Composiciones: "Introduction", "Second Choince" (Ferenc Nemeth), "Andy's Song" (Andy Morgan), "Tabarka" (Keith Jarrett), "Cosmic Serpent" (Lionel Loueke, Javier Vercher & Ferenc Nemeth), "Broken Shadows" (Ornette Coleman), "Wheel of Time" (Ferenc Nemeth & Javier Vercher), "Nemeth Sketch" (Ferenc Nemeth), "Als-Berebers del Sud" (Javier Vercher), "Faviercher" (Ferenc Nemeth), "Where Everything is Music" (Lionel Loueke, Javier Vercher & Ferenc Nemeth).
Músicos: Javier Vercher (saxo tenor, percusión y flauta de bambú), Ferenc Nemeth (batería y percusión) y Lionel Loueke (voz y guitarra).
Grabado en Acoustic Sound Studio, Brooklyn (Nueva York, Estados Unidos), en marzo de 2006.
Fresh Sound New Talent 286.
Comentario: Positivamente sorprendente este trabajo del joven saxofonista Javier Vercher. Si hasta ahora en sus actuaciones en directo habíamos podido percibir influencias coltranianas sobre dibujos
hard-bop con ciertos tintes étnicos, dichos tintes se erigen en hilo conductor de este
Wheel of Time, donde las reminiscencias de la World Music y un sonido cercano a Jan Garbarek son más que apreciables.
Al lado de Vercher se encuentra el batería húngaro Ferenc Nemeth, adalid del buen gusto cuyo enfoque percusivo cubre distintos campos del jazz y las músicas tradicionales. Ambos tejen un tapiz sonoro inusual, pero de agradable escucha, hasta el punto de que la ausencia de instrumentos armónicos no es obstáculo para el disfrute de los temas a dúo. En cinco de las composiciones, no obstante, les acompaña el guitarrista ideal para un proyecto de este calibre: Lionel Loueke, habitual del cuarteto de Vercher y de una de las últimas bandas de Herbie Hancock. El de Benin aporta su particular visión armónica, acompañándose en ocasiones de su voz cálida.
Las composiciones, en su mayor parte originales, están concebidas como vehículos en base a los que expresarse con rotundidad y sin prisas. Vercher utiliza notas largas bien entonadas sobre la percusión clara y concisa de Nemeth. La guitarra y la voz de Loueke se unen a la
mbira creando una abstracción de sonidos en "Cosmic Serpent", y en el "Broken Shadows" de Ornette Coleman guitarrista y saxofonista navegan entre el lirismo dramático y las disonancias bien escogidas. El valenciano emociona en "Wheel of Time", ayudándose de la emisión de armónicos en su saxo tenor, e incluso se permite citar la melodía de "Acknowledgement" (de
A Love Supreme) en "Als-Berebers del Sud".
Múltiples son los caminos del jazz actual, y así parecen haberlo entendido Javier Vercher y Ferenc Nemeth, capaces de crear un plato picante y especiado, pero de buen sabor y cómoda digestión. Que sigan alimentándonos.
Arturo Mora Rioja
Javier Vercher - Introducing Javier Vercher Trio
Músicos: Javier Vercher (st); Chris Higgins (cb); Brannen Temple (bat); Robert Gasper (p en #4,7); Rakalam Bob Moses (bat en #2,8)
Composiciones: Bird Food; Pollack Spring; Balada de Alfredo; L’Euridice; Pollack Springs-Duet; Noman; Orfeo; Entrance Door
Duración: 56:17
Mezclado y grabado por Michael Brorby en los Acoustic Sound Studios, Nueva York, en noviembre de 2003 y marzo de 2004
Editado por Fresh Sound New Talent.
REF: FSNT-206 http://www.freshsoundrecords.com/
Comentario: Javier Vercher acaba de nacer. La cuidad de Nueva York ha dado a luz a Javier, un bebé de 24 años que ha nacido con un saxofón tenor pegado a los labios, y con la madurez y los conocimientos musicales de su padre adquiridos por herencia genética.
La metáfora puede provocar risas, pero para todos aquéllos que no hemos seguido la formación académica de este saxofonista, éste ha sido su alumbramiento: de repente nos encontramos con un disco en las manos, y nos disponemos a escucharlo. Una vez escuchado, la pregunta es obvia: “¿De dónde ha salido este individuo? La verdad es que sabe tocar”. Y con este “sabe tocar” provocaríamos la carcajada del mismísimo Javier Vercher: título de profesor de clarinete por el conservatorio Joaquín Rodrigo de Valencia; becado para estudiar en Boston; graduado en el Berklee Collage en otoño del 2000 con Magna Cum Laude en la especialidad de Performance; ha tocado con Jorge Rossy, Perico Sambeat y Marc Miralta, por mencionar a algunos; y actualmente, con un trío a su nombre.
Era el momento de nacer para resto del mundo, y Javier ha tenido la paciencia de esperar para hacerlo con la madurez de sonido necesaria como para sorprender y convencer. Esto es Introducing the Javier Vercher Trio.
La toma de contacto inicial es prudente: “Bird Food” abre el disco, una versión de Ornette Coleman, en la que el trío demuestra estar pisando terreno bien conocido. A partir de aquí, el trío (cuarteto en dos ocasiones) desarrolla dos temas firmados por Bob Moses y cuatro firmados por Javier Vercher. Las referencias musicales son obvias: el alma de Coltrane se cuela por entre las zapatillas del saxofón tenor, el demonio de Elvin Jones ronda la batería, mientras que el fantasma de Jimmy Garrison se esconde arrinconado en la caja de resonancia del contrabajo. Y cuando estos fantasmas se desvanecen, aparecen otros, tales como el de Joe Henderson en “Normal”.
Y sin embargo, todo resulta más que justificado: once temas de elevada calidad a nombre de un trío bajo la batuta de un bebé de 24 años, con toda una vida por delante. A Javier Vercher y compañía les queda por recorrer parte más angosta del camino: consolidar la formación y encontrar un sonido propio que haga que almas, demonios o fantasmas desaparezcan de entre sus instrumentos. Pero es que tras la escucha de este disco ¿a alguien le cabe duda de que es tan sólo una cuestión de tiempo?
Ah, un detalle: sus padres dirán que nació en Madrid, en 1978.
Sergio Masferrer
Albert Sanz y los Once Dedos - El Fabulador
Músicos: Albert Sanz (p); Pau Domenech (cl bajo); Perico Sambeat (sa); Mamen García (voc en #7); Raynald Colom (tp); Vicent Macián (st); José Sebastiá, Rafael Mira (trompa); Javier Vercher (cl, st); Rob Stillman (st en #6); Toni Belenguer (trombón); Chris Van Voorst van Best (cb); R. J. Miller (bat)
Composiciones: 1.El mejilla (9:45); 2.Por olvidar (12:45); 3.Interludio (4:58); Hope (7:33); 5.Fun ship (8:58); 6.Racha (7:59); 7.La barca (5:47); 8.El fabulador (11:42)
Duración: 1h 08min 51seg
Todos los temas compuestos por Albert Sanz, excepto #7, compuesto por Roberto Cantoral. Grabado los días 11, 12 y 13 de agosto de 2004 en el Conservatorio Municipal José Iturbi de Valencia. Mezclado los días 29, 30 y 31 de octubre de 2004 en el Estudio Cable Musical, San Lorenzo del Escorial, Madrid. Ingeniero de sonido, edición y mezcla: Bertram Kornacher. Editado en 2005
Xàbia Jazz 004
Comentario: Decir que Albert Sanz está sufriendo una continua evolución como músico es prácticamente una trivialidad; hablar de que dicha evolución instrumental viene acompañada de una evolución compositiva no lo es tanto. A mi entender, al primero de los discos como líder de este pianista valenciano (Los Guys, editado por Fresh Sound New Talent en el 2004) le faltaba una pizca de levadura con el que dar cuerpo a una grabación en la que participaron excelentes músicos (Cheek, Ballard y Grenadier); un disco en el que la presencia tanto instrumental como compositiva de Sanz era demasiado modesta.
La referencia a Los Guys permite presentar El Fabulador como una obra firmada con mayor madurez, un estadío más avanzado en el que Sanz maneja de forma inteligente los recursos puestos a su entera disposición por el Instituto Valenciano de la Música y la estupenda propuesta del festival veraniego Xàbia Jazz. Tras el septeto de Fabio Miano, la big band de Ramón Cardo y el octeto de Kiko Berenguer, en la formación elegida en esta cuarta grabación con motivo del festival vuelven a jugar un papel fundamental los vientos: tenores, alto, trombón, trompas, clarinete bajo y trompeta van alternándose como protagonistas en los sucesivos cortes, o jugando el papel secundario de soportar melódicamente el desarrollo de los solos. Los acordes de Sanz conducen en todo momento a la formación, adaptando el papel de deuteragonista, con la postura de estar presente sin ser visto, de presentar los temas de forma sutil para que sean los vientos los que recojan el testigo de los primeros compases del piano y hagan que el tema evolucione.
Los pasajes de rítmica latina en Racha o en el clásico La Barca de Roberto Cantoral interpretado por Mamen García, los momentos reservados para el desorden orquestal en Por Olvidar, y el elegante desarrollo en crescendo de El Mejilla o en el tema que da nombre al disco son algunos de los elementos que caracterizan a El Fabulador, una grabación que obliga a elogiar tanto a los buenos músicos que siguen brotando de los cultivos valencianos como a la propuesta gubernamental de esta Comunidad.
Sergio Masferrer
Óscar Peñas Group - Astronautus
Músicos: Óscar Peñas (g); Javier Vercher (ts & ss); José A. Medina (electric & acoustic piano); Germán Fernández (b); Mariano Steimberg (bat); Guim García (as on #3 & #9); Luisa Brito (b on #9)
Composiciones: 1.Astronautus; 2.Aries; 3.Il Superchopper de Firenzi; 4.Adalab; 5.Quasi-blues; 6.Fotografía; 7.Sueño perdido; 8.Buenas noches, por favor; 9.Quasi-blues II
Grabado en directo los estudios Moraleda, Barcelona, los días 10 y 11 de febrero de 2003.Ingeniero de sonido: Jordi Vidal. Producido por Óscar Peñas. Producción ejecutiva a cargo de Jordi Pujol.
REF: FSNT-164CD
www.freshsoundrecords.com
Comentario: Fantástica muestra del buen hacer de Óscar Peñas y compañía en esta entrega discográfica. Varios son los elementos que hacen espacial Astronautas. Sirvan como ejemplo la presentación en sociedad de Javier Vercher a los vientos y la sabia elección del piano eléctrico que José A. Medina demuestra en el álbum.
El comienzo del disco es de fábula. En los dos primeros cortes la conjunción de los sonidos agudos de la guitarra y del piano eléctrico es casi mágica, y sólo estos temas sirven para justificar la presente grabación. Vercher se ciñe en su puesta de largo a las enseñanzas labradas en los cultivos clásicos de boppers y cool men, muy de libro, no dando riendas sueltas a la fuerza interior demostrada a posteriori en Introducing the Javier Vercher Trio (FSNT-206), excepto en contadas ocasiones (particularmente en Aries). El sonido del disco en general es brillante, los fraseos en Il Superchopper de Firenzi, Quasi-blues o Quasi-blues II tienen un sonido muy West Coast, con líneas melódicas predecibles y pegadizas, al mismo tiempo que elegantes. Minutos de particular protagonismo para Óscar Peñas en Fotografía. Durante algo más de tres minutos la guitarra disecciona y deconstruye repetidas veces la línea principal del tema, demostrando recursos mucho más allá de los sonidos antes mencionados. En Buenas noches, por favor el quinteto aparece más disuelto, y el tema se desarrolla entre espacios más abiertos, más relajados, aunque este factor termina traduciéndose en una disminución en la cohesión que la formación demuestra en los primeros temas del disco.
La principal virtud de Astronautus es su fácil y pegadiza escucha, basada en una raíz en los fraseos muy cool jazz con la que el oído está bien familiarizado. Y el cierre a la reseña del disco corre paralela a su apertura: la elección del quinteto es fundamental para la extraer de las raíces la savia nueva, para convertir lo que podría ser cualquier disco en un disco con la impronta inconfundible de Fresh Sound New Talent, capaz de hacer del pasado y del presente un futuro.
Sergio Masferrer
Sebastian Noelle Quartet - Across the River
Composiciones: 01. Metamorphosis;
02. Hanakotoba;
03. Papillon;
04. People need people;
05. Alpha et Omega;
06. Liquid truth;
07. Out in the fields again;
08. Gone;
09. The check bounce;
10. Across the river;
Todos los temas compuestos por Sebastian Noelle.
Músicos: Sebastian Noelle (guitarra); Javier Vercher (saxo tenor, flauta); Donny McCaslin (saxo tenor, saxo soprano); Ben Street (contrabajo); Ari Hoenig (batería)
Duración: 01h 06min 41seg
Grabado los días 17 y 18 de octubre de 2005. Mezclado el 02 de noviembre de 2005 por Michael Brorby en los Acoustic Recording Studios, Brooklyn. Masterizado por Michael Perez-Cisneros, Nueva York. Producido por Sebastian Noelle; producción ejecutiva: Jordi Pujol.
REF: FSNT249
Comentario: Across the River, la nueva entrega del guitarrista Sebastian Noelle evoluciona a través de atmósferas ligeras, dando la sensación al oyente de estar levitando a cuatro centímetros del suelo. A esta sensación contribuyen los cuatro instrumentos presentes en la grabación. Los saxos tenores, tanto de Vercher como de McCaslin, parecen estar susurrando, con un sonido dulce y pausado; la batería de Hoenig concentra el peso rítmico en la caja y en los platos (casi en todo momento con las escobillas), haciendo un uso muy comedido del bombo y de los timbales; el transcurrir del contrabajo es discontinuo, sin apenas recurrir al
walking, sino apelmazando las notas en la mitad del compás, y dejando flotar el resto del mismo en el silencio de los graves.
La alternancia entre Vercher y McCaslin en los temas no se hace notable. No queda la impresión de que exista una previa asociación entre las composiciones y los instrumentistas, por lo que, prevaleciendo la estructura y la atmósfera de los temas sobre el sonido de los músicos, ambos saxofonistas desarrollan las piezas con un fraseo rítmico y melódico muy similares.
Pocos son los compases que Noelle deja sin pulsar un acorde, llegando a relegar al contrabajo en la función de acompañante en los solos de batería que cierran “Papillon” o “People need people”. Lejos de presentarse esto como un defecto del disco, la mano izquierda de Noelle, rica en acordes, cumple casi con excesiva meticulosidad la función armónica del piano, y, como tal, lleva el peso de las composiciones. El sonido de la guitarra es homogéneo y limpio en toda la grabación, sin cambios perceptibles en la ecualización o los efectos añadidos a ésta. El tema que da título al disco, al mismo tiempo que cierra la grabación, es una excepción a esta regla con el uso del
wah-wah y de una distorsión mucho más presente.
La sexta pista, “Liquid Truth”, rompe con el suave transcurrir del disco: ritmos atropellados y compases rotos en pedazos; cuatro minutos en los que los solos de saxo y guitarra se confunden en uno, jugando a escaparse y a encontrarse con la melodía conductora del tema. El disco continúa con “Out in the Fields Again”, donde se aparcan parcialmente las partituras en el cajón y encalla el tema en pedales rítmicos de contrabajo para permitir un desarrollo mucho más modal al saxo y a la guitarra.
En resumen, “Across the River” es un disco cerebral. Las composiciones y los arreglos están medidos al milímetro, y con ello el cuarteto consigue un contexto y una línea argumental comunes para los diez temas que dan forma a un proyecto en el que los cambios de forma se van sucediendo sutilmente.
Sergio Masferrer
