John Scofield - A Moment’s Peace


Composiciones: “Simply Put”, “I Will” (John Lennon & Paul McCartney), “Lawns” (Carla Bley), “Throw It Away” (Abbey Lincoln), “I Want To Talk About You” (Billy Eckstine), “Gee Baby Ain’t I Good To You” (Don Redman & Andy Razaf), “Johan”, “Mood Returns”, “Already September”, “You Don’t Know What Love Is” (Gene DePaul & Don Raye), “Plain Song”, “I Loves You Porgy” (George & Ira Gershwin).

Todos los temas por John Scofield, excepto donde se indica.

Músicos: John Scofield (guitarra eléctrica), Larry Goldings (piano y órgano), Scott Colley (contrabajo) y Brian Blade (batería).

Grabado en Sear Sound (Nueva York, Estados Unidos), en enero de 2011.
Emarcy 0602527642482

Comentario: Qué título más apropiado. John Scofield vuelve a territorios jazzísticos y lo hace con calma, disfrutando de cada momento y de la paz en él presente. Lejos de sus recientes trabajos de corte más comercial, de sus devaneos con el jazz fusion en los ochenta y de ese acercamiento al funk que tanto le gusta, en A Moment’s Peace Scofield nos canta, nos arrulla y nos pone a soñar.

Su guitarra, inconfundible, resuena con menos agresividad de lo usual. Traza las melodías dando importancia a cada nota e improvisa con gravedad, con sentimiento, valorando cada frase y dejando espacio. Merece la pena escuchar sus evoluciones con atención (si no con devoción), dejarse llevar por el rumbo que marcan las seis cuerdas de su guitarra, soñar y disfrutar. Sin artificios, sin complicaciones, sin arreglos rítmicos complejos ni armonías estridentes. Combinando standards con originales y versiones más modernas, el cuarteto interpreta sin prisa. Larry Goldings se reparte entre el piano y el órgano, cubriendo el espectro armónico tras las líneas del líder y ofreciendo pequeños y efectivos solos. Scott Colley y Brian Blade ponen a funcionar la maquinaria rítmica con un oficio envidiable. El contrabajista no puede ser más sobrio: no falla una nota y todas le suenan redondas. El batería complementa el discurso de sus compañeros con delicadeza e imaginación.

Scofield emociona en “I Want To Talk About You”, sorprende en el “I Will” de los Beatles y relaja en “Gee Baby Ain’t I Good To You”. Inolvidable el “I Loves You Porgy” final. Y lo mejor de todo es que lo hacen parecer fácil. Aparentemente podrían grabar un disco como este todos los días. ¿Sería mucho pedir?

Arturo Mora Rioja




Tonbruket - Dig It To The End


Composiciones: “Vinegar Heart”, “Balloons” (Martin Hederos), “Decent Life”, “Lilo” (Dan Berglund), “Lighthouse”, “Dig It To The End” (Dan Berglund), “Gripe” (Martin Hederos), “Grandma’s Haze”, “Le Var”, “Trackpounder”, “Draisine Song” (Martin Hederos).

Todos los temas por Johhan Lindström, excepto donde se indica.

Músicos: Dan Berglund (contrabajo), Johan Lindström (guitarras eléctricas, acústicas y lap/pedal steel y teclados), Martin Hederos (piano, órgano, teclados, violín) y Andreas Werliin (batería y percusión), con Nino Keller (percusión y batería adicional) y Tomas Hallonsten (órgano).

Grabado en Atlantis Studio (Estocolmo, Suecia).
ACT 9026-2

Comentario: Esbjörn Svensson murió. Se guardó luto. Se rindió homenaje. Se miró hacia adelante. Hora de continuar el camino abierto hace año y medio: Dan Berglund edita el segundo capítulo de su proyecto Tonbruket. Capítulo, dada la enorme similitud con el debut discográfico del grupo. Más roquero (si cabe) y con el guitarrista Johan Lindström acaparando el protagonismo (más de la mitad de los temas son suyos).

Es la pedal steel guitar de Lindström la que manda y deja su sello en gran parte del disco. Notable, nuevamente, cómo un instrumento asociado a músicas tan americanas y, a veces, tan festivas, puede resonar con tanta solemnidad en este contexto. Como compositor, el guitarrista evoluciona hacia el terreno del rock sinfónico, como deja patente en “Trackpounder” y en el inicial “Vinegar Heart”. “Decent Life” guarda muchas similitudes con “Stethoscope”, del primer CD, y “Le Var” muestra una cara alegre desconocida hasta ahora en la banda. Los temas del pianista Martin Hederos (sutil a los teclados) se acercan más al pop instrumental, al desarrollo de la melodía facilona (que no fácil). Andreas Werliin se muestra como un excelente gregario.

En cuanto a Dan Berglund, a ratos parece un invitado en su propio proyecto. Destaca la claridad de sus líneas de bajo pop en el contrabajo, firma dos originales (a destacar el frágil “Lilo”), improvisa en un par de temas y aborda alguna que otra melodía; pero su personalidad se difumina en la del grupo. No en vano ya no se trata de “Dan Berglund’s Tonbruket”, sino de Tonbruket a secas.

Muy buen trabajo, buenos temas, buena producción. Menos fresco, muy poco jazzístico, poco innovador. Dan Berglund ha marcado una senda a seguir donde Tonbruket se concibe, desde su nacimiento, como grupo de culto.

Arturo Mora Rioja




Alon Nechushtan - Words Beyond


Composiciones: "Muppet Shock", "Different Kind of Morning", "Spinning the Clouds", "Master Plan", "Spring Soul Song", "Secret Short / Short Secret", "Entranced", "Heartbreakthrough", The Traveler"
Todos los temas por Alon Necushtan.

Músicos: Alon Nechushtan (piano), François Moutin (contrabajo), Dan Weiss (batería)

Grabado el 12 de octubre de 2010 en Acoustic Recording Studio, Brooklyn, Nueva York. Publicado en 2011 por Buckyball Records. BR024

Comentario: ¿Cuántos tríos como este puede haber en Nueva York? La ciudad alberga la mayor agrupación de músicos de jazz del mundo, de todos los gustos y colores, lo que implica que haya más oferta que en ningún otro sitio y, que probablemente, sea mejor. Por otro lado, ese tipo de aglomeraciones también albergan multitud de formaciones intrascendentes y reiterativas, diferentes versiones de propuestas muy similares, desarrolladas por músicos que se mueven en los mismos ambientes. El nivel medio es alto con respecto a otras zonas geográficas pero, en Nueva York se aspira, sobre todo, a ser uno más.

Según se me puso delante este CD, pensé que tenía que tener algo interesante, aunque sólo fuese por la sección rítmica del trío que lo protagoniza. Su líder es el israelí Alon Nechushtan, quien, en principio, me resultó completamente desconocido. Junto a él, François Moutin y el gran Dan Weiss anunciaban una buena sesión o, en el peor de los casos, competente.

Haciendo un poco de arqueología, enseguida aparecen las principales credenciales de Nechushtan: fue (¿es?) líder del grupo judío-americano Talat, con el que grabó The Growl para Tzadik, y ha tocado regularmente para Kenny Wollesen, Frank London, William Parker o Anat Cohen, entre otros. Nada de esto anticipa, sin embargo, el contenido de Words Beyond, un disco relativamente mainstream en el que el pianista muestra un buen catálogo de habilidades.

Como era de esperar, Moutin y, especialmente Weiss, aportan mucho a la música de Nechushtan, generando interesante patrones rítmicos y abrigando inteligentemente los vuelos del líder. Sin salirse de un jazz contemporáneo y post-bopper, Nechushtan incluye suficientes referentes como para que el oyente se quede con dos detalles: que el pianista sabe lo que hace y que su futuro puede traer sorpresas agradables.

Con Words Beyond es imposible de saberlo con certeza, puesto que, en definitiva, es un buen disco de un trío neoyorquino estándar. En España serían la repanocha; allí, un buen grupo. Si Nechushtan será un grande, o uno más en la capital jazzística del mundo, es algo que iremos viendo en sus próximos registros. De momento, nos quedamos con el nombre y con un disco disfrutable.

Yahvé M. de la Cavada




Scott Dubois - Black Hawk Dance


Composiciones: "Black Hawk Dance", "Illinois Procession Rain", "Dust Celebration", "Isolate", "River Life", "Souls", "Louis Frederic"

Todas las composiciones por Scott Dubois.

Músicos: Scott Dubois (guitarra eléctrica), Gebhard Ullmann (saxos tenor y soprano, clarinete bajo), Thomas Morgan (contrabajo) y Kresten Osgood (batería).

Grabado en FWL Studios (Leipzig, Alemania) el 30 de abril de 2009.
Sunnyside 1252.

Comentario: Continuando la línea de sus dos trabajos anteriores, el guitarrista Scott Dubois lanza este Black Hawk Dance en el que sigue explorando territorios rítmicos y armónicos sin excesivo apego por las formalidades de las corrientes centrales del jazz. Para ello se apoya en el multiinstrumentista de viento alemán Gebhard Ullmann, habitual de todo tipo de entornos avant-garde. Ullmann continúa la senda ya transitada anteriormente por Dave Liebman, Loren Stillman y Jason Rigby. En la batería Kresten Osgood toma el relevo de Mark Ferber, siendo el contrabajista Thomas Morgan el único que repite a las órdenes de Dubois.

Que nadie piense, no obstante, que la propuesta del guitarrista de Brooklyn es totalmente abierta. Los temas, todos ellos originales, cuentan con contornos bien definidos, apoyándose en melodías, pedales y figuras rítmicas. El inicial "Black Hawk Dance", de más de diez minutos, muestra a Dubois y Ullman dialogando y monologando mientras la sección rítmica se entrega al discurso o bien les dejan espacio. Todo ello cabe. A ratos la sombra de Ornette Coleman cubre al cuarteto. "Illinois Procession Rain" evoca a la América profunda, la que Bill Frisell, Charlie Haden o Pat Metheny ya han puesto en contexto jazzístico otras veces. La guitarra del líder se percibe clara, tanto en sus líneas como en sus acordes. El grupo suena melancólico en "Isolate", con un toque naíf, mientras "River Life" camina raudo gracias a la actividad del contrabajo para sumirse minutos después en una cadena de ideas a cargo de Gebhard Ullmann. El final del CD queda abierto, como con ganas de más.

Amantes de las propuestas con riesgo: no se pierdan ni Black Hawk Dance ni la evolución de Scott Dubois (como guitarrista, compositor y director de grupo). Parece, además, que la última palabra aún está por decir.

Arturo Mora Rioja




Jacques Loussier - Plays Bach. The 50th Anniversary Recording


Composiciones: “Partita In E Major”, “Invention For Two Voices No. 8”, “Siciliana In G Minor”, “Vivace From Concerto In C Minor”, “Toccata And Fugue In C Major”, “Minuet In G Major”, “Prelude No. 2 In C Minor”, “Chromatic Fantasy”, “Chorale No. 1 «Sleepers Awake»”

Todas las composiciones por Johann Sebastian Bach.

Músicos: Jacques Loussier (piano), Vincent Charbonnier (contrabajo) y André Arpino (batería).

Grabado en Advision Studio (Londres, Reino Unido) y Studio Miraval (Francia). “Sleepers Awake” grabada en directo en Nakano Sun Plaza Hall (Japón).
Telarc 83693.

Comentario: Cincuenta años ya. La propuesta de la música clásica pasada por el tamiz del jazz ha sido más que rentable para Jacques Loussier. Hay quien piensa que su fusión de estilos no funciona, incluso que raya en lo hortera (se lo recordará, en este disco, el vivace del “Concierto en Do Menor” con ritmo de batería pop). Hay quien alaba el gusto del pianista francés y su especial manera de improvisar, a medio camino entre el desarrollo clásico y el solo de swing. Lo cierto es que cincuenta años con Bach a sus espaldas son muchos años, y eso no se lo puede negar nadie. El Play Bach Trio es ya un grupo de culto.

Este CD de aniversario incluye grabaciones registradas en 1985, en la segunda encarnación del combo con el batería André Arpino y el contrabajo de cinco cuerdas de Vincent Charbonnier –desgraciadamente un infarto le apartó de la música en 1997–. El disco incluye algunas de las piezas más conocidas del compositor alemán (el “Minueto en Sol mayor”, la “Fantasía Cromática”). La versión más lograda es la de la “Tocata y Fuga en Do mayor”, especialmente en el adagio (que funciona como balada de jazz sin perder un ápice del contexto original). La destreza de pianista y contrabajista con sus respectivos instrumentos les permiten cubrir varias facetas en esta interpretación jazzística del barroco. Los solos están muy claros y el silencio canaliza las distintas secciones de cada pieza.

Cierra el CD una versión en directo de la “Coral Número 1” registrada en Nakano (Japón), despedida con una larga ovación, como es habitual en los conciertos del trío. Y, como dice el propio Loussier, “esperaremos al centenario. ¡Solo quedan otros cincuenta años!”.

Arturo Mora Rioja




The Stanley Clarke Band - The Stanley Clarke Band


Composiciones: “Soldier” (Ruslan Sirota), “Fulani” (Armand Sabal-Lecco), “Here’s Why Tears Dry”, “I Wanna Play For You Too” (Felton Pilate), “Bass Folk Song No 10”, “No Mystery” (Chick Corea), “How Is The Weather Up There?” (Stanley Clarke & Ronald Bruner Jr.), “Larry Has Traveled 11 Miles And Waited A Lifetime For The Return Of Vishnu’s Report”, “Labyrinth” (Hiromi), “Sonny Rollins”, “Bass Folk Song No. 6 (Mo Anam Cara)”.

Todos los temas por Stanley Clarke, excepto donde se indica.

Músicos: Stanley Clarke (bajo eléctrico y contrabajo, bajo tenor, talk box, voz), Hiromi (piano), Ruslan (sintetizadores, piano, piano eléctrico, voz) y Ronald Bruner Jr (batería) con Cheryl Bentyne (voz), Bob Sheppard (saxos tenor y soprano), Doug Webb (saxo), Andrew Lippman (trombón), John Papenbrook (trompeta), Charles Altura y Rob Bacon (guitarra eléctrica), Armand Sabal-Lecco (bajo eléctrico), Lorenzo Dunn (sintetizador de bajo), Chris Clarke y Jon Hakakian (programación de baterías), Natasha Agrama, Ilsey Juber (voz).

Grabado en Resonate (Burbank, California, Estados Unidos) y en Topanga Studio (Topanga, California, Estados Unidos).
Heads Up CD 3161

Comentario: Discazo de Stanley Clarke. El veterano bajista se ha embarcado en una producción de lujo donde afronta el jazz fusion de los años setenta y ochenta sin grandes innovaciones pero con mucha contundencia. Clarke combina experiencia con juventud en sus colaboradores y absorbe temas ajenos para reforzar la estructura del CD.

El pianista ucraniano Ruslan Sirota firma el primer corte, “Soldier”, todo un himno de jazz-rock sinfónico cuyas partes se combinan orgánicamente. Otro bajista, Armand Sabal-Lecco, es invitado a interpretar su propio “Fulani”. Clarke habla con su bajo, pero sin acaparar toda la atención. Hace uso del talk-box en “I Wanna Play For You Too” y en el excelente “How Is The Weather Up There?” (una canción sobre el calentamiento global, se explica al principio de la misma). Con su melodía interpretada a la guitarra con overdrive, “Here’s Why Tears Dry” hubiera sido todo un hit de haber aparecido en plenos años ochenta. Época a la que, junto a los setenta, rinde tributo en “Larry Has Traveled 11 Miles And Waited A Lifetime For The Return Of Vishnu’s Report”, cuyo título se refiere a varios de los padres del jazz fusion (Larry Coryell & The Eleventh House, Miles Davis, Lifetime, Return To Forever, The Mahavishnu Orchestra y Weather Report, en ese orden).

Pero si hay una colaboración que brilla por méritos propios es la de Hiromi: aporta un brillo especial a la formación, y su composición “Labyrinth” (también presente en el último trabajo de la pianista) destaca sobre el resto. La clara influencia de Chick Corea en la japonesa fomenta una cierta sonoridad a Return To Forever, especialmente patente en el “No Mystery” del propio Corea incluido en la grabación.

Clarke utiliza dos de sus “Folk Songs” a bajo solo: una para desengrasar en medio del CD y otra para cerrarlo. Un poco antes, su personal homenaje a Sonny Rollins a modo de jam session donde combina el ritmo caribeño de “St. Thomas” con una estructura armónica cercana a la de “Oleo”. Excelente trabajo aunque, dado el conservadurismo de su propuesta, el premio Grammy concedido (a mejor disco de jazz contemporáneo) se torne algo excesivo.

Arturo Mora Rioja




Absolute Ensemble - Absolute Zawinul


Composiciones: “Bimoya”, “Sultan”, “Great Empire”, “Peace”, “Good Day”, “The Peasant”, “Ballad For Two Musicians”, “Ice Pick Willy”

Todos los temas compuestos por Joe Zawinul

Músicos: Joe Zawinul (teclados y vocoder), Kristjan Järvi (dirección musical y de orquesta), Gene Pritsker (arreglos y guitarra eléctrica), Vesselin Gellev, Neela de Fonseka, Eddie Venegas, Gregor Huebner (violín), Edmundo Ramirez (viola), Michael Block (violinchelo), Mat Fieledes, Jay Elfenbein (contrabajo y bajo eléctrico), Hayley Melitta Reid (flauta y pícolo), Keve Wilson (oboe y corno inglés), Michiyo Suzuki (clarinete y saxo), Marianne Gythfeldt (clarinete), Martin Kuuskmann (fagot), Damian Primis (contrafagot), Charles Porter (trompeta), Ann Ellsworth (corno), Michael Seltzer (trombón), Damien Bassman (batería y percusión), Pablo Rieppi, John Ostrowski, Jorge Bezerra (percusión), Matt Herskowitz (piano y teclado), Sabine Kabongo (voz), Allegre Corrêa (guitarra y voz), Aziz Sahmaoui (percusión, voz y gembri), Paco Séry (batería, percusión y kalimba) y Linley Marthe (bajo eléctrico).

Grabado en Absolute Studios (Nueva York, Estados Unidos) en enero y febrero de 2007. Pistas adicionales grabadas en Hansahaus Studios (Bonn, Alemania) en junio de 2007 y junio de 2008. “Ice Pick Willy” grabada en directo en el Konzerthaus (Viena, Austria) en septiembre de 2007.
Intuition 3456 2.


Metropole Orkest y Vince Mendoza - Fast City. A Tribute To Joe Zawinul


Composiciones: “Jungle Book”, “Orient Express”, “The Juggler”, “Nubian Sundance”, “Dream Clock”, “Fast City”, “Peace”, “Tower Of Silence”, “In A Silent Way”

Todos los temas compuestos por Joe Zawinul

Músicos: Metropole Orkest, Vince Mendoza (director), Jim Beard (teclados), Victor Bailey (bajo eléctrico), Peter Erskine (batería), Amit Chatterjee (guitarra y voz), Alex Acuña y Efrain Toro (percusión).

BHM 1050-2

Comentario: La figura de Joe Zawinul sigue creciendo tras su fallecimiento hace ya dos años. El pianista austriaco deja un enorme legado musical tras de sí, al que añadir la inmensidad de piezas escritas que no llegó a grabar. Recientemente han aparecido dos CD de homenaje con planteamientos muy distintos.

Absolute Zawinul es la última grabación del vienés. Así lo comenta Kristjan Järvi, director del proyecto, en las notas al libreto. El Absolute Ensemble es un grupo con una larga y fructífera carrera a sus espaldas. Ante la idea de homenajear a Joe Zawinul, éste aceptó participar en el proyecto y elegir los temas a acometer. Junto a él también aparecen varios miembros del Zawinul Syndicate, completando una formación con sonoridades muy cercanas a los últimos trabajos del pianista, pero con un rango tímbrico extendido, dada la presencia de secciones de cuerda y viento. Gene Pritsker se encarga de los arreglos y Zawinul de la magia en sus intervenciones solistas. Acompaña al CD un corto documental sobre la grabación del disco.

En Fast City el concepto varía. Vince Mendoza toma los originales del maestro y los lleva a otro nivel, les da un lavado de cara y los adapta a un contexto musical muy alejado del original. La presencia de figuras del jazz fusion como Peter Erskine, Jim Beard, Alex Acuña o Victor Bailey –tres de ellos formaron parte, junto a Zawinul, de Weather Report– también influye sobremanera, ya que hacen suya la interpretación en más de una ocasión. La presencia de la Metropole Orchestra aporta brillantes pinceladas orquestales, pero en muchos momentos no se oye más de cuatro o cinco instrumentos a la vez. Mendoza arregla con cariño y los músicos le hacen justicia. El material escogido cubre un gran arco temporal (desde “In A Silent Way” hasta recientes trabajos del Zawinul Syndicate –“Orient Express”, “Tower Of Silence”–, haciendo especial hincapié en la época de Weather Report –“Jungle Book”, “Nubian Sundance”, “Fast City”, “The Juggler”, “Dream Clock”).

Amplios repertorios, en ambos casos, que permiten jugar con el contraste y que encuentran un punto común en “Peace”, balada de cálidos colores que funciona muy bien en los dos discos. Dos homenajes a una figura histórica, la de Joe Zawinul, influyente como pocas en las últimas décadas. Ni son los primeros ni suponemos serán los últimos. Merecido lo tiene.

Arturo Mora Rioja




Wolfgang Haffner - Round Silence


Composiciones: “Round Silence”, “Left Side Of Field”, “It’s Not Safe” (Wolfgang Haffner & Kim Sanders), “Azul”, “Stadium Jazz”, “Nightsong”, “The Space In Between”, “Tubes”, “Ride”, “Wordless”, “The Flow”

Todas las composiciones por Wolfgang Haffner, excepto donde se indica.

Músicos: Wolfgang Haffner (batería y percusión), Hubert Nuss (piano), Lars Danielsson (contrabajo y violonchelo), Christian Diener (bajo eléctrico), Sebastian Studnitzky (trompeta, piano y Fender Rhodes), Ernst Ströer (percusión), Julian Haffner (programación de percusiones adicional), Fiete Felsch (flauta alto), Lutz Büchner (clarinete) y Dan Gottschall (trombón), con Chuck Loeb y Dominic Miller (guitarras), Kim Sanders (voz) y Nils Landgren (trombón).

Grabado en Realistic Sound (Munich, Alemania) el 22 y 23 de enero de 2009. Grabaciones adicionales en Bohus Sound (Goteborg, Suecia), A-Trane Studio (Berlín, Alemania) y Les Cypres (Francia).
ACT 9605-2

Comentario: Un amigo de una distribuidora me descubrió (y me pasó) este trabajo de Wolfgang Haffner. Mis más sinceros agradecimientos. El batería alemán vuelve a sorprendernos aportando nuevos matices a su discurso, ese que abarca conceptos acústicos y eléctricos, swing y funk, Estados Unidos y Europa.

Podemos hablar, sí, de continuidad con anteriores trabajos; pero el aspecto de este Round Silence tiene poco que ver con su trío acústico (el del excelente Acoustic Shapes) y con sus proyectos de corte funk (Zooming). Las nuevas composiciones de Haffner se bañan en un mar de lounge, disco y chill-out, sin por ello dejar de ser jazzísticas. Es curioso, cuando menos, que el batería haya escogido estas sonoridades para representar el concepto que indica el título (“alrededor del silencio”); pero es cierto, el silencio rodea al disco por completo, contrastando poderosamente con los samplers y las programaciones.

Haffner no oculta su querencia hacia el nuevo jazz europeo y, especialmente, hacia e.s.t. Sonoridades del trío sueco aparecen prominentes en “Left Side Of Field” y “Stadium Jazz”, orgánicamente combinadas con bases bailables. En “Azul” dichas bases dan cobijo a una melodía lírica, una de tantas.

Haffner se rodea de músicos excelentes, entre los que cabe destacar a los bajistas Lars Danielsson (contrabajo) y Christian Diener (bajo eléctrico), y al trompetista Sebastian Studnitzy. Por si fuera poco, cuatro colaboraciones adornan el CD: la de la vocalista Kim Sanders en el bellísimo “It’s Not Safe”, la del guitarrista Dominic Miller en el inicial “Round Silence”, Nils Landgren al trombón en “Tubes” y Chuck Loeb a la guitarra en un “Nightsong” que parece escrito especialmente para él. Loeb comparte andanzas con Haffner en el grupo Metro, al que el batería también aporta composiciones originales. Una de ellas, “Express”, aparece en esta grabación remozada y rebautizada como “The Space In Between”.

Arturo Mora Rioja




Julian & Roman Wasserfuhr - Gravity


Composiciones: “Twinkle Eyes”, “Englishman In New York” (Sting), “Interlude”, “L.O.V.E.” (Bert Kaempfert), “Ramos Us”, “Fool’s Paradise”, “Branca”, “Gravity”, “Midnight Walk”, “If The Rain Comes” (Lars Danielsson), “Blue Desert”, “Some Other Time” (Wolfgang Haffner), “Theo”.

Todos los temas por Julian & Roman Wasserfuhr, excepto donde se indica.

Músicos: Julian Wasserfuhr (trompeta y fiscorno), Roman Wasserfuhr (piano, celesta y sintetizadores), Lars Danielsson (contrabajo, violonchelo y guitarra) y Wolfgang Haffner (batería).

Grabado en Hansa Tonstudio (Berlín, Alemania) del 4 al 6 de enero de 2011.
ACT 9507-2

Comentario: Jazz europeo de libro. Tras Remember Chet y Upgraded los jovencísimos hermanos Wasserfuhr presentan este Gravity donde, claramente desmarcados de la tradición del swing, usan el espacio, juegan con las dinámicas y buscan continuamente un tono triste y lírico. El CD es muy, muy bonito. Roman Wasserfuhr percute las teclas de su piano con elegancia, rellenando con sonoridades de teclado de forma discreta y eficiente. Su hermano Julian tiene un sonido de trompeta envidiable, perfectamente afinado, con reminiscencias de Kenny Wheeler. Las composiciones, firmadas por ambos, representan a la perfección ese universo entre melancólico y misterioso que transmiten como instrumentistas.

¿Cuál es, pues, el pero? Que el tiempo pasa, y la revolución del jazz europeo ya no es tal, sino una realidad plenamente afianzada. Que la mano de Wolfgang Haffner, batería y productor del disco, se deja ver en muchos detalles de la grabación, haciendo suyo el trabajo por momentos –el inicial “Twinkle Eyes”, la versión del “L.O.V.E” de Bert Kaempfert o “Fool’s Paradise” bien podrían pertenecer a un trabajo del batería–. Y que la sombra de e.s.t. cubre a los hermanos Wasserfuhr casi por completo –“Ramos Us” comienza con una línea en la mano izquierda muy similar a la del “When God Invented The Coffeebreak” de e.s.t.; Roman Wasserfuhr imita a Esbjörn Svensson pinzando las cuerdas del piano al comienzo de “Blue Desert”.

Críticas aparte, Gravity es un disco digno y esperanzador. Las interpretaciones son deliciosas; las improvisaciones, medidas, juegan a placer con los cambios dinámicos; el nada simple uso del espacio sobrecoge; la versión del “Englishman In New York” de Sting está muy lograda; la amalgama entre cinco por cuatro y seis por cuatro (con nueve por cuatro en el puente) de “Midnight Walk” funciona a la perfección; y la sección rítmica es todo un lujo, con un Lars Danielsson que saca partido a cada nota de su contrabajo y un Wolfgang Haffner que se encuentra como pez en el agua (los motivos ya se han expuesto). Si los hermanos Wasserfuhr se sueltan un poco y buscan su propia voz darán que hablar. Esperaremos.

Arturo Mora Rioja




Carsten Lindholm - Tribute


Composiciones: “3D”, “Elefantastic”, “9.th Gate”, “Laila”, “Dub3”, “J.M”, “M.M”, “Enovation”, “Bazzland”, “N.P.M”, “H.L.H”

Músicos: Carsten Lindholm (batería), Rene Damsback y Tav Klitgaard (trompeta), Anders T. Anderen (saxo), Eivind Aarset, Joakim Froystein y Hans Oxmond (guitarra), Audun Erlien y Kristor Brodsgaard (bajo).

Autoproducido.

Comentario: El jazz no tiene límites –así se entiende en Europa–. Carsten Lindholm, batería de origen danés, se ha embarcado en Tribute, proyecto discográfico de sonoridades modernas muy cercanas a las músicas de baile, estilísticamente encuadrable junto a los trabajos de los noruegos Nils Petter Molvaer o Eivind Aarset (colaborador de lujo en el CD).

Ritmos frenéticos de batería con especial mención para la caja utilizan elementos de drum’n’bass y sonoridades industriales. A pesar de la densidad armónica y de la presencia de numerosos instrumentistas, es la batería de Lindholm la que sobresale, dialogando en todo momento con el resto del contexto sónico. Las líneas de bajo conducen el discurso en algunas de las piezas. El concepto de tributo presente en el título del disco se concreta en varios de los temas, dedicados a Jens Melgaard, Mike Mainieri, Bugge Wesseltoft, Nils Petter Molvaer y al padre del líder.

Grabado en Oslo y Copenhague, Tribute es un trabajo cuya existencia hubiera sido difícil hace unos años. Es música del momento, personal y muy europea.

Arturo Mora Rioja




Fred Wesley - With A Little Help From My Friends


Composiciones: “Spring Like” (Pee Wee Ellis), “Swedish Funkballs”, “Beautiful” (Josh Dolgin), “Ashes To Ashes” (Fred Wesley, Bruce Cox & Dwayne Dolphin), “Palms Up” (Dwayne Dolphin), “Homeboy” (Maceo Parker), “Obamaloo” (Peter Madsen), “Everywhere Is Out Of Town” (Fred Wesley, Pee Wee Ellis, Robert F. Greenlee, Maceo Parker, Jim Payne & Willi Amrod), “Peace Fugue”.

Todos los temas por Fred Wesley, excepto donde se indica.

Músicos: Fred Wesley (trombón y voz), Bruce Cox (batería y voz), Dwayne Dolphin (bajo), Peter Madsen (teclados), Reginald Ward (guitarra), Gary Winters (trompeta), Phillip Whack (saxo tenor), Victor Wesley (trombón) y Roland Peil (percusión), con Daniel “Bat “ Sheehan (guitarra y bajo), Don Stroffolino (batería), Peter Bittner (saxo tenor), Paul Henderson (trompeta), Sal Oliveri (saxo barítono), Nils Landgren (trombón) y Willi Amrod (voz).

BHM 1049-2

Comentario: Fred Wesley presenta un nuevo trabajo de funk sin concesiones. El trombonista ha sabido combinar instrumentales de apariencia coherente con temas vocales (“Ashes To Ashes”, “Everywhere Is Out Of Town”), midiendo también sus colaboraciones.

El original “Spring Like” marca los estándares del resto del disco. En “Swedish Funkballs” invita al sueco Nils Landgren, demostrando que el trombón puede ser un instrumento solista de altísimo nivel. Guiña un ojo al jazz fusion en el calmado “Palms Up”, se muestra divertido en “Homeboy” y cercano al “Sidewinder” de Lee Morgan en “Obamaloo”. Wesley cambia de banda para el shuffle “Everywhere Is Out Of Town” y cierra, melancólico, con su “Peace Fugue”.

Wesley da cancha a los músicos de su banda, no solo en la interpretación, sino también en la composición. Buen trabajo de un excelente trombonista, indicado para amantes del funk.

Arturo Mora Rioja




Andy Winter Group - Day & Night


Composiciones: “When The Boys Come Out To Play”, “Still 2 To Be Need”, “Day & Night”, “Climb Up On The Mountain”, “Soundkastl”, “Mirage”, “Cleveland Ohio”, “Inbetween Places”, “Lovesong”, “There Was A Fly”, “Funk The Monk”, “Succo”.

Músicos: Andy Winter (batería, electrónica y programación de sintetizadores), Martin Auer (trompeta), Ron Spielman (guitarras eléctrica y acústica, voz), Jesse Milliner (teclados, sintetizadores y piano), Florian Truebsbach (saxos y flauta), Rainer Wind y Thomy Jordi (bajo eléctrico), Shannon Callighan y Eva Spielman (coros).

BHM 240-2

Comentario: Jazz, soul, funk, r&b, latin, rock… De todo cabe en la coctelera del batería austriaco Andy Winter. En Day & Night traza deliberadamente un mapa musical de los años setenta y ochenta, cubriendo un rango que abarca desde la música disco (“When The Boys Come Out To Play”) hasta el jazz fusion (“Soundkast”).

Winter se atribuye el “diseño de sonido” (sound design). No es para menos, dada la calidad de la producción y la maestría con que combina temas grabados en estudio y en directo (segundo y tercer corte). Las composiciones son claramente comerciales, pero presentan amplias partes instrumentales, escritas o improvisadas. Destaca el buen hacer del guitarrista Ron Spielman en “Still 2 To Be Need” (espectacular su solo á-la Steve Vai) y el del trompetista Martin Auer (randybreckeriano en “Funk The Monk”). El líder lo es en la sombra, sin apenas protagonismo pero llevando todo el rato un groove contagioso. No se lo pierdan si quieren animarse y pasar un buen rato.

Arturo Mora Rioja




Charlie Moreno - Subway To Venus


Composiciones: “Intro-Nasty de plasty”, “Afreaka”, “Jazzoul”, “Elegant People” (Wayne Shorter), “Nothing Else To Say”, “Never Told Story”, “Pepe’s Smile”, “The Freak On Me”, “Mr. Miller”, “Acid Hop”, “Just Breathe”, “Ghost Track”, “J.A.R.”

Todos los temas por Charlie Moreno, excepto donde se indica.

Músicos: Charlie Moreno (bajo eléctrico, tenor y sin trastes), Luis Gutiérrez y Andreas Prittwitz (saxos), Javier Sánchez (guitarra eléctrica, española y de 12 cuerdas), Adrián Schinoff (teclados), Paco Salazar (programaciones), Héctor Salazar (batería), Rayco Gil (percusión), Paco Mayorga (palmas y jaleos) y Esther Ovejero (voz) con Chuck Loeb (guitarra eléctrica).

Grabado en Arco del Valle Estudios (Cercedilla, Madrid).
EMUNA 003

Comentario: Tenemos un crack en este país y no lo sabemos. Tras sus excelentes So Lonely y Island Style (donde colaboraban Eric Marienthal, Joel Rosenblatt y Till Bronner), el bajista canario Charlie Moreno presenta Subway To Venus, otra colección de originales (más una versión flamenca del “Elegant People” de Wayne Shorter) con funk y fusion a raudales. Al igual que en los dos discos anteriores, Chuck Loeb aporta su grano de arena, en este caso en un solo tema.

Moreno favorece los contextos donde manda el groove. Domina multitud de técnicas de bajo (impresionante su slap en “The Freak On Me”) y las usa sin demasiadas exhibiciones. Se muestra romántico en “Pepe’s Smile” (con un destacado Javier Sánchez a la guitarra española) y dedica el noveno corte del CD a Marcus Miller, aunque donde realmente recuerda al gigante del instrumento es en la melodía del discotequero “Just Breathe”. Nos regala “Never Told Story” en la no muy explorada formación de bajo solo, y “Ghost Track” doblándose a sí mismo en varias pistas. “Nothing Else To Say” es un tema vocal dentro del estilo, interpretado por Esther Ovejero. El flamenco vuelve en el final J.A.R., dedicado al timplista, también canario, José Antonio Ramos, tristemente fallecido hace casi tres años.

Para esta ocasión Charlie Moreno no inunda el proyecto de figuras extranjeras, pero consigue plasmar una buena producción que sorprenderá a quien no le conozca. Lo dicho: tenemos un crack. Ya solo falta que la gente se entere.

Arturo Mora Rioja




Robert Wyatt, Gilad Atzmon, Ross Stephen - For The Ghosts Within


Comentario: Un nuevo disco de Robert Wyatt siempre es motivo de alegría y un tremendo placer al escucharlo por primera vez. Es como volver a los dieciocho, escucharlo una y otra vez, entrar en la música poco a poco y encontrarse con la sorpresa, el hallazgo y la emoción. Vuelve a ocurrir con este nuevo disco de Wyatt: For The Ghosts Within. Wyatt, como es costumbre en él, ha hecho un disco sensible, complejo, hermoso y evocador. Acompañado por el saxofonista y disidente israelí Gilad Atzmon y por Ross Stephen en el violín.

Como casi todo sus discos, éste, transmite una perentoria sensación de introspección, de calidez y fragilidad, que hace que se justifiquen los adjetivos utilizados más arriba, porque la descripción no parece oportuna. En esta ocasión Wyatt nos trae grandes melodías del cancionero clásico del jazz, standards como “Laura” de Johnny Mercer, “Lush Life” de Billy Strayhorn, “In a Sentimental Mood” de Duke Ellington, “Round Midnight” de Thelonius Monk, “What's New” de Bob Hagart y “What a Wonderful World” de Bob Thiele y George David Weiss y conocida entre muchas versiones por la de Louis Armstrong. También nos encontramos con relecturas de algunos de sus temas antiguos, como “Maryan”, del disco Shleep (1997), “At Least I Am Free” de Nothing Can Stop Us (1982) y “Where are they now”, versión de su tema “Dondestan” (1991) a ritmo de charleston y la participación de músicos británicos y palestinos. Hay también dos nuevas composiciones, “Lullaby for Irena” y el tema que da nombre al álbum, “The Ghosts Within”, co-escrito por la mujer de Wyatt, Alfreda Benge, y Gilad Atzmon, e interpretada por la mujer de éste, Tali Atzmon.

Como digo, un disco enternecedor e introspectivo: sensible y complejo, hermoso y evocador. De lo mejor de Wyatt. Un cinco estrellas para escuchar muchas veces.

Julián Ruesga Bono




Michael Olatuja - Speak


Composiciones: “Ma Foya”, “Altar Call”, “Hold On”, “Little Sister” (Michael Olatuja & Eska Mtungwazi), “Le Jardin”, “Yi Yipada”, “Unconditional” (Michael & Alicia Olatuja), “Speak” (Michael Olatuja & Femi Temowo), “Walk With Me” (tradicional), “Mama Ola”

Todos los temas por Michael Olatuja, excepto donde se indica.

Músicos: Michael Olatuja (bajo eléctrico, contrabajo y Fender Rhodes), Jean Toussaint (saxo soprano), Femi Temowo (guitarra acústica y eléctrica), Jason Rebello e Isaac Aryee (piano, Fender Rhodes, Moog), Luke Smith y Jason Michael Webb (teclados), Troy Miller y Jerry Brown (batería), Thomas Dyani Akuru, Anyan Leke y Volker Strater (percusión), Lynden David Hall, Andrew Roachford, Terri Walker, TY, Onaje Jefferson, Eska Mtungwazi, Alicia Olatuja, Richard Temowo, Anna Omakinwa, Sewuese Abwa, Brendon Guyatt, Heidi Vogel, Rasiyah y Sky (voz).

Grabado en Electric Vagabond Studios y The Premesis Studios entre el 1 de diciembre de 2003 y el 1 de mayo de 2004.
Obliqsound 104

Comentario: El apellido de este músico, su origen nigeriano y el ritmo africano de “Ma Foya”, primer corte de este CD, podría presagiar que nos encontramos ante una nueva fusión de World Music con África como ingrediente principal, al estilo de Richard Bona (Olatuja es, también, bajista). Mera anécdota. Este Speak camina decididamente hacia el soul entendido desde un punto de vista británico, en la línea de músicos y agrupaciones como Terry Callier, Two Banks Of Four o 4Hero.

La música de Michael Olatuja se acerca mucho a las pistas de baile de forma relajada, como evidencia el continuo uso de Fender Rhodes y el ritmo de batería “roto” de “Hold On”. El disco incluye nueve temas vocales interpretados por distintos cantantes más el instrumental “Mama Ola”, de sonoridades jazzísticas y donde el saxo soprano de Jean Toussaint se erige en protagonista. El aire africano vuelve a aparecer en “Yi Yipada”, pero el resto del disco se puede englobar en el trabajo de los DJs ingleses de la última década. Olatuja apenas despunta más allá de su trabajo de sección rítmica. Deja espacio en sus líneas de bajo, se muestra sobrado de técnica y recuerda a Jaco Pastorius en el interludio de “Little Sister”. La imagen que quiere transmitir es la de compositor, arreglista y, en definitiva, cerebro del proyecto. El tema que da título al CD añade un toque de hip-hop sobre una pegadiza melodía cantada en yoruba, y “Walk With Me” es un tema de gospel con voicings de piano de corte modal.

Michael Olatunja ha firmado un buen trabajo que, sobre todo, crea expectativas. La pena, quizás, es que la grabación haya tardado cinco años en ver la luz, dada la continua evolución de estos estilos musicales.


Arturo Mora Rioja