Agustí Fernández, Barry Guy & Ramón López - Morning Glory


Composiciones: Agustí Fernández, Barry Guy & Ramón López – Morning Glory

CD 1 (Morning Glory): “La niña de la calle Ibiza”, “Morning Glory” (Fernández, Guy & López), “Unfinished Letter” (Fernández, Guy & López), “Zahorí”, “An Anonymous Soul”, “Perpetuum Mobile” (Fernández, Guy & López), “Benito (Jordi Benito in absentia)”, “The Magical Chorus” (Fernández, Guy & López), “Glade” (Fernández, Guy & López), “Mourning”, “A Sudden Appearance” (Fernández, Guy & López), “Belvedere”

CD 2 (Live In New York): “Don Miquel”, “Odyssey” (Barry Guy), “Can Ram”, “David M”, “Aurora”, “No Ni Nó” (tradicional), “Rounds” (Marilyn Crispell)

Todas las composiciones por Agustí Fernández, excepto donde se indica.


Músicos: Agustí Fernández (piano), Barry Guy (contrabajo) y Ramón López (batería, percusión).

Morning Glory grabado en 44.1 Estudi de Gravació (Girona) el 5 y 6 de febrero de 2010. Live In New York grabado en directo en el Jazz Standard (Nueva York, Estados Unidos) el 14 de mayo de 2009.
Maya Recordings 1001


Comentario: Tras su excelente Aurora (Maya Recordings, 2006), el trío formado por el mallorquín Agustí Fernández, el inglés Barry Guy y el alicantino Ramón López nos regala un CD doble bajo el título de Morning Glory. El segundo de los compactos obedece al título Live In New York, y corresponde a un concierto ofrecido por la banda en el Jazz Standard neoyorquino donde repasan varias piezas de su anterior trabajo discográfico.

Asombran estos tres músicos, nuevamente, gracias a su capacidad de expresión sin límite en base a sonoridades nada obvias. Fernández es capaz de emocionar cual romántico a pesar de incluir múltiples disonancias en sus armonías. Guy entra y sale del terreno de lo teóricamente coherente, con furia o delicadeza (lo que ordene el contexto), pero con innegable honestidad artística. López apoya, bisela y realza el discurso de sus compañeros. En ocasiones parece tomarles en su regazo y llevarles por los caminos más abstractos y, a la vez, más lógicos.

Si “La niña de la calle Ibiza” y “An Anonymous Soul” nos sumen en la melancolía, el breve “Morning Glory” hace gala de un impresionismo roto que nos ofrece una visión sin límites de los compositores clásicos europeos de la primera mitad del XX. En “Zahorí” Ornette Coleman da la mano a la canción popular y en el obsesivo “Perpetuum Mobile” la combinación de piano y percusión nos recuerda a las piezas para piano preparado de John Cage. “Mourning” manifiesta descontento. En él Barry Guy, arco en ristre, no cesa de quejarse. El final “Belvedere” desarrolla una de esas figuras simples, de tres o cuatro notas, que tanto gustan a Agustí Fernández. En este caso la paleta armónica es algo más definida.

Como ya se comentó, el segundo CD aborda nuevamente temas de Aurora (con la excepción de “No Ni Nó” y “Rounds”). El directo confiere a la interpretación más fiereza, más desgarro y más insolencia, si cabe. El disco arranca con un momento memorable, la introducción de “Don Miquel” a contrabajo con arco. El arpegio inicial da paso a una sucesión de frases cortas que toma un rumbo melódico sumamente expresivo para abrazar la disonancia y dar la bienvenida al piano. La mencionada fiereza se pone de manifiesto en “Odyssey”, contrastando con su final de acordes reposados. “Can Ram” otorga protagonismo a un Barry Guy cuyo instrumento parece no tener secretos para él, y en “No Ni Nó” Fernández da un nuevo significado al concepto de balada.

Fernández, Guy y López se muestran como tres mentes independientes y con carácter propio, pero buscando sus rutas expresivas exactamente en la misma frecuencia. Morning Glory es una obra enorme, un regalo para oídos inquietos que no deja de descubrir nuevos horizontes en cada escucha. Y, para colmo, aporta como prueba el directo de la banda. Programadores de festivales de jazz: no sean tímidos, no se arrepentirán.

Arturo Mora Rioja




Joan Sanmartí - 1967


Composiciones: "Any Other One", "Pulsar", "¿Qué han dicho los otros?", "De corazón, transplante", "«1»", "Bedford's Dream", "Día sí, día no", "44 de Gibraltar", "«67»", "Beginning Of The End", "«9»", "«1967»".
Todos los temas por Joan Sanmartí.

Músicos: Joan Sanmartí (guitara eléctrica, guitarra sintetizador VG8, guitarra acústica de 9 cuerdas y guitarra acústica barítono), Víctor Prieto (acordeón), Alexis Cuadrado (contrabajo) y David Xirgu (batería)

Grabado en 44.1 (Girona), el 2 y 3 de junio de 2008.
Jazz Granollers Records 201001

Comentario: Joan Sanmartí vuelve al ruedo discográfico con 1967, encargado por Jazzgranollers para el decimoctavo Jazzfestival de Granollers. El guitarrista catalán nos vuelve a sorprender con, en este caso, un curioso monográfico: el año 1967, época de cambio, avances sociotecnológicos y, casualmente, media aritmética de los años de nacimiento de los cuatro músicos del disco. Las composiciones, originales de Sanmartí, recrean algunos de los acontecimientos sucedidos en esas fechas: la criogenización del doctor James Bedford (“Bedford’s Dream”), el descubrimiento de los púlsares (“Pulsar”), el primer trasplante de corazón (“De corazón, transplante”) o la votación en la que los habitantes de Gibraltar decidieron que el famoso peñón no se uniera a España (“44 de Gibraltar”). En lo musical 1967 fue también un año controvertido, incluyendo la muerte de John Coltrane, el nacimiento de Kurt Cobain, la publicación del primer disco de The Doors, del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles y la primera vez que Jimi Hendrix prendió fuego a su guitarra en directo.

Sanmartí ha sabido mirar hacia atrás desde el presente. Las interpretaciones en 1967 dedican guiños cómplices a tiempos pasados, pero utilizan un lenguaje moderno. Riffs de corte roquero en la guitarra se combinan con improvisaciones obsesivas y, a ratos, angulosas. El acordeón del gallego Víctor Prieto (curioso acompañante armónico, cuando menos) recuerda en instantes a los órganos Hammond de la época, para posteriormente soportar las improvisaciones del líder con una cálida sonoridad casi de bandoneón o, directamente, dejar espacio. Con una sección rítmica discreta, contundente y fluida (a destacar el sonido de contrabajo de Alexis Cuadrado), Sanmartí muestra un nivel privilegiado a las seis cuerdas, con sonoridades en momentos cercanas a John Scofield (“Any Other One”, “1967”) y en otros al Pat Metheny acústico (“9”). Los temas, originales del guitarrista, abarcan el blues menor (“¿Qué han dicho los otros?”), el reggae (“De corazón, transplante”), el shuffle (“44 de Gibraltar”) o la improvisación abierta sin acompañamiento armónico (“67”), todo ello sin restar cohesión a la obra. Destaca especialmente el segundo corte, “Pulsar”, con su inicio guitarrero, sus pedales de contrabajo y su melodía repetitiva.


Arturo Mora Rioja




Fourplay - Let’s Touch The Sky


Composiciones: “Let’s Touch The Sky” (Bob James), “3rd Degree” (Chuck Loeb), “More Than A Dream” (Harvey Mason), “Pineapple Getaway” (Harvey Mason), “I’ll Still Be Lovin’ You” (Nathan East), “Gentle Giant (For Hank)” (Bob James), “A Night In Rio” (Nathan East & Tom Keane), “Love TKO” (Eddie Gip Noble Jr., Cecil Womack & Linda Womack), “Above And Beyond” (Chuck Loeb), “Golden Faders” (Bob James), “You’re My Thrill” (Jay Gorney & Clare Sidney)


Músicos: Bob James (piano y teclados), Chuck Loeb (guitarras), Nathan East (bajos y voz) y Harvey Mason (batería y percusión), con Anita Baker, Ruben Studdard y Heather Mason (voz).

Grabado en Castle Oaks Studio, Calabasas (California, Estados Unidos).
Publicado en 2010. Heads Up 32030.

Comentario: Nueva aventura discográfica de Fourplay con un cambio de cara importante: Chuck Loeb sustituye a las guitarras al habitual Larry Carlton. Este Let’s Touch The Sky sigue los pasos de su anterior Energy, si bien de forma algo más deslavazada. Los originales del bajista Nathan East se acercan al smooth jazz, los del batería Harvey Mason recrean el jazz fusion más melódico y los del pianista Bob James albergan mayor complejidad formal. Las nuevas aportaciones de Chuck Loeb, de sonoridad personal e inconfundible, navegan a medio camino entre su lado más comercial (el de los discos a su nombre) y las sonoridades de su otra banda, Metro (especialmente patente en “Above And Beyond”). Al material propio hay que sumar dos versiones, el “Love TKO” de Womack & Womack (cantado, en esta ocasión, por Ruben Studdard) y un “You’re My Thrill” deliciosamente interpretado por Anita Baker.

El inicial “Let’s Touch The Sky” y “A Night In Rio” albergan aires brasileños, mientras “3rd Degree” y “Golden Faders” investigan en la fusión progresiva. Curioso cómo suena Chuck Loeb a Earl Klugh en “Pineapple Getaway”, y cómo Nathan East acompaña sus solos de bajo con su propia voz. Es, por desgracia, el bajista quien protagoniza el punto de menos interés de todo el disco cantando su propio “I’ll Still Be Lovin’ You”, balada edulcorada y de estilo muy pasado de moda. Justo tras ella aparece un radical cambio de sensaciones con “Gentle Giant”, un homenaje de Bob James al recientemente fallecido Hank Jones. Si bien no se trata de un disco redondo, hará las delicias de sus fans. Destaca la perfecta integración en la banda de su nuevo miembro y la continuidad en una fórmula que, de momento, funciona.


Arturo Mora Rioja




Eye in the Sky Proyecto - Eye in the Sky Proyecto


Composiciones: “The Man Who Sold The Word” (D. Bowie), “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (The Beatles), “Eye In The sky” (A. Parsons Proyect), “It Must Be Love” (Madness), “Helter Skelter” (The Beatles), “Life On Mars” (D. Bowie), “Being For The Benefit Of Mr. Kite!” (The Beatles), “Perfect Day” (Lou Reed).

Músicos: Jacobo de Miguel (piano), David Casillas (contrabajo) y Fernando Arias (batería)

Grabado los días 28, 29 y 30 de julio en el Teatro “El Llar” de Corvera de Asturias.
EveryGoodSong EGS002

Comentario: Con el tiempo todo cambia y el mundo del jazz también. Los standards de antes no son los de ahora, atrás quedaron las composiciones “I got Rhythm” o “Summertime” de George Gershwin y “Sophisticated Lady” de Duke Ellington, entre otras. El motivo de ese cambio lo podemos encontrar en el disco de Herbie Hancock The New Standards del año 1995, donde el pianista interpretaba y revisaba temas de Nirvana, Prince, The Beatles, Sade, Simon and Garfunkel etc.

Eye In The Sky Proyecto retoma esa misma idea con temas de David Bowie, Lou Reed, The Beatles y por supuesto el conocido “Eye In The Sky” de Alan Parsons y que dio título a su disco del año 1982.

La idea por tanto no es nueva, aunque se suma a esta nueva corriente del jazz que consiste en utilizar canciones del pop-rock para improvisar y transformarlas hasta hacerlas propias.
Ocho canciones famosas que los asturianos afrontan con originalidad, talento, honestidad y el riesgo creativo necesario para alcanzar la fluidez necesaria que precisa la obra.

Trabajo inicial que bien pudiera servir como iniciación al jazz para aquellos que se acerquen al mismo por vez primera. Su bop sencillo sabe guardar la uniformidad a lo largo de todo el disco rayando a buen nivel con imaginación y modernidad.

En cuanto al repertorio en temas como el que da título al álbum, “Eye In The sky”, el trío lo encara de manera tan reconocible que incluso se puede tararear. Y sus primeros compases a piano bien pudieran servir de fondo para el acompañamiento de imágenes.

Otros cortes que igualmente destacan por elección, interpretación, estructuras, armonías y arreglos son: “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (The Beatles) y “The Man Who Sold The Word” y “Life On Mars”, ambas del cantante y compositor glam David Bowie.

Enrique Farelo




Ramón López Freedom Now Sextet - Valencia


Composiciones: "Alacant". "Cos i ànima". "Bullirá el mar". "Els xiquets". "Misteri". "Horitzó". "Llum i vent". "Llotja de la seda". "Cova del bolomor". "Xàbia". "Fets d’amor". "Sis poemes". "Cançó de comiat".
Todos los temas fueron compuestos por Ramón López.

Músicos: Herb Robertson (trompeta), Ivo Perelman (saxofón tenor), Joe Morris (guitarra), Agustí Fernández (piano), Barry Guy (contrabajo), Ramón López (batería).

Valencia, 7 y 8 de agosto de 2009
Xàbia Jazz 008-2

Comentario: Los verdaderos artistas de vanguardia siempre han sabido reconocer cuáles son sus raíces y quiénes son sus maestros. No es Ramón López una excepción, como vemos en este disco que rinde homenaje a su tierra con un grupo que, desde el nombre, es un tributo a quien él considera su gran maestro, Max Roach.

La altura de los nombres convocados para integrar el sexteto, libre improvisadores de primera línea, lejos de hacer sombra a la figura de López, la potencian, aglutinándose en torno a la batería del alicantino, como si cada instrumento tejiese una extensión de la percusión.

La cohesión del grupo es admirable, destacando –en este sentido– el núcleo que conforman Agustí Fernández, Barry Guy y Ramón López. Todos se mueven con libertad pero nadie se aparta del discurso orgánico del conjunto ni del universo sonoro del percusionista, como podemos admirar especialmente en la estupenda “Llotja de la seda”.

El recorrido por el disco –registro fruto de un encargo del Festival Xábia Jazz– está plagado de climas áridos y coloristas, disonancias expresivas y aventuras atonales que entusiasmarán de principio a fin a los oídos amigos del free jazz y la libre improvisación. ¿Para cuándo nuevas presentaciones en directo?

Sergio Zeni




Yonathan Avishai & Bachir Mouhali - Soledad


Composiciones: “Blues For A Hip King”, “The Promise”, “Asrafil”, “Ke’ev”, “Soledad”, “Trance en Dance”, “Persian Dance”, “Fly”, “ Nomade’s”, “ Jitteburg Waltz”.

Músicos: Yonathan Avishai (piano) y Bachir Mouhali (congas, darbouka, bendir y daf).

Fresh Sound World Jazz 043
Grabado en París en junio de 2006

Comentario: En esta nueva producción del sello Fresh Sound se vuelve a confirmar que una de las señas de identidad del jazz es su versatilidad. En su crisol pueden resplandecer las músicas originarias de cualquier rincón de este planeta. Para esta sesión se han juntado el pianista de origen israelí Jonathan Avishai y el percusionista Bachir Mouhali, con varios años de rodaje tocando juntos y afincados en el sur de Francia.

Sería fácil encorsetar las diez piezas que componen Soledad con etiquetas como jazz étnico y cosas por el estilo. Simplificaciones que a veces, por artificiales, pasan por alto la calidad de las composiciones y limitan el interés por su escucha. Los sugerentes temas traslucen una cierta calidez y templanza, que nos trasladan hacia lugares remotos y solitarios. Si bien en principio pueden resultar fáciles y faltos de velocidad, tras una escucha reposada es cuando muestran su verdadera dimensión. La fuerza del piano se impone en todos los temas y salvo excepciones, como en las versiones de un tema de Abdullah Ibrahim, otro de Coltrane y un tercero de Fats Waller, el disco hace incursiones de una manera tangencial por los ritmos del jazz. En el resto hay una clara influencia de los acordes orientalizantes e incluso referencias que se remiten a lo afrocubano, que es donde Bachir Mouhali más resalta. A su lado, Avishai se muestra como el complemento perfecto en esta insólita formación. A destacar piezas como “Nomade’s Land”, “Fly” y “The Promise”, con una clara sintonía entre los dos músicos, capaces de dibujar paisajes sugerentes y de bella factura. Recomendable para mentes abiertas y viajeras.

Carlos Lara




Gerald Albright - Pushing The Envelope


Composiciones: “What Would James Do?”, “Get On The Floor” (Michael Jackson & Louis Johnson), “Bobo’s Groove”, “Capetown Strut”, “Close To You” (Burt Bacharach & Hal David), “I Found The Klugh”, “Embrace The Spirit”, “The Road To Peace (A Prayer For Haiti)”, “Highway 70”, “From The Soul”

Todos los temas por Gerald Albright, excepto donde se indica.

Músicos: Gerald Albright (saxos alto, tenor, soprano y barítono, EWI, flauta, guitarras, bajo eléctrico, teclados, programación de baterías y sintetizadores, percusión, coros), Tracy Carter y Luther “Mano” Hanes (teclados), Ricky Watford (guitarras eléctricas y acústicas), Ricky Lawson (batería), Mark Cargill (cuerdas) y Selina Albright (coros) con Fred Wesley (trombón), Earl Klugh (guitarra acústica) y George Duke (piano)

Grabado en Bright Music Studio (Castle Rock, Colorado, Estados Unidos).
Publicado en 2010. Heads Up 31976.

Comentario: Soul, funk, disco, latin, fusion, r&b. Todo ello tiene cabida en el último trabajo del saxofonista Gerald Albright y, al contrario que los cócteles de James Bond, más revuelto que agitado. Así “What Would James Do?”, con la colaboración del trombonista Fred Wesley, se remite al funk contundente, “Get On The Floor” (como su propio título indica) nos transporta a las pistas de baile de los años setenta, en la balada “Close To You” Albright recuerda a ratos a David Sanborn, a ratos a Grover Washington Jr., y en “I Found The Klugh” (con Earl Klugh como invitado a su sempiterna guitarra acústica) el ambiente recrea la última época de Spyro Gyra. “The Road To Peace” nos descubre al titular de la sesión convertido en todo un “sax hero”, y “Highway 70” recuerda al primer jazz fusion, al de la década que aparece en su título. Las interpretaciones están prácticamente perfectas, no falta un detalle. Todos los instrumentos suenan con brillo y los arreglos funcionan a la perfección. Los problemas los encontramos en la falta de cohesión, que convierten al CD en un compendio de estilos, y en el nulo riesgo tomado, al transitar por caminos archiconocidos.

Con una producción cuidadísima, Pushing The Envelope es un disco excelente, pero un disco de museo. De museo de arte moderno, si quieren. Esto no debería suponer problema alguno, si no fuera porque acaba de ser nominado a los premios Grammy 2011 en la categoría de “mejor álbum de pop instrumental”.

Arturo Mora Rioja




Marc Ayza - Offering


Comentario: 2008 fue el año elegido por Marc Ayza para sacar su segundo trabajo de estudio. Titulado Offering y publicado por la discográfica catalana Fresh Sound, en esta ocasión el batería se atreve con esa aventura relativamente complicada que consiste en acercar el jazz al hip-hop y al soul y viceversa con cierto éxito y coherencia. Para tal empresa, se rodea de una banda que forma, por el lado eminentemente jazzístico, con Roger Mas en el piano, Rhodes y Hammond y Tom Warburton en el bajo; por el ala más cercana al hip-hop con DJ Helios a los platos y un rapper, Core Rhythm, cuyo concurso es más bien testimonial apareciendo únicamente en dos temas, por lo que podemos afirmar que Offering es un trabajo realizado principalmente en cuarteto. De esta forma, uno tiende a pensar que la inclusión de los platos en un trío jazzístico clásico, es decir, piano-bajo-batería, puede resultar un tanto forzada y/o peligrosa pero, en cuanto el disco comienza a girar en el reproductor, este prejuicio queda inmediatamente desterrado, dado el carácter que DJ Helios imprime a su instrumento para la natural intrincación de éste con el resto de sonidos.

Sin embargo, si afirmamos que el lado del hip-hop sólo es rescatado por el turntablista estaremos faltando a la verdad. En Offering hay multitud de referencias al soul y al hip-hop procedentes de los demás instrumentos. El que más destaca en estas lides es, cómo no, el propio Ayza que se muestra como un batería sólido y sobrio capaz de incorporar a su lenguaje diversos ritmos provenientes de muchas y diferentes latitudes, desde el evidente groove contundente del neo-soul, a las cadencias brasileñas, pasando por alguna tendencia más espiritual y alguna referencia africana. Pero no sólo el trabajo de Ayza es reseñable. Los teclados de Roger Mas y las cuerdas de Tom Warburton nos deleitan con elaborados y elegantes solos y riffs que recuerdan por momentos, y desde la distancia, eso sí, a algunos de los arreglos que practicaban grandiosas bandas como Digable Planets o The Roots en los noventa. Por lo demás, tenemos homenajes a Gil Scott-Heron (el disco se abre con una versión con spoken word incluído por parte de Core Rhythm de su "Offering"), a Marvin Gaye con el cadencioso y adictivo tema de mismo título, y hasta J Dilla con un interludio llamado "So Far To Go" (titulado, como su tema con Common y D'angelo).

Adictivo y tremendamente eficaz también resulta ese sensual "Juanito's Groove" con un sonido orgánico netamente neo-soul reminiscente de la primera Erykah Badu o la banda Fertile Ground. Por el lado negativo, o sencillamente, menos bueno, se podría señalar que Offering adolece, en alguna ocasión, de resultar algo monótono debido a la poca variedad en cuanto a instrumentación se refiere y en cuanto a su duración total: cerca de hora y cuarto. Un lunar, totalmente subjetivo por otra parte, que no puede ni debe empañar el buen hacer de Marc Ayza y los suyos plasmado en un trabajo que promete continuidad en el idilio que, desde hace tiempo, mantienen jazz, soul y hip-hop. Notable sobrado.

Rodrigo López "Donny"




George Schuller - Life's Little Dramas


Composiciones: 01. “Glass Notes” (9:08); 02. “I Will Wait For You” (7:17); 03. “None Taken” (8:19); 04. “Apocalypso” (8:31); 05. “House of Blue Lime” (6:24); 06. “Autumn in New York” (8:44); 07. “Newtoon” (5:53); 08. “Salad Days” (7:21); 09. “Just In Time” (8:41)

Músicos: George Schuller (batería), Dan Tepfer (piano), Jeremy Stratton (contrabajo)

Duración: 71:06

Grabado en los estudios Bennett Studios, Englewood, New Jersey, el 21 de febrero y el 12 de agosto de 2008. Ingenieros de sonido: Travis Stefl (2/21/08) y Dave Kowalski (8/12/08). Masterizado por Katherine Miller. Mezclado y producido por George Schuller. Producción ejecutiva: Jordi Pujol.

Comentario: El batería George Schuller nos hace entrega con Life’s Little Dramas de su tercer trabajo como líder. Eso sí, aun cuando la impronta del neoyorquino afincado en Boston queda patente tanto en las cinco piezas originales que firma como en los arreglos de los cuatro estándares que completan la lista de temas, un soberbio Dan Tepfer consigue robar el protagonismo a Schuller con relativa sencillez.

Con Life’s Little Dramas Schuller usa la brújula de su presente musical para reescribir sus anteriores obras (tan sólo "Newtoon" es una composición reciente). Abre el disco "Glass Notes", original firmado por Schuller en los noventa para uno de sus proyectos, Orange Then Blue. Atravesado el ecuador del corte, Stratton pisa el pedal y entra en bucle para que Tepfer haga y deshaga a su antojo. De los desarrollos modales de "Glass Notes" el trío salta a todo un estándar con sabor a celuloide: "I Will Wait For You", de Michel Legrand. Con el tercer corte, "None Taken", y con una rítmica en siete por cuatro nos llega una de las piezas más interesantes. Al igual que la primera, la cuarta pista, "Apocalypso", es una revisión con aires a calypso de otra composición del de la Gran Manzana. Turno en la grabación para desgarrar y volver a coser dos estándares: "Limehouse Blues", y "Autumn In New York". La rítmica tropezada y desgajada de "Newtoon" son síntomas inequívocos de que estamos ante la composición más actual incluida en el disco. Aires a balada y métrica de tres por cuatro con "Salad Days", y cierre del disco con una versión de "Just In Time".

En resumen, el trío proyecta un sonido sólido, elegante y homogéneo, y la formación se desenvuelve con soltura sobre terrenos jazzísticos bien asentados en los que la complejidad y lo sesudo de los desarrollos armónicos tienen un espacio reservado en primera fila. La única cuña que me atrevo a clavar sobre un producto tan sólido es que, con la excepción de "Newtoon", Life’s Little Dramas suena más al ayer que al mañana.

Sergio Masferrer




Darrell Katz & the Jazz Composers Alliance Orchestra - A Wallflower in the Amazon


Comentario: En 2010 la Jazz Composers Alliance Orchestra cumple 25 años, y coincidiendo con ese aniversario publica su séptima grabación titulada A Wallflower In The Amazon. A lo largo de siete temas en gran formación, más un tema final en formato de cuarteto de saxos (JCA Sax Quartet) y voz, ponen sobre las mesas distintas influencias contemporáneas (el post-bop, el jazz fusion todo ello con temas del líder), pero sin olvidar realizar algunos guiños al pasado (Duke Ellington y el blues de Willie Dixon / Muddy Waters).

Los momentos más interesantes llegan con la participación del cantante Mike Finnigan en la versión de “Hoochie Coochie Man” y “Tuff Luck Blues” (de Big Maceo Merriweather), la irónica “Visiting My Aunties” (aquí la cantante es Rebecca Shrimpton), o la final “The Red Blues” (de Darrell Katz) por el JCA Sax Quartet y Shrimpton a la voz nuevamente. El resto incluye unos arreglos y composiciones de Darrell Katz (que no van más allá de lo correcto), adornados por algunos solos destacables (Hiro Honshuku al EWI, Jim Hobbs al saxo alto o Bill Lowe a la tuba) que elevan el nivel de la grabación.

Bercrit Cavei