, “Flaw”, “Silven Cathedral”, “Stevie”, “Trot A Mouse”.

Músicos: Simon Jermyn (bajo eléctrico y guitarra barítono); Chris Speed (saxo tenor y clarinete); Loren Stillman (saxo alto); Sean Carpio (batería); Joachim Badenhorst (saxo tenor y clarinete bajo)

Grabado en enero de 2007 en Nueva York.
Fresh Sound FSNT318

Comentario: Reconozco que este disco me ha conquistado desde el primer momento. No solo por contar con dos de los saxofonistas más interesantes del momento, sino porque la música de Simon Jermyn me enganchó rápidamente, sin darme cuenta.

Creo que propuestas como esta son las que deben dibujar cierto segmento del futuro del jazz. Jermyn es un joven irlandés que parece tener multitud de referentes musicales y eso actúa en favor suyo, dotando a sus composiciones de un carácter muy apto para llamar la atención del oyente con facilidad.

Mediante un gran sentido de la melodía, los temas de este disco parecen desarrollarse de manera completamente natural, como si los músicos tomaran un motivo muy sencillo y se dejasen llevar por él hasta el final de la pieza. El concepto no es demasiado original, pero está tocado con gracia y con mucho gusto, y eso es suficiente para engatusar al abajo firmante.

También hay que tener en cuenta que gran parte del éxito de Trot A Mouse radica en Loren Stillman y Chris Speed, dos instrumentistas capaces de levantar un disco con su sola presencia. En un principio podría parecer que el estilo quebradizo del primero y el carácter cerebral del segundo no van a funcionar juntos, pero ambos muestran una gran compenetración, y resulta delicioso escucharles mano a mano.

Trot A Mouse es un disco de matices y de intensidad creciente; un disco en el que sumergirse despacio para dejar que nos arrastre su envolvente marea. Es mejor no pensar mucho en él y, simplemente, escucharlo. Como con la buena música, vaya.

Yahvé M. de la Cavada




Pete Robbins - Do The Hate Laugh Shimmy


Composiciones: “Fairmount”, “The Hate Laugh Shimmy”, “Anyway, And”, “Everyone Else Is Disappointing”, “Glad To Ask”, “Mid-September And The Five Weeks After”, “Assumpta Est Maria”, “Don't Clap When You Laugh”, “La Linea”, “Stiff Upper Lip”.

Músicos: Pete Robbins (saxo alto, pedales); Sam Sadigursky (saxo tenor, clarinete, clarinete bajo); Jesse Neumann (trompeta, pedales); Craig Taborn (Fender Rhodes, Nord Electro); Ben Monder (guitarra); Ryan Blotnick (guitarra); Mike Gamble (guitarra, pedales, loops); Thomas Morgan (contrabajo); Dan Weiss (batería); Tyshawn Sorey (batería).

Grabado en Nueva York.
Fresh Sound FSNT313

Comentario: Pete Robbins comenzó su discografía pisando fuerte: Paul Bley redactó las liner notes de su primer disco, Centric, y George Garzone tocaba en él. Toda una presentación. La verdad es que el joven neoyorquino es inquieto, ambicioso y trabajador, y desde que llegó a la escena no ha dejado de moverse.

Do The Hate Laugh Shimmy es su tercer disco, una especie de compendio de los varios palos que Robbins quiere tocar con su música. Ninguno de los temas es particularmente largo, con lo que el principal protagonista de la sesión son las composiciones del saxofonista. Algunas de ellas son frescas e ingeniosas, y otras un poco autoindulgentes, pero en todas vibra esa inquietud que mencionábamos.

Si hay algo que puede mellar el interés de Do The Hate Laugh Shimmy es esa sensación de catalogo, de libro de propuestas interesantes –pero poco desarrolladas– que transmite. Las improvisaciones se adaptan a la estructura compositiva sin estorbarla, como avisándonos de que el solista es tan importante como el acompañamiento.

Robbins, influenciado por dos saxofonistas tan diferentes como David Binney y Tim Berne, puede convertirse en una de los saxos altos importantes de los próximos años, aunque ahora mismo le falta un punto para dejar atrás esa etapa primeriza por la que pasa todo músico.

Además de instrumentistas de su generación con los que suele tocar, Robbins se rodea de algunos de los nombres más importantes de la escena neoyorquina actual. Craig Taborn, Tyshawn Sorey, Ben Monder o Dan Weiss enriquecen las piezas en las que participan, aunque también evidencian las carencias de jóvenes como Ryan Blotnick, Sam Sadigursky o el propio líder.

En definitiva, Do The Hate Laugh Shimmy es la mejor tarjeta de presentación para la música que quiere hacer Pete Robbins. Intensa, moderna, intelectual y, en cierto modo, transgresora. Probablemente no es el disco por el que será recordado, pero es perfecto para empezar a conocerle. Si todo va bien, el chaval tiene aún mucho que decir.

Yahvé M. de la Cavada




Laia Cagigal - Apnea


Composiciones: “Apneas” 1 a 11

Todos los temas compuestos por Laia Cagigal sobre poemas de Nuria Martínez Vernis

Músicos: Laia Cagigal (voz); Dani Pérez (guitarras); Roger Mas (piano y teclados); Giulia Valle (contrabajo); Ramón Prats (batería); Berta Vilaclara (voz); Ton Risco (vibráfono); Albert Cirera (saxo tenor); Silvia Pérez (voz); Pablo López (voz).

Fresh Sound FSNT319

Comentario: En un primer vistazo, este disco lo tiene todo para no gustarme. Nunca he sido aficionado a la mezcla de la poesía con el jazz. Demasiadas veces he escuchado proyectos que englobaban ambas doctrinas, y no recuerdo ninguno que funcionase al 100%, hablemos de Amiri Baraka, de Steve Dalachinsky con Matthew Shipp o de las últimas imbecilidades de Wynton Marsalis, por poner algunos ejemplos dispares.
Así que me pongo mi traje de imparcialidad para afrontar la escucha de este proyecto y, ¡menuda sorpresa! Resulta que Apnea es un trabajo fantástico.

Laia Cagigal juega bien sus cartas. Por un lado, se rodea de una gran banda base, con Roger Mas, Giulia Valle y Ramón Prats y, a partir de ahí, salpica el conjunto con algunas colaboraciones variadas e interesantes; pero lo más importante es el enfoque general, en el que la poesía, las letras y la música se vuelven uno. Cada palabra y cada nota emitida por la cantante están definidas, tienen una razón de ser y no caen en la pedantería o la pomposidad. El disco está muy estructurado y revela que Cagigal tiene las ideas claras, una visión moderna (algo menos habitual de lo que parece) y buena mano para componer.

Entre los músicos destaca Roger Mas, del que ya he escrito en más de una ocasión que está tocando a un nivel escalofriante. Pero también tenemos a uno de los mejores guitarristas afincados en nuestro país, Dani Pérez, la sofisticada batería de Ramón Prats, y un par de solos memorables de Albert Cirera. La propia líder utiliza en muchas ocasiones la voz desde una perspectiva instrumental que le da un carácter expresionista y refrescante, alejándola de las cansinas tendencias de la mayoría de nuestras cantantes.

Todo ello, junto a una producción excelente y una acertada selección de piezas originales, hacen de Apnea un debut sobresaliente y un disco estupendo que me ha impresionado y me ha hecho disfrutar. Casi nada.

Yahvé M. de la Cavada




João Lencastre’s Communion - B-Sides


Composiciones: “Spiral”, “Water”, “Fiasco”, “Pete Best”, “Spicy Atmosphere”, “Thomas Intro”, “3 Estados”, “Chatarra”, “Spacy Atmosphere”.

Músicos: Phil Grenadier (trompeta); David Binney (saxo alto); Jeremy Udden (saxos alto y soprano); Leo Genovese (piano, Fender Rhodes, blue baby); Thomas Morgan (contrabajo); João Lencastre (batería).

Grabado el 29 de enero de 2007 en Nueva York.
Fresh Sound FSNT338

Comentario: Está claro que Joao Lencastre sabe rodearse de buenos músicos. Muchos nos sorprendimos hace poco más de un año cuando descubrimos One, primer disco del proyecto de este batería. En él destacaban Phil Grenadier y Bill Carrothers, que convertían un discreto debut en un disco bastante importante. Pues bien, para la segunda entrega discográfica del grupo, Lencastre lo ha vuelto a hacer.

B-Sides es un disco estupendo protagonizado por una banda estupenda. Phil Grenadier repite y vuelve a hacer que me pregunte por qué no es un trompetista más considerado; David Binney, cuya presencia garantiza grandes momentos en cualquier grabación, tiene una participación discreta, aunque remarcable; pero es el pianista Leo Genovese quien se lleva el gato al agua. En cierta forma se podría considerar que el argentino es una especie de co-líder: firma más composiciones que nadie, ejerce como solista principal y, sobre todo, es quién tiñe de su personalidad gran parte de la música. B-Sides es bastante diferente a One en cuanto a enfoque, aunque la sensibilidad del líder ejerce como factor común en ambos. A partir de ahí, la musica se deja llevar por Genovese, que además toca a un altísimo nivel.

Con todo, Communion suena a grupo, a unidad rodada que ofrece música colectiva, tan ingeniosa como profunda. No se distingue donde acaba Lencastre y donde empiezan sus músicos, y eso es lo que le da credibilidad al proyecto.

Quizá en su próximo disco, Joao Lencastre nos sorprenda con otros músicos de la misma categoría aunque, sinceramente, empiezo a pensar que eso es lo de menos.

Yahvé M. de la Cavada




Jason Rigby - The Sage


Composiciones: “Magenta”; “Crux”; “Shift of Color”; “The Sage”; “Tone Poem”; “Slip”; “The Archer”; “Jealous Moon”.

Músicos: Jason Rigby (saxos tenor y soprano, flauta); Russ Johnson (trompeta); Mike Holober (Fender Rhodes); Cameron Brown (contrabajo); Gerald Cleaver: (batería).

Grabado el 12 de marzo de 2008 en Nueva York.
Fresh Sound FSNT328

Comentario: La verdad es que es un placer escuchar a Jason Rigby. Lo pensé con su deslumbrante debut, Translucent Space, y lo he vuelto a pensar con su segundo trabajo. The Sage, que es como se llama la criatura, es un estupendo disco de jazz contemporáneo: buenas composiciones, buenos intérpretes, buena química entre ellos y buenas dosis de improvisación de calidad.

Una de las claves del éxito de la empresa es que Rigby ha vuelto a rodearse de una banda de peso. Repiten el gran Cameron Brown y el infravalorado Mike Holober, y completan el quinteto Russ Johnson y Gerald Cleaver. Este grupo da alas al saxofonista para desarrollar libremente sus ideas, que no son pocas. Lo único que se le puede recriminar a Rigby es su carencia de voz propia; aparte de eso lo tiene todo: sonido, ideas, lenguaje, inventiva… Mucho más que la mayor parte de instrumentistas de su generación, por otro lado.

A Russ Johnson le pasa un poco lo mismo que a Rigby; suena bien, es interesante, no acomete una improvisación que no vaya hacia algún sitio, etc; pero no es demasiado original. La cuestión es que juntos hacen una música que, aunque ya oída, suena fresca y excitante. Las composiciones, firmadas por el líder en su totalidad, beben del jazz contemporáneo en general y de Ornette en particular. Puede que Rigby no tenga aún la madurez necesaria para ser trascendente, pero apunta maneras, y promete llegar muy alto gracias a sus hábiles composiciones y a su fantástico estilo y sonido, que recuerda algo más a Shorter que a Coltrane.

En cuanto a The Sage, aparte de los vientos, la rítmica es de tal calidad que convierte al disco en una novedad realmente interesante. Poco podemos decir de Brown y Cleaver que no se haya dicho ya. El primero es todo un clásico –y no por casualidad–, y el segundo es uno de los baterías más empáticos y brillantes de la actualidad. Lo mismo ocurre con Holober, un estupendo pianista curtido junto a Nick Brignola y en numerosos grupos de Nueva York. Aunque permanece toda la grabación al rhodes, no resulta cargante en ningún momento, y sabe exprimir el instrumento al máximo.

En realidad, no se puede pedir más. El disco se escucha con atención de principio a fin, se disfruta por completo y, cuando se acaba, le dan a uno ganas de volver a escucharlo. Rigby aún está un poco verde, pero estoy seguro de que pronto nos sorprenderá con un disco inolvidable. Madera le sobra.

Yahvé M. de la Cavada




The Stanley Clarke Trio - Jazz In The Garden


Composiciones: “Paradigm Shift (Election Day 2008)” (Stanley Clarke), “Sakura Sakura” (tradicional), “Sicilian Blue” (Hiromi Uehara), “Take The Coltrane” (Duke Ellington), “3 Wrong Notes” (Stanley Clarke), “Someday My Prince Will Come” (Frank Churchill/Larry Morey), “Isotope” (Joe Henderson), “Bass Folk Song No. 5&6” (Stanley Clarke), “Global Tweak (Improvised Duet)” (Stanley Clarke/Hiromi Uehara), “Solar” (Miles Davis), “Brain Training” (Hiromi Uehara), “Under The Bridge” (Michael Balzary/Anthony Kiedis/Chad Smith/John Frusciante)

Músicos: Stanley Clarke (contrabajo, bajo acústico), Hiromi (piano) y Lenny Clarke (batería).

Grabado en Mad Hatter Studios (Los Ángeles, California, Estados Unidos).
Heads Up CD 3155

Comentario: Pasado y futuro se dan la mano en una grabación que se aleja deliberadamente de posibles prejuicios. En formato de trío acústico, los veteranos Stanley Clarke y Lenny White dan la bienvenida a la virtuosa pianista Hiromi Uehara para, al mando del primero, afrontar un compendio de originales, standards y alguna sorpresa abordados con estilo y respeto, aprovechando el potencial técnico de los tres músicos pero evitando la pirotecnia gratuita.

El disco comienza, precisamente, con un complejo arreglo ejecutado con rapidez y precisión al unísono. Las sospechas del oyente se diluyen segundos después una vez el trío aborda un medio tiempo reposado sobre un misterioso riff de bajo estático, que Hiromi replica en la improvisación de Clarke. También sobre un riff discurre “Sakura Sakura”, composición tradicional japonesa precedida por una introducción a contrabajo solo cuyo dramático uso de la técnica de slide guarda similitudes con el koto nipón. Su tratamiento en seis por ocho recuerda lejanamente el arreglo de “Greensleeves” que John Coltrane grabara en su Africa/Brass. Hiromi aporta dos originales, “Sicilian Blue” y el jazzero “Brain Training”. En los standards los tres músicos rebosan lenguaje y calidad. A destacar el poderoso sonido de Clarke en “Take The Coltrane” sin acompañamiento de piano (da gusto escucharle cantar la línea de bajo y jalear su propia interpretación), los solos de Hiromi, enérgico y medido respectivamente, en “Solar” y en “3 Wrong Notes” (rhythm changes –composición basada en la habitual estructura armónica de “I Got Rhythm”– original del bajista) y la improvisación del líder en el “Isotope” de Joe Henderson. “Bass Folk Song No. 5&6” y “Global Tweak” aportan libertad conceptual, en el primer caso con el contrabajo como única arma y en el segundo con bajo y piano conversando de forma abierta. Lenny White borda su trabajo de gregario, utilizando sus platos de forma sutil para dar forma a los arreglos. Es el contrapeso ideal para dos compañeros de viaje pletóricos de fuerza e ideas.

El broche de oro viene de la mano de una sorprendente versión: el “Under The Bridge” de los Red Hot Chili Peppers (de su exitoso Blood Sugar Sex Magik de 1991) que, arreglado en métrica de siete por cuatro, nos muestra a Clarke como melodista de altura (como también sucede en “Someday My Prince Will Come”, a dúo con el piano) y confirma su acierto al conformar esta formación de trío.

Arturo Mora Rioja




Stanton Moore Trio - Emphasis (On Parenthesis)


Composiciones: “(Late Night At The) Maple Leaf”, “(Proper) Gander”, “Wissions (Of Vu)”, “(Sifting Through The) African Diaspora”, “Over (Compensatin’)”, “(Smell My) Special Ingredients”, “(I Have) Super Strength”, “(Who Ate The) Layer Cake?”, “Thanks! (Again)”, “(Put On Your) Big People Shoes”, “(Here Come) The Brown Police”.

Todos los temas por Stanton Moore, Robert Walter y Will Bernard, excepto “Maple Leaf” por Stanton Moore, Robert Walter, George Porter y Will Bernard.

Músicos: Stanton Moore (batería), Will Bernard (guitarra eléctrica) y Robert Walter (órgano, piano) con Michael Skinkus (chékere) y Robert Wilmott Walter (voz).

Grabado en Dockside Studios (Lafayette, Los Ángeles, California, Estados Unidos) entre el 29 de noviembre y el 2 de diciembre de 2007.
Telarc CD 83681

Comentario: Curioso trío de órgano comandado por el enérgico y estiloso batería Stanton Moore. Tan curioso que, cuando Robert Walter utiliza el piano, deja de ser un trío de órgano, con el guitarrista Will Bernard haciendo las veces de bajista. Así ocurre en medio del primer corte, “(Late Night At The) Maple Leaf”, toda una declaración de intenciones llena de fuerza y buenas vibraciones donde la caja de Moore lleva en volandas al resto de la banda hacia un final en shuffle.

“Gander” y “Wissions” giran hacia el rock instrumental, con la guitarra como elemento destacado (excelente solo de Bernard en el primero). La interpretación del trío destila un toque gamberro que se hace notar en los títulos de los temas, todos ellos con puntualizaciones entre paréntesis –de ahí el título del disco, “Énfasis (en los paréntesis)”. “African Diaspora”, “Over” y “Big People Shoes” beben del sonido de las bandas funk de John Scofield, con guiños al rhythm&blues y un aire desenfadado.

El trío camina con soltura, sin líder aparente, aunque Moore comande la formación desde atrás, como todo buen batería. Robert Walter muestra desparpajo y dominio del lenguaje, y Will Bernard total desenfado y un espíritu roquero que se integra a la perfección en la banda. La incansable caja de la batería no deja de hacer funcionar la maquinaria musical como si de un tren expreso se tratara. En “Special Ingredients” y “Layer Cake” la guitarra distorsiona su sonido, “Super Strength” aporta un aire de misterio y “Thanks!” se basa en una intensa línea de bajo ejecutada por el órgano. “The Brown Police”, el cierre, emparenta su sonido con el de algunos pequeños combos de rock de principios de los años setenta. La duración de los temas (de tres a cinco minutos por norma general) permite una digestión más que placentera.

Escucha agradable y divertida, improvisaciones de interés, energía y positivismo. Sólo cabe preguntarse cómo sonará este trío en directo. Para disfrutarlo.

Arturo Mora Rioja




Spyro Gyra - A Night Before Christmas


Composiciones: “O Tannenbaum” (tradicional), “It Won’t Feel Like Christmas” (Jay Beckenstein/Terry Cox), “Winter Wonderland” (Felix Bernard/Richard B. Smith), “Christmas Time Is Here” (Lee Mendelson/Vince Guaraldi), “Baby It’s Cold Outside” (Frank Loesser), “Carol Of The Bells” (tradicional), “Have Yourself A Merry Little Christmas” (Hugh Martin/Ralph Blane), “The First Noel” (tradicional), “Silent Night” (tradicional), “This Christmas” (Donny Hathaway/Nadine McKinnor), “The Christmas Song” (Mel Torme/Robert Wells)

Músicos: Jay Beckenstein (saxos), Tom Schuman (piano), Julio Fernandez (guitarra), Scott Ambush (bajo) y Bonny B (batería y voz), con Christine Ebersole (voz), Janis Siegel (voz) y Dave Samuels (vibráfono).

Grabado en Cove City Sound Studios (Glen Cove, Nueva York, Estados Unidos).
Heads Up CD 3145

Comentario: La primera e inevitable reacción tras la escucha del nuevo trabajo de Spyro Gyra es la sorpresa. Si es para mal o para bien lo decidirá el oyente; en todo caso criterios objetivos hay, y bastantes. Jay Beckenstein y sus chicos afrontan un disco de conocidos temas de espíritu navideño (además del original “It Won’t Feel Like Christmas”), algo que ya hicieran los Yellowjackets en su Peace Round: A Christmas Celebration de 2003. Al igual que los Jackets, Spyro Gyra ha evolucionado hacia un sonido acústico con presencia de swing, y eso supone un gran punto de inflexión en la carrera del grupo.

La selección de composiciones presenta toda la variedad posible en un contexto tan cerrado, si bien el tratamiento de los mismos va desde el solemne e inspirado “Carol Of The Bells”, en métrica ternaria, hasta las edulcoradas versiones vocales de “It Won’t Feel Like Christmas” o “Baby It’s Cold Outside” (con la participación de Janis Siegel, de The Manhattan Transfer). En aquél Beckenstein incluye citas de los también ternarios “Greensleeves” y “My Favorite Things” al saxo soprano, en lo que parece un pequeño homenaje a John Coltrane. Especial mención merecen el trabajo del pianista Tom Schuman, hilo conductor del discurso del CD (especialmente destacado en “Christmas Time Is Here” y “Silent Night”, es decir, “Noche de paz”), y la colaboración del vibrafonista Dave Samuels, que aporta los momentos improvisatorios más brillantes.

Ya se verá si este lavado de cara a la música de Spyro Gyra tiene continuidad o si se trata tan solo de un alto en el camino. Lo cierto es que este A Night Before Christmas sorprende, y mucho.

Arturo Mora Rioja




Sakésho - We Want You To Say…


Composiciones: “Bwa Moudong” (Canonge), “Ewa Belia” (Fanfant), “One More Touch” (Narell), “Dance Ska La” (Canonge), “We Want You To Say” (Alibo), “Baby Steps” (Narell), “Jou La Pli” (Alibo), “Cha-cha Ou Inmin Mwen” (Canonge), “Izo’s Mood” (Narell)

Músicos: Andy Narell (steel pans), Mario Canonge (piano, Fender Rhodes, voz), Michel Alibo (bajo eléctrico, voz) y Jean Philippe Fanfant (batería, voz), con Angelique Kidjo (voz) y Magic Malik (flauta).

Grabado en Studio Piccolo (París, Francia), del 13 al 16 de octubre de 2004.
BHM 1036-2

Comentario: Segundo trabajo del cuarteto Sakésho tras su prometedor debut de 2002. En esta ocasión la banda suena más compacta y el repertorio (al que los cuatro miembros contribuyen composiciones originales) más variado.

El pianista Mario Canonge funciona como el pegamento que aglutina al resto de componentes, siempre bien secundado por una sección rítmica más que competente, donde las ideas del bajista Michel Alibo destacan sobremanera. El grupo vuelve a enfrentarse al reto de la teórica monotonía de su instrumento solista, los steel pans magistralmente manejados por todo un experto, Andy Narell. En ocasiones lo consiguen integrándolo por completo, en otras funcionando como trío de piano con apariciones ocasionales del instrumento caribeño. La presencia de dos colaboraciones (la vocalista Angelique Kidjo y el flautista Magic Malik) también aporta variedad al resultado final.

En un universo estilístico a medio camino entre el jazz fusion y el latin jazz, un elemento a destacar es la calidad de las composiciones, entre las que brilla con luz propia el “Ewa Belia” del batería Jean Philippe Fanfant. El ternario “One More Touch”, la divertida línea de bajo de “We Want You To Say”, el intimista “Jou La Pli” y el dúo steel pans-piano en “Cha-cha Ou Inmin Owen” también se encuentran entre lo más granado del CD.

Arturo Mora Rioja




Randy Brecker - Randy In Brasil


Composiciones: “Pedro Brasil”, “Ile Aye” (Gilberto Gil), “Guaruja” (Randy Brecker), “Me Leve”, “Malasia”, “Sambop” (Randy Brecker), “Oriente” (Gilberto Gil), “Maca”, “Olhos Puxados” (Joao Bosco), “Rebento” (Gilberto Gil), “Fazendo Hora” (Gilson Peranzetta), “Aiaiai” (Ivan Lins)

Todas las composiciones por Djavan excepto donde se indica.

Músicos: Randy Brecker (trompeta), Teco Cardoso (saxos soprano, alto, tenor y barítono, flauta), Ruriá Duprat (piano, teclados, voz), Paulo Calazans (piano, teclados), André Mehmari (piano), Gilson Peranzetta (piano), Ricardo Silveira (guitarras eléctrica y acústica), Sizao Machado (contrabajo y bajo eléctrico), Rogèro (contrabajo), Da Lua (percusión), Joao Parahyba (percusión) y Robertinho Silva (batería).

Grabado en noviembre de 2006.
BHM 1036-2

Comentario: Randy Brecker vuelve a la carga tras el fallecimiento de su hermano Michael, y lo hace a lo grande, con un disco delicioso centrado en la música brasileña (una de sus pasiones) y con Grammy incluído.

A lo largo de los 56 minutos que dura este Randy In Brasil Brecker explora su lado apacible y melódico, aprovechando las habilidades de algunos de los mejores compositores (Djavan, Gilberto Gil, Gilson Peranzetta) e intérpretes (Robertinho Silva, Ricardo Silveira) del país carioca. El resultado es jazz fiel a la música popular brasileña, sin ambiciosas aspiraciones vanguardistas pero con seriedad y buen gusto, muy agradable y sin caer en la tentación de lo pastoso y facilón. La trompeta de Randy acaricia melodías como la de su “Guaruja” o el inquietante “Oriente” y aborda solos bien construidos como en “Ile Aye”, siempre secundada por el pulso firme y decidido de una sección rítmica que se mueve como pez en el agua en este contexto. “Malasia” brilla por su construcción y “Aiaiai” por el aire positivo que destila su melodía.

Aire positivo para alguien que lo ha pasado mal en tiempos recientes. Se siente en su música, se refleja en un CD que uno no se cansa de escuchar una y otra vez.

Arturo Mora Rioja




Hiram Bullock con Billy Cobham y la WDR Big Band Köln - Plays The Music Of Jimi Hendrix


Composiciones: “Crosstown Traffic” / “Little Miss Lover”, “Red House”, “Foxy Lady”, “Little Wing”, “Voodoo Child”, “Gipsy Eyes”, “Manic Depression”

Todas las composiciones por Jimi Hendrix.

Músicos: Hiram Bullock (guitarra eléctrica y voz), Billy Cobham (batería), Stefan Rademacher (bajo eléctrico), Christopher Dell (vibráfono), Heiner Wiberny, Olivier Peters, Jörg Kaufmann (saxo tenor), Matthias Erlewein (saxo alto), Jens Neufang (saxo barítono), Andy Haderer, Rob Bruynen, Rick Kiefer, Klaus Osterloh, John Marshall (trompeta), Ludwig Nuss, Dave Horler, Bernt Laukamp (trombón), Mattis Cederberg (trombón bajo), Frank Chastenier (teclados) y Bernd Lechtenfeld (arreglos).

Grabado en directo el 27 de mayo de 2004 en la Universidad de Colonia (Alemania).
BHM 1034-2

Comentario: Grabado en 2004 pero mezclado en 2008, este homenaje a Jimi Hendrix constituye el primer trabajo póstumo de Hiram Bullock. En este directo registrado en la ciudad alemana de Colonia, el guitarrista rinde tributo a una de sus mayores influencias (Bullock ya demostró su devoción por el maestro en el “Little Wing” que registrara para Sting en 1987), ayudándose de toda una big band para tal cometido.

La grabación da fe de la personalidad de un músico que murió matando, especialmente en los últimos años en que tras su voz rota y la maestría que atesoraba como guitarrista se encondían una fuerza y una garra fuera de lo común. Hace justicia el hecho de que el CD esté grabado en directo, pues era ahí donde el de Baltimore (casualmente nacido en Osaka, Japón) cosechaba sus mayores éxitos, combinando sus habilidades musicales con una enorme empatía con el público. En este concierto Bullock se encontró como pez en el agua, muy bien respaldado por una sólida sección rítmica (el groove de Billy Cobham es sencillamente envidiable) y unos vientos que ejecutaron a la perfección los discretos arreglos de Bernd Lechtenfeld, haciendo un uso de dinámicas muy adecuado al contexto.

El guitarrista utiliza en todo momento sonido distorsionado, si bien aprovechando las posibilidades tímbricas de sus pedales en algunas ocasiones. El conjunto brilla en el blues “Red House” (con una destacada actuación de Frank Chastenier al órgano) y en el “Manic Depression” que cierra el compacto. En la balada “Little Wing” encontramos el momento sentido de la actuación, con la big band lanzando pinceladas sobre el arpegio de guitarra.

Ni la interpretación ni la adaptación de los originales implica nuevos retos. Tampoco parece que se busquen. Plays The Music Of Jimi Hendrix es un disco dominado por la energía de principio a fin, y hará las delicias de los aficionados a Hendrix, al jazz eléctrico y a la guitarra de rock, además de ser una despedida de altura para un Hiram Bullock que se nos fue demasiado pronto.

Arturo Mora Rioja




Caribbean Jazz Project - Afro Bop Alliance


Composiciones: “Rendezvous”, “Naima” (John Coltrane), “Five For Elvin”, “Soul Sauce” (Milton Delugg, Dizzy Gillespie, Chano Pozo, Pauline Rivelli, Robert Thiele), “Picture Frame”, “Stolen Moments” (Oliver Nelson), “Birds Of A Feather”, “Afro Green”, “Bemsha Swing” (Denzil Best/Thelonious Monk)

Todas las composiciones por Dave Samuels excepto donde se indica.

Músicos: Dave Samuels (vibráfono y marimba), Steve Williams (saxos alto y soprano), Andy Axelrad (saxo alto), Luis Hernández (saxo tenor), Vince Norman (saxo tenor), Rob Holmes (saxo barítono), Chris Walter (trompeta), Nick Cooper (trompeta), Greg Reese (trompeta), Tim Stanley (trompeta), Dan Drew (trombón), Jim McFalls (trombón), Ben Patterson (trombón), Mark Morgan (trombón bajo), Harry Appelman (piano), J.J. Wright (piano), Max Murray (bajo eléctrico), Joe McCarthy (batería y percusión) y Roberto Quintero (percusión).

Grabado en Bias Studios (Springfield, VA, Estados Unidos).
Heads Up CD 3137

Comentario: Cambio de tercio para el Caribbean Jazz Project de un Dave Samuels que, en este caso, sustituye a sus colaboradores habituales por una big band cuyos efectivos arreglos recrean una compacta colección de originales y versiones jazzísticas (de ahí la “alianza afro bop” a que hace referencia el título del CD) pasadas por el tamiz del latin jazz, siempre según la visión del vibrafonista estadounidense.

El “Naima” de John Coltrane y, especialmente, el “Stolen Moments” de Oliver Nelson y el “Bemsha Swing” de Thelonious Monk (ambos repletos de bellos y complicados desplazamientos rítmicos) cambian de color gracias al enfoque latino y la potente sonoridad de los metales de la banda. Samuels, colaborador entre otros de Yellowjackets, Spyro Gyra y el Pat Metheny Group, destaca como improvisador, regalándonos buenas composiciones entre las que destacan “Five For Elvin” (en métrica de cinco tiempos) y “Birds Of A Feather” (ya grabada en el disco del mismo título). En un contexto muy arreglado (aparte de Samuels y los miembros de la sección rítmica sólo hay tres solistas en la banda) da gusto escuchar las evoluciones del bajista Max Murray, capaz de hacer olvidar al mismísimo Oscar Stagnaro, miembro original del grupo y maestro del estilo.

Nominado para un premio Grammy y ganador de un Latin Grammy, Afro Bop Alliance continúa la carrera de éxitos del grupo, no sólo en lo musical. Con más de diez años a sus espaldas, el Caribbean Jazz Project parece haberse asentado definitivamente como una de las bandas contemporáneas a tener en cuenta en todo momento.

Arturo Mora Rioja




Ahmad Mansour - Free Speech


Composiciones: “Free Speech”, “Happenstance”, “Modulator”, “Nebula”, “Rule And Divide”, “Out On A Limb”.

Todas las composiciones por Ahmad Mansour.

Músicos: Ahmad Mansour (guitarra eléctrica), Stomu Takeishi (bajo eléctrico) y Ted Poor (batería).

Grabado en Mahogany Hall (Berna, Suiza) el 9 de abril de 2006
ESC 03703-2

Comentario: El guitarrista estadounidense (originario de Irán) Ahmad Mansour presenta un desgarrado proyecto de trío eléctrico que, grabado en directo a una mesa de dos canales durante su gira europea de 2006, refleja su querencia por una música compleja y angulosa a ratos embriagadora y a ratos difícil de digerir.

El concepto de Mansour tiene más que ver con las texturas sónicas que con la improvisación lineal. El guitarrista se apoya en interminables arpegios, exploraciones con la distorsión o cambios de rol con Stomu Takeishi, bajista eléctrico acostumbrado a este tipo de contextos plagados de riesgo (no en vano tanto él como el batería Ted Poor han sido miembros del trío de Cuong Vu). Los tres músicos caminan por terrenos bien conocidos con aparente naturalidad, no dudan en utilizar el silencio ni en variar las dinámicas de forma extrema. En “Free Speech” Mansour extrae de su guitarra quejidos de calidad humana sobre el riff de bajo, finalizando en una catarsis de distorsión. Contraste con el sonido limpio y arpegiado de “Happenstance” y el despliegue de recursos técnicos de “Modulator”. La intensidad se relaja en “Rule And Divide” para volver a aparecer, de forma progresiva, en el “Out On A Limb” final. Líder absoluto, Mansour utiliza cualquier técnica que pretenda aportar variedad a su discurso, sin apenas dejar de llevar la voz cantante y con Takeishi y Poor como fieles escuderos.

Free Speech puede resultar duro a quien espere un trío de guitarra de jazz al uso, incluso a quien se disponga escuchar a un power trio en toda regla. Sucesivas escuchas permitirán apreciar los detalles que hacen de esta una grabación más que interesante, si bien se echa de menos con urgencia algo más de espacio solista para bajista y batería.

Arturo Mora Rioja




Michael Musillami Trio + 3 - From Seeds


Composiciones: "Splayed Fingers", "Ga-Ga-Goosebumps", "From Seeds", "Wisteria Hysteria Blues", "Graphite", "Bill Barron"

Todos los temas compuestos y arreglados por Michael Musillami

Músicos: Ralph Alessi (trompeta), Marty Ehrlich (saxo alto), Michael Musillami (guitarra, composiciones), Joe Fonda (contrabajo), Matt Moran (vibráfono) y George Schuller (batería)

Grabado el 1 de febrero de 2009 en Systems Two, Brooklyn, New York.
Publicado en 2009 por Playscape Recordings. PSR # 020109

Comentario: Para celebrar el décimo aniversario de Playscape Recordings, su capo, el guitarrista Michael Musillami ha aumentado su trío (Joe Fonda -contrabajo-, George Schuller -batería) hasta sexteto con la incorporación de Marty Ehrlich (saxo alto), Ralph Alessi (trompeta) y Matt Moran (vibráfono). Seis composiciones preparadas teniendo en mente a estos músicos son las que componen From Seeds, que es el título de esta fiesta de celebración. Ancladas en la tradición de un hard bop contemporáneo, en el que aparecen querencias a Monk o a Ornette Coleman, el grupo funciona como tal a un extraordinario nivel. No sólo en los correspondientes solos, sino también en los arreglos, que a pesar de ser intrincados y angulosos en más de un momento, el grupo desarrolla con una gran naturalidad. Alessi y Ehrlich están, como suele ser habitual, a gran nivel, favorecidos por el espacio que el papel que sus instrumentos les otorgan como solistas. Por su parte, Moran, Schuller y Fonda están en un papel más secundario, pero perfectos en el caso de estos dos últimos a la hora de trabajar como soporte rítmico del grupo. Musillami puede resultar una sorpresa a quien no lo conozca tanto en su papel de guitarrista como de compositor.

En cuanto al disco, hay varios momentos más que notables como "Splayed Fingers" (a tiempo medio y con cierta querencia monkiana), o el blues "Wisteria Hysteria Blues". Sin embargo el momento más sobresaliente tiene lugar en el tema que da título al disco, en el que Musillami emplea una guitarra distorsionada. Su magnífico solo sirve de trampolín para que Alessi y Ehrlich se despachen con sendos solos extraordinarios.

Pachi Tapiz




Gianni Lenoci – Carlos Zingaro – Marcello Magliocchi - Serendipity


Composiciones: “Serendipity” (partes 1 a 5)

Compuesto por Gianni Lenoci, Carlos Zingaro, Marcello Magliocchi

Músicos: Gianni Lenoci (piano, piano preparado), Carlos Zingaro (violín), Marcello Magliocchi (percusión)

Duración: 44:07

Grabado el 28 de julio de 2007 en directo en el Bari Jazz Festival, Chiesa Vallisa, Italia
Publicado en 2009 por Amirani Records. AMRN016

Comentario: El portugués Carlos Zingaro es uno de los violinistas más interesantes de la actualidad. Con 60 años ya cumplidos, su trayectoria le sitúa al frente de lo más interesante de la libre improvisación europea.

Serendipity es un concierto grabado en 2007 en directo en el festival de Bari y en él le acompañan los músicos italianos Gianni Lenoci (piano y piano preparado) y Marcello Magiocchi (percusión). A lo largo de 44 minutos el trío va desarrollando una propuesta en la que juega magistralmente con el control de la intensidad y en la que un elemento esencial es la interacción entre los músicos, por encima de las exhibiciones individuales. La música, muy densa por momentos (no hay más que escuchar el inicio de la quinta parte), tiene la virtud de no agotar al oyente. Para ello ayuda además de la duración del disco, el que las cinco partes que lo componen tengan una estructura totalmente definida con su principio, su desarrollo y su final.

Pachi Tapiz




Soft Machine - Drop


Composiciones: “Neo Caliban Grides” 6:23, “All White” 6:14, “Slightly All The Time” 13:16, “Drop” 7:40, “M.C.” 3:25, “Out-Bloody-Rageous” 11:30, “As If” 6:10, “Dark Swing” 1:55,” “Intropigling” 0:53, “Pigling Bland” 4:44

Temas 2, 3, 4, 6, 7 y 10 compuesto por Mike Ratledge; tema 1 compuesto por Elton Dean; tema 5 compuesto por Hugh Hopper; tema 8 por Phil Howard y tema 9 por Ratledge/Dean/Hopper/Howard.

Músicos: Mike Ratledge (órgano Lowrey, piano eléctrico Fender Rhodes), Elton Dean (piano eléctrico Fender Rhodes, saxo alto y saxello), Hugh Hopper (bajo eléctrico), Phil Howard (batería)

Moonjune Records, 2008.MJR023

Comentario: Drop es un disco grabado durante la gira efectuada por Soft Machine en otoño del 71 por Alemania, intenso, enérgico y sin tregua de principio a fin donde Phil Howard no desfallece en un ir y venir de sus baquetas recorriendo tambores y platillos; Mike Ratledge está brillante en sus solos de órgano en fuzz en “Slightly All The Time” y “Out-Bloody-Rageous”; Elton Dean destacado en sus improvisaciones al saxo alto y saxello e interactivo y complementario al Fender Rhodes con Hugh Hopper potente, presente e intelectual.
Uno de los aspectos destacados del disco es la participación del batería australiano Phil Howard tal como ya lo hiciera en el disco grabado en la BBC el 11 de marzo de 1971 en el Paris Theatre de Londres y como lo haría posteriormente en el Soft Machine Fifth.
El disco se compone de 10 cortes fundidos en uno solo, jazz-rock progresivo con tintes de free-jazz al mas puro estilo de la banda, donde encontramos composiciones de su venidero trabajo Fifth como “All White”, “Drop”, “M.C.”, “As If” o “Pigling Bland” y el sustituído “Dark Swing” por “L.B.O”. El resto son temas de su trabajo Third, tales como “Slightly All The Time”(soberbios Mike Ratledge al órgano y Elton Dean al saxo alto) y “Out-Bloody-Rageous” complementados por “Neo Caliban Grides” del álbum de Elton Dean Just Us.
El sonido es el característico de Soft Machine, es decir, compacto, cerebral, intenso, uniforme e interactivo entre sus miembros, siendo en “Drop” la combinación de Mike Ratledge y Elton Dean al piano eléctrico Fender Rhodes un aspecto a tener en cuenta por su quietud y sosiego sin perder tensión, y que sirve de preámbulo al órgano distorsionado del primero que muestra sus mejores virtudes Canterbury con el oscuro apoyo de Hugh Hopper.
Es igualmente reseñable el track “Dark Swing”, un solo de batería a cargo de Phil Howard de retumbar y redoblar tambores para dar sentido y forma al resto del grupo en “Intropigling” y que desemboca en “Pigling Bland” donde destaca Elton Dean en un solo que te deja sin aliento.
En definitiva disco (de excelente sonido) más que recomendable para los incondicionales y para todos aquellos que quieran entender la importancia de uno de los grupos más influyentes del jazz-rock progresivo.

Enrique Farelo




Sacri Delfino Trío - Jairanía


Composiciones: “Deseos mundanos”, “Luna de Hortaleza”, “Chamota”, “Pan caliente”, “Silbando bajito”, “10 de enero”, “La Strada”, “Si te hubiera conocido”, “Adonde vas” y “Toto”.

Todos los temas compuestos por Sacri Delfino, excepto “Toto”, de Carlos Campos

Músicos: Sacri Delfino (guitarra), Gerardo Ramos (contrabajo) y Jose Manuel Torrego (bateria). Invitados: Juan Carlos Melian (percusión), Cristian Cifarelli (teclados), Pedro Moreno (voz), Álex Cid (saxo tenor) y José Luís Mollo (locución en “La Strada” ).

Grabado el 10 y 11 de enero de 2009 en Infinity Studios (Madrid)

Comentario: El guitarrista argentino afincado en Madrid Sacri Delfino acaba de publicar su primer disco a trío. Jairanía conforma una colección de buenas composiciones y logrados arreglos interpretados con maestría. Destaca la claridad expresiva y la gran técnica con que Delfino maneja la guitarra y su lógica querencia por los ritmos que le son propios. Delfino posee muchos recursos estilísticos que poco a poco afloran a lo largo del disco. Así, se alternan momentos intensos con otros más pausados, como en el caso de “Luna de Hortaleza”, que es una estremecedora balada, o la pieza “Silbando bajito”, con marcado carácter festivo. Tal vez los temas más destacados sean “10 de enero” y “La Strada”, dos bellas composiciones donde el trío da a conocer sus mejores bazas con fuertes aportaciones improvisatorias en ambas. En la segunda hay que mencionar un solo de Delfino para remarcar. En “Adonde vas” hay una evidente reminiscencia del tango argentino como no podía ser menos, donde Delfino vuelve a mostrar sus cualidades técnicas.
La pieza que cierra el disco, “Toto”, requiere una atenta escucha. Es una gran composición, turbadora, que poco a poco va atrapando hasta su culminación. En “Jairanía”, Sacri Delfino y su trío han demostrado tener una buena planta jazzistica en su debut y carta de presentación.

Carlos Lara




Jacobo de Miguel & Ton Risco - Dúo


Composiciones: “J. Blues” (Jacobo de Miguel), “Gris Carioca” (Ton Martínez-Risco), “Trío nº 2” (Jacobo de Miguel), “Aindo Non” (Ton Martínez-Risco), “Mel” (Ton Martínez-Risco), “Solar” (Miles Davis), “Correa de Ventilador” (Jacobo de Miguel), “Ritmo Toliviano” (Jacobo de Miguel), “Trío Nº 1” (Jacobo de Miguel) y “Up Jumped Spring” (Freddie Hubbard).

Músicos: Jacobo de Miguel (piano) y Ton Risco (vibráfono)

Grabado en el Conservatorio Profesional de Música de Vigo los días 20 y 21 de septiembre de 2007
Free Code Jazz Records FC36CD


Comentario: De la importancia que ha tomado el jazz hecho en Galicia ya tenemos muchas evidencias avaladas por extraordinarios proyectos. Y entre ellos han tomado una ligera ventaja los músicos que podríamos ubicar en la tendencia viguesa que, al hilo del Festival Imaxina Sons, no dejan de llenar el panorama con aire puro y fresca creatividad. Y esas características son las que resumen el proyecto creado a dúo entre el vibrafonista gallego Ton Risco y el pianista asturiano Jacobo de Miguel. Su trabajo sorprende en cada uno de los diez temas del disco y lo hace por su capacidad de persuasión en sus interpretaciones. Es difícil destacar algún tema porque todos atesoran su particular motivo de admiración. El disco irradia optimismo desde que empieza hasta que se acaba. De las diez piezas, ocho son composiciones propias y dos ajenas. La interpretación del “Solar” de Miles Davis es antológica. Hay que escuchar con detenimiento piezas como “Gris Carioca”, “Ainda Non”, “Correa de Ventilador” o “Trío Nº 1” para percibir la intensidad y la belleza que irradia este disco. Aun tratándose de un dúo algo inédito en el jazz español como es el formado por piano y vibráfono, es seguro que el disco va a hacer las delicias de los que gustan de un jazz intimista, lleno de matices y que irradia mucho colorido. Los dos músicos se acompañan con gran complicidad, las notas fluyen de manera natural y hay muchos momentos para la improvisación. Si a ello se une la calidad interpretativa que atesoran estos dos jóvenes talentos, el resultado es redondo por su buena calidad. Otro aspecto a destacar es la gran profesionalidad de la producción. El sonido es impecable. Jacobo de Miguel y Ton Risco son dos nuevos nombres a remarcar en el panorama jazzistico español. Un disco superrecomendable.

Carlos Lara




Renaud García-Fons - La Línea del Sur


Composiciones: “La Línea del Sur”, “Caballera de mi Amor”, “Gare Saint Charles”, “Valsería”, “El Agua de la Vida”, “La Silhouette”, “Nada”, “Agua Dulce”, “Cante del Barco”, “Veré” y “Enamorada”.

Todas las composiciones, arreglos y letras por Renaud García-Fons

Músicos: Esperanza Fernández (voz en “Caballera de mi Amor”, “El Agua de la Vida” y “Enamorada”), David Venitucci (acordeón), Kiko Ruiz (guitarra española), Renaud García-Fons (contrabajo de 5 cuerdas), Pascal Rollando (percusión)

Grabado en Studio Arcoluz en la primavera de 2008
Enja Records ENJ-9527 2

Comentario: Si hay un aspecto que caracteriza desde hace años a la música del contrabajista franco-catalán Renaud García-Fons es su fidelidad a un estilo en el que se funden a modo de crisol diversos sonidos como la música árabe, los ritmos flamencos y por supuesto el jazz, aunque en algunos momentos pueda defraudar a los que esperen más referencias jazzísticas. En ese sentido, sus trabajos se encuentran más cerca de la música étnica, aunque sin renunciar a una cierta liberación de las limitaciones técnicas de su instrumento, a favor de una libertad improvisatoria apreciable que no suele desechar. García-Fons sigue elevado en un cruce de caminos entre el jazz, la música tradicional y contemporánea, protagonizada en algunos momentos por el flamenco.

Cada una de sus composiciones conforma unas pinceladas armónicas que no se concretan en un paisaje determinado y se ubican en un imaginario que se define muy bien en su último disco como La Línea del Sur. Decididamente García-Fons siente como suya la música del Mediterráneo y Oriente en cuanto a sus conexiones con el flamenco que, desde su álbum Entremundo (2004), se ha convertido en la fuente principal de su imaginación artística.

En La Línea del Sur, su octavo álbum para ENJA, Renaud García-Fons entreteje melodías y emocionados ritmos. La disposición con el contrabajo, el acordeón, la guitarra y la percusión es muy similar a la de su primer álbum "Alboreá". Los músicos se desenvuelven muy bien en esta especie de flamenco imaginario. Destaca la magnífica voz de Esperanza Fernández que hace una rica contribución a un idioma musical más amplio que el limitado a las fronteras de Andalucía. Las palabras que escribió para ella Renaud García-Fons fueron inspiradas por Rumi, conocido también por el nombre de “Mawlana”, poeta místico musulmán persa y padre de la tradición sufí. Renaud Garcia-Fons ha sabido fundir tradiciones artísticas de países con una línea musical muy similar, convirtiendo su música en un profundo camino que apela a los sueños, a lo espiritual y a lo mágico. Un disco para espíritus aventureros.

Carlos Lara




Athanasopoulos/Pin Jazz Quartet - Knock Before


Composiciones: “Waiting for Oscar” (Thanos Athanasopoulos), “Coffeology” (Marcos Pin), “Knock Before (Marcos Pin), “Corner Window” (Thanos Athanasopoulos), “Major Harm” (Thanos Athanasopoulos), “Miss De Pater Part II” (Marcos Pin), “The Lost Car Keys Walk” (Thanos Athasopoulos), “ y “Blues for Josef” (Marcos Pin).

Músicos: Thanos Athanasopoulos (saxos tenor y soprano), Marcos Pin (guitarra), Paco Charlin (contrabajo) y Lar Legido (batería)

Grabado en el Teatro Ramón Martínez López (Boiro. A Coruña) en noviembre de 2007
Free Code Jazz Records FC43CD

Comentario: Otra exquisitez llegada desde Galicia, esta vez protagonizada por un joven cuarteto con sabor internacional. El guitarrista de Lugo, Marcos Pin y el saxofonista griego, Thanos Athanasopoulos se han juntado en un proyecto donde también se encuentra el bajista Paco Charlin y Lar Legido a la batería. Saxofonista y guitarrista se reparten las composiciones y los arreglos de los ocho temas del disco. Desde la primera pieza “Waiting for Oscar” hasta “Blues for Josef”, que cierra el álbum se aprecia una marcada intencionalidad por hacer un jazz sugerente, lleno de contenidos y matices melódicos que hacen que se escuche con sumo interés. Los músicos han sabido aunar con soltura y bien hacer los componentes tradicionales del jazz, dotándoles de un sello actual que llama mucho la atención al escuchar este disco. De esta forma las piezas suenan a un jazz autentico, poderosas y muy trabajadas. Hay temas bopperos, baladas que rememoran a Dexter Gordon, mucho blues y mucho swing, elementos que, en definitiva, son las señas de identidad del jazz. El disco ofrece al final una curiosidad fuera de créditos, como es una versión un tanto peculiar del famoso tema de Dizzy Gillespie y Kenny Clarke, “Salt Peanuts”, que tal vez insinué los derroteros del próximo trabajo.

“Knock Before es un disco que funciona muy bien y no merece pasar al cajón de los olvidos.

Carlos Lara




Roy Hargrove - Ear Food


Composiciones: “I’m Not So Sure” (Cedar Walton), “Brown” (Hargrove), “Strasbourg/St Denis” (Hargrove), “Starmaker” (Lou Marini), “Joy Is Sorrow Unmasked” (Hargrove), “The Stinger” (Hargrove), “Rouge” (Hargrove), “Mr. Clean” (Weldon Irving Jr.), “Style” (Hargrove), “Divine” (Hargrove), “To Wisdom The Prize” (Larry Willis), “Speak Low” (Kurt Weill/Orden Nash), “Bring It On Home To Me” (Sam Cooke)

Músicos: Roy Hargrove (trompeta, fiscorno), Justin Robinson (saxofón alto y flauta), Gerald Clayton (piano), Danton Boller (contrabajo), Montez Coleman (batería)

Grabado en L.A., California, entre los días 19-21 de Septiembre de 2.007
Emarcy B0010997

Comentario: A veces uno no sabe cómo enfocar el comentario de un disco porque tiene la sensación de que las palabras que le salen serán interpretadas de un modo cuando lo que pretenden expresar es justo lo contrario. Lo bueno de estas situaciones es que te muestran lugares comunes de cuya existencia no eres consciente aunque los utilices de manera recurrente.

Por ejemplo, parece inevitable pensar que una grabación actual de sonido clásico sea conservadora, anticuada. Desde ese punto de vista, estas grabaciones son evitadas por la mayor parte de aficionados interesados en la evolución musical del jazz, y quienes las aprecian son habitualmente aficionados que no han querido/sabido/podido encontrar placer en el jazz más allá de un momento dado de su historia, y una masa indefinida de aficionados casuales, que buscan en el jazz un ambiente, una banda sonora concreta llena de rancio y plomizo encanto.

Ear Food es una grabación que aúna esa engañosa concepción de lo clásico con una modernidad esquiva pero indudable, dando así por tierra con ese lugar común que acabo de plantear referente al clasicismo en el jazz de hoy. De hecho, Roy Hargrove es de por sí un músico que desafía la catalogación fácil, pues publica regularmente grabaciones a su nombre con un quinteto clásico y con un grupo embarcado en la experimentación sonora del neo-soul (o como quiera que deba denominarse la música de los RH Factor).

Pero Ear Food no es solo un nuevo jalón en el camino emprendido por ese “quinteto clásico” de Hargrove: en otras grabaciones el quinteto habita ese jazz que cabría denominar post-bop y que actualiza la temática del veterano hard-bop mediante una escritura compositiva más compleja manteniendo básicamente el sonido, mientras que Ear Food lanza constantemente cables adelante y atrás en el tiempo para recuperar algo inasible e indefinible que podríamos asimilar con cierta forma de frescura que se había ido perdiendo por el camino, o que sin este necesario revulsivo interno corría el riesgo de irse marchitando. Una actitud realmente edificante la del trompetista, que le coloca al borde del abismo a pesar de utilizar gran cantidad de elementos ya de sobra conocidos.

El grupo cuenta con un sonido muy hermoso, construido por trompeta y alto sobre una base rítmica rotunda, flexible y versátil; el resultado es tan potente como elegante . Se nota que hace tiempo que interpretan este repertorio, el conjunto suena natural, fluido, como si no pudieran evitar sonar así de compenetrados y, sabiéndolo, no se preocupasen más por ello. Hay cortes en los que el grupo se planta firmemente en un hard bop luminoso (“I’m Not So Sure” o “Strasbourg /St. Denis”, adornado este último por una excelente intervención de Hargrove); en otros, en cambio, se aploman con fuerza en la actualidad, como en el elegante Brown (con bonita improvisación de Gerald Clayton y un Hargrove capaz de inyectar una tensión considerable sin necesidad de alzar la voz), en un “The Stinger” que muestra la certera fragilidad del sonido del trompetista, en el sereno Mr. Clean o en el elegante y bonito “Divine”, cuyo ritmo constante y relajado te arrastra sin remisión.

Baladas como “Starmaker” ponen sobre el tapete el hermoso sonido de Justin Robinson, la elegancia de Clayton y, sobre todo, la pureza enorme de Hargrove y la sencillez y hondura de sus ideas, todo ello servido por la propulsión leve de Montez Coleman y el mesurado bombeo de Danton Boller.

Cabe también en Ear Food un corte como “Mr. Clean”, cuyo ritmazo nos arrima a un funk muy abierto, ideal para la prestación inconclusa de Hargrove y para conocer otra faceta del grupo que le acerca tangencialmente al RH; Robinson se apoya en la rítmica para hacer una improvisación aérea, tensa sin ahogos, Clayton olvida su natural elegancia para dejar una improvisación llena de impecablemente resuelta tensión. Finalmente, como colofón y catárquico fin de fiesta, la revisión del “Bring It On Home To Me” de Sam Cooke te deja con una sonrisa algo boba dibujada en el rostro: un ritmo intemporal al que solo hay que dejar fluir, y que concluye la grabación con un soplo de aire puro, un quintal de frescura renovada y muchos quilates de goce compartido.

Ear Food está repleto de un clasicismo nada mohoso, de apariencia engañosamente sencilla. Dan ganas de proclamar su rabiosa modernidad.

Ricardo Arribas




Bill Carrothers - Home Row


Composiciones: “When Will The Blues Leave” (Ornette Coleman), “Jesus’ Last Ballad” (Toots Thielemans), “A Squirrel’s Tale” (Bill Carrothers), “Hope Song” (Bill Carrothers), “My Heart Belongs To Daddy” (Cole Porter), “Off Minor” (Thelonious Monk), “Lost In The Stars” (Kurt Weill), “Home Row” (Bill Carrothers), “Ballad Of Billy Milwaukee” (Bill Carrothers)

Músicos: Bill Carrothers (piano), Gary Peacock (contrabajo), Bill Stewart (batería).

Grabado el 11 y el 12 de enero de 1992 en Nueva York.
Pirouet Records, 2008. PIT 3035


Comentario: Al parecer la influencia de Marc Copland frente a Jason Seizer, director de Pirouet, fue un factor esencial a la hora de publicar esta sesión, grabada en 1992 por Bill Carrothers en compañía de Gary Peacock y Bill Stewart. Se trata de una de esas sesiones que quedan misteriosamente archivadas tras su grabación pese a su indudable atractivo.

Lo cierto es que su escucha resulta sorprendente en muchos sentidos. Por un lado nos descubre a un Carrothers plenamente formado como pianista, de hecho resulta francamente deslumbrante por la complejidad, coherencia y dramatismo de sus construcciones sonoras. Por otro, este Carrothers tiene poco que ver con el que venimos conociendo de unos años a esta parte: apenas encontramos rastro del desenfadado humor que sacude grabaciones como Keep Your Sunny Side Up (Pirouet, 2.007), o la ominosa atmósfera que impregna cada corte de Ghost Ships (Sketch, 2.003); el Carrothers de 1.992 tenía ya una personalidad pianística incuestionable, pero carecía todavía de un sentido estético musical definido. Home Row, por tanto, le presenta como una realidad llena de atractivo, aunque le faltaban la capacidad de síntesis que en seguida desarrolló y, sobre todo, la consecución de ese universo musical tan personal de sus grabaciones posteriores.

Entre la animosa revisión del “When Will The Blues Leave” de Ornette que abre la grabación y su elegante y discreta “Ballad Of Billy Milwaukee” que la cierra encontramos un equilibrado puñado de composiciones que basculan constantemente entre esos dos ambientes sonoros: de la vivaracha “Off Minor” a la soñadora “Lost In The Stars”, de las travesuras de “Home Row” y “A Squirrel’s Tale” (en las que asoma la autoridad futura del pianista al encarar las improvisaciones) al severo aliento de “Jesus’ Last Ballad”.

Casan perfectamente con el piano de Carrothers la enérgica ductilidad y los compulsivos desarrollos emocionales de Gary Peacock y la batería esencialmente alegre de un Bill Stewart que, como el pianista, estaba todavía madurando su personalidad musical una vez adquirida la capacidad instrumental que aquí muestra.

Entre la grabación de estas sesiones y el momento actual han transcurrido 16 años durante los cuales Bill Carrothers ha sabido desarrollar una carrera llena de interés (se trata de un pianista extraordinario que aúna como pocos solidez y dramatismo, coherencia y personalidad), pero hoy, casi como entonces, Bill Carrothers sigue siendo un ilustre desconocido para una sorprendente cantidad de aficionados que podrían disfrutar enormemente con su música, si le diesen una oportunidad. Ojalá esta meritoria edición de Pirouet contribuya a situar a un músico de sus quilates en el sitio que le corresponde.

Ricardo Arribas y Sergio Zeni




Josetxo Goia-Aribe - La orquesta Jamalandruki


Composiciones: “Urdin Txuri”, Moras y Cristianas”, “Anaitasuna” (Turrillas arr. Josetxo Goia-Aribe), “Fandango”, “Jamalandruki”, “La Luna y el Toro” (C. Castellano arr. Josetxo Goia-Aribe), “La Dolorosa”, “Alegría Monkiana”, “Nanai de la Gutimendi”, “Jota Vals”, “El Torero Que Tenía Miedo”, “Me Miserum”, “Mutil Dantza”.

Todos los temas compuestos por Josetxo Goia-Aribe excepto donde se indica.

Músicos: Josetxo Goia Aribe (saxo soprano, tenor), David Herrington (trompeta), Marco Bellizzi (trombón de varas), Luís Orduña (tuba), Guillermo McGill (batería y percusión).

Grabado el 3 y 4 de diciembre de 2008 en el Auditorio de Noain (Navarra).

Comentario: Un paso adelante de Josetxo Goia Aribe en su camino jazzístico hacia el acerbo cultural navarro. En esta nueva etapa el saxofonista da un giro de tuerca a su trayectoria, una trayectoria que tuvo su punto de partida de forma reflexiva, bella y melódica y más cercana a los postulados del jazz académico europeo con su primer cuarteto; que se hizo más accesible y cercana al pueblo, añadiendo la voz en sus siguientes proyectos. Y que ahora, volviendo a la música instrumental, ahonda aún más en la cultura popular navarra, homenajeando al mago pamplonica “Jamalandruki”, para realizar una música más cosmopolita, popular y lúdica, sin perder ninguno de los adjetivos mencionados sobre sus anteriores trabajos.

La orquesta Jamalandruki lo componen trece temas originales en su mayoría. El disco transcurre entre aires festivos, imponiéndose la cercanía de las composiciones así como la sencillez y variedad de los arreglos de Goia-Aribe. Algo que permite una escucha ágil, y que anima a disfrutar repetidamente del disco a ritmo de marcha, de pasodoble, de jota, de Monk, profundizando en los contrapuntos creados para los vientos de la orquesta.

Durante los trece cortos pasajes en el que no hay muchos espacios para la improvisación, destacan “Nanai de la Gutimendi” donde podemos disfrutar de una breve intervención a modo de presentación de cada uno de los cinco músicos que componen la orquesta, y el tema que cierra el disco, “Mutil Dantza”, con un corto e intenso solo del saxofonista navarro.

Para acentuar el cambio ejercido por el navarro, completan la banda de Jamalandruki Guillermo McGill quien ya había aportado su maestría en “los pendientes de la reina”, el anterior proyecto del inquieto Goia-Aribe; el trompetista David Herrington, un habitual en los proyectos de Baldo Martínez por tanto también habituado a este tipo de proyectos; y los jóvenes Marco Bellizzi y Luís Ordoña, al trombón y a la tuba respectivamente.

Un trabajo de calidad y calidez, realizado por un músico cuya constancia y humildad le permite llegar cotas musicales novedosas y cercanas al mismo tiempo, un trabajo cuya escucha no solo mejorará el ánimo del oyente, también aumentará la ansiedad pues sin duda este proyecto en directo promete ser un auténtico acontecimiento musical y cultural.

Víctor Bobeche