Lluís Vidal Trío con Dave Douglas y Perico Sambeat - Mompiana


Composiciones: “Música Callada. I”, “Música Callada. XIX”, “Cançó I Dansa. VI”, “Temps De Blues”, “El Carrer, El Guitarrista I El Vell Cavall”, “Música Callada. III”, “Música Callada. X”, “Cançó I Dansa. I”, “Gitanes. I”, “Temps De Blues”.

Músicos: Lluís Vidal (piano), Massa Kamaguchi (contrabajo), David Xirgu (batería), Dave Douglas (trompeta) y Perico Sambeat (saxofones y flauta).

Todos los temas compuestos por Frederic Mompou, excepto “Cançó I Dansa. I”, de Lluís Vidal.

Grabado en Girona los días 15 y 16 de noviembre de 2008.

Contrabaix/Universal/EmArcy con la colaboración de la Generalitat de Catalunya, 2009
0602527159959


Comentario: Tras un serio y dilatado proceso de elaboración, por fin ve la luz esta deliciosa relectura de la música de Frederic Mompou desde la óptica jazzística de Lluís Vidal. Mompiana presenta, en un repertorio bien diseñado, una aproximación muy honesta a la música del gran maestro catalán, manteniendo una fidelidad palpable a las melodías, jugando con ciertas rearmonizaciones y alterando, sobre todo, los tiempos originales. Vidal, muy bien apoyado por Massa Kamaguchi y David Xirgu, teje el núcleo del discuso, apunta la dirección a seguir, impone una interpretación generalmente contenida, distribuye el juego. Dave Douglas y Perico Sambeat, dos invitados de lujo, aprovechan las posibilidades de unas formas armónicas abiertas a la improvisación y realzan con sus colores la labor de Vidal. Como curiosidad, cabe resaltar la inclusión de la pieza “Temps De Blues”, publicada en 1949 y prácticamente olvidada hasta ahora, única aproximación conocida de Mompou (junto a un foxtrot recientemente rescatado) al universo del jazz.


Sergio Zeni




Colina Serrano Project - Colina Serrano Project


Composiciones: "El Blues De La Alegría" (Antonio Serrano ), "El Comandante" (Javier Colina), "Estudio" (Frederic Chopin - Antonio Serrano), "Zyriab" (Paco de Lucía - Joan Albert Amargós), "Overjoyed" (Stevie Wonder), "Three Views Of A Secret" (Jaco Pastorius), "Sweet Georgia Brown" (Ben Bernie, Maceo Pinkart), "La Mentira" (Álvaro Carrillo).

Músicos: Antonio Serrano (armónica), Javier Colina (contrabajo), Guillermo McGill (batería), Iván Lewis (piano), Mariano Díaz (piano), Silvia Pérez Cruz (voz), Agustín Carbonell "El Bola" (palmas), Dani Melón (palmas).

Grabado el 30 y el 31 de julio de 2009.
Contrabaix/Universal/EmArcy, 2009. 0602527238708

Comentario: El 27 de julio pasado, este grupo (aún denominado Javier Colina & Antonio Serrano Quartet) comenzó un ciclo de siete presentaciones en el madrileño Café Central. Tres días después, ingresó en los estudios Reno para registrar este debut discográfico que parece haber capturado toda la frescura con la que sonaron en aquellas noches, con Antonio Serrano en primera línea imprimiéndole su personalidad al conjunto, Javier Colina moviendo los hilos desde la retaguardia, dos pianistas que se alternan con muy buenos resultados y un McGill siempre efectivo. Buena parte del repertorio escuchado durante esas jornadas en el Central se ha quedado fuera, sin embargo la selección es inobjetable. Su variedad refleja la diversidad de influencias musicales de sus líderes y dibuja un recorido muy atractivo para el oyente: del blues a Chopin, de Paco de Lucía a las raíces de América Latina, del cancionero americano a Jaco Pastorius… Colina Serrano Project propone un jazz directo y melódico muy abierto a la improvisación, en el que destacan temas como “El Blues De La Alegría”, dedicado a Larry Adler, “El Comandante” con brillantes solos de Colina y Mariano Díaz o “Estudio”, todo un caramelo para Serrano e Iván Lewis. Silvia Pérez Cruz participa con su deliciosa ductilidad en el bolero que cierra el álbum, “La Mentira”.

Sergio Zeni




ap’strophe - Objects sense objectes


Composiciones: “3”, “6”, “7/2”, “12”.

Músicos: Ferran Fages (guitarra acústica), Dimitra Lazaridou-Chatzigoga (cítara).

Grabado en Barcelona, diciembre de 2008.
Etude records 019 (2009)

Comentario: En un disco anterior de Ferran Fages, Cançons per a un lent retard (Etude 013, 2007), había un tema, “Paraula clau” (palabra clave), en el que la guitarra acústica de Fages se hacía acompañar por las desafinaciones de Dimitra Lazaridou-Chatzigoga. Este tema, elaborado con desafinaciones o desarreglos del sonido, surgía en medio de un disco de guitarra acústica, convirtiéndose en una especie de agujero, de extrañamiento, dentro de Cançons. La experiencia que se inició entonces, y que no pudo desarrollarse más a fondo dentro de aquel disco debido al planteamiento temático que tenía, terminaría por encontrar su propio espacio de gestación meses más tarde, cuando Fages y Lazaridou-Chatzigoga reemprendían el camino iniciado en “Paraula clau”.

Pero si en Cançons el trabajo del dúo quedaba como algo parentético, en Objects sense objectes toda esa labor de conversión del sonido acústico es el tema central. Tras el primer corte, “3”, en el que la guitarra y la cítara mantienen casi intactas sus particularidades acústicas, llega el largo “6”, más de media hora de sonido agónico en la que el dúo desholla lenta y pacientemente las características de ambos instrumentos con deslizamientos, rasgueos, pellizcos y golpes, exasperando su tesitura metálica o bien disolviendo la tonalidad en el ruido, destartalándolos y transmutándolos en unas fuentes de sonido completamente distintas a lo que como objetos son. Con el (nuevo) sonido resultante a veces parecen dirigirse hacia el campo de lo ambiental y otras hacia la generación de sonidos y timbres abruptos e hirientes, aunque puntualmente guitarra y cítara recuperan su tesitura, su compostura.

No obstante lo abstracto del planteamiento, queda algo de voz humana todavía dentro del corpus sonoro de Objects sense objectes, porque las cosas (improvisadas) transcurren con cuidado y atención. Este es uno de esos trabajos que, definitivamente, no ha de ser valorado por los parámetros musicales al uso, sino más bien como una experiencia artística en la que el elemento involucrado es el sonido, su naturaleza y cómo alterarla. Esta próxima primavera el sello inglés Another Timbre editará el segundo disco de ap’strophe, titulado Corgroc.

http://www.etuderecords.com/releases.htm


Jack Torrance




Marc Egea - Helionora


Composiciones: “Helionora”, “Spheiros”, “Quan l’univers vencer estava concentrat en un punt”, “Darrera el vel de l’invisible”, “Kaulakau”, “Anteus”, “Cataclisme”.

Todas las composiciones de Marc Egea.

Músicos: Marc Egea (zanfona, percusión sobre cubo de madera).

Grabado en Sant Pol de Mar (Barcelona), el 5 de mayo de 2005.
Costellam CLL016 (2007)

Descarga: http://costellam.net/releases016.html



Marc Egea - glimpse


Composiciones: “Dramatícula”, “Clinamena”, “Sichler”, “Andar alla macchia”, “Glimpse#1”, “Enygma”, “Glimpse#3”, “Kaulakau”.

Todas las composiciones de Marc Egea.

Músicos: Marc Egea (zanfona, campanas de pie, voces).

Grabado en Sant Pol de Mar (Barcelona), en la primavera de 2009.
Lunar flower LF-22 (2009)

Descarga: http://www.archive.org/details/Lf-22Glimpse


Comentario: En los últimos años, Marc Egea ha publicado dos discos en las netlabels catalana Costellam, en otoño de 2007, y norteamericana Lunar Flower, este otoño pasado. Se da la circunstancia de que dentro de la obra de Egea se trata de dos discos que presentan una continuidad, por más que su registro esté separado por cuatro años (la primavera de 2005, en el caso de Helionora, la del 2009 en el de Glimpse). Son trabajos grabados a zanfona solo, con el acompañamiento de algunas voces y de instrumentos de percusión que normalmente toca con los pies (cubo de madera y campanas indias de pie). No hay regrabación ni se vale de electrónica alguna, sin efectos o loops.

Esta circunstancia, el tiempo que separa las grabaciones, y las diferencias musicales que existen entre ambos nos permiten ver muy claramente la evolución que se ha ido operando en la música de Egea. Mientras Helionora era un trabajo muy anclado aún en la música tradicional, que él había dejado de practicar profesionalmente poco tiempo antes de la grabación; Glimpse recoge, sin borrar los rastros de tradicional y folk, distintas formas y modos de hacer en los que se ha ido involucrando cada vez más, desde la improvisación a la composición contemporánea.

Hay que ir con cuidado, de todos modos, con la audición de ambos, pues aunque las sonoridades y pequeñas formas son muy divergentes en un caso y otro, las grandes formas, las estructuras, la ordenación, tienen, al menos para mí, una gran unidad. Se adivina la misma mente organizadora detrás, con esas composiciones que son como relatos breves, presentando unos temas, tomando unos derroteros muy libres en las partes centrales, para acabar a veces en el tema inicial o bien muy lejos de él. Normalmente, escuchando la música de Egea uno detecta la idea que quiere exponer de un modo claro, hasta puro si me apuran. Sus desarrollos, por más que esté trabajando con sonidos, tonos y ritmos difíciles, como sería en algún caso Glimpse, están preñados de oralidad, algo nada raro viniendo de alguien que ha estado durante muchos años dentro de la música tradicional. Esa componente rapsódica es la razón por la que sus composiciones están tan moduladas, que discurran con tanta naturalidad, y nos lleguen de un modo tan directo a pesar de que con frecuencia no responden a la estructura de una canción convencional. En este aspecto, quizá las diferencias entre Helionora y Glimpse se encuentren en que en éste último Egea, además del sonido y los temas nuevos, trata de ocluir algo el sentido, la dirección de los temas, de volverlos más misteriosos, lo cuál trasluce ese interés suyo por la música de los compositores europeos del siglo XX que trabajaron también a partir de formas y ritmos folclóricos, integrándolos en su arte y sin perder nunca su voz personal.

Hay otro aspecto en el que podemos hallar también esa evolución, y es en la interpretación. Y nada mejor para verlo que valernos de las dos versiones del tema “Kaulakau” que contienen ambos discos, y que es el único tema viejo que hace en Glimpse. En ese aspecto, que no es nada accesorio sino fundamental, vemos como en esta última versión su toque se ha vuelto más sugerente y abierto, no tan preocupado por la dificultad técnica como por extraer de ella los recursos que le permitan dar a su música ese componente misterioso, entre lo viejo y lo nuevo, entre la confianza en el pasado y la promesa de futuro.

Helionora y Glimpse pueden descargarlos libremente, con el consentimiento del autor y sin la intervención torticera de SGAE alguna.


Jack Torrance




Eyal Maoz's Edom - Hope and Destruction


Composiciones: "Somewhere", "Tsi", "Rocks", "Messenger", "Slight sun", "Shuki", "Eagle", "Shell", "King", "Skies", "Two", "Down"
Todos los temas compuestos por Eyal Maoz.

Músicos: Eyal Maoz (guitarra), Brian Marsella (teclados), Shanir Ezra Blumenkranz (bajo), Yuval Lion (batería)

Publicado en 2009 por Tzadik. Radical Jewish Series. TZA-CD-8147


Asaf Sirkis - Eyal Maoz - Elementary Dialogs


Composiciones: "Reggae" (3:49), "Foglah" (3:25), "Sparse" (6:19), "Strip" (5:34), "Duo" (3:08), "Kashmir" (4:16), "OK" (6:30), "Hole" (5:47), "Miniature" (3:57), "Esta" (4:40), "Shadows" (2:07)
Todos los temas compuestos por Eyal Maoz, salvo "Miniature" por Asaf Sirkis.


Músicos: Eyal Maoz (guitarra), Asaf Sirkis (batería)

Grabado en Eastcote Stdios, Londres, en enero de 2006. Publicado en 2009 por Ayler Records. AYLDL-104

Comentario: El guitarrista israelí Eyal Maoz publicó un par de CD en el pasado 2009. Poseedor de un "virtuosismo" sumamente versátil estilísticamente hablando y que recuerda poderosamente al de un genio de la guitarra como Marc Ribot, Maoz demuestra en estas dos grabaciones tener un enorme potencial como guitarrista. Tanto es así, que no resulta nada extraño que John Zorn le haya publicado ya un par de discos en Tzadik (el segundo uno de los comentados aquí, el fabuloso Hope and Destruction), o que haya contado con él para las últimas encarnaciones en directo de su proyecto Cobra.

Esas dos referencias son muy distintas entre sí. Elementary Dialogues (Ayler Records, disponible únicamente en descarga directa) es su segundo disco a dúo con el batería Asaf Sirkis, con quien le une una amistad que se remonta hasta su infancia. Maoz es el autor de todos los temas, salvo uno que está compuesto por Sirkis. A lo largo de las once composiciones ambos músicos trabajan dialogando sin descanso, llenando de sonidos casi todo el espacio de que disponen y ofreciendo una música que está llena de una energía que no decae, salvo en los temas finales en los que aunque el grupo baja la intensidad, logra mantener la atención del oyente.

Hope and Destruction, publicado en la "Radical Jewish Series" de Tzadik es muy diferente del anterior. Grabado por un cuarteto en el que está el magnífico teclista Brian Marsella, y una rítmica de lujo compuesta por Shanir Ezra Blumenkranz (que produce el disco) y Yuval Lion, estaría más próximo al concepto de un disco de rock que a uno de jazz, lo cual no supone ningún tipo de problema, sino todo lo contrario: no hay más que recordar proyectos como el Ceramic Dog Trio (con grabación en Pi Recordings) de Marc Ribot. En esta obra está presente de un modo más que evidente la influencia de la música judía en las composiciones de Maoz. Pegadizas y contagiosas, éstas son ejecutadas por un cuarteto que funciona a la perfección. Los solos de Maoz y Marsella aparecen perfectamente sostenidos por la rítmica de Blumenkranz y Lion. Las diez composiciones, todas ellas de Maoz, recorren un amplio abanico de estilos que desde esa visión personal que ofrece este grupo, van desde el metal progresivo a la música country pasando por momentos que podrían estar firmados por alguna gran banda de rock en un estilo clásico que retrotrae a los años 60. El resultado es un buen puñado de grandes temas, en uno de los discos más divertidos y adictivos, ¿qué importan las etiquetas?, de los últimos meses del pasado 2009.

Habrá que estar atento a la evolución de Eyal Maoz, y rezar para poder verlo en directo. ¿Alguien se anima a traerlo por estos lares?

Pachi Tapiz




Charlie Mariano con Philip Catherine and Jasper van’t Hof - The Great Concert


Composiciones: “Crystal Bells” (Charlie Mariano) 9:21, “The Quiet American” (Jasper van't Hof) 8:33, “Randy” (Charlie Mariano) 12:30, “Mute” (Jasper van't Hof) 10:48, “L'éternel decir” (Philip Catherine) 10:47.

Músicos: Charlie Mariano, saxofón alto; Philip Catherine, guitarra, Jasper van't Hof, piano.

Grabado el 2 de mayo de 2008 en Stuttgart, Alemania.
Enja Records, 2009. ENJ-9532 2

Comentario: Esta grabación, registrada en un concierto celebrado un año antes de la muerte de Charlie Mariano, transmite una vibrante sensación de complicidad entre estos tres músicos que allá por los setenta unieron sus esfuerzos en el grupo de fusión Pork Pie. Si bien el título del disco puede ser pretencioso, la música no lo es en ningún momento, destilando en este inusual trío de saxo, guitarra y piano una conversación relajada y de extraordinaria madurez. Aquí escuchamos a Mariano, a sus ochenta y cuatro años, imprimiéndole a su saxo ese toque feroz que siempre le caracterizó, a un Catherine más cálido de lo habitual y a un van’t Hof que sabe aglutinar el sonido del trío, aunque en algunas ocasiones su teclado puede pecar de efectista. En las seis interpretaciones abundan los solos y los pasajes a dúo destacando especialmente “Randy”, una cálida balada, y la melodiosa “Plum Island”, ambas de Charlie Mariano. Un muy buen concierto liderado por un músico que ya empezaba a despedirse de nosotros.

Sergio Zeni




Chris Cheek & Víctor Prieto - Rollo Coaster


Composiciones: “Bebe” (Hermeto Pascoal), “Coo” (Chris Cheek), “Rolocoster”, “Six Note Samba”, “Shelter” (Chris Cheek), “Chatting With Chris”, “Papa Pin”, “Rosa”, “Rio” (Wayne Shorter), “Los recuerdos”, “Improv I” (Chris Cheek & Victor Prieto) , “Improv II” (Chris Cheek & Victor Prieto) , “Improv III” (Chris Cheek & Victor Prieto), “Memories” (Mariano Gil)

Todos los temas compuestos por Víctor Prieto, excepto donde se indica.

Músicos: Chris Cheek (saxo soprano) y Víctor Prieto (acordeón).

Grabado el 21 y 22 de mayo de 2009 en Peter Karl Studios (Brooklyn, Nueva York).
Autoproducido.

Comentario: Por originalidad que no quede. En las últimas décadas el universo jazzístico ha contemplado todo tipo de colaboraciones entre distintos instrumentos, pero se hace difícil recordar un dúo de saxo y acordeón, más concretamente de saxo soprano y acordeón. Pues helo aquí, y no como simple anécdota. El acordeonista gallego Víctor Prieto, residente en Nueva York, se une al saxofonista Chris Cheek (ambos comenzaron a colaborar en el New York Jazz Tango Project de Emilio Solla) para ofrecernos un CD elegante e incisivo, cuyo título (Rollo Coaster) mezcla idiomas y conceptos: “Rollo” por el “buen rollo” español, “coaster” apelando a quien se mueve despacio y sin esfuerzo, y ambas recordando a un roller coaster, o lo que aquí llamamos “montaña rusa”.

El CD aborda seis originales de Prieto, dos de Cheek, tres versiones y tres improvisaciones libres. Aunque a veces el gallego utiliza su instrumento de forma percusiva, por lo general ambos intérpretes tocan de acuerdo a la ortodoxia, demostrando lo bien que funcionan juntas las dos tesituras. Prieto suena a bandoneón más de lo que suele, aportando un lirismo que contrasta con el espacio abierto que encuentra en las improvisaciones libres. Cheek mezcla un swing contagioso con un sonido más clásico, especialmente patente en su original “Shelter”.

Además de la autoedición de este CD, el dúo también ha publicado un DVD grabado en directo en Nueva York. Esperemos que consigan más trabajo y que podamos verles también por estos lares.

Arturo Mora




Clunia - 5


Composiciones: "boetius" (Nani García) 8:15, "historias de aves" (Baldo Martínez) 6:25, "round about f" (Nani García) 7:36, "ao redor do mundo" (Baldo Martínez) 8:13, "entre antares e arturo" (Baldo Martínez) 7:54, "por teléfono" (Nani García) 8:38, "caminando" (Fernando Llorca) 5:10


Músicos: Matthew Simon (trompeta), Roberto Somoza (saxos tenor y soprano), Nani García (piano), Baldo Martínez (contrabajo), Fernando Llorca (batería)


Grabado entre el 3 y el 5 de abril de 2009 en los estudios Bruar de A Coruña. Publicado por Xingra. Distribuido por Karonte. XC 0209 CD

Comentario: Catorce años hacía que no grababa Clunia, grupo histórico del jazz gallego y del jazz español, desde que publicasen en 1995 Carpediem. Han sido unos años de impasse para el grupo, durante el cual sus integrantes han ido desarrollando sus carreras individuales.

En 2009, tras retomar su actividad en directo como grupo, y con el añadido de dos nuevas incorporaciones (Matthew Simon a la trompeta y Roberto Somoza a los saxos soprano y tenor) a los tres componentes originales (Nani García al piano, Baldo Martínez al contrabajo y Fernando Llorca a la batería) Clunia retoma su carrera discográfica con su quinta grabación, con el título (no demasiado original) de 5.

Nani García, Baldo Martínez y Fernando Llorca (con tres, tres y una composición respectivamente) son los autores de los siete temas. Unas piezas muy cuidadas, elegantes y equilibradas, que resultan perfectas para la improvisación del quinteto. Entre todas ellas sobresalen las tres escritas por Baldo Martínez, ya que poseen el sello característico e inconfundible de las obras del contrabajista. El resultado final es que a pesar del tiempo transcurrido, o precisamente por ello, Clunia ha regresado a la actualidad discográfica con una de las mejores obras del jazz nacional del pasado 2009.

Pachi Tapiz