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Giulia Valle Group - Danza imprevista
 Composiciones: 1. “Danza imprevista” (G. Valle); 2. “Carrer Sant Martí” (G. Valle); 3. “Laberinto” (G. Valle); 4. “Sanremo” (G. Valle); 5. “Chacarera búlgara” (G. Valle); 6. “Música das nuvens e do châo” (Hermeto Pascoal); 7. “Hindemith transfigurado” (G. Valle); 8. “Oye mi canto, libélula” (G. Valle).
Músicos: Martí Serra (saxos tenor y soprano); Miguel “Pintxo” Villar (saxo tenor); Sergi Sirvent (piano y Fender Rhodes); Giulia Valle (contrabajo); David Xirgu (batería).
Producción artística: Giulia Valle.
Producción ejecutiva: Jordi Pujol.
Grabado en Grabaciones Silvestres, Barcelona, los días 14 y 15 de noviembre de 2006.
Fresh Sound New Talent (FSNT 287).
Comentario: Lo que se anuncia como un álbum evansiano en las primeras notas de “Danza imprevista” estalla enseguida en una hipnótica explosión rítmica atemperada por coloristas melodías y la delicada ejecución de los músicos implicados en este nuevo trabajo de Giulia Valle. Las composiciones de la contrabajista italiana tienen algo de camerístico, y en ellas su voz baja confiere vigor y esplendor al discurso sonoro, dotado de una atractiva fragilidad. El título dado al cedé nos parece muy apropiado: en el centro de estas composiciones, surge cercada de aristas, de complicadas y laberínticas harmonías, surge siempre inopinadamente esa danza, esa voluntad festiva que contrasta con los pasajes decididamente impresionistas.
Alberto Marina Castillo
Sergi Sirvent - Free Quartet
Composiciones: 1.J-zone (5:20); 2.For colores (5:06); 3.Lonely woman (7:48); 4.You look flat (4:20); 5.You look sharp (3:36); 6. Peace (5:01); 7.When the blues will leave (6:21); 8.Sun Ra inspiration (7:33)
Músicos: Sergi Sirvent Escué (p); Esteban Hernández (b); Daniel Domínguez (drums, right channel); Joe Smith (drums, left channel)
Duración: 45min 28seg
Grabado en los Estudis Moraleda, Barcelona, el 18 de julio de 2003. Ingeniero de grabación: Jordi Vidal; producido por Sergi Sirvent; producción ejecutiva: Jordi Pujol.
REF: FSNT-208
www.freshsoundrecords.com
Comentario: Free Quartet, más que un disco, es una declaración de intenciones, la exposición directa de las influencias y del momento que vive el trío compuesto por Sergi Sirvent, Daniel Domínguez y Esteban Hernández.
La pronta grabación de las sesiones programadas para el día 18 de junio de 2003 (9 muses, FSNT-193_2, y Unexpected plays the Blues in Need, FSNT-231) brindaba la oportunidad al trío de disponer de los estudios de la Moraleda. El resultado: los ocho cortes que componen Free Quartet. Si hay estándares a día de hoy que reflejen espontaneidad, frescura y libertad (aún siendo calificados como estándares), éstos forman parte del legado que el cuarteto de Ornette Coleman registró en la década de los 60. Así, en el repertorio nos encontramos con Lonely Woman y Peace (ambas incluidas en The Shape of Jazz to Come, 1959). Completan el material una tercera versión de Coleman (en los créditos del disco se juega con el nombre original del tema: When Will the Blues Leave? (Something Else!, 1958), llamándose la versión When the Blues Will Leave), una pieza que toma su estructura de un fragmento de contrabajo de Space is the Place (original de Sun Ra), dos piezas improvisadas y tres composiciones de Sirvent.
El resultado: un tanto irregular. El experimento de dos baterías (Domínguez en el canal derecho; Joe Smith en el izquierdo) resulta curioso, pero el lenguaje que emplea la pareja de músicos es similar, y en la práctica sus patrones quedan fundidos en uno solo. For Colores, pieza improvisada, resulta inconexa y simple: exposición de las dos baterías, exposición de contrabajo y piano, y resolución en un crescendo en intensidad del cuarteto. You look sharp tampoco convence: demasiado vacía. Sin embargo, en un balance global, los anteriores factores enumerados (claramente negativos) quedan contrarrestados por los momentos brillantes del cuarteto: la excelente J-zone, firmada por Sirvent (lástima que, siendo éste el primer tema, el resto no siga en la misma dirección); la sencillez y elegancia de You look flat; y la interpretación (quizás demasiado correcta, demasiado clásica) de las piezas de Coleman, donde la formación consigue un muy buen nivel de cohesión, controlando el tempo y la intensidad de los temas con acierto.
Sergio Masferrer
David Xirgu Quartet - Ugrix
Un Solo / Ugrix / Famele Coccole / Slidin' Over You / Hasta Cuando / Llum De Llamp / N.P.I. / Con Sinvicción / És Molt Tard / Solo Dos
Gorka Benítez (saxo), Daniel Pérez (guitarra), Raimon Ferrer (contrabajo), David Xirgu (batería).
Grabado en Donostia en Enero 97
(Jazzle ZC-107)
El sello Jazzle está presentando en una magnífica serie algunas de las excelentes propuestas del jazz realizado en Euskadi. Tras los magníficos "Ziklo.1" del contrabajista Gonzalo Tejada y "13 solos" del guitarrista Angel Unzu, la tercera entrega presenta al cuarteto del baterista David Xirgu. Músico barcelonés, a sus 34 años Xirgu posee una amplia experiencia discográfica como sideman: Lluis Vidal, Iñaki Salvador, Joan Sanmartí, Joan Monné, o el propio Gonzalo Tejada.
Su excelente disco de debut presenta una música variada y contemporánea, muy lejos tanto de lo que se suele encuadrar bajo la tópica etiqueta de "jazz español" como de la típica sesión "hard-bop". Quizás más catalogable como jazz europeo por un cierto aire "cool" no exento de tensión, algunos de los temas más atmosféricos ("Llum de Llamp", "Con Sinvicción") recuerdan también el sonido de grupos tan singulares como los del batería Paul Motian (en especial su trío con Bill Frisell y Joe Lovano).
No cabe duda que el grupo ha trabajado a conciencia la música que se nos ofrece, dada la homogeneidad de unas composiciones cuya autoría se reparte entre los cuatro músicos y su brillante y perfecto acabado. Al toque melódico y colorista del líder se añade el lirismo del guitarrista Daniel Pérez y la impecable solidez del contrabajista Raimon Ferrer, pero frente a estos valores contrastados, la verdadera revelación es el saxo de Gorka Benítez, que vuela muy alto en "Famele Coccole". Un disco a tener muy en cuenta.
Cayetano López
John McNeil - This Way Out
Músicos: John McNeil (trompeta), Gorka Benítez(saxo tenor), Giulia Valle (contrabajo), Joe Smith (batería)
Composiciones: 1 Mi Tio (McNeil) 4:17, 2 A la Orilla (McNeil) 6:48, 3 Picasso View (Benitez) 2:54, 4 My Taxi (McNeil) 5:16, 5 Last Minute (McNeil) 6:44, 6 What Comes After (McNeil) 4:51, 7 Because of You (Benitez) 5:14, 8 Know Your Limits (McNeil) 6:31, 9 Skeeter (Lande) 3:53, 10 West Coast Memories (McNeil) 1:35, 11 Dewey Defeats Truman (McNeil) 2:53, 12 Flor de Viento (Benitez) 3:50
Grabado en junio de 2002 en Barcelona.
Omnitone http://www.omnitone.com
Distribuido en españa por Galileo Music. http://www.galileo-mc.com
Comentario: Es un placer el saber de músicos españoles que graban en sellos extranjeros. Los hay ya clásicos de los sellos foráneos. El batería Ramón López (aparte de diversas colaboraciones en sellos suizos, franceses o británicos) ha grabado toda su discografía propia en el sello británico Leo Records. Hay otros que han logrado grabar en sellos de una cierta manera "míticos" para los aficionados. En el pasado 2003, sin ir más lejos, Agustí Fernández se convertía en el primer músico español en grabar en el sello alemán ECM. El año anterior lo hacía en el también mítico sello alemán FMP.
Con menos nombre en cuanto a la consideración popular del sello, Perico Sambeat también daba en 2003 el salto a la edición foránea. ACT editaba Friendship con la compañía de músicos de gran nombre a nivel popular como son el pianista Brad Mehldau o el guitarrista Kurt Rosenwinkel.
El saxofonista Gorka Benítez es también un músico de los que en 2003 ha dado el paso en la edición foránea. El sello es Omnitone y su estreno no es con una grabación a su nombre sino formando parte del cuarteto del trompetista John Mcneil en This Way Out, al que aporta tres de las doce composiciones.
Independientemente de estas consideraciones, no parece buena idea pedir el pasaporte como condición previa a la hora de valorar un disco. Prescindiendo de las nacionalidades por tanto, el resultado de esta grabación es satisfactorio. El grupo trabaja en un jazz mainstream contemporáneo con algunas muy buenas composiciones, bien trabajados arreglos y un cuarteto de músicos más que competentes que saben insuflarle a la grabación el nervio necesario para pasar de ser poco más que un ejercicio de puro estilo.
Resulta curioso el aporte de los diferentes toques "exóticos" (para un sello americano) que aportan el flamenco (con un Mi Tio que quizás pasase desapercibida si no fuera por el intercambio que se establece entre John McNeil y Gorka Benítez), el tango (con un La Orilla que quizás se queda en un tema demasiado extenso) o incluso el reggae (My Taxi). Particularmente resulta una pequeña delicia Dewey Defeats Truman. Allí los cuatro músicos demuestran que están bien preparados para la libre improvisación. Una lástima que no se hubieran animado a continuar por ese camino en el disco.
José Francisco Tapiz
The Heckler (by Juan Pablo Balcázar Quartet) - Zalamea
 Composiciones: “Reptiles”, “I Don’t Remember… And You?”, “Little Mosquito”, “Hoy…”, “Nuevo (For Joe)”, “Frágil”, “Keims Gruff”, “Zalamea”.
Todos los temas compuestos por Juan Pablo Balcázar.
Músicos: Alejandro Mingot (guitarra), Miguel “Pintxo” Villar (saxo tenor), Juan Pablo Balcázar (contrabajo), Hasier Oleaga (batería). Invitados especiales: Guillermo Klein (piano), Bill McHenry (saxo tenor).
Grabado el 31 de Octubre y el 1 de Noviembre de 2005 en Gerona (Estudis 44.i)
Errabal Records, 2.007
Comentario: No sabe uno a qué atenerse según van desfilando los diferentes temas que componen este disco de Heckler, un grupo que con Zalamea saca a la luz su segundo trabajo discográfico. A ratos parece un grupo firmemente asentado en un jazz moderno, pero con las raíces ancladas en la tradición (“Nuevo”); a ratos se convierte en una afilada máquina plena de ritmos urbanos precisos, severos, amenazadores (“Reptiles); a ratos incluso parece un grupo de pop independiente, a pesar de la honda resonancia jazzística de sus instrumentos acústicos (“Hoy…”, un seductor tema lleno de amenazador misterio, que el tenor parece conjurar desvelando con su sedoso sonido las facetas más hermosas del mismo).
Pero claro, la respuesta es sencilla: lo mejor es atenerse a lo que ofrecen, que no es poco. Porque consiguen aglutinar todas estas influencias mediante un sonido compacto y una propuesta musical que se adivina muy trabajada.
Las composiciones son dueñas de un desarrollo cuidadoso, imperan en la música de este grupo un orden y dosificación instrumentales que les permite exprimir al máximo las posibilidades de los temas, sin resultar en ningún momento cargantes o excesivos. Así, cada uno de los temas está espléndidamente estructurado, abundan los cambios de ritmo y ambiente, y los momentos fuertes están explotados con rigor y una pasión implícita, sin necesidad de grandes alardes instrumentales. No es que no brillen los solistas en Zalamea, pero prefieren atraer nuestra atención gracias a improvisaciones perfectamente acopladas al sentido de la composición, redondeándola, rematándola. No creo que fuese del todo inútil argumentar que ése es el mayor logro instrumental posible.
El sonido de The Heckler está sólidamente cimentado sobre el contrabajo de Juan Pablo Balcázar (compositor, además, de todos los temas), de ésos que transmiten en todo momento el chasquear de la madera y una cuidadosa atención a la calidad de su sonido; la batería de Hasier Oleaga descompone con habilidad y sentido los ritmos que se van planteando, con sobriedad y brillantez. El cuarteto se redondea con el tenor levemente aterciopelado, oscuro y severo, de Miguel Villar y la guitarra juguetona, también oscura, de Alejandro Mingot, cuyas mesuradas distorsiones aportan a menudo un saludable tono humorístico al resultado.
En suma, estamos ante una grabación que se aleja de los senderos más trillados en pos de un sonido y estilo propios, aunque no siempre consiguen que esa búsqueda cuaje en forma de música emocionante (“Little Mosquito”, por ejemplo, no termina de arrancar a pesar de la solvencia con que explotan las mejores bazas del tema, y termina resultando algo mecánico). Pero lo más usual es que transmitan una seguridad notable, y nos arrastren a su terreno (“Reptiles”, “I Don’t Remember… And You?”). En todo caso, un disco valiente que a muchos va a obligarnos a seguir la pista a este grupo en el futuro, ya que no se la habíamos seguido en el pasado.
Ricardo Arribas
Gonzalo Tejada - Encore
Músicos: Gonzalo Tejada (contrabajo), Chris Kase (trompeta y flughelhorn), Dani Pérez (guitarra), Iñaki Salvador (piano) y David Xirgú (batería)
Grabado los días 10, 11 y 12 de Diciembre de 2004
Laida ELKAR
KD-697
Comentario: En España, las grabaciones como líder de contrabajistas van apareciendo poco a poco en el mercado discográfico; no con la asiduidad que nos gustaría, aunque buena prueba de ello es el último trabajo del contrabajista Gonzalo Tejada. Para llevar a cabo la presente grabación, Tejada se ha rodeado de algunos de los músicos más reconocidos del panorama jazzístico actual, para desarrollar un programa por completo lleno de composiciones originales, cinco temas del contrabajista y dos del guitarrista Dani Pérez.
Esta grabación, es de aquellas que en una primera escucha engañan al aficionado, lo que obliga a llevar a cabo reiteradas audiciones para apreciar en toda su extensión tanto la música interpretada, como las ideas que son desarrolladas.
Un primera escucha acelerada de este cedé nos llevará a la conclusión que la música desplegada a lo largo de los siete temas, es en muchas ocasiones algo ligera o excesivamente suave, llegando incluso por momentos a ciertas dosis de monotonía. No le faltará razón a quien argumente la anterior afirmación, pues sin duda la música interpretada en la mayoría de los temas presenta un planteamiento claramente dúctil y relajado, con ciertas atmósferas y sonoridades, en especial en el flughelhorn de Chris Kase, que recuerda en más de una ocasión al trompetista americano Chuck Mangione. Pero aún siendo verdad lo comentado anteriormente, no lo es del todo, ya que hay ciertos temas de este trabajo presentados con una ejecución interna muy interesante. En los temas “Ziklo 2”, “Song for Lorenzo”, “Fonteamineiro” o “Primer Movimiento” se puede comprobar la resolución de los mismos por parte de los músicos que acompañan a Tejada, como por ejemplo, las aportaciones pianísticas de Iñaki Salvador en “Ziklo 2”; o los diversos colores que aportan las diversas guitarras que utiliza Dani Pérez, así como los movimientos y desarrollos armónicos que realiza en “Fonteamineiro”, que demuestra la inteligencia y talla musical que posee como músico; o la maestría en la batería de Xirgú, por la sutiliza de sus golpes y la labor de acompañamiento a lo largo de todos los temas.
En consonancia con sus compañeros, Gonzalo Tejada se presenta como un líder con unas ideas claras en tanto en la presentación como en la ejecución de sus solos, así como un acompañante sólido y atento a los desarrollos que llevan a cabo sus compañeros.
El resultado final del trabajo no dejará indiferente al aficionado, pero sin duda alguna, pedirá de éste un esfuerzo en la escucha del compacto, para poder disfrutar de las esencias que se hallan esparcidas en él.
Juan Carlos Abelenda
Dani Pérez - The Komeda Project Live
Músicos: Dani Pérez (g), Gorka Benítez (st), Benet Palet (tr y trompflauta), Joan Díaz (p), Rai Ferrer (b) y David Xirgu (bat)
Grabado en directo en Donostia-San Sebastián en el Plaza Festival, el 23 de Junio de 2002
Jazzle Z08 (Distribuidora Karonte)
Comentario: Estupendo y fantástico el nuevo trabajo publicado por el guitarrista argentino afincado en Barcelona, Dani Pérez, denominado The Komeda Project Live, dedicado íntegramente a la música que desarrolló el músico polonés Krzysztof Komeda, para las bandas sonoras del cineasta Roman Polanski.
El pianista y compositor polonés Krzysztof Komeda fue uno de los primeros músicos del Este que desarrolló una gran motivación musical, tanto a nivel jazzístico (fue uno de los pioneros en el desarrollo del jazz en Polonia), como por su participación en la composición de bandas sonoras para el director Roman Polanski. Su participación con el cineasta le llevó a componer diferentes bandas sonoras, y aúnque también participó con otros directores, Komeda posiblemente es reconocido por su trabajo con Polanski.
Para todo ello Dani Pérez ha escogido tres bandas sonoras que son emblemáticas en la filmografía de Polanski “Rosemary´s Baby”, “Knife in the Water” y “Cul de Sac”, más el añadido de la banda sonora, para el film de Henning Carlsen “Kattorna”, pero es sin duda la música para las películas de Polanski el protagonista principal de este trabajo.
Para llevar a cabo el presente proyecto, Dani Pérez se ha rodeado de unos músicos que son de su absoluta confianza y con los que suele tocar habitualmente, lo que le ha garantizado una comunicación casi telepática, para desarrollar las ideas que quería plantearles. Con esta música ha pretendido desplegar las atmósferas que se producían en las diversas secuencias de las películas. Ésto podría suponer algún problema, teniendo en cuenta que la idea predeterminada de una banda sonora es siempre la de una perfecta estructura musical como soporte de las imágenes, lo que comporta una música muy pautada y concebida, con la imposibilidad de poder añadir nada nuevo a la música.
Pero en la música de Komeda para las películas de Polanski, el planteamiento es bien distinto, a consecuencia que la música se encuentra concebida de una forma muy predeterminada, con grandes dosis de libertad y por ende con posibilidad de improvisar. Todo ello ha posibilitado al grupo de Dani Pérez poder desarrollar los temas con originalidad y a la búsqueda de formas de improvisaciones libres, a partir de unos mínimos parámetros. Las bandas sonoras de Komeda que son interpretadas en el presente proyecto, son las que más libertad originalmente disfrutan, dejando que sean los propios intérpretes los protagonistas y los que se encarguen de la búsqueda de sus propias sonoridades.
El resultado de todo ha sido un predominio de la música por encima del grupo de músicos (para la ocasión un sexteto), que ha funcionado como una unidad, y donde los músicos han sido engranajes para el desarrollo final de los temas.
Sin duda alguna, se trata de uno de los mejores discos aparecidos en el mercado español tanto por su música como por la concepción en que se basa el mismo. Imprescindible.
Juan Carlos Abelenda.
Joan SanMartí– Otras Canciones
Composiciones: Il mío canto libero; La fiesta de Blas; Let It Be; Eva María; Clair; Un sorbito de Champagne; La escoba; The Little Drummer; Los ejes de mi carreta; Santa Lucía
Músicos: Joan Sanmartí (guitarra eléctrica), Carles Benavent (bajo eléctrico), David Xirgú (batería, percusión).
Invitados: Ignasi Zamora (bajo eléctrico), Matthew L. Simon (fliscorno), Esteve Narvona (corneta), Sergi Vergés (trombón bajo, tuba), Xavier Figuerola (clarinete bajo)
Grabado en Beat a Bit Studios (Barcelona), Junio 2000 y en estudio casero, Abril 2003.
SJR CD00059J
Comentario: No nos cansamos de decirlo. El jazz no tiene fronteras. Parafraseando a Bill Evans, al ser proceso y no estilo es capaz de asimilar cualquier concepto, timbre, formación u origen, dando lugar a todo tipo de estructuras sonoras basadas en las ideas más impensables. Dentro de esta categoría encontramos aquellos discos de versiones de diversos estilos bajo el prisma jazzístico. Hemos escuchado proyectos sobre música clásica, étnica, rock, versiones de los Beatles, música tradicional española (esos fabulosos discos de Chema Sáiz) y, en esta ocasión, el catalán Joan Sanmartí da un nuevo paso adelante y nos presenta Otras Canciones, temas pop de los años 60 y 70. Canciones de guateque, de película de José Luis López Vázquez, pasadas por el tamiz del jazz, arregladas con gusto y estilo.
Para tan ardua labor el de Manresa parte de una formación de trío en la que le apoyan un David Xirgú casi perfecto y un Carles Benavent cuya actuación hace crecer enteros la cotización del disco. En algunos temas, además, los arreglos se complican debido a la presencia de una sección de viento que aporta variedad al devenir de la obra.
Sanmartí, como guitarrista, ha demostrado evolución a lo largo de los años, y aquí se torna incisivo y atrevido. Los temas, algunos más reconocibles que otros, forman un conjunto cuando menos divertido. Comienza el CD con una bonita versión de Il mio canto libero. En el Let It Be de los Beatles aparecen los mencionados vientos, al igual que en Un sorbito de Champagne y The Little Drummer (para entendernos, El Tamborilero), creando el colchón armónico necesario para dar algo de descanso al trío. Eva María nos deja una interpretación de guitarra sola, y en Clair encontramos a un Benavent fastuoso, sobrado de técnica, lenguaje e identidad propia. Pero si algún tema destaca por encima del resto, éste es sin duda La escoba, donde la aproximación inicial deviene en un caos que fluye lenta y meditadamente hacia un final bonito, elegante y arreglado donde el bajo dialoga con desparpajo con la melodía. Durante todo el disco se escucha un cierto aire mediterráneo, similar al que desprenden las grabaciones de Ximo Tébar, que se hace más patente en la pieza que cierra el disco, el Santa Lucía que tan famoso hiciera Miguel Ríos.
Otras Canciones se trata de un disco curioso y muy interesante, del que a buen seguro habrá muchas opiniones y no todas cercanas, pero que sin duda guarda tras de sí un enorme y excelente trabajo.
Arturo Mora Rioja, 2004
Jon Robles - I Remenber Leonard
 Composiciones: “Començar de Novo” (Ivan Lins), “Alone Togerther” (Schwartz, Dietz), “Triste” (A.C.Jobin), “En Blanco” (J.Díaz), “My One & Only Love” (Wood, Mellin), “Traneology” (Dany Pérez), “Skylark” (Hoagy Carmichael), “Giant Steps” (J.Coltrane), “Jontxu” (Jon Robles), “Falling Grace” (Steve Swallow), “Skech” (Robles, Mengual), “I Remenber Leonard” (Jon Robles).
Músicos: Jon Robles (saxos), Albert Sanz (piano), David Mengual (Bajo), David Xirgu (Batería), Carme Canela (Voz), Dani Pérez, V. Solsona, J.Díaz, J.Monné.
Grabado en los estudios Laietana, Barcelona, los días 7 y 8 de diciembre de 2004 y 19 de febrero de 2005.
NEW MOOD JAZZ 2005
Comentario: Es indudable que lo que caracteriza la buena música es la autenticidad y el amor que se pone en ella y este es el caso del disco que nos ocupa, “I remenber Leonard”. Jon Robles pasa por ser ya una realidad que apunta maneras de gran jazzman, y para ello se rodea de excelentes músicos y amigos, que hacen que su obra adquiera carácter propio y maduro.
Es cierto que la mayoría de temas que componen este álbum son versiones de estándares, pero no menos cierto es que parecen propias.
Si tuviéramos que dividir las composiciones del disco, lo podríamos hacer en tres partes, de las que la primera estaría formada por los temas vocales, donde es parte importante Carme Canela.
En “Començar de Novo”, canta en portugués y se vale del scat para dar mayor realce a un tema ya de por sí bello, donde destaca por igual el trabajo de Albert Sanz al piano y el saxo soprano de Jon Robles. En”Triste”, el scat vuelve a protagonizar esta composición del inolvidable Antonio Carlos Jobim, en el que se suceden los solos de Albert Sanz y el fraseo continuado y seco de Robles, que se desvanece poco a poco en la voz de Carme Canela. En “My One & Only Love”, el saxo tenor de Robles y el piano de Sanz sirven de excusa a la voz de Canela, que esta vez canta en inglés.
Como continuación de la división propuesta al comienzo, la segunda parte bien pudiera estar dedicada a las composiciones propias, entre las que podemos enumerar “En Blanco”, de Díaz, donde encontramos la alternancia instrumental del saxo soprano de Robles –perfecta modulación melódica en el comienzo y mayor arrebato después– y la guitarra eléctrica del propio Dani Pérez –en una intervención tan serena como moderna–, y en el que no debemos pasar por alto el solo de piano del compositor del tema.
“Traneology” lleva la firma de Dani Pérez, pero es el contrabajo de D. González el que lleva la voz cantante, con un contrapunto del ritmo en primera persona que deja el diálogo al tenor de Robles y a la guitarra de Dani Pérez, pero que finaliza Díaz al piano. “Jontxu”, deliciosa balada de corte jazz-flamenco, sirve para el lucimiento de la guitarra española de Rodriguez y la eléctrica de Solsona, en un solo tan intenso como veraz, que nos lleva a alcanzar uno de los momentos de mayor sensibilidad del disco.
“Skech” supone veinticinco segundos de excusa para el tenor de Robles y el diálogo de los contrabajos de González y David Mengual. Cierra esta segunda parte de composiciones propias el titulo que da nombre al disco, “I Remenber Leonard”, en el que Joan Monné nos acerca a la ternura de su piano acústico, repleto de tonos grises, románticos y nostálgicos.
Finalizan la división las composiciones ajenas –las versiones–, entre las que encontramos “Alone Together”, en la que Albert Sanz y Robles se enzarzan en un acalorado debate al que asisten pasivos David Menguad y David Xirgu. “Skylark” es una bellísima balada, un guiño a Ben Webster de parte de Robles en el saxo tenor, bien secundado por el piano de Albert Sanz y las escobillas de David Xirgu.
“Giant Steps” constituye todo un brindis al genial Coltrane. Robles en el saxo tenor comienza a capella para unirse al saxo alto de Perico Sambeat, que desemboca en el desarrollo coltraniano del propio Robles, con el acompañamiento de David Xirgu y David Mengual, alcanzando cuotas de gran creatividad.
Finalizamos este comentario con “Falling Grace”, una bulería compuesta por Steve Swalow, donde vuelven a encontrarse Robles y Sambeat para hablar de flamenco y jazz, con el acompañamiento de Rodriguez y Paquito González, cajones, palmas y jaleos.
Enrique Farelo
Horacio Fumero - Isoca / Desde Barcelona
Horacio Fumero - Isoca
Músicos: Horacio Fumero (contrabajo y charango) con Adrián Iaies (piano), Francisco LoVuolo (piano), Bill McHenry (saxo tenor), Raynald Colom (trompeta), Luis Salinas (guitarra), Pablo Mainetti (bandoneón), León Gieco (voz) y Horacio Ferrer (voz).
Grabado en Buenos Aires
S’Jazz (EMI)
Horacio Fumero - Desde Barcelona
Músicos: Horacio Fumero (contrabajo) con Llibert Fortuny (saxo alto), Gorka Benítez (saxo tenor y flauta), Raynald Colom (trompeta), Carme Canela (voz), Jordi Bonell (guitarra), José Reinoso (piano), Lluis Vidal (piano), Joan Monné (piano), Albert Bover (piano), Carles Benavent (bajo eléctrico) y David Xirgu (batería).
Grabado en Barcelona
Editado por Contrabaix con la colaboración de la Generalitat de Catalunya. Distribuido por Karonte.
Kar 7784
Comentario:
Y así nos reconocemos
por el lejano mirar
por las coplas que mordemos
semillas de intensidad
Horacio Fumero bien podría recurrir al folklore de la tierra que le vio nacer para referirse, con versos de Atahualpa Yupanqui, a los compañeros de viaje que ha hecho a través de una trayectoria de más de 30 años: “Yo tengo tantos hermanos que no los puedo contar”.
Algunos de esos hermanos del alma fueron reunidos para tocar a dúo con el contrabajista en dos proyectos muy similares nacidos casualmente casi al mismo tiempo en Buenos Aires y en Barcelona por iniciativa de S’Jazz-EMI y de ContraBaix respectivamente (los discos se publicaron con apenas un día de diferencia).
En Isoca, Horacio se muestra más permeable a influencias no estrictamente jazzísticas, recordándonos quizá que él se siente más cómodo viéndose como un músico a secas que como un músico de jazz. Así, sus ricas improvisaciones comienzan encontrándose con las filigranas melodiosas de Luis Salinas en la tanguera “Danzarín” de Julián Plaza, para repetir dúo con el guitarrista casi al final del CD en una hermosa pieza perteneciente al folklore rural argentino: “La compañera” (de Óscar Valle). Con el bandoneón de Mainetti, Fumero retoma un diálogo que brillaba en el Tango Reflections Trío, la emotiva “Milonga para Isoca”. En el gran “Libertango”, lo encontramos inspiradísimo acompañando la voz de Horacio Ferrer, el poeta que tantos éxitos se cobró como letrista junto a Piazzolla. Con Francisco LoVuolo –uno de los pianistas de jazz más interesantes surgidos en los últimos años en Argentina– recurre al cancionero de Brasil para redondear una intimista “Cançó triste” (de Edu Lobo). También de Brasil es la composición elegida para cerrar el álbum con un bello solo: “Seu Lorenzo no vino fragmento” de Pixinguinha. En el tema que da título al disco encontramos a Fumero haciendo un dúo consigo mismo, ya que aquí comienza con el charango (instrumento con el que acompañara al Gato Barbieri en los 70) y luego suma el sonido redondo de su contrabajo. Este tema funciona casi como una introducción al que grabó junto a León Gieco, cantante con el que realizó el viaje iniciático de su Cañada Rosquín natal a Buenos Aires, cuando su paisano era un rockero folk fuertemente influido por Dylan. Los santafecinos hacen una versión sobria y muy sentida de “Cinco siglos igual”. En el mano a mano con Adrián Iaies, la conversación es casi mágica a través de “Una perla en el vacío”, una deliciosa composición del pianista. Con los metales llegan los cortes mas jazzísticos: el famoso “Milestones” con un enérgico Raynald Colom (el único músico que participa en los dos álbumes que aquí comentamos), la no menos clásica “These Foolish Things” y “Nómada”, estos dos a dúo con el aterciopelado tenor de Bill McHenry.
Desde Barcelona –un disco que desde su aparición viene cosechando muy buenas críticas– nos permite no sólo continuar admirando el arte de Fumero en nuevos dúos, sino escuchar a algunos de los mejores músicos de la escena ibérica en su mejor nivel, aportando además, composiciones propias. Aquí podemos disfrutar de pianistas impecables como Albert Bover, que abre el disco con una delicadeza llena de magia en “Old Bottle, New Wine”; un gran Lluís Vidal con acento piazzollano en “Isoca’s tango”; el melódico y cada vez más grande José Reinoso en la luminosa “Acunando a Borja”, y el siempre solvente Joan Monné con una espléndida Carme Canela en “Iris” (una bella composición ya clásica en el repertorio de ambos). En los vientos encontramos el saxo de Llibert Fortuny en “Crisis”, una balada que el dúo convierte en oro puro. a un Raynald Colom en una “Santi” rebosante de swing y a ese guerrero infatigable llamado Gorka Benítez en la cambiante y preciosa “Adiós”. En las cuerdas, tenemos nada menos que a Carles Benavent con ese bajo eléctrico que a veces es casi una guitarra en la optimista “Luna de Santiago” y a Jordi Bonell con la cristalina elegancia que lo hace tan personal en “Cançó per a bubu”. En la batería, David Xirgu pone de relieve su capacidad para solear y conversar con su compañero rítmico en “Ugrix”. El cierre no podía ser más acertado para este disco: el contrabajo de Horacio interpretando solo “Jo vull que m’acariciis”, un expresivo diálogo con el piano callado de Tete Montoliú.
Dos discos muy recomendables en los que hay mucho más que sumas de talentos. Hay sentimiento. Vida. Sencillez. Hermandad. Futuro. Sabiduría. Semillas de intensidad.
Sergio Zeni
Joan Díaz - Dalirògena (retrat sonor de Salvador Dalí)
Músicos: Joan Díaz (composición, piano y teclados), Dani Pérez (guitarras), Jon Robles (flauta y saxos), David Mengual (contrabajo y bajo eléctrico), David Xirgu (batería)
Composiciones: Aigua (part I, part II), Terra (part I, part II), Aire (part I, part II), Foc
Grabado el 28, 29 y 30 de junio de 2004 en los estudios 44.1 de Gerona, España. Editado en 2004 por Satchmo Jazz Records.
SJR CD 00074J http://www.satchmojazz.com
Comentario: Lujosa presentación “surrealista” de este cd, dedicado íntegramente al genial pintor gerundense Salvador Dalí; en formato digi-pack con amplia documentación fotográfica interior de cuadros del pintor.
No menos lujosa la música incluida en esta obra, dividida en 4 partes y, subdividida a su vez en 7 temas que conforman una obra conceptual de los 4 elementos naturales: agua (partes I,II),tierra (partes I,II),aire (partes I,II) y fuego.
Joan Díaz ha completado su obra mejor y mas madura de cuantas ha realizado hasta la fecha; por encima de su anterior disco para Satchmo Mostrebú (2001).
La elección de los componentes no ha podido ser mas acertada; Daniel Pérez , es sin duda uno de nuestros mejores guitarristas, moderno, vanguardista con pleno dominio del instrumento cuya participación es siempre generosa.
David Mengual, es quizás nuestro mas destacado contrabajista después de Baldo Martínez que no hace mucho publicara en este mismo sello su último trabajo (en igualmente lujosa presentación digi-pack) Deriva con la práctica totalidad de los músicos intervinientes en Dalirógena.
David Xirgu es un batería magnífico, moderno, sutil, capaz de emplearse a fondo cuando la ocasión lo requiere; hace 4 años grabó un excelente disco para FSNT con Daniel Pérez titulado Indolents.
Jon Robles es un saxo de fraseo fácil, potente y sostenido que además utiliza la flauta travesera con acierto en el corte agua parte I, que abre el disco.
No puedo ocultar mi gusto por los sonido producidos por el fender rhodes, sobre todo si se hace con la soltura y sensibilidad de Joan Díaz, demostrando que es suficiente no sólo con el piano acústico.
La parte II de agua comienza con una breve introducción de piano y el sutil y elegante apoyo de la guitarra acústica de D.Pérez, dando paso al resto de instrumentos y, el posterior solo del propio Daniel P. a la guitarra eléctrica.
En terra parte I el papel predominante lo toma J.Díaz con el fender rhodes, con sonidos metálicos y tímbricos de gran belleza serena, con la inclusión de la melódica para finalizar.
La balada corre a cargo del 5º tema, aire (parte I), destacando la guitarra, piano eléctrico, el saxo tenor y batería con escobillas de Xirgu, dándole una especial sensibilidad y encanto.
El tema 6,Aire (parte II) comienza a buen ritmo y tomando velocidad a medida que se acerca al final, para terminar de forma abrupta.
Con Foc finaliza el álbum, el tema mas flamígero de todos con el bajo eléctrico de Mengual marcando ritmo y pauta, y el saxo de J.Robles llevando la batuta, le releva la guitarra de D.Pérez con un solo disonante y generoso que casi nos lleva al final.
Grabación sumamente recomendable para todos aquellos amigos del riesgo controlado. Una de las mejores obras publicas por Satchmo.
Enrique Farelo
Jordi Matas Organic Trio - Landscape
 Composiciones: “Landscape”, “Géminis”, “Seguint la pista a la vida”, “Núvol”, “Malson a la cova”, “Racó”, “Time´s up”, “Belleza oculta”.
Todos los temas compuestos por Jordi Matas.
Músicos: Jordi Matas (guitarra), Albert Sanz (Hammond b3), David Xirgu (batería).
Grabado en directo el 1 y 2 de Febrero de 2007 en Jambore (Barcelona).
Comentario: El joven guitarrista Jordi Matas publica el tercer álbum a su nombre, si no contamos el disco a nombre del cuarteto Hat del que forma parte. Su último disco está grabado en directo en el renombrado club barcelonés Jamboree por tres músicos que comparten una experiencia musical y discográfica muy por encima de lo que podría imaginarse en músicos tan jóvenes.
Estos dos factores permiten al guitarrista asumir riesgos como grabar en directo con un trío de guitarra, órgano y batería (trío orgánico como el guitarrista lo ha bautizado), algo que no había hecho en sus anteriores discos.
La escucha del disco transmite algo que debería transmitir cualquier grabación en vivo: un extraño vacío por no haber podido estar en el club los días en que se produjo el evento, solamente paliado con la imposibilidad física de haberlo presenciado y la seguridad de intuir, tras la escucha del CD, lo que debió ser una gran velada.
La música de Landscape, se mueve dentro de un jazz con influencias contemporáneas; así, tras empezar con la composición que da nombre al disco, se puede disfrutar de un tema con ambiente groove como “Géminis”, de una balada más trascendental dentro de una atmosfera rock (“Núvol”), o del drum‘n bass “Malson a la cova”.
La escucha resulta vibrante durante todo el disco-concierto, el sonido de Albert Sanz al Hammond encaja con facilidad en el trío, dando un aire moderno a la música.
Hay que destacar al más experimentado de los tres músicos, el batería David Xirgu, versátil y activo en todos los contextos por los que transcurre el disco, con algunas intervenciones excepcionales, como la que realiza en “Time´s up”.
Un disco de jazz grabado en vivo, recomendable, que interesa no solo a los aficionados al jazz, también a los aficionados a la buena música actual. Y es que este es un trabajo realizado por tres jóvenes y buenos instrumentistas donde muchas tendencias y aficiones musicales podrán verse reflejadas.
Víctor Bobeche
Gorka Benitez - Sólo la verdad es sexy
Músicos: Gorka Benitez (saxo tenor y voz), Albert Bover (piano), Nick Thys (bajo eléctrico) y David Xirgu (batería y percusión); con las colaboraciones especiales de Carme Canela (voz), Juan de Diego (flugelhorn), Dani Pérez (guitarra) y Victor de Diego (saxo alto)
Grabado el 23 y 24 de 2003.
Fresh Sound Records FSNT 188DG (2 CD).
Comentario: El mundo que nos toca vivir y que en la actualidad se encuentra completamente globalizado, permite a cualquier persona y en especial a los creadores (con independencia del arte que profesen), el poder asomarse a ese mundo infinito en pos de la búsqueda de un sinfín de historias que dar a conocer y ante todo transmitir a través de su arte.
Si hay un artista que sabe explicar y contar estas historias a la perfección, este es el saxofonista bilbaíno y afincado desde 1995 en Barcelona, Gorka Benitez. Con su nuevo trabajo publicado en Fresh Sound Records (el cuarto como líder y con la misma discográfica), Gorka Benitez nos da a conocer su visión personal del mundo que nos rodea. Para ello la discográfica catalana le ha proporcionado entera libertad para desarrollar el que se puede considerar sin duda alguna, el proyecto discográfico más importante de su carrera musical como líder. Para afrontar tal reto, Gorka Benitez ha llamado a músicos de su total confianza, como Albert Bover, David Xirgu, Carme Canela o Dani Pérez, compañeros infatigables de numerosas aventuras e historias a lo largo de muchos años de conciertos y grabaciones.
La música contenida en este trabajo (un doble CD) resume a la perfección el mundo personal de Gorka Benitez, al mostrarnos influencias de diversos “mundos” a los cuales se ha asomado el líder. Estos mundos han servido de base para los diversos temas que configuran el trabajo, desde influencias vascas como en el tema “Behera”, clásicas y modernas como “Schönberg Op. 69”, baladas con cierto corte pop como el tema que da título al trabajo “Sólo la verdad es sexy” (en sus dos versiones instrumental y vocal) o estados mentales como “Nobleza Barbitúrica” (así mismo en sus dos versiones), a aspectos más cotidianos de la vida real como “Pepi´s Dance”.
La música que se desprende de la escucha podrá sorprender por su sencillez y por su lenguaje directo, pero dentro de la misma se puede encontrar todo un mundo. Y este es el mundo personal e intransferible de Gorka Benitez; un mundo directo, auténtico y honesto. El acompañamiento de músicos como Albert Bover y David Xirgu, proporcionan un plus de calidad en la grabación que merece la pena señalar. Bover despliega una música pensada y concebida tanto para acompañar como para desarrollar su faceta de solista, escúchese a modo de ejemplo el tema “1929”, en donde el mano a mano entre Gorka Benitez y Albert Bover, proporciona uno de los momentos álgidos de la grabación, y donde la música se torna reflexiva, melódica, lírica, pero llena de matices e ideas. Una pequeña joya, pero de enormes quilates, que bien merece su escucha. Por el contrario David Xirgu y Nick Thys son el soporte perfecto para el tratamiento rítmico de los temas y de la base de los desarrollos del líder y de Albert Bover.
En definitiva, un estupendo trabajo que proporcionará a los seguidores de este músico el poder disfrutar de una música sin cortapisas, sin medias verdades, con un sello de autenticidad propio y reconocible de Gorka Benitez. Una música que permite desarrollar y contar las historias del mundo real que nos envuelve; el mundo según Gorka Benitez.
Juan Carlos Abelenda.
Gorka Benítez - The Free Session
Músicos: Gorka Benitez (saxo tenor,alboka), Bill McHenry (saxo tenor), Dani Pérez (guitarra), Ben Waltzer (piano), Chris Higgins (contrabajo), David Xirgu (batería), Jo Krause (batería)
Composiciones: 1. Octubre 22 (Chris Higgins) 3:27 2. Sketch #5 (Gorka Benitez) 1:07 3. Chris's 30' Seconds (Chris Higgins) 1:03 4. Sketch #1 (Bill McHenry) 2:58 5. 5th Floor (Benitez/McHenry/Higgins) 2:28 6. Jo's 30' Seconds (Jo Krause) 0:30 7. Sketch #3 (Gorka Benitez) 2:19 8. Sketch #2 (Benitez/McHenry) 2:47 9. Bill's 30' Seconds (Bill McHenry) 0:27 10. Gorka Sketch #1 (Gorka Benitez) 2:42 11. Albili (Benitez/McHenry) 1:30 12. Dani's 30' Seconds (Dani Pérez) 0:45 13. Bill Sketch #2 (Bill McHenry) 1:08 14. GDX (Gorka Benitez) 2:32 15. Xirgu's 30' Seconds (David Xirgu) 0:32 16. Diatonicism (Chris Higgins) 6:36 17. Sketch #4 (Bill McHenry) 1:52 18. Gorka's 30' Seconds (Gorka Benitez) 0:33 19. Alboka Sketch Band (Gorka Benitez) 4:50 20. Ben's 30' Seconds (Ben Waltzer) 0:42
Grabado en Estudis Moraleda, Barcelona, 27 de enero de 1999.
FSNT-173 CD Fresh Sound New Talent. http://www.freshsoundrecords.com/
Comentario: De muy interesante se puede calificar esta sesión del saxofonista Gorka Benítez. El interés viene en primer lugar por que en los apenas 50 minutos de duración de Free Session se deslizan hasta 20 composiciones, que no transforma a la obra en un collage estilístico falto de conherencia sino todo lo contrario, en una obra con un fuerte sentido de globalidad. Interesante es también la formación empleada en el disco. Algo tan poco habitual como un septeto conformado por dos saxos, dos baterías, contrabajo, guitarra y piano. Muy destacable es también el nivel técnico de los músicos. Todos estos factores, añadidos a la falta de encorsetamiento estilístico en su ejecución, le dan ese aroma de libertad que se echa en falta en una gran cantidad de obras editadas en este país. ¡Que cunda el ejemplo!
José Francisco Tapiz
Carme Canela & Lluís Vidal Trio - Els Nostres Stàndards
 Músicos: Carme Canela (voz), Lluís Vidal (piano), David Mengual (contrabajo) y David Xirgu (batería).
Karonte Records 7795, 2.006
Comentario: Antes de nada, una confesión: mi absoluto desconocimiento de los temas incluidos en esta grabación de Carme Canela y Lluis Vidal, todos ellos temas tradicionales de la canción catalana (excepto “Els Fadrins De Sant Boi”, original de Frederic Mompou). ¿Me inhabilita esa circunstancia para comentar el disco con propiedad? Espero que no; esa sentencia queda en manos de cada lector. De lo que no me cabe duda, a la vista de mi experiencia personal, es de que no es preciso conocer el temario para gozar de él.
Resulta evidente el origen tradicional (signifique eso lo que signifique) de los temas: se trata a menudo de composiciones sencillas, muy circulares, que quedan ya en su propia composición plenamente desarrolladas y firmemente cerradas en sí mismas (pienso especialmente en temas como “Els Tres Tambors”, “Olles, Olles” o “Ell Ball De La Civada”). Sin embargo, un trabajo que se adivina extraordinario por parte del grupo, y muy especialmente de Vidal, consigue diluir esa rigidez inicial, tan poco afín a la flexibilidad propia del jazz, en un vibrante festín sonoro, para dejar únicamente visibles la excelencia de la composición y la belleza del formato jazzístico.
Así, una riada aparentemente inagotable de motivos pianísticos se desprende de las teclas del piano, perfectamente empastada con unos arreglos llenos de brillantez que equilibran el disco con su lograda combinación de tempos lentos (“No Ni No”, “Cansó n. 6”), marchas militares (“Els Tres Tambors”), ritmos vivos (“Els Fadrins De Sant Boi”, “El Pastoret”) e indagantes desarrollos (“El Mariner”). Tanto David Mengual como David Xirgu se prestan alegremente a esta vibrante reconstrucción del cancionero popular, aportando con su vitalidad y talento un saludable plus de frescura.
La voz de Carme Canela interactúa perfectamente con el resto del grupo y su intervención es tan creativa y atenta como la de sus compañeros. Es un verdadero placer escuchar su hermoso timbre, brillante y aterciopelado a un tiempo, siempre perfectamente modulado, en un contexto tan vivaz y cambiante como éste. Sorprende la perfecta compenetración que une a la cantante con Lluís Vidal, trabajada ya a lo largo de muchos años y proyectos juntos.
Un verdadero festín para los oídos. El único reparo que encuentro a este disco es totalmente extramusical: no incluye en sus notas de carpetilla (por lo demás, preciosa carpetilla) ni lugar ni fecha de grabación. Quizá sea la manía de un aficionado, pero el caso es que la ausencia de esos pocos datos me duele especialmente en esta ocasión, en que tanto me ha encandilado la música.
Ricardo Arribas
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© 2008 Tomajazz
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