Gary Hassay & Ellen Christi - Tribute to Paradise
Músicos: Gary Hassay (saxofones),
Ellen Christi (voz)
Drimala Records http://www.drimala.com
Comentario: Tras Blackwater Bridge (Gary Hassay y Anne
LeBaron, 2002), disco que mostró nuevos caminos de confluencia
entre el saxo alto y el arpa y que ayudó a redefinir las relaciones
entre los instrumentos de viento y de cuerda, elevándolos a un
nuevo nivel discursivo cuyos ecos perduran en la memoria del oyente,
ahora Drimala Records ha decidido invertir nuevamente en el talento
de Gary Hassay, saxofonista y creador del excepcional Another Shining
Path, del trío Ye Ren, con William Parker y Toshi Makihara –
uno de los mejores discos de 1999, a todas luces más que recomendable.
La gran noticia es pues que Gary Hassay vuelve a hacer discos. Y ahora
en compañía de la cantante Ellen Christi, señora
de una elegancia vocal intachable que, de este modo, se presenta en
esta propuesta de dúo resultante de la combinación sonora
de las voces de dos artistas absolutamente fuera de lo común
y que se inscribe en la serie de obras con las que el sello de Hampton,
Virginia, profundiza paulatinamente en la esencia de este formato.
En este sentido, la articulación vocal de Ellen Christi, fantástica
cantante de free form, se ajusta como un guante a la sonoridad de madera
del saxo alto del pintor abstracto Gary Hassay. Dos casos extremos de
subexposición, en un mundo en el que la música improvisada
de este calibre se ve condenada inexorable y progresivamente a quedar
recluida en un gueto, en favor de productos y subproductos de menor
valor estético y musical que inundan el mercado. Pero ese es
otro tema.
Volviendo a Tribute To Paradise, lo he escucharlo varias veces, con
el placer renovado que se experimenta en cada nueva escucha gracias
a la empatía, intimidad, armonía y voluntad de comunicación
de los dos creadores. Christi canta con swing y sin palabras, en una
sucesión de onomatopeyas (scat) de definición brillante
y limpia. Hassay controla cada intervención con una intensidad
impresionante, utilizando tonalidades y texturas poco usuales, desafiando
al oyente en cada curva. Sobre Christi el diario The New York Times
escribió: “Canta en un estilo fuerte y cristalino, improvisando
con el fraseo de Albert Ayler y la intensidad de John Coltrane”. Esto
queda igualmente patente en los tres temas en que el sonido de Christi
se funde con la voz de Gary Hassay en un canto a capella de muy buen
gusto.
Vale la pena que el oyente haga el sencillo esfuerzo de intentar penetrar
en el amago de sonido puro, dejarse mecer por los cambios de la coloración
vocal de Christi, envolverse en los constantes meandros del saxo alto
que enamora a la voz de Christi y se explaya en múltiples y sinuosas
líneas melódicas. Parte del encanto de esta grabación
radica en descubrir progresivamente los misterios de la creación
musical espontánea, en el arte de descifrar estructuras complejas
que al final se traducen en líneas melódicas de fácil
comprensión. Conquista cuyo placer está felizmente al
alcance de cualquiera de nosotros, desde el momento en que nos dispongamos
a escucharlo con profundidad. La paz de espíritu que queda al
final es la mejor recompensa que se puede esperar de esta promesa de
“Nuevo Paraíso”.
Eduardo Chagas
Músicos: Monty Alexander (piano),
Andy Simpkins (contrabajo), Frank Gant (batería)
Composiciones: Broadway, Just In Time, sweet Lady,
Tricotism, Never Let Me Go, Montevideo, Pawnbroker, See See Rider, Impressions,
Nature Boy, St. Thomas
Grabado en Polydor KK Studios el 22 de enero de 1979. Reeditado en 2004.
Pablo Records. OJCCD 1098-2 (2310-836)
Comentario: Sorprende ante la avalancha de reediciones
que inundan el mercado discográfico el hecho de que hayan tenido
que pasar 25 años desde que se publicó este disco en vinilo
hasta su reedición en el año 2004.
Y es sorprendente por el gran nivel que demuestra el trio del pianista
Monty Alexander en esta grabación en estudio hecha en su primera
visita a Tokyo. Este es un pianista quizás no muy conocido por
los aficionados pero más que disfrutable, especialmente en esta
grabación a trio. Acompañado por el batería Frank
Gant y el más que eficaz Andy Simpkins (tremendo en sus solos
acompañándose con esos grititos tan característicos)
el trio realiza un recorrido por unos cuantos clásicos (Broadway,
un tremendo Tricotism en su introducción, See See Rider, la balada
Never Let Me go) alternando tempos rápidos con temas más
lentos. Para finalizar, la sorpresa que suponen los tres temas añadidos
a la grabación (las tan habituales bonus track que aquí
sí que aportan algo y de qué modo a la grabación).
Este episodio final se inicia con una más que notable versión
de Impressions de John Coltrane, a buen ritmo y que termina en forma
de blues en sus 8 minutos de duración. Nature Boy continúa,
preciosa como siempre. Y para acabar los ritmos de St. Thomas (el tema
de Sonny Rollins), perfectos para la expresión de este pianista
caribeño, que con Montevideo aporta los ritmos "folklóricos"
a esta más que recomendable y disfrutable reedición.
José Francisco Tapiz
Henri Texier Azur Quintet - Mosaïc Man
Músicos: Sébastien Texier
(saxo alto, clarinete), Glenn Ferris (trombón), Bojan Zulfikarpasic
(piano), Tony Rabeson (batería), Henri Texier (contrabajo)
Composiciones: Mosaïc Man 8:04, The Lost Kids
Of Nairobi 7:20, Mr. Freeman 5:55, Fertile Danse 5:42, Twiga And Puntamilia
(S.Texier - B.Zulfikarpasic) 1:24, Ape, Dog And Tiger (T. Rabeson) 2:27,
Out Of The Lights (B. Zulfikarpasi aka Bojan Z.) 6:35, Cap Esperance
11:43, Happy Daze (G. Ferris) 4:49, Awa 4:19, Russ And Jim (S. Texier)
6:07, Togo (Ed Blackwell) 4:53
Composiciones por Henri Texier salvo que se indique lo contrario.
Grabado y mezclado en Studio Gil Evans, Amiens, Francia en septiembre
de 1998.
Editado por Lable Bleu en 1999.
Lable Bleu LBLC 6608
Comentario: Quien conozca a Henri Texier por sus últimas
grabaciones en Label Bleu (el disco doble con su Azur Quintet y sección
de cuerdas titulado Strings Spirit) o por sus visitas en concierto a
España (con su proyecto Strada en 2004 o con Azur Quintet en
2003), no quedará defraudado por Mosaïc Man, grabación
de 1998 con su Azur Quintet.
En su contenido, las caracterizas que personalizan el trabajo del contrabajista
francés: mucho gusto por las melodías (en las que no están
ausentes influencias africanas), el cuidado en los arreglos, formas
de expresión cercanas al Free y amplios espacios para que los
integrantes del (que no "su") grupo muestren sus magníficos
modos en las correspondientes rondas de solos, todo ello dirigido por
la pulsación firme de uno de los mejores contrabajistas europeos
en la actualidad. Siguiendo estas premisas, en el transcurrir de este
disco daremos con unos cuantos hallazgos. Por ejemplo Mosaïc Man,
que titula al disco y abre la grabación. Mr. Freeman con su cambio
de ritmo o ese casi diálogo que abre Russ And Jim y que torna
en un Jazz mezcla de diversas influencias jazzísticas, arcaicas
y modernas. No olvidaré tampoco señalar Happy Daze con
su orientación africana o quizás caribeña. La sutileza
de Out Of The Lights y Awa (con un lírico Bojan Z. al piano en
ambas). Entre el material ajeno hay una sola pieza. ¡Pero qué
pieza! Una joya a nombre de Ed Blackwell que aparecía en las
grabaciones en estudio y los directos del grupo Old And New Dreams (integrado
por Don Cherry, Charlie Haden, Dewey Redman y el propio compositor a
la batería, quienes retomaban parte del legado de Ornette Coleman,
con unos discos magníficos editados en ECM y en Black Saint).
Su título, indicando su inspiración africana, Togo: la
clausura justa para una magnífica grabación de un grupo
que funciona como tal.
José Francisco Tapiz
p.d. si alguien tiene la ocasión y la oportunidad, que no pierda
ese lujo gozoso de escuchar al quinteto en directo cerrando sus grabaciones
en directos con la pieza de Mr. Blackwell. Embelesadora.
Una de diyeis... DJ Spooky That Subliminal Kid - Optometry / DJ Spooky That Subliminal Kid - Dubtometry feat. Mad Professor & Lee Scratch Perry / DJ Spooky That Subliminal Kid - Celestial Mechanix: The Blue Series Mastermix / GoodandEvil - Sessions
DJ Spooky That Subliminal Kid - Optometry
The Blue Series Continuum.
Músicos: Matthew Shipp (piano), William Parker
(contrabajo), Joe McPhee (saxo tenor, trompeta), Guillermo E. Brown
(batería) + DJ Spooky (portátil, platos, contrabajo)
Invitados: Daniel Bernard (violín), Carl Hancock Rux (voz), Pauline
Oliveros (electrónica), Daniel Bernard Roumain (violín),
Daniel Carter (saxos), Billy Martin (beats), High Priest, Napoleon
Composiciones: 1 - Ibid, désmarches, ibid 2
- Reactive Switching Strategies for the Control of Uninhabited Air 3
- Variation Cybernétique: Rhythmic Pataphysic (Part I) 4 - Asphalt
(Tome II) 5 - Optometry 6 - Sequentia Absentia (Dialectical Triangulation
I) 7 - Rosemary 8 - Sequentia Absentia (Dialectical Triangulation II)
9 - Parachutes 10 - Sequentia Absentia (Dialectical Triangulation III)
11 - Variation Cybernétique: Rhythmic Pataphysic (Part III) 12
- Périphique 13 - It's A Mad, Mad, World
Grabado en 2002.
Thirsty Ear Recordings. THI57121.2
DJ Spooky That Subliminal Kid - Dubtometry feat.
Mad Professor & Lee Scratch Perry.
The Blue Series
Remezclas de Optometry por Alter Echo, DJ Goo, Lee "Scratch"
Perry, Karsh Kale, Mad Professor, Twilight Circle, Blend, Negativland,
Animal Crackers...
Editado en 2003.
Thirsty Ear Recordings. THI57128.2
DJ Spooky That Subliminal Kid - Celestial Mechanix: The Blue Series Mastermix
The Blue Series
CD1: THE REMIXES Dur: 55 minutos aprox.
CD2: THE CONTINUUS MIX Dur: 75 minutos aprox.
Editado en 2004.
Thirsty Ear Recordings. THI 57148.2
GoodandEvil - Sessions
The Blue Series Continuum
Músicos: Alex Lodico, Josh Roseman (trombones),
Roy Campbell (trompeta), Matthew Shipp (sintetizador Korg), GodandEvil,
Miso (resto de sonidos y producción)
Composiciones: 1 - Brainwash 2 - Then Again 3 - The
Stakeout 4 - Close Call 5 - The Hideout 6 - On The Run 7 - Roll It Back
8 - Change Of Plans 9 - Sweetbitter
Grabado en 2003.
Thirsty Ear Recordings. THI57134.2
Comentario: Lo que son las cosas. Hace unos años
me encontré sin pasta para pillar vinilos, defectos de la juventud
qué se le va a hacer, con las agujas hechas polvo de tanto rascar
en vano y con lun panorama cada vez más pobre en lo creativo
-eso creía yo. Así que hace unos años (muchos ya)
colgué los platos, me corté la coleta, dejé de
ser diyeipetea para quien quisiera escucharme (que luego recuperé
para mis sesiones radiofónicas de Jazz y aledaños) y me
dediqué a eso del Jazz. Una cosa más tranquila y menos
liada, pensaba (iluso de mí). Además según me decían,
y leía, con llegar hasta Coltrane y un poco más ya estaba
la cosa hecha. Lo dicho, algo que parecía más creativo,
menos lioso y mucho más tranquilo. Y ahora me encuentro con este
puñado de discos. Iluso de mí.
El primero está editado a nombre de Dj Spooky. Un buen disco.
¡Cómo no va a serlo si están por ahí en plantilla
fija Matthew Shipp, William Parker, Guillermo E. Brown y un histórico
que le dicen (¡como si William Parker no lo fuera!) Joe McPhee
a los saxos y trompeta! Si además hay algunas buenas y contagiosas
melodías, colaboraciones de postín (Pauline Oliveiros,
Daniel Carter) y las ganas de interactuar de un mister diyei no al uso
con el arte de estos músicos, el resultado es más que
satisfactorio. Y no, no es un disco de libre improvisación, como
se empeñaba en que tenía que ser mi amigo Pachi, pero
sí una buena muestra de Free trabajando en la melodía
(¿no es eso lo que hacía Ornette?), con buenos músicos
y un jovenzuelo con ideas y medios.
Pero no es este disco el que ha metido las ganas de volver a las andadas
(al fin y al cabo el papel de Dj Spooky consiste allí en dejar
trabajar a sus colegas a sus anchas) y recuperar las pinturas de guerra
para volver a las andadas. El que sí me trae de cabeza es Dubometry.
¿Qué que es Dubometry? DubometrY = Optometry Remixed
Eso pone en la carpetilla del disco. (nota: creo que algún día
tengo que pensar sobre las matemáticas y esto del Jazz, con tantas
ecuaciones, conceptos matemáticos y demás equivocaciones).
Y es que tiene gracia (por talento, por buen hacer, por arte) lo que
DJ Goo, Animal Crakers, Karsh Kale o J-Live son capaces de hacer remezclando
el trabajo de diyeiespuki. Cada uno de ellos aporta un carácter
propio a los temas del disco original, alguno de los cuales es visitado
varias veces, creando diferentes ambientes (que van desde lo oscuro
hasta lo festivo) y produciendo esta música de una manera muy
variada. Introduciendo unas voces y recitados, en algún momento
rapeando, no falta tampoco el scratch y por reclamar incluso se atreven
con reivindicaciones políticas. Increíble lo que hace
esta gente. Increíble el resultado.
Para rematar la serie, está el diyei remezclado remezclando unos
cuantos temas del catálogo del oído sediento (buen nombre
como dice el buen Jorge), incluyendo algún tema de su propio
Optometry (¿quizás en respuesta al disco en donde era
remezclado?). Eso en el primer disco de este doble cede. Para acabar
una sesión de hora y cuarto en dónde echa mano del catálogo
del sello (al estilo de lo que suele hacer el mítico sello Blue
Note) y crea un Blue Series Mastermix. En sus 80 minutos se dan la mano
Matthew Shipp, William Parker, él mismo, Leena Conquest, Guillermo
E. Brown, el Antipop Consortium, Spring Heel Jack, Meat Beat Manifesto,
El-p, Mike Ladd, David S. Ware, Mat Maneri y hasta Craig Taborn en una
sesión muy variada, con pocos prejuicios y sin ningún
complejo. Una actitud por otra parte ideal para acercarse a estas obras,
se me ocurre añadir.
Como epílogo a todas estas experiencias auditivas, cae en mis
oídos un nuevo disco de The Blue Series Continuum hecho al estilo
de los que han editado en Thirsty Ear El-p con High Water (gran disco),
el propio Dj Spooky en el citado Optometry o Organic Grooves con el
Black Cherry de William Parker y Hamid Drake. GoodandEvil y Miso trabajan
aquí con Roy Campbell (y su free-trompeta de lujo), el trombón
de Alex Lodico, William Parker (Parker, semper Parker), Josh Roseman
también al trombón (a algunos le sonará como integrante
de la big-band de David Holland) y Matthew Shipp (que es el director
artístico de Thirsty Ear y aquí está al órgano
Korg).
El resultado vuelve a ser una interesante experiencia sonora. En este
caso sí que los titulares de la grabación tienen un papel
más notorio en el uso de las programaciones y producción
del disco que en los casos de DJ Spooky en Optometry o El-p. De cualquier
modo y quien sabe si buscando algún tipo de efecto especial con
la selección del orden de los temas, en los primeros su presencia
resulta plenamente evidente con su carácter más o menos
festivo para a lo largo de la grabación irse volviendo el tono
musical más oscuro y libre, permitiéndose en Close Call
unos momentos de carácter libre improvisado. Una opción
que con lo que la escucha va ganando enteros conforme se observa este
discurso creativo.
A la vista de todo esto voy a desempolvar los platos, coger el portátil
y la mesita de mezclas y me voy a ir pitando a preguntarles a los Pinone
a ver si les apetece que empecemos a hacer algún experimento
en esta onda. Está claro que este camino está abierto
y mira hacia un horizonte lleno de aventuras. Sólo hace falta
gente con la mente abierta. Se lo preguntaré... seguro que dicen
que sí... diyeipetea is back...
Diyeipetea
Michel Portal - Musiques de Cinemas Déjouées Avec Des Amis Jazzmen / Dockings
Michel Portal - Musiques de Cinemas Déjouées Avec Des Amis Jazzmen
Músicos: Michel Portal (saxofones,
clarinete bajo), Doudou N'Diaye Rose y sus tambores, Juan José
Mosalini y su Gran Orquesta de Tango, Michel Benita (contrabajo), Mino
Cinelu (percusión), Laurent DeHors (saxofón), Andy Emler
(teclados), Paolo Fresu (trompeta), Richard Galliano (acordeón),
Nguyen Le (teclado, guitarra), Rita Marcotulli (teclado, piano), Linley
Marthe (bajo), François Moutin (contrabajo), Guillaume Orti (saxofón),
Tony Rabeson (batería), Aldo Romano (batería), Ralph Towner
(guitarra).
Distribuídos en formaciones varias.
Composiciones: Histoire de Vent 6:34 Max Mon Amour
#1 3:34 Yeelen 7:08 Droit De Réponse 4:53 Max Mon Amour #2 6:14
Docteur Petiot 4:45 Champ D'Honneur 4:09 Yvan Ivanovitch 2:42
Todas las composiciones por Michel Portal
Grabado en 1994 y 1995. Editado en 1995. Reeditado en 2004.
Lable Bleu LBLC 86574
Michel Portal - Dockings
Músicos: Michel Portal (clarinete,
clarinete bajo, saxo alto, bandoneón), Joey Baron (batería),
Steve Swallow (bajo), Markus Stockhausen (trompeta), Bruno Chevillon
(contrabajo), Bojan Zulfikarpasik (piano)
Composiciones: Barouf 6:01 Dolphy 6:51, Lion's Dream
4:28, Mutinerie 8:35, Next 2:38, Solitudes 5:12, Embrouille 2:16, K.O.
4:32, Tourniole 4:22, Ida Lupino (Carla Bley) 5:19, Illusion in B Flat
1:02
Todas las composiciones por Michel Portal, salvo que se indique lo contrario.
Grabado en Studio Gil Evans D'Amiens, Francia. Junio 1997. Editado en
1998.
Label Bleu LBLC 6604
Comentario: Michel Portal es una de las más
veteranas figuras del Jazz francés y por ende del europeo, con
una carrera que se extiende a lo largo de cuatro décadas, plasmada
a lo largo de multitud de grabaciones. He aquí un par de ellas.
Michel Portal lo avisa en el comentario a la primera de las piezas de
la grabación de sus composiciones para cine: "Esto no es
una grabación de Jazz, es un album de música revisitada.
No es una grabación de Jazz, pero sí una interactuación
de atmósferas. Son interacciones para músicos de Jazz".
Poco más que añadir acerca de la naturaleza del disco.
Señalar que a pesar de la diversidad de formaciones, que pasan
del solo del veterano soplador al clarinete bajo en Max Mon Amour #1,
al dúo con Mino Cinelu en Droit De Response, o con Richard Galliano
en Yvan Ivanovitch, que se amplían hasta el quinteto en Une Histoire
de Vent o Yeleen, al sexteto en Max Mon Amour #2, y crecen hasta la
orquesta en Docteur Petroit, el resultado es una perfecta banda sonora
imaginaria, amalgama de los ambientes recogidos en las diferentes películas
de las que proceden. Para los aficionados a la guitarra en el Jazz señalar
el encuentro entre dos generaciones representadas por el veterano Ralph
Towner y Nguyen Lé en Yeleen.
Dockings es diferente en cuanto a concepto pero no en cuanto a la brillantez
de su resultado. Para esta sesión Michel Portal reunió
a una formación de lujo. De los Estados Unidos eligió
al batería y percusionista Joey Baron y al bajista Steve Swallow.
De la escena francesa al magnífico contrabajista Bruno Chevillon
y al por entonces joven pianista (todavía para algunos lo es)
Bojan Zulfikarpasic (antes de cambiar su nombre artístico por
el de Bojan Z). Completa el sexteto el trompetista Markus Stockhausen,
hijo del insigne compositor de música clásica contemporánea
Karlheinz Stockhausen.
El resultado está encuadrado dentro de lo que muchos identifican
como Jazz Europeo, representado por piezas como Lion's Dream, Solitudes,
Embrouille, Next y especialmente la magnífica Mutinerie. A lo
largo de sus casi nueve minutos de duración es una muestra más
que eficaz de composición, arreglos y espacio para los solos.
Sin embargo esa etiqueta queda corta a la hora de calificar esta grabación,
puesto que su contenido es más variado que el tan manido tópico
del "Jazz Europeo". En Ida Lupino el grupo rinde homenaje
a la pianista y compositora americana Carla Bley. Eric Dolphy es homenajeado
en espíritu (que no en forma) en el tema que lleva por nombre
el apellido del insigne flautista y clarinetista bajo (instrumento que
predomina en el haber de Portal en esta grabación) americano.
Desde aquí un recuerdo y la recomendación de volver a
la música de este creador en el 40 aniversario de su desaparición
en aquel ya lejano 29 de junio de 1964 en Berlín. Para terminar
dejo la joya de la grabación: Barouf, la pieza que abre el disco.
Con sus aires étnicos, es una magnífica muestra de poder
al clarinete bajo de Portal y toda una leccíon en el uso de la
economía de medios por parte de Joey Baron, que en esta grabación
está especialmente afortunado.
José Francisco Tapiz
Varios Autores - Bop And Beyond (The Original Jazz Revolution) / Jazz After Dark (Relaxin In The Small Hours)
Be Bop And Beyond. Temas a nombre de Charlie Parker, Miles Davis, Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Stan Getz, Sonny Stitt, Kenny Dorham, Fats Navarro, J.J.Johnson, Hank Mobley, Hampton Hawes, Lee Morgan, Donald Byrd, Herbie Nichols, Cannonball Adderley, John Coltrane, Curtis Fuller, Art Blakey, Don Byas... Temas grabados entre 1944 y 1957.
Jazz After Dark. Temas a nombre de George Shearing, Kenny Burrell, Modern Jazz Quartet, Stan Getz, Kenny Clarke, Lester Young, Sarah Vaughn, Grant Green, Charlie Parker, Miles Davis, Jimmy Scott, Jon Hendricks, Dizzy Gillespie, Astrud Gilberto, Charlie Byrd, Erroll Garner, Cannonball Adderley... Temas grabados entre 1944 y 1990.
METROCD542 2 Compactos. Duración 2h15' aprox.
/ METROCD545 2 Compactos. Duración 2h15' aprox.
http://www.unionsquaremusic.co.uk Distribuído por Nuevos Medios.
Comentarios: Dos nuevos volúmenes, dobles, de
la serie de recopilatorios editada por los británicos del Metro
Doubles Label. Al contrario que los dedicados a Charlie Parker o Lester
Young, en esta ocasión el recorrido nos lleva en un caso a los
orígenes y evolución del Bop (el más interesante)
y en el otro al Jazz en su vertiente más tranquila.
Centrándonos en el dedicado al Bop, presente 32 temas. En primer
lugar aparece unos cuantos Clásicos pertenecientes a la época
en que el bop revolucionó la escena del Jazz a finales de los
años 40. Allí están algunos de los padrinos de
esta revolución (Bird, Dizzy, Bud Powell como acompañante,
J.J.Johnson o Fats Navarro). La grabación continúa con
algunas muestras de la música en que se transformó el
primigenio Be-Bop. Allí están algunos de los músicos
que continuarían con esta revolución (Dexter Gordon, Hank
Mobley, Lee Morgan, Cannnonball Adderley o John Coltrane) que extendiendo
los límites del lenguaje del Jazz, llegando aquí hasta
los sonidos del West Coast. Una recopilación bien interesante
que llega hasta los años 60, acompañada de un más
que notable libreto (explicando lo esencial de un modo breve y directo,
sin entrar en profundidades innecesarias) que incluye la lista completa
de todos los músicos implicados en esta grabación y las
fechas. Recomendable para los que quieran introducirse y conocer la
evolución del be-bop, con la revolución que supuso; y
también para los que conociendo esta música deseen tener
una buena recopilación.
Bajo el subtítulo de Relaxin' In The Small Hours, Jazz After
Dark recopila 36 temas con la excusa de las formas sofisticadas del
Jazz en los años 50, que a la hora de datar las grabaciones allí
incluídas llega hasta la década de los 90. El resultado,
aún recogiendo grandes momentos, resulta menos interesante que
el recorrido del volumen anterior debido a su dispersión estilística
y cronológica. Acompañado de un equilibrado libreto con
toda la información necesaria sobre los músicos y explicaciones
sobre las piezas, da por resultado un recopilatorio correcto. Un vistazo
a los momentos más tranquilos en algunas (que no todas) las épocas
más convulsas en la historia del Jazz.
José Francisco Tapiz
Ground Truther ( Bobby Previte & Charlie Hunter ) + Special Guest Greg Osby - Latitude
Editado por Thirsty Ear
Comentario: El anterior disco de
este dúo atípico, Charlie Hunter con su guitarra de 8
cuerdas y Bobby Previte a la batería y percusiones electrónicas,
el "Come In Red Dog, This Is Tango Leader" publicado por Ropeadope
el año pasado, ya era interesantísimo: el guitarrista
joven groovy por excelencia, y el batería ya clásico del
Downtown neoyorquino ( junto con Joey Baron ), haciendo una música
que no se parecía nada a la de uno ni a la del otro, ni la que
nadie esperaría de la suma de los dos, en directo en el estudio,
Previte además con una batería electrónica en vez
de su kit acústico, y sin overdubs.
Si aquel sorprendía por lo inesperado, pues este más aún,
porque quien esperase aquí una segunda parte en aquella onda
de jazz electroacústico improvisado postindustrial, por divertirnos
intentando describirlo con adjetivos, se va a llevar otra sorpresa...distinta.
Hunter aquí si que destapa a veces su lado más groove,
pero sin perder el sonido ácido nada típico en él
que había descubierto en ese disco anterior. Previte se sienta
más a la batería acústica, pero utiliza algún
tipo de aparato electrónico con el que deforma su sonido...y
el de sus compinches. Y es que a Osby tamizado por Previte y sus cacharros
cuesta reconocerle...a veces ; otras es ese Osby con ese sonido ácido
y pleno a su vez, que aquí encaja perfectamente en este puzzle
de distintas músicas que han creado Hunter y Previte.
Distintas, pero con un claro sentido de unidad : el sonido general es
aún más postindustrial que en la anterior entrega, pero
además oscuro y angustioso, con una siniestra belleza que refleja
el carácter de la estética de esa extraña y oscura
pero bella urbe que es Nueva York, y los ritmos que Previte crea son
aquí más cercanos al Groove y al M-Base, las músicas
con las que relacionamos a sus dos interlocutores. A veces recuperan
aquel maravilloso sonido de la música creada a finales de los
ochenta y principios de los noventa por aquella gloriosa generación
de músicos del Downtown, ya maduros en aquellos años,
el sonido clásico de los discos de Tim Berne, Zorn, Frisell o
Herb Robertson, pero con esa frescura del nuevo sonido de estos años
posteriores a la Música Radical Judía de Zorn y al Hip
Hop más evolucionado, ese sonido de la música del siglo
XXI que tan bien y también aparece en discos como los que hace
actualmente Steve Coleman, que podría ser perfectamente el siguiente
invitado en una de las futuras entregas de este dúo.
De momento, sabemos que va a haber otras dos : una con DJ Logic y otra
con Steven Bernstein. Seguro que nos vuelven a sorprender. Y seguro
que son también el reflejo perfecto de esta música que
es auténtico Jazz contemporáneo del siglo XXI : en el
XX la música sonaba distinta, muy bien, pero distinta...eso sí,
exactamente igual que mucha que se hace ahora y nos quieren vender como
novedosa. Aunque uno escucha esto y luego parece que muchas otras cosas
huelen...a antiguo. Un disco apasionante...y ya no sé cuantos
van en este sello...apasionante. Atención porque va a haber gira
de este asunto en este próximo año, y es tremendo imaginarse
cómo pueden interpretar esta música estos tres pedazo
de creadores en directo : yo desde luego no me lo pienso perder, a ver
si no tengo que ir demasiado lejos.
Jorge LG
Christophe Marguet Sextet - Reflections / Innocent X - Haut/Bas
Christophe Marguet Sextet - Reflections
Músicos: Daunik Lazro (saxos
alto y barítono), Alain Vankenhove (trompeta y bugle), Michael
Massot (tuba), Olivier Benoit (guitarra), Philippe Deschepper (guitarra),
Christophe Marguet (batería)
Composiciones: City Roots 4:15 Cosmopolite 6:27 Run
5:06 Inside 3:48 Au-Dessus De La Ville 5:47 Mouvement 4:09 Marche /
Emergency 7:10 Vers L'oubli 4:39 Comédie 6:15
Todas las composiciones por Christophe Marguet
Duración: 47:46
Grabado entre el 28 y el 30 de octubre de 2002 en Studio Gil Evans,
Amiens, Francia. Editado en 2003.
Label Bleu LBLC 6652
Innocent X - Haut/Bas
Músicos: Pierre Fruchard (guitarra),
Etienne Bonhomme (batería), Cédric Leboeuf (guitarra)
Composiciones: Asphalte 4:20 Carne 5:45 Haut/Bas 8:44
In Vitro 4:48 Morose 6:39 Justice Limite 4:33 Premier Baiser 3:48 Oui,
Madame 5:24 Mylène 5:06
Todos los temas compuestos por Innocent X
Duración: 49:25
Grabado entre el 26 de nobiembre y el 1 de diciembre de 2001 en Studio
Gil Evans, Amiens, Francia. HDCD
Editado en 2002.
Label Bleu. LBLC 6630.
Comentario: En formación de sexteto poco usual
dos vientos, dos guitarras eléctricas y la rítmica formada
por tuba y batería el batería francés Christophe
Marguet presenta Reflections. En su desarrollo el batería alterna
temas cerrados en cuanto a composición y arreglos con piezas
abstractas y abiertas, incorporando diversas influencias. Por partes.
City Roots sería una de las composiciones de carácter
cerrado, con la guitarra marcando la melodía y estableciendo
unas interesantes relaciones entre trompeta y saxos por un lado y tuba
y batería por otro. Con sus ritmos funk, es una canción
nerviosa. Cosmopolite por el contrario es una composición abierta,
libre, abstracta. Como también lo son Inside, Mouvement o Vers
L'oubli. En el caso de esta última incorpora unas referencias
que pueden hacernos pensar en el noise-rock, del mismo modo que Run.
Interesante es la transición de Marche/Emergency. Tras un inicio
más bien abstracto, se va cerrando en cuanto a la composición
incorporando una serie de elementos casi étnicos.
Propuestas abiertas, que partiendo del Jazz incorporan diversos elementos
que logran una obra interesante y variada.
Curiosa es también la formación del trio Innocent X. Un
trio de dos guitarras y batería. A pesar de las aparentes limitaciones
que puede parecer a priori que esto represente, el resultado Haut/Bas
es bien interesante. Es habitual en muchos aficionados el haber llegado
al Jazz tras el vacío musical que representa la falta de sorpresa
e incentivos de unas grabaciones en el rock que a pesar de ser calificadas
como las últimas maravillas apenas aportan nada a la música
en la que se basan. Este es un disco recomendado especialmente para
aficionados al rock con los oídos abiertos a nuevas experiencias.
La música de este trio trae a la memoria la música de
grupos como Pearl Jam o Alice In Chains, fabricando unos ambientes densos,
oscuros, pesados, opresivos pero también atmosféricos.
Con una fuerte base en el rock, sin duda este es el disco que me hubiera
gustado haber escuchado en mi tránsito desde el Rock hasta el
Jazz.
José Francisco Tapiz
Derek Oleszkiewicz - Like A Dream
Músicos: Darek Oles (b), Brad
Mehldau (p), Chuck Manning (s), Larry Koonse (g), Mark Ferber (bat),
Adam Benjamin (p), Nate Wood (bat) y Bennie Maupin (st).
Grabado en diversas fechas entre los años 2000 y 2002, y diversas
ciudades.
Cryptogramophone CG 119
Comentario: Derek Oleszkiewicz es un músico
polaco que puede ser relativamente desconocido para los aficionados
españoles, pero que en Estados Unidos goza de reconocido prestigio
y reputación en la Costa Oeste. Ha participado en innumerables
sesiones de grabación y colaborado con músicos de la talla
de Pat Metheny, Bennie Maupin, John Abercrombie o el mismísimo
Charles Lloyd, así como ha formado parte del grupo Los Angeles
Jazz Quartet, de los cuales el desparecido sello Naxos Jazz publicó
dos interesantes trabajos, “Look to The East” en 1997 y “Conversation
Piece” en 1999.
Like a Dream resulta ser el primer trabajo como líder a nombre
del bajista, grabación que se ha prolongado en el tiempo, al
llevarse las grabaciones a lo largo de los años 2000 al 2002,
y aparecer publicadas finalmente en el presente año 2004. El
programa del CD se encuentra conformado por once temas originales del
propio Derek Oles y un único Standard “You Don´t Know What
Love Is”, así como la presencia de tres formaciones diferentes
que proporcionan consecuentemente sendos resultados en pos de una consecuencia
final común, la belleza a través de la música.
Uno de los atractivos de la presente grabación son las cinco
baladas interpretadas a dúo entre Derek Oles y el pianista Brad
Mehldau (formación donde Mehldau se encuentra cómodo a
tenor de las grabaciones que como músico acompañante existen
en el mercado discográfico del pianista, citar entre ellas los
dúos con su mujer, la cantante Fleurine, o el dúo con
el saxofonista Joel Frahm). La música de este dúo desprende
en todo momento belleza, pasión y lirismo por doquier, y en donde
la sensibilidad de Mehldau es desarrollada en todos sus posibilidades
a través de una técnica cuidada y sencilla, y ello mediante
la independencia de manos, permitiéndole el poder desarrollar
temas y líneas musicales independientes que acaban desembocando
en el argumento final de la composición. En otros temas, desarrolla
pequeñas acrobacias tanto con la mano derecha como con la mano
izquierda al modo de persecuciones del tema base de la composición
para desarrollar ideas musicales minimalistas repetidas en un constante
ir y venir de detalles sugerentes, ya sea de notas sueltas o acordes;
escúchese a modo de ejemplo el tema “Like a Dream”. Por el contrario
la compenetración con el líder de la sesión es
más que notable, al desarrollar Derek Oles un solos construidos
desde de la base del lirismo, con un sonido pulcro y bien desarrollado.
La segunda formación de este cedé (en cuarteto) incluye
a dos miembros del grupo Los Angeles Jazz Quartet, el saxofonista Chuck
Manning y el guitarrista Larry Koonse. De esta formación cabe
destacar al guitarrista y la labor desplegada en la balda “Precious
Moments”, en donde muestra un sonido cálido, extraordinariamente
sentimental y profundo, que hacen del mismo una pequeña miniatura
musical, no solo por parte del guitarrista sino también por el
resto de los integrantes de la formación.
El trabajo de Derek Oles cierra con cinco temas interpretados en formación
de trío o cuarteto, y con la presencia del conocido saxo tenor
Bennie Maupin en único tema, y que resulta ser otro de los momentos
culminantes de este proyecto. Maupin nos ofrece una lección de
saxo altamente rítmica y sonora, acompañado por una sección
no menos imponente al servicio de la música.
La música contenida en este disco debe de ser escuchada y deleitada
con calma y tranquilidad, y por supuesto en más de una audición.
Y los efectos de su escucha nos deben de seducir como si de un sueño
se tratara.
Juan Carlos Abelenda.
Varios Artistas - The Music Of Eric Von Essen Volume II
Músicos: Stacy Rowles (tr y flugelhorn),
Tom Garvin (p), Larry Koonse (g eléctrica), Tom Warrington (b),
Paul Kreibich (bat), Alan Broadbent (p), Putter Smith (b), Kendall Kay
(bat), Jeff Gauthier (violin), Nels Cline (guitarras), Michael Elizondo
(b), Alex Cline (bat y percussion), Alan Pasqua (p), Dave Carpenter
(b), Peter Erskine (bat), David Witham (p), Joel Hamilton (b)
Grabado en diversas fechas del año 1999.
Cryptogramophone CG 108
Comentario: Interesante el proyecto llevado a cabo
por el sello discográfico Cryptogramophone, al repasar la trayectoria
de Eric Von Essen, músico multiinstrumentista de extraordinario
talento (tocaba el bajo acústico, el piano, la armónica,
la guitarra, el chelo y las tablas). Músico totalmente desconocido
por los aficionados españoles, pero que disfrutaba de un gran
prestigio en la zona de la Costa Oeste de los Estados Unidos. Este proyecto
consta de tres volúmenes cada uno de ellos independientes, y
que fueron grabados a lo largo de seis meses tras el año y medio
transcurrido desde la prematura muerte de Von Essen a consecuencia de
un ataque de corazón.
Eric Von Essen nació en el año 1954 descendiente de padres
suecos y de la India del Este, se educó y creció en Estados
Unidos. Estudió música en UCLA, empezando a tocar el bajo
en dúo con el guitarrista Nels Cline, en 1979 creó el
grupo que le dio una gran fama y prestigio entre los músicos
de la West Coast, el Quartet Music, formación compuesta por el
propio Nels Cline, el baterista y percusionista Alex Cline y el violinista
Jeff Gauthier (todos ellos presentes en esta grabación). Sus
composiciones y grabaciones a dúo a cargo de bajo y piano con
Jimmy Rowles son de lo mejor de su legado jazzístico. A lo largo
de la carrera como músico freelance afincado en Los Angeles,
Von Essen tuvo la posibilidad de tocar y grabar con la flor y nata de
los músicos americanos, señalar entre ellos a modo de
ejemplo a Art Farmer, Frank Morgan, Tom Harrell, George Cables, Joe
LaBarbera, Billy Higgins y un largo etcétera.
La música que se desarrolla a lo largo del CD es en su totalidad
de Eric Von Essen y quiere dar a conocer la concepción musical
que llevo a cabo en vida, desplegando algunos de los grupos que creó
y en concreto el Quartet Music, en esta ocasión integrado por
los mismos músicos originales del grupo, pero con el sustituto
al bajo de Michel Elizondo. Este cuarteto desarrolla una mezcla de música
contemporánea, ligeras influencias de la música clásica
y aspectos improvisadores del jazz, que proporciona una concepción
musical sofisticada y elegante al oído.
Pero sin duda alguna si hay un claro protagonista en estas grabaciones,
es el piano (Eric Von Essen en su último período de vida
desplegó una gran actividad compositiva tanto para piano y bajo
como para cuarteto). A pesar de las diferentes formaciones que se observan
en la grabación (tríos, cuartetos y quintetos) la interacción
entre piano y bajo provocan los momentos más interesantes y ricos
musicalmente. Los temas interpretados por el trío compuesto por
Alan Broadbent al piano, Putter Smith al bajo y Kendall Kay a la batería,
son dignos de escucha, con un trío muy armónico especialmente
el piano, y con una sección rítmica compenetrada y atenta
a los desarrollos del piano.
Pero son los temas “Seule” y “Paulo´s Song” interpretados por
Alan Pascua al piano, Dave Carpenter al bajo y Peter Erskine a la batería,
donde la conjunción piano y bajo rallan en su mayor esplendor.
En el tema “Seule” la extraordinaria sensibilidad y profundidad que
conlleva la estructura interna del tema, provoca una fuerte sensación
de lirismo tanto por el piano (muy armónico en determinados pasajes)
como por el contrabajo, todo ello en un diálogo constante y fuertemente
emocional, que es culminado con un acompañamiento a la batería
por parte de Peter Erskine sencillamente exquisito.
Es una auténtica lástima que se deba de producir la desaparición
de un músico de la calidad de Eric Von Essen para que se pueda
conocer la música que desarrolló en vida. Esperemos que
estos compactos sirvan para que su música sea más conocida
y reconocida por parte de los aficionados. De obligada escucha.
Juan Carlos Abelenda.
Nicola Conte - Other Directions
Músicos: Gianlucla Petrella (tb),
Daniele Scannapieco (st), Fabrizio Bosso (tr y flugelhorn), Rosario
Giulani (sa), Till Bronner (tr y voces), Pietro Lussu (p), Pietro Ciancaglini
(b), Lorenzo Tucci (bat), Nicola Stilo (flauta), Pierpaolo Bisogno (bongos
y vibrafón), Nicola Conte (g), Cristina Zavalloni (Voces), Bembe
Segue (voces), Lucia Minetti (voces) y Lisa Bassenge (Voces)
Grabado en Febrero 2003 y Enero 2004.
Blue Note Records 4738192
Comentario: La escena del jazz italiano es sin duda
alguna una de las escenas jazzísticas en donde se puede encontrar
una gran cantidad de músicos, algunos de ellos muy buenos instrumentistas
que son prácticamente desconocidos por estas latitudes. Uno de
estos músicos es el guitarrista Nicola Conte, que se ha rodeado
de algunos de los músicos más importantes del panorama
jazzístico italiano, entre ellos el saxo alto Rosario Giulani,
el trompetista Fabrizio Bosso o el pianista Pietro Lussu, así
como otros instrumentistas ya reconocidos internacionalmente como el
trompetista y vocalista Till Bronner.
El último trabajo de Nicola Conte, quien se ha encargado de la
composición de la música y que ha escrito las letras de
las canciones, así como de la producción del trabajo,
nos presenta una grabación con claras reminiscencias a la época
del jazz de los años sesenta y setenta, en particular por la
concepción musical de los temas, así como de las letras
que son desarrolladas y de los ritmos que son desplegados.
En este trabajo se aprecia una excesiva producción en los temas,
así como un exceso en la utilización de las voces (diez
de los trece temas del compacto son cantados), dejando un escaso margen
para el lucimiento de los diversos instrumentistas que participan. Los
temas más abiertos del trabajo son reservados para la trompeta
de Fabrizio Bosso y en especial para el estupendo saxo alto de Rosario
Giulani, que proporcionan sin lugar a dudad los solos más atrevidos
e interesantes de la grabación; el tema que da título
al cedé, “Other Directions” es un claro ejemplo del jazz más
expansivo de Rosario Giulani.
A la excesiva y esmerada producción de Nicola Conte sin embargo
se percibe una clara falta de empaque musical, al ofrecer un producto
excesivamente suave y “light” en otros momentos, a pesar de la presencia
de algunos de los mejores músicos de la escena italiana del jazz,
que hubieran podido dar un mayor rendimiento. El cedé se deja
escuchar gracias a la domínate más “soft” pero hubiera
sido deseable un resultado un poco más atrevido a nivel musical.
Juan Carlos Abelenda.
The RH Factor ( Roy Hargrove ) - Strenght EP
Músicos: Roy Hragrove con Keith
Anderson, Jacques Schwartz-Bart, James Poyser, Bobby Sparks, Bernard
Wright, Spanky, Pino Palladino, Reggie Washington, Willie Jones III
y Jason JT Thomas + Invitados.
Verve / Universal
Comentario: Dos años y tres giras después
de "Hardgroove", el primer disco del grupo con el que Hargrove
intentaba fusionar el Jazz con el movimiento del Nu Soul o soul orgánico
de Erykah Badu, D'Angelo y compañía, aparece este EP con
seis nuevos temas del grupo. Las dos otras patas de aquel curioso animal,
el M-Base de Steve Coleman y sus compinches, y esa visión tan
espiritual...y espiritosa del Funk a través del Hip Hop, conectado
al primer proyecto a través de Me'Shell ( Ndégocèllo
), Q-Tip ( de A Tribe Called Quest ) y Common ( de Chicago...y del colectivo
"Soulquarians" del que también es miembro destacado
Roy Hargrove ), están aquí más presentes que en
el primer intento.
En aquel ya había momentos muy fuertes, sobre todo aquellos en
los que Me'Shell y Coleman aportaban la solidez de sus músicas,
tan conectadas entre sí ( ha habido años en que media
banda de cada uno era...la misma ), y este impresionante EP es un paso
más allá en aquella dirección tan bien apuntada.
La cosa empieza con un ritmo africano, más Ju-Ju que Afrobeat,
sobre el que los solos de los músicos son terribles, de ahí
se pasa a un tema que podría haber firmado hace ocho o nueve
años Coleman, pero con más miga incluída, y probando
una vez más lo estupendo que es el líder de los M-Base
explorando vías que luego siguen otros mientras él aterriza
en la siguiente. En la tercera aparece Renee Neufville, que cantaba
en la primera gira con ellos, pero la apariencia de una vuelta al terreno
más Soul de la primera entrega se disipa enseguida con un desarrollo
muy interesante con solos cruzados de el líder y un estupendo
Keith Anderson al tenor.
En la cuarta nos encontramos con otra vía que abrió Steve
Coleman, la de doblar uno o varios de los instrumentos de la banda,
a la manera de las bandas del periodo clásico del Funk, como
las de James Brown y sus dos baterías ( inspiración evidente
de los directos de esta banda de Hargrove ), en este caso con dos bajistas,
nada menos que Reggie Washington ( antiguo mienbro de...los Five Elements
de Coleman ) y Pino Palladino ( antiguo miembro de la banda de Erykah
Badu ), sobre Willie Jones conectando con su batería el Funk
original del "Listen Here" de Eddie Harris, con los ritmos
más actuales ( el mal llamado Drum & Bass ) que en realidad
son esos patrones Funk evolucionados.
Se cierra el asunto con una remezcla muy bailable de un tema del disco
anterior con Omar, el mejor representante del Nu Soul a este lado del
charco, y otra soberbia creación de este monstruo del House que
es el haitiano Joe Claussell al que los aficionados a la buena música
de baile de todo el mundo adoramos por la renovación que ha hecho
del estilo a partir de la mezcla con los ritmos de su tierra, ayudado
por dos de sus colegas habituales.
Evidentemente estos dos temas interesan menos al aficionado al Jazz,
aunque tampoco están nada mal, que los primeros, que es más
probable que determinen mejor la dirección de este proyecto de
Roy Hargrove. Esperemos que sea así, porque apunta bien...muy
bien.
Jorge LG
Alice Coltrane - Translinear Light
Músicos: Alice Coltrane
con Ravi y Oran Coltrane, Charlie Haden, James Genus, Jack DeJohnette,Jeff
"Tain" Watts y The Sai Anantam Ashram Singers.
Impulse/ Universal.
Comentario: La única vez que he podido preguntarle
algo a Bill Laswell fue en un foro en el que él participaba en
un turno de preguntas y respuestas, y lo único que se me ocurrió
después de lo recurrente que era el tema del Dub por parte de
los otros participantes, fue sobre el origen de su interés por
la música de la India y Pakistán. Pensaba que me contestaría
con los experimentos con música modal emprendidos por Miles y
Coltrane entre otros a finales de los cincuenta, pero no...su respuesta
fue rotunda : Alice Coltrane.
Me dejó estupefacto, porque a mí me pasó exactamente
igual. Había escuchado mucha música indú y de otras
zonas de Asia y Africa mucho antes, y conocía ya bastante bien
la música modal a través de Miles y Coltrane, e incluso
creo que compré en Londres con trece o catorce años el
"Indo-Jazz Suite" de Joe Harriott, el primer disco que intentaba
fusionar esas dos músicas, antes de conocer la música
de Alice Coltrane, pero cuando me enganché para siempre de la
música no occidental fue a través de los discos de esta
señora que empecé a coleccionar a finales de los setenta.
Siempre me ha parecido que nadie ha conseguido una música tan
profunda, lúcida e interesante al asomarse desde el mundo del
Jazz hacia el de las culturas del este...más incluso que Don
Cherry o Pharoah Sanders, puede que por esa inmensa espiritualidad de
Alice Coltrane tan afín a esos mundos que explora. Otra gente
ha conseguido cosas intersantes en estas mezclas, pero poca trasladar
esa esencia distinta de la música no occidental de manera tan
honesta a la nuestra.
Da igual que interprete un tema tradicional indú, el "Sita
Ram", que uno Gospel, "Walk With Me" o "This Train",
o el "Crescent" de su marido...la magia de su espiritualidad
es lo que da unidad a este y a cualquiera de sus discos, y da igual
que la acompañen antiguamente Pharoah u hoy día sus hijos,
con otros acompañantes de pasado ilustre...o futuro prometedor
: todos quedan tambien contagiados de ese espíritu.
No voy a comentar mucho de su técnica al piano, por ser esta
un instrumento más en sus manos para comunicar su mensaje a través
de la música tan particular que interpreta, técnica adaptada
perfectamente a esta función. Lo mismo se puede decir de sus
acompañantes, que parecen todos aceptar de manera natural que
aquí sí que lo importante es el fin, y no los medios.
Ahí está su magia : da igual también que dejase
de grabar hace veintiséis años, su música sigue
siendo igual...de buena. Porque no es música que se ha quedado
casi treinta años desfasada, ni siquiera es que se adelantase
entonces casi treinta...es que es eterna.
Y preciosa, y densa...y profunda. Quien solo veía a Alice Coltrane
como "la viuda de" es que estaba ciego. Y quien la siga viendo
igual es que está sordo...o algo peor.
Peter Brötzmann - Berlin Djungle
Músicos: Toshinori Kondo
(trompeta), Johannes Bauer (trombón), Alan Tomlinson (trombón),
Peter Brötzmann (clarinete, saxo tenor, tarogato), Tony Coe (clarinete),
J. D. Parran (clarinete), E. L. Petrowsky (clarinete), Louis Sclavis
(clarinete, clarinete bajo), John Zorn (clarinete, mouthpieces), William
Parker (bajo), Tony Oxley (batería)
Composiciones: 1. What a day (first part) (24.18) 2.
What a day (second part) (23.13)
Compuesto por Peter Brötzmann
Grabado en directo en el JazzFest Berlin, el 4 de noviembre de 1984.
Reeditado por Atavistic en 2004. Unheard Music Series ALP/UMS246CD.
Comentario: Dentro de la interesante serie que bajo
el nombre de “Unheard Music Series” edita Atavistic, le llega el turno
de la reedición a uno de los “clasicos” FMP que grabó
Brötzmann en los años 80.
Lo mejor de Brötzmann es que ha manetenido su estilo sean cuales
fueran los tiempos, sus discos son siempre igual de comprometidos, él
es único, sus discos son capaces de derretir el hielo, y la energía
que muestra en cada uno de ellos parece inagotable.
Este proyecto (Brötzmann clarinet project) tuvo una corta vida,
ya que sólo conocemos esta referencia discográfica. A
pesar de tener hasta seis clarinetistas en el disco, el grupo se completa
con dos trombones y un trompetista adoptando una forma orquestal.
Músicalmente el disco se puede definir como un primer intento
en lo que Brötzmann realizó con mucho éxito años
después en su tenteto (ya que también en este, los saxos
son mayoría).
Como en la mayor parte de los discos FMP la grabación se ha desarrollado
en directo, en Berlín, y como consecuencia no es la mejor que
se podría esperar. Un único tema de unos 50 minutos, separado
en dos trozos imagino que por exigencias del vinilo. Desde el principio
casí susurrado por el propio Brötzmann, al que se van uniendo
voces de clarinetes, hasta la unión de todo el grupo con el apoyo
en una labor casí ritmica de los metales. A partir de ahí,
sucesión de solos que van desde la aparición en solo de
Louis Sclavis, que está fantástico, a los solos de bajo
y batería que van en el final de la segunda parte.
El grupo está formado por una mezcla de músicos americanos
y europeos, así como los habitualmente vinculados a Brötzmann
y los que son primerizos. Así hacen su aparición Zorn
o William Parker al lado de Kondo o Sclavis. Destacable también,
la aparición de músicos gravemente infravalorados como
J.D. Parran o Tony Coe.
Uno de los trabajos destacables de Brötzmann y un primer intento
de acercar su música al formato del tenteto.
Joaquín Villaverde
Michael Jefry Stevens & Michael Rabinowitz - Play
Músicos: Michael Jefry Stevens
(piano), Michael Rabinowiz (fagot)
Drimala Records DR04-347-03 http://www.drimala.com/
Comentario: El fagot es un instrumento
de viento construído en madera, con una lengüeta doble,
conocido por producir sonidos que en algunos de sus registros son semejantes
a la voz humana. En el Jazz y en la Música Improvisada su utilización
constituye una rareza relativa. Incluso en la música Clásica
no hay muchas obras escritas específicamente para este instrumento.
Entre las más conocidas hay composiciones de Mozart, Carl Maria
Von Weber, Stravinsky y Prokoprief (quizás Pedro y el Lobo sea
la más popular entre las obras en las que el fagot toma un papel
principal).
Además de Karen Borca y Lindsay Cooper, Michael Rabinowitz es
de los pocos instrumentistas en el Jazz y en la Música Improvisada
que tocan el fagot (bassoon). La unión musical de este fagotista
con el brillante pianista Michael Jefry Stevens que tiene lugar en esta
seción reciente para la editora norteamericana Drimala, titulada
Play, viene de lejos. Data de principios de los años 90 en el
Mosaic Sextet con Joe Fonda, Dave Douglas, Mark Feldman y Harvey Sorgen.
Fue en Mosaic dónde ambos artistas iniciaron una interesante
colaboración, en dónde mostraron sus cartas y jugaron
partidas de improvisación colectiva con buenos resultados, evidenciando
desde el principio la existencia de un entendimiento perfecto entre
unas personalidades musicales afines.
PLAY refleja la saciedad de ese profundo conocimiento mutuo y total
empatía musical. Editado en 2004, aunque grabado en 2002, la
obra continúa con el desafío que el productor Philip R.
Egert (Drimala) se propuso, de encaminar por la edición de una
serie de dúos otras tantas ocasiones de mostrar proyectos estética
y musicalmente arriesgados. Es pues, una nueva oportunidad de colocar
frente a frente a dos grandes creadores, sin otro objetivo que tocar
música de creación espontánea, misteriosa y rica
en la abundancia y diversidad de detalles, con una complejidad e intensidad
tales al nivel de la sintaxis, que hacen que con su organización
formal, en apariencia, se aproxime menos a la improvisación que
a las típicas composiciones de cámara.
Escuchados los 14 temas que integran el disco, 11 dúos y tres
solos, 2 de Stevens y 1 de Rabinowitz (los temas 3, 10 y 7 respectivamente),
queda en evidencia la manera particularmente afortunada en cómo
las voces de los dos instrumentos se combinan y articulan; se puede
aprehender la elegancia del trazo fino y la nitidez del diseño
de las figuras; la extraordinaria paleta de colores y formas; el equilibrio
de la dinámica; el uso hábil de las luces, sombra y penumbra
–se asiste al proceso alquimístico de fusión de todos
los elementos en una unión homogénea que diluye por completo
las fronteras entre lo que es la organización previa y la creación
en el momento.
En PLAY, una producción de gran madurez estética, Michael
Jefry Stevens y Michael Rabinowitz, maestros absolutos en sus respectivos
instrumentos, crean y transmiten musicalmente todo tipo de estados del
alma, en un espectro emocional que va de la tempestad a la bonanza por
medio de una comunicación musical absolutamente propia, a pesar
de la complejidad en su tesitura y exposición, sin comprometer
la facilidad de acceso por parte de los diferentes públicos interesados
por el Jazz – Improvisación y por la música clásica.
Eduardo Chagas
JOAN SANMARTÍ – Otras Canciones
Composiciones: Il mío
canto libero; La fiesta de Blas; Let It Be; Eva María; Clair;
Un sorbito de Champagne; La escoba; The Little Drummer; Los ejes de
mi carreta; Santa Lucía
Músicos: Joan Sanmartí (guitarra eléctrica),
Carles Benavent (bajo eléctrico), David Xirgú (batería,
percusión).
Invitados: Ignasi Zamora (bajo eléctrico), Matthew
L. Simon (fliscorno), Esteve Narvona (corneta), Sergi Vergés
(trombón bajo, tuba), Xavier Figuerola (clarinete bajo)
Grabado en Beat a Bit Studios (Barcelona), Junio 2000 y en estudio casero,
Abril 2003.
SJR CD00059J
Comentario: No nos cansamos de decirlo. El jazz no
tiene fronteras. Parafraseando a Bill Evans, al ser proceso y no estilo
es capaz de asimilar cualquier concepto, timbre, formación u
origen, dando lugar a todo tipo de estructuras sonoras basadas en las
ideas más impensables. Dentro de esta categoría encontramos
aquellos discos de versiones de diversos estilos bajo el prisma jazzístico.
Hemos escuchado proyectos sobre música clásica, étnica,
rock, versiones de los Beatles, música tradicional española
(esos fabulosos discos de Chema Sáiz) y, en esta ocasión,
el catalán Joan Sanmartí da un nuevo paso adelante y nos
presenta Otras Canciones, temas pop de los años 60 y 70. Canciones
de guateque, de película de José Luis López Vázquez,
pasadas por el tamiz del jazz, arregladas con gusto y estilo.
Para tan ardua labor el de Manresa parte de una formación de
trío en la que le apoyan un David Xirgú casi perfecto
y un Carles Benavent cuya actuación hace crecer enteros la cotización
del disco. En algunos temas, además, los arreglos se complican
debido a la presencia de una sección de viento que aporta variedad
al devenir de la obra.
Sanmartí, como guitarrista, ha demostrado evolución a
lo largo de los años, y aquí se torna incisivo y atrevido.
Los temas, algunos más reconocibles que otros, forman un conjunto
cuando menos divertido. Comienza el CD con una bonita versión
de Il mio canto libero. En el Let It Be de los Beatles aparecen los
mencionados vientos, al igual que en Un sorbito de Champagne y The Little
Drummer (para entendernos, El Tamborilero), creando el colchón
armónico necesario para dar algo de descanso al trío.
Eva María nos deja una interpretación de guitarra sola,
y en Clair encontramos a un Benavent fastuoso, sobrado de técnica,
lenguaje e identidad propia. Pero si algún tema destaca por encima
del resto, éste es sin duda La escoba, donde la aproximación
inicial deviene en un caos que fluye lenta y meditadamente hacia un
final bonito, elegante y arreglado donde el bajo dialoga con desparpajo
con la melodía. Durante todo el disco se escucha un cierto aire
mediterráneo, similar al que desprenden las grabaciones de Ximo
Tébar, que se hace más patente en la pieza que cierra
el disco, el Santa Lucía que tan famoso hiciera Miguel Ríos.
Otras Canciones se trata de un disco curioso y muy interesante, del
que a buen seguro habrá muchas opiniones y no todas cercanas,
pero que sin duda guarda tras de sí un enorme y excelente trabajo.
Arturo Mora Rioja, 2004
Joe Lovano Wind Ensemble - WORLD
Portadas de las ediciones en Label Bleu
y Evidence de Worlds
Músicos: Joe Lovano (saxos soprano
y tenor), Bill Frisell (guitarra), Tim Hagans (trompeta), Paul Motian
(batería), Judi Silverman (soprano), Henri Texier (contrabajo),
Gary Valente (trombón)
Composiciones: Worlds: Worlds - Places 8:43, Round
Dance: Universal Languaje - Round Dance 9:48, Tafabalewa Square 12:19,
Two Hearts 7:10, Spririr Of The Night 9:29, Lutetia 2:51, Bosstown 6:20
Música compuesta y arreglada por Joe Lovano, salvo Two Hearts
(música Ken Werner). Letras compuestas por Judi Silverman.
Duración total 56:42
Grabado en directo en: Le Grand Théâtre de la Maison de
La Culture D'Amiens, 8ème FESTIVAL INTERNATIONAL DE JAZZ D'AMIENS,
el 5 de mayo de 1989. Publicado en 1990.
Label Bleu LBLC 6524
Comentario: Dentro de la amplia carrera de Joe Lovano,
con múltiples y variados proyectos, Words representa la primera
ocasión en que el saxofonista se presentó como compositor
y líder de un ensemble propio ante una gran audiencia. Para tal
ocasión el músico norteamericano compuso y arregló
en su totalidad el contenido del presente disco. Una grabación
brillante en su valoración conjunta. Al buen resultado final
aportaron su parte la composición y los brillantes arreglos,
así como la ejecución del ensemble, que dispuso de amplios
espacios para poder mostrar sus magníficas maneras.
Entre los integrantes del septeto están dos acompañantes
de lujo en conciertos y grabaciones de Lovano: el guitarrista Bill Frisell
y el ya por entonces veterano batería (todavía en activo
en 2004) Paul Motian. Es un placer de disfrutar del trabajo de ambos
tanto en el conjunto como a dúo (escúchese Round Dance).
Entre el resto destaca su esposa Judi Silverman (aka Judi Silvano),
magnífica a la voz soprano, utilizándola como un instrumento
más, tanto en su papel de solista destacada, como trabajando
con sus compañeros en los arreglos del ensemble. ¿Quién
más toca allí? El trompetista Tim Hagans, el trombonista
Gary Valente y el francés Henri Texier al contrabajo. Magníficos
los tres, como el resto de sus compañeros.
Entre las composiciones destacar la magnífica y animada Tafabalewa
Square, que a lo largo de sus doce minutos permite disfrutar de los
solos de los diferentes músicos. Igualmente destacan las dos
suites que abrían el concierto: Worlds y Round Dance. De cualquier
modo esta es una tarea un tanto inútil, dado el gran nivel general
de la obra.
Finalizo destacando que este es un más que recomendable disco
tanto para los admiradores del trabajo del saxofonista y los integrantes
de este Wind Ensemble, así como para los que disfrutan de ese
término tan difuso (como inútil en la explicación
del concepto musical) conocido como post-bop.
José Francisco Tapiz
Beñat Achiary - The Seven Circles: Dedicated To Peter Kowald
Músico: Beñat Achiary
(voz y percusión)
Composiciones: 1 L'Anti-Toi 2:36 2 - Pansori For Peter
10:57 3 - Chant D'Exil 7:02 4 - La Voie Lactée 1:38 5 - Pigalle
6:47 6 - Harvest Song (tracicional balear) 7:20 7 - Nuit Sans Sommeil
5:51 8 Héros-Limite 1:27 9 - Lullaby For Peter 3:17 10 - Fandango
1:12
Toda la música por Beñat Achiary, salvo dónde se
indica. Poesía de Héros-Limite por Gherasim Luca (1, 4,
8). Textos por Jon Mirande (5), Federico García Lorca (7), Josean
Artze (6)
Grabado en directo en Music Unilited XVI el 10 de noviembre de 2002
en Schlachthof Wells. Editado en 2004.
Free Music Productions FMP CD 128 http://www.fmp-label.de
Comentario: Beñat Achiary es uno de los mejores
vocalistas que hay ahora mismo en Europa trabajando dentro de la escena
de la Libre Improvisación. Así lo atestigua The Seven
Circles, grabación a voz sola y percusión, tomada el 10
de noviembre de 2002 en Alemania durante "Music Unlimited XVI".
Para quien no conozca a este cantante alguna referencia. Nacido y residente
en el suroeste de Francia, el País Vasco-Frances, su voz aparecía
en tres de los once temas del disco de Ramón López Song
Of The Spanish Civil War (Leo Records, 2000) y también en el
disco de duetos que el batería editaba en 2002 el sello británico,
realizando un homenaje al multisoplador Rahsaan Roland Kirk (Duets 2
Rahsaan). Ambas referencias más que interesantes. En el emotivo
homenaje a las víctimas de la Guerra Civil el vocalista (por
utilizar su voz, que es diferente que cantar) tenía un breve
papel como se ha señalado. Sin embargo en la presentación
en directo de este proyecto, que un servidor tuvo el placer de disfrutar
en la ciudad de Huesca, su figura no sólo pasó de ser
un participante anecdótico sino que se convirtió en uno
de los pilares fundamentales de ese concierto, en un nivel parejo al
del gran contrabajista Paul Rogers, al original trombonista y tocador
de artefactos sonoros Thierry Madiot y al del gran Ramón López
(no así con Elton Dean, en un papel un tanto reservado en esta
ocasión). ¿Cuál fue el secreto para lograr tomar
un papel tan preponderante? Fundamentalmente una voz muy poderosa, con
una amplitud de registro más que notable y una imaginación
musical y creativa fuera de toda duda.
En la grabación aquí comentada, una difícil tarea
la de desarrollar un discurso creativo a base de la voz y diversos instrumentos
percusivos tradicionales de su cultura, en su discurso intercala textos
y poesía entre sus improvisaciones, desarrollando su discurso
en francés y en euskera, en dónde no faltan referencias
a la más pura tradición del jazz en forma de scat o la
cita literal al Freedom Now Suite, la grabación protesta de Max
Roach de los años 60, y por supuesto a la música y las
formas de cantar tradicionales de su tierra y cultura y a otros folklores
como la magnífica canción tradicional balear Harvest,
o Nuit Sans Sommeil con letra de Federico García Lorca o la pura
emoción de Chat D'exil. Como homenaje que es a Peter Kowald señalar
dos momentos sumamente emotivos. Casi al principio los diez minutos
de Pansori For Peter, entroncando su canto en la tradición de
la libre improvisación con el concepto tan amplio que encarnaba
el contrabajista de Wuppertal. Casi al final, la dulzura de la nana
para Peter, seguida por los aires tradicionales de Fandango. Bravo a
Beñat y a FMP (personalizado en el productor Jorst Gebers) por
atreverse a publicar en estos tiempos de arte vocal tan encauzado a
lo puramente a comercial y rompelistas una obra de tal nivel creativo,
emoción en estado puro.
José Francisco Tapiz
Alberto Pinton Quintet - The Visible / Dog Out / Alberto Pinton Clear Now - Terraferma / Alberto Pinton Clear Now - Common Intent
Alberto Pinton Clear Now - Common Intent
Músicos: Alberto Pinton (saxo barítono, clarinete, clarinete bajo, flauta alta), Kyle Gregory (trompeta, fliscorno, trompeta piccolo), Salvatore Maiore (contrabajo), Roberto Dani (batería)
Composiciones: 01.Improvisation IV/IV,
02.Basics, 03.Hope And Will [to Alessandro], 04.The Limits Of Communication
[a short reflection], 05.New Life [to my children], 06.Magnetism, 07.Urgency
[to Hamiet Bluiett], 08.Where We Live [to Marghera, my birthplace],
09.Improvisation III/IV, 10.Aspiring To [to Joe Viola, teacher, mentor;
a great human being], 11.C-Melody, 12.Quiet Space [a refuge, a resting
place to gather new strength], 13.What Next, 14.Further Reflections,
15.Improvisation I/IV
Todas las composiciones por Alberto Pinton, salvo 1, 9, 15 por Clear
Now.
Grabado en directo en estudio en Chiuppano Public Auditorium, Italia
el 14 de agosto de 2001.
Editado en 2001 por Mose Robie Music Productions.
m.m.p CD003 http://www.moserobie.com
Alberto Pinton Clear Now - Terraferma
Músicos: Alberto Pinton (saxo barítono, clarinete, clarinete bajo, flauta alta), Kyle Gregory (trompeta, fliscorno, trompeta piccolo), Salvatore Maiore (contrabajo), Roberto Dani (batería)
Composiciones: 01.Paint My Heart I,
02.Marching Man, 03.Untitled, 04.Stoneface, 05.Fast Forward, 06.Variations
On A Ballad Theme, 07.One Of A Kind, 08.Dark Dèjá Vu,
09.Calm, 10.Fragment, 11.Open, 12.Paradox, 13.Canzone Per Max, 14.Paint
By Heart II
Todas las composiciones por Alberto Pinton, salvo 1 y 14 por Clear Now
y 13 por Roberto Dani.
Grabado en directo en estudio en Chiuppano Public Auditorium, Italia
el 6 de noviembre de 2002.
Editado en 2003 por Mose Robie Music Productions.
m.m.p CD008 http://www.moserobie.com
Dog Out
Músicos: Fredrik Nordström (saxos tenor y alto), Alberto Pinton (saxo barítono, clarinete y clarinete bajo), Mattias Welin (contrabajo), Jon Fält (batería)
Composiciones: 01.Cold Talk 02.Dog's Right 03.The Group 04.Piece of Change 05.The Tiny Mite 06.The Freezer 07.Numerology 08.Even Sven 09.TT Rider 10.Four Us Three 11.Wonderland Ballroom
1, 4, 5, 6, 8 y 9 compuestas por Fredrik Nordström.
2, 3, 7, 10 y 11 por Alberto Pinton.
Grabado el 10-11 de mayor en Kakelhuset, ¿Suecia?. Editado en
2003 por Mose Robie Music Productions.
m.m.p CD013 http://www.moserobie.com
Alberto Pinton Quintet - The Visible
Músicos: Alberto Pinton (saxos barítono y soprano, clarinete y clarinete bajo), Mats Äleklint (trombón), Matias Stahl (vibráfono, marimba), Torbjörn Zetteberg (contrabajo), Jon Fält (batería)
Composiciones: 01.Hammerhead, 02.Interference, 03.Days, 04.Structure #1, 05.Voices, 06.Traveller, 07.For Them, 08.Mirror For Contra-Alto Clarinet
Grabado en Sami, Estocolmo, Suecia directamente a un
dos pistas el 16 de abril de 2004. Editado en 2004 por Mose Robie Music
Productions.
m.m.p CD022 http://www.moserobie.com
Comentario: Alberto Pinton es un músico
italiano de 42 años residente en Suecia desde 1985. Inicialmente
atraido por el piano y la guitarra, no es hasta los 20 años cuando
decide cambiar al piano. Aprendiendo con profesores privados, tras unos
cursos de verano, en 1988, con 26 años es cuando acude a Berklee
en Boston. De vuelta a Estocolmo, da el salto a Nueva York en dónde
continúa estudiando, tocando y aprendiendo. De vuelta a Estocolmo,
no es hasta los 39 años cuando edita su primera obra, Common
Intent a nombre de Alberto Pinton Clear Now. Sin esperar tanto tiempo
a editar su continuación, los años 2002, 2003 y 2004 han
visto la edición de otras tres grabaciones más. La escucha
de estos discos ha supuesto una grata sorpresa. Musicalmente este saxofonista
y compositor se mueve en las coordenadas que marcan el Free-Jazz, el
Avant-Garde, la Libre Improvisación y el post-bop (por llamarlo
de alguna manera) que tan magníficamente desarrollan grupos como
el quinteto de David Holland o el también quinteto School Days.
Precisamente The Visible (a nombre de Alberto Pinton Quintet), la última
de las obras del saxofonista, es la que bebe de una manera más
clara del señalado Post-Bop. A los seguidores de los grupos citados
sin duda les resultará una obra de escucha más que agradable,
con un sonido muy familiar y con un carácter propio. De alguna
manera su música se podría situar estilísticamente
en un punto "más Free" que la música de David
Holland y "más Bop" que la de School Days. Una de las
sorpresas resulta el método de grabación, que es el "directly
to two tracks", económico supongo para un sello que uno
puede suponer sin grandes medios, pero con resultados eficaces y brillantes
para grupos bien empastados en el trabajo en directo. Si alguien los
puede llegar a ver tocar, se agradecería un comentario sobre
cómo suena el grupo en vivo. Uno podría apostar sin haberlos
visto tocar, que lo deben hacer magníficamente. Como muestras
el tema que abre el disco, con sus cambios de ritmo y el que lo cierra,
con el trabajo al clarinete. Dentro del alto nivel de las cuatro obras,
se podría decir que este es el trabajo más logrado en
cuanto a composición y arreglos.
Es de justicia resaltar una serie de características que aparecen
aquí y que son constantes en estas cuatro grabaciones. La primera
es una duración individual de aproximadamente 50 minutos, a pesar
de superar cada una de ellas las diez composiciones. Una duración
(insistiré una vez más), algo más que adecuada
para este tipo de obras, rehusando abusar de la posibilidad que da el
formato en cd para llegar hasta los 80 minutos. Suele suceder que los
efectos de estas duraciones a veces tan exageradas, en algún
caso son contraproducentes con el placer y el interés que la
escucha de obras con una duración más limitada producen.
Otra característica es el buen gusto en la composición
de Alberto Pinton, autor de prácticamente todos los temas, excepción
hecha en la mitad de Dog Out, en dónde comparte esta tarea con
el saxofonista Fredrik Nordström. Dicho sea de paso que este músico
no tiene nada que ver con el "mítico" Bengt "Frippe"
Nordström, adalid del Free-Jazz en Suecia. En tercer lugar y muy
importante, resaltar el más que notable nivel del saxofonista
italiano, en especial con el saxo barítono.
Continuando en sentido inverso cronológicamene aparece Dog Out.
Este es tanto el nombre del grupo como el título de la grabación.
Este cuarteto bebe de las fuentes del Free-Jazz clásico. Como
se ha comentado con anterioridad, el músico italiano comparte
las labores compositivas con el también saxofonista Fredrik Nordström.
El cuarteto se completa con Mattias Welin al contrabajo y Jon Fält
a la batería. De escucha obligada resultan Dog's Right (bonita
composición), The Group (magnífico Pinton al barítono)
o The Freezer (con un encuentro magnífico entre batería
y saxo).
Las dos obras siguientes estarían entroncadas con ese jazz contemporáneo
que bebe del Free Jazz, el Avant-Garde y se basa fuertemente en la improvisación
colectiva. Los componentes del cuarteto Clear Now son el trompetista
Kyle Gregory y los italianos Salvatore Maiore y Roberto Dani al contrabajo
y batería respectivamente. Con las estructuras más abiertas
de los cuatro discos, sorprende encontrarse en cada uno de estos discos
con quince composiciones, que exploran diferentes ambientes para disfrutar
de un magnífico trabajo de grupo. El trompetista Kyle Gregory
resulta un complemento ideal al trabajo de Alberto Pinton, apoyado por
la rítmica de Maiore y Dani. Buena muestra de ello son Paradox,
Marching Man, Stoneface, One Of a Kind, Urgency o C-Melodie, por citar
algunas.
Un saxofonista y compositor al que a pesar de no ser una joven estrella
emergente habrá que seguir con mucha atención en el futuro.
José Francisco Tapiz
Dave Burrell Full-Blown Trio - Expansion
Músicos:
Dave Burrell (piano), William Parker (kora, contrabajo), Andrew Cyrille
(batería).
High Two Recordings. Grabación en
Systems Two Studios, Brooklyn, New York, diciembre de 2003
Comentario: Un disco tremendo de
un trío tremendo. Los temas que tocan son casi todos de Burrell
y son variadísimos, incluso individualmente. En alguno hay pasajes
absolutamente distintos, desde lo más melódico o lo más
rítmico o hasta lo más disonante, strides o secuencias
de acordes casi bop junto a clusters o acordes casi modales...melódicamente
se inspira mucho en Ellington, y cuando en cambio sus temas tienen más
peso rítmico y armónico son como una evolución
muy lógica de la música de Monk hacia el free. Cuando
hace una música mas disonante suena como una versión más
melódica de Cecil Taylor, pero tampoco como Pullen...porque lo
que caracteriza a Burrell es que tiene siempre personalidad propia,
marcada pero contínuamente en mutación a la vez, como
compositor y como instrumentista.
La única versión es una en solo del líder de "They
Say It's Wonderful" de Irving Berlin, preciosa, en esa línea
Ellington-Monk-Taylor pero totalmente personal también.
Y sus acompañantes, teniendo en cuenta lo dicho en cuanto a la
posibilidad de mutar de estilo de este líder, es increíble
como resuelven la papeleta. Me arrepiento de lo que acabo de decir :
no resuelven la papeleta, lo que hace grande este disco es que esto
es un verdadero grupo, no un líder bien acompañado, y
tanto el omnipresente William Parker como Cyrille, que ya ha pasado
lides de este tipo con Don Pullen o Geri Allen entre otros muchos músicos
a los que ha acompañado a lo largo de su carrera, lo que hacen
es encontrar siempre la manera de encajar en el puzzle soberbio que
es la música de este inspirado trío de músicos
enormes.
Detalles hay muchísimos, esos ritmos marciales de Cyrille y su
perfecta conjunción con los temas monkianos del lider en los
cual Parker como siempre te deja con la boca abierta con las líneas
que crea detrás, momentos de belleza melódica indescriptible,
Parker de nuevo en un tema sustituyendo su contrabajo con una kora afinada
de manera extraña que suena casi como una guitarra...y otras
muchísimas cosas que voy descubriendo en esta maravilla con cada
escucha, que me lo hace parecer cada vez que lo escucho mejor disco
y más recomendable, por no decir indispensable.
Si os gustan las distintas y estupendas músicas de Andrew Hill,
Sonny Clark, Randy Weston,Cecil Taylor y Don Pullen, la menos conocida
de Dave Burrell os encantará, y este disco es probablemente la
mejor manera de entenderla que vais a encontrar en su discografía.
Realmente es un "Full-Blown" trío, y por seguir con
este idioma, este disco es un "must", o sea, que hay que tenerlo.
Jorge LG
Medeski, Martin & Wood - End Of The World Party ( Just In Case )
Músicos: MMW con Marc
Ribot, Steven Bernstein, Briggan Krauss y John King.
Blue Note / Capitol
Comentario: Bueno, pues aquí está, después
de la larga espera, el disco nuevo de Medeski, Martin y Wood, alimentada
la ansiedad de sus fans además con el cambio de productor : adiós
a Scotty Hard (Scott Harding), conocido para el gran público
por sus contribuciones al mundo de los Wu-Tang Clan, reyes del Hip Hop
oscuro, entre otras, y para otro público muy distinto por su
implicación en ese submundo tan interesante denominado "Crooklyn
Dub", o sea, todo el rollo illbient que pulula por la zona más
oscura de Brooklyn, en Nueva York, bajo la enorme sombra de Bill Laswell.
Y hola a John King, conocido por su trabajo como uno de los Dust Brothers
sobre todo para Beck, además de muchísima otra gente dentro
y fuera del pop a la que han aderezado su música con un dominio
probado de los sampleos y la cacharrería diversa de los estudios
más "in" de la costa oeste.
La cosa empieza como uno se temía, con un par de temas más
pop o mejor, dentro de lo clasificable como más fácil
y menos interesante del enorme espectro de la música que han
hecho hasta ahora los MMW, lo cual, sumado a unos fondos con sampleos
de voces y sintetizadores o programaciones con riffs muy poperos también...no
es muy buena combinación.
A quienes este grupo les parezca que a menudo caen en el groove "facilón"
éstos y otros temas les van a dar para hartarse de confirmar
su imagen del grupo, pero por suerte según el disco va hacia
adelante empiezan a aparecer otros menos "tocados" por John
King y más interesantes para los aficionados a ese aspecto más
denso y oscuro de su música que sigue estando ahí...en
parte.
Pero sólo en parte : hay temas muy buenos, con solos aceptables,
pero no para el listón que ellos mismos han elevado en sus anteriores
discos. Es como si el entorno que les ha creado King les impidiese llegar
a ese groove tan peculiar y minimalista donde sus improvisaciones crecen
y crecen...como ocurría con Scotty Hard.
Y es una pena, porque uno se imagina estos mismos temas, algunos de
los cuales tienen un enfoque muy nuevo e interesante, más abierto
a diversas formas de música provenientes de distintos lugares
del mundo, con ese "algo más" que tenía su trabajo
anterior y...se le hace la boca agua. Sólo hace falta como ejemplo
imaginar las contribuciones de Ribot que tan bien iban en los discos
anteriores, y aquí, fuera de ese ambiente Dub que se ha perdido,
parece un guitarrista cualquiera...y Ribot no es cualquiera. Ni Bernstein
ni Krauss tampoco lo son.
En resumen, una prueba de lo importantísima que es la figura
del productor en los discos, porque cuando menos se nota la presencia
del nuevo, mejor se pone la cosa, y en cambio, cuando más presente
está su influencia, como cuenta tan bien el refranero : mucho
ruido...y pocas nueces. Y mira que son capaces de hacer nueces cuando
quieren.
Jorge LG
Charlie Haden with Gonzalo Rubalcaba - La Tierra del Sol
Músicos: Ignacio Berroa,
Joe Lovano, Miguel Zenón, Michael Rodriguez, Oriente López,
Larry Koonse, Lionel Loueke y Juan "Chocolate" De La Cruz.
Verve / Gitanes / Universal.
Comentario: Segundas partes nunca fueron buenas : tras
el apabullante "Nocturne", en el que Haden, ayudado por Metheny
como productor, se zambullía con brillantez en el mundo de los
boleros, aquí está la aparente segunda entrega, sin Metheny,
con más presencia de Rubalcaba, que ayuda en la producción,
dedicada casi por entero a José Sabre Marroquín, un gran
autor del género, creador de "Nostalgia", "Añoranza"
o "Fuiste Tú" y muchos otros grandes boleros que aparecen
aquí junto a una estupenda versión de "Esta Tarde
Ví Llover" de Armando Manzanero y otra impresionante de
"Solamente Una Vez" de Agustín Lara.
Pero quien golpea primero golpea dos veces. Tal vez porque aquí
ya no está la sorpresa de comprobar cómo de bien encajaban
el sonido y los solos de Lovano con esta música, aunque aquí
también está muy acertado como solista, o el potente tenor
de David Sanchez, que en esta entrega ya no aparece, pero a pesar de
las contribuciones de todos los excelentes músicos que han sido
invitados, especialmente las del jovencísimo Rodriguez a la trompeta,
el excelente flautista Oriente López o, sobre todo, Miguel Zenón,
esa especie de maravilloso Lee Konitz latino que se acopla a esta música
como un guante, el resultado es muy bueno, muy bonito, pero no tan contundente
como el del disco anterior mencionado.
Y aún así...vaya versioncitas de además, esos pedazo
de "standards" que son los mejores boleros, de los que aquí
hay varias muestras, cuya enorme esencia da para que estos increíbles
músicos hagan maravillas, guiados por los dos líderes,
Charlie Haden con esa sobria pero tremenda presencia que hace que toda
su música suene a él siempre, por mucho que cambie radicalmente
de repertorio y de compañía, y Gonzalo Rubalcaba aquí
brillante como siempre pero además con una medida y una discreción
que no siempre se aplica.
Un disco perfecto para estas tardes maravillosas de sol otoñal
que estamos disfrutando en esta otra tierra del sol.
Jorge LG
Músicos: Jason Moran, Jack DeJohnette,
Ralph Alessi y Lonnie Plaxico.
Blue Note / Capitol
Comentario: Puede que sea por la biografía que
más me ha gustado últimamente, la de Lester Young, a quien
Byron aquí homenajea, escrita por Douglas Henry Daniels, pero
lo cierto es que este disco me encanta.
Byron siempre ha sabido navegar muy bien entre las músicas de
otro tiempo, modernizándolas casi sin pretenderlo con esa manera
tan suya de dar a todo un barniz de contemporaneidad asombroso : al
fin y al cabo, encarna junto a Jason Moran, que aquí le acompaña
al piano, ese tipo de nuevos intelectuales negros americanos que parecen
recoger en su obra toda la herencia desde el Renacimiento de Harlem
de los años veinte hasta las vanguardias de los sesenta o incluso
la cultura del Hip Hop en un todo lineal, compacto y sorprendente.
El caso es que en este disco de homenaje a Lester Young interpreta algunos
temas relacionados con la música de éste, standards en
su mayoría, acompañados de otros que aparentemente no
tienen nada que ver ( "Freddie Freeloader" y "In A Silent
Way" de Miles Davis ) y cuatro propios de gran diversidad, tocados
todos por el trío de Byron y Moran con un tremebundo DeJohnette
a la batería, más exagerado que nunca, aunque curiosamente
encaja en el asunto de manera perfecta. En tres temas se les suma el
cada día más lleno de swing Lonnie Plaxico, y en dos de
estos además aparece Ralph Alessi aportando ese sonido tan original
y distintivo que ya conocemos de, por ejemplo, sus colaboraciones con
Steve Coleman o el propio Plaxico.
Desde luego no es un homenaje al uso : Byron lo utiliza, como ha hecho
siempre con la diversa música que ha tocado, para transmitir
la suya propia, una amalgama de la historia de la música americana,
sobre todo pero no sólo la afroamericana. Toca más que
en otras ocasiones el clarinete bajo, pero sigue teniendo ese sonido
grueso y grave también con el otro clarinete. De Moran sólo
se pueden decir alabanzas, porque ese traslado estético de una
época a otra y de todas a través que hace Byron muy difícilmente
podría irle mejor a ningún otro de los grandes pianistas
que tenemos hoy día en activo, y aquí su manera de atacar
un solo por ejemplo en el stride más tradicional y acabarlo con
"clusters" disonantes a lo Cecil Taylor o Don Pullen, después
de pasajes muy Be Bop donde casi parece un estupendo Bud Powell, siempre
en cualquier orden pero con una arquitectura deslumbrante...parece idóneo
para la idea de Byron, que es como ya he dicho muy afín a la
de su propia música.
Y de DeJohnette...¿ que es puede decir ? Pues que a quien sólo
le guste cuando está comedido...aquí no lo va a encontrar,
pero hay que decir también que cuesta creer lo bien que queda
su "overdrumming" absolutamente excesivo en este trio.
Si otras veces hemos alucinado con lo que gana la música de algunos
de los anteriores proyectos de Don Byron en directo, no quiero ni imaginar
lo que puede llegar a ser este homenaje a aquellos tríos maravillosos
de Lester Young en sus primeras grabaciones, aunque con lo solicitados
que están sus aquí acompañantes, veo difícil
que veamos esto por nuestros festivales. Nos queda ponernos este estupendo
disco y soñar.
Jorge LG
Músico: Jean-Michel Pilc (piano
y silbidos ocasionales)
Composiciones: Follow Me (Pilc), Les Amants D'un Jour
(Senlis, Delecluse), St. Louis Blues (Handy), My Favourite Things (Hammerstein,
Rodgers), If I Should Loose You (Robin, Rainger), St. James Infirmary
(Mills), Happiness Seven (Pilc), One For My Baby (Arlen, Mercer), The
Racoon (Pilc), Autumn Leaves (Prevert, Kosma), Ain't Misbehavin' (Razaf,
Brooks, Waller), Beaver Dam (Pilc), Vous Qui Passez Sans Me Voir (Trenet,
Hess), B Minor Waltz (Evans), Oleo (Rollins), Les Compains D'Abord (Brassens,
Yvelin)
Duración aprox.: 60 minutos.
Grabado en Studio Ferber, Paris, el 2 y 3 de diciembre de 2003. Editado
en 2004.
Dreyfuss Jazz FDM 36665-2 http://www.dreyfusrecords.com
Comentario: Tras su trabajo del año pasado en
formato de trío y cuarteto (Cardinal Points, Dreyfuss Jazz),
el pianista francés Jean-Michel Pilc afronta en Follow Me, grabado
en diciembre de 2003, el tour de force que supone enfrentarse al piano
en solitario. A la soledad, con lo que implica musicalmente, se le añade
la dificultad de que parte de su repertorio pertenece a la memoria colectiva
de los aficionados al jazz. Entre esas piezas están Oleo (Sonny
Rollins), Autumn Leaves / Les Feuilles Mortes, My Favourite Things (el
aparentemente insulso vals inmortalizado por John Coltrane), St. Louis
Blues (Handy), la balada If I Should Loose You, St. James Infirmary
o Ain't Misbehavin (Fats Waller). Un repertorio que abarca un amplio
rango temporal y estilístico dentro de la historia del jazz.
George Brassens o Charles Trenet, pertenecientes a la categoría
de la música popular francesa se añaden al repertorio
del disco, que el pianista completa con cinco composiciones propias.
El resultado resulta interesante y atractivo. A pesar de su diversidad
y de las ideas prefijadas en la mente del aficionado (y de los músicos)
a la hora de tratar este repertorio tan trillado, el pianista es capaz
de aportarle su toque personal, en el que destacan la intensidad sonora
y su toque percusivo. Otro magnífico disco de este magnífico
pianista, habitual visitante de los escenarios españoles, en
noviembre de 2004 integrando la formación a nombre de su compañero
Ari Hoenig, a sumar a la cosecha de discos a piano solo editados en
2004 por Bojan Z. o Brad Mehldau.
José Francisco Tapiz
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