Simone Guiducci "Gramelot Ensemble" special guest Ralph Alessi || Discos || Imaxinasons || Tomajazz

Músicos: Ralph Alessi: trompeta; Peter Epstein: saxo; Hank Roberts: cello; Kokayi Walker: voz; Shane Endsley: batería/trompeta

Músicos: Ralph Alessi: trompeta/compositor; Don Byron: clarinete/clarinete bajo; David Gilmore: guitarra; Drew Gress: bajo; Nasheet Waits: batería

Comentario: Ralph Alessi es un músico relativamente poco conocido en España. Sin embargo ha participado en los últimos años en proyectos musicales muy interesantes, siendo parte de grupos de músicos entre los que se incluyen Don Byron, Ravi Coltrane, David Gilmore, Jasón Moran, Steve Coleman o Uri Caine. Además es director de una escuela de música moderna de reciente creación en Nueva York, en la cual asisten como profesores compañeros de su mismo ámbito musical.

Músico de importante formación clásica llegó a tocar en varias ocasiones con la orquesta sinfónica de San Francisco como músico freelance.

Tras ir a vivir a Nueva York comienza a relacionarse con el grupo de músicos citados y algunos otros con los cuales se creará una pequeña comunidad creativa de colaboración habitual.

Como siempre, habrá quien discuta si la música aquí presentada se puede catalogar o no como jazz, para las personas a las que esto les importe poco, sin duda estos dos discos merecen una atenta escucha.

Hissy fit es su primer disco como líder. En él se desarrollan amplios espacios para improvisaciones, las cuales son aprovechadas por los músicos para tocar con inspiración free, con la lógica propia de este estilo. Los continuos diálogos entre Epstein y Alessi serán una constante en todo este disco.

Alessi hace habitualmente uso de recitados en voz alta, en ellos usa la voz como un instrumento más. Aun no teniendo éstos un tono especialmente musical, consigue que formen parte de la composición de forma muy natural. En otros casos puede tomar un cierto aire hip hop curiosamente bastante alejado de otro tipo de proyectos que se crean a partir de una base similar.

En particular me gusta mucho el tema “The mentor”,en el cual, con una duración de más de 12 minutos, tras una introducción por parte de los vientos, se presenta sin prisa Kokayi Walker, creando un clima que dará lugar a una melodía al unísono de los vientos apoyados por una rítmica repetitiva que se mantiene hasta el solo de Epstein con el cual se finalizará.

Tenemos aquí un buen disco en el cual descubrimos la capacidad de este músico.

En el año 2.000 graba su tercer disco como líder, el cual sin duda recomiendo. Sus anteriores discos son “Vice and virtue” y “Hissy Fit”, ya mencionado.

Ralph se rodea aquí de grandes músicos a los cuales conoce perfectamente. No estamos aquí ante un conjunto de individualidades, sino ante grupo que funciona perfectamente como tal y que suena conjuntado en todo momento.

El disco, además, conserva ese espíritu de unidad estilística perdido en algunas grabaciones actuales, que contribuye a la creación de un estilo personal tema tras tema. Las composiciones son elaboradas y originales, algo que siempre es muy de agradecer. Faceta ésta, la de composición, que en otros proyectos musicales no se considera tan importante como debiera ser.

Estamos ya aquí ante un músico en plena madurez al frente de un estupendo grupo, el cual responde perfectamente ante el planteamiento estilístico establecido.

Músicos: Ralph Alessi (trompeta, salvo 2, 6, 10, 12), Aaron Benousssan (voz, 4 y 8), Sadiq Bey (voz, 9), Seep Bierbichler (voz, 3, 7, 11, 12), Jim Black (batería, salvo 2, 6, 10, 12, 14), Don Byron (clarinete, salvo 2, 6, 10, 12), Uri Caine (piano, salvo 2, 6, 10), Shulamith Wechter Caine (voz, 4), Tong Qiang Chen (voz, 6), Sisi Chen (yangquin, 6, 10), Tao Chen (dizi, 6, 10), Dj Olive (platos y electrónica, 1, 3, 4, 5, 7, 8), Mark Feldman (violín, salvo 2, 6, 10, 12), Michael Formanek (contrabajo, salvo 2, 6, 7, 10, 12), David Gilmore (guitarra, 7), Kettwiger Bach Choir dirigido por Wolfgang Kläsener (2), Julie Patton (voz, 1, 7), Barbara Walker (voz, 2), Bao-Li Zhang (erhu, 10), Yi Zhou (pipa, 10)

Composiciones: 1 - Dark Flame 11:03, 2 - Only Love Beauty 2:57, 3 - In Praise Of Lofty Judgement 3:08, 4 - Two Blue Eyes 9:51, 5 - Shining Trumpets 7:53, 6 - The Lonely On In Autumn 4:51, 7 - Song Of The Prisoner In The Tower 8:06, 8 - When My Sweetheart... 8:39, 9 - Labor Lost 3:17, 10 - On Youth 3:34, 11 - Rhinelegend 3:20, 12 - When Your Mother Comes In The Door 1:14, 13 - St. Anthony Of Padua Preaches To The Fishes 6:16, 14 - Only Love Beauty 2:44

Composiciones, arreglos y adaptación por Uri Caine a partir del trabajo de Gustav Mahler.
Grabado entre julio de 1999 y mayo de 2003
W&W 910 095-2
Winter and Winter

Comentario: Gustav Mahler: Dark Flame no es la primera, ni la segunda, ni incluso la tercera vez en que el pianista americano Uri Caine (1956) se adentra en el repertorio de los clásicos de la mal llamada música clásica. En el sello Winter and Winter ha visitado (edición discográfica mediante) las obras de Beethoven (Diabelli Variations), J.S.Bach (con el irregular para un servidor y muy aclamado doble compacto Goldberg Variations), Wagner (Wagner e Venezia) o el en esta obra de nuevo revisitado Gustav Mahler (Urlicht - Primal Light, Mahler in Toblach).

En esta ocasión el pianista vuelve a lograr una obra interesante. Sin llegar al extremo de forzar la gran variedad, que en algún momento rozaba el bochorno de quien esto escribe, en su lectura de las Variaciones Goldberg (de obligada escucha aquello de "el contrapunto, el contrapunto, el contrapunto lo inventó Juan Sebastian Bach" en español y a ritmo de salsa), Dark Flame vuelve a ser una obra muy variada, rica y sorprendente en la lectura respetuosa del legado de Gustav Mahler desde una perspectiva muy amplia y actual.

A lo largo de sus 14 piezas intervienen hasta 19 músicos diferentes más el Kettwiger Bach Choir. Jim Black, Don Byron, DJ Olive, Mark Feldman, Michael Formanek, David Gilmore o el propio Uri Caine (procedentes de ese jazz contemporáneo que no tiene problema alguno en trabajar con las influencias más diversas, vengan estas del jazz, el rock, la música electrónica, cualquier música popular-étnica o el pop), trabajan en unión con el gospel de Barbara Walker (a la que se une el Kettwiger Bach Chor), la música oriental de Bao-Li Zand, Yi Zhou, Tao Chen, Tong Qiang Chen y Sisi Chen, o con la bien educada voz en el canto clásico de Aaron Bensoussan, Sepp Bierbichier o Julie Patton.

Resulta un placer y una sorpresa introducirse en un repertorio aparentemente inmóvil (el de Gustav Mahler), al que la imaginación de los arreglos de Uri Caine y los tan diversos y diferentes aportes de los músicos allí presentes insuflan de vitalidad.

José Francisco Tapiz

Uri Caine, Zach Danziger y Tim Lefebvre con Ralph Alessi, Bootsie Barnes, Rubén Gutierrez, NNNJ, DJ Olive, Bunny Sigler, Arto Tunçboyaciyan, Luke Vibert, Barbara Walker y Dan Zank.
Winter & Winter Distribuído por http://www.diverdi.com

Comentario: Al fin. La cosa empieza con un tema parecido a lo que ya conocíamos y tan pocos apreciamos de, en mi opinión, uno de los proyectos más interesantes de los muchísimos de Caine, un tema con un ritmo brutal por parte de los dos "compadres" sobre los que el líder hace uno de sus solos hancockianos alucinantes con el piano eléctrico, hasta que en el minuto cuatro este se mezcla con el siguiente y uno se queda un poco descompuesto... está claro desde ya que aquí el asunto va por otro lado, un ritmo drum'n'bass abrasador con un solo de sintetizador de Caine por encima del riff machacón del bajo que casi suena "a onda", y que tiene algo que deja adivinar lo que se nos viene encima: el disco más sorprendente, divertido y variado de lo que llevamos de año.
Una barbaridad... la banda sonora de Shaft mezclada con los Headhunters, el techno de Detroit y Sun Ra en una coctelera eléctrica que ríete tú de los MMW con los Dust Brothers, Brasil enloquecido como para una segunda parte de la película con el mismo nombre, y una frescura que nunca aparece en la electrónica comercial, y que te hace ver que aquí el mérito no está en los invitados que vienen de ahí o de otras partes a este disco, sino en la combinación de Uri Caine con los otros dos miembros de Bed Rock, que cuando actúan solos se hacen llamar Boomish.
Lo mejor de la música que como Boomish hacen Danziger y Lefebvre es su increíble sentido del humor, y eso es lo que han introducido a mansalva en esta segunda parte del proyecto Bed Rock, que de las múltiples vías que abría el primero por las que podían haber tirado, está claro que ha elegido la cómica.
Lo que me he reído con este disco que a los aficionados más conservadores no hará ninguna gracia no está escrito, y además lo mucho increíble y sobre todo la gran música que encuentro en él cada vez que lo escucho de nuevo, y no paro de descubrir nuevas sorpresas cada vez que lo hago, no puedo ni describirlo.
El uno me encantó, los directos que ví de este proyecto fueron increíbles, el dos me deja anodadado, y no quiero ni pensar en lo que puede ser esto en directo en unas semanas en España, o lo que puede venir después. Está claro que Uri Caine es uno de los músicos del futuro, y esta una de sus mejores bandas. Mi disco del año 2005.
Jorge LG

Músicos: Tim Berne, saxo alto, Ralph Alessi, trompeta, Craig Taborn, piano, Drew Gress, contrabajo, Tom Rainey, batería, David Torn, mezclas.

Premonition 90767
(Indigo)

Comentario: Drew Gress ha sido sólo tercero en la lista de bajistas merecedores de más atención en la última votación anual de la revista Down Beat. Se queda corto, creo. Modesto, Gress es de esos sidemen transparentes, de enorme talento, que siempre ponen por delante la música a la que sirven. Pida ésta lo que pida, Gress afronta como pocos los retos que le puedan plantearse, ya sea de origen escrito, como la música del guitarrista James Emery, de exquisitos matices armónicos, como la del trío de Marc Copland, o improvisatorios, como Ellery Eskelin. Su interacción es siempre de primer orden, algo a lo que hay que acudir a los endiablados diseños del Claudia Quintet de John Hollenbeck si se requiere una evidencia absoluta. La continua petición de sus servicios por parte de un muy amplio espectro de los mejores (Dave Douglas, Fred Hersch, Uri Caine...) atestigua su prominencia entre los bajistas.

Su obra como líder es sin embargo breve: tres discos. Dada la frecuentación con los grandes no extraña que cuente en todos ellos con una banda de primera. Tim Berne, Ralph Alessi, Craig Taborn y Tom Rainey, y el productor David Torn, al que hay contar como instrumentista, le acompañan en el último de ellos, un álbum cuya incómoda escucha poco fluida produce extrañeza porque tema a tema, o su escucha en parejas fascina y satisface y sorprende a cualquier nivel. ¿Su origen? En el apartado de agradecimientos, Gress se los ofrece al batería Phil Haynes, con quien tocó en la banda Joint Venture, por la revisión del orden en que están dispuestas las piezas. Pero es una opinión que estamos lejos de compartir, pues agrupa al inicio las piezas fuertes dejando para el final una par de piezas lentas, con un breve solo de contrabajo separándolo en dos secciones. Situar el tema de climax del álbum, “Rhinoceros”, como apertura del álbum es poco o nada estratégico pues no llega a construirse una atmósfera... random, shuffle o estudiarse una buena programación (3, 2, 1, 6, 5, 4... podría ser una sugerencia), ayuda y dan con otro disco que tal como aparece suena resistente y más complejo de lo que realmente es.

En cuanto al contenido, Berne proyecta una sombra alargada. Hay piezas con vueltas y revueltas, transiciones a pasajes impensables, estructuras anómalas de episodios disjuntos como “Zaftig” y “Low Strung/High Strung” muy cercanas a su mundo, pero hay que recordar que no es extraño: Berne, Gress y Rainey forman el trío Paraphrase. Para aquellos que señalan una y otra vez que el saxofonista sólo sabe tocar ácido, retorcido y a la contra, hay un espléndido sólo lírico suyo en “New Leaf”. Pero no es ese el carácter definitivo del disco, tendente al freebop, incluso en la disposición de los solos, en piezas como “Bright Idea” y en la crujiente “Blue On One Side”, junto a números lentos casi contemplativos como “Like it never was”y “Wind & Prayer”, de aire nocturno, melódico y momentáneamente dulce. “Rhinoceros” es no sólo el mejor corte del álbum, sino el que de alguna manera lo resume y ata, un tema suflé que sube del tintineo de la electrónica, el piano y la percusión, a una fase potente marcada por magníficos barridos electrónicos. Es ésta una colección de temas que no defraudan por separado pero que conviven con dificultad al tomarlos globalmente.

De lo que uno no puede dejar de maravillarse en este 7 Black Butterflies es de la creativa mezcla de que lo dota David Torn, llena de toques imaginativos, con un sonido que aquí se coagula y allí se dispara como el mercurio, tan brillante, cinética y plástica como la que conseguía en el Keystone de Dave Douglas, aunque totalmente distinta. Una mezcla de las que pueden considerarse como un ejemplo pleno del state of the art del momento actual. Algo que también puede decirse de la magnífica portada por el uso tipográfico de Steve Byram.

Ángel Gómez Aparicio

Músicos: Jason Moran, Jack DeJohnette, Ralph Alessi y Lonnie Plaxico.
Blue Note / Capitol

Comentario: Puede que sea por la biografía que más me ha gustado últimamente, la de Lester Young, a quien Byron aquí homenajea, escrita por Douglas Henry Daniels, pero lo cierto es que este disco me encanta.

Byron siempre ha sabido navegar muy bien entre las músicas de otro tiempo, modernizándolas casi sin pretenderlo con esa manera tan suya de dar a todo un barniz de contemporaneidad asombroso : al fin y al cabo, encarna junto a Jason Moran, que aquí le acompaña al piano, ese tipo de nuevos intelectuales negros americanos que parecen recoger en su obra toda la herencia desde el Renacimiento de Harlem de los años veinte hasta las vanguardias de los sesenta o incluso la cultura del Hip Hop en un todo lineal, compacto y sorprendente.

El caso es que en este disco de homenaje a Lester Young interpreta algunos temas relacionados con la música de éste, standards en su mayoría, acompañados de otros que aparentemente no tienen nada que ver ( "Freddie Freeloader" y "In A Silent Way" de Miles Davis ) y cuatro propios de gran diversidad, tocados todos por el trío de Byron y Moran con un tremebundo DeJohnette a la batería, más exagerado que nunca, aunque curiosamente encaja en el asunto de manera perfecta. En tres temas se les suma el cada día más lleno de swing Lonnie Plaxico, y en dos de estos además aparece Ralph Alessi aportando ese sonido tan original y distintivo que ya conocemos de, por ejemplo, sus colaboraciones con Steve Coleman o el propio Plaxico.

Desde luego no es un homenaje al uso : Byron lo utiliza, como ha hecho siempre con la diversa música que ha tocado, para transmitir la suya propia, una amalgama de la historia de la música americana, sobre todo pero no sólo la afroamericana. Toca más que en otras ocasiones el clarinete bajo, pero sigue teniendo ese sonido grueso y grave también con el otro clarinete. De Moran sólo se pueden decir alabanzas, porque ese traslado estético de una época a otra y de todas a través que hace Byron muy difícilmente podría irle mejor a ningún otro de los grandes pianistas que tenemos hoy día en activo, y aquí su manera de atacar un solo por ejemplo en el stride más tradicional y acabarlo con "clusters" disonantes a lo Cecil Taylor o Don Pullen, después de pasajes muy Be Bop donde casi parece un estupendo Bud Powell, siempre en cualquier orden pero con una arquitectura deslumbrante...parece idóneo para la idea de Byron, que es como ya he dicho muy afín a la de su propia música.

Y de DeJohnette...¿ que es puede decir ? Pues que a quien sólo le guste cuando está comedido...aquí no lo va a encontrar, pero hay que decir también que cuesta creer lo bien que queda su "overdrumming" absolutamente excesivo en este trio.

Si otras veces hemos alucinado con lo que gana la música de algunos de los anteriores proyectos de Don Byron en directo, no quiero ni imaginar lo que puede llegar a ser este homenaje a aquellos tríos maravillosos de Lester Young en sus primeras grabaciones, aunque con lo solicitados que están sus aquí acompañantes, veo difícil que veamos esto por nuestros festivales. Nos queda ponernos este estupendo disco y soñar.

Jorge LG

Músicos: Jamie Baum (flauta, flauta alta), Ralph Alessi (trompeta, fliscorno), Douglas Yates (saxo alto, clarinete bajo), Tom Varner (corno francés), George Colligan (piano, piano eléctrico), Drew Gress (contrabajo), Jeff Hirshfield (batería), Yosuke Yamamoto (percusión en 5 y 7)

Composiciones: All Roads Lead to You, Spring Rounds, In the Journey, Clarity, From Scratch, Primordial Prelude, South Rim, Central Park, Bar Talk, Spring, Rivington Street Blues

Comentario: Tercer trabajo de la flautista Jamie Baum al frente de un septeto de lujo integrado en su mayoría por músicos habituales en las propuestas del sello americano Omnitone. Una vez escuchada y reescuchada la obra, queda la sensación del acierto en la elección del título como definición del contenido y la orientación de esta obra: moviéndose hacia adelante permaneciendo quieta.

Sin grandes revoluciones, la compositora trabaja en un planteamiento jazzístico plenamente contemporáneo. Más allá de la revisión del hard-bop habitual en muchos casos su música se basa en parte de la Música Clásica Contemporánea, así como en el trabajo de de revolucionarios silenciosos de la década de los 60 como Andrew Hill, a lo que añade algún flirteo ocasional con la música étnica o la fusión. Dos sensaciones quedan en la escucha atenta del trabajo. La primera el buen hacer de la joven flautista titular de la obra con su instrumento. La segunda, la de un magnífico trabajo colectivo en donde priman los arreglos por encima de las individualidades, sin perder por ello la pizca de emoción necesaria en un disco de Jazz.