Henry Threadgill Zooid - This Bring Us To. Volume I


Composiciones: "White Wednesday off the wall" 4:57, "To undertake my corners open" 8:40, "Chairmaster" 7:42, "After some time" 5:34, "Sap" 8:40, "Mirror mirror the verb" 3:20
Todos los temas compuestos por Henry Threadgill.

Músicos: Henry Threadgill (flauta y saxo alto), Liberty Ellman (guitarra), Jose Davila (trombón y tuba), Stomu Takeishi (guitarra baja), Elliot Humberto Kavee (batería)

Grabado en noviembre de 2008 en Brooklyn Recording, Brooklyn, Nueva York.
Publicado en 2009 por Pi Recordings. PI31

Comentario: Esta es la última grabación de Threadgill, siete años después de dos hechas simultáneamente con dos bandas diferentes. Esta nueva versión de su Zooid se parece tanto o más a una mezcla de las dos que a su anterior versión en una de aquellas dos grabaciones. En teoría, su Make a Move, el otro grupo que utilizó entonces, era el vehículo para hacer su música más eléctrica, o mejor dicho, basada en el sonido de la guitarra, en aquel caso de Brandon Ross. En este nuevo Zooid la guitarra de Ellman es también muy importante, y además este músico remata su excelente proyección en los últimos tiempos con la producción del disco.

La sustitución de Ross por Ellman no es muy llamativa, pero en cambio la nueva sección de ritmo donde el bajo acústico de Takeishi se acompaña de Kavee, que sustituye a Dafnis Prieto, influye mucho en el sonido de la banda. Síncopas funk, entrecortadas y enérgicas, muy del estilo de las de la música de Steve Coleman, son la base rítmica de varios temas del disco. Es curioso que la influencia de Threadgill, evidente sobre Coleman, tenga aquí su contrapartida. Y es admirable que un compositor como Threadgill admita las influencias traídas por los miembros de sus bandas a su tan particular universo. Además, el resultado es excelente, ya que esas composiciones llenas de aristas y recovecos del saxofonista cabalgan de manera fenomenal sobre esos ritmos tan ágiles. Ni siquiera cuando Gene Lake alternaba su participación entre las bandas de Threadgill y Coleman esta conexión era tan evidente como aquí, y lo cierto es que este disco no puede defraudar a los aficionados a la música de cualquiera de los dos.

Esto no quiere decir que la música de este gran compositor haya perdido un ápice de su personalidad. Fallecido Julius Hemphill, Threadgill aparece como el gran representante entre los compositores de la generación de los lofts. Su sonido sigue siendo, sobre todo al alto, inigualable, y sus bandas siguen reflejando como pocas una concepción muy particular de la música. Este Zooid es otra nueva muestra de la cohesión espectacular de los grupos que ha ido utilizando en los últimos treinta años, sin perder una onza de su enorme potencial. El último ejemplo de una trayectoria espectacular.

Jorge LG




simakDialog - Demi Masa


Composiciones: 1 “Salilana Pertama (Forever, Part 1)", 2 “Salilana Kedua (Forever, Part 2)", 3 “Tak Jauh Pertama (Not So Far, Part 1)", 4 “Tak Jauh Kedua (Not So Far, Part 2)", 5 “Trah Lor–Laras (Northern People-Voices)", 6 “Trah Lor–Rupa (Northern People-Faces)", 7 “Trah Lor–Tapak (Northern People-Prints)", 8 “Karuhun (To Elders)", 9 “Disapih (Separate Away)".

Músicos: Riza Arshad (Fender Rhodes, piano acústico Yamaha, sintetizador analógico Oberheim OBX), Tohpati (guitarra eléctrica y acústica), Adhithya Pratama (guitarra bajo), Endang Ramdan (percusión Sundanese kendang, pandereta, palmas, juguetes vocales), Erlan Suwardana (percusión Sundanese kendang, pandereta, palmas, juguetes y voces), Emy Tata (percusión Sundanese kendang, pandereta, palmas, juguetes y voces en 2), Mian Tiara (voces en 7), Dave Lumenta (soundscapes en 8).

MJR032 Moonjune Records 2009

Comentario: Que no existen las fronteras en el mundo de la música no es ninguna novedad, pero en esta ocasión Leonardo Pavkovic (productor y dueño de los designios de Moonjune Records) ha tenido que viajar a la lejana Indonesia para toparse con un grupo denominado simakDialog que lidera con acierto el teclista Riza Arshad. La propuesta de simakDialog es realmente interesante. Los cambios constantes de ritmo le confieren un colorido cálido y especial que funde con naturalidad pinceladas étnicas con jazz-rock. Por momentos recuerda a grupos ingleses como National Health o Hatfield And The North. Los solos de piano eléctrico o guitarra se alimentan de un fondo de percusiones suaves, cálidas e hipnóticas realmente creativas, sugerentes y paisajísticas que convencen a los oídos más exigentes.

Demi Masa está divido en cinco partes, la primera de ellas está formada por las composiciones “Salilana Pertama (Forever, Part 1)" y “Salilana Kedua (Forever, Part 2)"; la segunda por “Tak Jauh Pertama (Not So Far, Part 1)" y “Tak Jauh Kedua (Not So Far, Part 2)"; la tercera por “Tak Jauh Kedua (Northern People - Voices)", “Trah Lor–Rupa (Northern People-Faces)" y “Trah Lor–Tapak (Northern People - Prints)" y la cuarta y la quinta por “Karuhun (To Elders)" y “Disapih (Separate Away)". En “Salilana Pertama”, el Fender Rhodes de Riza Arshad cobra casi todo el protagonismo canterbury al que la guitarra disonante y atmosférica de Tohpati releva para adentrarnos en un fundido de percusiones y voces étnicas con “Salilana Kedua”. La interacción entre pianista y guitarrista, a la que se suma el complemento de las cálidas e intensas percusiones de Endang Ramdan y Erlan Suwardana, caracterizan “Tak Jauh Pertama”. Armonías de tintes más amables y accesibles aparecen en “Tak Jauh Kedua”.

La tercera pieza está subdividida a su vez en tres a modo de suite. En “Trah Lor–Laras”, el dialogo entre el piano de Riza Arshad y la guitarra acústica de Tohpati le da un aire de frescura y autenticidad. Es en la pieza “Trah Lor–Rupa” donde nuevamente el piano de Riza Arshad y las percusiones de Endang Ramdan y Erlan Suwardana aportan un carácter de world music que desemboca en “Trah Lor–Tapak”. Final ambient y misterioso, donde Mian Tiara pone el colorido étnico de su voz sutil. “Karuhun” es una excelente muestra de lo que los indonesios son capaces de hacer. Pieza acústica entre el piano de Riza Arshad, la guitarra de Tohpati y las percusiones de Endang Ramdan y Erlan Suwardana. Jazz de intensas reminiscencias latinas y compacto entendimiento entre las partes. El álbum se cierra con “Disapih”, composición que hace honor a un destacado trabajo digno del mejor jazz-rock y fusión étnica. Vuelve a destacar Riza Arshad y su cadente y cromático Fender Rhodes frente a la guitarra eléctrica discrepante y rebelde de Tohpati y las omnipresentes y minimalistas percusiones.

Enrique Farelo




Miguel Fernández Quintet - Transplanet Species


Composiciones: “Hide Them!”, “El amor después del mediodía”, “No muerdas”, “You Too”, “A Call For Arms”, “JIA-Pin”, “Klein ex6”, “70´s” y “Hide Us!”.

Todos los temas escritos, compuestos y arreglados por Miguel Fernández.

Músicos: Miguel Fernández (saxo tenor), Dani Pérez (guitarra), Leo Genovese (Fender Rhodes y piano), Marko Lohikari (contrabajo), David Xirgu y Gonzalo del Val (batería).


Grabado en Estudio Moraleda (Barcelona), el 22 y 24 de mayo de 2009.
Fresh Sound New Talent CD 372

Comentario: A pesar de su corta trayectoria, Miguel Fernández irrumpe con fuerza con este disco, en el que se ha rodeado de músicos de contrastada calidad, curtidos la mayoría en la escena barcelonesa. Fernández es un joven saxofonista navarro de nueva hornada, graduado en Berklee y afincado recientemente en Barcelona.

Después de tres años de rodaje, este proyecto supone una puesta en escaparate del material trabajado en vivo por su grupo. Hay por tanto la sensación de que la interacción entre los músicos funciona con naturalidad.

De entrada, decir que estamos ante un gran trabajo en todos los sentidos. Fernández sabe hacer acopio de su gran bagaje y buena técnica. Con solvencia es capaz de crear variadas sensaciones y emociones con el tenor. Los nueve temas que componen Transplanet Species están muy bien estructurados, conformando una obra conceptual y de difícil catalogación. Si fuera una obra narrativa tendría una primera parte introductoria, una parte álgida y un final a modo de despedida, manteniendo siempre el hilo conductor y la tensión precisa en cada pieza, lo que demuestra una lograda complicidad entre todos los músicos.

En Transplanet Species encontramos detalles que van de la mano de la experimentación y otros que caen de lleno en la improvisación. El trabajo de Miguel Fernández, tanto a nivel de composición como de arreglos, muestra una gran densidad creativa. La interpretación de los músicos es precisa y en conjunto consiguen una interpretación en la que los sonidos elegantes enlazan muy bien con un jazz que se puede definir de absolutamente contemporáneo, sin apenas clasicismos. Especial mención merecen el guitarrista Dani Pérez y el teclista Leo Genovese. Lo mismo aparecen guitarras distorsionadas a cargo de Dani Pérez, con una sonoridad por momentos algo roquera, como se dispara la precisión del Fender Rhodes de Leo Genovese. Ambos aportan un elemento de contemporaneidad decisivo en el disco. Miguel Fernández tiene un fraseo limpio, claro y, en verdad, emociona en muchos momentos. Estamos ante un trabajo que gana con sucesivas escuchas, una propuesta valiente, que aporta elementos nuevos y diferentes. En general el sonido está muy cuidado y la producción es notable. Miguel Fernández es un descubrimiento interesante al que merece la pena seguir la pista.

Carlos Lara




Erykah Badu - New Amerikah, Part Two: Return of the Ankh


Músicos: Erykah Badu (voz, percusión y programación), James Poyser (piano, Fender Rhodes y teclados), RC Williams (teclados), Jah Born (programación MP2000), Amir Questlove Thompson (batería), Karriem Riggins (batería), Mike Chav (percusión, programación y Mooger Fooger), Stephen “Thundercat” Bruner (bajo eléctrico), Tommy Trajlio (guitarras), Jeff Lee Johnson (guitarras), Kirsten Agnesta (arpa), Georgia Anne Muldrow (teclados, batería, bajo eléctrico y programación), Ta’raach (producción), 9th Wonder (producción), Shafiq Husayn (producción), Madlib (producción), Jay Dilla (producción), Karriem Riggins (producción), Georgia Anne Muldrow (producción), Erykah Badu (producción).

Universal/Motown

Comentario: Erykah Badu es como un sueño para los aficionados a la música sin categorías, sin fronteras. Apareció en el mundo del rhythm & blues como un soplo de aire fresco, prácticamente inventando un género nuevo con su primer disco. Es cierto que D’Angelo y otros ya estaban haciendo neo soul antes que ella, pero encarnaba como nadie lo que la etiqueta prometía. Una vuelta a las raíces para relanzar esta música hacia el futuro. La fórmula, que recordaba a algunos slogans de artistas de la música de vanguardia en el pasado, la ha utilizado en una evolución que parece imparable.

Sus discos en estudio han ido a mejor. Su primer intento, lleno de promesas, nació lastrado con unos ritmos un poco pesados y el demasiado recurrente recurso de repetir el estribillo. Su segundo disco era una puesta al día del mejor funk, con toques de excelencia instrumental e incursiones nada superficiales en el jazz. Su tercero era una apuesta por esa combinación de soul afrocentrista, funk, hip hop y el surrealista mundo de Sun Ra, que parecía estar esperándola para deleite del público menos convencional. Luego llegó la primera parte de esta anunciada trilogía, un fenomenal disco de hip hop soul, nada retro, muy futurista.

Esta segunda parte es diferente, un alto en el camino, en un momento de estupenda madurez. Sus canciones siguen teniendo esas letras simples, pero hipnóticas, esta vez alrededor del tema de una nueva vida tras una ruptura sentimental. Su estructura musical gira menos alrededor de los sampleos que en el disco anterior, y hay más desarrollo instrumental de los temas, como en la segunda parte de su segundo disco. En cambio, el funk galáctico que protagonizaba el tercero sigue ahí. Es la suma de todo aquello que ha ido descubriendo en una carrera brillante.

El sueño se hace realidad al fin. Erykah Badu es esa mezcla de Billie Holiday, Betty Carter, Esther Phillips, Betty Davis, Chaka Khan y MC Lyte, que resulta en una cantante excepcional, con una voz única y una personalidad desbordante. Y todo puesto a funcionar con una idea muy clara de lo que quiere conseguir artísticamente, porque si hay algo realmente admirable en esta mujer es que si vende, es por su calidad. El marketing ni siquiera le hace falta, aunque con detalles como su controvertido vídeo deja claro que cuando quiere, también lo sabe utilizar.


Jorge LG




Elisabet Raspall Quartet - Plujazz


Composiciones: “Ni cas”, “Falsa alarma”, “El mismo optimismo”, “Infantesa”, “Al ser”, “Canvis”, “Hivern Trist” , “Segons” y “No sé ben bé”.

Todos los temas compuestos por Elisabet Raspall

Músicos: Elisabet Raspall (piano y voz), Chris Cheek (saxos tenor y soprano), Tom Warburton (contrabajo) y Marc Miralta (batería).

Grabado en Estudi 44.1 (Girona), el 26 y 27 de mayo de 2009.
Raspall Records CD 001

Comentario: Antes que nada conviene avisar de que en este trabajo no se esperen muchos momentos para la improvisación, desgarros ensordecedores de saxo o solos de batería apabullantes. Aquellos que ya conocen y siguen la carrera musical de Elisabet Raspall en Barcelona saben que la cosa no va por ahí. Su prestigio profesional empezó a labrarse allá por los comienzos de los 90 con el nacimiento de ese sello referencia en que se ha convertido Fresh Sound. Su paso por el Berklee College Of Music le ha dejado un sello particular y así se aprecia a lo largo de sus interpretaciones y sus trabajadas composiciones. Un dato importante es que las influencias de maestros como Tete Montoliu, Barry Harris o Fred Hersch se pueden apreciar en diferentes momentos de Plujazz, su última grabación y su quinto trabajo, en el que la pianista catalana se ha rodeado de un buen plantel de acompañantes como son los norteamericanos y muy solventes Chris Cheek al saxo y Tom Warburton al contrabajo, junto a ese monumento a la batería que es Marc Miralta.

Hay que decir en general que los músicos están muy bien en sus interpretaciones y saben transmitir con maestría las peculiaridades que tienen las composiciones de Raspall en este disco, cargado de baladas, con mucho lirismo, momentos íntimos y muy aptos para pensar y reflexionar resguardados del vendaval que se mueve en el exterior.

Plujazz es un disco de temas entrañables, sin estridencias, ni salidas de tono. Su filosofía es como una familiar actuación en un club de jazz y así se quiere dejar reflejado en la portada. Las piezas son como dibujos impresionistas que obedecen a un primer enfoque melancólico pero que, poco a poco, van cogiendo cierto ímpetu, para volver a situarse en el origen. La pieza “El mismo optimismo”, con un tono medio festivo, parece salirse paradójicamente de la línea general de este trabajo.

Hay buenos dúos a cargo del piano y el saxo y brillantes aportaciones de Tom Warburton y de Marc Miralta realizando un trabajo fino de orfebrería, tirando casi siempre de escobillas, lo que le otorga un tono más poético a este disco. El tema que más se sale de la senda principal es “Segons”, donde, además de un blues de Chris Cheek, se encadena uno de los mejores momentos de la sección rítmica, combinados con intervenciones del tenor. Elisabet Raspall se muestra muy elegante en todos los temas, muchos de los cuales parecen haber sido compuestos para ser susurrados, como hace en algunas ocasiones la pianista catalana. Disco recomendable para ser escuchado especialmente en momentos de recogimiento y a un volumen medio. A degustarlo sorbo a sorbo, a dejarse llevar por la música y a disfrutarlo, que merece la pena.

Carlos Lara




Jaume Vilaseca Quartet - Mumbai


Composiciones: “El nuevo mundo”, “Oultra Tristeza”, “Circles”, “Camins i Boires”, “Enllá”, “Cañitas”.

Músicos: Jaume Vilaseca (piano), Víctor de Diego (saxo tenor y flauta travesera), Dick Them (bajo eléctrico), Ramón Díaz (batería y cajón). Invitado especial: Ravy Chari (sitar)

Discmedi 2010

Comentario: Había ganas por parte de Jaume Vilaseca de grabar un disco en directo, y qué mejor oportunidad que la brindada por la embajada española y por el lugar donde habría de celebrarse, Bombay, la ciudad hindú hoy llamada Mumbai. El registro se efectuó el 8 de abril de 2009 en el Blue Frog Jazz Club de Mumbai (India). La característica más reseñable es la frescura con que encara el cuarteto este disco, además del color, la alegría, la improvisación y el sabor. Hay mestizaje del flamenco, el jazz latino y la inclusión propia de la tierra, es decir, la música india, representada por el tema “Circles”, que cuenta con la participación del sitarista Ravy Chari.

Mumbai incluye seis composiciones; la primera de ellas lleva por título “El nuevo mundo”, pieza en la que la introducción al piano de Jaume Vilaseca sirve de pretexto para que la flauta travesera de Víctor de Diego se luzca e interactúe con aquél en diálogos fluidos y naturales de bellas reminiscencias flamencas. “Oultra Tristeza” es una balada de cadencia brasileña. Composición para soñar despiertos, en ella muestran sus mejores galas Víctor de Diego al saxo tenor y Jaume Vilaseca al piano. Sensibilidad y buen gusto a partes iguales. Con “Circles” alcanzamos uno de los puntos álgidos del disco. Es el único tema grabado en estudio, concretamente en el Blue Frog Soundlabs de Mumbai al día siguiente de la grabación en directo. En él se homenajea a la India natal del sitarista Ravy Chari, quien abre el camino con su sitar para combinar jazz y folk hindú con la misma maestría con que lo hace junto a Trilok Gurtu. “Circles” emana un extraño perfume, exótico y tan original como sugerente, donde la guitarra india, el piano y el cajón suenan libres e impactantes, hasta el punto de convertir a éste en la composición más destacada. El cuarteto se muestra transparente y elegante sin olvidar su inclinación por el flamenco en clave de bop en los cortes “Camins i Boires” y “Enllá”. Víctor de Diego con su saxo tenor lo inunda todo de armónica libertad en “Enllá”. La sección rítmica nos invita a la danza y el zapateado flamenco en “Camins i Boires” con el apoyo de las voces del saxo tenor y el piano de Víctor de Diego y Jaume Vilaseca, respectivamente. En “Cañitas”, un solo de piano de Jaume Vilaseca pone el broche final a este Mumbai. Ecos de Andalucía y jazz interpretados con excelente técnica que incomprensiblemente se cortan bajando el volumen hasta hacerlo desaparecer cuando a buen seguro aún quedaba mucho por decir.

Enrique Farelo




Miguel Ángel Chastang - Sombras/From Harlem to Madrid vol. 2


Composiciones: “From Harlem To Madrid" (Miguel Ángel Chastang), “Spirit Monitor" (Frank Lacy), “Sombras" (Miguel Ángel Chastang)”, “I Remember Elvin" (Miguel Ángel Chastang), “Just Another Tang" (Germán Kucich), “Walking Ahead" (Miguel Ángel Chastang)”, “One For Al" (Miguel Ángel Chastang)”, y “Black Urban Groove" (Ariel Brínguez).

Músicos: Frank Lacy (trombón y fiscorno), Ariel Brínguez (saxo tenor y soprano), Román Filiú (saxo alto en “Black Urban Groove”), Germán Kucich (piano), Miguel Ángel Chastang (contrabajo) y Juanma Barroso (batería).

Arreglos y dirección musical: Miguel Ángel Chastang

Grabado los días 21 y 22 de septiembre de 2009 en los estudios Infinity (Madrid)
Nuba Records. Distribuye Karonte

Comentario: Segundo volumen de la serie From Harlem To Madrid, con la que el contrabajista madrileño sigue rindiendo homenaje a la música del otro lado del Atlántico, a la vez que solidifica el puente entre dos puntos que han sido vitales durante muchos años a la hora de conformar su formación como músico profesional, hasta convertirle en un grande del jazz nacional.

Para esta segunda parte titulada Sombras, Miguel Ángel Chastang ha reforzado la sección de vientos con la incorporación de Frank Lacy al trombón y ha cambiado de teclados: Larry Willis ha dado paso a Germán Kucich. Por el contrario, permanecen Juanma Barroso a la batería y Ariel Brínguez en los saxos. Además, se incluye una colaboración especial de otro saxofonista cubano, Román Filiú.

Desde la primera pieza, “From Harlem To Madrid”, hasta la última, “Black Urban Groove”, el disco rezuma orgullo y amor por el jazz más auténtico. No hay concesiones ni poses estilísticas. Las composiciones y arreglos responden a una lección muy bien aprendida, con una técnica impecable por parte de los músicos, y todo suena a verdadero, con la credibilidad que le brinda la categoría profesional de los músicos que han participado en la grabación. Miguel Ángel Chastang es un músico que conoce a la perfección el terreno que pisa y como buen líder, sabe extraer lo mejor de cada uno de sus acompañantes.

El disco es un perfecto escenario para el lucimiento de los cinco músicos que participan. Buenas composiciones y arreglos de Chastang, en las que ha sabido extraer el espíritu jazzístico norteamericano con todos los recursos a su disposición. Las aportaciones de Ariel Brínguez y de Frank Lacy otorgan mucha luminosidad y brillo a los temas. A destacar los solos de ambos, en especial de Lacy en “Spirit Monitor” y en “Walking Ahead”, un blues en el que se muestra crucial la aportación del pianista Germán Kucich. La constante brega de Juanma Barroso a la batería es una garantía y una senda segura por la que ningún músico que se precie de tal puede perderse.

Tanto en “From Harlem To Madrid” como en “I Remember Elvin” predominan los ritmos trepidantes enraizados en el hard bop. Los momentos más calmados vienen de la mano de Germán Kucich en su composición “Just Another Tang” llena de lirismo y poesía, con un fraseo cristalino, complementado con la participación de Lacy al fiscorno. “One For Al” es una balada a medio tempo, marcada por los vientos y con el piano al fondo, dando colorido a la pieza. El último tema, “Black Urban Groove”, es una composición de Ariel Brínguez donde tanto el tenor como al alto se adentran por una senda más rítmica, con un gran solo de trombón para culminar el disco.

Miguel Ángel Chastang hace mucho que cuenta con la vitola de ser un nombre respetable y respetado del jazz español. Curtido en mil batallas, actuaciones en clubes, festivales y grabaciones propias, ha decidido hacer acopio de su sabiduría y experiencia y plasmarla en esta serie que, en principio, parece que tiene visos de continuar.

Carlos Lara




Michael Musillami Trio - Old Tea


Composiciones: "Introduction", "Old Tea", "Shiner At Rocky's", "The Binary Smirk (Drum Interlude)", "'King Alok", "Kitchen Tribute (Collective Interlude)", "Evy-Boy", "A True Original", "Jameson #30 (Bass Interlude)", "Umbrella Top... That's How I Roll", "Three Hundred Plus"

Composiciones de Michael Musillami

Músicos: Michael Musillami (guitarra, composiciones y arreglos), Joe Fonda (contrabajo y flauta), George Schuller (batería)

Grabado el 10 de septiembre de 2009 en Systems Two, Brooklyn, Nueva York. Publicado en 2010 por Playscape Recordings. PSR#091009

Comentario: No tuvo que ser una tarea nada fácil para Michael Musillami componer los temas de Old Tea. En marzo de 2009 perdía a su hijo Evan. Seis meses después grababa este disco, que recoge once temas escritos en esos meses anteriores, cuyos títulos evocan recuerdos y situaciones vividas junto a su hijo.

El resultado, al contrario de lo que se podría suponer, no queda en un mero ejercicio de nostalgia. Esta sí que puede llegar a estar presente en cierto modo en la bellísima "Introduction", pero desaparece casi de inmediato, al menos de un modo obvio. El trío compuesto por Musillami, Joe Fonda y George Schuller ha publicado ya cinco discos, incluyendo éste, lo que unido a su categoría individual se traduce en una gran compenetración, en una música que es desarrollada con una gran naturalidad. La propuesta transcurre entre piezas vibrantes como la que da título al disco, "Shiner at Rocky's", "A True Original" y especialmente la magnífica "'King Alok"; al lado aparecen otras sumamente tranquilas como "Kitchen Tribute", "Evy-Boy" o "Three Hundred Plus" (en la que Joe Fonda se dobla, grabación en estudio mediante, como flautista). En definitiva, el resultado es un homenaje precioso.

Pachi Tapiz




Colorlist - A Square White Lie


Composiciones: 1. "Monochrome" 4:31 2. "The Lows" 9:53 3. "Constant Change" 7:56 4. "A Square White Lie" 19:39
Canción extra: 5. "Time Words" 9:29
Todos los temas por Gorczynsky y Rumback

Músicos: Charles Gorczynski (saxofones, harmonio, electrónicas), Charles Rumback (batería y campanas)

Publicado en 2010 en formatos LP y descarga por 482 Music. 482-1066

Comentario: Square White Lie, al igual que le ocurría a Two Kind of Art Thieves, es un disco inclasificable que camina por terrenos del jazz, el pop, la libre improvisación, la música ambiental o el rock.

El duo compuesto por Charles Gorczynski y Charles Rumback desarrollan una obra totalmente improvisada que aunque dividida en cuatro temas, más un quinto que aparece como añadido para descargar de la versión en LP, comienza tranquila y relajada, y que va aumentando progresivamente en intensidad. Resulta ciertamente desarmante la capacidad de estos dos músicos para ir aportando todo tipo de elementos musicales, sin que el resultado final desemboque en una especie de patchwork inconexo. Por el contrario, destaca la organicidad de la propuesta. Esta obra es algo parecido a un lienzo en el que ambos músicos van contando una historia que es pintada con colores sumamente variados.

Pachi Tapiz




Peter van Huffel Quartet - Like The Rusted Key


Composiciones: "Drift" 10:29, "Intro To Beast" 1:45, "Tangent" 6:17, "Enghavevej" 7:09, "Excerpt Two" 3:27, "Beast I" 3:02, "Backward Momentum" 9:54, "Melancholic" 9:44, "Beast II" 4:00, "Atonement" 6:14
Todos los temas compuestos por Peter van Huffel

Músicos: Peter van Huffel (saxo alto), Jesse Stacken (piano), Miles Perkin (contrabajo y juguetes), Samuel Rohrer (batería y percusión)

Grabado el 18 y 19 de julio de 2009 en Loft Studios, Colonia, Alemania. Publicado en 2010 por Fresh Sound New Talent. FSNT 361

Comentario: Tras publicar el pasado año en Clean Feed Hufflignon, su proyecto como co-líder con la cantante Sophie Tassignon, el canadiense Peter van Huffel vuelve a grabar en Fresh Sound New Talent, estrenándose en esta ocasión con su nuevo cuarteto. El resultado, Like the Rusted Key, es un CD más que interesante, que debiera servir para llamar la atención sobre el trabajo de este saxofonista.


Autor de todas las composiciones, en ésta su séptima grabación, sus ideas llegan a buen puerto gracias a la participación de sus compañeros, entre los que destaca el pianista Jesse Stacken. Con poca prisa, sin mucho ruido, grandes sobresaltos o exhibicionismos vacíos, el disco gana en detalles y profundidad con cada escucha. Un buen ejemplo de todo ello es "Drift". Esta composición que abre el disco suavemente, y tarda un par de minutos largos hasta que muestra un gran tema, permite a los músicos lanzarse a realizar unos solos magníficos. Otro tema sobresaliente por su desarrollo sorprendente es "Tangent". Van Huffel corta el solo de Jesse Stacken en su momento álgido lanzando una serie de líneas al saxo incoherentes en apariencia con la música desarrollada por el pianista, pero que de un modo aparentemente natural y sencillo (aunque hay veces en que no hay nada más complicado que la sencillez), se imbrican con él para terminar en una demostración de poderío al alcance de pocos grupos. Un estreno magnífico.





Zlatko Kau?i? - 30th Anniversary Concerts: Slakoper - Doline - Tolminski Punt 2


Composiciones: CD1: "Slakoper" (Girotto, Maiore, Kau?i?), "Reflettiva" (Kau?i?), "Pampa Kids" (Girotto, Maiore, Kau?i?), "Inmigracion" (Girotto), "Meeting of Rhinos" (Girotto, Maiore, Kau?i?), "Mathias" (Girotto)
CD2: "Birds Live" (Maier, Kau?i?), "Ziva-va-mai" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Dance with Unknown" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Doline" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Denis nektar" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Paslus ego tripr" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Hara mai" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Moon Looks at You" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Samanyolu-life in the Countryside" (tema tradicional turco)
CD3: "Usedlina" (Potokar, Kau?i?), "Noc" (Strnisa, Kau?i?), "Gori Poezija" (Zajc, Kau?i?), "Destrukcije" (Kosovel, Kau?i?)

Músicos: CD1: Javier Girotto (saxos soprano y barítono), Salvatore Maiore (contrabajo), Zlatko Kau?i? (batería y percusiones
CD2: "Birds Live" (Maier, Kau?i?), "Ziva-va-mai" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Dance with Unknown" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Doline" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Denis nektar" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Paslus ego tripr" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Hara mai" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Moon Looks at You" (Türköz, Maier, Kau?i?), "Samanyolu-life in the Countryside" (tema tradicional turco)
CD3: "Usedlina" (Potokar, Kau?i?), "Noc" (Strnisa, Kau?i?), "Gori Poezija" (Zajc, Kau?i?), "Destrukcije" (Kosovel, Kau?i?)

CD1: Grabado el 19 de febrero de 2008 en Cankarjev, Ljubljana, Eslovenia
CD2: Grabado el 16 de mayo de 2008 en Cerkno Jazz Festival, Eslovenia
CD3: Grabado el 31 de julio de 2008 en Tolmin, Eslovenia

Publicado en 2009 en World Series por Splasc(H) Records. CDH2525.2 / CDH2526.2 / CDH2527.2

Comentario: Tres grupos, tres conciertos, tres propuestas diferentes en un triple CD. Qué mejor forma de celebrar los 30 años del batería Zlatko Kau?i? (Postojna, Eslovenia, 1953) en la música.

El primero de los CD, titulado Slakoper, está a nombre del Cerkno Trijo. En él participan además de Kau?i?, el saxofonista Javier Girotto y el contrabajista Salvatore Maiore. En su propuesta de free jazz, con una música musculosa y dinámica, hay espacio para buenas melodías y algún ramalazo de músicas que vienen de latino américa. Tolminski Punt 2, grabado en julio y en el que participan Peter Brötzmann y el barítono Robert Vr?on es el menos interesante de los tres conciertos. Brötzmann se muestra con su energía habitual, aquí en los saxos tenor y alto y también en el clarinete bajo. Kau?i? está a la altura del alemán, ya que es un batería magnífico a quien se le nota sumamente cómodo. Sin embargo, es Robert Vr?on quien queda un tanto al margen. A pesar de su magnífica voz se echa en falta una mayor interacción con sus dos compañeros. Por el contrario, la voz de Saadet Türköz interacciona magníficamente con la batería del titular y el contrabajo de Giovani Maier en Doline del Doline Trijo. Una propuesta libre improvisada que no rehuye la búsqueda de las melodías, que se va a ratos hacia el este de Europa, y en la que incluso hay lugar para visitar un tema tradicional turco.

Pachi Tapiz




Steve Swell's Slammin' The Infinite - 5000 Poems


Composiciones: "Not Their Kind" 8:32, "Sketch #1" 8:05, "Where Are The Heartfelt?" 12:28, "My Myth Of Perfection" 14:20, "The Only Way... Out" 15:33, "Sketch #2" 4:00, "The Darkness Afoot" 13:46
Todas las composiciones por Steve Swell

Músicos: Steve Swell (trombón y composiciones), Sabir Mateen (saxos alto y tenor, clarinete y clarinete bajo, flauta), John Blum (piano), Matthew Heyner (contrabajo), Klaus Kugel (batería)

Grabado en directo el 24 de enero de 2007 en Park West Studios, Nueva York. Publicado en 2010 por Not Two Records. MW 827-2

Comentario: 5000 Poems, que hace referencia a un ensayo de Walt Whitmann, es el cuarto disco del grupo Slammin' The Infinite del trombonista Steve Swell, segundo con la participación del pianista John Blum.

Grabado en directo en estudio, es un magnífico muestrario, sumamente variado, de free jazz a la clásica. Los siete temas, todos ellos compuestos por Swell, permiten el lucimiento de todos los músicos, pero especialmente del propio Swell (magnífico al trombón), y también de Sabir Mateen. Este saxofonista, flautista y clarinetista toca un total de cinco instrumentos, lo que hace que la paleta sonora sea sumamente variada. El swing de "Where Are The Heartfelt?", el inicio vibrante de "Not Their Kind" o la abstracción de "My Myth Of Perfection" son una magnífica muestra de lo señalado.

Pachi Tapiz




Little Women - Throat


Composiciones: "Throat I-VII" 41:14
Compuesto por Little Woman

Músicos: Travis Laplante (saxo tenor), Darius Jones (saxo alto), Andrew Smiley (guitarra), Jason Nazary (batería)

Grabado el 11 de diciembre de 2009 en Brooklyn Recording, Nueva York. Publicado en 2010 por AUM Fidelity. AUM061

Comentario: Si en el pasado año 2009 Darius Jones sorprendió gratamente con su estreno como titular con Man'ish Boy (A Raw & Beautiful Thing) (AUM Fidelity), en este 2010 puede ser más que probable que vuelva a aparecer en algunas de esas típicas listas de lo mejor del año gracias a Throat, el estreno en larga duración del cuarteto Little Women.

En esta formación participan, además de Darius Jones al saxo alto, el saxo tenor Travis Laplante, el guitarrista Andrew Smiley y el batería Jason Nazary. Su propuesta es un tema dividido en siete partes a modo de suite. Allí amalgaman influencias tan dispares como el free-jazz, el punk, la improvisación libre, el rock, el pop o el metal. Administrando sabiamente el tempo logran que la música te enganche y no te suelte a lo largo de 42 minutos. Su propuesta sube y baja de intensidad, y de ese modo incluyen algunos momentos muy melódicos y no exentos de una cierta ternura, perfectos para tomar aliento en la parte intermedia de la grabación (que plantean para escuchar como una sola pieza), en contraposición con otros sumamente energéticos. Quizás uno de los elementos más interesantes y reseñables es la forma en que el grupo maneja algunos de esos pasajes en los que la música parece que sólo quisiera ir hacia adelante a costa de cualquier cosa. Este control logra que la música no se transforme en uno de esos pandemónium informes que tanto pueden llegar a gustar a los aficionados a las experiencias sonoras de alto voltaje, sea cual sea su estilo de música favorito. Dicho de otra manera, saben evitar que la música se transforme en un continuo paroxismo sonoro, encauzando esa energía que desborda el cuarteto con sus instrumentos y que en algún momento trae a la memoria la de obras seminales como Machine Gun de Peter Brötzmann, o la de algunas de las múltiples propuestas de don John Zorn.

Pachi Tapiz




Haftor Medbøe Group - A Box Of Monkeys


Composiciones: "Pneumatic", "Living nothing as we leave", "Up spiral up", "As times spin backwards", "Surfrize"

Músicos: Haftor Medbøe (guitarra), Anneke Kampman (voz), Konrad Wiszniewski (saxo tenor), Chris Greive (trombón), Eva Malling (bajo acústico), Signy Jakobsdottir (percusión), Gavin Hislop (programación)

Grabado en julio de 2009 en Edimburgo. Publicado en 2010 por Fabrikant Records

Comentario: A Box Of Monkeys, la tercera entrega del Haftor Medbøe Group, bien podría entrar en la categoría de mini-álbum: esta obra sólo contiene cinco temas y no llega a los treinta minutos de duración. Un hecho que es de agradecer, al contrario de lo que sucede en esas otras ocasiones en que los artistas se empeñan en extender la duración de los CD hasta el límite, sin importarles su contenido. Las buenas composiciones aquí incluidas muestran distintas facetas de un grupo que toma su inspiración en el pop, el bop y la fusion.

Las dos joyas del disco, estratégicamente situadas, son "Living nothing as we leave" y especialmente "As times spin backwards". En estos dos temas, cercanos al pop, participa la cantante Anneke Kampman. El grupo queda supeditado a su trabajo vocal, para conseguir sendas canciones que traen a la mente las de la última parte de la carrera de Björk. Ello no sólo es debido a la voz, con un punto menos de histrionismo que la de la cantante islandesa, sino también a los arreglos. Distinto es "Pneumatic", el tema que abre el disco. Recurriendo a las omnipresentes programaciones, comienza despacio para ir tomando velocidad y desembocar en sendos solos magníficos de Haftor Medbøe (guitarra), y de Konrad Wiszniewski (saxo tenor). Por su parte, "Up Spiral Up" y "Surfrize" son dos temas a tiempo medio, cercanos a la fusion, en los que hay un equilibrio muy bien conseguido entre la calidad de los solos y el trabajo del grupo, incluidas las programaciones de Gavin Hislop. El resultado final es un disco muy variado, que transcurre en un suspiro, y que gracias a ello tiene el mérito de dejar tras su escucha con ganas de más.

Pachi Tapiz




Bojan Z Tetraband - Humus


Composiciones: "Natural Ground"; "Greedy (in goods we trust)"; "No. 9"; "Empty Shell" (Sebastian Rochford); "Focus"; "Fuzzlija"; "August Song"; "Swamp Tune" (Josh Roseman); "Thirst Day"
Todos los temas por Bojan Zulfikarpasic, salvo los indicados.

Músicos: Bojan Zulfikarpasic (piano, Fender Rhodes, xenophone, Fazioli), Josh Roseman (trombón), Ruth Goller (bajo), Sebastian Rochford (batería)

Grabado el 1, 2 y 3 de abril de 2008 en Studio de Meudon, Francia. Publicado en 2010 por EmArcy, Universal Music France. 00600753204986

Comentario: Humus sirve para que Bojan Z estrene discográficamente su nuevo proyecto Tetraband. Formado en 2007 incluye a la bajista Ruth Goller, al batería Sebastian Rochford (ambos integrantes del grupo Acoustic Ladyland), y al trombonista Josh Roseman. Según comenta en la presentación del disco el propio Bojan Z, Humus es el disco más rock que ha grabado nunca. Esto es cierto en parte, aunque tanto las composiciones como sus desarrollos muestran un disco de jazz que incide en la evolución que el músico balcánico (aunque residente en Francia), viene desarrollando desde sus primeras grabaciones.

Para ello recurre, en algún caso por medio del overdubbing, a una instrumentación variada en los teclados. Además del piano utiliza el Fender Rhodes y el xenophone, instrumento creado por el pianista a partir de distintos teclados. A pesar de la utilización de las técnicas del estudio, el trombonista Josh Roseman grabó en estudio parte de sus intervenciones, el disco suena muy directo. Todo ello gracias a una música que mira al Miles Davis de finales de los 60 - principios de los 70 ("Natural Ground"), al drum'n'bass ("Thirst Day"), a Jamaica ("Swamp Tune"), y por supuesto a los orígenes balcánicos del propio Bojan Z ("Fuzzlija"). Sin ser el mejor disco de Bojan Z, según lo escuchado en la grabación su directo promete ser absolutamente arrebatador.





Borah Bergman - Stefano Pastor - Live at Tortona


Músicos: Borah Bergman (piano), Stefano Pastor (violín).

Grabado en directo en julio de 2007 en Tortona (Italia).
Publicado por Mutable Music 17534-2

Comentario: Aunque aparece acreditado al dúo Borah Bergman (piano) - Stefano Pastor (violín), Live at Tortona no es una obra típica, al menos para un CD que no llega a los 45 minutos. A pesar de un tiempo tan limitado, hay espacio para que Bergman trabaje en solitario y para que lo haga en dúo con Pastor.

El pianista es el autor de los tres primeros temas, y aunque las dos últimas pistas son improvisaciones de ambos músicos, Pastor también trabaja sobre los temas del pianista. El resultado es ciertamente curioso ya que las composiciones instantáneas tienen por momentos una calidad melódica extraordinaria que supera a la del material compuesto. La variedad de los ambientes (libres en un momento, sumamente líricos a continuación), unido a la versatilidad del piano y al sonido extraído de un cordaje nada habitual para el violín, que utiliza cuerdas de guitarra eléctrica, logran que la música del dúo esté bastante más allá de la pura anécdota.

Pachi Tapiz