Perico Sambeat Ensemble © Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat Ensemble Plays Zappa (Intruso Bar, Madrid. 2017-07-29) [Concierto]

  • Fecha: 29 de julio de 2017.
  • Lugar: Sala Intruso Bar, Madrid.
  • Componentes:
    Perico Sambeat Ensemble
    Perico Sambeat, saxos alto y soprano, y flauta
    Javier Vercher, saxo  tenor
    Voro García, trompeta
    Toni Belenguer, trombón.
    Santi Navalón, teclados.
    Iván Cebrián, guitarra.
    Julio Fuster, contrabajo y bajo eléctrico.
    Miquel Asensio “Rochet”, batería.

Perico Sambeat Ensemble © Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat Ensemble
© Sergio Cabanillas, 2017

Estaba previsto que el concierto se celebrara en el Bogui Jazz como parte de la programación de julio, pero este local ha tenido que iniciar unas obras de aclimatación y por tanto la actuación tuvo que ser trasladada hasta la sala Intruso Bar, ubicado en el mismo barrio de Chueca. En una calurosa tarde-noche típicamente madrileña ocho músicos valencianos se “acomodan” como pueden en un pequeño escenario, bajo la atenta mirada de un público ya peinando canas. Perico Sambeat Ensemble se dispone a presentar por primera vez en Madrid su proyecto dedicado íntegramente a la figura del polifacético Frank Zappa, compositor, guitarrista, cantante y sobre todo personaje revolucionario dentro del mundo de la música. Madrid era la última parada de una gira que les ha llevado a presentar el proyecto en varias salas del país.

El proyecto fue estrenado con éxito en noviembre de 2015 en la sala Jimmy Glass de Valencia bajo los auspicios de su programador y propietario, Chevi Martínez, en colaboración con el propio Perico Sambeat. Tras la confirmación del buen trabajo realizado llegó el disco que puede ser considerado como uno de los mejores del  2016.

Perico Sambeat © Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat
© Sergio Cabanillas, 2017

En su actuación el grupo interpretó los diez temas que forman parte del disco, sobre los cuales los músicos han estado trabajando duro y mucho tiempo, bajo la batuta de Perico Sambeat, ya muy curtido en la dirección de grandes y medianas bandas. Trabajo que tiene su plasmación en el directo de una forma arrolladora y que prácticamente te deja sin aliento.  Tal y como dejó claro Perico Sambeat se trata de un conjunto de temas de los más complejos de Frank Zappa. Ya el primero, “Zomby Woof”, supone toda una declaración de intenciones en la que queda evidente la capacidad de asimilación de la música de Zappa. La entrada  directa de Perico Sambeat al saxo alto y una base rítmica contundente, además del trombonista y  el guitarrista,  dejan patentes la calidad de la interpretación.

Voro García © Sergio Cabanillas, 2017

Voro García
© Sergio Cabanillas, 2017

Uno de los principales méritos de este octeto está en el gran trabajo realizado en los arreglos, y así en “It Must Be a Camel”, tras el inicio de  Voro García a la trompeta hay una fina orquestación del grupo rota por un solo de Perico al soprano y el primero de Javier Vercher en el tenor, al que le gusta meterse por territorios más libres. Iván Cebrián con sus aportaciones a la guitarra crea el contraste perfecto. “For Calvin”  es una pieza para mayor lucimiento de los cuatro metales, en especial de Toni Belenguer al trombón, que recoge el testigo  para realizar un solo improvisado de larga duración que prepara la tormenta sonora que viene a continuación.

Iván Cebrián © Sergio Cabanillas, 2017

Iván Cebrián
© Sergio Cabanillas, 2017

Para terminar el primer pase, el grupo eligió “Don´t You Ever Wash That Thing?” potente pieza en la que transpira el sentido del humor que solía poner Zappa con los metales decantándose hacia el “Swing”, para cambiar inmediatamente de registro.  Perico Sambeat  en su línea de calidad de siempre y  Javier Vercher hace un solo de escándalo. Tanto Iván Cebrián, como Santi Navalón a los teclados y Miquel Asensio “Rochet” trabajan como disciplinados acompañantes para crear otro tema redondo.

Santi Navalón © Sergio Cabanillas, 2017

Santi Navalón
© Sergio Cabanillas, 2017

Para comenzar el segundo pase, llega “Inca Roads”, donde Perico Sambeat a la flauta se recrea en el conocido comienzo del tema y rápidamente cambia de nuevo al  saxo alto con un  nuevo solo. La guitarra de  Iván Cebrián, la trompeta  de Voro García, con  Perico Sambeat y un solo de Santi Navalón  proporcionan la sonoridad precisa  para dar brillo al tema.

Toni Belenguer © Sergio Cabanillas, 2017

Toni Belenguer
© Sergio Cabanillas, 2017

Una de las piezas más complejas de la noche fue “The Eric Dolphy Memorial Barbecue”. Rodeada desde el comienzo con un cierto halo misterioso, las disonancias aportadas por los ocho músicos hacen que el tema entre por derroteros casi de libre improvisación.

Javier Vercher © Sergio Cabanillas, 2017

Javier Vercher
© Sergio Cabanillas, 2017

Otro de los momentos mejor arreglados y orquestados de la noche fue el doble tema Imaginary Diseases/Tink walks Amok”, donde volvió a brillar a gran altura Javier Vercher, que al principio fue arropado por una nueva base rítmica potente, para a continuación realizar un solo a “capella” de quitarse el sombrero. El trabajo de Perico Sambeat con sus solos con ecos para ensamblar la banda es digno de elogio.

Julio Fuster © Sergio Cabanillas, 2017

Julio Fuster
© Sergio Cabanillas, 2017

“I Promise not to Come in Your Mouth”, es una pieza melódica donde a modo de balada Voro García realiza un solo muy evocador, con unos magníficos arreglos de los que participan Santi Navalón en el sintetizador y Perico Sambeat en el saxo alto. El tema “A Pound for a Brown” mantiene un ritmo frenético desde el comienzo y a continuación se suceden los solos de los ocho instrumentistas para llegar hasta un final  apoteósico. El colofón del concierto vino de la mano del clásico “Peaches en Regalia”, quizá uno de los temas más comerciales de Zappa, pero también de una calidad indiscutible.

Miquel Asensio © Sergio Cabanillas, 2017

Miquel Asensio
© Sergio Cabanillas, 2017

Perico Sambeat Ensemble ha sabido ser fiel a la música caleidoscópica de Zappa, pero también ha dejado su sello personal en cada uno de los temas, siempre con unos grandes arreglos y una armonización sin precedentes en el panorama musical español. Un conciertazo.

Texto: © 2017 Carlos Lara
Fotografías: © 2017 Sergio Cabanillas

 

 




Los textos de LODLMA: Billie Holiday: Lady Sings The Blues. Memorias (Tusquets Editores, 1956)

Billie Holiday_Lady Sings The BluesDe todos es conocido que la vida personal de la gran Billie Holiday fue, cuando menos, azarosa. Su durísima infancia vino complementada por un éxito salpicado de cárcel y drogas, convirtiéndose en una de las leyendas negras del jazz.

Como es habitual tan peculiar bagaje ha devenido en no pocos tópicos. Aún sigue habiendo firmes convencidos de que la marginalidad que sufrieron no pocos músicos negros durante el pasado siglo fue una inagotable fuente de creatividad. Es en esos momentos donde merece la pena hacer referencia a las autobiografías, libros donde los propios músicos expresan la realidad que vivieron desde su propio punto de vista, desmontando preconcepciones y leyendas urbanas.

En este Lady Sings the Blues la Holiday retrata con crudeza los episodios más lamentables de su vida de forma paralela a su desarrollo como cantante. Consigue, de este modo, cumplir un doble objetivo: relata la cronología de su vida y plasma la América de la primera mitad del siglo XX. En cuanto al contenido hay que destacar el candor e inocencia de una Billie Holiday (originalmente Eleonora) que intenta durante todo el libro dar una imagen de mujer de fuerte personalidad, dueña de su destino y coherente en todas sus decisiones. Cuanto más trata de forjar ese icono más descubiertas quedan sus debilidades, y eso hace de ésta una obra, además de interesante, entrañable. Además encumbra aún más la enorme figura histórica de, para muchos, la mejor cantante de jazz de la historia.

Otro elemento a destacar es la excelente traducción de Iris Menéndez, siempre de agradecer cuando el texto original se encuentra plagado de argot, como suele ocurrir en las autobiografías de músicos afro-americanos.

© 2005 Arturo Mora Rioja

Lady Sings The BLues. Memorias
Autor: Billie Holiday & William F. Dufty (1956)
Editorial: Tusquets Editores

Publicado originalmente en http://www.tomajazz.com/web/?p=1405




La música de LODLMA. Tomajazz recomienda… un tema: “Bye, Bye Blues” por Count Basie

Count Basie Jam #3Norman Granz. Héroe para muchos, villano para unos cuantos. En cualquier caso, la caterva de aficionados al jazz le debemos unos cuántos momentos, discográficos para todos, en vivo para los más veteranos.

De los tres elepés de jams publicados originalmente (el segundo y tercero con la formación que detallaremos a continuación), es quizás el tercero el más atractivo, aunque sea sólo porque todos los temas de los dos primeros son blues, y el esquema I-IV-V-I cansa al más pintado. En Jam #3 el repertorio lo componen cuatro viejos standards, en los que los solistas tienen amplio espacio para explayarse, como corresponde a una buena jam.En su última etapa como productor se encargó de rescatar a viejas glorias. Con Count Basie, por ejemplo, produjo unos cuantos discos con su big band, pero son especialmente recordados los grabados con pequeñas formaciones, como sus dúos con el antitético Oscar Peterson, o las jam sessions.

“Bye, Bye Blues” es el tema que abre el disco y el recomendado en esta ocasión. Con solos, en orden de aparición, de Basie (piano), Eddie “Lockjaw” Davis (exuberante al tenor), Al Grey (trombón, con cita de “Moose the Mooch” incluida), Benny Carter (templando con elegancia al alto), Clark Terry (acariciando con su característico a la trompeta), Joe Pass (inmenso a la guitarra), Louie Bellson (batería) y John Heard (contrabajo).

El porqué de la recomendación es simple: el tema les salió redondo, de una esfericidad perfecta.

© Adolphus van Tenzing, 2010

Publicado originalmente en http://www.tomajazz.com/web/?p=1885




Cecil Taylor: Fly! Fly! Fly! Fly! Fly! / Live In The Black Forest (MPS; reed.digital 2016)

Cecil Taylor (1929) es un coloso del piano que lleva impartiendo su magisterio desde la década de los años 50 del pasado siglo. El sello MPS, continuando con la labor de reeditar su catálogo desde hace algo más de un año con entregas quincenales,  pone en circulación en formato digital, dos grabaciones de este pianista que son tan recomendables como la práctica totalidad de su discografía.

Cecil_Taylor-Fly_Fly_Fly_Fly_Fly_MPSEn Fly! Fly! Fly! Fly! Fly! encontramos a Cecil Taylor en una grabación a piano solo registrada en 1980 que como suele ser habitual en sus grabaciones a solo, nos muestra a Cecil dialogando – discutiendo – argumentando acaloradamente con Taylor. El resultado es una música física de un pianista que tiene dentro de sí a gran parte de la historia del jazz, cuya energía es capaz de traspasar el envoltorio, la frontera, que supone una grabación.

Cecil_Taylor-Cecil_Taylor_Live_in_the_Black_ForestEsa misma energía trans-formato es la que se encuentra en la otra grabación reeditada por MPS, el directo Live In The Black Forest grabado en Alemania Occidental en 1979 junto a sus habituales Jimmy LyonsSironeRon JacksonRaphe Malik, y Ramsey Ameen, y que en el LP original consistía en sendos temas (“The Eel Pot” y “Sperichill On Calling”) que ocupaban cada una de las caras de dicha grabación. Esta es una obra arquetípica de Taylor en directo en grupo, en la que encontramos tuttis sumamente libres y energéticos; diálogos intensos que en esta ocasión no son los soliloquios habituales en la grabaciones a solo de Taylor, sino que aquí los desarrollan con sus compañeros; solos a gran nivel; unos temas -que aunque se presentan como unas piezas únitas- están desarrollados estructurados a modo de pequeñas suites, que en directo y tal y como se aprecia en este directo, arrancaban los aplausos espontáneos de los asistentes a sus conciertos.

Fly! Fly! Fly! Fly! Fly! y Live In The Black Forest son dos grabaciones imprescindibles de un músico imprescindible e irrepetible.

© Pachi Tapiz, 2016

Escuchar Fly! Fly! Fly! Fly! Fly! y Live In The Black Forest en HDO (Hablando de oídas), el audioblog de Tomajazz editado, producido y presentado por Pachi Tapiz:

Cecil_Taylor-Cecil_Taylor_Live_in_the_Black_Forest Cecil_Taylor-Fly_Fly_Fly_Fly_Fly_MPS

Cecil Taylor: Fly! Fly! Fly! Fly! Fly! (MPS; 1981 reed. digital 2016)
Cecil Taylor (piano)
“T (Beautiful Young’n)”, “Astar”, “Ensaslayi”, “I (Sister Young’n)”, “Corn In Sun + T (Moon)”, “The Stele Stolen And Broken Is Reclaimed”, “N + R (Love Is “, “Rocks Sub Amba”
Grabado el 14 de septiembre de 1980 en MPS-Studio en Villingen, Black Forest, Alemania. Publicado en 1981 por MPS. Reeditado en formato digital por MPS en 2016.

Cecil Taylor: Live In The Black Forest (MPS; 1979 reed.digital 2016)
Jimmy Lyons (saxo alto), Raphe Malik (trompeta), Cecil Taylor (piano), Ramsey Ameen (violín), Sirone (contrabajo), Ron Jackson (batería)
“The Eel Pot”, “Sperichill On Calling”
Grabado en directo el 3 de junio de 1978 en SWF-Radio JazzConcert, Kirchzarten, Black Forest, Alemania Oriental. Publicado originalmente en 1979 por MPS. Reeditado en formato digital por MPS en 2016.




Tomajazz recomienda… un CD: Erroll Garner. The Complete Concert By The Sea (Columbia/Legacy, reed.2015; 3CD)

Erroll Garner_The Complete Concert By The Sea_Columbia - Legacy_reed.201560 años después de su grabación, se pone en circulación el concierto al completo a partir del que se publicó Concert By The Sea. Esta grabación de Erroll Garner es uno de los discos de jazz con mayores ventas a lo largo de la historia, en torno a un millón de copias entre 1956 -fecha de publicación-, y 1958. Inicialmente no estaba planificado grabar el concierto, que finalmente fue registrado por iniciativa de la manager de Garner, Martha Glaser. Garner al piano, Eddie Calhoun al contrabajo y Denzil Best a la batería dejan buena muestra del buen hacer del trío. Los once temas inéditos incluidos en la edición del concierto al completo muestran el virtuosismo de Garner, con una magnífica independencia de manos. El público aparece encantado con el trío a lo largo de todo el concierto -que aunque incluyó algunos temas de Garner, estuvo compuesto mayoritariamente por standards bien conocidos-. A lo largo del concierto se escucha a los asistentes aplaudir con entusiasmo en cuanto asomaban las notas que permitían adivinar el standard que el trío pasaría a interpretar. Como añadido al concierto al completo -en los dos primeros CD-, se incluye una entrevista de catorce minutos al grupo realizada tras el concierto, así como la grabación publicada originalmente, que integran el tercer CD de esta magnífica edición.

© Adolphus van Tenzing, 2016

Erroll GarnerThe Complete Concert By The Sea (Columbia / Legacy, 2015; 3CD)




Tomajazz recomienda… un tema: “Idle Moments” (Grant Green, 1963)

Grant Green_Idle Moments_Blue NotePocas veces el título de un tema encaja con las sensaciones que sugiere su interpretación como en este caso. Esos “Idle Moments”, esos momentos ociosos, vagos, holgazanes aparecen plasmados en un lienzo de quince minutos sobre el que pintan con desdén, parsimonia y mucho blues el guitarrista Grant Green y su cuadrilla, a saber: Joe Henderson al tenor, Duke Pearson al piano, Bobby Hutcherson al vibráfono y la sección rítmica compuesta por el contrabajista Bob Cranshaw y el batería Al Harewood. El pulso es constante, pero la atmósfera rezuma languidez. Los solos rebuscan caprichosos en un oasis de tiempo libre, estirado, cual reloj de Dalí. Es imposible escuchar este tema y no relajarse, abandonar la tarea en curso, mirar por la ventana y dejarse llevar. Una interpretación ideal para desaparecer. La música a veces tiene ese efecto.

© Adolphus van Tenzing, 2015

Grant Green: Idle Moments (Blue Note 84154)




Tomajazz recomienda… un CD: Chunky Pecan Pie (Karl Denson, 1995)

Karl Denson_Chunky Pecan PieConocido por su sonido ancho y poderoso, por su presencia en diversas bandas de funk y por sus giras con Lenny Kravitz, todavía hay quien ignora a Karl Denson como jazzman. Vaya para ellos esta recomendación. En Chunky Pecan Pie el californiano se atreve con el arriesgado formato de trío (extraordinariamente secundado, eso sí, por Dave Holland al contrabajo y Jack DeJohnette a la batería) y muestra su dominio del lenguaje a lo largo de seis originales con sabor a standard, a los que añade el “Fried Bananas” de Dexter Gordon (construido sobre la armonía de “It Could Happen to You”). Ya sea al tenor, el soprano o la flauta, Denson improvisa con soltura, dialoga orgánicamente con sus compañeros de viaje y firma un CD excelente. Completan el cuadro las colaboraciones puntuales de Gust Tsilis a la marimba y del también saxofonista Pee Wee Ellis.

© Adolphus van Tenzing, 2015

Karl Denson – Chunky Pecan Pie (Minor Music 801041)




Tomajazz recomienda… un CD: Alone with the Blues (Red Garland, 1960)

Red Garland_Alone_with_the_BluesEn los diccionarios, al lado de la definición del término “delicia” debería aparecer la portada de este álbum. O quizás directamente una foto de Red Garland. Pocos pianistas han sido capaces como él de ofrecer una música tan lírica, apacible, tintineante, y a la vez rebosante de blues, swing, lenguaje e intención. En este disco sin acompañamiento Garland se encuentra, como reza su título, solo con el blues. Y uno, cuando lo escucha, no puede evitar sentirse al lado del pianista. Yo mismo no he dejado de especular con la idea de que Red está acariciando las teclas del piano para mí, solamente para mí y para nadie más. Así de privada es la experiencia. Que no se entere nadie.

© Adolphus van Tenzing, 2015

Red Garland: Alone with the Blues (Moodsville 10)




Tomajazz recomienda… un CD: Duets (Richard Fairhust & John Taylor, 2015)

Richard Fairhurst - John Taylor_duets_BashoSe planteó como un homenaje a Kenny Wheeler, Pete Saberton y Bill Evans. Acabó siendo el lindo testamento de uno de los músicos más impresionantes del Viejo Continente: John Taylor. A dúo con Richard Fairhurst, también pianista y también inglés, aunque tres décadas más joven, Taylor nos regala sus últimos suspiros en forma de grabación. Una grabación que encuentra a ambos intérpretes comunicando (y comunicándose) con fluidez, tejiendo un manto de estrellas que se convierten en gotas de agua cristalina y tintinean al entrar en contacto con una superficie de infinitas texturas. A veces románticos, a veces alegres, ora melancólicos ora tan libres que las gotas se alinean en ángulos imposibles para volver a un estado de paz que, en el caso de John Taylor, ya es eterna.

© Adolphus van Tenzing, 2015

Richard Fairhurst & John Taylor: Duets (Basho 49-2)




Tomajazz recomienda… una frase: Johnny Griffin en “Rhythm-a-ning” (1958)

Thelonious In ActionLa cita es un recurso privilegiado dentro del imaginario de la improvisación jazzística. Saber incluir en un tema una referencia a otro es todo un arte. Muchos abusan de él, combinando célebres motivos de otras composiciones aprendidos de memoria con fraseos originales poco pulidos. Otros citan con demasiada obviedad, incluyendo en el solo de un blues la melodía de otro blues escrito, además, en el mismo tono. La brillantez llega cuando un jazzman es capaz de descontextualizar una secuencia de notas por completo, extrayéndola de su entorno inicial, y haciéndola funcionar como parte de la improvisación que está tejiendo en ese momento, sin repeticiones y apelando a la sorpresa del respetable. Eso es exactamente lo que consiguió el saxofonista Johnny Griffin al final de su solo sobre el rhythm changes(tema basado en la secuencia armónica de “I Got Rhythm”) “Rhythm-a-ning”. A las órdenes de Thelonious Monk, compositor de la pieza y líder de la sesión, Griffin acaba su solo bopero y encendido citando ni más ni menos que la marcha nupcial de Mendelssohn, para júbilo de los espectadores que presenciaban al cuarteto en el neoyorquino Spot Cafe. Qué bien que se grabó y ahora somos nosotros los que podemos sorprendernos.

© Adolphus van Tenzing, 2015

Thelonious Monk Quartet with Johnny Griffin: Thelonious in Action (Riverside 103-2)




Tomajazz recomienda… un tema: “Spain” (Chick Corea, 2013)

Chick Cora Trio_TrilogyLos van Tenzing siempre hemos tenido fama de huraños. La verdad es que generalmente prefiero pasar mis tardes en casa escuchando jazz en compañía de una copa de buen whisky escocés que enfrentarme al ajetreo de los locales públicos. No obstante hace un par de años la señora van Tenzing y yo nos desplazamos hasta el Auditorio Nacional de Madrid para disfrutar del último trío del pianista Chick Corea, ese en el que le acompañan Christian McBride al contrabajo y Brian Blade a la batería. La formación era soberbia y el enclave inmejorable. Aunque el sonido que llegaba a las butacas decepcionó (la acústica de los auditorios de música clásica a veces no funciona para otras músicas), el concierto fue inolvidable. Al final Corea hizo subir al escenario al flautista Jorge Pardo y al guitarrista flamenco Niño Josele. Como era de esperar, abordaron el mítico “Spain”, con formidable introducción de guitarra incluída. Y, como es habitual en los conciertos del pianista, antes de volver a la melodía final hizo cantar al público. Ahí estaba Chick dibujando pequeños motivos al piano y ahí estaba el respetable, matrimonio van Tenzing incluído, repitiendo las notas a coro. Manido, pero divertido al fin y al cabo.

Cuál sería mi sorpresa al descubrir que Corea estaba grabando esa actuación y que “Spain”, entre otros, formaría parte de su triple CD Trilogy. Cerrando el primer compacto aparece la introducción del Niño Josele, el arte de Jorge Pardo en cada nota que respira, la interpretación extraordinaria del trío… y el público, entre ellos un servidor, poniendo a trabajar sus cuerdas vocales al servicio del piano. Esto sí que no me lo esperaba: aparezco en un disco de Chick Corea. ¡He grabado con Chick Corea! Tengo que salir de casa más a menudo.

© Adolphus van Tenzing, 2015

Chick Corea: Trilogy (Universal 3031/3)




La música de LODLMA: Hard Time Blues 1927-1960 (Frémeaux & Associés, comp.2015; 2CD) [AKA Tomajazz Recomienda]

hard-time-blues-1927-1960El blues como música reivindicativa, dentro de sus posibilidades, es el leit-motiv del doble CD Hard Time Blues 1927-1960, que cuenta en su título con la coletilla “Political and Social Blues Against Racism at the Origin of the Civil Rights Movement“. Omitiendo el orden cronológico, la recopilación se estructura en distintos bloques temáticos que muestran que el blues estaba pegado a la cruda realidad del día a día en Estados Unidos. Entre estos aparecen la discriminación tanto en el ejército (a pesar de que los norteamericanos de cualquier color de piel fueron reclutados como combatientes en la segunda guerra mundial, no fue hasta 1948 cuando en el ejército se produjo la integración racial de los estadounidenses), como fuera de él: “Uncle Sam Says”, “Get Back”, “Jim Crow Blues”.También tienen su espacio la protesta contra el sistema judicial y penitenciario norteamericano, que era (y es) especialmente duro con la gente de color, así como los trabajos forzados en las cárceles que derivaban de las condenas: “There Is No Justice”, “Parchman Farm Blues”; la pobreza en general: “No Job Blues”, “Lonesome Cabin Blues”, “Pawnshop Blues”, “No Shoes”. Las catástrofes naturales, que obviamente tenían unos efectos especialmente devastadores en la parte más pobre de la población independientemente de su color de piel, fue temática de los blues: “Back Water Blues”, “When The Levee Breaks”. La crisis del 29 y la esperanza que supuso el New Deal del presidente Roosevelt (“Don’t Take Away my P.W.A.”*, “President Roosevelt”), así como también quejas sobre el resultado de este programa (“Warehouse Man Blues”) fue objeto de algunos blues. También se incluyen referencias políticas directas como ocurre en “Eisenhower’s Blues” (censurado por ser demasiado crítico con el presidente) o en “The Big Race” que hace referencia al triunfo de los demócratas sobre los republicanos en 1960, mientras que “The Alabama Bus” (1960) relata los hechos protagonizados por Rosa Parks en 1959; incluso surgen voces advirtiendo acerca de los peligros de las guerras: “Back To Corea Blues”, “Whe World Is In a Tanble” y especialmente “Crazy World”.

Las cuatro décadas que recorre la música sirve a su vez para mostrar distintas maneras de entender el blues, que parten de la austeridad (voz y guitarra) de Ramblin’ Thomas o John Lee Hooker, hasta llegar a la Ida Cox & Her All-Star Band en la que participaron músicos de la talla de Fletcher Henderson, Charlie Christian, Lionel Hampton o Hot Lips Page, entre otros. Entre medio quedan el pianismo virtuoso de Champion Jack Dupree, el magnífico dúo -guitarra y armónica- formado por Sonny Terry & Brownie McGhee, o una cierta aproximación al rhythm and blues de J.B. Lenoir y Herman Ray, así como algunos otros bluesmen esenciales como Big Bill Broonzy, Leadbelly o Sonny Boy Williamson. Magnífica esta recopilación que sirve para poner en valor el carácter reivindicativo del blues.

© Pachi Tapiz, 2015

Varios autores: Hard Time Blues 1927-1960. Political and Social Blues Against Racism at the Origin of the Civil Rights Movement (Doble CD) [Complemento sonoro a los capítulos 5, 6 y 7 dedicados al blues de La Odisea de la Música Afroamericana, programa editado, dirigido y presentado por Luis Escalante Ozalla]
Frémeaux & Associés, 2015

Nota: * P.W.A.: Public Works Administration




La música de LODLMA: Saga Blues Collection (AKA Tomajazz Recomienda…)

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Blues, blues, blues, blues y más blues en la Saga Blues Collection.
Fotografía realizada a la colección personal de Pachi Tapiz.
Todos los derechos reservados.

Como complemento a los tres programas dedicados en su integridad al blues, desde Tomajazz recomendamos la colección de 45 volúmenes Saga Blues Collection.

El sello francés Saga (distribuido en España por Karonte) publicó hace unos años una rotunda colección de 45 CD recopilatorios sencillos, disponibles individualmente, que se podían clasificar en dos tipos de grabaciones diferentes.

Por una parte estaban las dedicadas a un artista en particular. La colección se iniciaba con Leadbelly y seguía con Big Bill Broonzy y Blind Willie Johnson. Entre el resto de artistas que protagonizaban alguno de esos volúmenes estaban John Lee Hooker, B.B.King, Lightnin’ Hopinks, Muddy Waters, Elmore James, Sonny Boy Williamson, Howlin’ Wolf, o el dúo formado por Sonny Terry – Brownie McGhee (una debilidad personal)… Así hasta un total de 20 CD con otros tantos artistas indispensables.

La otra faceta presentaba recopilaciones temáticas en las que abundaban artistas que no por no merecer una grabación en exclusiva, no desmerecían aparecer en una de estas recopilaciones. Entre estas, otra debilidad personal, el volumen 43 titulado Blues Vs. Rock And Roll – Elvis Pays Tribute to the Blues es especialmente recomendable: su título lo dice todo, y habla a las claras de las fuentes del rock’n’roll. Es únicamente una mención, puesto que tanto este como los volúmenes dedicados a distintos instrumentos, ciudades, fuentes o estilos permiten descubrir al interesado en el blues en particular, y a la música en general, un buen puñado de joyas atemporales.

No se puede finalizar esta pequeña reseña sin mencionar a los culpables de estas recopilaciones, el equipo Saga Blues formado por Jean Buzelin, Sebastian Danchin, Gérard Herzhaft, Jean-Paul Levet, François Lê Xuân e Isabelle Marquis.

Texto y fotografía: © Pachi Tapiz, 2015




La música de LODLMA: The Rough Guide To Blues Legend: Charley Patton (World Music Network, 2013; CD)

the rough guide to blues legends_Charley PattonCharley Patton fue uno de los músicos sobre los que versó el sexto programa de La Odisea de la Música Afroamericana. En Tomajazz recomendamos The Rough Guide To Blues Legend: Charley Patton (World Music Network)

Charlie Patton se convirtió posiblemente en la primera gran estrella del blues rural y marcó un antes y un después en el estilo del blues del Delta del Mississippi. No solamente marcó las pautas a seguir desde un punto de vista musical sino que también señaló el comportamiento social típico de las personas que iban a dedicarse a eso del blues
Charlie Patton fue un libertino, un borracho, un glotón y un pendenciero. Para él no existió la vida familiar, ni ningún tipo de estabilidad. Evidentemente dio con sus huesos en la cárcel, casi le cortaron el cuello en una reyerta en un tugurio y, como dice la leyenda de los bluesmen, poseyó esa extraña facilidad de encontrarse siempre en el sitio equivocado justo en el momento equivocado.
La temática de sus letras no se limitó a relatar las consabidas historias de amor y de desamor (“It won’t be long” / “No tardaré mucho”), sino que en ellas aparecieron la muerte (“Poor me” / “Pobre de mí”), el sheriff que le encarceló (“High sheriff blues” / “El blues del sheriff”), el desbordamiento del río Mississippi de 1927 (“High water everywhere” / “Agua por todas partes”), las plagas de insectos que acababan con las cosechas del trigo y del algodón (“Mississippi bo weavil blues” / “El blues del picudo de Mississippi”) , las tabernas clandestinas de la época de La Prohibición (“Revenue man blues” / “El blues del recaudador”) y, por supuesto, los caminos que cruzaban de parte a parte el territorio del Mississippi (“Down the dirt road” / “Por la carretera polvorienta”).
© Luis Escalante Ozalla (Publicado en el libro Y se hace música al andar con swing)



Enrico Pieranunzi © Rigon

Enrico Pieranunzi & Vicente Parrilla Dúo- “Un sueño barroco”, Festival de Música Antigua de Sevilla (FEMAS) [Noticias]

Enrico Pieranunzi y Vicente Parrilla

El próximo 15 de marzo de 2015 dos músicos y dos instrumentos muy distintos compartirán escenario en el Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS). El programa, titulado Un sueño barroco, incluirá improvisaciones sobre obras desde el siglo 15 hasta el 18.

El pianista italiano Enrico Pieranunzi

Hace unos años escribí una entrevista imaginaria con Domenico Scarlatti (tenía lugar en Aranjuez, en 1750) donde le preguntaba en un momento dado qué pensaba él… del jazz. Le expliqué sintéticamente de qué se trataba y él me contestó que, si la cosa era tal como yo se la conté, ese “jazz” no era entonces algo tan diferente de la música que él mismo hacía. No es una idea demasiado extraña que Scarlatti y los otros grandes de la música barroca hayan sido unos músicos de jazz “adelantados”. Ralph Kirkpatrick, en su maravilloso y fundamental ensayo-biografía sobre Scarlatti, refleja la misma opinión. La clave del asunto está, naturalmente, en la práctica de la improvisación pero también en el hecho de tocar siempre (o casi) composiciones propias. Pero lo que más acerca dos épocas y dos mundos tan lejanos es la mentalidad de no considerar la partitura escrita como algo sagrado, inmóvil e inmutable, sino de abordarla como una fuente a la que nos acercamos para contar nuestra propia historia y para dar vida a un invento personal y a una forma de ese momento.

Esto es lo que intentaré hacer en el concierto de Sevilla del 15 de marzo próximo. Será un desafío nuevo para mí. Acostumbrado a tocar en formaciones de jazz de varios tipos (sobre todo tríos con contrabajo y batería, pero también cuartetos, quintetos, etc.), será la primera vez que tocaré al lado de una flauta barroca y de un gran especialista de este instrumento y de las músicas compuestas para ello como Vicente Parrilla. Para afrontar exitosamente este desafío no tendré otras herramientas que esa actitud mental, o sea la de dejarme llevar por el flujo de los sonidos y su misterio e intentar establecer con las flautas de Vicente esa relación muy física que es uno de los secretos (no muy secreto, en realidad, pero sí muy poco conocido) más importantes de quien toca jazz.

Estoy convencido de que nuestro encuentro será un “sueño” muy bello y que el público, una vez olvidadas las diferencias de épocas, géneros y estilos, asistirá a algo original, único y extremadamente adictivo.
Milagros de la improvisación, milagros… barrocos.
Enrico Pieranunzi

El flautista Vicente Parrilla

Si bien Pieranunzi ha demostrado ser un profundo conocedor de la obra de los autores barrocos incluidos en nuestro programa (Bach, Händel y Scarlatti), a los que ha dedicado dos interesantísimas grabaciones en las que no solo interpreta sus obras, sino que —como no podía ser de otra manera— improvisa sobre ellas, será ésta la primera vez que se acerque a los repertorios más antiguos seleccionados para este proyecto, que por su lejanía en el tiempo y características propias suelen resultar remotos y poco frecuentados incluso entre una gran parte de los propios intérpretes especializados en música antigua. Entre ellos, el antiguo cantus firmus del siglo 15 conocido como La Spagna, tantas veces usado en la época como estructura para la improvisación y para nuevas composiciones; o la famosísima canción renacentista Susanne ung jour de Orlando di Lasso, que con tanta frecuencia llamó la atención de los antiguos maestros, de los que se conservan numerosas versiones glosadas de la misma; o bien el bajo de la passacaglia, tan popular y tan usado en el siglo 17 como base melódico-armónica de tantas composiciones.
Vicente Parrilla

 




Excelente cosecha de jazz andaluz en 2014 (Parte 1ª). Por Jesús Gonzalo

Ha llevado su tiempo ofrecer este dossier sobre la producción andaluza que se publicó en disco en 2014, posiblemente el primero que se escribe en revistas digitales y puede que también en papel. La razón de que sea esta región la elegida y no otra se debe exclusivamente a que al ir juntando todas estas publicaciones advertimos, mes a mes, título a título, que la calidad y variedad de estos proyectos estaban lo suficientemente contrastadas como para dedicarles este señalado espacio. Debido a su extensión, hemos dividido la entrega en dos partes, llegando la suma total de títulos comentados, uno a uno, hasta doce.

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Descalzos…Los zapatos del grupo Gabacho Maroconnection tras recorrer la geografía española durante todo el año

Para que todos ellos coincidieran en un solo año se han dado ciertas condiciones o situaciones de las que se hace necesario dar unos apuntes. En apenas dos años, desde que salieron los destacados discos del guitarrista Carlos Bermudo en Dreams, Simetrías de Pedro Cortejosa o el último trabajo de Sindicato Ornette han cambiado algunas cosas…

Las asociaciones son la figura jurídica que adoptan la mayoría de las propuestas. Esta forma colectiva, en la que suelen sobresalir una o dos personas, se ha consolidado y prácticamente las ocho provincias andaluzas cuentan con una e incluso dos de ellas. Los objetivos fundamentales de estas asociaciones son ofrecer una programación continua y una plataforma formativa. Algunas llevan ambas iniciativas más allá para constituir una Big Band.

©Elena Márquez

Ivan González dirige a una orquesta de 40 músicos en un trabajo en forma de “conductions”  que reúne a improvisadores de la escena de Barcelona

Si la escena de Málaga es la que cuenta con mayor repercusión formativa, por nivel de profesorado y número de alumnos, aunque no cuente con una programación al mismo nivel, es la de Clasijazz de Almería, por volumen y variedad de estilos y disciplinas, la que ha conseguido consolidar un cartel único todo el año, moviéndose entre la ópera y la improvisación libre. Del lado de la formación y concierto internacional es el ciclo Jazz en Alahurín de la Torre (Málaga) con XI ediciones la cita más destacada. Mientras se extienden programaciones continuas por el resto de asociaciones, también éstas empezaron a organizar festivales, caso de la de Sevilla o el Jazzfest de Cádiz, que crece uniendo fuerzas entre dos asociaciones locales y ofreciendo un cartel dedicado a músicos españoles y andaluces. Mientras, en el festival de Málaga, se dio la oportunidad de estrenar dos proyectos pertenecientes a jóvenes músicos de la ciudad: José Carra y Ernesto Aurignac.

Ernesto Aurignac en la presentación en el Teatro Cervantes de Málaga de “UNO”, el proyecto más ambicioso del año

Para que se publiquen discos tiene que haber sellos discográficos. La creación en apenas año y medio de Blue Asteroid Records (fomentada desde el Jazz-Café Naima, cuyo cumpleaños aquí celebramos y cuya web estará pronto disponible) y Corleone hacen posible poner a disposición de los aficionados esta producción editorial. Los clubes como el citado Naima siguen siendo sedes de jazz en directo y de contacto con el público. Cierto es que los recursos de los que hablamos – siempre privados- son limitados. Sin estudios de grabación es complicado que las ideas se materialicen. Los hay y han aumentado su actividad. Destacaríamos dos, en el Palmar de Vejer (Cádiz) está el Trafalgar estudio y en Granada el FJR.

 

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Pedro Cortejosa, nombre clave del jazz andaluz, sigue siendo uno de los músicos más activos. El saxofonista  se unió al percusionista David León en el proyecto  cultural y discográfico Corleone

Espejo de una realidad basada en el esfuerzo personal y colectivo, en la autogestión y una ilusión no carente de tropiezos y obstáculos aún mayores en tiempo de crisis, este dossier toma el pulso de una creación en alza. Una realidad que contrasta con tiempos pasados de escenas más desperdigadas y menos nutridas pero que mantienen algo en común con un presente reforzado pero sin ayudas: no aparecen logotipos de organismos públicos alguno en las contraportadas de cada disco.

Seis primeros discos…

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Tomate, Trío y Cebolla: Canta a Bola de Nieve

Javier Galiana (voz y piano), Jose López (contrabajo) Juan Sainz (batería).
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Se dice que el Malecón de la capital cubana fue trasplantado del de Cádiz. Por más agradable sorpresa que sea este proyecto, más necesario es si cabe que aparezca en estos tiempos grises y desesperanzados Tomate Trío y Cebolla… “La Habana es Cádiz con más negritos, Cádiz La Habana con más salero…” Bola de Nieve (Guanabacoa, 1911) resucita en la “Tacita de plata” con todo su caudal expresivo. Se diría que en esta lectura más matizado por la ligereza y la alegría que por el arrebato melodramático de sus letras más apasionadas por el desamor.

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Sopla viento de levante en día soleado. Tomate, trío y Cebolla en Cádiz, con Javier Galiana, Juan Sainz y José López

No ha debido de ser sencillo trasladar a trío de jazz ese particular mundo de un entertainer “chic” de alta sociedad internacional pero de estirpe negra como Bola de Nieve. Ayuda, como nos cuenta Javier Galiana, humorado pianista y cantante que da réplica al personaje y aporta todos los arreglos, tener la impresión de “verle la cara cuando canto”… Y añade “no es cantar la melodía o los acordes, es meterse en la canción. Tiene algo de teatro pero Bola es más músico que actor”… Nos cuenta Javier que cuando era niño, en la ducha, tarareaba alguna de estas letras que ya a su madre le ponía “los pelos de punta”.

Pero esas canciones de “cuando te ha dejado la novia”, como Vete de mí, ¡Ay amor! o Tú nunca comprenderás, no han sido las elegidas en este repertorio del autor cubano. Aquí se celebran, sería el verbo adecuado, clásicos agraciados con la chispa de la picaresca y de la ternura, del chisme y del chiste, como El botellero, Manué, Babalú, Chivo que rompe tambó o Messié Julián y se han incorporado piezas que no han sido muy versionadas. El trío es el andamio para darle forma, todos aportan en esta revisión de jazz que pone especial énfasis en las formas de bolero y rubato.

Juan Sáinz -a la batería- ayudó a construir rítmicamente un legado que teniendo esencia cuban, modos cultos y de bolero se escapa de los patrones rítmicos alrededor del son. José López al contrabajo tiene aquí una labor fundamental para reforzar el lenguaje jazzístico de esta música, y lo hace no sólo rítmicamente sino también desde la melodía, usando el arco en varios momentos. Auqnue bien es cierto que compartir con Galiana una experiencia con el grupo La Canalla hace de este desembarco en el cancionero del músico cubano algo más cercano.

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Colores tropicales, los de Javier Galiana dando réplica  al genio  inimitable  de Bola de Nieve

Empezó a estudiar música porque a su tía abuela había recibido esa indicación de los Orishas. Pianista de altura romántica, entre Chopin y Rachmaninov, cantante y narrador sin igual, negro “social” de corazón y piel… “…Ay que este negro ya no pué viví sin su tambó…”, entre Ava Gadner y los cantos yorubas, mucho arte gaditano, con su ingenio carnavalero, sabor y cimientos musicales amplios, tiene este necesario trabajo que dibuja sonrisas y te hace la vida más sencilla.

Julián Sánchez New Quartet

Julián Sánchez New Quartet

Julián Sánchez (trompeta), Marco Mezquida (piano), Bori Albero (contrabajo), Ivo Sans (batería).
Whatabout Music

Julián Sáchez es uno de los músicos más completos de su generación, además de tener una mente siempre atenta a nuevos retos y en constante crecimiento. Su carrera, por citar dos polos estéticos entre el flamenco y la creación libre, se extiende de Miguel Poveda a Agustí Fernández… Para este cuarteto de jóvenes talentos, teniendo a Barcelona y la Esmuc como segundo eje (Marco Mezquida, Bori Albero, Ivo Sans), el músico granadino se distingue del resto de sus proyectos más exigentes y avanzados, como la FAE y otras colaboraciones con trompetistas como Ivan González para sumergirse en una dimensión melódica amplia y fluida, que desprende plenitud y sutileza.

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Marco Mezquida, Julián Sánchez, Bori Albero e Ivo Sans en directo en el Puerto de Santa María

Es en este contexto definido por una respiración teñida de nostalgia y de cierto júbilo interior que podrán sugerir el profundo y vibrante lirismo, el gusto por la intensidad melódica sostenida, de Enrico Rava y Tomasz Stanko. Sorprende, pues, descubrir afinidades con el sonido clásico de ECM trasladado a la personalidad del presente y matizada por elementos de folclore hispano-andaluz. Por todo ello, en sus momentos iniciales, nos puede recordar el cuarteto nórdico de Keith Jarrett, al verse unidos folk, blues y modernidad melódica, teniendo como instigador y fuelle al piano de Marco Mezquida.

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Hidden Forces Trio: Crows Are Council
Gustavo Domínguez (clarinete bajo, clarinete y didgeridoo), Marco Serrato (contrabajo), Borja Díaz (batería).
Clamshell

Tejero / Serrato / Díaz: Sputnik Trío
Ricardo Tejero
(saxos), Marco Serrato (contrabajo), Borja díaz (batería).
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Decía el trompetista Julián Sánchez, nuestro anterior protagonista, en unas declaraciones a prensa que no podía ser lo mismo hacer improvisación libre en Berlín que en Sevilla. Totalmente de acuerdo, pero no es algo imposible, al menos lo desmienten esta alianza de dos jerezanos y un sevillano. Quizá por ello sea éste el grupo más singular que hay en Andalucía, una tierra donde el free jazz y derivados extremos del rock no es algo habitual encontrar. Su propuesta no deja margen a la duda de una expresión abigarrada, tensa y ruidista, con detalles melódicos y atmosféricos que aparecen como accidentes en medio del tórrido camino. Un camino construido desde la improvisación libre y la herencia de Peter Bröztman, impulsada por Ken Vandermark con sonido rock garage en Spaceways Inc. & Zu y que hoy tendría como principal exponente y referencia de este sonido crudo y aguerrido de free-metal, a The Thing (Mats Gustafsson, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love).

Tras Topus, su debut internacional para Bruce`s Fingers en 2013, un disco con una estructura más compositiva, dan el salto al sello Clamshell que se centra en planteamientos evolucionados del free y la música contemporánea través de la libre improvisación. Dos miembros de este conjunto, Marco Serrato y Borja Díaz ( batería también de grupos como Orthodox y Blooming Latigo)  junto con Ricardo Tejero en la posición de Gustavo Domínguez, extienden la creación en el la banda que da nombre al  Spunik Trio, que también publicó trabajo en 2014.

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“Fuerzas ocultas”  y oscuras también, título tras el que se esconden Gustavo Domínguez, Marco Serrato y Borja Díaz

 

Crows Are Council, con títulos en inglés que reflejan su proyección exterior, aborda con más contundencia y sonido agresivo la idea, dando un mayor protagonismo al clarinete bajo e introduciendo didgeridoo, además de hacer un mayor uso del arco en el contrabajo (Ingrebrigt Haker Flaten). Son los espacios sostenidos de respiración más abstractay menos furia, combinando tejidos figurativos de expresividad atonal, los que descubren la solvencia instrumental y tímbrica emanada de la música clásica contemporánea o, dentro del jazz, a Jimmy Giuffre.

Potente y sutil, en línea de vanguardia entre free jazz, rock y música contemporánea, signo de modernidad internacional, este trío sevillano-jerezano es punta de lanza de la creación instantánea y colectiva más interesante.

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José Carra: El Camino

Jose Carra (piano), Beatriz Pessoa (voz), Enrique Oliver (saxofón y clarinete bajo), Romeu Tristao (contrabajo), Joao Lopes Pereira (batería), Carlos López (percusión). Sección de cuerda: Mario Navas, violín I (solista), Javi Gregori, violín I, Lorenzo Triviño, violín I, Sergio Martínez, violín II, Sara Muñoz, violín II, Ana María Navarro, violín II, Francisco José Fernández, viola, Ana González, viola, Alejandro Martínez, violonchelo, César Jiménez, violoncheloAlejandro Escalera, palmas y nudillos.
Producido por Jose Carra y Antonio Romero
Romero Music Spain

El proyecto, que se presentó el pasado noviembre en el Festival de jazz de Málaga, se concibe sobre una estructura en quinteto (jovencísimos músicos portugueses) más set de percusión, con dos elementos centrales que son la voz de Beatriz Pessoa (sin letra, recitando líricamente las notas) y el saxo tenor de uno de los mejores: Enrique Oliver. La música se inicia con una voz en off recitando un poema que sirve de introducción, uso de voz declamada en femenino que nos recuerda al teatro y sobre su mensaje a una conexión directa con el fenómeno romántico. Esta anunciación es el punto de salida a un “Camino” que queda descrito en una narración hecha de distintas paradas o distintos pasajes melódicos. El conjunto de cámara empuja y sostiene, subrayando más si cabe, los planos sentimentales de la música.

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José Carra, el pianista Malagueño, emprende con “El Camino” una búsqueda entre la música académica y el jazz lírico

Carra se entrega a la sensibilidad melancólica del primer Brad Mehldau, al deleite romántico en una narración evocativa que acerca el planteamiento a la música programática, desprendiendo en su recorrido una mezcla de emociones aéreas y motivos repetitivos que sugieren entre ambos cierto matiz pop. Recogimiento poético.

 Jaime Serradilla Trio En El Fondo

Jaime Serradilla Trío: En el fondo
Roger Mas (piano), Jaime Serradilla (contrabajo), Joe Krause (batería). Blue Asteroid Records

Es el único disco de esta lista que se registró en un concierto en directo. Dato que condiciona el resultado registrando y trasmitiendo la cercanía y complicidad del público presencial y del oyente de ahora. Serradilla es uno de los nombres fundamentales de la escena Sevillana. Justo en el centro de esa ciudad, en la Plaza del Duque, frenteal Corte Inglés tuvo lugar este concierto, uno de los tres que dio junto a los catalanes Roger Mas y Jo Krause.

La labor que lleva acabo el contrabajista tiene en la pedagogía musical uno de sus objetivos. En el Club Naima, cuyo cumpleaños aquí celebramos, su actividad en vivo aúna creación y crecimiento musical enfocado desde la lectura o, quizá mejor, indagación sobre standards. Ello viene reafirmado por un esquema de exposición, desarrollo solista y recapitulaciones con puentes y cambios métricos entre bebop, baladas y latin. Terreno abonado en la corriente principal hecho de temas originales que, no obstante, se desenvuelven por un clima que lo conecta con ellos pero dando un paso hacia una modernidad que sugiere a Kenny Barron.

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Roger Mas, Jaime Serradilla y Jo Krause en el directo en Sevilla que dio pie a este trabajo en disco

Con un mensaje veraz y cálido, que tiene también momentos álgidos en los solos de Mas y Krause, es éste un disco que celebra un encuentro fluido en torno al jazz sin más aditivos que el diálogo a tres bandas.

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Gabacho Maroconnection: Bissara
Hamid Moumen (voz, guembri), Jawad Jadli (percusión, canto), Fred Faure (percusión, n’goni), Charley Rose (saxo alto), Antonio Lizana (saxo tenor, voz), Willy Muñoz (teclados), Eric Oxandaburru (bajo), Vincent Thomas (batería). Grabado en Granada en septiembre de 2013.
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Gabacho Maroconnection, grupo con apenas un año y unos meses de existencia, ha sido sin duda alguna el acontecimiento musical del año, por número de conciertos por toda la geografía española y algunos en el extranjero, por el recibimiento de los medios y del público. Proyecto con un pasado previo que también, como nuestro primer disco seleccionado,  echó a andar en Cádiz. Un trabajo colectivo en donde las personalidades ,más acusadas en el instrumentista jazzístico, quedan diluidas en este viaje por las músicas de raíz y las aportaciones de todos sus miembros.

Medido e infalible equilibrio entre estructura, color y ritmo, el formato que reúne GMC, que recoge en todo su potencial este disco, redunda en una expresividad híbrida compaginando sonidos que citan a Joe Zawinul, Avishai Cohen o Gnawa Diffusion, es decir territorios de sofisticación y ritualismo que nutren tanto a la world music como al jazz de sus orígenes. Porque este proyecto, coincidiendo sus miembros en la escuela Musikene de San Sebastián, nació como el quinteto Gabacho Connection antes de rebautizarse de este modo en Jadida (Marruecos). Bautizo con sopa de habas secas, que es lo que significa Bissara, plato popular en todo el Magreb.

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Gabacho Maroconnection y sus alfombras voladoras, las que les han llevado a ser uno de los grupos con más conciertos del año pasado

Grupo interracial franco-hispano-magrebí que entusiasma e invita a bailar, aunando elementos renovados en la fusión musical, coreografías y ritual gnawa a partes iguales. Y, sobre todo ahora, enviando un mensaje de convivencia entre civilizaciones.

© Jesús Gonzalo, 2015




Tomajazz recomienda… un CD: King Kong: Jean-Luc Ponty Plays the Music of Frank Zappa (1969)

Jean-Luc Ponty_King Kong_Blue Note_1969Colaborador fundamental en algunos de los discos más celebrados de Frank Zappa (su rutilante estreno tuvo lugar en el imprescindible Hot Rats de 1969), en ese mismo año el violinista Jean-Luc Ponty grabó en World Pacific Records, sello subsidiario de Blue Note, la obra con un título tan explícito como King Kong: Jean-Luc Ponty Plays the Music of Frank Zappa. En él recuperaba piezas como la que daba el título a la obra, “Idiot Bastard Son” o “America Drinks and Goes Home”, y adelantaba otras como “Twenty Small Cigars” y la extensa “Music For Electric Violin And Low Budget Orchestra” que posteriormente el propio Zappa retomaría en su disco de 1978 Studio Tan. La formación que le acompañaba incluyó al propio Zappa, a músicos de jazz como el saxofonista Ernie Watts, el teclista George Duke y el bajista Buell Neidlinger, así como a miembros de los Mothers Of Invention (Ian Underwood y Art Tripp). Todos ellos aportaban a la música de Zappa un atractivo toque jazzístico, en el que sobresalían las intervenciones de ese mago de las cuatro cuerdas que es el gran Jean-Luc Ponty.

© Adolphus van Tenzing, 2014

Jean-Luc Ponty: King Kong: Jean-Luc Ponty Plays the Music of Frank Zappa (World Pacific Records / Blue Note, 1969)




Tomajazz recomienda… un tema: “Someone to Watch Over Me” (Donald Byrd, 1955)

album-33182Es difícil interpretar un standard de George Gershwin sin que suene a gloria, máxime si se trata de una balada tan intensa y emocionante como “Someone to Watch Over Me”. En cualquier caso Donald Byrd lleva al oyente al Paraíso con su interpretación del clásico en su Byrd’ Word. Su solo se funde con la melodía sin establecer límites definidos, y Frank Foster continúa la magia al mismo nivel sobre una sección rítmica paciente y reposada (qué buen trabajo de Hank Jones creando a modo de nube un colchón armónico constante pero discreto). La reverberación del estudio y la separación entre los instrumentos de viento y el micrófono aportan al sonido del quinteto un timbre a la vez cercano y etéreo. Para no caer en lo gratuitamente meloso el metal da paso a la cuerda y la madera. Paul Chambers y Hank Jones improvisan y preparan la despedida. Palabra de Gershwin. Palabra de Byrd.

© Adolphus van Tenzing, 2014

Donald Byrd – Byrd’s Word (Savoy 12032)




Tomajazz recomienda… un CD: Acoustic Romance (Gene Bertoncini, 1992)

acoustic_romanceGene Bertoncini ha sido capaz de adaptar perfectamente la sonoridad de la guitarra acústica al mundo del jazz. Sabe atacar rápidas improvisaciones con virtuosismo mientras conserva el lirismo natural del instrumento. En este Acoustic Romance sus cuerdas de nailon repasan doce standards de corte relajado. El neoyorquino sabe emocionar a guitarra sola, especialmente en los temas más lentos, pero combina dicha capacidad con animados diálogos con su sección rítmica: Akira Tana a la batería y un soberbio Rufus Reid al contrabajo. Merece la pena prestar atención a la interacción guitarra-contrabajo en “Two for the Road” y a la evolución de “What Are You Doing the Rest of Your Life?” desde la languidez asentada en el arco del contrabajo hasta un pegadizo ritmo latino. De igual modo la deliciosa aproximación a “Emily” da paso a un “Invitation” que invita, en este caso, a bailar. Un disco obligado para los amantes de la guitarra acústica.

 © Adolphus van Tenzing, 2014

Gene Bertoncini: Acoustic Romance (King Record 155)




Tomajazz recomienda… un CD: Our Man in Paris (Dexter Gordon, 1963)

Dexter Gordon :: OUR MAN IN PARISLa interpretación de Dexter Gordon en la película Round Midnight fue tan extraordinaria que le nominaron al Oscar. Aún así sería una pena que se le recordara más por su ocasional faceta de actor que por la de músico. De muestra un botón: este Our Man in Paris es toda una guía de jazz para novatos e iniciados, para expertos y para músicos. Gordon y el trío que le acompaña surcan siete standards (cinco en el LP original) con tal agilidad y desenvoltura que acuñan versiones canónicas de los mismos. Las improvisaciones del líder discurren con desparpajo y sinceridad llevado en volandas por un trío de ensueño: al piano el mismísimo Bud Powell (sí, en cuya vida está basado parte del personaje que representó Gordon en Round Midnight), al contrabajo Pierre Michelot (ofreciendo notas de peso en la introducción a “A Night in Tunisia”) y a la batería Kenny Clarke. Un francés y tres yanquis exiliados grabando en un estudio parisino un material inolvidable cuya vigencia tardará en verse retada.

© Adolphus van Tenzing, 2014

Dexter Gordon – Our Man in Paris (Blue Note)