Varios Autores - The Jubilee Album. 20 Magic Years


Composiciones: “Symphony No. V, Mov 1: Trauermarsch” (Gustav Mahler), “Heart Shaped Box” (Kurt Cobain), “Bitter Ballad” (Youn Sun Nah), “Shapes” (Wolfgang Haffner), “Tarantella” (Lars Danielsson), “Brutal Truth” (Ida Sand), “Dancing” (Keith Jarrett), “The Seagull” (Jan Lundgren), “From Gagarin’s Point Of View” (Esbjörn Svensson, Dan Berglund & Magnus Öström), “Love Is Real” (Esbjörn Svensson & Josh Haden), “Close To You” (Burt Bacharach & Hal David), “Shadows In The Rain” (Gordon Matthew Summer), “Calima” (Gerardo Núñez), “Lapp Nils Polska” (Nils Landgren & Esbjörn Svensson), “I Walk the Line” (Johnny Cash), “Idioma” (Nguyên Lê), “What Child Is This? (Greensleeves)” (traditional), “Norwegian Psalm” (tradicional), “Tangos” (Vince Mendoza), “Thank You For The Music” (Björn Ulvaeus & Benny Anderson)


Músicos: Michael Wollny’s [em], Yaron Herman, Youn Sun Nah, Mathias Eick, Lars Danielsson, Wolfgang Haffner, Leszek Mozdzer, Ida Sand, Ulf Wakenius, Paolo Fresu, Richard Galliano, Jan Lundgren, e.s.t. (Esbjörn Svensson Trio), Viktoria Tolstoy, Rigmor Gustafsson, Jacky Terrasson Trio, Christof Lauer, Jens Thomas, Sidsel Endresen, Gerardo Núñez, Chano Domínguez, Michael Brecker, Nils Landgren, Joel Harrison, Norah Jones, Nguyên Lê, Renaud Garcia-Fons, Mino Cileno, Bugge Wesseltoft, Joachim Kühn, Markus Stockhausen, Michael Gibbs, Vince Mendoza, Al Di Meola, WDR Big Band.


Recopilación producida por Siggi Loch.
ACT 9570-2



Varios artistas - The ACT Jubilee Concert


Composiciones: “Pasodoble” (Lars Danielsson), “Sleep Safe And Warm” (Krzysztof Komeda), “Svantetic” (Krzysztof Komeda), “The Tears Of Billie Blue – Clair de lune” (Claude Debussy/Cecilie Norby), “Stars In Your Eyes” (Herbie Hancock), “Hymn” (Lars Danielsson), “This One Goes In Four” (Verneri Pohjola), “Little Wing” (Jimi Hendrix), “Lonely Dancer” (Michael Wollny), “ZigZag Blues” (Céline Bonacina), “Silent Way” (Wolfgang Haffner), “Dodge The Dodo” (Esbjörn Svensson), “Love Is Real” (Esbjörn Svensson & Josh Haden), “Purple Haze” (Jimi Hendrix).


Músicos: Nils Landgren (trombón y voz), Céline Bonacina (saxo barítono), Verneri Pohjola (trompeta), Michael Wollny (piano), Nguyên Lê (guitarra eléctrica), Lars Danielsson (contrabajo) y Wolfgang Haffner (batería), con Cecilie Norby (voz) y Leszek Mozdzer (piano).


Grabado en directo en el Laeiszhalle (Hamburgo, Alemania) el 5 de febrero de 2012.
ACT 6015-2


Comentario: “Veinte años no es nada”, decía el tango de Gardel. En 1992 Siggi Loch fundó el sello ACT, publicó el primer volumen del proyecto Jazzpaña y… el resto es historia. Dos décadas después la compañía alemana celebra su aniversario con dos ediciones especiales: el recopilatorio The Jubilee Album y el disco doble en directo The ACT Jubilee Concert, que reúne a destacados artistas de la casa. La compilación, como todas, no hace justicia a cada uno de los temas que incluye, al extraerlos de su contexto original, pero sirve como presentación del material que ACT ha publicado a lo largo de estos años. No faltan los nombres (Norah Jones –colaborando con Joel Harrison–, Michael Brecker y Al Di Meola –en Jazzpaña), los experimentos exitosos (Michael Wollny interpretando a Mahler, Yaron Herman a Nirvana) ni la orgullosa página nacional (Chano Domínguez y Gerardo Núñez, cómo no, en Jazzpaña). Los veinte temas que llenan el CD casi hasta su límite se mueven por muchos terrenos, con cierta compatibilidad en los instrumentales (entre todos esbozan eso que nos empeñamos en llamar “jazz europeo”) y no muy buen tino en las grabaciones vocales (Youn Sun Nah, Ida Sand, Viktoria Tolstoy, Rigmor Gustafsson, Sidsel Endresen y la mencionada Jones), que rompen la continuidad del CD. Destacan las interpretaciones de Wolfgang Haffner, Lars Danielsson, los miembros de Jazzpaña y, cómo no, e.s.t. (Esbjörn Svensson Trio), con su memorable “From Gagarin’s Point Of View”.

Mejor fortuna corre el ACT Jubilee Concert. Grabado en Hamburgo a principios de año, presenta a estrellas muy bien escogidas del sello organizadas en dúos, tríos y grupos más amplios con los extraordinarios todoterrenos Lars Danielsson y Wolfgang Haffner como sección rítmica. A ratos Nguyen Le, a ratos Michael Wollny aportan el color armónico. La cantante Cecilie Norby y el trompetista Verneri Pohjoli destacan en sus respectivas intervenciones (emocionante la primera en “Hymn”, a dúo con Lars Danielsson), el grupo al completo no parece sacarle todo el jugo al “Dodge The Dodo” de Esbjörn Svensson (nada como e.s.t. atacando su propia pieza) y Nils Landgren aporta contraste con sus giros al funk. El punto álgido: Leszek Mozdzer a piano solo. Emocionante.

El Jubilee Concert es una obra de altura. Dos CD llenos de buena música muy bien interpretada a cargo de destacados miembros de la escena del Viejo Continente. Un hito para una compañía que redondea veinte años en buenísima forma. Que cumplan muchos más y (como canta Nils Landgren en el último tema del recopilatorio) “thank you for the music”.


Arturo Mora Rioja




Roc Calvet - Other Worlds “Un tribut a la música de Wayne Shorter”


Composiciones: “Lost”, “Juju”, “Fall”, “Fee-fi-fo-fum”, “Infant eyes”, “ Wild flowe”, “Nefertiti” y “Really lost”.


Músicos: Roc Calvet (guitarra), Pablo Selnik (flauta travesera), Miguel Serna (contrabajo) y Joan Terol (batería).

Todas las composiciones de Wayne Shorter con arreglos de Roc Calvet
Grabado en agosto de 2011 en Estudis Laietana (Barcelona)


Comentario: Una de últimas leyendas vivas del jazz se merecía un homenaje como el que le brinda el guitarrista Roc Calvet. Other Worlds es una obra de relojería en la que el músico de Tarrasa (Barcelona) ha puesto lo mejor de sí mismo junto con sus acompañantes, para descubrirnos su particular visión de la música del genial saxofonista. Para ello ha escogido varios temas de Wayne Shorter para el sello Blue Note en la década de los 60, a los que Roc Calvet ha impreso diversos registros con un estilo y respeto impecables. Manteniendo una evidente fidelidad a las piezas originales, el cuarteto ha sabido imprimirles sus propios aires improvisatorios.

Desde los primeros acordes en el tema “Lost” que, a modo de balada, remiten de manera asimétrica al standard “Darn that dream”, enlazando con “Juju”, enfocado con iniciales connotaciones coloristas que dan paso a cierto intimismo. A resaltar el juego de combinaciones entre instrumentos donde prima, en general, una atmósfera de claroscuros en los que se vislumbra una cierta tendencia a los tonos misteriosos. La incorporación de la flauta travesera de Pablo Selnik otorga a las interpretaciones un sello personal importante y recrea de manera fiel el jazz de los años sesenta. La pieza “Fall” es toda ella un cúmulo de paz y sosiego. Las aportaciones del contrabajista Miguel Serna incorporan grandes momentos para la reflexión. Los solos, tanto de Calvet como de Selnik, son impecables. En “Fee-fi-fo-fum”, tanto el guitarrista como el flautista crean la tensión necesaria para que el desarrollo del tema se sumerja por diversos laberintos, que culminan en una decantación hacia un cúmulo de asonancias que se apropian del desarrollo de la pieza.

“Infant Eyes” se inicia con un solo de Calvet que da pie al resto del grupo con la flauta a la cabeza en una pieza donde la melodía de Shorter se aprecia de manera fiel, con un cierto halo enigmático a su alrededor. En “Wild flower” es el contrabajista quien da pie a una pieza dotada de mucha fuerza y energía, donde sobresalen de manera correlativa los mejores solos del disco a cargo de Roc Calvet, Pablo Selnik y Miguel Serna.
“Nefertiti” es uno de los clásicos de Shorter, que cuenta con un gran trabajo en los arreglos a cargo de Calvet quien, sabiendo crear la atmósfera del tema original, ha aportado sus toques improvisados. Por último “Really Lost” cierra el álbum como una especie de coda final que recuerda al tema inicial y se adentra por terrenos donde Calvet se ha tomado mayores libertades para dar al tema su particular orientación.


Carlos Lara Cid




Intokables Big Band - Enjoy latin jazz!


Composiciones: “Cubajazz”, “The Dance of Denial”, “Cubauza”, “Chucho””, “Azulito”, “Latin Import””, “A Night in Tunicia”, “El Rey del Timbal”, “Chameleon” y “Frenzy”.

Músicos: Carlos Ferrero, Sergio Espí, Kiko Ferrero e Iván Albuixech (saxos altos); Ferrán Sanchis, Joaquín Aparici y Francisco Blanco “Latino” (saxos tenores); Enrique Tortosa (saxo barítono); Miguel García, M. Ángel Llavero, Mario Sanchis y Andrés Vicedo (trombones); Mauro González, Salva García, Iñaki Grau, Sergio Pomar, Alejandro Belda, Pau Sanchis y Paul Evans (trompetas); Llorenc Belda y Óscar Cortés (bajo elétrico), Lluis Mira y Óscar Albuixech (guitarra), Carlos M. Botella (piano), Gustau García (batería), Jordi Rodríguez y Vicente J. Obrer (percusión latina); Carlos Ferri Reig “Patilla” (Director)

Grabado en el local social de la “Agrupació Musical Ontiyent”, los días 28, 29 y 30 de octubre de 2011 por “Creativa Estudio”.
Editado por Sedajazz Records
SJ020

Comentario: Sea por su mayor accesibilidad a los oídos o debido a su encorsetamiento en unos clichés armónicos establecidos que otorgan menores márgenes a la improvisación, el caso es que nadie duda a estas alturas que las grandes bandas de “latin jazz” se han convertido en una de las vertientes del jazz más populares y con mayor nivel de aceptación. No hay más que ver como acude el público a los festivales de jazz, preferentemente en verano, ya que es una música apropiada para momentos cálidos. Estas palabras no quieren ser una descalificación a un estilo que cuenta con una tradición contrastada en la que también se han adentrado grandes músicos de la historia del jazz: sirvan de ejemplo para ello Duke Ellington y Dizzy Gillespie. Al contrario, pretenden constatar un hecho cierto del que nada se puede objetar. Aunque la gran cuestión sería resaltar si existe y es posible la innovación en el jazz latino o más concretamente en el campo de las “big bands”.

De lo que no se puede dudar es de la profesionalidad y la categoría de los músicos que practican este género en España como es el caso de la “Intokables Big Band”, nacida hace cinco años en Ontinyent (Valencia). En su último trabajo Enjoy latin jazz ! se han reunido hasta 25 músicos para dar forma a once temas dirigidos por Ferri Reig “Patilla”, alma máter de la big band. Para ello interpretan temas clásicos de grandes maestros como Machito, Paquito d'Rivera, Michael Philip Mossman, Dizzy Gillespie, Bill Holman, Mario Bauzá o Herbie Hancock. Fieles a los cánones establecidos, los temas están interpretados con gran sonoridad y mucha variedad de ritmos tirando de un repertorio de temas basado en la música afro-cubana y el jazz y otros como el cha cha cha o la guaracha. Cómo no disfrutar con temas como “A Night in Tunisia”, “Chucho” o “Chameleon”. Colorido, fiesta de metales y percusión para una producción que suena estupendamente bien.


Carlos Lara




Kontxi Lorente Quartet - Mediterranean Sea


Composiciones: “El Viaje”, “Violeta”, “Azul en Verde”, “El Mar”, “Abril”, “ A Flote”, “Nostalgia” y “De vuelta a casa”.

Músicos: Vicente Macian (saxos tenor y soprano), Kontxi Lorente (piano), Alessandro Cesarini (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería).

Todos los temas compuestos y arreglados por Kontxi Lorente
Grabado en Milenia Studies (Valencia) en agosto de 2011

Editado por Sedajazz
SJ017

Comentario: La pianista Kontxi Lorente hace su debut discográfico con un nuevo producto de la factoría Sedajazz, que sigue con su labor de descubrimiento de nuevos valores en el jazz nacional. Hay que decir que se trata de un hallazgo certero, que ha sorprendido gratamente a quien suscribe. A lo largo de este viaje mediterráneo que nos propone esta pianista navarra hay una profunda labor en la sombra, a pesar de que los temas puedan aparentar cierta sencillez compositiva. Es evidente que su escucha remite a sonoridades ya trabajadas con anterioridad, pero ello no supone ningún agravante para Mediterranean Sea. Al contrario, llama la atención la frescura de la mayoría de los temas y el colorido y la luminosidad con que los músicos han plasmado las composiciones de la pianista. Un cuarteto muy equilibrado, que sabe transmitir con amplia libertad unas piezas estructuradas de manera convincente. Al piano, Kontxi Lorente, muestra un estilo directo sabiendo asumir su papel de líder del grupo, dejando expresarse con decisión al resto de los músicos. Sobre el saxofonista Vicente Macian, me reitero en lo dicho en una reseña anterior a propósito de su trabajo Bam!, que interpreta con determinación y se convierte en acompañante perfecto en este trabajo. Tanto Alessandro Cesarini, al contrabajo, como Gonzalo del Val, en la batería, cierran el círculo y contribuyen a incrementar la calidad de este disco.


Carlos Lara




Roberto Fonseca - Yo


Composiciones: “80's” (Roberto Fonseca), “Bibisa” (Baba Sissoko), “Mi Negra Ave María” (Roberto Fonseca y Mercedes Cortés), “7 Rayos” (Roberto Fonseca), “El Soñador Está Cansado” (Roberto Fonseca), “Chabani” (Roberto Fonseca), “Gnawa Stop” (Joel Hierrezuelo), “El Mayor” (Luis Jesús Valdés Cortés), “JMF” (Roberto Fonseca y Mercedes Cortés), “Así Es La Vida” (Roberto Fonseca y Mercedes Cortés), “Quien Soy Yo” (Roberto Fonseca y Assane Mboup), “Rachel” (Ramsés Rodríguez), “Bibisa remix” (Baba Sissoko), “80's remix” (Roberto Fonseca).

Músicos: Roberto Fonseca (piano, órgano Hammond, Fender Rhodes, coros, palmas, producción, arreglos), Daniel Florestano (producción, producción ejecutiva), Gilles Peterson (coproducción temas 3 y 5), Count (coproducción temas 1, 2, 4, 8 y 12, mezcla, masterización), Baba Sissoko (percusión africana, coros), Joel Hierrezuelo (percusión cubana, coros), Ramsés Rodríguez (batería, coros), Etienne Mbappe (bajo eléctrico), Munir Hossn (guitarra eléctrica, percusión), Skou Kouyate (kora), Larry Batiste (coros, arreglos vocales en tema 3), Kenny Washington (coros), Claytoven Richardson (coros), Mike C. Ladd (recitado), Damién Francisco Nueva (contrabajo), Felipe Cabrera (contrabajo), Nicolás Guillén (recitado) y Alex Kelly (violonchelo).


Jazz Village. Harmonia Mundi

Comentario: Consolidado internacionalmente como uno de los más interesantes pianistas cubanos gracias a los muy recomendables Zamazu (Enja, 2007) y Akokan (Enja, 2009), Roberto Fonseca presenta el más ambicioso de sus álbumes. El título y la llamativa carátula, sugieren que se trata también del más personal, pero eso mismo puede afirmarse de los discos citados. La reinterpretación en clave contemporánea y jazzística del folclore cubano siguen siendo el principal eje de lectura, pero como suele ocurrir en la discografía de nuestro anfitrión, no es el único. Es más, esta vez puso buena parte del énfasis como compositor y arreglista en evidenciar la conexión entre las músicas americana y africana, con la percusión como nexo de unión. Se aprecia muy bien en inspiradas piezas como “Bibisa”, “7 Rayos”, “Chabani” o “Gnawa Stop”, en las que músicos cubanos y africanos conviven con deliciosa (y lógica) naturalidad.

Pero eso no es todo, claro está. En el resto de Yo, Fonseca alterna bellísimas piezas de extraordinaria sensibilidad en las que desarrolla su vertiente más lírica, con incursiones en el lado bailable de la música latina. A la primera categoría pertenecen maravillas como “Mi Negra Ave María” o “El Soñador Está Cansado”, la primera de las cuales, además de mostrar su amor por las bandas sonoras, es un fantástico diálogo entre música y poesía recitada. Ambas, por cierto, las coproduce Gilles Peterson, la cabeza visible del admirable proyecto del que fue uno de los creadores en el 2008: Havana Cultura Band, ya con dos discos disponibles. A la segunda categoría pertenecen el corte inicial, “80's”, en el que se atreve con una base rítmica deudora de la batucada brasileña, y las remezclas firmadas por Count. Ambas transforman los originales en (afro-)house para las pistas, de modo que pueden ser una estupenda ocasión para que pinchadiscos atrevidos completen sus sesiones con otro tipo de sonidos.

Otro excelente disco de un pianista tan virtuoso como delicado, de un compositor que sabe ser enérgico y espiritual, y de un líder de grupo para el que los retos artísticos son su principal razón de ser.


Santiago Tadeo Cervera




Scott Dubois - Landscape Scripture


Composiciones: “Spring Haystacks”, “Prairie Suite”, “Goodbye”, “Summer Haystacks”, “Lake Shore Suite”, “Autumn Haystacks”, “Passing Spirit”, “Winter Haystacks”.
Todas las composiciones de Scott DuBois

Músicos: Scott DuBois (guitarra eléctrica), Gebhard Ullmann (saxo tenor y bajo clarinete), Thomas Morgan (bajo) y Kresten Osgood (batería)

Grabado en The Village en Copenhague, Dinamarca el 13 de febrero de 2011.
Sunnyside Records 2012

Comentario: He tenido la suerte de seguir la trayectoria de Scott DuBois desde sus orígenes y de haber sido su mentor inicial en España. Su obra no es precisamente fácil de asimilar, valga como ejemplo como en alguna de las visitas a Madrid tuvo que conformarse con interpretar standards de jazz que no es su forma más definida de hacer música.

En cuanto a su último trabajo en estudio, Landscape Scripture viene caracterizado por ser insinuante y sinuoso, poético, denso, complejo, intenso, introspectivo, disonante, dramático, descriptivo y de pasajes enigmáticos. Avant-garde oscuro que podría ubicarse en el sello alemán ECM.

Landscape Scripture es como una suave brisa de lluvia fresca para tu cerebro. Es esencia de oro pulido. ¡Es un cuarteto enorme!

Ocho composiciones propias conforman el disco que podrían agruparse de la siguiente manera: “Spring Haystacks”, “Summer Haystacks”, “Autumn Haystacks” y “Winter Haystacks”. En un segundo bloque irían los temas de mayor duración, es decir: “Prairie Suite”, “Lake Shore Suite” y “Passing Spirit” y por último curiosamente “Goodbye”.

El álbum se abre con “Spring Haystacks” un tema apacible de profundos ecos a cargo de la guitarra eléctrica de Scott DuBois; en “Summer Haystacks” predomina el optimismo y la alegría y Gebhard Ullmann recuerda al saxofonista noruego Jan Garbarek. Por contra “Autumn Haystacks” es el misterio y la inquietud, mientras que “Winter Haystacks” es una composición pausada que describe la tenue luz invernal, intimista y poética.

La trilogía del segundo bloque sitúa en primer lugar “Prairie Suite” donde el ritmo puntual de Thomas Morgan (bajo) y Kresten Osgood (batería) acompañan a unos gloriosos y espectaculares punteos de Scott DuBois a lo John McLaughlin para más tarde interactuar con maestría con Gebhard Ullmann. “Prairie Suite” supone un punto de inflexión en Landscape Scripture. “Lake Shore Suite es sin lugar a dudas el otro gran tema del disco. A los quiebros y requiebros del saxo tenor de Gebhard Ullmann le secunda Scott DuBois con un sonido calmado y ambient realmente exquisito. En otros de los pasajes la guitarra eléctrica de Scott DuBois se acerca nuevamente con vértigo a John McLaughlin y al jazz-rock con el apoyo brillante de Thomas Morgan y Kresten Osgood. “Passing Spirit” es el tercer corte más largo de la obra donde la sintonía entre Scott DuBois y Gebhard Ullmann vuelve a recordar a Jan Garbarek, Bill Frisell o John Abercrombie tanto en la forma de tocar como en el sonido. La belleza descriptiva y serena y las reminiscencias a John Abercrombie se dan cita en “Goodbye”.

Este es el orden en que podría escucharse esta obra pero una la única ya que cada cual es libre de hacerlo como crea conveniente o como el propio Scott DuBois propone. En todo caso un gran trabajo, un trabajo redondo y maduro donde el pintor impresionista Claude Monet aporta la caratula demostrando que Scott DuBois no ha dejado detalle alguno al azar.


Enrique Farelo




Scott Hamilton - Live in Barcelona


Composiciones: “Slow Boat to China”, “Beautiful Friendship”, “Red Wagon”, “You Are Too Beautiful”, “Old Fashioned Love”, “ Sweet Georgia Brown”, “Presentación”.

Músicos: Scott Hamilton (saxo), Gerard Nieto (piano), Ignasi González (contrabajo) y Esteve Pi (batería).

Grabado en directo en la Sala Jamboree de Barcelona los días 17 y 18 de diciembre de 2010.

Editado por Blau Records
BLAU 08

Comentario: Scott Hamilton es uno de los grandes tenores mejor aferrados a los sonidos tradicionales del jazz. Y esta no es ninguna calificación valorativa. Se trata simplemente de una cuestión de coherencia estilística mantenida a lo largo de los años. En su forma de entender el jazz sabemos de antemano lo que el de Rhode Island va a proponer, pero siempre puede sorprender y emocionar. Esta es la magia del jazz, como la que transpira este disco grabado en directo en la Sala Jamboree de Barcelona. Ya desde “Slow boat to China” hasta el último tema, “Sweet Georgia Brown”, Hamilton muestra su propio estilo, el que le ha valido reconocimiento internacional: sus soplos de aire fresco y llenos de autenticidad envuelven sus trabajos desde el principio hasta el final.

En este disco no hay trampa ni cartón, refleja a la perfección una sesión en vivo. Una colección de composiciones clásicas perfectamente adaptadas e interpretadas con maestría. “Live in Barcelona” puede significar un homenaje a los sonidos del jazz de siempre, el que ha sabido mantener ese olor y sabor añejo que se transmite al descorchar una botella de un gran reserva. El trío que le acompaña no tiene nada que envidiar a este peso pesado del tenor y sabe dar la talla. “Beautiful Frienship” nos transporta a lomos de los ritmos de bossa desde un comienzo en el que parece que estemos ante Ben Webster alternándose con Coleman Hawkins. En “Red Wagon” se enciende la llama de los rincones del jazz que se escuchaba en los clásicos clubes de Kansas o Chicago en los años dorados, con Scott Hamilton atacando las frases con energía, seguido por una sección rítmica de categoría. Por ahí se escuchan los ecos de Don Byas o Benny Goodman.

Al piano, Gerard Nieto aporta una gran lectura de los temas y los viste literalmente del más puro swing. Esteve Pi en la batería se reproduce en sus ansias de dar la réplica al conjunto. “You are too Beautiful” cumple su papel de evocadora balada, plena de sensibilidad y belleza, con Hamilton y Nieto en los papeles estelares en sendos solos. Los dos temas finales son apoteósicos. La versión del “Old Fashioned Love” de James P. Johnson es para disfrutarla a todo volumen. Una pieza que atrapa por un ritmo del que es difícil abstraerse. Tras un magistral solo de Hamilton, la sección rítmica demuestra su querencia por el jazz tal como dio sus primeros pasos. Como guinda del pastel, una versión de “Sweet Georgia Brown”, que pone un broche de oro a este viaje a las esencias de una música que por algo lleva más de cien años viva y en perfecto estado de salud.


Carlos Lara




Eri Yamamoto Trio - The Next Page


Composiciones: “Sparkle Song”, “Whiskey River”, “Just Walking”, “Night Shadows”, “Green Grows”, “ The Next Page”, “Up and Down”, “Dark Blue Sky”, “Waver”, “Catch the Clouds” y “Swimming Song”.
Todas las composiciones por Eri Yamamoto, excepto “Up and Down” por Ikuo Takeuchi.

Músicos: Eri Yamamoto (piano), David Ambrosio (contrabajo) y Ikuo Takeuchi (batería).

Grabado en Systems Two Studio, Brooklyn, Nueva York el 11 de octubre de 2011.

AUM Fidelity
AUM 071

Comentario: De sobra es conocida la gran pasión que existe en Japón por el jazz. Una tradición que ha proporcionado para la historia magníficos pianistas nipones con una especial sensibilidad y capacidad de apostar por composiciones arriesgadas. En el caso de Eri Yamamoto, esta pianista nacida en Osaka y afincada desde hace 16 años en Nueva York, está al frente de un trío estable con el que ha conseguido moldear sus propuestas innovadoras con las que se ha labrado una reconocida reputación en la escena neoyorkina. Durante 10 años el trío ha sido el grupo estable en un club del Greenwich Village y esa depurada simbiosis trasciende en la música del presente trabajo.

Grabado en un estudio de Brooklyn, “The Next Page” consta de 11 temas estructurados a modo de una actuación en directo. Hasta el punto que en el séptimo tema se produce una pausa de 60 segundos a modo de separación de los dos sets.

En este nuevo trabajo Eri Yamamoto demuestra tener un gran swing y firmeza en sus composiciones, interpretadas de manera introspectiva con economía de medios, sin aportar nunca una nota de más. Partiendo de un motivo simple las piezas se van haciendo cada vez más complejas, incrementando su densidad y creando climas tensionados hasta el final. El disco está formado por micro escenas urbanas todas ellas sugerentes. En los primeros temas la lentitud acompasada del piano camina hacia lugares no transitados que la japonesa se encarga de explorar hasta que encuentra vías de salida cargadas de plenitud. Constantemente aporta sus toques personales con inflexiones que recurren al blues. A partir de la pieza “Up and Down” los temas muestran una cara más dinámica en esta composición del batería Ikuo Takeuchi. Los fraseos cortos de Yamamoto rozan a veces un cierto toque minimalista, que enseguida se rompe con las contundentes aportaciones de Takeuchi y Ambrosio. Un disco sugerente y sumamente recomendable.


Carlos Lara