Jonathan Kreisberg - The South Of Everywhere


Composiciones: “The South Of Everywhere”, “Strange Resolution”, “Kiitos”, “Stella By Starlight” (Victor Young & Ned Washington), “Funeral For The Ants”, “Elena”, “Alter Ego”, “The Best Thing For You” (Irving Berlin)

Músicos: Jonathan Kreisberg (guitarra eléctrica), Will Vinson (saxo alto), Gary Versace (piano), Matt Penman (contrabajo) y Mark Ferber (batería).

Grabado en Water Music (Hoboken, Nueva Jersey), el 2 y 3 de abril de 2007.
Mel Bay 10452CD

Comentario: En la repleta categoría de la guitarra de jazz Jonathan Kreisberg es un fuera de serie. Oriundo de Brooklyn, compañero estilístico de otros talentos como Adam Rogers, Ben Monder o Lage Lund, Kreisberg es un heredero directo de John Abercrombie y del Pat Metheny más jazzero, no tan genial pero con una tendencia constante al reto y una perfección técnica muy poco común.

Gracias a esa destreza, las extrañas métricas que aborda y los desplazamientos rítmicos que tanto le gusta usar, su guitarra suena como si fuera de otro planeta. Ya lo deja claro desde los primeros compases de “The South Of Everywhere”, tema que abre y da título al CD objeto de esta crónica. En métrica de 5/4, camina con soltura y naturalidad, catapultado por la enérgica y a la vez elegante batería de Mark Ferber, y por el contundente y preciso contrabajo de Matt Penman. Algo similar ocurre en su revisión de “Stella By Starlight”, esta vez en 7/4, y en “Alter Ego”, donde una fuerte sensación de vaivén e indefinición rítmica no hace más que ocultar un simple compás de 4/4. “Kiitos” nos regala un unísono guitarra-saxo con una fuerte sensación de ausencia de tiempo. Kreisberg improvisa con una decisión fuera de lo común, gran sonido de guitarra (su elección habitual: una Gibson 175) y frases escalofriantes, estudiadas hasta la saciedad pero insertadas con gusto y sentido. Una de esas frases aparece en “Funeral For The Ants” (3’40”), un vals entre solemne y divertido que define el estilo compositivo del guitarrista.

Aun haciendo acopio de la mayor parte del espacio solista, el neoyorquino utiliza las improvisaciones de sus compañeros para crear contraste. Tanto Will Vinson al alto como Gary Versace al piano (suele tocar el órgano en uno de los tríos de Kreisberg) están a la altura del líder, complementándole con marcada solvencia. Cerrando el CD, y mostrando la estrecha relación que el guitarrista guarda con la tradición jazzística, “The Best Thing For You” camina de forma clásica, con swing y guardando modernas viandas en un viejo recipiente.

Arturo Mora Rioja




The Frame Quartet - 35mm


Composiciones: “Multi Chrome”, “Lens”, “M.E.S.”, “Theater Piece”, “Straw”.
Todas las composiciones por Ken Vandermark.

Músicos: Ken Vandermark (saxos tenor y clarinete), Fred Lonberg-Holm (cello y electrónica), Nate McBride (contrabajo, bajo eléctrico y electrónica), Tim Daisy (batería).

Grabado en Chicago, 29 de julio de 2009.

Okka Disk OD12078 (2009)

Comentario: Presentado como el más vanguardista de los proyectos recientes de Ken Vandermark, este primer trabajo de The Frame Quartet me parece que no ha quedado bien resuelto. Basado en material compuesto, tengo la impresión de que más que un proyecto bien concebido se trata de una especie de cajón de sastre en el que el de Chicago ha metido algunas de sus facetas más significativas, además de añadir alguna más novedosa. Por un lado, encontramos lo que podría ser material “sobrante” de formaciones como Vandermark 5, con esos patrones rítmicos del tenor que tanto caracterizan su sonido, pero que, al menos a mí personalmente, acaban por cansarme un poco. Por otro lado, tenemos un material musical de indisimulada estética contemporánea, que es donde a mi entender ocurren las mejores cosas, especialmente por parte de las cuerdas de Lonberg-Holm y McBride. Por ejemplo, la parte final de “Lens”, o el solo de Lonberg-Holm en “Theater Piece”.

También encontramos, en algunos momentos, un tipo de electrónica que si bien no es ruidista, sí emplea el ruido como materia prima. De nuevo, vuelven a ser Lonberg-Holm y McBride los encargados de la electrónica. Y, además de todo esto, también tenemos alguna derivación hacia el rock experimental, o hacia el post-rock. Estupenda, en este sentido, la última “Straw”, con esa línea inicial obsesiva, fuerte y descarnada.

A priori, pues, podríamos estar hablando ahora mismo y con estos mismos mimbres que hemos mencionado, de un trabajo plenamente acertado, arriesgado y abierto. Pero no es así debido, principalmente, a ese aspecto ya apuntado de falta de organicidad, que hace que uno tenga la sensación de estar ante algo demasiado circunstancial. Es cierto que, como sugiere el título del disco, hay algo de cinematográfico en esa idea de bloques, pero, en este caso, no me parece logrado ni motivo suficiente como para disculpar o comprender el resultado final. Con todo, 35mm contiene pasajes realmente buenos, lo que permite pensar que en el futuro The Frame Quartet puede subsanar sus actuales insuficiencias.

Jack Torrance




Abdullah Ibrahim - Bombella


Composiciones: “Green Kalahari”, “Song For Sathima”, “Mandela”, “District Six (Trance Circle Dance)”, “Bombella”, “Meditation – Joan Capetown Flower (Emerald Bay)”, “I Mean You / For Monk” (Thelonious Monk / Abdullah Ibrahim), “For Lawrence Brown (Remembrance)”, “Excursions (Masters And Muses)”, “African River”

Todas las composiciones por Abdullah Ibrahim, excepto donde se indica.

Músicos: Abdullah Ibrahim (piano), Andy Haderer, Wim Both, Rob Bruynen, John Marshall y Klaus Osterloh (trompeta), Ludwig Nuss, Dave Horler y Bernt Laukamp (trombón), Mattis Cederberg (trombón bajo), Heiner Wiberny y Karolina Strassmayer (saxo alto, flauta y clarinete), Olivier Peters y Paul Heller (saxo tenor, flauta y clarinete), Jens Neufang (saxo barítono, flauta y clarinete), Paul Shigihara (guitarra eléctrica), John Goldsby (bajo), Hans Dekker (batería) y Steve Gray (arreglos y dirección).

Grabado entre el 31 de marzo y el 4 de abril de 2008 en WDR Studio 4 (Colonia, Alemania).
Intuition 3430 2

Comentario: Tras el éxito de su Senzo a piano solo, el sudafricano Abdullah Ibrahim investiga el polo opuesto en Bombella, sú último trabajo discográfico. Para ello se arropa de la WDR Big Band de Colonia (Alemania) que, bajo la dirección y los arreglos del pianista inglés Steve Gray, fallecido casi seis meses después de la grabación, aborda una interminable colección de originales (más de 74 minutos) donde también tiene cabida el “I Mean You” de Thelonious Monk.

Las sonoridades que Gray extrae de la big band son dulces y serenas, con destacada presencia de flautas, clarinetes y timbres suaves, provocando contextos relajados (“Song For Sathima”) o naíf, como en la primera parte de “District Six” (que acaba de forma solemne) o en el shuffle de “Mandela”. A veces swingan de forma contagiosa (“Excursions”). Ibrahim deja mucho espacio al resto de músicos, difuminándose en el arreglo y brillando en las introducciones a piano solo (“Green Kalahari”, “Meditation”, “For Monk”, “African River”). En varios momentos la grabación parece ser un homenaje a las composiciones de Ibrahim en la que, casualmente, aparece el propio pianista.

“Bombella” es el nombre del tren que transportaba a los trabajadores a las minas de oro sudafricanas. En el CD encontramos oro mezclado con otros minerales, generalmente de calidad pero, sobre todo, en cantidad abundante.

Arturo Mora Rioja




The Dave Rempis Percussion Quartet - The Dissapointment of Parsley


Composiciones: “The Dissapointment of Parsley”, “Zoni”, “C / Sold at a Ten Percent Discount”.
Todas las composiciones por Rempis, Hatwich, Daisy y Rosaly, excepto “C”, de Julius Hemphill.

Músicos: Dave Rempis (saxos alto y tenor), Anton Hatwich (contrabajo), Tim Daisy y Frank Rosaly (percusión).

Grabado en Cracovia (Polonia), 6 de abril de 2008.
Not Two Records MW 811-2 (2009)

Comentario: Estupenda y fogosa sesión de free bop registrada en el ya famoso club Alchemia de la ciudad polaca de Cracovia. Una sesión con regusto a esos clásicos del free musculoso y lleno de vigor de los 60 y 70, pero realizada con convicción y fuerza, sin tratar de emular y sin adulterar, sino tratando de encontrar un espacio propio en ese difícil campo de batalla.

Cuarto trabajo de la formación, y como el anterior Hunter-Gatherers (2007), también grabado en vivo, The Dissapointment of Parsley se presenta como la confirmación de este proyecto nada pretencioso y que tiene buena parte de su gracia en un par de sencillas ideas. Una, la de recuperar el temperamento y la fluidez de esas clásicas sesiones de free-jazz que ya hemos mencionado. Y dos, la de emplear dos baterías, haciéndolas jugar, a veces abajo y otras arriba, lo que da una especie de suspensión al conjunto. Hay, además, un fructífero diálogo entre formas blues y unos elementos rítmicos muy libres y variados, que pueden ir desde lo afro-americano a lo más experimental. Y, finalmente, hay también ese trabajo especial con la instrumentación que fue el marchamo de muchas formaciones de aquellos años. Una cierta vuelta a lo básico, parece que reflejan.

El primer tema, “The Dissapointment of Parsley”, es bien representativo de lo que acabamos de decir. Un tema largo y feroz en el que Rempis muestra su impecable saxofonismo en lides como esta. Por otra parte, aparece también una de las características de este juego con doble batería, que es la de que en muchos momentos una de ellas se libera para actuar como solista, con frecuencia hasta con cierto sentido melódico. El segundo corte, “Zoni”, está dedicado a la abuela de Rempis, fallecida poco antes de la grabación de este disco, y que el saxofonista presenta como una “balada”, aunque eso habría que hablarlo. Se trata de una pieza muy reflexiva, que durante la primera mitad ocupa el saxo tenor en solitario, añadiéndose paulatinamente a partir de entonces el contrabajo con arco y unas percusiones muy delicadas y extrañas. Curiosamente, tiene este tema una cierta pulsión sexual. El disco concluye con el tema más largo, que funde las piezas “C” de Julius Hemphill y el original “Sold at a Ten Percent Discount”, en parte declaración de principios y en parte exposición perfecta de todo lo apuntado, de la fuerza y el buen drive del cuarteto.

Un trabajo sencillo, sin pretensiones, y particularmente bien realizado.

Jack Torrance




Lucien Dubuis Trio & Marc Ribot - Ultime Cosmos


Composiciones: "Ultime Cosmos" (Lucien Dubuis), "Bal Les Masques" (Lucien Dubuis), "Echo Noire" (Lucien Dubuis), "Ayarashiki" (Lucien Dubuis), "Future Rock 1" (Lucien Dubuis Trio & Marc Ribot), "Djidjzd" (Lucien Dubuis), "Space Invaders" (Lucien Dubuis), "La Danse Des Machines" (Lucien Dubuis), "Future Rock 2" (Lucien Dubuis Trio & Marc Ribot), "Insomnie" (Lucien Dubuis), "Shit Love" (Lucien Dubuis), "Do You Know the Way To My Home" (Roman Nowka).

Músicos: Lucien Dubuis (saxo alto y clarinete bajo), Marc Ribot (guitarra), Roman Nowka (bajo, guitarra y voz), Lionel Friedli (batería).

Grabado en Nueva York.
Enja 9540-2

Comentario: Después de tocar juntos en numersas ocasiones el trío de Lucien Dubuis y Marc Ribot presentan esta estupenda muestra de su trabajo en una edición en CD + DVD *.
Quienes no hayan escuchado a Dubuis, Nowka y Friedli en Tovorak (2005) o Le Retour (2007), tienen ahora una excelente oportunidad para acercarse al sonido desenfadado, aguerrido y directo de este trío suizo, al que le han señalado diversas influencias desde el punk rock, el pop o el free jazz, pero que exhibe una personalidad propia, con ideas muy claras, frescas y sencillas. La guitarra de Ribot engarza a la perfección con el perfil del grupo como puede escucharse desde el primer corte, la demoledora “Ultime Cosmos”

En un recorrido algo irregular, merecen especial atención composiciones como la alucinógena "Bal les Masques" o las potentes "Ayarashiki", "Djidzo" y "La Danse des Machines". A destacar la dirección de Cyril Gfeller en "Second Take" -el making of incluido en el DVD- con un lenguaje fílmico en óptima sintonía con la música de la banda.
Quizá no estemos ante el disco del año pero su escucha es muy recomendable.

* Trailer de Ultime Cosmos
http://www.youtube.com/watch?v=7h5gKdAYpG0&feature=PlayList&p=664546B533AFF6DC&playnext_from=PL&playnext=1&index=2

Sergio Zeni




Trio 3 + Irene Schweizer - Berne Concert


Composiciones: "Flow" (Lake), "R.I. Exchange 1" (Schweizer, Workman), "Aubade" (Cyrille), "Phrases" (Schweizer, Lake), "Ballad of the Silf" (Workman), "Timbral Interplay" (Schweizer, Cyrille), "WSLC" (Workman, Schweizer, Lake, Cyrille)

Músicos: Irene Schweizer (piano), Reggie Workman (contrabajo), Andrew Cyrille (batería), Oliver Lake (saxo alto)

Grabado el 23 de noviembre en Taktlos, Berna (Suiza), salvo "R.I. Exchange 1" grabado el 24 de noviembre de 2007 en Unerhört!, Rote Fabrik, Zurich (Suiza). Publicado en 2009 por Intakt. Intakt CD 150


Trio 3 + Geri Allen - At This Time


Composiciones: "Swamini (for Alice Coltrane)" (Geri Allen), "Gazzeloni" (Eric Dolphy), "For Patrick L." (Allen, Lake, Workman, Cyrille), "All Net" (Oliver Lake), "Current" (Reggie Workman), "Lake's Jump" (Curtis Clark), "Long Melody" (Oliver Lake), "Tey" (Andrew Cyrille), "Barbara's Rainbow" (Allen, Lake, Workman, Cyrille), "In the Realm... of the Child... of True Humanity Within (Gospel of Mary)" (Geri Allen)

Músicos: Geri Allen (piano), Reggie Workman (contrabajo), Andrew Cyrille (batería), Oliver Lake (saxo alto y flauta)

Grabado el 29 y 30 de agosto de 2008 en Studio Peter Karl, Brooklyn, New York, USA. Publicado en 2009 por Intakt. Intakt CD 162

Comentario: El grupo de veteranos Trio 3 (o lo que es lo mismo Reggie Workman -contrabajo, 1937-, Andrew Cyrille -batería, 1939- y Oliver Lake -saxo alto y flauta, 1944), no sólo continúa en activo, sino que en 2009 nos ha obsequiado con dos magníficos CD en el sello suizo Intakt. Completando la formación hasta el cuarteto, en ambas grabaciones encontramos a estos tres históricos acompañados por dos pianistas de altura: en Berne Concert (Intakt CD 150) la invitada es la suiza Irene Schweizer, mientras que la norteamericana Geri Allen lo es en At This Time (Intakt CD 162).

Grabados respectivamente en directo en noviembre de 2007, y en estudio en agosto de 2008, cada uno de ellos muestra la magnífica simbiosis que se produce entre el trío y ambas invitadas. Con una propuesta eminentemente libre (a pesar de que la mayoría de los temas están firmados individualmente por alguno de los músicos), ambos CD adoptan enfoques diferentes: en el de Allen, como no podría ser de otro modo y a pesar del salto generacional, hay un mayor acercamiento a la tradición norteamericana -blues y hard-bop mediante-, mientras que en el de Schweizer (pianista perteneciente a la misma generación que el trío) predomina un cierto carácter que aunque abstracto, está preñado de composiciones instantáneas, especialmente en los intercambios a dúo con sus tres compañeros o en la improvisación del cuarteto con que finaliza el CD. En cualquier caso a pesar de esas diferencias, o precisamente por ellas, ambas grabaciones son más que recomendables.

Pachi Tapiz




Tony Malaby's Apparitions - Voladores


Composiciones: "Homogenous Emotions" (Ornette Coleman), "Old Smokey", "Dreamy Drunk", "Can't Sleep" (improvisación por Apparitions), "Sour Diesel", "Los Voladores", "Are You Sure?" (improvisación por Apparitions), "YeSsssssss" (improvisación por Apparitions), "Wake Up, Smell The Sumatra", "East Bay", "Lilas".
Toda la música por Tony Malaby, excepto en los temas indicados.

Músicos: Tony Malaby (saxos soprano y tenor), Drew Gress (contrabajo), Tom Rainey (batería), John Hollenbeck (batería, percusión, marimba, vibráfono, xilofón, melódica, glockenspiel y pequeños objetos de cocina).

Grabado el 30 de junio de 2009 en Systems Two Recordings, Brooklyn, New York. Publicado en 2009 por Clean Feed Records. CF165CD

Comentario: En la carrera de Tony Malaby hay dos caras. Por una parte la del sideman, ese saxofonista que participa en múltiples grupos y que aparece en gran cantidad grabaciones. En el otro lado está la del líder, con una carrera que si bien va poquito a poco (Voladores es la séptima grabación a su nombre), cuando lo hace, da pasos de gigante. En 2009 los dos que ha dado (el otro es Paloma Recio) son enormes. Para Voladores, su grabación en Clean Feed y segunda de la formación Apparitions, aparecen convocados tres pesos pesados. Repiten el enorme Drew Gress al contrabajo y Tom Rainey a la batería. Respecto de la primera grabación homónima del grupo fechada en 2003, Michael Sarin es sustituido por John Hollenbeck, que a la batería añade otros instrumentos percusivos como marimba, xilofón, vibráfono o glockenspiel, así como melódica. En los once temas (siete de Malaby, tres improvisaciones del cuarteto, y "Homogenous Emotions", un tema inédito en forma de grabación de Ornette Coleman) Tony Malaby logra plantear unos temas de estructuras abiertas y espaciosas, perfectos para las improvisaciones del cuarteto que los llena de detalles, y en los que el grupo logra mantener la tensión desde el principio hasta el final. Aunque es un placer disfrutar con el trabajo de los cuatro músicos (tanto al frente en forma de solos o dúos, como en un segundo plano en un trabajo que no por menos callado es menos importante), lo es especialmente con Malaby (que está particularmente incisivo en ciertos momentos), y con Drew Gress, que se luce a las cuatro cuerdas y también con el arco.

Pachi Tapiz




Jorrit Dijkstra - Pillow Circles


Composiciones: "Pillow Circle 34" (For Henry Threadgill), "Pillow Circle 41" (For Benoit Delbecq), "Pillow Circle 18" (For Fred Frith), "Pillow Circle 55" (For George Lewis), "Pillow Circle 65" (For Rogier Van Otterloo), "Pillow Circle 88" (For Robert Ashley), "Pillow Circle 19" (For Ernie Henry), "Pillow Circle 10" (For Michel Waisvisz), "Pillow Circle 23" (For Jonny Greenwood)
Todos los temas compuestos por Jorrit Dijkstra.

Músicos: Jorrit Dijkstra (saxo alto, lyricon, sintetizador analógico, crackle box), Tony Malaby (saxos tenor y soprano), Jeb Bishop (trombón), Oene van Geel (viola), Paul Pallesen (guitarra, banjo), Raphael Vanoli (guitarra), Jason Roebke (contrabajo, crackle box), Frank Rosaly (batería, percusión, crackle box)

Grabado el 12 de julio de 2009 en PowerSound, Amsterdam. Publicado en 2010 por Clean Feed Records. CD160CD

Comentario: De homenajes en esencia sin perder la identidad. De clásicos del jazz, compositores contemporáneos, grupos de pop o músicos de vanguardia. Esos son algunos de los homenajeados por Jorrit Dijkstra con sus "Pillow Circle". Compuestas por encargo del North Sea Jazz Festival y el Muziek Centrum Nederland, Pillow Circles se estrenó en la edición de 2009 del festival holandés. Su música se mueve por los terrenos de ese jazz contemporáneo que no echa demasiado la vista atrás, que se abre a inspiraciones ajenas al jazz, y en el que son tan importantes las composiciones (que se inspiran magníficamente en la obra de los homenajeados), como los solos. A lo largo del disco no sorprenden las participaciones de Tony Malaby o Jeb Bishop, que están en un momento magnífico. No se puede decir lo mismo (en cuanto a la falta de sorpresa, no de la calidad), de Oene van Geel con la viola. Un instrumento no demasiado habitual en el jazz, y que aporta una sonoridad magnífica.

Escuchando obras como ésta surgen varias preguntas. La primera de todas es por qué las creaciones por encargo de los festivales no son algo más frecuente en nuestro país. La segunda, por qué es tan difícil encontrar a músicos nacionales que se atrevan a realizar su trabajo partiendo de tradiciones como las que utiliza Jorrit Dijkstra. Y para finalizar, si sería posible que las discográficas nacionales hiciesen un hueco a propuestas como ésta o similares.

Pachi Tapiz




Free Unfold Trio - Ballades


Composiciones: 1 - 2 "Au départ, les oisseaux puis" 16:09, 3 - 4 "Seulement l'air" 12:31
Toda la música por Benjamin Duboc, Didier Lasserre y Jobic Le Masson

Músicos: Jobic Le Masson (piano), Didier Lasserre (batería), Benjamin Duboc (contrabajo)

Grabado el 9 de julio de 2009 en Gaël Mevel's, Abbéville-la-Rivière, Francia. Publicado en 2009 por Ayler Records. AYLCD-092

Comentario: Ballades. Uno de los discos más breves que he escuchado en bastante tiempo: apenas supera los 28 minutos de duración. Su inicio está lleno de espacios amplios que permiten el transcurrir de las notas tranquilamente, sin prisas. Libre e improvisado, con espacio para que el piano teja sus líneas con gran amplitud, apoyado suavemente por las escobillas o por el trabajo sobre los platos, "Au départ, les oisseaux", muestra una música que no oculta cierta oscuridad en su lirismo. La primera parte de "Seulement l'air" comienza distinta. El contrabajo y los platos toman el mando. Hay algo más de nervio y de intensidad que se contagia al piano, pero sin perder por ello el carácter de balada. Ensoñadora y melódica, a la vez que amplia y oscura, la música que ocupa los cinco minutos de la segunda parte de "Seulement l'air" son un ejemplo magnífico de que son posibles otros acercamientos a una música que si bien en ningún momento renuncia a su carácter libre e improvisado, tampoco renuncia a su forma de entender el género de las baladas.

Pachi Tapiz




Aki Takase / Louis Sclavis - Yokohama


Composiciones: "Preface" (Takase / Sclavis) 2:17, "Shower" (Takase / Sclavis) 2:03, "Kawaraban" (Takase) 3:20, "Bella Lux" (Takase / Sclavis) 2:36, "VOL" (Sclavis) 5:05, "Ligne de fuite" (Sclavis) 6:49, "Contre contre" (Sclavis) 4:54, "Yokohama" (Takase) 5:03, "Le temps d'après" (Sclavis) 7:54, "Kurofune" (Takase) 3:17, "Raw Silk" (Takase) 6:12, "Windhoek Suite" (Sclavis) 4:51, "Buen Apetito" (Takase) 3:49

Músicos: Aki Takase (piano), Louis Sclavis (clarinete, clarinete bajo, saxo soprano)

Grabado el 19 y 20 de febrero de 2009 en el SWR-Studio, Baden Baden, Alemania. Publicado en 2009 por Intakt Records. Intakt CD 165

Comentario: Louis Sclavis y Aki Takase. Dos músicos con sus universos particulares. Sclavis y sus músicas, sus creaciones de raíz eminentemente europea. Takase, pianista capaz de afrontar en sus proyectos tanto las músicas de Ornette Coleman como las de Fats Waller, o zambullirse sin más en lo más granado de los standards. Y sin embargo en Yokohama ambos se mueven por un terreno común, lindante con el de la improvisación, en el que ambos han dejado tantas veces muestras de su buen hacer.

A lo largo de trece temas, para algo menos de una hora, y especialmente al inicio, surgen pasajes juguetones que buscan la complicidad. Unos temas improvisados por ambos que actúan como si fueran una primera toma de contacto, un saludo, un saber por dónde y cómo se puede caminar con el compañero. Después cada uno va realizando sus aportaciones. Sclavis tanto con sus composiciones marcadamente líricas o de aromas folklóricos tan características de su obra, como con otros temas que a veces son abstractos y espaciosos, mientras que en otras ocasiones son sumamente energéticos. Takase también demuestra que tienes muchas caras. Lo mismo puede ser nerviosa, intensa o sumamente percusiva empleándose sobre las cuerdas del piano, que en otros momentos volverse sutil, tranquila, animada o muy melódica. Yokohama, o el encuentro entre dos maestros en territorios comunes.

Pachi Tapiz




Varios Autores - Art·I·Facts. Great Performances From 40 Years of Jazz At NEC.


New England Conservatory. NEC2009JZ40

Comentario: El pasado 2009 se cumplió el 40 aniversario de la especialidad en Jazz del New England Conservatory. Fue en su centenario, en 1967, cuando el músico y teórico del jazz Gunther Schuller, presidente recién elegido del conservatorio, impulsó la creación de los estudios de jazz en el seno de esta institución centenaria, que se pusieron en marcha dos años después. A lo largo de estos años la nómina de músicos y profesores que han pasado por sus aulas es impresionante: Gunther Schuller, Joe Maneri, Dave Holland, Dave Douglas, Regina Carter, Don Byron, Fred Hersch, Cuong Vu, Marylyn Crispell, Marty Ehrlich, Ran Blake, Bob Brookmeyer, George Russell, Jimmy Giuffre, Steve Lacy, George Garzone...

Con motivo de este aniversario se publica Art·I·Facts. Un CD que recoge una recopilación de temas grabados en esta institución. Afortunadamente, al contrario de lo que ocurre en otras recopilaciones de instituciones educativas similares, ni lo publicado consiste en el correspondiente concierto conmemorativo, ni los protagonistas principales son los alumnos sino los profesores. Así hay un par de joyas como son sendas versiones de un clásico intemporal como "'Round Midnight" interpretadas por dos pianistas tan distintos como Jaki Byard (1975) y Ran Blake (2004). Las música de Thelonious Monk aparece en otro tema más, con una interpretación de "Thelonious" en 2002 por Steve Lacy (el mayor experto en la reinterpretación de la música de Monk) al saxo soprano y en solitario: como todas sus aproximaciones a ese legado, resulta imprescindible. Joe Maneri, un ilustre que nos dejaba el pasado año, fue profesor en este conservatorio a principios de la década de los 70, invitado por Gunther Schuller. El CD incluye la grabación de un tema tradicional griego ("Zeibekiko") en 1976, mostrando al clarinetista en una de sus facetas, la de la aproximación a la música folklórica. Gunther Schuller tiene el honor de abrir y cerrar la recopilación dirigiendo sendas formaciones (la Duke Ellington Repertory Orchestra en 1973 y el NEC Ragtime Ensemble en 1973) que revisitan el "Cottontail" ellingtoniano y "Mapple Leaf Rag", el clásico de Scott Joplin. El compositor y teórico del jazz George Russell y el trombonista Bob Brookmeyer aparecen en compañía de la NEC Jazz Orchestra interpretando sendas composiciones propias. Schuller con la pieza en tres movimientos "All About Rosie" (1990), mientras que Brookmeyer lo hace con "Cameo" (2005). John Garzone también tiene su protagonismo con una versión del clásico coltraneano "India" (2007) en trío, acompañado por John Lockwood y Bob Moses. Son sólo algunos de los momentos de un CD que es bastante más que una simple recopilación.

Pachi Tapiz




Hamid Drake & Bindu - Reggaeology


Composiciones: Hamid Drake (batería, panderos, tabla, voz), Napoléon Maddox (voz, beatbox), Jeff Parker (guitarra), Jeff Albert (trombón, órgano Hammond), Jeb Bishop (trombón), Josh Abrams (contrabajo, guembri)

Músicos: "Kali's Children No Cry" (19:23) (H. Drake), "Hymn of Solidarity" (7:25) (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "Kali Dub" (7:12) (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "The Taste of Radha's Love" (9:52) (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "Togetherness (7:07)" (Drake, Maddox, Parker, Albert, Bishop, Abrams), "Meeting and Parting" (13:07) (H. Drake), "Take Us Home" (4:03) (H. Drake)

Grabado entre el 6 y el 8 de mayo de 2009 en Soma Electronic Studios (Chicago, Illinois, USA), salvo "Take Us Home", grabada el 28 de julio de 2009 en The Sape Shoppe Studio (Chicago, Illinois, USA). Publicado en 2010 por RogueArt. ROG-0021

Comentario: Efectivamente, el nombre no engaña. Hamid Drake, en la tercera entrega a nombre del colectivo Bindu, ha publicado un disco de reggae, que a su vez es un disco de jazz, y que posiblemente para algunos puristas no se quede ni en un terreno ni en otro. Lo cual, visto de otra manera, podría no ser otra cosa que transitar por el camino de la Great Black Music. En definitiva, no hay ningún problema con esta propuesta. En absoluto. Si de algo puede presumir Hamid Drake es de su tremenda versatilidad polirrítmica, gracias a la cual es un batería requerido para multitud de proyectos: no hay más que echar un vistazo tanto a su discografía, como a los grupos en los que ha participado como sideman.

En esta ocasión Bindu se reencarna con una formación en la que participan primeros pesos de la escena de Chicago: Jeff Parker, Jeb Bishop y Josh Abrams son tres de ellos. Y aunque lo suyo es caminar con ritmos reggae, no hay más que observar las duraciones de los temas para caer en la cuenta que allí hay mucho espacio para unas improvisaciones en las que prima el carácter melódico: "Kali's Children No Cry", la joya del disco con una sucesión de solos soberbios, dura casi veinte minutos. En manos de unos músicos de primera y con suficiente tiempo para realizar la grabación (tres días en el estudio), el resultado es una pequeña fiesta y una magnífica constatación, una más, de que en esto del jazz más importante que la materia prima de la que se parte, lo son el papel de los músicos y las ideas con que pueden enriquecer ese material básico. Y ya comenzamos con uno de esos CD candidato a disco del año. Lástima que doce meses sean tan largos y al final prime la proximidad en el tiempo sobre los posos que quedan en la memoria.

Pachi Tapiz




The Ullmann - Swell 4 - News? No News!


Composiciones: "More Hello" (Swell) 5:18, "New York 5:50" (Ullmann) 7:04, "Composite #1" (Swell) 9:46, "Kleine Figuren #2" (Ullmann) 5:23, "Planet Hoping On A Thursday Afternoon" (Swell) 7:03, "GPS #1" (Ullmann / Swell / Greene / Altschul) 5:27, "News? No News" (Ullmann) 7:58, "GPS #2" (Ullmann / Swell / Greene / Altschul) 3:27, "Berlin 9:35" (Ullmann) 7:58, "Airtight" (Swell) 10:01

Músicos: Gebhard Ullmann (saxo tenor, clarinete bajo), Steve Swell (trombón), Hilliard Greene (contrabajo), Barry Altschul (batería)

Jazzwerkstatt 068, 2010.

Comentario: Tras estrenarse en CIMP con la grabación homónima, The Ullmann - Swell 4, el grupo liderado por el saxofonista alemán Gebhard Ullmann y el trombonista americano Steve Swell publica su segunda grabación titulada News? No News! en el sello alemán Jazzwerkstatt. Acompañados por una rítmica de lujo (el contrabajista Hilliard Greene y el batería Barry Altschul), los dos titulares se reparten las composiciones: cuatro son firmadas por cada uno de ellos, mientras que las dos restantes ("GPS #1" y "GPS #2"), son improvisaciones del cuarteto.

La asociación de ambos líderes resulta idónea. Tanto Swell como Ullmann se mueven habitualmente por los terrenos del jazz y la improvisación, unos territorios que no abandonan en esta ocasión. Por un lado están las composiciones, con muestras magníficas como "New York 5:50", "Berlin 9:35" (ambas de Ullmann), "Planet Hopping On A Thursday Afternoon" y esa especie de collage que es "Composite #1" (ambas de Swell), que sirven para plantear un marco en el que los cuatro músicos pueden improvisar con mucha libertad, pero a la vez con un swing enorme gracias al trabajo de Greene y Altschul, que mantienen (y de qué modo, escúchese la citada "Planet Hopping..."), la coherencia que requieren esas composiciones. Su variedad, así como la ejecución, hacen de éste otro disco magnífico de esos grandes músicos que son Gebhard Ullmann y Steve Swell.

Pachi Tapiz




Sylvie Courvoisier - Mark Feldman Quartet - To Fly to Steal


Composiciones: 1.-"Messianesque" (Sylvie Courvoisier) 5:52; 2.-"Whispering Glades" (Courvoisier, Feldman, Morgan, Hemingway) 8:34; 3.-"The Good Life" (Mark Feldman) 10:23; 4.-"Five Senses of Keen" (Mark Feldman) 12:13; 5.-"Fire, Fist and Bestial Wail" (Courvoisier, Feldman, Morgan, Hemingway) 9:44; 6.-"Coastlines" (Courvoisier, Feldman, Morgan, Hemingway) 5:29; 7.-"To Fly to Steal" (Sylvie Courvoisier) 10:58

Músicos: Sylvie Courvoisier (piano), Mark Feldman (violín), Thomas Morgan (contrabajo), Gerry Hemingway (batería)

Grabado el 23 de julio de 2009 en Sear Sound Studio, Nueva York. Publicado en 2010 por Intakt Records. Intakt CD 168

Comentario: Si hay un violinista imprescindible en el jazz y la música improvisada durante las últimas décadas, ese es Mark Feldman. Por su parte, Sylvie Courvoisier es una pianista sumamente interesante, cuya carrera es posible que no llame demasiado la atención del gran público, a pesar de haber grabado a su nombre en sellos como Tzadik, Intakt o ECM. Ambos músicos están felizmente casados, y desde hace unos años es un hecho más que frecuente el escucharlos juntos tanto en conciertos como en grabaciones.

To Fly to Steal es un gran paso hacia adelante en su carrera y sirve para presentar su nuevo cuarteto que completan el batería Gerry Hemingway y el contrabajista Thomas Morgan. Publicado en el sello suizo Intakt, sus siete piezas ofrecen un abanico de composiciones muy variado, en las que aparecen influencias que van de la música clásica contemporánea ("Messianesque"), al be-bop y la improvisación libre (ambas en "The Good Life"), e incluso hasta recogen unos ciertos aires folklóricos ("Fire, Fist and Bestial Wail"). Estos elementos son etiquetas que simplemente intentan situar de algún modo la música allí contenida, ya que la grandeza de este trabajo va más allá de todas ellas. Ésta consiste en que los músicos tienen el arte para dejar unos amplios espacios en los que tanto la música como sus compañeros respiran y pueden expresarse con total libertad.

Feldman y Courvoisier son quienes aparecen en primera línea. Este hecho aparece acentuado por la propia naturaleza del sonido del contrabajo, y también porque aunque Gerry Hemingway no para en un sólo instante, trabaja a lo largo de la grabación con unos parches que presentan un sonido amortiguado. Sin embargo tanto Hemingway como Thomas Morgan resultan imprescindibles. Son el cemento que permite que las improvisaciones de los cuatro músicos mantengan su coherencia dentro de la estructura de los temas. Estos no podrían presentar una mayor variedad en cuanto a su autoría. Courvoisier y Feldman firman dos cada uno, mientras que los tres restantes son improvisaciones del cuarteto. Una agrupación en la que a pesar de que los cuatro músicos están inmensos, sobresale especialmente el violinista Mark Feldman. Sin embargo, no voy a dejar de citar las deliciosas cascadas de notas con las que Courvoisier acostumbra a acompañar a su compañero en el final de sus improvisaciones. Pero volviendo al trabajo del violinista, técnicamente su sonido presenta una nitidez increíble, incluso en los pasajes más rápidos. Más allá de la pura ejecución, se mueve con una soltura pasmosa en situaciones de lo más diverso. De esa manera, lo mismo es capaz de construir un solo lleno de swing con una lógica aplastante en "The Good Life" (quizás el momento cumbre del disco y posiblemente uno de los mejores solos de Feldman), moverse por terrenos cercanos a la clásica contemporánea, o componer instantáneamente unas melodías de una belleza desarmante.

Pachi Tapiz




Scott Fields Ensemble - Fugu


Composiciones: Scott Fields (guitarra de cuerdas de nylon), Geoff Brady (percusión), John Padden (contrabajo), Robert Stright (vibráfono), Matt Turner (violonchelo).

Músicos: 1.- "Poem for Joseph" (7:46); 2.- "The Big Mango" (11:34); 3.- "The Plagiarist" (6:51); 4.- "A Carrot Is a Carrot" (18:46); 5.- "Fugu" (9:27).
Todas las composiciones por Scott Fields.

Grabado en la primavera de 1995 en Smart Studios, Madison, Wisconsin. Reeditado en 2010 por Clean Feed. CF171CD

Comentario: Fugu es uno de los primeros trabajos grabados por Scott Fields a su nombre. Fue Publicado en su momento en Geode Records, la discográfica del propio Fields, para desaparecer posteriormente del mapa. Tal y como ha ocurrido en alguna otra ocasión puntual, el sello portugués Clean Feed lo ha puesto de nuevo en circulación.

Los cinco temas de Fields, que aparecen acompañados de unas liner notes que en su intento de ser graciosas no tardan nada de pasar a ser un tanto pesadas, permiten disfrutar del magnífico trabajo del guitarrista tanto en la composición como en los arreglos. A pesar del aire camerístico de los temas (a lo que ayuda la presencia de tres instrumentos de cuerda, con el violonchelo tomando un papel preponderante a lo largo de toda la grabación y con Fields aplicándose en la guitarra eléctrica con cuerdas de nylon), en ellos hay espacio abundante para unas improvisaciones y unas interacciones magníficas por parte de los cuatro músicos. En grabaciones de tal nivel es difícil señalar algún tema en particular, aunque si tuviera que elegir alguno bien podría ser el que da título a la grabación, "The Plagiarist" que es donde se alcanza la máxima tensión del disco, o "A Carrot Is a Carrot", el más extenso y con aire un tanto melancólico.

Fugu es un nuevo acierto de Clean Feed. En este caso no por el camino de las novedades, sino por el de las reediciones. Es todo un placer poder disfrutar de pequeños tesoros escondidos, hasta ahora, como éste.

Pachi Tapiz




Omri Ziegele Where's Africa Trio - Can Walk On Sand


Composiciones: "It's about Time" (Omri Ziegele) 8:03, "Tyntiana" (Dollar Brand) 3:38, "Giggin" (Ornette Coleman) 0:39, "Soul Eyes" (Mal Waldron) 8:48, "Butch & Butch" (Oliver Nelson), "Andromeda" (Chris McGregor) 2:33, "Can Walk on Sand" (Omri Ziegele) 6:58, "Rare Bird" (Omri Ziegele) 3:59, "Summertime" (George Gershwin) 4:19, "Ithi Gqi" (Johnny Dyani) 3:19, "Mbiza" (Johnny Dyani) 5:00

Músicos: Omri Ziegele (saxo alto, voz), Irène Schweizer (piano), Makaya Ntshoko (batería). Invitado: Jürg Wickihalder (saxos alto y soprano en "Can Walk on Sand", "Ithi Gqi" y "Mbiza")

Grabado el 30 de junio y el 1 de julio de 2009 por Schweizer Radio DRS, Radiostudio Zurich, Suiza. Publicado en 2009 por Intakt Records. Intakt CD 167.

Comentario: Por si alguien se quedó con la duda tras Where's Africa (2004, Intakt CD 098), en Can Walk On Sand nos encontramos con más aromas africanos de la mano del saxofonista Omri Ziegele, la pianista Irène Schweizer y el septuagenario batería sudafricano Makaya Ntshoko, que en esta ocasión es el invitado y añadido al dúo.

Si en la anterior grabación el saxofonista recreaba unas cuantas melodías más que memorables, en Can Walk On Sand Ziegele retoma esa estrategia, aunque también aporta tres temas propios. Entre esas piezas ajenas incluye composiciones de Johnny Dyani, Chris McGregor, Dollar Brand (ahora conocido como Abdullah Ibrahim) e incluso de Oliver Nelson que aparecen magníficamente expuestas por una Irène Schweizer que muestra aquí su lado más melódico. También hay rendiciones al talento de Ornette Coleman (con un "Giggin" apenas sugerido que no llega a los cuarenta segundos) y Mal Waldron (con su eterno "Soul Eyes"), así como una versión vocal de "Summertime" un tanto sui géneris, en la que Ziegele demuestra que lo suyo, bastante mejor que el cantar, es tocar el saxo alto. Tal y como le ocurría a Where's Africa, Can Walk On Sand es otra grabación sumamente recomendable, con una música magnífica que no renuncia a mostrar parte de la luminosidad de África.

Pachi Tapiz




Lucas Niggli - Peter Conradin Zumthor - Profos


Composiciones: "Gold" (Niggli / Zumthor) 5:42, "Where I End..." (Zumthor) 1:37, "Erster Tanz" (Felix Profos) 7:30, "...And You Begin" (Niggli / Zumthor) 1:15, "Zweiter Tanz" (Felix Profos) 9:29, "Stoff" (Niggli / Zumthor) 1:17, "Luso" (Niggli) 3:34, "Gang" (Zumthor) 5:10, "All" (Niggli / Zumthor) 30:15

Músicos: Lucas Niggli (batería, gongs y percusión), Peter Conradin Zumthor (batería, gongs y percusión)

Grabado entre el 29 y el 31 de enero de 2009 en Will-Y Klangdach, Gunterhausen. Publicado en 2010 por Not Two. MW822-2

Comentario: Aunque publicado como uno, Profos bien podría haber sido un CD doble. No tanto por la duración, sino por el planteamiento de la música, dividida claramente en dos partes bien diferenciadas. Por un lado estaría el último tema, "All", que ocupa 30 de los casi 66 minutos del disco, y por otra parte las nueve piezas restantes.

En cuanto a la música de estos temas, y conociendo el trabajo de Niggli, uno no debiera esperarse uno de esos dúos de baterías consistentes en un derroche e intercambio de golpes, tal y como así ocurre. Lo suyo, acompañado magníficamente por Peter Conradin Zumthor, es trabajar con las percusiones investigando sobre sus posibilidades sonoras, que en algún momento son como mínimo sorprendentes. Insistiendo en este aspecto, no es hasta el tercer tema cuando la propuesta de ambos músicos ofrece algo similar a lo que se pudiera sospechar a priori en un dúo de baterías. El disco transcurre por caminos en los que lo importante por encima del exhibicionismo individual es la complementación y la escucha. En él toma una parte muy importante el aspecto compositivo de la música ("Ester Tanz" y "Zweiter Tanz" son dos piezas encargadas al compositor Felix Profos, cuyo apellido da título al disco), sin olvidar por ello la libertad improvisadora individual.

Por su parte, "All" bien hubiera merecido haber sido dispuesta en un CD inidividual. Durante su media hora de duración resulta sorprendente el modo en el que ambos músicos manejan la dinámica de la música. Para ello tanto Niggli como Zumthor trabajan con un conjunto mínimo de elementos percusivos y con un micrófono, logrando conducir por medio de la música a un estado casi hipnótico y atemporal cercano al producido por las músicas de trance.

Pachi Tapiz




Alondra Satori - Promontorio Charidemo


Composiciones: “Danza en el magma de Rodalquilar”, “La llegada del viento a la Caldera de los Frailes”, “El encuentro del Barranco Hondo con la Rambla del Agua”, “Tierras rojas / Piedras negras”, “Las Nadas”.

Músicos: Jesús Alonso (batería modificada, barril metálico, aire comprimido), Justo Bagüeste (oscilador, secuenciador, electrónica, tubo Berman, boquillas, campana, percusión, piedras, grabaciones, sonidos corporales), J.M. Cidrón (percusión, melódica, ocarina, kalimba, canica, palo de lluvia, voz), A.L. Guillén (kaoss pad, banjo, guitarra acústica, cítara, stylophone, flautas, globos, juguetes, percusiones, papel, tijeras, grabaciones, voz), Juanjo Sánchez (muelles y palancas electrificadas, bajo eléctrico, efectos, bandurria, percusión, arpa de boca, flautas, tubos corrugados, kalimba, piedras, juguetes, burbujas, globos, papel, canicas, voz). Miguel Galindo (poema y recitado).

Grabado en Almería, el 29 de marzo de 2009.
Extrarradio EXT-013 (2009) [Rotor]

Comentario: Durante bastante tiempo, el dúo Alondra Satori fue el vehículo que tenían J.M. Cidrón y A.L. Guillén para explorar, improvisación mediante, el territorio de la música electrónica planeadora, contemplativa y con elementos de world music. El año pasado, la formación se ampliaba hasta cinco miembros. Esta inclusión de músicos, además dispares, ha reconvertido Alondra Satori en un curioso fenómeno de improvisación electroacústica dentro del panorama nacional. Justo Bagüeste, ex Clónicos, colaborador de Corcobado y tantas otras cosas, Jesús Alonso, batería habitual de Corcobado, y Juanjo Sánchez, ex miembro de la histórica banda barcelonesa Entr’acte (de los pocos que en plena nueva ola, a principios de los 80, estaban influidos por el RIO o por formaciones como This Heat), junto a la célula inicial, dan forma a una música improvisada pero de carácter industrial (en su cualidad más que en las formas, a la manera de unos Factrix, p.ej.), repetitiva y muy evocadora. Dicho de otro modo, estos Alondra Satori han acerado su sonido con respecto al de otros tiempos.

Promontorio Charidemo, en referencia al almeriense Cabo de Gata, nació como un encargo para una exposición centrada en este punto de la geografía. Los títulos de las cinco piezas provienen de enclaves geográficos de ese entorno. Son improvisaciones que parten de una idea o un concepto musical (diría que casi como un pretexto argumental) que cada uno de los cinco músicos desarrolló a partir del lugar elegido. Así, ese hacer topográfico establece una dinámica relación entre el espacio referido, la idea que ha propuesto cada músico, y la imagen que de todo ello podemos conformarnos los oyentes.

Así, en la “Danza”, hay esa idea como de andar de puntillas sobre un terreno rugoso y accidentado. En “La llegada del viento”, más paisajística, unas ráfagas emborronan la imagen. “El encuentro” presenta una panoplia instrumental amplia y sugerente, jugando con sonidos musicales y reales, voces y gritos, reconocibles y no, tratados como una lluvia rítmica. Mientras que “Tierras rojas / Piedras negras” no deja de sorprenderme por su cadencia procesional, de Semana Santa. Para acabar con “Las Nadas”, en la que el Promontorio nos es mostrado desde Oriente.

Alondra Satori han elaborado su sentido de la improvisación desde unas facetas, el rock progresivo o la electrónica, desde las que no suele trabajarse demasiado en España, donde parece que la improvisación es esencialmente percibida como un aspecto del jazz. Aunque, diría que se trata más bien de música ensayada, no en el sentido de repetida sino de probada sobre un esquema prefijado. Esto, junto a la sonoridad e instrumentación, hacen de Promontorio Charidemo un curioso ejercicio de estilo, entre el repiqueteo y el mantra, entre el planeo y lo catártico.

Jack Torrance