Avram Fefer - Ritual


Composiciones: “Testament”, “Shepp in Wolves’ Clothing”, “Ritual” (Fefer, Revis, Taylor), “Feb. 13th”, “Blinky Palermo” (Fefer, Revis, Taylor), “Club Foot”, “Ripple”, “Outspoken” (Fefer, Revis, Taylor), “When the Spirit Moves You”

Todos los temas por Avram Fefer, salvo los indicados.

Músicos: Avram Fefer (saxos alto, tenor y soprano, y clarinete bajo), Eric Revis (contrabajo), Chad Taylor (batería)

Grabado el 27 de marzo de 2008 en HED Recording Studios, Nueva York. Publicado por Clean Feed.
CF145CD. http://www.cleanfeed-records.com

Comentario: El saxofonista y clarinetista bajo Avram Fefer (1965) comenzó su carrera en los años 90, aunque no publicó sus primeros discos como líder hasta el inicio de la década siguiente. Ritual es su primera grabación en trío con el contrabajista Eric Revis y el batería Chad Taylor, con quienes comenzó a trabajar a mediados de los años noventa. En esta grabación de 2008, en la que Fefer se erige en protagonista casi absoluto, el trío se mueve en una estética free-bop. A pesar de las limitaciones que impone una formación tan reducida, en la que Taylor y Revis no tienen demasiado espacio para el lucimiento personal en forma de solos y en la que Fefer está omnipresente, la variedad de referencias que se van sucediendo en las composiciones, que salvo tres son obra de Fefer, logran que el interés se mantenga a lo largo de los nueve temas. “Testament” es un tema en el que el referente es el mismísimo Albert Ayler. El swingueante “Shepp In Wolves’ Clothing”, que ya apareciera en Shades Of The Muse, está dedicado a Archie Shepp. En este tema se puede disfrutar de Fefer soplando varios instrumentos a la vez. Por su parte “Club Foot” hace referencia en la melodía a Wayne Shorter (¿adivinan a qué composición?), mientras que la rítmica le apoya con una base funk. Fefer también hace uso de elementos de la música africana, en un tema que está estructurado alrededor de las magníficas intervenciones en solitario (especialmente la de Taylor) de cada uno de los tres músicos. En “When The Spirit Moves You” Fefer emplea el clarinete bajo, mientras que en el desarrollo y las improvisaciones del tema aparecen referencias al jazz modal. “Feb. 13th” es la ocasión para una balada preciosa, mientras que “Ripple” es un tema que comienza tranquilo para ir alcanzando progresivamente una intensidad notable. Entre estas composiciones de Fefer hay espacio para tres temas improvisados por el trío (el tiempo medio “Ritual”, “Blinky” y “Outspike” que da la impresión de ser una improvisación de la que se ha eliminado el inicio), que son de largo los menos interesantes del disco.

Pachi Tapiz




A. K. Salim - The Modern Sounds of / Complete Savoy Recordings 1957-1958


Composiciones: “Duo-Flautists”, “Miltown Blues”, “Ballin’ Blues”, “Pretty Baby”, “Lopin’”, “Talk That Talk”, “Black Talk”, “D Minor Dipper”, “Dejeuner”, “A Private Cloud”, “June Is Bustin’ Out All Over”, “Blu-Binsky”, “R.U.1.2.”, “Shirley Ray”, “Ba-Lu-Ee-Du”, “Pretty For The People”, “Takin’ Care Of Business”, “Pay Day”, “Joy Box”, “Full Moon”, “Blue Baby”, “The Sultan”, “Blue Shout”, “Like How Long Baby”.

Todos los temas compuestos por A. K. Salim.

Músicos: A. K. Salim (director, arreglista) Joe Wilder, Johnny Coles, Jimmy Nottingham y Kenny Dorham (trompetas); Nat Adderley (corneta); Frank Rehak o Buster Cooper (trombón); Marshall Royal o Phil Woods (saxo alto); Frank Wess y Herbie Mann (flauta y saxo tenor); Johnny Griffin (saxo tenor); Howard Austin, Charlie Fowlkes, Pepper Adams o Sahib Shihab (saxo barítono); Kenny Burrell (guitarra); Hank Jones, Tommy Flanagan o Wynton Kelly (piano); Wendell Marshall, George Duvivier o Paul Chambers (contrabajo); Bobby Donaldson, Osie Johnson, Max Roach o Wilbur Hogan (batería); Chino Pozo (conga), todos ellos en diversas formaciones

Grabado entre marzo de 1957 y octubre de 1958.
Fresh Sound Records FSR-CD 474

Comentario: Este es un recopilatorio esperado por muchos y llama la atención que no haya venido de los propietarios de los másteres originales (lo que probablemente explica la ausencia de las dos tomas alternativas incluidas en la última reedición de Pretty For The People). Los motivos pueden ser dos: por un lado, las recientes campañas de reediciones de Savoy han sido poco consistentes y, por otro, cabe preguntarse por el verdadero interés que puede tener hoy un arreglista como Salim.

A pesar de que esta música cuenta con sus adeptos, presenta dos dificultades de entrada: la primera es el repertorio, centrado en el blues y las variaciones sobre “I Got Rhythm”, lo que limita las posibilidades del arreglista y desplaza el interés hacia los solistas, que en este caso son muy competentes; la segunda deriva de la primera, y es la pericia del propio Salim. Como dicen las anotaciones, las melodías y los arreglos de Salim son agradables, pero lo cierto es que no llegan a explotar las posibilidades de los intérpretes –demasiados unísonos y octavas paralelas–, y suenan algo arcaicos incluso para su época (en la que Manny Albam, Quincy Jones o Ernie Wilkins explotaron con más éxito el formato de blues). Tampoco ayudan la repetitividad del formato, por mucho que el blues sea en mayores o menores, de ocho, doce, 16 o 32 compases, ni aspectos más prosaicos, como la política cicatera de Savoy, que impedía cualquier preparación o ensayo previo a la grabación.

Un vistazo rápido al personal justifica ciertas expectativas respecto a los solos, y se cumplen en no pocas ocasiones, incluso con quienes podríamos considerar “comparsas”, como Rehak y Joe Wilder (un valor seguro aún en activo) en “Midtown Blues”, Howard Austin en “Black Talk” o la revelación del disco, el trombonista Buster Cooper en “Dejeuner” o “Pay Day”. Si añadimos el papel de músicos más conocidos como Phil Woods, Nat Adderley o Johnny Griffin, y la aportación de rítmicas como la formada por Wynton Kelly, Paul Chambers y Max Roach –con el toque latin de Chino Pozo– en seis cortes, el resultado es una colección correcta con destellos esporádicos, aunque hay que señalar que existe cierto abuso general de las citas de otros temas en los solos. En todo caso, el papel del líder queda desdibujado por el protagonismo de los solistas y la homogeneidad del repertorio, que destaca aun más por los escasos temas que se salen del patrón, como “Pretty For The People” (basada en un standard que se me escapa) o “A Private Cloud” y “Lopin’” (similares éstos a “Jeru”).

Finalmente, un detalle sobre la última sesión, correspondiente al LP Blues Suite, sobre la cual el cuadernillo recoge información incorrecta. Además del título del último tema (posiblemente heredado de la edición japonesa en CD, y corregido en las anotaciones), existe cierta confusión en las discografías (y los archivos de Savoy) con respecto a la fecha y el personal de la misma. Según mis datos el personal de la sesión es el que figura en la carpeta del LP original (sin Oscar Dennard ni Philly Joe Jones) y la fecha, el 6 de octubre de 1958.

Fernando Ortiz de Urbina




Debby Moore - My Kind of Blues


Composiciones: “Five Months, Two Weeks, Two Days” (D. Morris-D. Donaldson), “Come On Home To Me” (Debby Moore), “See See Rider” (tradicional), “Nothin’ But Trouble On My Mind” (Debby Moore), “Sent For You Yesterday” (Basie-Rushing-Durham), “Baby, Won’t You Please Come Home?” (C. Warfield-C. Williams), “I’m Travellin’ Light” (Young-Mercer), “(I Know) My Baby Loves Me True” (Debby Moore), “Why Don’t You Do Right?” (Joe McCoy-Peggy Lee), “How Come You Do Me Like You Do Do Do?” (G. Austin-R. Bergere), “Hallelujah, I Love Him So” (Ray Charles), “No Love, No Nothin’” (H. Warren-L. Robin), “Get A Feeling” (E. Maultsby-D. Butler)

Músicos: Debby Moore (voz y silbido), Harry Edison (trompeta), Jimmy Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), George Duvivier (contrabajo), Elvin Jones (batería).

Grabado en Nueva York, en diciembre de 1959.
Fresh Sound Records FSR-CD 475

Comentario: Una de las virtudes del sello Fresh Sound es su capacidad para desenterrar grabaciones que, en justicia, son más flecos que parte esencial del gran tapiz del pasado del jazz.

En esta ocasión el descubrimiento es la cantante Debby Moore, de la que no abundan los datos biográficos. Aparte de lo que señalan las anotaciones del CD –¿las del LP original Top Rank?– parece que estudió voz con Don Donaldson (arreglista de Fats Waller), trabajó con la orquesta de Earl Hines (1954) y con el grupo de Rex Stewart (1958). También participó en una gira organizada por el Departamento de Estado en Corea y Japón, país en el que además rodó un par de películas.

Moore se enmarca dentro de la tradición de otras vocalistas afroamericanas como Betty Roché o Gloria Lynne, con fuertes resabios de blues pero con una proyección menos agresiva que éstas. Como cantante es impecable, pero sin rasgos que le hagan destacar particularmente, y en ocasiones se apoya demasiado en su faceta blusera, como en “Why Don’t You Do Right?”, tema en el que sustituye casi por completo la melodía por sus variaciones de blues sin mejorar –ese es el problema– el original. En su haber hay que constatar su buen silbido, un recurso que puede resultar irritante, y sin embargo aquí funciona.

El grupo que la acompaña es de lujo: los nombres cantan (Galbraith, Duvivier…), pero además Jones fue el pianista de Sarah Vaughan durante años y Edison era el trompetista favorito de Sinatra en esta época. A más de uno le sorprenderá la presencia de Elvin Jones, habitual en diversas sesiones de grabación de la época, y totalmente capaz de adaptarse a las necesidades del momento. En ocasiones la combinación suena mucho a combo de Basie (por Edison y el dominio de la técnica de Freddie Green que poseía Galbraith), lo que no es malo.

El CD incluye un tema extra, procedente de un single del mismo sello con un grupo distinto, del que no se da ninguna información. La canción es un blues en el que Moore es interpelada por un hombre, con el acompañamiento de vibráfono, guitarra, contrabajo y batería.

Un disco muy correcto que la historia ha olvidado justamente.

Fernando Ortiz de Urbina




Howard Roberts - Mr. Roberts Plays Guitar


Composiciones: “Serenata Burlesca” (Jack Marshall), “I Hear A Rhapsody” (Fragos-Baker-Gaspare), “The Innocents” (Jack Montrose), “Ah-Moore” (Al Cohn), “(Back Home In) Indiana” (Hanley-McDonald), “Indian Summer” (Herbert-Dubin), “Jillzie” (Howard Roberts), “My Shining Hour” (Arlen-Mercer), “Polka Dots And Moonbeams” (Van Heusen-Burke), “An Orchid For Miss Sterling” (Hugo Friedhofer), “Little Girl” (Hyde-Henry), “A Ghost Of A Chance” (Young-Washington-Crosby), “Have You Met Miss Jones?” (Rodgers-Hart), “I’ve Got The World On A String” (Arlen-Koehler), “Sweet Georgia Brown” (Casey-Bernie-Pinkard).

Músicos: Howard Roberts (guitarra); Herb Geller, Don Davidson, Harry Klee y Bob Cooper (cañas); Red Norvo (vibráfono); Pete Jolly (piano); Red Mitchell, Bob Bertaux o Ben Tucker (contrabajo); Alvin Stoller, Bobby White o Joe Morello (batería); Bill Holman, Jack Montrose y Bob Enevoldsen (arreglos) + sección de cuerdas en seis temas, con arreglos y dirección de Marty Paich.

Grabado en Hollywood, entre octubre de 1956 y enero de 1957.
Fresh Sound Records FSR-CD 478

Comentario: El paso del tiempo suele ser un filtro justo de la posteridad, pero en esto del jazz, tan sujeto al soporte grabado y los caprichos del destino y el mercado, a veces quedan varados en el olvido restos que merecen ser rescatados.

Es el caso de las primeras grabaciones de Howard Roberts. Respetadísimo en el mundillo guitarrero, Roberts nunca alcanzó la relevancia de sus contemporáneos (como Barney Kessel en la Costa Oeste o casi todos sus colegas del Este), posiblemente por su actividad en los estudios (suya es la guitarra de la sintonía de La Familia Monster) y como docente.

Este disco está lleno de sorpresas. La principal es que, a pesar de que Roberts era primero guitarrista y luego jazzman, su música es muy poco guitarrística. Desde el primer tema, “Serenata Burlesca”, queda claro su interés por la composición y los arreglos (para cuarteto de cuerda en este caso), que se enmarca perfectamente en la “experimentación tranquila” que llevaron a cabo músicos como Dave Brubeck o Jimmy Giuffre, también en la Costa Oeste (véase “The Innocents”).

El CD contiene el debut homónimo de Roberts para Verve (la portada invertida, con la guitarra “para zurdos”, es la original) más los cinco temas del LP Collections (Intro) de Joe Morello en los que participa el guitarrista, y combina un jazz más arreglado y compositivo (como el arreglo de “My Shining Hour” por Bob Enevoldsen) con una vertiente más visceral. En “Indiana”, por ejemplo, el quinteto con Bob Cooper y Roberts –en abierto “homenaje” a Tal Farlow– toca sin papeles, aunque se las apañan para modular cada 16 compases (salvo Jolly, que lo hace cada 32).

Precisamente son Cooper, al tenor, y Roberts los solistas más destacados en los temas del LP Verve. Los cinco a nombre de Morello son aun más distendidos (al parecer era la primera vez que los participantes tocaban juntos). En “Little Girl” (olvidado standard de la familia de “Just Friends”) Morello da una exhibición de su habilidad con las escobillas, mientras que el veterano Norvo, con su característico tono al vibráfono, se luce especialmente en los temas rápidos, como “Sweet Georgia Brown”.

Roberts no será mucho más que una nota al pie de la guitarra de jazz, en una era en la que abundaban los virtuosos, pero por técnica, tono (escasamente amplificado) e ideas, bien merece el rescate que aquí se le brinda.

Fernando Ortiz de Urbina




Chico Hamilton - The Chico Hamilton Trio


Composiciones: “Broadway” (Wood-MacRae-Boyd), “Street Of Drums” (Hamilton), “What Is There To Say?” (Duke-Harburg), “Nuttye” (Cheatham), “Buddy Boo” (Colette), “Uganda” (Hamilton-Duvivier), “Lollypop” (Wiggins-Hamilton), “We’ll Be Together Again” (Fisher-Laine), “Autumn Landscape” (Duvivier), “Porch Light” (Duvivier), “Blues On The Rocks” (Duvivier), “Skynned Strings” (Duvivier-Hamilton).

Músicos: Howard Roberts o Jim Hall (guitarra), George Duvivier (contrabajo), Chico Hamilton (batería).

Grabado en Hollywood, en 1953, 1954 y 1956.

Comentario: El problema de las etiquetas y las definiciones que se suelen aplicar en el jazz es que suelen hacer agua por todos lados. A saber qué pensó Chico Hamilton de las acusaciones de falta de negritud que en su día se vertieron contra el jazz de la costa del Pacífico. El batería, aún en activo, ha sido siempre uno de esos instrumentistas con las ideas claras sobre el concepto que quería presentar.

George Duvivier relata en su biografía cómo Hamilton le propuso escribir algo de antemano para estas sesiones, en vez de presentarse en el estudio y grabar del tirón, y recuerda su sorpresa al ver a Howard Roberts tocar a la primera partituras harto complicadas. Duvivier, presente en todo el disco, no sólo es uno de los mejores bajistas de la historia de esta música, sino que también ejercía de arreglista: suya es la introducción vocal de “We’ll Be Together Again”, que sólo pudieron grabar una vez Roberts y Hamilton se recobraron del ataque de risa que les dio al oír la propuesta de Duvivier.

En cuanto a la música en sí, el disco puede resultar algo monótono a priori, pero las sucesivas escuchas recompensarán al oyente. Por un lado los arreglos son imaginativos y trabajados, como el contrapunto entre guitarra y bajo al final de “Nuttye” o todo el tema “Uganda”, típica pieza exploratoria de Hamilton a las mazas, con los tambores afinados y juegos de ritardandos y acelerandos.

Por lo demás, el resultado final es el esperable de instrumentistas de este calibre. El abanico de dinámicas y efectos que ofrece este trío es sorprendentemente amplio, dada la instrumentación. El líder, por su parte, da toda una exhibición a las escobillas, especialmente en “Buddy Boo” y, sobre todo, en “Skynned Strings”, un dúo de bajo y batería improvisado, una muestra de la vertiente experimental de la Costa Oeste, grabado sobre la marcha al final de la última sesión, durante el tiempo de estudio sobrante.

Jazz preciosista para oídos atentos y afines a la guitarra pre-Wes.

Fernando Ortiz de Urbina




Nils Wogram’s Nostalgia - Affinity


Composiciones: “Affinity”, “Flashback”, “Bus” (Florian Ross), “Jack-of-all Trades”, “Hope”, “Clash”, “Blury Moments”, “Rocky Beach”, “Where Everything Comes From”.

Todos los temas por Nils Wogram, excepto donde se indica.

Músicos: Nils Wogram (trombón y melódica), Florian Ross (órgano), Dejan Terzic (batería y glockenspiel).

Grabado en Radiostudio 2 (Zurich, Suiza) en enero de 2007.
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Comentario: Nils Wogram nos presenta una grabación jazzística de muy agradable escucha, comandando un trío de órgano donde la combinación tímbrica de éste con su trombón y la delicada pulsación del batería Dejan Terzic sumergen al oyente en un universo sonoro discreto y placentero.

Este comentario no pretende restar méritos al trabajo de Nostalgia (así llama Wogram a su grupo). Todo lo contrario, la mesura y el control son virtudes al alcance de unos pocos, y estos tres músicos hacen sabio uso de ellos. El organista Florian Ross teje colchones armónicos bien aprovechados por un Wogram de sonido cálido y buena afinación. Incluso en composiciones más movidas como “Jack-of-all Trades” el trío respira con espacio, sin atropellos, con un total dominio del contexto por parte de sus integrantes.

“Affinity” abre con soltura y desparpajo. En ella el acompañamiento de mano izquierda de Florian Ross recuerda en timbre y enfoque estético a un bandoneón. Dejan Terzic destaca en su combinación plato ride-caja en el solo de trombón de “Flashback”. La suavidad de “Blurry Moments” se convierte en solemnidad en “Hope”. “Where Everything Comes From”, la pieza de cierre, es larga y enérgica, si bien empasta a la perfección con el resto de los temas. Incluye un inspirado solo de trombón sin acompañamiento armónico.

A sus 36 años Nils Wogram ya tiene casi veinte discos en su haber. Tras su Daddy’s Bones de 2004, Affinity es la segunda grabación del trío Nostalgia. A tenor de lo visto, parece que el proyecto no quedará aquí, y que la carrera del trombonista seguirá su ruta ascendente.

Arturo Mora Rioja




Dusan Jevtovic - On The Edge


Composiciones: “On More Day”, “Follow Me”, “The Wall”, “On The Edge”, “Fear Inside”, “In The Last Moment”, “Wingin‘ It”, “I’ve Never Been In Holland”, “Gracias Y Perdon”

Todas las Composiciones de Dusan Jevtovic, excepto 1 y 3 de Dusan Jevtovic y Bernat Hernandez y 8 de Bernat Hernandez.

Músicos: Dusan Jevtovic (guitarra); Sava Miletic (Fender Rhodes); Bernat Hernandez (bajo eléctrico); Xavi Reija (batería)

Grabado el 2 y 3 de septiembre de 2009 en Indi Records Estudios de Vic (Barcelona).
2009 Indi Records

Comentario: Todo lo apuntado y madurado por Dusan Jevtovic en el Xavi Reija Electric Quintet se muestra este trabajo de jazz-rock progresivo, On The Edge.

El guitarrista serbio cuenta para su proyecto con dos viejos amigos del nombrado quinteto, es decir, Bernat Hernandez y el solvente Xavi Reija a la batería. Dusan Jevtovic y Sava Miletic se reparten el aparente protagonismo a lo largo del disco para darle un carácter de uniformidad estilística setentera que raya a gran altura, donde es difícil destacar un tema de otro y se realiza un guiño reminiscente al rock Canterbury o a la fusión progresiva.

Los otros dos miembros del cuarteto, los nombrados Bernat Hernandez y Xavi Reija, sirven de nexo de unión el primero y de potencia rítmica el segundo; sin ellos no podría entenderse la labor del cuarteto.

On The Edge es una obra cerebral concebida desde el prisma de la imaginación y fuertemente estructurada, donde la guitarra de Dusan Jevtovic se muestra corrosiva, ácida y quejumbrosa; apoyada en una técnica impecable nos lleva a recordar a Allan Holdsworth e incluso a Jimi Hendrix o John McLaughlin. Sava Miletic nos acerca al trabajo realizado por Alan Pasqua en el disco de la Tony Willians Lifetime, Believe It; Bernat Hernandez a Jeff Berlin y Xavi Reija, unas veces a Tony Willians, otras a Jon Hiseman o a Nigel Morris, del grupo inglés Isotope.

Con todo lo argumentado no quiero decir que haya que comparar a estos músicos con aquellos, sino que estos tienen una solvencia instrumental y creativa a toda prueba y que con este On The Edge han logrado alcanzar uno de los momentos más brillantes y destacados del jazz-rock progresivo en nuestro país en los últimos años.

Vuelvo a insistir en no querer destacar ningún tema por encima de otro, para mí todos tienen el mismo reconocimiento y quiero dejar que seáis vosotros los encargados de encumbrar un disco que tiene, para mí, todos los honores.

Enrique Farelo




CMS Trío - Andando


Composiciones: “Andando” (Perico Sambeat), “Gnawa Blues” (Popular. Arr. Javier Colina), “Verdad amarga” (Consuelo Velázquez), “Malawi” (Perico Sambeat), “Pata Pata” (J. Ragovoy/M. Makeba), “You And The Night And The Music” (A. Schwartz/H. Dietz), “Lejana” (Perico Sambeat), “Certeza” (Tico Arnedo) y “Bugalusers” (Perico Sambeat).

Músicos: Javier Colina (contrabajo), Marc Miralta (batería) y Perico Sambeat (saxos y flauta).

Grabado el 17 y 18 de marzo de 2009 en Grabaciones Silvestres por Marc Parrot
Producido por Universal / Contrabaix (www.produccionscontrabaix.com).

Comentario: Andando es el segundo trabajo del CMS Trío que, tras la buena acogida del primero (denominado de manera homónima), supone una reválida para estos tres eminentes nombres del jazz nacional. Existen proyectos de grandes músicos, todos líderes en sus grupos con estupendas carreras que, sin embargo, al afrontar un proyecto común no consiguen cuajarlo y darle la ansiada redondez. En el caso de este nuevo disco del CMS Trío el resultado sí puede considerarse redondo. Con un sonido y una interpretación plenamente logrados, los tres músicos afrontan los temas con máxima intensidad y sin prejuicios. Desde la pieza que da título al álbum, “Andando”, hasta la que lo cierra, “Bugalusers” (ambas composiciones de Perico Sambeat), asistimos a un sinuoso recorrido nada convencional, en el que cada tema se convierte en una excusa perfecta para que los músicos se expresen con plena libertad. En este disco se certifica con brillantez la máxima de que en el jazz es más importante la forma de interpretar que el tema en sí. No importa que las piezas sean más o menos conocidas, de influencia africana como el clásico “Pata Pata”, “Malawi” o el bello arreglo de Javier Colina en “Gnawa Blues”, las baladas de origen latinoamericano como “Verdad amarga” y “Certeza”, e incluso un standard como “You And The Night And The Music”, enriquecido con vestidura flamenca. El CMS Trío hace jazz en estado puro, sin adulteraciones. Música para disfrutarla una y otra vez. Sin duda, uno de los discos candidatos a estar entre los mejores del 2009.

Carlos Lara




Fractal - Fractal


Composiciones: “Alfanumérico” (Héctor García Roel), “H. D. G.”, “Fractal”, “The Machine”, “Algérienne” (Gerardo Ramos), “Sótano 4 Jazz”, “Hipopótamo Swing”, “Yellow”, “Momentos” (Héctor García Roel).

Todas las composiciones por Javier Bruna salvo donde se indica.

Músicos: Javier Bruna (saxo tenor y flauta), Héctor García Roel (guitarra), Gerardo Ramos (contrabajo) y Diego Gutiérrez (batería).

Grabado en Madrid el 18 y 19 de julio de 2008.
Autoproducido.

Comentario: El jazz y los deportes de equipo tienen un rasgo común: cuando los miembros de un grupo logran un cierto nivel de compenetración, la capacidad de jugar o tocar (actividades que comparten verbo en inglés y francés) sin tener que preocuparse por el resto del equipo, se genera una sinergia casi inexplicable. Los ejemplos deportivos son innumerables y en el jazz las muestras tampoco escasean, desde la mejor improvisación colectiva de Nueva Orleans hasta el cuarteto de Branford Marsalis, por poner un ejemplo de formación estable con un crecimiento orgánico evidente a lo largo de los últimos años.

Un ejemplo más cercano de este tipo de grupo es Fractal. Con base en Madrid, llevan ya cuatro años tocando juntos siempre que pueden y agitando la escena local desde la jam semanal del Bogui (club cuya esperpéntica odisea da la justa medida de lo bananero que es en realidad nuestro país a pesar de las ínfulas de modernidad y progresismo que se dan algunos). Las bondades del grupo han sido durante todo ese tiempo un secreto a voces en la capital del Reino, y por fin, un año después de su grabación, habemus CD.

La espera ha merecido la pena. Habida cuenta de que al menos parte de esta música estaba ya disponible en mp3, hay que destacar el excelente sonido logrado por Pablo Baselga, de Infinity Estudios, muy “acústico”, con los instrumentos bien espaciados, entre los que brilla especialmente el contrabajo.

En cuanto a la música, este CD presenta un rasgo inusual en una grabación actual de jazz: todos los temas, originales, son muy distintos entre sí y hasta pegadizos en algún caso. El disco viene flanqueado por dos composiciones de García Roel: la primera, “Alfanumérico”, es un juego funambulesco de tensiones y dinámicas a cargo de todo el cuarteto, mientras que “Momentos” es un valiente ejercicio baladístico en el que el solo del autor es impecable y la interpretación de todo el grupo muy elegante, además de servir de precioso y relajante colofón para el disco. Por su parte, el ambiente sombrío, casi amenazante, de “Algérienne”, de Ramos, divide en dos el CD, con su aire andalusí y sus ecos de “Softly, As In A Morning Sunrise”.

El resto del repertorio viene firmado por Bruna, un saxo tenor que parece haber escuchado con fruición a Hank Mobley: resultan llamativos su clara articulación, su aplomo y su capacidad para contar una historia; en “The Machine” e “Hipopótamo Swing” se ciñe a la flauta, no obstante, con la que es tan resolutivo como con el tenor. El primero es un ejercicio de funk entrecortado en el que se aprecia especialmente bien la habilidad de la rítmica de Fractal de tocar como un equipo, intercambiando papeles según sea necesario, pasando del acompañamiento al solo y del solo al mantenimiento del tempo sin tropiezos ni fisuras. Ramos abre caminando “Hipopótamo Swing”, un sentido lento en menores en el que los solos de Bruna y García Roel se inician sobre un fondo rítmico difuso que termina por definirse en un elegante swing en 4/4.

“HDG” es uno de los temas con aire más clásico del disco, aunque está montado sobre un ritmo ternario. Bruna demuestra su capacidad de contar una historia en un solo, con un acompañamiento exquisito de García Roel, y tanto él como el grupo dan una lección magistral de dominio de la dinámica. “Sótano 4 Swing” presenta unos juegos de tensión y distensión muy inteligentes por parte de la rítmica. Tras un buen solo de García Roel llega Bruna con su tenor, en tensión, dispuesto a saltar llevándoselo todo por delante, en un solo con clase en el que, además de citar un par de veces el “Au Privave” de Charlie Parker, tenor y guitarra dan juntos unos pasos de baile, trazados aparentemente sobre la marcha.

“Fractal” y “Yellow” son un prodigio de buen gusto y de capacidad de asumir la elegancia clásica del jazz sin perder el carácter propio de los intérpretes. El primero, con unas agridulces y familiares armonías, presenta a un Bruna sobresaliente al tenor, relajado, centrado en la historia que tiene que contar, mientras sus tres compañeros le llevan en volandas. García Roel le sigue con una buena muestra de su particular concepción rítmica, sobre el acompañamiento de la exuberante batería de Gutiérrez. El aire de homenaje a los clásicos de este tema lo reafirma Ramos rematando su solo a base de slap.

“Yellow” es el tema más rápido del disco, también un guiño al canon del hard bop. Después de tantos años de revivalismo en el jazz y el alto riesgo, probado en no pocos casos, de caer en la imitación deslucida, es evidente que ésta es una ruta poco aconsejable. Si Fractal se meten en camisa de once varas es porque se lo pueden permitir, por la convicción y la fe que demuestran en lo que hacen. Un tema como “Yellow”, cuyo interludio roba un trozo del standard “Spring Is Here”, sólo puede sonar fresco y tenso a base de honestidad y agallas. La concentración de cada uno de los miembros del grupo es palpable y el resultado, exultante.

Como disco de debut, Fractal es difícilmente mejorable. Impresiona no sólo por la música que contiene, sino por la seriedad que hay detrás, el tiempo de rodaje del grupo, de trabajo paciente. Ojalá las circunstancias premien su esfuerzo permitiéndoles proseguir juntos su trayectoria ascendente. Todavía tienen mucho por ofrecer, como su proyecto de libre improvisación colectiva, o “crol”, que esperamos poder comentar pronto.

Fernando Ortiz de Urbina




Agustí Fernández - Un llamp que no s’acaba mai


Composiciones: “Primo”, “Secondo”, “Tertio”, “Quarto”

Todas las composiciones por Agustí Fernández, John Edwards y Mark Sanders

Músicos: Agustí Fernández (piano), John Edwards (contrabajo), Mark Sanders (batería)

Grabado el 7 de diciembre de 2007 en la Ermita de San Roque, Sigüenza (Guadalajara), en la edición de 2007 de Jazz en Sigüenza. Publicado en 2009 por Psi Recordings.
Psi 09.04

Pachi Tapiz

Agustí Fernández – Jo Krause - Draco


Composiciones: “Incandescence”, “Urban Legend”, “La Belle Excuse”, “Draco”, “The Batsong”, “Madly (for Duke) ”, “Slinger’s” (Jo Krause), “Meeting Point”, “That’s What I Thought”, “Sentimental Décalage”, “Golden Pants (Too Many Sticks) ”, “The Rainmaker”, “Inland”

Todos los temas compuestos por Agustí Fernández y Jo Krause, salvo el indicado.

Músicos: Agustí Fernández (piano), Jo Krause (batería)

Grabado el 9 de septiembre de 2008 en Auditorium, Jafre de Ter, Gerona, España. Publicado en 2009 por Produccions Anacrusí S.L.
AC076

Pachi Tapiz

Evan Parker Electro-Acoustic Ensemble - The Moment’s Energy


Composiciones: “The Moment's Energy: I, II, III, IV, V, VI, VII”, “Incandescent Clouds”

Compuesto por Evan Parker por encargo del Huddersfield Contemporary Music Festival.

Músicos: Evan Parker (saxo soprano), Peter Evans (trompeta y trompeta pícolo), Ko Ishikawa (sh?), Ned Rothenberg (clarinete, clarinete y shakuhachi) Phillip Wachsmann (violín y electrónica en vivo), Agustí Fernández (piano y piano preparado), Barry Guy (contrabajo), Paul Lytton (percusión, electrónica en vivo), Lawrence Casserley (instrumento para procesamiento de señales), Joel Ryan (sampler y procesador de señales), Walter Prati (procesamiento por ordenador), Richard Barrett (electrónica en vivo), Paul Obermayer (electrónica en vivo), Marco Vecchi (proyección de sonido).

Grabado en noviembre de 2007 en Lawrence Batley Theatre, Huddersfield, Reino Unido. Publicado en 2009 por ECM.
ECM 2066

Pachi Tapiz

Derek Bailey & Agustí Fernández - A Silent Dance


Composiciones: “A Silent Dance: pt. I, pt. II”

Música por Derek Bailey y Agustí Fernández.

Músicos: Derek Bailey (guitarra), Agustí Fernández (piano)

Grabado el 12 de mayo de 2005 en La Pedrera, Barcelona. Publicado en 2009 por Incus Records.
INCUS CD 58

Comentario: En el primer semestre de 2009 el pianista Agustí Fernández ha aparecido en cuatro grabaciones. Aquí va un pequeño repaso por estos cuatro CD.

Agustí Fernández vuelve a sorprender con Draco, su dúo con Jo Krause, batería alemán residente en Barcelona. No es la primera vez que ambos colaboran en una grabación (Krause tomaba las baquetas en Lonely Woman, el disco de Fernández en homenaje a Ornette Coleman), pero sí en un formato tan reducido. El encuentro pudiera parecer problemático a priori. Krause es un batería inmerso en la tradición del jazz, mientras que Fernández es ahora mismo una de las figuras fundamentales de la libre improvisación europea. Sin embargo ambos son unos grandes músicos y allí es donde surgen no sólo el entendimiento, sino también la empatía necesaria para que un proyecto totalmente improvisado (¿o quizás habría que decir que trufado de composiciones instantáneas?) llegue a buen puerto. Así las melodías y las ideas van surgiendo, a veces simplemente como esbozos o intenciones. En un momento pueden apuntar a clásicos como Duke Ellington, mientras que en otros como en “La Belle Excuse” o “Sentimental Décalage” se transforman en dos de las baladas más bellas grabadas por el pianista. Quizás la propuesta sea una sorpresa, pero no así su maravilloso resultado.

Con sólo cinco ediciones el Festival de Jazz de Sigüenza se ha convertido en uno de los más interesantes que tienen lugar en nuestro país. Consolidando esta posición, aparece publicado en Psi Recordings, el sello del saxofonista Evan Parker, el concierto que en la edición de 2007 dio Agustí Fernández en trío acompañado por los británicos John Edwards y Mark Sanders.

Con una duración de poco más de cuarenta y cinco minutos y dividido en cuatro partes, el concierto es una improvisación libre en la que el diálogo activo entre los tres músicos es un aspecto fundamental a lo largo de todo el concierto. A pesar de ello en “Secondo” y “Tertio” el pianista aparece como el protagonista principal, deslumbrando en la primera de esas dos partes con un hipnótico diálogo consigo mismo. Sin embargo esto no lo erige en protagonista único, y de ese modo en “Quarto” son John Edwards y Mark Sanders quienes tienen un espacio propio para su lucimiento. También resulta especialmente interesante el inicio del concierto con “Primo”: resultan asombrosos la dinámica y los diferentes ambientes que el trío fue capaz de crear por medio de sus improvisaciones, ya que en esta primera parte la música exuda un tono en parte melancólico, en parte sombrío, que no se repite a lo largo del resto del concierto.

A Silent Dance es el registro del último concierto en público del guitarrista británico Derek Bailey. Residente desde 2003 en Barcelona, el citado concierto tuvo lugar en mayo de 2005 en La Pedrera de Barcelona, acompañado por Agustí Fernández. En la primera pieza del concierto, con una duración de 42 minutos, el dúo hace un gran uso del espacio en su música. En su inicio es Bailey quien dirige la improvisación, mientras que en la segunda parte es Fernández quien toma la iniciativa. En contraposición con esta primera pieza, la segunda, con una duración de apenas diez minutos, muestra a los músicos con una cierta urgencia. De ese modo la construcción de ambientes y el cierto recogimiento del primer tema se transforman en el inicio del segundo en un torbellino en el que los dos músicos se emplean con energía con sus instrumentos, aunque ambos son capaces de llevar toda esa potencia hasta un ambiente calmado y casi onírico que, por lo escuchado en la grabación, parece ser que sorprendió a los asistentes al concierto. Derek Bailey fue un músico que supo crear su propio lenguaje musical con la guitarra y A Silent Dance es un ejemplo magnífico.

Me encantaría preguntarle a Evan Parker qué es lo que hay en su cabeza y hacia qué dirección está encaminando a su Electro Acoustic Ensemble. Entre sus numerosos proyectos y colaboraciones, éste es quizás el más interesante y sorprendente de todos. Digo interesante, puesto que en The Moment’s Energy, su última grabación nuevamente en el sello de Manfred Eicher y producida por Steve Lake, son catorce sus integrantes, pertenecientes a la crema y la nata de la libre improvisación, fundamentalmente europea. Y digo sorprendente, porque que entre esos músicos, cinco están dedicados exclusivamente al procesamiento y transformación de los sonidos, mientras que entre los restantes, dos de ellos combinan su labor como instrumentistas acústicos con la del tratamiento del sonido en directo. Sin embargo ninguno de estos hechos pasaría de lo anecdótico si la música no se expresase por sí misma. En este diálogo imaginario, ésta nos dice que no tiene ningún problema, sino todo lo contrario, en hacer un hueco en su interior a los sonidos sin preguntar de dónde surgen, cuál es su origen o las manos por las que ha pasado en su transformación.

“The Moment’s Energy” está estructurado en siete partes que, salvo la cuarta, tienen una duración en torno a los diez minutos. En cada una de ellas el inicio por parte de algunos de los músicos deja paso a espacios dedicados fundamentalmente a los solos y los dúos (si es que tiene sentido hablar de tales cuando los sonidos reciben su correspondiente procesamiento), tratados de una manera sutil en muchos momentos. A pesar del título de la composición de Evan Parker, encargada por el Huddersfield Contemporary Music Festival, es notable la forma en la que el grupo maneja la intensidad de la propuesta, haciendo que en su recorrido vaya creciendo y recogiéndose, llegando a momentos en que, cercana al silencio, permanece repleta de espacios.

En cuanto a los músicos, quizás lo más adecuado no sea destacar la labor de ninguno, ya que aquí lo importante es la labor del grupo. Sin embargo, no me voy a resistir a destacar la labor del trompetista Peter Evans (fantástico su solo en la tercera parte) y la de Agustí Fernández (que en la quinta muestra su pianismo más intenso y energético, aunque a la vez contenido). Aunque puestos a ello también se podría hablar de Barry Guy y Philipp Wachsmann en la sexta parte y de Evan Parker en… Y es que todos son grandes maestros. Quedo a la espera de la siguiente entrega del Electro-Acoustic Ensemble de Evan Parker, a ser posible sin tantos retrasos como ha ocurrido con esta.

Pachi Tapiz




Albert Marqués Trio & Jordi Bonell - Albert Marqués Trio + Jordi Bonell


Composiciones: “Moment´s Notice” (John Coltrane), “Hommage au Clitoris” (Albert Marqués), “La Coleccionista” (Gonzalo del Val), “Demonious Rossy - Song for Jordi Rossy” (Gonzalo del Val), “Trio” (Albert Marqués), “I Fall In Love Too Easily” (S. Cahn-J. Styne), “Dubtes” (Albert Marqués), “There Is No Greater Love” (M. Symes-I. Jones)

Músicos: Albert Marqués (piano), Manuel Krapovickas (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería) con Jordi Bonell (guitarra)

Grabado en Estudi Laietana, Barcelona, el día 5 de agosto de 2008

Comentario: El grupo de pianistas sigue aumentando para bien. En esta ocasión se trata del barcelonés afincado en París, Albert Marqués, que se ha lanzado a la escena con un proyecto en trío con la colaboración especial del guitarrista Jordi Bonell.

Integrado por tres composiciones suyas, dos del batería Gonzalo del Val, una pieza clásica de John Coltrane, que abre el disco, y standards, este trabajo presenta algunos aspectos destacados. Buen debut para este joven pianista curtido como acompañante y que ha decidido que ha llegado su hora para volar con su propio grupo. La versatilidad de Marqués oscila entre los toques limpios de Brad Mehldau y unas pinceladas que ponen de manifiesto su asimilación de Monk. Aunque hay un predominio de las baladas, el disco presenta un tono equilibrado, sobre todo en los cuatro temas en los que colabora Bonell. A pesar de que no siempre se logra, funciona la sintonía entre el piano y la guitarra. Los mejores momentos se pueden vislumbrar en “Dubtes”, tema elegantemente construido donde Marqués pone en práctica sus mejores conceptos.

Carlos Lara




Andrea Pozza Trío - Love Walked In


Composiciones: “Love Walked In” (George Gershwin, Ira Gershwin), “Just In Time” (Irving Berlin), “Gull´s Flight” (Andrea Pozza), “Bells” (Andrea Pozza), “Blues Connotation” (Ornette Coleman), “Silent Work” (Andrea Pozza), “Sweet And Lovely” (Arnheim, Tobias, Lemare), “Crazy She Calls Me” (C. Sigman, B. Russell), “Get Happy” (Harold Arlen, Ted Koehler) y “Orson” (Billy Strayhorn).

Músicos: Andrea Pozza (piano), Nicola Muresu (contrabajo) y Shaney Forbes (batería)

Grabado en Koolworld Studios de Luton (Reino Unido), el 1, 2 y 3 de octubre de 2007.
33 Records 33JAZZ174

Comentario: En su último trabajo Andrea Pozza se adentra por el territorio de algunos de los compositores norteamericanos más versionados, como los hermanos Gershwin, cuyo tema da título al disco, Irving Berlin o Harold Arlen. Junto a ellos tres composiciones suyas, una pieza de Ornette Coleman y otra del mejor acompañante de Ellington, Billy Strayhorn.

Love Walked In está interpretado con muy buen gusto y mucha elegancia en todos sus temas. Este álbum presenta un mayor cuerpo e intensidad que Drop This Thing. Pozza se revela otra vez como un compositor convincente, con mucha tendencia al swing, y le extrae mucho partido a cada una de las notas y los caminos por los que se adentra. Merece la pena escuchar atentamente el tema “Silent Work”, con un gran comienzo de batería y donde Pozza construye una pieza magistral. Está acompañado por dos buenos escuderos como Nicola Muresu y Shaney Forbes, precisos y atinados en cada instante. Aunque pueda parecer un disco de jazz tradicional, las apariencias engañan. Hay muchos matices y detalles por descubrir en esta grabación, que sorprende muy gratamente por su desbordante calidad.

Carlos Lara




Andrea Pozza Trío featuring Alan Farrington - Drop This Thing


Composiciones: “Nebulosa” (Tenorio Jr), “You Can´t Get What You Want” (Joe Jackson), “Alice In Wonderland” (Hilliard, Sammy Fain), “Drop This Thing” (Andrea Pozza, Alan Farrington), “Push The Pedal” (Andrea Pozza), “Perfect Day” ( Bobby Cole), “Like In Nigeria” (Andrea Pozza), “And It All Goes Round And Round” (Bernard Ighner), “ How Do You Call It” (Andrea Pozza) y “Sir Pent” (Andrea Pozza).

Músicos: Alan Farrington (voz), Andrea Pozza (piano), Aldo Zunino (contrabajo) y Sangoma Everett (batería)

Grabado en Udine en Artesuono Estudio, en mayo de 2007
Dejavu Records 1000020

Comentario: En la trayectoria del pianista italiano Andrea Pozza aparecen colaboraciones con grandes nombres del jazz. Como ejemplo baste citar a Charlie Mariano, Phil Woods, George Coleman o Lee Konitz, entre otros. En su país, con decir que ha formado parte del quinteto de Enrico Rava (sustituyó a Stefano Bollani) durante cuatro años, ya se pone de manifiesto la alta consideración de que goza. Últimamente también ha acompañado al saxofonista español Javier Vercher.

En este trabajo al mando de un trío presenta la colaboración del cantante británico Alan Farrington. Con una concepción muy cool, Drop This Thing es un disco que entra fácil. Los diez temas que integran el álbum, cinco de ellos compuestos por Pozza, evocan un jazz de corte clásico, con momentos de mucho swing como el que abre el trabajo, “Nebulosa” o el penúltimo, “How Do You Call It”. Los temas en los que interviene Farrington, sin ser un dechado de virtudes, muestran algunos momentos muy planos, como el segundo corte, “You Can´t Get What You Want” y otros de mayor nivel, caso de “Perfect Day”. La mejor composición de Pozza es “Sir Pent”, una muestra evidente de que estamos ante un pianista de gran categoría, pero que en general ha tirado hacia lo comercial, lo que devalúa un poco esta grabación.

Carlos Lara




WHO Trio - Less Is More


Composiciones: “Inside The Glade” 13:05, “Still Alone” 6:24, “The Pump” 7:02, “Wedding Suite” 15:08, “Stardance” 7:24, “Hasna” 4:26, “The Eastern Corner” 7:45

Todas las composiciones por WHO trio (Michel Wintsch, Bänz Oestër, Gerry Hemingway).

Músicos: Michel Wintsch (piano), Bänz Oestër (contrabajo), Gerry Hemingway (batería)

Grabado en Radiostudio, Zurich, Suiza, el 12 y 13 de febrero de 2008. Publicado por Clean Feed.
CF135CD. http://www.cleanfeed-records.com

Comentario: El propio Gerry Hemingway lo comentaba en la entrevista con Rogelio Pereira publicada en el número 26 de Oro Molido: “Pienso que este CD es una auténtica obra maestra, y un cénit verdadero en la evolución de este gran trío. … Esta grabación tiene un extraordinario sentido del espacio”. La grabación en cuestión es Less Is More, publicada por Clean Feed a principios de 2009. En ella el veterano batería y percusionista aparece acompañado por el pianista Michel Wintsch y el contrabajista Bänz Oestër.

Con más de cien grabaciones publicadas, Less Is More es uno de los puntos cumbres del catálogo de Clean Feed. La música de este CD está efectivamente llena de espacios. Su inicio con los casi veinte minutos de “Inside The Glade” (compuesta por el trío) y “Still Alone” (obra del pianista Michel Wintsch) muestra dos temas de una belleza escalofriante, capaces de absorber al oyente y trasladarlo a un estado de contemplación atemporal. Por el contrario, “The Pump” es una pieza nerviosa y entrecortada que establece el contrapunto ideal entre ese inicio estático y los quince minutos de “Wedding Suite”, con un inicio lleno de tranquilidad y belleza que a su vez es extraño y turbador. Las tres piezas finales (“Stardance”, “Hasna” y la sobresaliente “The Eastern Corner”, que muestra por momentos a los tres músicos utilizando sus instrumentos de un modo poco ortodoxo), son tres muestras magníficas de trabajo en grupo, con unos temas que se van construyendo poco a poco y que están basados en la escucha atenta entre los tres músicos.

Less Is More: otra joya más a añadir al catálogo de Clean Feed.

Pachi Tapiz




Enrico Pieranunzi - Plays Domenico Scarlatti. Sonatas And Improvisations


Composiciones: "K531 / Impro K531", "Impro K159 / K159", "K18", "Impro K208 / K208", "K377 / Impro K377", "K492 / Impro K492", "K9 / Impro K9", "K51", "K260", "Impro K545 / K545", "Impro K3", "K3", "K239", "K69 / Impro K69".

Temas originales por Domenico Scarlatti. Improvisaciones por Enrico Pieranunzi.

Músicos: Enrico Pieranunzi (piano)

Grabado en Ludwigsburg, el 8 y 9 de diciembre de 2007, Publicado en 2008 por CAM JAZZ.
CAMJ 7812-2

Comentario: Que el jazz hace uso de los recursos de la música clásica, en la concepción más amplia del término (Anthony Braxton imparte en la universidad en la que es profesor un curso titulado "Sun Ra y Stockhausen"), no es nuevo. Tampoco lo es el que algunos músicos se hayan acercado al repertorio de determinados compositores clásicos tanto en el pasado como en el presente. Y tampoco es nada extraño encontrarnos con pianistas de jazz que tienen tras de sí una formación clásica que va algo más allá de lo puramente ocasional.

Por tanto no debiera extrañar que un pianista con la solidez y el lirismo de Enrico Pieranunzi dedique una grabación a interpretar e improvisar sobre sonatas del compositor del barroco Domenico Scarlatti (1685 - 1757)... ¿o sí? Si bien se le encasilla habitualmente entre los pianistas herederos y por tanto continuadores del legado de Bill Evans, el propio Pieranunzi confiesa que la música de Scarlatti le entusiasma, y que sus partituras nunca están demasiado lejos de su piano.

El fruto de esta pasión es Plays Domenico Scarlatti. Sonatas And Improvistions. De las catorce piezas que componen el CD, cuatro de ellas ("K18", "K51", "K260" y "K239") son recreaciones de las composiciones de Scarlatti. Unas piezas que tienen en sí tal solidez e intensidad que Pieranunzi pensó que podría aportar bien poco o nada. Por el contrario, el músico italiano se lanza a improvisar sobre nueve sonatas: "K531", "K159", "K208", "K377", "K492", "K9", "K545", "K3" y "K69". Sin seguir una estructura fija, en algún momento los temas originales son los que aparecen en primer lugar, mientras que en otros las improvisaciones son quienes abren las pistas del CD. En este punto es en el que aparece el principal problema que posiblemente pueda provocar en algunos (¿muchos?) oyentes esta grabación: qué etiqueta adjudicarle. Si bien hay improvisaciones, apenas hay resquicios de técnicas utilizadas en el jazz. Y si bien la base son unas composiciones pertenecientes a la herencia de la música clásica (estamos hablando de un clásico y un virtuosista del siglo XVIII), lo más ortodoxo a la hora de afrontar este repertorio en este momento no es precisamente el improvisar sobre él. Quizás lo más recomendable sea obviar este tipo de cuestiones puramente taxonómicas y disfrutar con unas melodías fantásticas (mis preferidas son la "K531" y la "K377"), ejecutadas por un artista del piano, en uno de los discos más fascinantes de los últimos años que hayan intentado llevar la música clásica al terreno de la improvisación. Lo demás serían discusiones formales que obvian lo principal: el disfrute con la música.

Pachi Tapiz




Sun Ra - Featuring Pharoah Sanders & Black Harold


Composiciones: "Cosmic Interpretations", "The Other World", "The Second Stop Is Jupiter", "The Now Tomorrow", "Discipline 9", "Gods On A Safari", "The World Shadow", "Rocket Number 9)", "The Voice Of Pan", "Dawn Over Israel", "Space Mates)"

Músicos: Pharoah Sanders (saxo tenor), Black Harold (flauta), Sun Ra (piano, celesta eléctrica), Al Evans (trompeta y fiscorno), Chris Capers (trompeta), Teddy Nance (trombón), Bernard Pettaway (trombón), Robert Northern (trompa), Marshall Allen (saxo alto), Danny Davis (saxo alto y flauta), Robert Cummings (clarinete bajo), Pat Patrick (saxo barítono), Alan Silva (contrabajo, violonchelo), Clifford Jarvis (baterías), Art Jenkins (voz del espacio)

Grabado el 31 de diciembre de 1964 en Four Days In December del Jazz Composers's Guild, Judson Hall, Nueva York. Publicado en 2009 por ESP.
ESP 4054

Comentario: En el otoño de 1964 el trompetista Bill Dixon fundó en Nueva York la Jazz Composers Guild, Una asociación de músicos inmersos en la vanguardia neoyorkina que a finales de ese mismo año organizó la serie de conciertos Four Days In December en la que participaron grupos liderados por Bill Dixon, Cecil Taylor, Archie Shepp, Paul Bley, John Tchicai y Roswell Rudd, así como Sun Ra.

Este CD publicado por ESP en 2009 recoge el concierto de Sun Ra acompañado por su Arkestra en el Judson Hall de Nueva York, cerrando el citado ciclo de conciertos la nochevieja de 1965. Entre lo más destacable de lo publicado están los cinco temas inéditos que abren el compacto y que suponen un total de 45 minutos. Entre ellos destaca la versión de "Discipline 9" (incluyendo los famosos cánticos "We Travel The Spaceways"), los 20 minutos de "The Other World" o los pasajes casi impresionistas en "The Now Tomorrow" con Sun Ra al piano y Black Harold (Harold Murray) a la flauta. Otro aspecto a destacar es que en esta encarnación de la Arkestra no estaba John Gilmore, el sempiterno acompañante de Sun Ra. En esos momentos el saxofonista estaba integrado en los Jazz Messengers de Art Blakey, intentando alcanzar un reconocimiento más que merecido que no llegaba como acompañante de Sun Ra. Su puesto al tenor lo ocupó Archie Shepp: un jovenzuelo de menos de 25 años, prácticamente llegado a Nueva York, que en esta grabación no sólo es totalmente reconocible, sino que a pesar de su edad demuestra que ya tenía su propia voz al saxofón, esa fiereza por la que sería reconocido unos pocos años después. En cuanto al material ya publicado, éste estuvo disponible en el disco Featuring Pharoah Sanders & Black Harold, editado en 1976 por el sello de Sun Ra El Saturn (JHNY - 165). Allí se incluía otro tema mítico de Sun Ra: "Rocket Number 9", que entre otros versionearía el grupo proto-punk MC5.

Y es que este disco de Sun Ra es bastante más que otro disco más de Sun Ra.

Pachi Tapiz