Ella Fitzgerald: Just One of Those Things. El documental. Por Juan F. Trillo [Película] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Juan F. Trillo.

  • Director: Leslie Woodhead
  • Productor: Reggie Nadelson.
  • Distribuidora: Eagle Rock Entertainment
  • Fecha: 2019
  • Duración: 89 minutos
  • Fecha de estreno: Pospuesta, por el momento.

La pandemia que barre todos los confines del planeta ha provocado que el estreno oficial del film Ella Fitzgerald: Just One of Those Things, previsto para el mes de abril, haya sido pospuesto indefinidamente.

El documental ha sido producido por la escritora y cineasta británica Reggie Nadelson, autora de la serie de novelas policiacas que tienen como protagonista al detective Artie Cohen, mientras que la dirección corre a cargo de Leslie Woodhead, otro británico que cuenta en su haber más de treinta documentales sobre temas y personajes muy diversos, desde Diana de Gales (Diana. The Day Britain Cried, 2017) hasta los Beatles (How the Beatles Rocked the Kremlin, 2009). La lista de los galardones que sus trabajos han obtenido es casi igualmente extensa y sugiere que la calidad de este sobre la cantante norteamericana será, al menos, digna.

Ella Fitzgerald: Just One of Those Things promete mostrar una imagen de la cantante “que el mundo nunca conoció”, incidiendo en su implicación en la lucha por los derechos civiles en una época en la que la segregación racial se extendía a buena parte de Norteamérica. Nos mostrará sus humildes comienzos y su infancia en distintos reformatorios de Harlem, en los años más duros de la Gran Depresión y cómo su aparición en el Amateur Night, el famoso concurso para principiantes del Teatro Apollo, cambió de manera decisiva el rumbo de su vida. El documental desvela también su faceta como madre y esposa, y las dificultades para compaginar su carrera musical con su vida familiar, dificultades insalvables en muchas ocasiones, que hicieron que artistas que la conocieron, como Oscar Peterson, dijesen de ella que era “la mujer más solitaria del mundo”.

En el plano artístico, Ella Fitzgerald, “La Primera Dama del Jazz” fue una figura de dimensiones monumentales. A lo largo de una carrera que se extendió durante casi seis décadas, obtuvo 13 premios Grammy y sus grabaciones vendieron más de 40 millones de copias. Se hizo a sí misma, lideró su propia banda (y no olvidemos de qué años estamos hablando) y llegó a codearse con los más grandes del momento, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie, Louis Armstrong o Benny Goodman. El director ha recurrido a imágenes hasta ahora inéditas y a nombres ilustres para dar testimonio de su talla y entre ellos encontramos, por ejemplo, los de Tony Bennett, Jamie Cullum, Smokey Robinson, André Previn, o el hijo de la cantante, Ray Brown, Jr.

Al inicio decíamos que “el estreno oficial” ha sido pospuesto, sin embargo, hay que mencionar que el productor hizo varios pases previos, a lo largo del año pasado, en festivales internacionales de jazz de diversas ciudades europeas, entre ellas las de Getxo (Getxo Jazz) y Donostia (Jazzaldia).

Por nuestra parte, y sin haber podido por el momento acceder al metraje completo del film, nos resulta imposible valorar el contenido, pero teniendo en cuenta quién es el personaje central, podemos estar (casi) seguros de que pasaremos un buen rato visionándolo, cuando por fin soplen mejores vientos y llegue a los canales de distribución habituales. Como sucedía con los documentales que hemos venido mencionando en semanas pasadas (Miles Davis: Birth of the Cool y Chasing Trane), en este caso el director cuenta con una banda sonora excepcional para acompañar a las imágenes y esto por sí solo es una garantía de que se meterá a la mayor parte del público, y a buena parte de la crítica, en el bolsillo. En un momento dado, a lo largo del film, Jamie Cullum declara algo con lo que todos coincidimos: “Su música es una de las razones por las que vale la pena estar en este planeta”. Con alguien así como material sobre el que trabajar, un director – sea quien sea – no tiene que esforzarse demasiado por hacerlo bien; basta con que no lo haga mal del todo, para que le salga una película más que aceptable.

Texto: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

 




Chasing Trane. John Coltrane, por la gracia de dios por Juan F. Trillo [Película] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Juan F. Trillo.

  • Dirección: John Scheinfeld
  • Producción: Meteor 17 Crew Neck Productions
  • Voz de John Coltrane: Denzel Washington
  • Fecha de estreno: Septiembre, 2016.

Parece que Netflix ha decidido apostar por el jazz en su programación, pues en apenas unos días ha incluido en su oferta dos documentales que muestran las vidas, méritos y ocasionales caídas de otros tantos gigantes del género, Miles Davis y John Coltrane.

El primero, Miles Davis: Birth of the Cool, lo visitábamos en Tomajazz hace muy poco y esta es la reseña del segundo, Chasing Trane, que guarda con el anterior tantas similitudes de formato que más de uno podría pensar que director y productores son los mismos en ambos casos. Sin embargo, no es así, pues en esta ocasión es John Scheinfeld quien lleva la batuta y Meteor 17 quien lo produce. Scheinfeld tiene una larga experiencia en documentales relacionados con la cultura popular en general y con la música en particular. Suyos fueron, por ejemplo, los films ¿Quién es Harry Nilson? (¿Y por qué todo el mundo está hablando de él?) (2010), Los Estados Unidos contra John Lennon (2006) o The Legendary Bing Crosby (2010), las dos primeras estrenadas en HBO, en su momento.

Scheinfeld se ha encargado en esta ocasión tanto de escribir el guion, como de la labor de dirección del documental, el primero autorizado, sobre el saxofonista John Coltrane, quien durante casi veinte años contribuyó a reformular el jazz que había venido haciéndose hasta mediados del siglo pasado. Inevitablemente, y el documental así lo muestra, Coltrane tuvo una estrecha relación con los mejores músicos de su generación, empezando por Charlie Parker, su primera y tal vez más importante influencia.

Por desgracia la música no fue lo único que aprendió de Parker y el joven saxo – poco más de 20 años, por aquel entonces – no tardó en engancharse a la aguja. Su adicción a la heroína estuvo a punto de dar al traste con su carrera musical cuando apenas estaba empezado, pero, afortunadamente, tuvo la fuerza de voluntad suficiente para salirse antes de que fuese demasiado tarde (y lo hizo a pelo, además, pasando el mono encerrado en casa). Como en muchos otros casos similares, Coltrane salió del pozo con una nueva y firme visión espiritual de la existencia, espiritualidad que impregnaría toda la música que produjo en lo sucesivo. Para él, abandonar la droga y renacer musical y religiosamente fue todo uno. Sonny Rollins: “Tenía un entendimiento muy profundo de mundos más allá de este. Era alguien que se inspiraba en el concepto del infinito”.

A partir de ahí, todo fueron hitos jazzísticos: su álbum Blue Train (1958), su participación en el mítico Kind of Blue (1959), con Miles Davis o su Giants Steps (1959), cuyo título hace justicia a la calidad de la música que incluye. Le quedaba por delante menos de una década de vida, antes de fallecer de cáncer de hígado; poco tiempo, pero suficiente para elaborar un material que influyó en varias generaciones de músicos que continuarían, en los años siguientes, explorando los caminos que él abrió por primera vez.

En Chasing Trane se incluyen los testimonios de músicos que le conocieron personalmente, como Sonny Rollins, Jimmy Heath, Carlos Santana o John Densmore (batería de The Doors). Aparecen, igualmente, amigos y familiares del saxofonista e incluso el ex presidente Bill Clinton, saxo tenor, en sus ratos libres.

Y, por cierto, también aquí un actor se ocupa de poner la voz al protagonista del documental. En este caso es Denzel Washington el elegido para hacerlo, quien, por cierto, tiene tanto parecido físico con el músico, que iría perfecto para encarnarlo, si alguna vez alguien se decide a filmar un biopic. Es una recomendación desinteresada que hacemos desde Tomajazz.

Texto: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

 




Miles Davis: Birth of the Cool. Miles Davis, el genio cabreado por Juan F. Trillo [Película] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Juan F. Trillo.

Miles Davis: Birth of the Cool

  • Dirección: Stanley Nelson.
  • Producción: Firelight Eagle Rock Films.
  • Voz de Miles Davis: Carl Lumbly
  • Fecha de estreno: Agosto de 2019.

Es elegante. Es hermoso. Es un genio. Es cool. Es un borde.

Es Miles Davis. O lo era. Lo fue. Fue todo eso durante los casi cincuenta años que se dedicó a crear buena parte de la mejor música que ha dado el género del jazz. Rompió las convenciones musicales del momento y cuando lo que había creado iba a convertirse a su vez en algo convencional, lo abandonaba y seguía avanzando.

Casi como era de esperar, fue una persona controvertida, y los adjetivos que se emplean para describirle como persona no suelen ser precisamente amables: asocial, arrogante, conflictivo, toxicómano… “Por momentos, la persona eclipsaba al músico. Le gustaban las mujeres, pero era un maltratador. Intelectual y junkie. Un buen amigo y un mal padre”, son palabras de Stanley Nelson, director del film documental Miles Davis: Birth of the Cool.

La película hizo su premiere en el Festival de Sundance a principios de 2019, llegó a los cines USA hacia el verano y ahora, desde hace unas semanas, Netflix la ofrece a sus abonados. Ha sido producida por Firelight Eagle Rock Films y fue nominada en la anterior edición de los Grammy en la categoría de “Mejor Film Musical”.

Nelson hace, en mi opinión, un excelente trabajo y se le nota que domina el oficio de la narración fílmica. Se trata de un experimentado cineasta, dedicado sobre todo a “explorar la experiencia Afroamericana” a lo largo de la historia, que ha logrado numerosos premios, incluidos 3 Emmys. Cierto que no ofrece en su documental técnicas especialmente novedosas – los bustos parlantes, son un recurso muy visto, por ejemplo – pero cumple su función mejor que bien. Las secuencias son ágiles y la narración en off de la supuesta voz del protagonista, a cargo del actor Carl Lumbly, resulta original y mantiene el interés a lo largo del film.

Otra cosa es el retrato que ofrece de Miles D. y ahí sí que podríamos estar discutiendo hasta que se termine la cuarentena. Nelson ha elegido un punto de ecuanimidad y ha intentado mostrar tanto al músico excepcional, como al ser humano lleno de imperfecciones. Tal vez pone el acento en lo primero, pero esto es algo comprensible; no se trata de un film de denuncia, sino todo lo contrario. Ha querido destacar los enormes logros musicales del trompetista, epítome del cool jazz, pero sin ocultar en absoluto sus deficiencias como ser humano.

La película no revelará nada nuevo a los amantes del jazz, pues todo lo que en ella aparece les resultará ya familiar. Sin embargo, estoy convencido de que incluso para ellos, dedicar casi dos horas a verla será lo suficientemente placentero como para que al terminar concluyan que ha merecido la pena. Y eso es lo mejor que se puede decir sobre Miles Davis: Birth of the Cool.

Texto: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

 




The Eddy. Jazz, París; ahora mismo. Por Juan F. Trillo [Serie]

Por Juan F. Trillo.

  • Miniserie, Netflix, 8 episodios.
  • Directores: Damien Chazelle, Houda Benyamina.
  • Creada y escrita: Jack Thorne, Rachel Del-Lahay y Rebecca Lenkiewicz, Hamid Hlioua, Phillip Howze.
  • Compositores: Glen Ballard, Randy Kerber.
  • Interpretación: André Holland, Joanna Kulig, Amandla Stenberg, Tahar Rahim y Leïla Bekhti

El jazz llega a Netflix. En unas pocas semanas, en el mes de abril, la cadena de cine en streaming Neflix ofrecerá el estreno de su flamante miniserie (8 capítulos) The Eddy. Ambientada en París, en la época actual, mostrará las desventuras de los protagonistas en torno a un club de jazz, “The Eddy”, en medio del ambiente multicultural de la capital francesa.

Los estudios Lagardere, de Atlantic Productions, han apostado fuerte por esta producción y se han asegurado de contar con nombres de prestigio reconocido que la avalen, empezando por el director Damien Chazelle. Su participación es una garantía que asegura un mínimo de calidad elevado, gracias a su experiencia en producciones cinematográfico-jazzisticas como La La Land (Oscar al Mejor Director, 2016), Whiplash (2014) o Guy and Madeline on a Park Bench (2009).  A pesar de que en un principio Chazelle iba a dirigir tan solo los dos primeros episodios, más tarde decidieron que se ocupase de la mitad (¿para qué arriesgarse?) y le encargaron el resto a Houda Benyamina, ganadora de la Cámara de Oro del Festival de Cannes, por la película Divine.

La serie es una creación de otro nombre prestigioso, Jack Thorne, quien en 2016 firmó los textos de la obra teatral Harry Potter y el legado maldito, a partir de una historia de J. K. Rowling. La firma de Thorne aparece en los ocho capítulos como guionista principal.

Y, atención, porque en la parte musical tenemos, por un lado, a Glen Ballard, músico y productor con una extensa lista de colaboraciones con artistas de la Clase Alfa (Ringo Starr, Michael Jackson, Alanis Morissette, Toto, Van Halen, The Corrs, Annie Lennox… lo dejo aquí; ya se hacen una idea) y Randy Kerber, a quien apenas se menciona en las notas de prensa, pero cuya carrera musical no tiene nada que envidiar a la de Ballard (colaboraciones con Michael Jackson, Frank Sinatra, Paul Anka, Leonard Cohen, Whitney Houston, Rod Stewart, B. B. King, Natalie Cole…). ¡Ah, sí! Y también enseñó a Ryan Gosling a fingir que sabía tocar el piano en La La Land y a mí, al menos, me dio el pego.

Por fin, los actores, todos ellos europeos: André Holland, Joanna Kulig, Amandla Stenberg, Tahar Rahim y Leïla Bekhti, en los principales papeles.

Si la serie tiene éxito, y con este equipo es algo casi seguro, en los próximos meses veremos más producciones con el jazz como tema central o, al menos, formando parte de la banda sonora.

The Eddy Official Teaser: https://youtu.be/c-9XFyZv7ks

Texto y fotografías: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

 




Born to Be Blue [Película]

Por Juan F. Trillo.

Born to Be Blue. Hola miedo.

Hola miedo. Hola muerte. ¡Que te follen!”. He aquí la filosofía de vida del músico jonkie – genial y heroinómano – Chet Baker, resumida en tres cortas frases y elemento central de la película Born to Be Blue (2015).

La cadena de televisión en streaming Netflix acaba de incluir en su oferta la cinta, rodada hace ya unos pocos años, que relata parte de la vida del famoso trompetista. Una historia que se presta a ser trasladada al cine como pocas: Chet Baker, el paradigma del artista maldito, el blanquito genial de la Costa Oeste, el James Dean del jazz. Se trata de una película de producción canadiense dirigida por Robert Budreau e interpretada en sus principales papeles por Ethan Hawke y Carmen Egogo, a partir de un guion del propio director.

El problema de las películas biográficas es que el espectador conoce el final. Así que el director tiene que concentrarse en contarnos la historia, que ya sabemos cómo termina, de forma atractiva y, en este caso, Budreau ha tirado de varios recursos fílmicos. El primero de ellos es una especie de meta narrativa que riza el rizo: Ethan Hawke interpreta a Chet Baker interpretándose a sí mismo en una película sobre su propia vida. Luego, las escenas en blanco y negro alternan con saltos temporales y espaciales entre Lucca, Italia (1966), New York City (1954) y Los Ángeles (1966). Budreau juega además la baza de la estética con la ayuda del excelente responsable de fotografía que hace un trabajo notable, lo que, sumado a una banda sonora de excepción (algo que en este caso se da por descontado), da como resultado una película con la que se disfruta durante las casi dos horas que dura.

En cuanto a la historia, se limita a contarnos un fragmento de la vida del protagonista (tomándose unas cuantas licencias), un lapso relativamente breve en el que Chet Baker acaba de dejar la droga, intenta mantenerse limpio, conservar una relación afectiva estable y relanzar su carrera volviendo a empezar desde lo más bajo, esto es, tocando en una pizzería por las propinas y trabajando en una gasolinera. Y está a punto de lograrlo; vuelve a grabar, vuelve a tocar en el Birdland de Nueva York, y consigue el aplauso de grandes como Dizzie Gillespie o Miles Davis (este último a regañadientes). Todo ello justo cuando vuelve a caer en la adicción, una vez más, y ésta ya para siempre. Pero, ¡eh, se trata de Chet Baker; lo tomas o lo dejas!

Ethan Hawke interpreta a un Chet Baker creíble (no tanto en las escenas en las que canta) apoyado por un excelente plantel de secundarios, para contarnos la historia de un músico al que no le hubiese venido mal seguir el consejo de su productor, Dick Bock, e intentar “ser feliz durante más de diez segundos seguidos”.

Texto y fotografías: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut




Sicily Jass (Michele Cinque. 2015) [DVD]

Sicily Jass. The World’s First Man In Jazz es una declaración de amor por el jazz. Esta cinta, a medio camino entre una película y un documental, narra la historia de Nick La Rocca, trompetista y líder de la Original Dixieland Jass Band, formación que tuvo el honor de realizar la primera grabación de jazz allá por 1917.

Sicily Jass va más allá del planteamiento de un documental. Sin perder su intención de contar una historia que comienza su desarrollo a partir de los orígenes del jazz, el relato se articula en torno a varios ejes. Las marionetas creadas por el artista Mimmo Cuticchio sirven para ir desarrollando la historia de La Rocca. A lo largo de la obra se van intercalando las imágenes actuales del pueblo abandonado de Sicilia del que provenían los padres de Nick La Rocca, en cuyas calles el trompetista Roy Pacci y el pianista Salvatore Bonafede recrean una música inspirada por la de la Original Dixieland Jazz Band. Imágenes actuales de Nueva Orleans nos hablan de algunas de las maneras en que la música que La Rocca ayudó a crear ha llegado a la actualidad. No podían faltar entrevistas actuales tanto a especialistas del jazz, como a los descendientes de los integrantes de la Original Dixieland Jass Band: ambos aportan sus puntos de vista históricos y personales – sentimentales. Como no podía ser de otro modo, distintas imágenes históricas, una entrevista inédita con La Rocca, publicaciones en prensa de la época y grabaciones de la música de la Original Dixieland Jass Band permiten hacerse una idea del impacto que este grupo tuvo en su época, y que incluso protagonizó el primer regreso de un grupo tras su disolución en la historia del jazz.

Todo ello da forma a la historia de un músico que tuvo sus momentos de gloria y también una amarga decadencia, pero que tal y como atestigua el CD incluido junto al DVD, influyó en algunos de los más grandes del jazz de la época, como Fletcher Henderson, Bix Beiberdecke, Frankie Trumbauer o el mismísimo Louis Armstrong.

TomajazzPachi Tapiz, 2018

Sicily Jass. The World’s First Man In Jazz
Dir. Michele Cinque (2015)
Con Roy Pacci, Salvatore Bonafede, Mimmo Cuticchio
Música original por Salvatore Bonafede
Goodfellas distr. por Karonte




Vivir en jazz por José Dos Santos [Documental]

Vivir en jazz. Por José Dos Santos (Editor jefe de D’Cuba Jazz)

Documental de la televisión cubana con motivo de la designación de La Habana como sede de la celebración del Día Internacional del Jazz.

La existencia del género llamado jazz comenzó hoy una nueva etapa de su desarrollo en Cuba con la difusión por el principal Canal Educativo cubano de un material realizado expresamente para adentrar a los estudiantes en los orígenes, la historia en nuestro país y el presente de esa música entre nosotros, con una virtual convocatoria a los jóvenes a asumirlo y seguir desarrollándolo.

Con guión, dirección y conducción de Araíz Torres del Llano, en poco menos de media hora se hizo un rápido paneo desde las primeras formas musicales que le dieron origen a la inserción de lo cubano en esa forma de sentir la música, como yo la defino.

El pianista de origen holandés Gerald Clayton aportó su visión sobre las razones para que en La Habana se celebre, el próximo día 30, el Día Internacional del Jazz. A esa opinión se sumaron testimonios de figuras relevantes locales, empezando por el Premio nacional de Música Bobby Carcassés, fundador del trascendente Festival Jazz Plaza.

A través de ellos el documental tuvo como hilo conductor el profundizar en las razones por las que se ama ese género de géneros, por su capacidad de asumir y asimilar las mas disímiles corrientes

Desde el baterista Enrique Plá, el saxofonista César López, el trompetista Robert García, el multiinstrumentista Javier Zalba y el bajista Jorge Reyes a la familia López-Nussa –Ernán, Ruy y Harold- y la tecladista y cantante Bellita Expósito, todos los participantes aportaron sus visiones sobre el arraigo y valor creativo de este género.

En tan poco tiempo para exponer una larga historia de acontecimientos y vidas vinculados a esa música es de elogiar la inserción de temas tan variados, que llevaron a mostrar a los Bailadores de Santa Amalia y hasta a darle crédito a uno de los fundadores del movimiento del jazz en Cuba, Armando Romeo, en voz de su sobrina y relevante artista Zenaidita Castro Romeu.

Los jóvenes con su criterio –Yasek Manzano, Harold López-Nussa y Camilo Moreira – dieron la mirada fresca y sus criterios al material que se disfrutó esta mañana y que, según anuncio previo, se repetirá mañana en similar horario.

Ello da mayor relevancia aún al hecho de haber ubicado este documental, auspiciado por la UNESCO en colaboración con la televisión cubana, en la programación que se trasmite como parte del sistema destinado a 11 mil centros de estudio del país, aunque es visible en todos los hogares.

Nunca antes, puedo asegurarlo al menos en nuestro país y desconozco si en algún otro lugar se ha hecho, el género ha tenido un tan vasto auditorio potencial por un medio de difusión público.

Y eso marca un antes y un después para el jazz en Cuba. Ratifica las razones por las que La Habana fue escogida por la UNESCO como sede del concierto central mundial por el Día Internacional del Jazz.

Texto: © José Dos Santos, 2017




Rova Channeling Coltrane: Electric Ascension (Rogue Art, 2016; CD+DVD+Blu-Ray)

Rova Channeling Coltrane_Electric Ascension_Rogue Art_2016Son ya varias las grabaciones en las que el cuarteto Rova ha realizado su aproximación a Ascension (Impulse!) de John Coltrane. Una obra que el saxofonista grabó en 1965 y que tiene su importancia por ser una de las primeras big band de Free Jazz. Allí participaron figuras esenciales en este movimiento como fueron aparte del propio cuarteto de Coltrane (con McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones), los saxofonistas Archie Shepp, Pharoah Sanders, Marion Brown y John Tchicai, además de Freddie Hubbard, Dewey Johnson y Art Davis. En 1996 se publicó John Coltrane’s Ascension: Rova’s 1995 Live Recording (Black Saint) interpretada por una formación amplia en la que estaban, entre otros, Dave Douglas, Raphe Malik o Glenn Spearman. En 2003 fue el turno de Electric Ascension (Atavistic, 2003) por Orkestrova, otra formación amplia. En 2016 se publica finalmente una nueva revisión a nombre de Rova Channeling Coltrane en la que además de los cuatro integrantes de la veterana formación de saxofonistas, están Nels Cline (sí, el guitarrista de Wilco), Hamid Drake, Fred Frith, Rob Mazurek, Ikue Mori, Jenny Scheinman, Carla Kihlstedt y Chris Brown. Los más de veinte años durante los que Rova ha ido reflexionando, reinterpretando y reinventando “Ascension” han conseguido que esta haya transmutado hasta convertirse en algo que sin dejar de ser lo que Coltrane y compañía grabaron en dos tomas allá por 1965, se ha transformado en algo totalmente distinto. En Electric Ascension suenan las cinco notas que en la grabación original daban paso a una música que a pesar de los años transcurridos sigue sin dejar indiferente a los oyentes, aunque aquí no lo hace como una hipótesis única a partir de la que desarrollar el discurso (tal y como sucedía en la grabación de Orkestrova mencionada), sino como un elemento más. En el desarrollo de la música se alcanzan algunos momentos de intensidad paroxística asimilables al free jazz, pero a su vez otros momentos más calmados abiertos al diálogo y también abiertos a la improvisación libre, así como pasajes que caminan con un magnífico groove.

Como complemento a la música, el DVD que incluye las imágenes del concierto incluye el documental Cleaning The Mirror de John Rogers en el que se recorre tanto la intrahistoria de esta grabación, como la importancia que Ascension ha tenido para los músicos protagonistas que aparecen en el documental.

© Pachi Tapiz, 2016

Rova Channeling Coltrane: Electric Ascension

Bruce Ackley (saxo soprano), Steve Adams (saxo alto), Larry Ochs (saxo tenor),  Jon Raskin (saxo barítono), Chris Brown (electrónica), Nels Cline (guitarra), Hamid Drake (batería), Fred Frith (bajo), Carla Kihlstedt (violín y electrónica), Rob Mazurek (corneta y electrónica), Ikue Mori (electrónica), Jenny Scheinman (violín), Marc Urselli (ingeniero de sonido)

“Electric Ascension” (partes 1 – 13) (John Coltrane)

Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival

Disco 1. CD: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival)
Disco 2. DVD: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival)/ Documental Cleaning The Mirror de John Rogers sobre la historia musical y el proceso creativo de Electric Ascension. Incluye imágenes y entrevistas con Nels Cline, Andrew Cyrille, Art Davis, Jason Kao Hwang, Eyvind Kang, Rova, Jenny Scheinman, y Elliot Sharp.
Disco 3. Blu-Ray: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival). HD, Dolby 5.1, sonido Surround




Martial Solal: Universolal (Rec.2015, JMS; CD+DVD)

Martial Solal_Universolal_JMS_CD-DVD_Recop.2015Universolal (JMS) recopila en su CD temas extraídos de los CD de Martial Solal Improvise pour France Musique grabado en solitario por el genial pianista entre los años 1993 y 1994, y de Triangle que fue grabado en formato de trío junto al contrabajista Marc Johnson y el baterista Peter Erskine en mayo de 1995. Los tres temas en solitario (todos ellos versiones) y los siete en formato de trío (junto a unos musculosos compañeros) sirven para mostrar el universo creativo de Solal, pues tanta novedad hay en sus composiciones propias, que en las imaginativas revisiones que realiza de temas clásicos, vengan estos del jazz (“Tea for Two”, “I Can’t Get Started”) o del tango (“La cumparsita”). No obstante y aunque el interés del recopilatorio hace que uno mire con hacerse inmediatamente con los CD Improvise pour France Musique y Triangle (el entendimiento con Johnson y Erskine es magnífico), lo más valioso de esta edición es el DVD inédito que allí se incluye. En él se puede escuchar y ver -cámara fija mediante puesto que es de suponer que inicialmente no estaba previsto publicar el concierto-, a Martial Solal en directo en poco más de media hora en abril de 2011 en uno de los auditorios de la Biblioteca del Congreso de Washington. Como suele ser habitual en sus conciertos en solitario (y tal y como comenta en la magnífica entrevista con Larry Appelbaum que se incluye en el DVD), éste está construido a base de clásicos de Monk y Ellington, así como de standars tan conocidos como “Lover Man”, “All The Things You Are”, “Body And Soul” o “I Got Rhythm”. Es decir, estamos ante una clase magistral en directo del pianista de cómo obtener nuevos detalles de unos temas archiconocidos, eso que llaman improvisación.

© Pachi Tapiz, 2016

Martial Solal: Universolal
CD: 1 “I Can’t Get Started” (Vernon Duke) 2 “Monostome”3 “Triangle” 4 “La cumparsita” (Matos Rodríguez) 5 “Isocele” 6 “Anatheme” 7 “A Night In Venezia” 8 “Viennoiserie” 9 “Tea For Two” (Vincent Youmans) 10 “Cygne d’Etang”
Todos los temas compuestos por Martial Solal salvo los indicados
Temas 1, 4, 9 extraídos del CD Martial Solal Improvise por France Musique (JMS). Martial Solal (piano). Grabado en el Studio 106 de Radio France.
Temas 2, 3, 5, 6, 7, 8, 10 extraídos del CD Martial Solal Triangle (JMS). Martial Solal (piano), Peter Erskine (batería), Marc Johnson (contrabajo). Grabado en mayo de 1995
DVD:
Música: “Round Midnight” (Thelonious Monk) “Ellington Medley: Prelude to a Kiss – In a Sentimental Mood – Caravan” (Duke Ellington, Juan Tizol) “Lover Man” (J. Davis, R. Ramirez, J. Sherman), “All The Things You Are” (Jérome Kern), “I Got Rhythm” (George Gershwin), “Body And Soul” (Johnny Green)
Martial Solal (piano). Grabado en abril de 2011 en Coolidge Auditorium, Biblioteca del Congreso, Washington.
Entrevista a Martial Solal realizada por Larry Appelbaum

CD recopilatorio – DVD inédito publicado en 2015 por JMS.




La música de LODLMA: Count Basie. Live In ’62 (Jazz Icons, 2006; DVD)

Count Basie_Live In '62_Jazz Icons_2006_DVDEl volumen que la serie Jazz Icons dedicó a Count Basie recoge un concierto grabado para la televisión sueca en el año 1962. En su orquesta se puede ver y escuchar a algunos nombres clásicos como Freddie Green, Frank Wess, Sonny Payne, Marshall Royall o Thad Jones, que aparecían en el célebre The Atomic Mr. Basie (que en la primera edición de los Premios Grammy consiguió tres galardones). El repertorio sirve para mostrar a la orquesta en pleno rendimiento -músicos en pie y situados al frente del grupo- tanto en las baladas, como en los tiempos medios y rápidos. El grupo era una máquina perfectamente engrasada, en el que todos los músicos rayaban a gran nivel. La cantante Irene Reid participó en la parte final del concierto, sobresaliente en el viejo “Back Water Blues”. El baterista Sonny Payne es quien se encargó de cerrar el concierto con un solo stricto sensu previo a que la orquesta al completo regresase para interpretar una breve versión de “One O’Clock Jump”. La realización, que fue alternando planos con distintos niveles de detalle, sirvió para enfatizar tanto el trabajo de la orquesta y sus secciones, como la labor individual de los músicos.

© Pachi Tapiz, 2016

Count Basie: Live In ’62 (Jazz Icons, 20016; DVD)
Count Basie (piano); Marshall Royal, Frank Wess (saxo alto); Eric Dixon, Frank Foster, Frank Wess (saxo tenor); Charlie Fowlkles (saxo barítono); Al Aarons, Sonny Cohn, Thad Jones, Snooky Young (trompeta); Henry Coker, Quentin Jackson, Benny Powell (trombón); Freddie Green (guitarra); Eddie Jones (contrabajo); Sonny Payne (batería); Irene Reid (voz)
“Easin’ It”, “You Are Too Beautiful”, “Corner Pocket”, “Stella By Starlight”, “Back To The Apple”, “I Needs To Be Bee’d With”, “I Got Rhythm”, “Back Water Blues”, “Alexander Ragtime’s Band”, “Old Man River”, “One O’Clock Jump”
Grabado en Suecia el 24 de abril de 1962. Publicado en 2006 por Jazz Icons.