Hugo Fernández - Orígenes


Composiciones: “Kiki”, “Ollin”, “Brauni”, “15 minutos”, “Rana”, “Salida”, “Remedium”
Todas las composiciones por Hugo Fernández.

Músicos: Hugo Fernández (guitarra eléctrica de 7 cuerdas), Ariel Brínguez (saxos tenor y soprano), Ander García (contrabajo) y Mariano Steimberg (batería).

Grabado en Estudios Infinity (Madrid) del 13 al 15 de mayo de 2012.
Autoproducido.

Comentario: Tanto buscar en otros sitios y a veces nos olvidamos de lo que tenemos aquí mismo. Hugo Fernández es un guitarrista mexicano graduado en Berklee y ex ciudadano de Nueva Orleáns que, tras toda una vida en el continente americano, llegó a Madrid hace ya bastantes años. Tan bonito currículum vítae para un músico de jazz fructifica en Orígenes, su primera grabación como líder. Fernández no oculta su querencia hacia la nueva escena guitarrística neoyorquina, pero favorece la composición y los ambientes sobre el lucimiento técnico. En su música se escuchan ecos de Adam Rogers, Jonathan Kreisberg o Lage Lund, pero también de John Abercrombie y Pat Metheny. Huelga decir que el proyecto parte de una madurez trabajada durante años.

El guitarrista ha sabido conformar un cuarteto multicultural acorde a sus necesidades. El saxofonista cubano Ariel Brínguez es uno de los puntales de la escena jazzística madrileña, y en esta ocasión brilla tanto en las sentidas interpretaciones de las melodías como en unos solos que exploran sin límite y sobrecogen desde la primera nota. No le asustan los errores. Siguiendo los consejos que Miles Davis dejó para la historia, los convierte en música y crece a partir de ellos. Especial atención merecen sus evoluciones en “Ollin”. La sección rítmica está constituida por el excelente batería argentino Mariano Steimberg y el contrabajista bilbaino Ander García, habitual de los clubes madrileños donde suele actuar con varias formaciones. La dualidad de ambos, centrados en el jazz pero inmersos en otros proyectos de soul y electrónica, hace que temas de corte funk como “15 minutos” o “Rana” caminen como una apisonadora. No es fácil encontrar músicos que dominen tanto el swing como las músicas de groove, siendo en este caso los resultados plausibles.

Hugo Fernández toca una guitarra de siete cuerdas, pero el dato es anecdótico. Las cinco notas extra le permiten jugar con distintas disposiciones de acordes e investigar sobre las posibilidades del instrumento, pero su discurso es puramente melódico, sin demostraciones pirotécnicas. El mensaje de Fernández es reflexivo y calmado. Se muestra introspectivo en “Rana”, guiña un ojo a los clásicos insertando acordes en la improvisación de “Salida”, sale airoso de su solos más modernos, en single line, como el de “Kiki”. Sus siete originales están muy bien construidos, a destacar la combinación de ambientes en el inicial “Kiki”, el interludio rítmico en “15 Minutos” y la melodía entrecortada del final “Remedium”.

Ya sabíamos de sobra que la calidad no solo se encuentra en los grandes festivales, y que cualquier noche en cualquier club podemos encontrar jazz para el deleite por cortesía de músicos locales. Este Orígenes es buena prueba de ello. Esperemos que el nombre de Hugo Fernández suene con más fuerza a partir de ahora, y que no sea el único.


Pat Nichols




Tingvall Trio - Vägen


Composiciones: “Sevilla”, “Vägen”, “Högtid”, “Tuc-Tuc Man”, “Den Ensamme Mannen”, “Pa Väg (Solo Piano)”, “Shejk Schröder”, “Vaggvisa/Morgon”, “Tidevarv”, “Efter Livet”


Músicos: Martin Tingvall (piano), Omar Rodríguez-Calvo (contrabajo) y Jürgen Spiegel (batería y percusión).


Skip 9107-2

Comentario: Más que comenzar un nuevo capítulo tras cerrar su trilogía inicial (Skagerrak, Norr y Vattensaga), con este Vägen el Tingvall Trio la convierte en tetralogía. La evolución del grupo es notable, como lo es la fidelidad a la fórmula estilística que tan buen resultado les ha dado hasta ahora.

La continuidad es evidente desde el diseño de la carpetilla. La música lo confirma: composiciones cortas, predominancia melódíca, unísonos piano-contrabajo, querencia hacia escalas folclóricas del este de Europa, interacción en torno a un concepto pianístico… La evolución se nota en la interpretación puntual, en el desparpajo, en el grado de conocimiento mutuo entre los miembros de un trío que ha aprovechado sus recientes giras europeas para crecer. El inicial “Sevilla” es más espontáneo que todo el material grabado con anterioridad. Incluso la calidad de la grabación se acerca más a la de un directo que la de sus anteriores trabajos.

Los tres compañeros suenan perfectamente engranados en las baladas (“Vaggvisa/Morgon”) y contundentes en los tiempos más rápidos. Tingvall se muestra más lírico que nunca en “Pa Väg”, a piano solo, y “Tuc-Tuc Man” parece una reescritura balcánica del “Green Chimneys” de Thelonious Monk. Cierra el disco el melancólico “Efter Livet” con el dramático apoyo de una sección de cuerda y otra de viento.

A estas alturas no vamos a criticar a Martin Tingvall y sus compañeros por repetirse. Permanecer ya es todo un lujo en los tiempos que corren, y este Vägen afianza un estilo por el que han apostado con fortaleza. Mucha suerte.


Arturo Mora




Mister Atomic - Mister Atomic


Composiciones: “Fabios Goove”, “A1”, “A Peguin Tunisia”, “Blew”, “Blow Fucker Blow”, “La Ilicitana”, “Some Skunk Monk”, “Struttin”, “The Cucciard Jump”, “The End Is Near”
Todas las composiciones de David J. Herrington, excepto “A Peguin Tunisia” (Herrington y Scott) y “Some Skunk Monk” (Herrington, Monk y Brecker)


Músicos: David J. Herrington (tuba), Pierre León (saxo alto), Curro García (batería y timbales).


Grabado en Estudios Eurotrack
Rascayú 001-2 records 2012


Comentario: El trío liderado por el tubista David J. Herrington es un ejercicio de minimalismo instrumental, de músicos y hasta de la original e inusual caja que contiene el CD ó más bien podríamos decir caja del CD-pizza.

El trío basa su música en un cajón de sastre donde cabe casi cualquier forma de jazz. En él podemos encontrar desde el dixieland, el sonido Nueva Orleans o el pasodoble entre otros. Y es que esta pizza viene bien condimentada para el baile y el buen humor con la necesaria pegada y la perfecta ejecución de sus intérpretes.

Con Pierre León encontramos el mayor protagonismo del disco, su saxo alto llena espacios con toneladas de swing y David J. Herrington le acompaña con la fuerza necesaria para sustituir al bajo con su tuba. Cierra el trío Curro García con el ritmo frenético que sale de su batería. La contundencia que caracteriza al disco contagia de manera incansable los pies de quienes la escuchan como si de una marching band se tratara.

El ritmo entrecortado de “Fabios Goove”, la humorística “A1”, el homenaje a Dizzy Gillespie en “A Peguin Tunisia” o Monk en “Some Skunk Monk”, el pasodoble “La Ilicitana”, la bailable “The Cucciard Jump”, se completa con “The End Is Near” y sus interminables finales que ponen punto final al disco.

Bon appétit. ¡Qué les aproveche!


Enrique Farelo




Pete Robbins Transatlantic Quartet - Live In Basel


Composiciones: “Eliotsong”, “There There”, “Inkhead”, “The Quiet Space Left Behind”, “Hoi Polloi”, “Introductions”, “Hope Tober”

Todas las composiciones por Pete Robbins.

Músicos: Pete Robbins (saxo alto), Mikkel Ploug (guitarra eléctrica), Simon Jermyn (bajo eléctrico) y Kevin Brow (batería).


Grabado en directo en el Birdseye Jazzclub en Basel (Suiza) el 16 de enero de 2010
Hate Laugh Music 002.


Comentario: Pete Robbins es uno de esos músicos fabulosos de la escena de Nueva York de los que apenas hemos oído hablar en Europa. Originario de Brooklyn, lo suyo es el jazz moderno de corte americano, pero en este proyecto apropiadamente titulado Transatlantic Quartet se rodea de músicos del otro lado del charco, como el guitarrista danés Mikkel Ploug y el bajista irlandés Simon Jermyn. Aunque reside en Dinamarca, el batería Kevin Brow es canadiense.

La música de Pete Robbins requiere y reclama atención. Siempre está ocurriendo algo, siempre se está construyendo una melodía, un solo, un ambiente. Escuchar al cuarteto es un ejercicio intelectual con recompensa espiritual. Nos relaja, nos altera, nos absorbe y nos devuelve a la realidad en mejores condiciones. El grupo es sumamente respetuoso con cada uno de sus miembros, que disfrutan de mucho espacio en sus solos. Buena muestra de ello da Simon Jermyn en el inicial “Eliotsong”. Mikkel Ploug, guitarrista de la escuela de Kurt Rosenwinkel, pone mucho cuidado en sus voicings y utiliza el silencio de forma prominente. Robbins atesora un sonido dulce y meloso que contrasta con lo anguloso de sus improvisaciones, en continua progresión dinámica y sugiriendo muchos reclamos de cara a la interacción con sus compañeros de viaje, que exploran juegos rítmicos y métricos. El repertorio está compensado. El obsesivo “There There” encuentra su contraste en la aparente agresividad de “Inkhead”, al igual que la balada “The Quiet Space Left Behind” lo hace con “Hoy Polloi”. Cierra el disco “Hope Tober” con su bellísima melodía, que nos deja con ganas de más.

Robbins ha creado un cuarteto que fluye con la liviandad de un trío, agradable de escuchar pero moderno e incisivo. Un concepto entre global y americano para una buena muestra de jazz del siglo XXI.

Arturo Mora




Marcus Miller - Renaissance


Composiciones: “Detroit”, “Redemption”, “February”, “Slippin’ Into Darkness” (Sylvester Allen, Harold Ray Brown, Morris DeWayne Dickerson, LeRoy L. Jordan, Charles Miller, Lee Oskar & Howard E. Scott), “Setembro (Brazilian Wedding Song)” (Ivan Lins & Gilson Peranzzetta), “Jekyll & Hyde”, “Interlude: Nocturnal Mist” (Luther “Mano” Hanes), “Revelation”, “Mr. Clean” (Weldon Irvine, Jr.), “Gorée (Go-Ray)”, “CEE-TEE-EYE”, “Tightrope” (Nathaniel Irvin III, Charles Delbert Joseph II, Antwan Patton & Janelle Monáe Robinson), “I’ll Be There” (Berry Gordy, Jr., Bob West, Hal Davis, Willie Hutchison & Freddy Wexler)

Todas las composiciones por Marcus Miller, excepto donde se indica.


Músicos: Marcus Miller (bajo eléctrico y sin trastes, contrabajo, clarinete bajo), Sean Jones y Maurice Brown (trompeta), Alex Han (saxo alto), Federico González Peña, Bobby Sparks y Kris Bowers (piano, teclados, Fender Rhodes), Adam Rogers, Adam Agati y Paul Jackson Jr. (guitarra), Louis Cato (batería) y Ramón Yslas (percusión), con Rubén Blades y Gretchen Parlato (voz).


Grabado en Sear Sound (Nueva York, Estados Unidos).
3 Deuces Records. FDM 46050 36982 2


Comentario: Lo mismo de siempre, pero qué bien hecho. Marcus Miller repasa sus fórmulas habituales en este Renaissance lleno de funk y melodías silbables. Lo hace en torno a un grupo estable con alguna colaboración salteada, creando un producto que rebosa unidad y coherencia.

Así, Miller se apoya con confianza en la que ha sido su banda en directo en los últimos años (Sean Jones a la trompeta, Alex Han al saxo alto, Federico González Peña a los teclados y Louis Cato en los tambores). A partir de ahí otros músicos van completando cada uno de los temas, con un Adam Rogers desaprovechadísimo y Rubén Blades y Gretchen Parlato abordando una buena interpretación de un arreglo discutible: el del “Setembro” de Ivan Lins (escúchese, para comparar, la versión original, o bien la de Quincy Jones en su Back On The Block). Parece que en este nuevo CD el bajista ha conseguido que nadie brille por encima de él, pero consigue no aburrir, y eso tiene su mérito en un disco de más de 70 minutos.

El sonido del Fender de Marcus Miller es excepcional; ya lo hemos comentado otras veces en estas páginas. En Renaissance no abusa del slap ni de los solos. Su punto fuerte son las composiciones. Lejos de la búsqueda de texturas complejas, formas intrincadas o armonías impredecibles, Miller se preocupa de la melodía por encima de todo. “Detroit”, “February” y “Revelation” son buena muestra de ello. También aprovecha para aportar su visión personal a temas de otros como el “Slippin’ Into Darkness” de War o el “Mr. Clean” de Weldon Irvine. Cierra el disco con una bellísima versión a bajo solo del “I’ll Be There” que popularizaran los Jackson 5.

Calidad, calidad y calidad. Técnica y madurez al servicio de una producción excelente. Mientras sea a este nivel, que se repita cuanto quiera.


Arturo Mora




Mezzoforte - Volcanic


Composiciones: “It’s A Funk Thing” (Karlsson), “Berlin Boogie” (Gudjonsson, Studnitzky, Mueller, Asmundsson, Gunnarsson & Briem), High Life (Gunnarsson), “Sleeping Volcano” (Gudjonsson, Studnitzky, Mueller, Asmundsson, Gunnarsson & Briem), “Stepping Out” (Karlsson & Briem), “Jump Town” (Briem), “Sea Breeze” (Asmundsson), “Bright And Early” (Gunnarsson), “Hatton” (Karlsson & Gunnarsson), “Down On Sunset” (Karlsson), “So What’s Up?” (Mueller), “Wandering Soul” (Asmundsson)


Músicos: Sebastian Studnitzky, Joo Kraus (trompeta), Oskar Gudjonsson (saxos), Eythor Gunnarsson (teclados), Fridrik Karlsson, Bruno Mueller (guitarras), Johann Asmundsson (bajo eléctrico), Gulli Briem (batería), Thomas Dyani, Luis Conte (percusión).

Grabado en Hijodriti (Islandia)
BHM 1052-2




Mezzoforte - Islands


Composiciones: “Angel Town”, “Suitcase”, “Time Out” (Gunnarsson), “Funky Homer”, “Heimaey”, “B&B” (Bruno Mueller), “9:08” (Gunnarsson), “Here And Now”, “Islands” (Studnitzky)

Todas las composiciones por Mezzoforte, excepto donde se indica.


Músicos: Sebastian Studnitzky (trompeta), Oskar Gudjonsson (saxos), Bruno Mueller (guitarras), Eythor Gunnarsson (teclados), Johann Asmundsson (bajo eléctrico) y Gulli Briem (batería), con Rhani Krija y Matthias Hemstock (percusión).


Grabado en Studio Sýrland, Reikiavik (Islandia).
BHM 1063-2


Comentario: En estos últimos años los islandeses Mezzoforte, abanderados del buen jazz fusion de los ochenta, han pasado por un reencuentro, una vuelta al trabajo y un período de transición. Espoleados por el batería Wolfgang Haffner, en 2004 grabaron Forward Motion tras casi una década de silencio. Tres años después aparecerían el doble album recopilatorio Anniversary Edition y el directo Live In Reykjavik, coronando 30 años de carrera y marcando un punto de inflexión en el devenir de la banda.

Desde entonces el cuarteto ha dejado de ser un cuarteto, presentando dos nuevos CD que documentan la despedida del guitarrista Fridrik Karlsson, miembro original del grupo. Volcanic (2010) reza en su contraportada “Mezzoforte & friends”. Karlsson comparte grabación con su sucesor, Bruno Mueller. A los otros tres miembros históricos (Eythor Gunnarsson, teclados; Johann Asmundsson, bajo; Gulli Briem, batería) se unen el saxofonista Oskar Gudjonsson y el trompetista Sebastian Studnitzky como integrantes fijos, y otros tres instrumentistas como colaboradores. En Islands (2012), ya sin Karlsson, queda definida la nueva formación de sexteto (trompeta, saxos, guitarra, teclados, bajo y batería).

Lo más destacable de ambas producciones es la vuelta del grupo al sonido fusionero que siempre les caracterizó, tras sus devaneos con el acid jazz en Monkey Fields (1996). No obstante los estándares de producción son mucho más altos, y los nuevos miembros parecen haberse integrado totalmente en la banda. Volcanic es un gran trabajo de jazz fusion sin grandes riesgos. Brillan las melodías y los arreglos, con un buen y comedido uso de dinámicas. El inicial “It’s A Funk Thing” captura la atención del oyente, “Sleeping Volcano” dibuja una evolución melódica lógica aprovechando la nueva realidad tímbrica del grupo, y “Jump Town” recuerda sobremanera al Pat Metheny Group de finales de los ochenta. Fridrik Karlsson compone cuatro de los temas; dos de ellos los escribe al alimón la nueva formación, y Bruno Mueller se estrena con el bluesero “So What’s Up?”, dejando entrever sus querencias. El bajista Johann Asmundsson, como suele hacer, nos regala dos composiciones líricas que evocan ambientes relajados: “Sea Breeze” y el final “Wandering Soul”.

El reciente Islands deja claro que el cambio de guitarrista no es una simple sustitución. Mezzoforte ha perdido a Fridrik Karlsson y ha ganado a Bruno Mueller. El sonido de la banda acaba de evolucionar hacia un jazz fusion más cercano al rhythm&blues y más alejado del jazz-rock. Mueller es un buen guitarrista de presencia discreta, no un guitar hero de los ochenta (su solo en “Funky Homer” es toda una declaración de intenciones, aunque su composición “B&B” está más comprometida con el sonido histórico del grupo). La banda es ahora más ambiental y menos incisiva. Aunque Islands está autoetiquetado como “Jazz/Fusion/Funk”, su contenido se acerca al smooth jazz (escúchese el tercer corte, “Time Out”). Otro dato importante: por primera vez desde 1985 Johann Asmundsson y Gulli Briem no firman ningún tema en solitario o en pequeña colaboración.

Aparte del giro comentado, las nuevas composiciones aprovechan la variedad tímbrica del grupo, creando sonoridades melosas entre saxo, trompeta y teclados, o bien tirando del desparpajo de un Oskar Gudjonsson capaz de hacer hablar a su saxo con descaro. El inicial “Angel Town” camina con firmeza, y tanto “Heimaey” como “9:08” presentan un buen trabajo de texturas. El trompetista Sebastian Studnitzky despunta en su bello original “Islands”, que da título al disco (grabado y post-procesado entre varias islas).

Con cambios, evoluciones, pérdidas e incorporaciones, Mezzoforte sigue vivo y su nueva andadura se consolida. La formación actual ya es estable, hay fechas de conciertos a la vista (en el norte de Europa y en Asia. Aquí no están las cosas para cultura en estos momentos) y se adivina un ritmo de grabaciones constante. Buenas noticias, sin duda, para la música.


Arturo Mora




Metropole Orkest - Better Get Hit In Your Soul. A Tribute To The Music Of Charles Mingus


Composiciones: “Boogie Stop Shuffle”, “Tijuana Gift Shop”, “Celia”, “O.P.”, “Hora Decubitus”, “Goodbye Pork-Pie Hat”, “II B.S.”, “Moanin’/Fables Of Faubus”, “Gunslinging Birds”, “IX Love”, “Selfportrait In Three Colours”, “Better Get It In Your Soul”

Todas las composiciones por Charles Mingus.


Músicos: John Clayton (dirección), Arlia de Ruiter, Denis Koenders, Linda Dumessie, David Peijnenborgh, Doesjka de Leu, Ruben Margarita, Seija Teeuwen, Jenneke Tesselaar, Merijn Rombout, Wim Kok, Elizabeth Liefkes-Cats, Marianne van den Heuvel, Polina Cekov, Erik Kromhout, Jasper van Rosmalen (violín), Mieke Honingh, Norman Jansen, Julia Jowett, Isabella Petersen, Giles Francis (viola), Maarten Jansen, Jascha Albracht, Nellie Cornelisse, Willemiek Tavenier (violonchelo), Arend Liefkes, Annemieke Marinkovic (contrabajo con arco), Janine Abbas, Mariël van den Bos (flauta), Willem Luijt (oboe), Pieter Hunfeld (trompa), Marc Scholten, Paul van der Feen, Leo Janssen, Jos Beeren, Nils van Haften (saxos y clarinete), Jan Hollander, Ruud Breuls, Tom Rees-Roberts, Jelle Schouten (trompeta), Bart van Lier, Jan Oosting, Andy Bruce, Ben Schultz (trombón), Martin Baai, Frank Wardenier (percusión), Joke Schonewille (harpa), Hans Vroomans (piano), Peter Tiehuis (guitarra), Aram Kersbergen (contrabajo) y Martijn Vink (batería), con Randy Brecker (trompeta), Conrad Herwig (trombón) y Ronnie Cuber (saxo barítono).


Grabado en directo en De Oosterpoort, Groningen (Holanda) el 27 de abril de 2009.
BHM 1062-2


Comentario: A tope. Si no baila, mueve el pie o chasquea con los dedos es usted de piedra. La Metropole Orkest ha vuelto a escribir otra página brillante, en esta ocasión de la mano de John Clayton (un experto en estas lides), ofreciendo una visión positiva, divertida, incluso algo gamberra, de uno de los mayores gamberros de la historia del jazz: Charles Mingus.

Decenas de músicos, incluyendo una sección de cuerda completa, se enfrentan en directo a casi dos horas de material (doble CD) con una diligencia y un oficio fuera de toda duda. La orquesta holandesa cuenta con el apoyo de tres estadounidenses de altura acostumbrados al repertorio mingusiano: Randy Brecker, Conrad Herwig y Ronnie Cuber que, implicadísimos en el proyecto, ponen sus cartas boca arriba en el inicial “Boogie Stop Shuffle”. Además de dirigir la orquesta, John Clayton contribuye cuatro buenos arreglos. Entre los demás, Outi Tarkiainen lleva “Celia” (no confundir con el tema homónimo de Bud Powell) al extremo romántico, Ilja Reijngoud crea un vehículo para el swing en “Hora Decubitus” (es decir, “E’s Flat, Ah’s Flat Too”) y Tom Trapp hace brillar “Moanin’” y “Fables Of Faubus” (impresionante el barítono de Ronnie Cuber tanto en la melodía como en el solo del primero). “Gunslinging Bird” se convierte en una guerra de citas entre los solistas,

A la calidad y cantidad de música hay que sumar las excelentes notas al libreto, cortesía de Sue Mingus, viuda del contrabajista, donde combina elementos históricos, técnicos y emocionales. Como la propia música de Charles Mingus.


Arturo Mora




Vince Mendoza - Nights On Earth


Composiciones: “Otoño”, “Poem Of The Moon”, “Ao Mar”, “Conchita”, “The Stars You Saw”, “Addio”, “Shekere”, “Beauty And Sadness”, “The Night We Met”, “Gracias”, “Everything Is You”, “Lullaby”

Todas las composiciones por Vince Mendoza.


Músicos: Vince Mendoza (teclados), Lorraine Perry, Luciana Souza (voz), Tom Diakite (kora y voz), Jim Walker (flauta), Joe Lovano (saxo tenor), Bob Mintzer (saxo tenor y clarinete bajo), Stéphane Guillaume (saxos tenor y soprano), Ambrose Akinmusire (trompeta), Rick Todd (corno francés), Jim Self (tuba), John Abercrombie, John Scofield, Nguyen Le (guitarra eléctrica), Romero Lubambo, Louis Winsberg (guitarra acústica), Alan Pasqua, Kenny Werner (piano), Larry Goldings (órgano), Michel Alibo, Jimmy Johnson (bajo eléctrico), Christian McBride (contrabajo), Peter Erskine, Greg Hutchinson, Karim Ziad (batería), Alex Acuña, Luis Conte (percusión), Christo Cortez (palmas), Rhani Krija (percusión), Miguel Sánchez (palmas y cajón), Héctor del Curto (bandoneón), Marcia Dickstein (arpa), Andy Narell (steel drums), Jesse Mills, Arnaud Sussman (violín), Dov Sheindlin (viola), Fred Sherry (violonchelo), Gregg August (contrabajo con arco), Judd Miller (programación de sintetizadores) y miembros de la Metropole Orkest.


Grabado en Conway Recording (Hollywood), Water Sound (Studio City), Castle Oaks Recording (Calabasas), Market Street Studios (Santa Monica), todos ellos en California (Estados Unidos); Avatar Studios (Nueva York, Estados Unidos) y Carriage House (Stamford, Connecticut, Estados Unidos) entre febrero y julio de 2010.
MiG 80122


Comentario: Echen un vistazo a la lista de nombres que arrojan los créditos de este disco. Impresionante, ¿verdad? Pero Nights On Earth no es otro all-star sin sentido. Vince Mendoza ha sabido utilizar a cada músico en el momento que le correspondía. Tenía de dónde elegir y lo hizo sabiamente. Lo que más destaca en el CD no son sus intérpretes, sino su contenido. De hecho Mendoza solo toca los teclados en dos de los temas.

El inicial “Otoño” despliega bellas melodías sobre una base flamenca. Es elegante, funciona bien. No se trata de un experimento vacuo. John Abercrombie aparece en el oscuro “Poem Of The Moon”, John Scofield en el abrasileñado “Ao Mar” y Nguyen Le en “Conchita”. Son reconocibles si escuchamos con atención, pero no reclaman aprecio. Se diluyen deliciosamente en el arreglo y en la interpretación. Trabajan para el fin común. Entre la maraña sónica de pronto emerge el bandoneón de Héctor del Curto (“Addio”) para llevarnos por otros terrenos, como preludio de “Shekere” y su ambiente africano. “Gracias” nos envuelve, Scofield mediante, y “Lullaby” cierra el disco con la magia del bandoneón a dúo con el violonchelo de Fred Sherry.

A todo esto, los temas discurren a medio tempo, ni lento ni rápido. Esa condición sería terminal en cualquier repertorio, pero no en las manos de un maestro como Vince Mendoza, capaz de mantener la atención sin efectismos ni estridencias. Excelente grabación. Chapó.


Arturo Mora




Art of Groove -


Felix Lehrmann - Rimjob


Composiciones: “Fatieh Klopft”, “Patting” (Goods), “601 Deluxe”, “Broken Morning”, “Randy’s Bum”, “Rat Russian”, “Laich Up” (Sjan), “Edward” (Goods), “Red Scorpion”, “Homoprol”

Todas las composiciones por Lehrmann, Fischer, Goods & Sjan, excepto donde se indica.


Músicos: Felix M. Lehrmann (batería), Till Sahm “Sjan” (teclados), Torsten Goods (guitarra eléctrica) y Claus Fischer (bajo eléctrico) con Tony Lakatos, Rool (saxo), G-Mama y Baby Gioseppe (voz).


Grabado en Mitte Mars Studios (Berlín, Alemania) del 19 al 22 de abril de 2010.
MiG 80142



Fdeluxe - Gaslight


Composiciones: “Drummers And Healers”, “Over The Canyon”, “Gaslight”, “Beautiful You” (Susannah Melvoin, Andrew Shepp & St. Paul Peterson), “@8”, “The Vigil” (Wendy Melvoin & Lisa Coleman), “Leeds Line” (St. Paul Peterson, Eric Leeds & Jason Peterson DeLaire), “Lover” (Susannah Melvoin, Wendy Melvoin, Lisa Coleman & St. Paul Peterson), “When You Go”, “Sanctified” (Oliver Leiber, Susannah Melvoin & St. Paul Peterson), “Last House On The Block”

Todas las composiciones por St. Paul Peterson, Susannah Melvoin, Doyle Bramhall II & Jason Peterson DeLaire, excepto donde se indica.


Músicos: St. Paul Peterson (voz, teclados, guitarras, programaciones, bajo, arreglos de cuerda), Susannah Melvoin (voz), Steve Strand, Brad Shermock (trompeta), Eric Leeds (saxos tenor y barítono, flauta y arreglos de vientos), Michael Nelson (trombón), Wendy Melvoin, Doyle Bramhall II (guitarra), Oliver Leiber, Jellybean Johnson (guitarra y batería), Lisa Coleman, Jason Peterson DeLaire, Ricky Peterson (teclados) y Charlie Drayton (batería).


Grabado en Susannah’s Garage, Mastermix, Minneapolis Media Institute, Port Wine, Ollywood Studios, Seedy Underbelly, The Palms, Henson Recording Studios y North Side Studios.
MiG 80042



Trilok Gurtu con Simon Phillips y la NDR Big Band - 21 Spices


Composiciones: “Peace Of Five”, “1-2 Beaucoup”, “Kuruk Setra”, “Balahto”, “Broken Rhythms”, “Jhulelal”, “21 Spices”

Todas las composiciones por Trilok Gurtu.


Músicos: Trilok Gurtu (voz, percusión), Simon Phillips (batería), Roland Cabezas (guitarra), Michel Alibo (bajo eléctrico) y la NDR Big Band dirigida por Jörg Achim Keller.


Grabado en directo.
MiG 80012



Jason Miles, DJ Logic & Falu - Global Noize. A Prayer For The Planet


Composiciones: “A Prayer For The Planet”, “21st Century Preacherman”, “Tokyo Sunrise”, “Charismalove”, “Viva La Femme”, “Walking On Air”, “RIOS (A Riot in Outer Space)”, “Wanna B With U”, “Natuerza E Paz (Nature And Peace)”, “Cosmic Hug”


MiG 80132

Comentario: Art Of Groove, división del sello alemán MiG, ha presentado recientemente una serie de discos donde ritmos comerciales y sonidos eléctricos abrazan el jazz en mayor o menor medida. Si bien la compañía puede ser un descubrimiento para los oyentes más eclécticos, sugerimos a los amantes del swing que avancen hasta la siguiente reseña.

Asustado habrá quedado más de un aficionado al escuchar el primer corte de Rimjob, trabajo del batería Felix Lehrmann. ¿Heavy metal instrumental? ¿Estamos ante el nuevo disco de Planet X? Falsa alarma. El batería alemán no quiere delimitar su música, y lo deja claro desde el principio. Tanto su estilo de batería como el del guitarrista Torsten Goods pueden ser tan incendiarios como reposados. En este CD nos obsequian con excelentes piezas de jazz-rock (“Broken Morning”), guiños al smooth jazz (“Edward”) y jazz fusion ochentero (“Randy’s Bum”). A destacar la presencia del saxofonista Tony Lakatos en el blues menor “Patting”, reminiscente del grupo Metro (qué casualidad: el mismísimo Wolfgang Haffner escribe unas breves notas al libreto).

fDeluxe es el nuevo nombre de The Family, los que grabaron originalmente el “Nothing Compares 2 U” que popularizara Sinead O’Connor bajo la producción de Prince (cuando aún se llamaba Prince). En este “Gaslight” presentan un repertorio de pop-soul que podríamos camuflar con calzador como jazz fusion vocal. El proyecto, no obstante, rezuma calidad.

Cambio de tercio: el percusionista indio Trilok Gurtu se asocia con el batería británico Simon Phillips para, arropados por la NDR Big Band, dar forma al proyecto más jazzero de los comentados, si bien con sonoridades de world music. 21 Spices es un trabajo soberbio que fusiona orgánicamente músicas de distintos ámbitos (“Balahto”). Impresiona la precisión con la que se compagina el concepto baterístico binario de Simon Phillips con la subdivisión del tiempo de Gurtu, asentada en su propio folclore. Da gusto escuchar al hindú cantando la melodía de “1-2 Beaucoup” al unísono con la big band. En “Jhulelal”, donde la agrupación brilla especialmente, se aparece el espíritu de Joe Zawinul.

También en la frontera entre el jazz y las sonoridades comerciales se encuentra Global Noize (subtitulado como “Una oración para el planeta”), que agrupa al teclista Jason Miles con DJ Logic a los platos y la cantante india Falu. Entre bases rítmicas bailables y timbres artificiales aparece de vez en cuando algún solo.

Art Of Groove, MiG Music. Etiquetas para no perder de vista, siempre y cuando seamos permisivos con las otras etiquetas, las estilísticas.

Arturo Mora




Billy Cobham - Fruit From the Loom


Composiciones: “Cat In The Hat”, “Zanzibar Breeze”, “Samba Du Militairestrasse”, “Crosswind”, “Eggshells Still On My Head”, “Spectrum”, “Florianapolis”, “Thoughts From Okuta”, “Faia”, “Sweet Bocas”, “Clitter Clatter”

Todas las composiciones por Billy Cobham excepto “Thoughts From Okuta”.


Músicos: Billy Cobham (batería), Guy Barker (trompeta), Ernie Watts (saxos), Johan Renard y Aurélien Guyot (violín), Valentine Duteil (violonchelo), Cristophe Cravero (violín y teclados), Brian Auger (órgano), Dean Brown, Jean Marie Ecay (guitarra), Victor Bailey, Stefan Rademacher (bajo eléctrico), Dave Samuels, Wilbert “Junior” Gill y Marco Lobo (percusión), con el jefe Rabiu Ayandokun, Sakirat Ojeladun Ayandokun, Ajangila Adekunle Ojegoke, Abiodun Adeniyi Ajangila y Tunji Beier (voz).


Grabado en Real World Studios Mill Lane Box, Corsham Wiltshire (Gran Bretaña) y HKB Studios, Berna (Suiza)
BHM 1051-2


Comentario: Africano, caribeño y calentito. Grabado en 2007 y publicado en 2010, este Fruit From The Loom está lleno de sensaciones agradables, evocaciones vacacionales y una música deliciosa, bien engranada e interpretada con cariño.

Cobham dibuja unas composiciones que fluyen con naturalidad y las organiza en un discurso global compensado y contrastado por las variaciones tímbricas entre tema y tema. Así, la presencia de vientos, steel pans, el violín de Christophe Cravero, las voces nigerianas de “Thoughts From Okuta” y el cuarteto de cuerda son hitos que hacen el camino más transitable y apetecible.

Algunos temas son marcadamente festivos (“Zanzibar Breeze”, “Sweet Bocas”), otros relajantes (“Eggshells Still On My Head”). “Spectrum” guiña un ojo al jazz-rock y “Florianapolis” destaca por el equilibrio de su melodía. Billy Cobham dirige toda la producción desde su banqueta, despuntando en contadas ocasiones (“Samba du militairestrasse”). “Crosswinds” incluye un muy buen solo de bajo a cargo de Victor Bailey.

Sucedido por Palindrome (2010), este Fruit From The Loom es toda una declaración de intenciones donde la música agrada y convence. El ambiente caribeño impregna el contenido, y también el continente: véase el diseño de la carpetilla.


Arturo Mora




Chick Corea, Eddie Gomez & Paul Motian - Further Explorations


Composiciones: “Peri’s Scope”, “Gloria’s Step” (Scott LaFaro), “They Say That Falling In Love Is Wonderful” (Irving Berlin), “Alice In Wonderland” (Sammy Fain & Bob Hilliard), “Song No. 1”, “Diane” (Emo Rapee & Lew Pollack), “Off The Cuff” (Chick Corea, Paul Motian & Eddie Gomez), “Laurie”, “Bill Evans” (Chick Corea), “Little Rootie Tootie” (Thelonious Monk), “Hot House” (Tadd Dameron), “Mode VI” (Paul Motian), “Another Tango” (Chick Corea), “Turn Out The Stars”, “Rhapsody” (Chick Corea), “Very Early”, “But Beautiful” (Jimmy Van Heusen & Johnny Burke), “Puccini’s Walk” (Eddie Gomez)

Todas las composiciones por Bill Evans, excepto donde se indica.


Músicos: Chick Corea (piano), Eddie Gomez (contrabajo) y Paul Motian (batería).


Grabado en directo en el Blue Note (Nueva York, Estados Unidos), del 4 al 17 de mayo de 2010.
Concord Jazz 33364


Comentario: La producción musical de Chick Corea en los últimos años está siendo gigantesca. Numerosos CD en variadas formaciones están documentando su trabajo con diligencia. En este caso continúa incrementando su output con un disco doble grabado en directo en el Blue Note de Nueva York donde juega a ser Bill Evans en un homenaje al mítico pianista. En la sección rítmica Corea cuenta con dos antiguos acompañantes de Evans: Eddie Gomez y el recientemente fallecido Paul Motian.

Por un lado da gusto escuchar a tres gigantes tanto individual como colectivamente. Todo lo que hacen es bueno, todo tiene sentido. Pero la entrega al espíritu de Bill Evans les limita en exceso en muchas ocasiones. Corea evita muchas de esas frases que le han hecho inmediatamente reconocible, abordando desarrollos más arpegiados que le suenan ajenos en parte. En las versiones de Evans Motian viste un traje que a estas alturas ya le quedaba pequeño. Demasiado comedido, incluso predecible a veces. Gomez es el único capaz de integrarse en el proyecto sin renunciar a su voz actual.

Es, por tanto, en los temas originales donde los tres músicos se expresan con más sinceridad, explorando fronteras y alcanzando altísimos niveles de interacción (“Off The Cuff”). Motian vuelve a ser Motian en su “Mode VI”, Chick vuelve a ser Chick en su “Another Tango”. Curiosamente en el monkiano “Little Rootie Tootie” Corea se convierte por momentos en Thelonious Monk, demostrando, eso sí, una gran capacidad camaleónica. Cierra el disco el “Puccini’s Walk” de Eddie Gomez, dedicado no al gran compositor italiano, sino al perro del contrabajista, de nombre Puccini.

La extensión del material (73 minutos en un CD y 63 en el otro) permite disfrutar de muchísimos detalles. La grabación puede ser iluminadora o decepcionante, según se mire. En todo caso el esfuerzo está hecho, y cualquier documento del último Paul Motian es más que bienvenido. Otro dato de interés: el primer compacto incluye la aérea “Song No. 1”, composición inédita de Bill Evans que Corea se encargó de transcribir y el trío de interpretar.


Arturo Mora




Terri Lyne Carrington - Mosaic


Composiciones: “Transformation” (Nona Hendryx, Kevan Staples, Carol Pope), “I Got Lost In His Arms” (Irving Berlin), “Michelle” (Paul McCartney & John Lennon), “Magic And Music”, “Echo” (Bernice Johnson Reagon), “Simply Beautiful” (Al Green), “Unconditional Love” (Geri Allen), “Wistful”, “Crayola” (Esperanza Spalding), “Soul Talk” (Terri Lyne Carrington & Nona Hendryx), “Mosaic Triad”, “Insomniac”, “Show Me A Sign” (Carmen Lundy), “Sisters On The Rise (A Transformation)” (Nona Hendryx, Kevan Staples, Carol Pope, Shea Rose)

Todas las composiciones por Terri Lyne Carrington, excepto donde se indica.


Músicos: Terri Lyne Carrington (batería, percusión, voz), Geri Allen (piano y teclados), Dee Dee Bridgewater (voz), Anat Cohen (clarinete, clarinete bajo y saxo soprano), Angela Davis (voz), Sheila E. (percusión), Nona Hendryx (voz), Ingrid Jensen (trompeta, fiscorno, efectos), Mimi Jones (bajo), Carmen Lundy (voz), Chia-Yin Carol Ma (violín), Hailey Niswanger (flauta), Gretchen Parlato (voz), Tineke Postma (saxos alto y soprano), Dianne Reeves (voz), Shea Rose (voz), Patrice Rushen (piano y teclados), Esperanza Spalding (bajo, voz), Helen Sung (piano y teclados), Linda Taylor (guitarras), Cassandra Wilson (voz).


Grabado en Systems Two.
Concord Jazz 33016


Comentario: Concebido por mujeres. Interpretado por mujeres. Lo chocante no es la calidad y cantidad de féminas que desfila por este Mosaic, sino lo poco habitual que es encontrar más discos grabados en su totalidad por representantes del mal llamado sexo débil.

La idea surge de la batería Terri Lyne Carrington. Las participantes cubren un rango de épocas enorme. La música es fundamentalmente vocal, con toques de soul y muy buenos momentos. La modernización del “I Got Lost In His Arms” de Irving Berlin sorprende positivamente, especialmente en lo relativo al trabajo guitarrístico de Linda Taylor y a la voz de Gretchen Parlato, que también destaca en la atrevida versión del “Michelle” de los Beatles, buen trabajo de vientos incluido. Se reconoce inmediatamente a Esperanza Spalding en su “Crayola”. Si Geri Allen destaca por méritos propios durante todo el CD, especial mención merece Anat Cohen, tanto en ambos clarinetes como al saxo soprano. El disco se presenta como un todo orgánico que, como su título indica, parte de un variado mosaico de épocas, estilos y personalidades.

Son todas las que están, pero no están todas las que son. Vocalistas aparte, uno recuerda inmediatamente nombres de mujeres que no aparecen en el disco como Rachel Z, Renee Rosnes, Regina Carter o Eliane Elias. Que cunda el ejemplo y que este Mosaic no sea una excepción.


Arturo Mora




Paesani Dal Pozzo Mazzucco Trio - Wayne’s Playground


Composiciones: “Witch Hunt”, “Nefertiti”, “Wild Flower”, “Pinocchio”, “Virgo”, “Night Dreamer”, “Fall” , “E.S.P.”, “Infant Eyes”, “Elegant People”

Todas las composiciones de Wayne Shorter


Músicos: Lorenzo Paesani (piano), Luca Dal Pozzo (bajo), Dario Mazzucco (batería).


Grabado en Estudios Teramo julio-diciembre de 2010

Abeat records 2011

Comentario: La intención del trío italiano es clara, no existe más liderazgo que el compartido. En cuanto a las composiciones son en su totalidad de Wayne Shorter y los arreglos del trío.

La elección de dedicar el disco al gran saxofonista americano es libre y decidida y conlleva ciertos riesgos a la hora de encarar las composiciones que componen su repertorio. Temas de la época en Blue Note: Night Dreamer (“Virgo”, “Night Dreamer”); Speak No Evil (“Witch Hunt”, “Wild Flower” y “Infant Eyes”) ambas grabaciones de 1964. “Elegant People” pertenece al disco de Weather Report Black Market de 1976, y el resto se reparten entre las obras de Miles Davis Nefertiti de 1968 (“Nefertiti”, “Pinocchio” y “Fall”), y E.S.P (“E.S.P.”) del mismo año.

Lo más acertado según mi visión es escuchar esta obra de debut dejando de lado la comparación con los temas originales. De esta manera tendremos una visión sin perjuicios y podremos ver el verdadero valor de la misma. Los excelentes arreglos llenos de sensibilidad y buen gusto abarcan desde el inicio hasta el final. La capacidad de interpretación convierte el disco en una balada conceptual, serena y reflexiva donde resulta difícil destacar un corte de otro. Y aunque parezca paradójico “Elegant People” es la composición más reconocible. Un broche muy acertado para completar el álbum.


Enrique Farelo




Dead Capo - Sale


Composiciones: “Carnaza (Dead Capo)”, “Cicatrizando el aire (J. Díez-Ena)”, “Blade Runner/End Title" (Vangelis), “Polvoriento (Dead Capo)”, “Well You Needn´t" (Thelonius Monk), “Fat Dog Mendoza" (Musgrove-Liebert), “Monkatis Revisited” (M. Monge-J. Adán), “Sunny García” (J. Díez-Ena), “Blues Monka” (M. Monge), “Sirope” (M. Monge)


Músicos: Marcos Monge (saxo tenor y clarinete bajo), Javier Adán (guitarra), Javier Díez-Enea (contrabajo) y Santiago Rapallo (batería).


Grabado en los Estudios Infinity de Madrid, los días 2, 3 y 4 de diciembre de 2011.
Editado por Lovemonk


Comentario: El grupo madrileño Dead Capo, tras quince años de andadura, sigue haciendo alarde de su independencia en el castigado panorama de la música creativa española. A pesar de su dilatada carrera, tan sólo contaba con un trabajo editado, Díscolo , del año 2002. Pero su reputación se la ha ganado demostrando en directo sus cartas credenciales. El mérito de este cuarteto es digno de resaltarse. Sus componentes hacen la música que les gusta y por ello, no es extraño que jazz, rock sureño, blues y hasta soul se den la mano en sus temas. El mérito de la banda es haber sabido crear un estilo propio y reconocible. Sonidos sugerentes, divertidos y frescos, que se escapan a las definiciones. Ese eclecticismo se recoge en Sale , un disco que hace un balance de toda su trayectoria, donde el grupo vuelve a incidir en sus señas de identidad. Con una mayoría de composiciones propias, ya interpretadas en conciertos, y tres versiones, Dead Capo propone una música directa y sin medias tintas. Dos terrenos como el rock y el jazz se dan la mano, con una síntesis especial que se destila como homenaje a Thelonius Monk. Así, se incluye un clásico como “Well you Needn´t”, interpretado con su peculiar estilo, con vientos y guitarra como grandes protagonistas y donde Marcos Monge alterna en un mismo tema saxo tenor y clarinete bajo. Otras dos canciones tienen claros ingredientes monkianos . Aunque en este trabajo hay un cierto viraje hacia elementos más rockeros , el disco no pierde las referencias jazzísticas.


Carlos Lara




Arturo Serra - Bobby!


Composiciones: “Starting over (Head Start)”, “For you mom and dad”, “Montana”, “Little b´s poem”, “Same shame”, “Isn´t this my music around me”, “8/4 beat”, “Pompeian”, “Til´then”, “Rosemary, Rosemary” y “Imminent treasures”.


Músicos: Arturo Serra (vibráfono y marimba), Juan Galiardo (piano), Marko Lohikari (contrabajo) y Xavi Hinojosa (batería). Enrique Oliver (saxo tenor) en “Starting over (Head Start)” y “Same shame”.


Grabado en FJR Studios de Granada el 20 y 21 de agosto de 2011

Editado por NewSteps Records
NS 3014


Comentario: El vibrafonista Arturo Serra se convirtió en el primer ganador del Festival de Getxo a primeros de los 90. Con una dilatada carrera en su haber, certificada con más de una docena de discos, este discípulo de Gary Burton rinde tributo a Bobby Hutcherson, uno de los mejores vibrafonistas de la historia del jazz. El reto es importante y en las once composiciones del gran maestro que llenan de contenido Bobby! , es superado con creces, aunque hay que resaltar también el gran mérito en la elección de las piezas. Hutcherson no sólo destacó como instrumentista, sino que sus composiciones rayan a una altura impresionante.

Rodeado de un grupo que en nada desmerece la música original, el valenciano Arturo Serra ha realizado un trabajo redondo, siendo una “rara avis” en España con un instrumento como el vibráfono.

Todas las piezas presentan un sabor especial y están resueltas con un sentido y una limpieza interpretativa que hará las delicias de los más exquisitos degustadores del vibráfono. La interpretación de Serra le convierte en el más valorado, sin duda, con las mazas. Junto a él una sección rítmica formada impecablemente por Juan Galiardo, Marko Lohikari y Xavi Hinojosa, muy precisos en su despliegue de sonidos, siempre enriqueciendo con brillantez los temas. En dos de ellos se incorpora el saxo tenor de Enrique Oliver, perfecto en sus aportaciones. Un río de bellas notas en el que hay que sumergirse.


Carlos Lara




Juan de Diego Cuarteto Trakas - Erbestea


Composiciones: “Isla Desierta”, “Todos a Una”, “Erbestea”, “Carril Guiri”, “Fukushima, Mon Amour” y “Calçotsalda”.

Todas las composiciones por Juan de Diego.


Músicos: Juan de Diego (trompeta y fiscorno), Jordi Matas (guitarra), Abel Boquera (órgano Hammond B3 ) y Caspar St. Charles (batería). Dani Domínguez batería en “Calçotsalda”.


Grabado en los estudios Nómada 57 de Barcelona, el 25 y 26 de enero de 2012.

Editado por Errabal Jazz
ER 051


Comentario: Erbestea es el nuevo disco del trompetista bilbaíno Juan de Diego al frente del cuarteto Trakas. Aunque a lo largo del trabajo se aprecia una determinada querencia por los sonidos más groovy , siendo esta una gran referencia (el propio Juan de Diego junto a su hermano Víctor ya han explorado estas vías en otro proyecto), Erbestea (“exilio” en eusquera) presenta una serie de matices y colores propios con un logrado equilibrio en todas las posiciones instrumentales. Hay gran predominio de la trompeta, del Hammond B3 y de la guitarra. Un triángulo mágico, que funciona a la perfección. La mayoría de las piezas transcurren por los caminos ya definidos, pero es “Fukushima, Mon Amour” la que rompe esa homogenidad más reconocible. En este tema, el mejor del disco, la exposición de la trompeta dibuja claramente una secuencia congelada en el tiempo entre luces y sombras, con un perfecto acompañamiento de órgano, guitarra y batería.

Aunque el tema que resume a la perfección el conjunto del disco es “Calçotsalda”, en el que sobre las palabras introductorias de Juan de Diego, se desarrollan rítmos enérgicos que viran hacia terrenos en los que hay horizontes más abiertos y donde los caminos de la improvisación se hacen más patentes.

Una formación con una gran presencia de sonidos que recuerdan, según los propios créditos del disco, a los trabajos firmados por Donald Byrd, Grant Green, Johnny Smith, Horace Silver y tantos otros. Juan de Diego ha sabido inspirarse en muy buenas fuentes para un trabajo que transmite agradables sensaciones.


Carlos Lara




Eladio Reinón - A flor de piel


Composiciones: “Someone to match over me (G. Gershwin)”, “Darn that dream (J. Van Heusen)”, “Mira que eres linda (J. Brito)”, “Body and soul (J. Green)”, “Tres palabras (O. Farrés)”, “Autumn in New York (V. Duke)”, “Every time we say goodbye (C. Porter)”, “Ask me now (T. Monk)” y “A flor de piel (E. Reinón)”.


Músicos: Eladio Reinón (saxo tenor y clarinete bajo), Jaume Llombart (guitarra), Mario Rossy (contrabajo), Luis Alfonso Guerra (congas y bongos), Yoan Sánchez (pailas) y David Xirgu batería en “Darn that dream” y “Autumn in New York”.


Grabado en directo en el Café Mercedes Jazz de Valencia el 27 de noviembre de 2011 y en Estudi Laietana de Barcelona el 8 de febrero de 2012.

Editado por Jazztones
JT 002


Comentario: El nuevo trabajo del saxofonista valenciano Eladio Reinón está dedicado íntegramente al mundo de los boleros y las baladas, géneros preferidos de este músico de Sedaví. Compuesto por varias piezas clásicas del cancionero americano, en el disco se encuentran obras de compositores como George Gershwin, Jimmy Van Heusen, Vernon Duke, Cole Porter e incluso Thelonius Monk, tratadas con suma elegancia. El trabajo se cierra con el tema que le da título, compuesto especialmente para la ocasión.

En A flor de piel, Eladio Reinón también se ha reunido de unos acompañantes de garantías para conseguir un resultado ajustado a las expectativas. Buenas interpretaciones y buen sonido, los primeros temas grabados en vivo y los segundos en estudio, consiguen un equilibrio redondo en todos los temas, brillando por encima el propio Reinón, cuyos fraseos evocan los buenos momentos de la tradición jazzística.

Los temas, ampliamente conocidos, se convierten en una buena excusa para que Reinón los ponga al día, trasmitiendo sentido y sensibilidad a las piezas. En el conjunto también juegan un destacado papel las percusiones y la aportación de la guitarra a cargo de Jaume Llompart que, en cierta forma, logra romper los instantes excesivamente uniformes que se respiran en el disco.


Carlos Lara




Dead Cat Bounce - Chance Episodes


Composiciones: “Food Blogger”, “Tourvan Confessin´”, “Far from the Matty Crowd”, “Salon Sound Journal”, “Bio Dyno Man”, “Silent Movie, Russia 1995”, “Watkins Glen”, “Salvation & Doubt”, “Township Jive Revisited”, “Madame Bonsilene” y “Living The Dream”.


Todas las composiciones por Matt Steckler.


Músicos: Matt Steckler (saxo), Jared Sims (saxo), Terry Goss (saxo), Charlie Kohlhase (saxo), Dave Ambrosio (contrabajo) y Hill Carbone (batería).


Grabado en Firehouse, 12 en New Haven el 5 y 6 de agosto de 2010.

Editado por Cuneiform Records
CR 323


Comentario: El saxofonista y compositor Matt Steckler lidera el sexteto Dead Cat Bounce radicado en Boston. En Chances Episodes, su cuarto álbum, Steckler, Jared Sims, Terry Goss y el veterano Charlie Kohlhase ofrecen todo un catálogo de sonidos de vientos, que abarcan desde el soprano hasta el barítono, con algunas incursiones de flauta y clarinete, soportados por la sección rítmica formada por el contrabajista Dave Ambrosio y el batería Bill Carbone. Salvando las distancias estaríamos en presencia del World Saxophone Quartet pero acompañado de rítmica.

Cada tema de esta caja de sorpresas que es Chances Episodes presenta logrados solos y juegos de combinaciones en dúos y tríos enmarcadas en diferentes contextos rítmicos. Así, "Food Blogger" contiene ciertos aires de calypso; "Silent Movie, Russia 1995", navega por parajes más emparejados con el klezmer. En "Salon Sound Journey," los cuatro vientos alternan saxofón, flauta y clarinete, bajo las sombras de Duke Ellington, mezclándose con rítmos más funkies. En "Salvation & Doubt" es donde con más claridad se puede apreciar la influencia del World Saxophone Quartet. “Watkins Glen" y "Madame Bonsilene" podrían estar firmadas por el Art Ensemble of Chicago. "Living The Dream", la pieza que cierra el disco, también se acerca por momentos a los rítmos funkies.

El trabajo de orquestación del grupo es muy destacable y presenta por momentos cierta complejidad. Los temas son muy sugerentes y las posibilidades sonoras que abren provocan que los niveles de improvisación crezcan en cada pieza. A pesar de ello, se nota que hay también un gran trabajo del grupo en el pentagrama.

Este disco es todo un viaje difícil de calificar. La música permanece siempre en constante ebullición y con una densidad y tensión que se aprecia en los potentes solos y diálogos que abundan a lo largo del mismo. No apto para espíritus nerviosos.


Carlos Lara