Barry Guy "contrabajo solo || Discos || Imaxinasons || Tomajazz

Matss Gustafsson (saxo tenor, soprano y barítono), Marilyn Crispell (piano), Barry Guy (contrabajo), Raymond Strid (batería).

El sello americano Music and Arts es, junto al británico Leo Records, corresponsable de la buena documentación discográfica de la que goza la pianista Marilyn Crispell. Dejando aparte las casi innumerables referencias en las que (y en no pocos sellos) aparece como miembro del cuarteto de Anthony Braxton, estos dos sellos nos la presentan en su faceta de líder (o colíder) en un buen número de referencias que cubren la casi totalidad de su carrera y en los más variados contextos: solos, dúos, tríos "convencionales" con contrabajo y batería, tríos con saxo y batería o cuarteto.

Music and Arts (que es la responsable de documentar la presente década, mientras Leo propone trabajos de los ochenta), añade una nueva joya a su listado y nos ofrece este trabajo en el que la pianista se suma a un trío, quizá no muy conocido (salvo en ciertos círculos), pero sí de una calidad indiscutible. Por aquello de que el Pisuerga pasa por... y aprovechando que la London Composers Orchestra que dirige Barry Guy (con la que Crispell colabora en su última referencia discográfica hasta el momento, el "cinco estrellas" y uno de mis discos del '98, "Three Pieces for Orchestra") estaba/actuaba en Estocolmo, la Crispell y el trío Guy-Gustaffson-Stird (un inglés y dos máximos representantes de la vanguardia sueca) se encerraron en un estudio, "after hours", para crear todo un monumento a la improvisación colectiva. Algo más de sesenta minutos sin desperdicio.

Guy-Gustafsson-Strid ya habían levantado la liebre con "You Forget To Answer" (Maya) un disco de improvisaciones densas y abigarradas. En esos contextos de música/improvisación de alto (el más) voltaje, se mueve con total soltura la Crispell y para este encuentro era predecible que predominara el derroche de energía. Quien (conociendo trabajos anteriores) haya escuchado el doble cd de Crispell dedicado a la música de Annette Peacock habrá comprobado que su toque, el ataque de las frases y su discurso en general se ha suavizado. Suavizado sí, pero no perdido profundidad ni interés.

Esa tendencia lírica que en el citado ECM quizá ha llegado a su cima ya se venía anunciando en anteriores trabajos y no sólo en los solos ¿?; en contextos que favorecen el discurso bronco y airado como el "Natives And Aliens" junto a Evan Parker o el que nos ocupa es ya evidente y no sólo rastreable. Este disco de impronunciable título nos ofrece, pues, una música que sin perder densidad ni momentos de abigarrado barroquismo instrumental fluye con más calma de la que nos tienen habituados, y como casi siempre en que Guy es arte y parte, de una belleza casi insultante.

This Is Not Much Less Than Flat / Short Steps Until It Finally Dawned / Rolling Agreement / Gnat Notes In Lyrical Amber / Lyrical Amber, Hand Held / Hand Held Hot Coals / Sensology / What To Do / Jazz For Now And Never More / Murmers And Darts / Sticks And Bones / Joyous Absence Of Disco / Slowly Getting To Know The Audience

Bufo Punctatus / Hyla Pickeringii / Scaphiopus Couchii / Lythodytes Ricordii / Discoglossidae / Hyla Versicolor / Rana Clamitans / Hyla Gratiosa / Chorophilus Ocularis

Barry Guy es una de las figuras más destacadas de la escena de la libre improvisación europea. Instrumentista portentoso aúna un sonido personal de gran potencia con una fluida capacidad para el diálogo. Si bien la cumbre de su trabajo es, posiblemente sin admitir discusión, su trabajo al frente de la London Jazz Composer Orchestra (de escucha obligatoria) cuando se goza del Guy instrumentista es en los dúos. En este mismo sello, "Arcus" con Barre Phillips y "Obliquities" con Evan Parker son buenas pruebas.

Las dos novedades del '97 nos lo ofrecen en este formato y en ambos casos el resultado es más que satisfactorio. Al tratarse de discos autoeditados, sin ningún condicionante contractual, ni de intereses discográficos, estilísticos...resulta sencillo suponer/presuponer que el material que se nos ofrece responde a una acertada selección de entre los trabajos de los que se sienta más satisfecho. Como las anteriores referencias, en estos dos trabajos Guy se nos presenta con músicos "habituales". Tanto con el pianista canadiense Paul Plimley, como con el saxo sueco Mats Gustafsson, Barry viene trabajando (y grabando en diferentes contextos) desde hace tiempo, evidenciándose buen entendimiento y fluidez de dialogo (en ambos casos se trata de temas compuestos sobre improvisaciones conjuntas).

El diálogo con Plimley es quizá más convencional. Convencional en el sentido de que responde a unas sonoridades más ortodoxas de los instrumentos. Del atropellado tema que abre el disco a la serena belleza del tema que lo titula hay una buena variedad de temas en los que poder perderse y con los que poder disfrutar.

El diálogo con Gustafsson es mucho menos formal. Gustafsson no es "formal". El expresionismo del saxo sueco es de los que no dejan indiferente. Chillidos a medio emitir, heterodoxia militante, suspiros haciendo que el movimiento de la columna de aire sea algo casi imperceptible....para la voz más personal de los jóvenes saxofonistas que en esta década han apostado por los caminos de la libre improvisación. Y como ya había demostrado Guy en anteriores encuentros, "Mouth Eating Trees And Related Activities" (Okka) y "You Forget To Answer" (Maya), ambos en trío, tiene recursos más que suficientes para con pizzicato o arco ser su (mejor) interlocutor.

Composiciones: Solar 15:23, Topos 10:30, Aurora 7:58, Zentral 7:50, Al-Sirul 13:49, Memòria 12:16
Por Agustí Fernández
Grabado en directo en la Nau Côclea de Camallera (Gerona) el 6 de septiembre de 2003. Editado en 2005.
G3G Records - Sirulita. G3 AF1
http://www.agustifernandez.com http://www.g33grecords.com

Joaquín Villaverde: Una idea digna del famoso libro Guiness: estar improvisando al piano desde la salida del sol hasta que se pone. Todo un día tocando el piano, a priori da la impresión de recoger el testigo de las obras de Cage o Feldman, donde el tiempo parece que se congela y llegan a duraciones extremas. También parece influenciada la idea y los momentos más tranquilos del disco por las improvisaciones al piano en solitario de Keith Jarrett.

Quince horas dan para tocar mucho tiempo, y como reflejo de ello, nos encontramos con un disco muy variado, desde temas centrados en el piano preparado donde las sonoridades más percusivas toman protagonismo, a temas más experimentales donde el piano parece que susurra. Existen también ciertos momentos donde Agustí Fernández se muestra mucho más melódico, así el tercer tema, "Aurora", marca el punto algido del disco.

En definitiva todas las posibilidades del piano en un intenso disco que es uno de los mejores editados hasta la fecha por Agustí Fernandez, y en la faceta, piano en solitario, que hasta ahora, bajo mi opinión, brilla más.

Diego Sánchez Cascado: Agustí Fernández dedicó 15 horas del 6 de septiembre de 2003 a improvisar al piano en la Nau Côclea de Camallera (Gerona). Desde el alba hasta el amanecer, Agustí exploró una multitud de sonoridades del instrumento, siguió carreteras por él conocidas pero también se adentró por senderos inexplorados, se detuvo en encrucijadas, se impuso una dirección o se dejó llevar.

De ese tour de force el músico ha seleccionado 68 minutos servidos en un cd con una presentación modélica, digna del valor de la música que contiene.

En “Camallera”, cada pieza parece tener un enfoque diferente, se adentra en un aspecto determinado del piano, entendido éste como un meta-instrumento que abarca desde el sonido “tradicional clásico” a diversas muestras de piano preparado, pasando por el piano como instrumento de cuerda y, cómo no, como esas “88 percusiones afinadas” que describía Cecil Taylor.

El planteamiento no es nuevo, ni en la obra de Agustí ni en muchos otros pianistas. Pero mientras que otros caen en la trampa de realizar una investigación sonora que se queda en mero despliegue de las posibilidades del instrumento y del instrumentista, Agustí trasciende ese aspecto para convertirlo en una muestra musical de gran belleza.

Porque “Camallera” contiene, ante todo, música hermosa, de una gran fuerza lírica, un lirismo entendido como un estremecimiento que sacude al oyente del cerebro a los dedos de los pies, pasando por el corazón, las manos, el hígado y el vientre. Y cada escucha del disco se convierte en un viaje a territorios fascinantes, siempre cambiantes, siempre distintos.

Músicos: Evan Parker (saxo soprano, voz), Philipp Wachsmann (violín, live electronics), Paul Lytton (percusión, live electronics), Agustí Fernández (piano, piano modificado), Adam Linson (contrabajo), Lawrence Casserley (percusión, voz, signal processing instrument), Joel Ryan (sample and signal processing), Walter Prati (computer processing), Richard Barrett y Paul Obermayer (sampling keyboard, live electronics), Marco Vecchi (sound projection)

Composiciones: Shadow Play (Parker - Casserley - Ryan - Prati) 17:29, The Eleventh Hour Part 1 - 5 (Evan Parker) 12:52 / 9:33 / 12:02 / 15:32 / 5:28

Duración: 1:12:56

Grabado en directo en noviembre de 2004 en Centre for Contemporary Arts, Glasgow, Inglaterra. Producido por Steve Lake. Editado en 2005.
ECM 1924 http://www.ecmrecords.com Distribuído por Nuevos Medios

Comentario: The Eleventh Hour es el cuarto disco del Electro-Acoustic Ensemble del saxofonista británico Evan Parker, todos ellos editados en ECM. Tras Memory-Vision (2003), Drawn Inward (1999) y Toward The Margins (1997), el grupo continúa mutando. En esta ocasión y con algún mínimo cambio en sus integrantes desde la anterior grabación, la formación pasa de nueve a once componentes, aumentando los artistas encargados de la electrónica y manipulación sonora. Al conjunto de cinco artistas dedicados ex profeso a esta labor, se añaden los percusionistas Paul Lytton y Lawrence Casserley, así como el violinista Philipp Wachsmann. Su trabajo, lejos de accesorio o puramente decorativo, es fundamental en el resultado final de la obra: su labor toma carta de naturaleza como un complemento imprescindible para el trabajo del (llamémoslo así) “sexteto acústico” (saxo, violín, contrabajo, piano y percusiones). Tal es así que en esta obra por encima de la pericia instrumental individual (que no es poca), está la obtención de las diferentes atmósferas y ambientes recorridos a lo largo de un alucinante viaje sonoro.

Grabado en Glasgow, el compacto toma el título de la obra encargada por el Centre for Contemporary Arts de esta ciudad británica para la serie de conciertos Free RadiCCAls 2004. Se inicia con Shadow Play, pieza elaborada casi exclusivamiente a partir del sonido de Evan Parker al soprano y su manipulación por parte de sus compañeros a la electrónica. En sus diecisiete minutos, quizás lo más conseguido de la obra, se recoge una pieza con un ambiente esencialmente sosegado, que es una magnífica muestra de los niveles a los que puede llegar este tipo de improvisación en directo.

The Eleventh Hour, el grueso del compacto, es una pieza dividida en cinco partes compuesta por Evan Parker y llena de detalles. La primera parte comienza con los músicos trabajando a la vez. Allí se suceden distintos ambientes que partiendo de un cierto caos inicial los músicos van transformando hasta llegar a un punto de calma inquientante.

La segunda parte empieza con una tranquilidad sosegada, rota puntualmente por las intervenciones de una parte de los instrumentistas. Esta se va alterando hasta alcanzar un ambiente de crispación creado gracias a una interacción muy interesante entre el contrabajo y sus partenaires a la electrónica. Un golpe de campana y su resonancia rompen este clímax para dar paso a la tercera de las partes. En esta la protagonista inicial es la percusión, que toma ese final de la parte anterior como leitmotiv para construir su discurso. Un discurso que a mitad de la pieza cesa en su calma y que retoma Agustí al piano, recogiendo el motivo sonoro que abría esta parte. En estos pasajes resulta un placer escuchar el sonido del piano rebotando replicado y tranquilo, provocando el juego musical del pianista consigo mismo (gracias a los manipuladores sonoros). Las percusiones y Evan Parker se unen a Agustí para terminar la pieza y comenzar con la cuarta parte. Lytton y Parker la inician, no tardando mucho en reincorporarse Agustí con una cascada de notas al piano (tocadas casi con la suavidad de una lluvia primaveral) con unos truenos (vocales) y el viento resonando al fondo. Resulta especialmente interesante el tramo final, con el encuentro entre el saxo de Parker y el violín de Wachsmann, sobre el sonido del piano de Agustín y la electrónica actuando como colchón sonoro.

La quinta parte, la más breve de todas, es la más inquientante gracias al trabajo por parte de la electrónica. En forma de diminuendo finaliza esta parte y la pieza en calma: un final perfecto para esta más que notable grabación.

Con elementos de la libre improvisación y de la clásica contemporánea, esta es otra muestra de la maestría de Evan Parker (aquí en formato electro-acústico), perfecto para ser escuchado en múltiples ocasiones y en cada una de ellas fijar la mirada en nuevos e interesantes detalles.

José Francisco Tapiz

Agustí Fernández & Mats Gustafsson - Critical Mass

Músicos: Agustí Fernández (piano, piano preparado), Mats Gustafsson (saxos barítono y tenor)

Composiciones: Critical Mass 5:58 Critical Mass 5:32 Critical Mass 4:26 Critical Mass 6:53 Critical Mass 4:46 Critical Mass 6:04 Critical Mass 3:20 Critical Mass 5:15 Critical Mass 6:13 Critical Mass 5:59

Toda la música compuesta por Fernández y Gustafsson, salvo Critical Mass 5:15 por Gustafsson y Critical Mass 6:13 por Fernández.

Grabado el 30 de julio de 2004 en Rosazul Estudi, Barcelona. Mezclado el 14 de enero de 2005 en Laboratori de So Metrònom. Grabación y mezcla por Ferran Conangla. Editado en 2005.
Psi Records. PSI 2005.06 http://www.emanemdisc.com/psi.html

Comentario: 2005 ha sido especialmente fructífero para Agustí Fernández en cuestión de ediciones discográficas. Ha editado a su nombre el homenaje a Ornette Coleman en cuarteto (elegido por los críticos de la revista Cuadernos de Jazz como mejor disco nacional) y un extracto de un maratoniano concierto a solo de título Camallera. También ha participado en las últimas grabaciones de la Barry Guy New Orchestra (Intakt, Choc de L'Annee para la veterana Jazz Magazine) y en el Electro-Acoustic Ensenble de Evan Parker (ECM): dos de las formaciones amplias más interesantes en la actualidad. A todo ello hay que añadir dos dúos. Grabado en 2000 Sea Of Lead con el contrabajista Peter Kowald y editado en Hopscotch (el sello del saxofonista Assif Tsahar en dónde editó Barcelona, otro dúo con el recientemente fallecido Derek Bailey). En Psi (el sello del saxofonista Evan Parker distribuído por el histórico sello británico Emanem) ha editado Critical Masss, a dúo con el saxofonista sueco Mats Gustafsson.

Grabado en julio de 2004 en Barcelona y mezclado en enero de 2005, Critical Mass es una nueva exploración de Agustí Fernández por el terreno de la libre improvisación (tanto en lo musical como en la exploración de las posibilidades de su instrumento), esta vez en compañía de Mats Gustafsson, saxofonista de primera fila en la escena libreimprovisadora tanto europea como mundial y tal y como algún lector averiguará, su contenido tiene que ver con lo físico, pero también con el efecto sutil y mágico que se produce en ciertos momentos en dónde la materia se transforma y transustancia.

Diez piezas (de nombre Critical Mass todas ellas, con apellido su duración) conforman el encuentro: siete dúos iniciales, a los que siguen dos solos (primero por el saxofonista nórdico y luego por el pianista), para finalizar con un último dúo que cierra su encuentro. A lo largo de los 55 minutos ambos se entienden a la perfección y a lo largo de sus discursos hay espacio para el trabajo a solo pero también y sobre todo para el diálogo y la interacción. En estos discursos la exploración de los recursos sonoros de los instrumentos (heterodoxos dentro de la "tradición" del jazz, dentro de la ortodoxia para quienes trabajan dentro de la libre improvisación) toma un importante papel.

2005 ha sido una año realmente fructífero para Agustí Fernández. Por sus conciertos, por sus proyectos (alguno de ellos pendiente de edición) y también por sus grabaciones. Y es que ni más ni menos estamos hablando de un músico que se quiera o no lleva ya unos cuantos años escribiendo con letras mayúsculas la historia del jazz (o como queramos llamarlo) en España... y no sólo aquí.

José Francisco Tapiz

Evan Parker Electro-Acoustic Ensemble - Memory/Vision

Componentes:
Evan Parker (saxo soprano, cintas y samplers)
Phillipp Wachsmann (violín y electrónica)
Agustí Fernández (piano y piano preparado)
Barry Guy (contrabajo)
Paul Lytton (percusión y electrónica)
Lawrence Casserley (Instrumento de procesamiento de señales)
Joel Ryan (Ordenador y procesamiento de audio)
Walter Prati (electrónica, procesamiento de audio)
Marco Vecchi (electrónica, procesamiento de audio)

Títulos: Part 1; Part 2; Part 3; Part 4; Part 5; Part 6; Part 7

ECM, 2003

Comentario: Aunque "Memory/Vision" sea un trabajo a nombre de Evan Parker, lo más destacado a primera vista es la presencia por primera vez de un músico español en un disco del sello ECM. Y no podía ser otro para la primera vez que el puntal de la vanguardia de la libre improvisación en España Agustí Fernández (ex aequo con Ramón López). Agustí aporta su buen hacer pianístico a un proyecto con nombres de primera fila como Barry Guy o el propio Evan Parker. La buena nueva se torna agridulce cuando de primeras no habrá distribución* en España del disco.

"Memory/Vision" se anuncia como la tercera parte de un ciclo iniciado con "Toward the margins" y continuado por "Drawn Inward". Más de una hora continuada de improvisación en directo registrada en Oslo en octubre de 2002. En él, la electrónica da sentido atmosférico al lenguaje de la improvisación de cinco instrumentistas que ven alterado su sonido gracias al procesamiento mediante ordenadores. Como resultado un desarrollo sonoro de gran intensidad emocional cuya vivencia está sometida a la mayor de las subjetividades.

Al parecer, según indica el propio Agustí, el disco es una muestra aproximativa de lo que este proyecto ofrece en directo. La distribución espacial del sonido en la sala de concierto no puede ser captada por el formato de CD. Se intentó la edición en DVD del mismo pero ECM todavía no ofrece este soporte. Por todo ello servidor recomienda la máxima concentración en su escucha y la audición sin interrupciones. Sólo así se puede a llegar a disfrutar de un discurso de lógica abstracta.

Carlos Pérez Cruz

Músico: Evan Parker (saxo soprano)
Psi Records

Comentario: Me refiero, en comentario breve y conjunto, a los tres discos a saxo soprano solo que el maestro Evan Parker publicó o reeditó entre 2001 y 2003 en su sello Psi Records.

Hablo de LINES BURNT IN LIGHT (2001), de SIX OF ONE, reedición del LP de Incus (sello fundado por él en 1970), grabado en 1980 y de THE SNAKE DECIDES, otra reedición de material editado por Incus en 1986. Tres discos, tres fases y épocas distintas en la vastísima discografía del saxofonista británico, que incluye varias sesiones de grabación en las que el protagonismo es para un solo instrumento.

¿Quién es Evan Parker? Se cuenta que cuando era estudiante de botánica escuchó la música de Cecil Taylor, que le cambió la vida y sus opciones musicales. Antes de esto, la escucha de Coltrane y un arrebato de sentido común también fueron determinantes para el curso de su vida. De ahí pasó a involucrarse con la escena improvisada londinense de los años 60, sólo hubo un paso. Conoció a John Stevens, Derek Bailey, Dave Holland, Kenny Wheeler, Trevor Watts y otros, formando con algunos de ellos el célebre Spontaneous Music Ensemble.

Estos fueron los inicios de un ser hipercreativo, que ha colaborado ampliamente con las principales figuras de la improvisación euro-americana acústica, electro-acústica y electrónica. Paralelamente ha ido investigando las (im)posibilidades del saxofón soprano, su principal herramienta, cuyo sonido ha hecho evolucionar como nadie en casi 40 años de carrera.

Especialmente impresionante en la ejecución de Evan Parker, algo que queda bien patente en cualquiera de los tres discos, es la articulación que consigue entre los aspectos físico (su digitación rapidísima, el sonido interminable y ese motor interno capaz de funcionar durante horas sin parar), su pensamiento ágil y su expresión fulgurante, resultados para los cuales ha contribuido la célebre respiración circular, una técnica redescubierta y revalorizada por él, a través de la incorporación de un lenguaje estético y una concepción musical plenamente propias. Parker hace un uso extensivo de la técnica de ejecución simultánea de dos o más líneas melódicas superpuestas, tocadas de forma rápida, continua e ininterrupida, en sucesivas serpientes de humo y color, que toman direcciones polifónicas imprevisibles, creando un fascinante efecto hipnótico.

Con el transcurso de los años, estas técnicas han creado una sensibilidad cambiante en la forma de abordar y comprender el saxo soprano, confiriéndole un estatuto de gran autonomía y un lugar central como fuente sonora, y que ha contribuido a un mejor entendimiento de la música de Sam Rivers, Steve Lacy, Roscoe Mitchell, John Coltrane (por suerte su mayor y más lejana influencia, que le hizo tomar el instrumento en su más tierna edad) y de otros grandes sopranos de la historia del jazz y de la libre improvisación.

Por otra parte –y este es un aspecto central- Parker se interesa y sabe tratar el sonido como pocos. No es casualidad que para sus grabaciones en solitario huya de los estudios y escoja catedrales, iglesias y capillas, espacios cerrados y más amplios –elemento en común en los tres discos aquí analizados- que le permiten interactuar activa y pasivamente con el eco y la reverberación natural de su propio y sonido y así crear ambientes acústicamente ricos. En estos contextos, los elementos de espacio y tiempo acaban por ser los otros músicos, con un papel fundamental en la creación del sonido.

De la escucha conjunta y secuencial de los tres discos se aprecia como los dos más antiguos iluminan al tercero, siendo una especie de ensayos o bocetos de la obra final, ejemplos acabados del arte de la improvisación en cuanto a la técnica de la composición instantánea elevada a una categoría superior.

Algunos detractores, tal vez menos atentos, interesados o familiarizados con el sonido de Parker, afirman que es una música cerebral y artificial, vacía de contenido ya que sólo es técnica por la técnica y, por tanto, inconsecuente. No estoy de acuerdo. La música de Evan Parker nace de la emoción y del pensamiento de un gran artista y como tal, tiende a la universalidad. Y de esa materia, de ese equilibrio entre razón y emoción, según Antonio Damasio es de lo que está hecha el alma humana.

Personalmente, lamento que Evan Parker no utilice más el saxo tenor en este tipo de propuestas. Hasta que publique un nuevo disco a tenor solo, me deleito con los magníficos dúos que ha grabado recientemente con Joe McPhee en Chicago (Okka Disk) y que ha resultado ser uno de los discos más estimulantes de 2003. Música esencial.

Eduardo Chagas

Marylin Crispell - Agustí Fernández - Dark Night, and Luminous

Part I / Part II / Part III / Part IV / Part V / Part VI / Part VII / Part VIII / Canço número 6.

Marilyn Crispell (piano), Agustí Fernández (piano).

Grabado el 24 de noviembre del '95 en directo, Barcelona II Festival de Música del Siglo XX en el Mercat de les Flors. (Edicions Nova Era. Música Secreta. NCM 7)

Evan Parker - Agustí Fernández - Tempranillo

art I (Mercerioso) / Part II / Part III / Part IV (31 Davids) / Part V / Part VI / Part VII / Part III (Nana For Núria)

Evan Parker (saxo tenor y soprano), Agustí Fernández (piano).

Grabado el 24(?) Noviembre '95 en Barcelona (Edicions Nova Era. Música Secreta. NCM 4)

"Yo me entreno para hacerlo muy bien, para responder al instante ante cualquier contingencia. Pero lo que no sé nunca es si remataré un corner, si voy a tener que marcar o si me van a dejar espacio para la creación. ¿Qué va a pasar esta noche?. Pues no lo sé. Ella juega en Primera División y yo intento jugar en esa categoría. Pero la verdad es que no sabemos cómo irá el partido". El 24 de noviembre de 1.995, El Periodico de Cataluña, recogía estas declaraciones del pianista mallorquín, afincado en Barcelona, Agustí Fernandez. Ese fin de semana, viernes y sábado, el II Festival de Música del Siglo XX que se celebraba en el Mercat de les Flors ofrecía una programación sin desperdicio. Dos noches para hacer soñar a los amantes del riesgo y la caída libre: dúo de pianos con Marilyn Crispell y Agustí Fernández (origen del artículo reseña que se publicaba) y Evan Parker a solo. La programación por si sola ya es digna de pasar a los anales porque en este país dos noches seguidas de ese nivel no se acostumbran a escuchar en todos los festivales/programaciones (¿que más quisieramos unos pocos?), pero lo realmente sorprendente han resultado ser sus secuelas.

El concierto-primer encuentro (anteriormente habían sido entrevistador y entrevistada; eran los tiempos de "Glasnost" el programa de la "dos" del que él fue director musical) entre Marilyn y Agustí, anunciado como "Fosca nit, i lluminosa", fue grabado y aunque ha tardado lo suyo por fin lo tenemos disponible desde los primeros días de esta primavera. Evan Parker, que tocaba a solo, por su parte ya venía con la intención de grabar algo en estudio con Agustí a quien había conocido poco antes en un festival celebrado en Francia. La fecha de este encuentro, 24 de noviembre (¿¿el mismo día que tocaba con Crispell??) según los datos de la carpetilla del cd, apoyándonos en diversas pistas (incluido el comentario de esa misma carpetilla) podemos considerarla errónea. La fecha más bien sería la del día 26 o 27. Este encuentro, aunque posterior en un par de días al otro, saldría editado mucho antes, quizá por la existencia de un sponsor, "Viñas del Vero" ("Tempranillo", título del cd es la denominación de uno de sus caldos). Y tuvo algunos conciertos del dúo, presentación en la Fundación Miró, Mercat de Vic....desembocando en una colaboración que han abiertos a otros músicos.

Que Agustí (¿quién es ese?) publicara un disco a dúo con Evan Parker (sudor frío para más de uno pero buenas palabras siempre por si acaso) parece que no revolucionó el mercado (ni a la crítica) y quien más quien menos procuró no enterarse. Que el disco es bueno de muerte y hasta decir vale, que la única pega que se le puede poner es que tres cuartos de hora para un cd no son gran cosa, que Agustí daba la talla y entablaba un dialogo entre iguales con uno (casi el más) de los grandes de la improvisación europea cuando en este país se ha soportado e incluso hecho apología de quien simplemente ha tocado en la misma programación que...Nada debió importar y año y medio después de su publicación es un trabajo desconocido para la gran mayoría. La justificación es obvia, es un trabajo publicado por una pequeña discográfica barcelonesa que no tiene distribución y....Una muy mala coartada desde luego, porque las cosas buenas hay que buscarlas aun a costa de partirse el culo.

"Dark Night, And Luminous" puede correr quizá una suerte distinta porque cuenta a su favor con el beneplácito de las (más) altas instancias a ese monstruo del pianismo contemporaneo que es Marilyn Crispell. Su disco para ECM "Nothing Ever Was, Anyway" supone su aceptación en "sociedad" y eso juega a favor de una mayor difusión de este trabajo (en nuestro país). Y para quienes creen que el trabajo de ECM es un punto y aparte en la carrera de la "pianista free", "Dark Night" puede romperles los esquemas porque un año antes de someterse a la produccion de Eicher, Marilyn ya tocaba "bonito". Todo el disco es de una belleza arrebatadora, pero el corte que lo cierra, "Canço número 6" de Frederic Mompou, todo un acierto.

La escucha de ambos discos deja bien patente que Agustí está más que capacitado para jugar en esa primera división y sus continuos encuentros con otros grandes improvisadores: William Parker, Susie Ibarra, Assif Tsahar, Mats Gustafsson, Carlos Zingaro, Peter Kowald....y en breve Matthew Shipp así lo vienen confirmando. ¡Gran cosecha la de ese fin de semana de noviembre del '95!. ¡Suerte que se embotellara!. (Fecha óptima de consumo: Cualquier momento es bueno, pero comienza ya, no lo demores).

Jesús Moreno

Agustí Fernández 4uartet - Lonely Woman (Homenatge a Ornette Coleman)

Músicos: Agustí Fernández (piano), Liba Villavecchia (saxos tenor y soprano), David Mengual (contrabajo), Jo Krause (batería)

Composiciones: Lonely Woman 13:12 Mob Job 6:15 Kathelin Gray 3:31 Latin Genetics 7:01 Virgin Beauty 3:59 Unknown Artist 3:23 The Good Life 7:00 What Reason 5:04

Grabado el 20 de noviembre de 2004 en Estudi 44.1 de Gerona. Producido por Sirulita S.L.
Editado en 2005 por Taller de Musics con la colaboración del Departament de Cultura (Generalitat de Catalunya)

Comentario: Cuando en diversos foros aparecen noticias de los proyectos de Agustí Fernández sus incondicionales, entre los que me encuentro, nos hacemos a menudo la pregunta de si ese nuevo proyecto llegará a ver su edición discográfica. El caso del "Lonely Woman Quartet" a priori parecía una muy buena idea y ahora con el disco entre las manos, ya podemos pasar a analizarlo.

Agustí es uno de los músicos más internacionales del panorama jazzístico español. Es interesante por lo tanto encontrarlo en un proyecto con músicos más cercanos al panorama español. Dentro de este proyecto centrado en el mundo de Ornette Coleman, caben citar unos cuantos elementos que lo hacen muy atractivo. Uno de ellos es la extraña relación de Ornette con el piano, ya que es un músico que ha encontrado muy poco espacio para este instrumento dentro de su música. También el hecho de ser el proyecto más "clásico" que le he escuchado hasta ahora a Agustí, y por último la elección de los temas, centrada en discos más o menos recientes. Aparecen dos temas de Song X, uno de Virgin Beauty, otro de In All Languages (todos ellos discos de la década de los ochenta) y también cortes de Science Fiction. Realmente el único de los clásicos es Lonely Woman.

Con este tema se abre el disco, en una versión muy equilibrada, con una gran presencia del piano de Agustí, con un ritmo muy vivo que adquiere una gran serenidad en la parte central, con una sección de piano en solitario.

Más interesante todavía resulta la versión de Mob Job, de nuevo con Agustí en un fantástico solo. A su vez hay temas que suenan más clásicos como la versión del Latin Genetics. El tratamiento de Kathelin Gray o What Reason es en dúo, con el saxofonista en primer lugar y el bajista a continuación, proporciona una sensación de relajación en contraste con el resto del disco.

Muy bonito resulta el solo de Liba Villavechia en Unknown Artist y muy bueno el nivel del cuarteto como grupo. Destaca especialmente el trabajo del bajista David Mengual. Lástima de no tener una grabación de mayor calidad, ya que a veces los instrumentos parecen tener un mal equilibrio, sonando alguno con un volumen superior al del resto. En definitiva un disco muy recomendable, con un Agustí Fernández más clásico de lo normal, pero igualmente disfrutable.

joaquin villaverde

The Thing - Garage

Músicos: Mats Gustafsson (saxos tenor y barítono), Ingebrigt Haker Flaten (contrabajo), Paal Nilssen-Love (batería, percusión, sampler)

Composiciones: Art Star (Yeah Yeah Yeahs); Aluminium (The White Stripes); Haunted (Norman Howard); Eine Kleine Marschmusik (Peter Brötzmann); Hey Fläsk (The Thing); Have Love Will Travel (R.Berry/Sonics); Garage (The Thing)

Editado por Smalltown Superjazzz. STS078CD
http://www.smalltownsupersound.com

Comentario: The Thing es el trio formado por el potente soplador Mats Gustafsson y el dúo rítmico de Atomic, Paal Nilssen-Love a la batería e Ingerbrigt Haker Flaten al contrabajo. En Garage, su tercer compacto y cuarto trabajo (cuestión provocada por la edición en vinilo de un homenaje a Norman Howard), retoman el espíritu de este movimiento del rock que se inició en los años 60 y que hoy en día vive un momento de cierto revival.

Para ello toman un repertorio que se basa en temas de grupos de garage bien sean estos de la década de los 60 (en este caso con The Sonics, grupo del que hacen una demoledora versión de apenas dos minutos de Have Love Will Travel) o de la actualidad, revisitando Aluminium de The White Stripes y Art Star del grupo Yeah Yeah Yeahs. El resultado son unas versiones plenas de energía, centradas en la melodía y buscando la inmediatez. Esta misma aproximación es la que toman al recuperar un oscuro tema de Norman Howard (compañero por breve tiempo de Albert Ayler) y una composición de Peter Brötzmann perteneciente a su disco Solo de 1976 en FMP. Ambos sirven para mostrar la faceta más ayleriana de Mats Gustafsson. Su oferta se completa con un par de temas obra de los tres integrantes del grupo: Hey Fläsk, trabajando en una vertiente más free, y Garage, en una onda próxima a la libre improvisación para el tema más largo del disco.

Sólo una objeción y es su duración, que no llega a los 40 minutos. Demasiada brevedad para una obra directa y llena de energía.

José Francisco Tapiz

Stan Tracey / Evan Parker - crevulations

Músicos: Evan Parker (saxo tenor), Stan Tracey (piano)

Composiciones: Bendalingo's Dream 20:14 Crevulation 9:37 The Streatham Walk 7:27 Babazuf 14:39
Improvisaciones por Evan Parker y Stan Tracey
Grabado en directo el 24 de julio de 2004 en Appleby, Inglaterra.
Editado en 2005 por Psi.
Psi 05.04 http://www.emanemdisc.com/psi.html
Comentario: Precioso el disco de Evan Parker con Stan Tracey. A pesar de que superficialmente se pueda pensar que ambos músicos vienen de tradiciones diferentes, no es menos cierto que Evan Parker es capaz de tocar dentro de la tradición jazzística al uso (que se lo pregunten a Charlie Watts a la hora de montar sus grupos jazzísticos) o que Stran Tracey también ha tocado dentro de lo que sería la libre improvisación.
Pero esta grabación no es un resultado de choques entre tradiciones. Todo lo contrario, el mundo en dónde habitan los músicos en esta grabación está compuesto por improvisaciones entre las que van recorriendo distintos parajes. En estos se suceden tanto los diálogos con los soliloquios. Aquí domina quizás no la tranquilidad, pero sí una sensación global de placidez y dulzura, especialmente con las aportaciones de Stan Tracey que quizás pudieran dar la impresión de estar escritas, a pesar de que también existen momentos de cierta tensión. De cualquier modo e independiente de estas apreciaciones subjetivas, esta grabación es un magnífico ejemplo de comprensión e interacción entre ambos músicos en directo. Una grabación que logra algo tan difícil como romper la barrera que suele existir entre la propia explicación de lo escuchado y visto en lo físico del directo, hasta la soledad (o no) de la escucha individual.

José Francisco Tapiz

Derek Bailey / Evan Parker - The London Concert

Músicos: Derek Bailey (guitarra acústica, guitarra modificada -19 cuerdas), Evan Parker (saxos soprano y tenor)

Composiciones: 1 First Half Solo 4:16 2 Part 1 14:54 3 Part 1A 5:50 4 Part 2 3:51 5 Part 2A 10:24 6 Second Half Solos 10:26 7 Part 3 11:54 8 Part 4 6:56

Grabado en concierto en Wigmore Hall, Londres, el 14 de febrero de 1975. Editado en 2005
Psi Recordings Psi 05.01 http://www.emanemdisc.com/psi.html

Comentario: Evan Parker y Derek Bailey son dos veteranos pertenecientes a la primera generación y activos todavía y a fecha de hoy en la primera línea de la libre improvisación. A pesar de que sus desencuentros provocasen que a partir de 1987 no hayan vuelto a tocar juntos hasta la fecha de edición de esta grabación (2005), ambos tienen una larga carrera conjunta que se inició en 1966, en proyectos como el imprescindible, variado y camaleónico Spontaneous Music Ensemble del batería John Stevens.
Por tanto, en el momento de la grabación de este concierto en 1975, ambos músicos se conocían en directo desde hacía casi diez años. Un tiempo más que suficiente para un conocimiento mutuo, entendimiento e interacción como muestra en este magnífico concierto. Como aliciente presenta la inclusión de 29 minutos no editados anteriormente que completan toda la parte estrictamente musical del concierto. Una obra y estados creativos magníficos para acercarse (sin miedo), a las figuras de Evan Parker y Derek Bailey. No se pierdan ni la obra ni la foto de la contraportada del libreto: impagable.

José Francisco Tapiz

Herb Robertson NY Downtown AllStars - Real Aberration

Composiciones: CD1 “Sick(s) Fragments”
CD2 “Re-elaboration”

Compuestos por Herb Robertson

Músicos: Herb Robertson (trompeta), Tim Berne (saxo alto), Sylvie Courvoisier (piano), Mark Dresser (contrabajo), Tom Rainey (batería)

Grabado en directo en Casa da Música, Oporto (Portugal) el 26 de septiembre de 2006.
Editado en 2007 por Clean Feed CF096CD http://www.cleanfeed-records.com

Comentario: Uno de los problemas de los súper grupos, es precisamente las expectativas que pueden llegar a levantar como tales. Esto es lo que sucede con Herb Robertson y su grupo NY Downtown Allstars, que ha editado su segunda grabación, Real Aberration, en el sello portugués Clean Feed. Vayamos con la disección por partes y brevemente.
Creo que no hace falta indicar a nadie medianamente informado sobre la importancia y las enormes carreras que tienen tras de sí los integrantes de esta formación: el trompetista Herb Robertson (líder y compositor de todos los temas), el saxofonista Tim Berne (aquí en el alto), la pianista Sylvie Courvoisier, el contrabajista Mark Dresser y el batería Tom Rainey. Efectivamente: un supergrupo.

El problema llega cuando este CD doble y grabado en directo queda como una sucesión un tanto inconexa de solos prendidos con pequeños esbozos melódicos que no llegan a dar no ya un sentido completo, sino mínimo a la obra. Una decepción que es todavía mayor si se compara con su anterior grabación en el sello portugués.

Pachi Tapiz

Herb Robertson NY Downtown All Stars - Elaboration

Músicos: Herb Robertson (trompeta, corneta, mutes, megáfono), Tim Berne (saxo alto), Sylvie Courvoisier (piano, piano preparado), Mark Dresser (contrabajo), Tom Rainey (batería)

Composiciones: Elaboration (for Ken Pickering) (Herb Robertson) 48:28

Grabado en The Studio, NYC el 11 de octubre de 2004. Producido por Herb Robertson y Tim Berne. Masterizado por David Torn. Editado en 2005.
Clean Feed. CD042CD http://www.cleanfeed-records.com Distribuído por Distrijazz

Comentario: Comenzando con los protagonistas, dos notas sobre la nueva formación de Herb Robertson.
La primera es sobre el acierto en su nombre. Este grupo es realmente una reunión de All Stars del Downtown Neoyorkino. Ahí están los nombres con sus trayectorias respectivas de músicos del nivel de Tim Berne, Mark Dresser, Sylvie Courvoisier o Tom Rainey, sin olvidar al titular, un trompetista no lo suficientemente ponderado a pesar de poseer una más que interesante obra a su nombre.

La segunda y más importante: estos músicos no sólo están en activo (por tanto nada de reuniones de viejas glorias en este cd), sino que han sido y son compañeros a lo largo de sus trayectorias musicales. La excepción podría presentarse para Sylvier Courvoisier, aunque todos ellos han llegado a tocar con la pianista con anterioridad a esta grabación.

Pero lo importante, obviamente, es la música y no el currículum de sus participantes. A pesar de estar interpretada como una única pieza de 48 minutos, Elaboration está conformada por distintas secciones, doce según su compositor Herb Robertson. Estas secciones están abiertas en cuanto a su interpretación y aportación por parte de los cinco músicos y más que como elementos cerrados, sirven como trampolín para la improvisación y la interacción en diferentes agrupaciones, que van desde los correspondientes solos hasta el quinteto. Todo ello hace que a lo largo de su transcurrir aparezcan diferentes ambientes y momentos musicales de distinta intensidad que logran hacer que no se pierda el interés en la obra.

En cuanto a los músicos, poco que añadir a lo ya conocido sobre la maestría de Robertson, Berne o Dresser. Sí a la labor de Courvoisier (en algún momento da la impresión de que esta grabación es un concierto para piano escrito para esta pianista) y Tom Rainey con algunos momentos especialmente sublimes.

José Francisco Tapiz

Zu / Mats Gustafsson - How To Raise An Ox

Músicos: Mats Gustafsson (saxo barítono), Luca T. Mai (saxo barítono), Massimo Pupillo (bajo), Jacopo Battaglia (batería).

Composiciones: 1 Over A Furnace 2 How To Raise An Ox 3 Eating The Landscape 4 The King Devours His Sons 5 Bring The War Back Home 6 Meat Eater, Solar Bird 7 Palace Of Reptiles 8 Beasts Only Die To Be Born 9 The Tiger Teaches The Lamb
Duración: 40:31

Grabado en 2004 en Locomotore Studio, Roma, Italia. Editado en 2005 por Atavistic.
alp168cd http://www.atavistic.com Distribuído en España por http://www.greenufos.com

Comentario: La bestia sueca frente a las bestias italianas. En su anterior trabajo en Atavistic (Radiale) el trio italiano Zu completaba su formación con el saxo de Ken Vandermark para trabajar con su propuesta sonora, esencialmente rock, con añadidos del free, punk, avant-garde, hardcore y funk entre otros. En esa su primera obra en Atavistic el grupo oscilaba entre su sonido crudo (en compañía de Ken Vandermark) y terrenos cercanos al Free-Funk en compañía de los Spaceways Incorporated.

Aquí, en el bestial How To Raise An Ox, la incorporación al trio de Mats Gustafsson, aportando el sonido de un segundo saxo barítono, no puede ser más acertada a la vista de la orientación sonora habitual para el trio y de las maneras del soplador sueco en propuestas cercanas al rock por medio del grupo The Thing. Este músico se adapta a Zu, complementando perfectamente el trabajo de los italianos, sin hacer un uso excesivo de su hiper-expresionismo free. El resultado es un compacto en que domina un sonido intenso, oscuro y a tempo lento (en su mayor parte), con piezas no muy extensas en su duración (esta varía entre los dos y los siete minutos), algunas de las cuales aparecen más bien como esbozos que como composiciones totalmente terminadas, siguiendo la tónica de un sonido crudo y bronco. Acompañado por un magnífico equilibrio entre los músicos (muy interesante el trabajo del bajista en especial, muy eficaz el trabajo de los dos saxos), el resultado es una obra llena de inmediatez, que no debieran perder de vista los aficionados al noise-rock con curiosidad acerca del jazz.

José Francisco Tapiz

Sonore - No One Ever Works Alone

Músicos: Mats Gustafsson (st y saxo barítono), Ken Vandermark (st y saxo barítono y clarinete bajo) y Peter Brotzmann (saxo alto ,axo tenor, saxo bajo, tarogato y clarinete)
Grabado el 26 Octubre 2003 “Loft” Köln. Publicado en el año 2004
Okka Disk OD12053 http://www.okkadisk.com

Comentario: El encuentro de tres de los más importantes músicos de la libre improvisación no puede dejar indiferente a ningún aficionado al free jazz. Peter Brotzmann, en la actualidad 63 años, el hiperactivo músico de Chicago Ken Vandermark, y el no menos activo improvisador sueco Mats Gustafsson, (dos de los jóvenes exponentes en la actualidad), nos ofrecen en este trabajo, una demostración del buen hacer improvasatorio que es desarrollado en sus carreras respectivamente.

El encuentro de estos músicos no es casual, tanto Vandermark como Gustafsson han participado en grabaciones y actuaciones con el músico alemán y forman parte de diversas formaciones lideradas por Peter Brotzmann, en octeto y tenteto.

El nombre del grupo nos podría indicar de entrada el tipo de música que nos vamos a encontrar a lo largo de la audición, así como el primer tema que se encuentra desarrollado en el cedé; una auténtica avalancha sonora. Bien lejos de todo ello, la música que se interpreta, lo es desde un plano de igualdad entre todos los músicos; siempre desde el diálogo y nunca desde la confrontación o rivalidad. Ken Vandermark, como buen conocedor de la gran tradición americana del free jazz, aporta sus mejores conocimientos musicales; Peter Brotzmann incorpora la experiencia musical y por último, Mats Gustafsson aporta técnicas de enormes carga improvisatoria (provenientes de la tradición americana de grandes improvisadores), con mezcla de elementos de la música culta Europea.

La música que se desarrolla a lo largo de toda al grabación se pueda calificar de compleja, pero no exenta de ser disfrutada en todo su esplendor. El planteamiento de no encontrarnos ante una “batalla” de saxos hace entender a los componentes del grupo, que cada uno de ellos participa de la improvisación que se lleva a cabo, y que el resultado final de todas las improvisaciones es un conjunto orgánico de escucha.

Nos encontramos con desarrollos improvisatorios vigorosos y explosivos por parte de todos los intérpretes (a veces, a base de diversos matices instrumentales), circunstancia que es de esperar en improvisadores de esta calidad. Pero el hecho más significativo de toda la grabación, es la graduación de la intensidad de estos desarrollos improvisatorios, lo que conlleva que se produzcan unos espacios musicales para la creación de texturas y pasajes, que en más de una ocasión se podrían calificar de bellos, reflexivos y emotivos. Todo el conjunto provoca la sensación de una música más racional con grandes líneas armónicas y melódicas, y en consecuencia, con una interpretación más basada en líneas de acordes.

Estupenda grabación, que debe ser escuchada por los aficionados al efecto de descubrir una estupenda formación de improvisadores.

Juan Carlos Abelenda.

Territory Band 3 - Map Theory

Músicos:
Jeb Bishop (trombón), Axel Dörner (trompeta), Per-Åke Holmlander (tuba )
Kent Kessler(contrabajo), Fred Lonberg-Holm (violonchelo)
Fredrik Ljungkvist (saxos, clarinete), Dave Rempis (saxos), Ken Vandermark (saxos, clarinete)
Paul Lytton (percusión), Paal Nilssen-Love (percusión)
Kevin Drumm (electrónica)
Jim Baker (piano)

Composiciones:
CD1: 1 A Certain Light (for Peter Kowald) 16:10, 2 Framework (for Rob Vandermark) 16:30, 3 Slides #3 (for Bernard Parmegiani) 8:25
CD2: 1 Towards Abstraction (for Gil Evans) 12:20, 2 Slides #1 (for Kevin Drumm) 7:25, 3 Image As Text (for Richard Hull) 19:06
Composiciones por Ken Vandermark

Grabado el 23 y 24 de septiembre de 2002 por John McCortney en Airwave Recording Studios, Chicago. Mezclado por John McCortney y Ken Vandermark con la ayuda de Kevin Drumm. Portada e ilustraciones por Richard Hull. Productores ejecutivos Bruno Johnson and Ken Vandermark. Editado en 2004.
Okka Disk OD12060 http://www.okkadisk.com

Comentario: Nueva grabación de la Territory Band de Ken Vandermark, como en las dos ocasiones anteriores integrando a músicos americanos y europeos. En esta ocasión presenta un compacto doble (a pesar de que su duración global no llega a los 80 minutos) con seís composiciones de su creación. En estas continúa trabajando con su manera de entender el jazz actual en una gran formación; en esta ocasión son doce músicos entre los que se encuentran tres metales (trompeta, trombón y tuba), tres saxos, dos músicos al contrabajo y chelo, dos percusionistas, piano y electrónica.

Entre sus piezas destaca Towards Abstraction (dedicada al insigne Gil Evans) en dónde a pesar de contar con unos músicos fuertemente ligados a la escena de la Libre Improvisación logra que muestren un magnífico swing. También A Certain Light con la alternancia de pasajes más abiertos y abstractos con otros más cerrados en cuanto a la composición. Interesantes son las dos versiones del tema Slides, estructuras improvisatorias dirigidas hacia los pequeños núcleos en que allí se encuentra dividida esta formación.

Otro paso adelante más en la carrera de Ken Vandermark. A sumar a los dados en las grabaciones del trio Sonore (Brötzmann – Gustafsson – Vandermark), The Vandermark 5, School Days, Spaceways Incorporated y The Chicago Tentet de Peter Brötzmann, todas ellas en este año 2004.

José Francisco Tapiz

Schlippenbach Trio - Winterreise

Composiciones: “Winterreise 1” 46:25, “Winterreise 2” 20:26

Compuesto por Schlippenbach, Lovens, Parker

Músicos: Evan Parker (saxo tenor), Alexander von Schlippenbach (piano), Paul Lovens (batería y címbalos).

Duración: 1:06:59

Grabado en The Loft, Colonia, Alemania. “Winterreise 1”: 5 de diciembre de 2005. “Winterreise 2”: 6 de diciembre de 2004. Editado en 2006 por Psi Recordings. Psi 06.10

Comentario: Evan Parker, Alexander Von Schlippenbach y Paul Lovens son tres viejos conocidos que en el inicio del invierno cogen el coche y bien abrigados y cargados de música tanto para escuchar durante el viaje como para vender en los conciertos, realizan una gira en acústico por distintos clubs.

Winterreise ofrece un par de piezas tomadas de sus giras de 2004 y 2005 en The Loft (Colonia), de 46 y 20 minutos de duración respectivamente. En ellas el trío muestra su entendimiento y su forma de trabajar en común. Ésta está desarrollada de tal manera que incluye fases en solo, dúo y trío. Esa forma de trabajar sólo es posible gracias a un entendimiento que va más allá de lo puramente musical y que el tiempo se ha encargado de desarrollar y pulir.

En las dos improvisaciones el trabajo se inicia por parte del piano de Von Schlippenbach. El tema más interesante de los dos es “Winterreise 1”. A lo largo de su desarrollo pasa por fases de distinta intensidad, mostrando amplios espacios para que von Schlippenbach muestre tanto su lirismo como su maestría al piano, mientras que Parker y Lovens permanecen por momentos como espectadores impasibles. Sin embargo, estos roles cambian en otros momentos para que un intenso Parker se convierta durante algunos minutos en el protagonista casi exclusivo de la música. Sin embargo, uno de los momentos más intensos de todo el CD tiene lugar cuando el batería y el saxofonista (aquí al tenor) se enzarzan en un intenso dueto en la parte intermedia de la pieza, fiesta expresionista a la que no tarda en unirse von Schlippenbach para rematar ese pasaje con un magnífico trabajo en trío.

“Winterreise 2” resulta más predecible, con un inicio prolongado durante más de dos minutos en el que apenas suenan unas pocas notas (que recuerda al comienzo del directo de Paul Bley en Mondsee), que inician una improvisación que va tomando sucesivamente cuerpo y aumentando su intensidad.

Paul Lovens, Alexander von Schlippenbach y Paul Lovens: tres viejos zorros a los que resulta un placer escuchar tocar en total libertad. Un placer incrementado, por cierto, gracias a la lectura de las notas escritas por Schlippenbach.

José Francisco Tapiz

François Houle – Evan Parker – Benoit Delbecq - La lumière des pierres

Composiciones: “stone through sunlight” 18:04, “moonlight through stone” 16:44, “stone on stone” 10:55

Todos los temas por Houle, Parker, Delbecq

Músicos: François Houle (clarinetes), Evan Parker (saxo tenor), Benoit Delbecq (piano preparado)

Duración: 45:55

Grabado en la Capilla del Buen Pastor, Montreal, Canadá, el 9 de octubre de 2005.
Publicado en 2007 por Psi Recordings. Psi 07.02

Comentario: La lumière des pierres es la grabación del primer encuentro en un escenario del trío integrado por Evan Parker (saxo tenor) y el dúo compuesto por François Houle (clarinetes) y Benoit Delbecq (piano preparado). Lo que más sorprende de la grabación es la calidad melódica de las improvisaciones desarrolladas por los tres músicos. En éstas toma un papel primordial el trabajo conjunto. Aunque hay un gran espacio para los solos individuales, la sensación que queda tras la escucha es la de estar ante un trío con un largo pasado común a sus espaldas, gracias al entendimiento conjunto que son capaces de desplegar.

Quizás no sea más que la magia de la música, la magia del sitio, la magia de las composiciones instantáneas, la magia de los creadores. Si además ocurre, como en ésta ocasión, que los músicos están en sintonía, el resultado puede llegar a ser una pequeña joya, como lo es esta grabación.

José Francisco Tapiz

Foxes Fox - naan tso

Composiciones: “Naan Tso” 30:58, “Slightly Foxed” 8:43, “Reinecked Gefettet” 13:56, “Renard Pâle!” 15:24
Todos los temas compuestos por Beresford / Edwards / Moholo / Parker, salvo “Slightly Foxed” por Edwards / Moholo / Parker.

Músicos: Evan Parker (saxo tenor), Steve Beresford (piano), John Edwards (contrabajo), Louis Moholo-Moholo (percusión)

Duración: 1:09:24

Grabado en Gateway Studios (Londres) el 27 de octubre de 2004.
Editado en 2005 por Psi Recordings. psi 05.07

Comentario: Grabado con motivo del retorno del batería y percusionista Louis Moholo-Moholo a Ciudad del Cabo (Sudáfrica) desde su exilio londinense, naan tso (que significa “aquí está” en el lenguaje Xhosa) recoge una sesión en estudio de un cuarteto que toma el nombre de su primera grabación Foxes Fox (Emanem 4035).

Los cuatro temas incluidos en el compacto son improvisaciones por parte de los integrantes de un cuarteto de lujo: Evan Parker, Steve Beresford, John Edwards y Louis Moholo-Moholo. A lo largo de la grabación habría que destacar además de la complicidad entre los músicos, el sentido melódico de la propuesta, presente en más de un momento. Esto se logra especialmente gracias a las cascadas de notas de Beresford y al saxo tenor de Parker.

El grueso del CD se lo lleva la más de media hora de “Naan Tso”, que es todo un ejemplo de cómo construir una propuesta libre-improvisada. “Renard Pâle!” comienza como un tema peleón por parte del cuarteto, que Beresford redirige con maestría. Tras la entrada del pianista en el juego de sus compañeros en forma de solo y lanzando bloques de notas, se auto-responde abriendo en su música unos grandes espacios que sirven para calmar el tono del tema, recomponerlo y redireccionarlo con total naturalidad. No obstante, los gustos personales mandan, mi favorito es “Reinecked Gefettet”. A lo largo de sus catorce minutos el cuarteto opta por acentuar el carácter más lírico de su propuesta, con un tono calmado y melancólico. Un hasta luego que no podría haber sido dicho de mejor manera.

José Francisco Tapiz

Evan Parker Trio & Peter Brötzmann Trio - The Bishop's Move

Músicos: Evan Parker (saxos soprano y tenor), Peter Brötzmann (saxo tenor, tarogato, clarinete), Alexander Von Schlippenbach (piano), Paul Lytton (batería, percusión), William Parker (contrabajo), Hamid Drake (batería, djembe, percusión)

Composiciones: The Bishop's Move (Peter Brötzmann - Evan Parker) 73:30

Grabado en directo en el vigésimo Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville, 19 de mayo de 2003. Editado en 2004.
Les Disques Victo. VICTO cd 093 http://www.victo.qc.ca/

Comentario: A los aficionados a la música de Evan Parker y Peter Brötzmann se les puede dar la enhorabuena merced a la edición del encuentro de estos dos tríos de improvisadores de primera línea. Cuatro de ellos pertenecen a la primera generación de improvisadores europeos (el alemán Peter Brötzmann, más el trío del británico Evan Parker, formado por Paul Lytton y Alexander Von Schlippenbach). Los dos músicos restantes son una de las rítmicas de lujo en el Jazz actual. Muchos adivinarán que no puede ser otra que la formada por los americanos William Parker y Hamid Drake, hiperactivos en su actividad y acompañantes desde hace tiempo en las andanzas del saxofonista alemán. Sólo habría que recordar sin retroceder demasiado en el tiempo sus grabaciones en cuarteto en FMP a nombre del Die Like A Dog Quartet (añadiendo al trio el trompetista Toshinori Kondo) o el disco homenaje a Peter Kowald ya en formación de trio.

En cuanto a la agrupación de esta grabación, esta es la primera vez que los seis músicos coincidían en escena (gracias al magnífico proyecto de Michel Levasseur, director artístico del FIMAV, festival en dónde tuvo lugar este encuentro). Sin duda alguna, un supergrupo del free y la libre improvisación,.

Tras este preámbulo y explicaciones previas, alguien preguntará: ¿qué tal está el disco? ¿merece la pena? Y las respuestas son un sí rotundo y mayúsculo a ambas cuestiones. Este es es un concierto magnífico y sin duda merece la pena, a pesar de que los prejucios de muchos oyentes les llevarán a huir de un disco en el que:
a) hay un solo tema de 72 minutos y 55 segundos más 35 segundos de aplausos
b) incluye entre su formación a músicos como Evan Parker y sobre todo a Peter Brötzmann.

Musicalmente el grupo construye su discurso a partir de una serie de motivos que sirven para su exposición en grupo y desarrollo individual por medio de distintas interacciones entre sus miembrios, en las que se incluyen obviamente los dos trios originales y también un encuentro entre el piano y los dos baterías percusionistas.

Si bien todos están a gran nivel, destaca sobre todos los demás el papel a lo largo de las dos primeros tercios del disco del pianista Alexander Von Schlippenbach. Él es quien paradójicamente parece llevar el peso de la grabación en esta primera fase, con un discurso se permite pasar de la aridez y percutividad de un Cecil Taylor, sin olvidar momentos de gran lirismo. En el tercio final el protagonista es Peter Brötzmann. El músico está tremendo empezando en el clarinete y continuando con el saxo.

En definitiva, este es el referido supergrupo, en este caso cumpliendo ¡y de qué modo! con las posibles expectativas que tal formación pudiese generar.

José Francisco Tapiz

Músicos: Barry Guy (contrabajo), Evan Parker (saxo soprano), Paul Lytton (percusión), Philipp Waschman (violín, electrónica), Joel Ryan (procesamiento sonoro)

Composiciones: DUO-1 (Ryan, Wachsmann) 11:34 TRIO-1 (Parker, Guy, Lytton) 7:24 DUO-2 (Guy, Ryan) 6:29 TRIO-2 (Parker, Lyton, Wachsmann) 6:45 DUO-3 (Lytton, Ryan) 11:41 TRIO-3 (Parker, Guy, Wachsmann) 8:39 DUO-4 (Parker, Ryan) 18:20 TRIO-4 (Guy, Lytton, Wachsmann)
Grabado el 25 de julio de 2004 en Ancient Space, St. Michael's Church, Appleby, Inglaterra. Editado en 2005
Psi 05.05 http://www.emanemdisc.com/psi.html

Comentario: Curiosa grabación, que bien pudieran ser varias, tal y como muestran los cinco músicos aquí presentes. En la primera de ellas bien podría estar compuesta por los cuatro dúos aquí presentes de Joel Ryan trabajando con todos y cada uno de sus compañeros. En la segunda de ellas se podrían incluir los cuatro diferentes trios que conforman los otros cuatro músicos (Parker, Lytton, Waschman y Guy). Pero no es así y esta no son dos sino una grabación en cuatro actos compuestos de dúo y trío. Manteniendo, como se ha dicho, fijo a Joel Ryan en los cuatro posibles dúos, los tres músicos trabajan en los otros cuatro diferentes trios que se podrían formar. Esta estructura curiosa a la par que exhaustiva permite distintas aproximaciones al resultado sonoro. Como se indicaba al principio, su escucha puede seguir el orden secuenciado por las disposición de las pistas en la grabación (duo - trio, duo - trio...) o bien optar por la escucha de las diferentes formaciones (dúos o tríos), obviando el orden en que fueron grabadas. Lo sorprendente de esta grabación encuadrada dentro de la libre improvisación (cómo podría ser de otra manera con estos músicos), es la diferencia en función de los músicos involucrados en cada una de las estructuras creativas.

TOTAL MUSIC MEETING (TMM) es un festival que cada inicio de noviembre y desde 1968 tiene su cita en Berlin. Organizado por el sello FMP (Free Music Production), una pequeña parte de su realidad ha quedado plasmada en grabaciones editadas por este interesante sello. Por primera vez en su historia FMP se ha animado a editar sendos recopilatorios de los festivales de los años 2001 y 2002.

¿Qué se encontrará quien se acerque a estas grabaciones? Empezando por los intérpretes, los dos discos recogen a 22 formaciones diferentes (once por edición). Están los correspondientes solos (Carlos Bechegas, Sven Ake Johanssen, Agustí Fernández), dúos (Wu Wey & Xu Fengxia -precioso el tema e impronunciables tanto el título como los instrumentos empleados en su ejecución-, Bernocini - Lehn, Angster - Kubler), tríos (los de Evan Parker y Alexander Von Schlippenbach, Voyager -con George Lewis, Aki Takase y el piano computacional interactivo Voyager-, IST -con Simon H. Fell-, Three October Meetings, The New Flags, Ossatura, Manuela -con Zingaro, Reichel, Carl), cuartetos (Doppelmoppel, Zenttralquartt, Contrabassclarinet Project), quintetos (el supergrupo 2X3=5 con los históricos Evan Parker, Paul Lytton, Alexander Von Schlippenbach, Barry Guy y Paul Lovens), llegando cuantitativamente hasta el septeto con Surprise Act.

En cuanto al jazz hispano, no se puede dejar de señalar el hito que supone la presencia del músico mallorquín Agustí Fernández a piano solo en "The Sea Under The Snow". A pesar de ser el primer músico español en grabar para FMP y en estar presente en el TMM, no son sólo estos los motivos por los que merece ser resaltado entre tantas importantes figuras. Por encima están su creatividad y la calidad de su interpretación.

Musicalmente sorprende la variedad y calidad de su contenido sonoro, realzadas por el magnífico gusto demostrado a la hora de disponer la selección. Más allá de una sesión de free-jazz y/o libre improvisación, en su variedad está el gusto para quienes se acerquen a estas dos grabaciones. A lo largo de las dos horas y media y como no podría ser de otro modo aparecen propuestas relacionadas con estos estilos. Sin embargo hay bastante más. Dentro de la creatividad característica de estos encuentros músicales hay propuestas de música electro-acústica (Bertoncini/Lehn, Mal D'archive, Ossatura), propuestas cercanas al rock y al blues (Doppelmoppel, Zenttralquartett) o a la música étnica (con Xu Fengxia, en el ya señalado dúo con Wu Wei y en otro integrando el grupo The New Flags).

En definitiva, dos magníficas muestras de parte del estado creativo actual del jazz y la libre improvisación por parte del sello FMP.

José Francisco Tapiz

Composiciones: “ever” 19:05, “obliged” 15:52, “yet” 17:33, “us” 25:17

Músicos: Richard Barrett (electrónica en vivo), Paul Obermayer (electrónica en vivo).

Duración: 1:17:47

“ever” y “us” grabadas en directo en el festival Sonorities en Sonic Arts Research de Belfast, Irlanda, el 25 de abril de 2006. “obliged” y “yet” grabadas en St. Oswald Church en Durham, Inglaterra, el 9 de3 marzo de 2005.
Editado en 2006 por Psi Recorgings. Psi 06.09

Comentario: OMNIVN , la nueva obra en Psi del dúo Furt (Richard Barrett y Paul Obermayer, ambos a la electrónica), parte de una idea ciertamente interesante: un sonido que se desarrolle gravitando entre las expresiones de cuatro fuentes sonoras diferentes y muy diferenciadas: grabaciones de gamelan, voces humanas modificadas en distintos idiomas, sonidos de un sintetizador analógico y la música de tres improvisadores (Evan Parker a los saxos, Barry Guy al contrabajo y Paul Lytton a la batería / percusión). Estética e, incluso, filosóficamente dicho punto de partida podría permitir la construcción de una estructura con preguntas e intentos de respuestas; que partiese para su desarrollo de ciertas hipótesis de trabajo y/o suposiciones en las que encajar un concepto artístico.

Lamentablemente el resultado se queda en un punto intermedio e indefinido entre el interés y la duración excesiva. En el haber habría que incluir el inicio del CD por medio de “ever” en la que se contrapone el sonido orgánico de los gamelan frente al sonido sintético del sintetizador y en la que se incluyen unas discretas aportaciones de los libre-improvisadores antes citados. “obliged” también resulta ciertamente interesante con un inicio a base de voces en distintos idiomas. En el debe queda la sensación de una obra excesiva en duración. Esta sensación acompaña la escucha bastante antes de la finalización de “yet”, el tema que pone punto y final a la grabación y que se extiende a lo largo de más de 25 minutos.

José Francisco Tapiz

Spring Heel Jack - The Sweetness of the Water

Thirsty Ear

Comentario: Probablemente decepcionado con el callejón sin salida al que el drum’n’bass lo había conducido, impulsado por el soplo del nuevo siglo, el dúo británico Spring Heel Jack (John Coxon/Ashley Wales), coincidiendo con su cambio al sello Thirsty Ear, se planteó emprender un cambio radical en sus composiciones estéticas y encaminarse, para sorpresa de mucha gente, hacia la improvisación electroacústica subsidiaria de la “british improv” y del free jazz, con una actualización simultánea de sus procedimientos y estrategias.

Tras la publicación de dos más que interesantes discos de estudio, Masses y Amassed, y un tercer Live que demuestra que nada de lo que se pudo escuchar antes eran simples trucos, sampleados engañosos o trabajo de maquinaria funcionando en régimen de autogestión, surge el anunciado cuarto capítulo de la segunda vida del dúo británico que, a semejanza de las ediciones anteriores, se hace acompañar de nombres que forman parte de la flor y nata de la libre improvisación actual.

Además de Coxon (guitarra, órgano, armónica, vibráfono, sampler y electrónica) y de Wales (guitarra acústica, trompeta, congas, sampler y electrónica), esta vez sus acompañantes son el brillante trompetista norteamericano Wadada Leo Smith, hombre de muchas vanguardias, Evan Parker, saxofonista reincidente (atención, aficionados a la improvisación: ¡Wadada y Parker juntos!) y otro novedad relativa a los episodios anteriores, la “sección rítmica” más solicitada de las islas británicas: John Edwards y Mark Sanders.

Musicalmente, The Sweetness of the Water es el más depurado y el menos denso y saturado de los cuatro discos. Quiero decir con esto que la música de Coxon y Wales, permaneciendo fiel a la improvisación electro-acústica y haciendo uso de idénticos procesos creativos, ha cambiado su rumbo en el sentido de que gana más espacio, orientada ahora hacia ambientes nocturnos, melancólicos y meditativos.

Las guitarras y la electrónica se funden con saxofones, trompeta, contrabajo y batería en una suite minimalista de progresión lenta, casi susurrante, alegoría de paisajes urbanos en horas tardías. Una ventana que se abre sobre una calle desierta después del regreso a casa; el reencuentro con la quietud de las cosas que nos rodean.

Admirablemente, The Sweetness of the Water, el más romántico de todos los discos de Spring Heel Jack, es un magnífico ejemplo de lo mejor que se hace actualmente en el campo de la improvisación electroacústica, capaz de romper con las convenciones del género. Simplemente fascinante.

Eduardo Chagas

(((Powerhouse Sound))) - Breaks: Oslo / Chicago

Composiciones: “2-1-75 (for Miles Davis)”, “Acid Scratch (for Lee Perry)”, “Coxsonne (for Coxsonne Dodd)”, “Exit-Salida (for Burning Spear)”, “New Dirt (for The Stooges)”, “King To Crown (for King Tubby)”, “Old Dictionary (for Bernie Worrell)”, “Shocklee (for Hank Shocklee)”.

Músicos: CD 1. OSLO VERSION: Ken Vandermark (saxo tenor), Nate McBride (bajo eléctrico), Ingebrigt Haker Flaten (bajo eléctrico), Paal Nilssen-Love (batería), Lasse Marhaug (electrónica).
CD 2.CHICAGO VERSION: Ken Vandermark (saxo tenor), Jeff Parker (guitarra), Nate McBride (bajo eléctrico), John Herndon (batería).

CD 1 grabado entre el 15 y el 17 de agosto de 2005 en Oslo.
CD 2 grabado el 13 y el 14 de noviembre de 2006 en Chicago.
Editado en 2007 por Atavistic (distribuido por Green Ufos).

Cato Salsa Experience And The Thing - Two Bands And A Legend

Composiciones: “Who the fuck” (PJ Harvey), “The Witch” (Gerry Roslie), “Too much fun” (Jon Magne Rise), “Tekla Loo” (Mats Gustafsson), “Louie, Louie” (Richard Berry), “You ain't gonna know me ‘cos you think you know me” (Mongezi feza), “The nuts” (Alba Melin), “Baby Talk” (James Blood Ulmer), “I can't find my mind” (Rorschach, Interior).

Músicos: The Thing: Mats Gustafsson (saxo tenor, saxo barítono y electrónica), Ingebright Haker Flaten (contrabajo y electrónica), Paal Nilsen-Love (batería), Joe McPhee (saxo tenor, trompeta de bolsillo y voz).

Cato Salsa Experience: Cato Thomassen (guitarra y voz), Bard Enerstad (guitarra, órgano, theremin y voz), Christian Engfelt (bajo y voz), Jon Magne Riise (batería).

Grabado en marzo de 2005 en Grand Sport Studios.
Editado en 2007 por Smalltown Superjazz.

Comentario: (((Powerhouse Sound))) y The Thing, o lo que es lo mismo, dos proyectos de los saxofonistas Ken Vandermark y Mats Gustafsson, dos viejos amigos que han coincidido en unos cuantos proyectos (FJF, Sonore, Peter Brötzmann Chicago Octet/Tentet, Aaly Trio), y que con estas propuestas se aproximan al rock desde el jazz.

Vandermark no es la primera vez que lo hace. Sus inicios con Hal Russell, el NRG Ensemble, Spaceways Inc. o su colaboración con los italianos Zu (con quienes también ha colaborado Gustafsson) son antecedentes de esta aproximación desde el jazz y la improvisación a terrenos del rock y aledaños. Sin embargo, en (((Powerhouse Sound))) este acercamiento es más decidido, ya que el batería John Herndon y el guitarrista Jeff Parker (la mitad de este cuarteto) proceden del grupo de post-rock de Chicago Tortoise. Su propuesta se mueve por terrenos del dub, el reagge, el funk y, como no, por el rock, con unas altas dosis de improvisación. Así destacan composiciones como "2-1-75" (tema dedicado a Miles Davis), el toque rock de "New Dirt" (dedicado a The Stooges) o "Acid Scratch (dedicado a Lee Perry).

Este doble compacto incluye una grabación de la primera encarnación del grupo, gestado en verano de 2005 en Oslo. El repertorio es el mismo que el que se ha señalado anteriormente, pero no así su formación. A Vandermark y al bajista Nate McBride les acompañan un segundo contrabajista (Ingebrigt Haker-Flaten), el batería Paal Nilssen-Love (ambos de Atomic) y Lasse Mahoug a la electrónica. A pesar de que el acercamiento a esos temas es similar, el resultado es bien diferente. En Oslo resaltan los hallazgos sonoros por parte de la electrónica.

Resulta muy atractivo que queden este tipo de huellas sonoras de un proyecto artístico, especialmente si resulta tan interesante como éste, tal y como se pudo apreciar en directo en sus conciertos en la primavera de 2007 en Tarrasa, San Sebastián y Santander. Según palabras del propio Vandermark, los mejores conciertos que ha dado en toda su carrera en España: habrá que darle la razón, visto lo visto.

En cuanto a Gustafsson y The Thing, el disco Two Bands And A Legend repite la formación del mini-lp Sounds Like A Sandwich. Allí The Thing (Nilssen-Love, Haker Flaten y Gustafsson) más el grupo de garage-rock sueco Cato Salsa Experience, con el añadido del veterano Joe McPhee, se cepillaban en menos de media hora un repertorio mezcla de temas propios y clásicos, de Led Zeppelin y Albert Ayler entre otros. No obstante y a pesar de su punto de brillantez, el resultado no terminaba de cuajar, mostrando unas vertientes rock y free que caminaban paralelas la una de la otra.

Nada de eso sucede en su estreno en formato largo, afortunado desde el propio título. El directo se transforma en grabación en estudio, el mini-lp en una obra de 45 minutos y los caminos separados convergen, ¡y de que modo! Así, el grupo es capaz de caer en tromba y al unísono sobre un repertorio de lo más variado. Éste está compuesto por clásicos del garage, como “Louie, Louie” o “The Witch”; se acerca al blues (invocando al mismísimo Albert Ayler) por medio de “Baby Talk”, de James Blood Ulmer (pura orfebrería sonora); abre el disco con la crudeza de P.J.Harvey con “Who The Fuck”; versionea a los mismísimos Cramps (“I Can’t Find My Mind”); recupera un tema muy emotivo del trompetista Mongezi Feza (“You Ain't Gonna Know Me 'Cos You Think You Know Me”); y demuestra que Mats Gustafsson tiene su corazoncito, con la preciosa “Tekla Loo”, en la que Joe McPhee muestra sus dotes de declamador. Un disco (de cinco estrellas en donde corresponda, no aquí) peligrosamente adictivo y que no para de dar vueltas en mi reproductor de CD. ¿Para cuándo una gira de este supergrupo por España?

José Francisco Tapiz

Koch / Schütz / Studer - Life Tied

Músicos: Hans Koch (cañas y electrónica), Martin Schütz (chelo, chelo eléctrico de 5 cuerdas, electrónica), Fredy Studer (batería, percusión)

Grabado en directo en: Biennale Venice, Italia (Sept. 03). Expo 02 Murten, Suiza (Mayo 2002). Théâtre de Poche Biel/Bienne, Suiza (Oct. 01). Tonic New York, USA (Marzo 2003)
Editado en 2004 por Intakt Records. http://www.intaktrec.ch Distribuído por http://www.distrijazz.com

Comentario: A pesar de conocer a los 3 miembros del trio por otros trabajos, esta es la primera vez que he escuchado a este veterano trío formado en 1995. Mientras que el resto de los trabajos que tienen a su nombre parten del lugar en que se han grabado para el concepto del disco (así tienen un disco en Cuba, Egipto...) en este que ha sido grabado en diferentes lugares parecen más centrados en ofrecer un mismo sonido.

Bautizados como Hardcore Chambermusik, la música que realizan está fuertemente arriagada en la tradición experimental europea, desde el ambient hasta el más puro free jazz.

Quizás ese sea el defecto del disco, ya que su diversidad hace que tenga demasiadas influencias quedándose en tierra de nadie. Al final, suenan a experimentos ya escuchados o a remezclas de cosas vistas. En definitiva, demasiados cliches.

joaquin villaverde