Hard Bop (IX). Carmen McRae (II) – Sonny Rollins (I). La Odisea de la Música Afroamericana (233) [Podcast] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 233 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla es el noveno dedicado al Hard Bop. En el programa fnaliza el repaso a la figura de la cantante Carmen McRae (que suena acompañada de otras grandes damas del jazz como Betty Carter y Shirley Horn), y comienza el de la figura de Saxophone Colossus, también conocido como Sonny Rollins.

En el programa 233 suenan:

  • “One note samba” Rosa Passos
  • “God bless the child” Carmen McRae
  • “Traveling blues” Carmen McRae
  • “Straighten up and fly right” Carmen McRae
  • “Send in the clowns” Carmen McRae
  • “Heat wave” Carmen McRae & Cal Tjader
  • “Stolen moments” Carmen McRae & Betty Carter
  • “Misty” Carmen McRae & Shirley Horn
  • “Lover man” Carmen McRae
  • “Why don’t I” Sonny Rollins
  • “In a sentimental mood” Modern Jazz Quartet & Sonny Rollins
  • “My old flame” Miles Davis & Sonny Rollins

Toda la información está disponible en https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297 / https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297

comprar en amazon

Luis Escalante_Y se hace musica al andar... con swing

comprar en amazon8




Ella Fitzgerald: Just One of Those Things. El documental. Por Juan F. Trillo [Película] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Juan F. Trillo.

  • Director: Leslie Woodhead
  • Productor: Reggie Nadelson.
  • Distribuidora: Eagle Rock Entertainment
  • Fecha: 2019
  • Duración: 89 minutos
  • Fecha de estreno: Pospuesta, por el momento.

La pandemia que barre todos los confines del planeta ha provocado que el estreno oficial del film Ella Fitzgerald: Just One of Those Things, previsto para el mes de abril, haya sido pospuesto indefinidamente.

El documental ha sido producido por la escritora y cineasta británica Reggie Nadelson, autora de la serie de novelas policiacas que tienen como protagonista al detective Artie Cohen, mientras que la dirección corre a cargo de Leslie Woodhead, otro británico que cuenta en su haber más de treinta documentales sobre temas y personajes muy diversos, desde Diana de Gales (Diana. The Day Britain Cried, 2017) hasta los Beatles (How the Beatles Rocked the Kremlin, 2009). La lista de los galardones que sus trabajos han obtenido es casi igualmente extensa y sugiere que la calidad de este sobre la cantante norteamericana será, al menos, digna.

Ella Fitzgerald: Just One of Those Things promete mostrar una imagen de la cantante “que el mundo nunca conoció”, incidiendo en su implicación en la lucha por los derechos civiles en una época en la que la segregación racial se extendía a buena parte de Norteamérica. Nos mostrará sus humildes comienzos y su infancia en distintos reformatorios de Harlem, en los años más duros de la Gran Depresión y cómo su aparición en el Amateur Night, el famoso concurso para principiantes del Teatro Apollo, cambió de manera decisiva el rumbo de su vida. El documental desvela también su faceta como madre y esposa, y las dificultades para compaginar su carrera musical con su vida familiar, dificultades insalvables en muchas ocasiones, que hicieron que artistas que la conocieron, como Oscar Peterson, dijesen de ella que era “la mujer más solitaria del mundo”.

En el plano artístico, Ella Fitzgerald, “La Primera Dama del Jazz” fue una figura de dimensiones monumentales. A lo largo de una carrera que se extendió durante casi seis décadas, obtuvo 13 premios Grammy y sus grabaciones vendieron más de 40 millones de copias. Se hizo a sí misma, lideró su propia banda (y no olvidemos de qué años estamos hablando) y llegó a codearse con los más grandes del momento, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie, Louis Armstrong o Benny Goodman. El director ha recurrido a imágenes hasta ahora inéditas y a nombres ilustres para dar testimonio de su talla y entre ellos encontramos, por ejemplo, los de Tony Bennett, Jamie Cullum, Smokey Robinson, André Previn, o el hijo de la cantante, Ray Brown, Jr.

Al inicio decíamos que “el estreno oficial” ha sido pospuesto, sin embargo, hay que mencionar que el productor hizo varios pases previos, a lo largo del año pasado, en festivales internacionales de jazz de diversas ciudades europeas, entre ellas las de Getxo (Getxo Jazz) y Donostia (Jazzaldia).

Por nuestra parte, y sin haber podido por el momento acceder al metraje completo del film, nos resulta imposible valorar el contenido, pero teniendo en cuenta quién es el personaje central, podemos estar (casi) seguros de que pasaremos un buen rato visionándolo, cuando por fin soplen mejores vientos y llegue a los canales de distribución habituales. Como sucedía con los documentales que hemos venido mencionando en semanas pasadas (Miles Davis: Birth of the Cool y Chasing Trane), en este caso el director cuenta con una banda sonora excepcional para acompañar a las imágenes y esto por sí solo es una garantía de que se meterá a la mayor parte del público, y a buena parte de la crítica, en el bolsillo. En un momento dado, a lo largo del film, Jamie Cullum declara algo con lo que todos coincidimos: “Su música es una de las razones por las que vale la pena estar en este planeta”. Con alguien así como material sobre el que trabajar, un director – sea quien sea – no tiene que esforzarse demasiado por hacerlo bien; basta con que no lo haga mal del todo, para que le salga una película más que aceptable.

Texto: © Juan F. Trillo, 2020 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

 




Talinka: Rainbow Over Kolonaki (Fanfare Records, 2020) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Talinka aglutina una paleta de estilos multicolor desde la sencillez, la calidez y la sensibilidad que produce una agradable experiencia sonora. Desde el vals, el tango, el folk y por supuesto el jazz como base de partida, convierte Rainbow Over Kolonaki en un paseo por un museo donde cada pieza es una obra maestra donde recrearse, admirar y disfrutar serenamente.

Diez cuadros completan una pinacoteca de imágenes sonoras para viajar a cada una ellas y para perderse en su interior tan lejos como la imaginación te lleve.

Entre los “cuadros” de la exposición encontramos un viaje a la época de Rey Enrique VIII de Inglaterra con “Greensleeves” cuya pieza es atribuida al monarca que transitó entre los siglos XV y XVI, y que dedicó a su amante y futura reina consorte Ana Bolena.

Tal es la belleza turbadora de esta canción que incluso Loreena McKennitt también se fijó en ella.

No menos impactante es “She Moved Through the Fair”, otra perla de marcado carácter folclórico que rememora a Pentangle o al John Renbourn Group.

Completan la terna de episodios folclóricos “Scarborough Fair” para regocijo de Simon And Garfunkel que popularizaron el tema en su álbum Parsley, Sage, Rosemary And Thyme. La descriptiva versión se refugia en el “silencio vocal medieval” de Tali Atzmon y Jenny Bliss aderezada por el acordeón de Gilad Atzmon, el contrabajo de Yaron Stavi y el violín barroco de la nombrada Jenny Bliss.

Una cuarta pieza nos acerca al mundo del feeling  jazz a través de Frank Sinatra en “I’m a Fool to Want You” donde el piano de Ross Stanley acompaña la voz nocturna e intimista de  Tali Atzmon con el condimento del clarinete bajo de Gilad Atzmon en un oscuro segundo plano.

De Ralph Rainger y Leo Robin es “If I Should Lose You” una ventana abierta al saxo tenor de Gilad Atzmon y la voz de Tali Atzmon al que se le suma el violín barroco de Jenny Bliss.

El broche lo pone otra composición externa al grupo, la autoría corre a cargo de Sammy Fain y Irving Kahal y lleva por título “I’ll Be Seeing You”, en otro ejercicio de jazz intimista y melódico con la voz de Tali Atzmon implementado por el acordeón de Gilad Atzmon y el piano de Ross Stanley.

Las composiciones propias comienzan con la homónima y soñadora “Rainbow Over Kolonaki”, un vals disfrazado de “naif circense” cuyas voces se las reparten entre Gilad Atzmon y Tali Atzmon para girar y girar hasta un crescendo y abrupto final.

En “Perdita” se vuelven a encontrar Gilad Atzmon y la voz de Tali Atzmon. Multiplicándose el primero en un sinfín de posibilidades instrumentales a la que la primera responde con estribillo recurrente.

El lirismo sedoso viene de la mano “Time Runs Out” otra pieza folclórica donde las armonías vocales a dúo entre Tali Atzmon y Jenny Bliss (que también destaca a la viola de gamba), me lleva a pensar en la progresiva y sinfónica banda inglesa Renaissance.

Con “When Apollo Smiles” el goce se ciñe al folk del grupo Magna Carta, valiéndose de tiernas armonías vocales tan hermosas como el resultado de la final de la canción.

© Enrique Farelo, 2020

Talinka: Rainbow Over Kolonaki

Músicos: Tali Atzmon (Vocales, Ukulele), Gilad Atzmon (Acordeón, Bajo Clarinete, Saxo Soprano y tenor), Yaron Stavi (Contrabajo) y Jenny Bliss (Violín  Barroco, Flauta, Viola de Gamba y Vocales) con la colaboración de Ross Stanley (Piano) y Billy Pod (Batería y Percusión)

Composiciones: “Rainbow Over Kolonaki” (Iris Gordijn y Gilad Atzmon), “If I Should Lose You” (Ralph Rainger y Leo Robin), “She Moved Through the Fair” (Tradicional inglesa) , “I’m a Fool to Want You” (Frank Sinatra), “Greensleeves” (Tradicional inglesa), “Perdita” (Tali Atzmon), “Time Runs Out” (Tali Atzmon), “Scarborough Fair” Tradicional inglesa), “When Apollo Smiles” (Tali Atzmon)  y “I’ll Be Seeing You” (Sammy Fain y Irving Kahal)

Grabado el 6 y 7 de septiembre de 2019 en The Fish Factory y en Jazzet estudio de Atenas el 19 de septiembre de 2019. Publicado en 2020 por Fanfare Records.

 




Wallace Roney In Memoriam #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

AAJ: Back to your quote, and the reference to expansiveness. Do you ever feel constrained by jazz?

WR: No. Absolutely not. The only constraint that jazz has are the ones that critics put on it. Jazz represents the highest understanding of playing your instrument How can you be constrained by that?

Wallace Roney (1960 – 2020)

Entrevista a Wallace Roney por Kevin Press en All About Jazz y publicada en agosto de 2019.

Fotografía de Wallace Roney en Jamboree, Barcelona, año 2015.  © Joan Cortès, 2020

Carlos Lara y Enrique Farelo reseñaron la actuación de Wallace Roney en Clamores en JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.




INSTANTZZ: Mayte Alguacil & Michael Kanan Trio -prueba de sonido más una- (30è Jazz Granollers Festival, Casino de Granollers – Club de Ritme, Granollers -Barcelona-. 2020-01-31) [Galería fotográfica] #YoMeQuedoEnCasa #IStayAtHome

Por Joan Cortès.

  • Fecha: Viernes, 31 de enero de 2020
  • Lugar: Casino de Granollers – Club de Ritme (Granollers -Barcelona-)
  • Grupo:
    Mayte Alguacil & Michael Kanan Trio
    Mayte Alguacil, voz
    Michael Kanan, piano
    Horacio Fumero, contrabajo
    Guillem Arnedo, batería

Tomajazz: © Joan Cortès, 2020




Universos Paralelos: emisión 2 de abril de 2020 [Noticias] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Redacción.

25 temporadas en el aire (y unos pocos en la red)… ¡y seguimos descubriendo buena música!

Ya está disponible una nueva emisión de Universos Paralelos, el programa de radio dirigido por Sergio Cabanillas.
¡Continúa la temporada 25 de Universos Paralelos! En el programa del 2 de abril de 2020:  El Tubo Elástico, Dr. Bobô, Ben Eunson, Aki Rissanen, Juan Vinuesa & The Monkeys Co., Javier Red’s Imagery Converter, Kevin Kastning.
Disponible en universosparalelosradioshow.blogspot.com.es
© Tomajazz, 2020



Recordando a Shakti. Por Julián Ruesga Bono [Artículo]

Por Julián Ruesga Bono.

A fines de la década de 1950 John Coltrane comenzó a explorar el jazz modal junto a Miles Davis, formaba parte de su quinteto cuando registró Kind of Blue (1959), y para cuando grabó “My favorite things” en 1960 el enfoque modal de la improvisación se estaba convirtiendo en un elemento importante de su música, liberándola de los cambios de acordes. Esta mayor sensación de libertad, también parece haberlo impulsado a explorar otras formas de estructuras. En grabaciones posteriores, como los álbumes Om (1965) y Ascensión (1965), se alejó de los conceptos convencionales de estructura armónica relajando sus límites. La búsqueda de nuevas estructuras lo llevó a estudiar escalas y modos hindúes, comenzando a prestar especial atención a la música de sitar de Ravi Shankar y a las cualidades espirituales de la música clásica indostaní del Norte de la India. Shankar orientó a Coltrane en su acercamiento a la música india, Coltrane tenía la intención de pasar seis meses estudiando con él en 1967, pero murió antes. La importancia de Ravi Shankar para Coltrane quedó reflejada en el hecho de llamar Ravi a su hijo cuando nació en 1965 en homenaje al músico indio.

El músico clásico indostaní, Ravi Shankar, ha sido una figura fundamental en la popularización de la música india en América y Europa en la década de 1960, la música india se hizo visible en Occidente a través de su trabajo. No está claro cuándo Coltrane comenzó a escuchar música de Shankar e India, pero su música parece exhibir elementos hindúes ya en 1959. Los discos de Ravi Shankar se vendían en Estados Unidos desde mitad de la década de 1950 y comenzó a dar conciertos por allá regularmente a partir de 1956.

La música clásica indostaní, del norte de India, influyó en algunos de los trabajos de Coltrane. Tomó varios elementos estructurales y los incorporó a su música de varias maneras, sobre todo el desarrollo melódico y algunos elementos rítmicos y métricos. Monson, señala que sin las preocupaciones de la modulación armónica, los improvisadores en la tradición indostaní, del norte de India, deben exhibir más inventiva melódica, flexibilidad rítmica y resistencia, justo los atributos que marcaron los solos de Coltrane con el cuarteto clásico –aunque ninguno de estos elementos dominó su forma de tocar y componer, en conjunto si que reflejan el profundo interés de Coltrane por la música india. Este interés también se muestra en diferentes composiciones desde el final de la década de 1950, comenzando con “Naima” composición de 1959 en el álbum Giant Steps. “India” en el álbum Live at the Village Vanguard, 1961, parece probable que se deriva de un canto védico indio. Algunos críticos también señalan influencias hindúes significativas en “Psalm” (1964, de Love Supreme), “After the Rain” (1963, de Impressions), “Chim Chim Cheree” (1965, de The John Coltrane Quartet Plays) y “Om” en el álbum Om, 1965. Coltrane, compartía este interés con algunos de sus músicos. Sus largas improvisaciones en interacción con el baterista Elvin Jones muestran un claro paralelismo con los prolongados diálogos entre el solista y la tabla en la música clásica del norte de la India. Además, Coltrane, también exploró la música clásica occidental, estuvo especialmente interesado por compositores de principios del siglo XX, como Ravel, Debussy, Hindemith y Stravinsky.

Otros músicos de jazz también se interesaron por la música india. A finales de la década de 1950, el pianista Dave Brubeck realizó una amplia gira de actuaciones por Asia con su cuarteto. En el transcurso de la gira grabaron en Bombay, en 1958, el álbum Jazz Impressions Of Eurasia, donde mezclaron jazz con elementos de las músicas de Calcuta, Afghanistan y Turquía. Casi una década después, en 1967, la discográfica norteamericana, Impulse!, publicó, Jazz Raga, del guitarrista húngaro Gabor Szabo. Un músico que había tocado en el primer grupo dirigido por Charles Lloyd. En Jazz Raga, desarrolla una música de sonoridad exótica y bailable, situada entre el jazz, el rock psicodélico, la música india y la música de Europa del Este y parece que está más pensada para bailar en las discotecas de la época que para el mundo del jazz. Szabo no solo toca la guitarra, también superpuso sitar, que estudiaba desde 1961, en nueve de los once cortes del álbum. Lo acompaña una sección rítmica: el baterista Bernard Purdie, el contrabajista Jack Gregg, aunque en algunos temas es el bajista eléctrico Bob Bushnell y el percusionista Ed Shaugnessy en las tablas. Bob Thiele, fue el productor del disco. Entre los temas del álbum, dos estándares, “Caravan” y “Summertime”, una versión de “Paint It Black” de los Rolling Stones y ocho originales de Szabo entre los que destaca “Mizrab”, con percusión de tabla, línea de bajo tipo mantra y una guitarra de tono abierto en dialogo de llamada y respuesta con el sitar, pero aun así, hoy, el álbum suena pasado. Algo que no ocurre con la música de esta época de Charles Lloyd que ya en sus primeros álbumes comienza a desarrollar cadencias orientales y africanas en el contexto de la psicodelia y la contracultura californiana.

En Europa, también hubo experiencias de aproximación del jazz a la música india, aunque con resultados mucho más afinados, y acertados, que los obtenidos por Gabor Szabo. Una de las tentativas de más repercusión fue la dirigida por el saxofonista jamaicano Joe Harriott y el violinista John Mayer. Harriott nació en Kingstone, Jamaica, y vivía en Londres desde 1951; fue uno de los precursores del free jazz en Europa con dos álbumes importantes de muy buena factura, “Abstract” (1962) y “Free Form” (1960). Por su parte Mayer, nacido en Calcuta, India, de padres anglo-indios, había estudiado música clásica y era violinista titular en la Filarmónica de Londres. El grupo que formaron pasó a llamarse Joe Harriott & John Mayer Double Quintet. Grabaron un disco con composiciones de Mayer usando esquemas y escalas hindúes, talas y ragas, como base para la improvisación. El grupo que crearon grabó tres discos en los que combinaron jazz modal, free jazz y música hindú consiguiendo un sonido orgánico y vibrante. La idea había surgido del fundador y presidente de Atlantic Record, Ahmet Ertegun en Nueva York. Éste le sugirió a Mayer escribir la música para un álbum donde la música hindú y el jazz se fundieran. La idea de Ertegun era combinar un quinteto de músicos hindúes dirigidos por Mayer –sitar, tabla, tambura, y flauta, con Mayer en el violín y el clavicordio– y un quinteto de jazz dirigido por Joe Harriot. Mayer escribió la música en un mes y el LP fue grabado en dos días por el grupo. El álbum, Indo Jazz Suite, fue publicado en 1966. Posteriormente, grabaron un segundo álbum, Indo Jazz Fusions (Columbia 1967) y un tercero Indo Jazz Fusions Volume 2 (Columbia,1968) que interpretaron en directo en varias giras por Inglaterra y Europa durante varios años, hasta la muerte de Harriot en 1973.

Don Ellis en el Fillmore de San Francisco en 1970.

Otro músico destacado fue el trompetista y arreglista Don Ellis. Ellis, era músico de formación clásica, muy interesado por la música de vanguardia contemporánea, especialmente por John Cage y Karlheinz Stockhausen. Músico inquieto y perspicaz, su trabajo refleja la actitud de la época. Durante un tiempo tocó en la Hindustani Jazz Sextet del sitarista Hari Har Rao, con quién además estudió etnomusicología en la Universidad de California de Los Ángeles. Creó un sexteto con el que realizó varios conciertos, compartiendo cartel en el Fillmore West de San Francisco con Grateful Dead, Big Brother and the Holding Company y Quicksilver Messenger Service, grupos emblemáticos de la psicodelia californiana. Del concierto con Quicksilver Messenger Service se editó como doble Lp, Don Ellis at Fillmore (1970). Grabado en formación de quinteto en Yakarta. Lo notable del sexteto de Ellis fueron las innovadoras construcciones rítmicas dentro de la tradición del jazz influenciadas por la música hindú. También grabó con Frank Zappa y Al Kooper sendos discos, y trabajó con varios directores de música sinfónica. Esta facilidad para moverse desinhibidamente entre varios registros diferentes, también es una actitud muy extendida en la época y que prefiguró y facilitó futuros desarrollos musicales.

John McLaughlin, Shakti y Remember Shakti

El resultado más sobresaliente y logrado de la interacción entre música hindú y jazz, sin duda, ha sido Shakti y su posterior reencarnación Remember Shakti. Un grupo formado en 1975 y dirigido por el guitarrista británico John McLaughlin, que previamente había trabajado en la escena jazz-rock –primero con Graham Bond en Gran Bretaña y luego con Miles Davis en EUA, a finales de la década de 1960. Con Davis participó en el álbum Bitches Brew (Columbia, 1970) y otras grabaciones realizadas en torno a esa fecha. En su álbum en solitario, My Goal’s Beyond (Douglas Music, 1970), comenzó a experimentar con estructuras y texturas hindúes y continuó haciéndolo cuando formó y dirigió la Mahavishnu Orchestra, una de las bandas más emblemática del jazz-rock eléctrico. Al crear Shakti, McLaughlin, se proponía explorar y profundizar en la relación de la música clásica hindú con el jazz occidental. Shakti grabó tres álbumes entre 1975 y 1977 para la discográfica CBS. El primero de los tres álbumes, Shakti with John McLaughlin, fue grabado en vivo en el Southampton College en Long Island en julio de 1975. El segundo, A Handful of Beauty (Un puñado de belleza), se grabó en Londres un año después y el tercero, Natural Elements (Elementos naturales), en Ginebra, Suiza. Shakti fue mucho más que otro experimento comercial de la moda “fusión” de la época. La palabra sánscrita, Shakti, se traducía en las notas de su primer álbum como “inteligencia creativa, belleza y poder”.

McLaughlin: Mi descubrimiento de la música india también fue toda una revelación. Primero me llamó la atención su belleza y el dominio de la improvisación que existe tanto en el Norte como en el Sur. La relevancia de esto para mi música, que es la música de jazz, fue genial, la necesidad de dominar este tipo de disciplina para la improvisación. (…) Realmente hay una gran cantidad de puntos en común, las matemáticas del ritmo son universales. No pertenecen a ninguna cultura en particular. Es cierto que la sensualidad del ritmo se combina con la mente matemática en la India. No es por nada que la India ha producido algunos de los mejores ingenieros atómicos, matemáticos y astrónomos, particularmente en el siglo XX. Incluso tienen un observatorio que se remonta a cientos de años en el que se calcularon las órbitas de los planetas. Entonces, se puede decir que se ha desarrollado a un nivel más sofisticado allí que en la música de jazz. Pero ya sea de África, China, Brasil o Bombay, el ritmo es ritmo. (Prasad: 1999).

Dado el peso programático de la improvisación en el jazz, no es sorprendente que los encuentros con la música india, ocupen un lugar simbólicamente preferente. Para cualquiera que haya escuchado música hindú, los prolongados desarrollos improvisados o “jamming”, son una de sus características más relevantes. Shakti, fue un intento de reunir las sensibilidades musicales de Oriente y Occidente bajo un enfoque muy innovador de colaboración entre músicos de diferentes culturas. No se trataba de fusionar sonoridades y músicas, sino de aunar sensibilidades diferentes en el transcurso de la interpretación y creación musical. Además de McLaughlin, la banda estaba formada por el maestro de tabla del norte de la India, Zakir Hussain, R. Raghavan tocando el mridangam, un tambor cilíndrico del sur de India, el violinista Lakshminarayana Shankar, tocando también viola, y el músico de ghatam, instrumento de percusión, TH “Vikku” Vinayakram, ambos también del sur de la India. Juntos, crearon una música fluida con una sonoridad orgánica y bien engarzada que logró combinar tradiciones musicales de culturas que en principio parecían estar muy distanciadas.

Zakir Hussain: Los músicos indios se hicieron mucho más abiertos después de Shakti hacia la idea de probar cosas no solo dentro de los ámbitos de la música india, sino al salir de la música india y a cualquier tradición con la que se sintieran cómodos. Shakti fue una de las primeras combinaciones de músicos que intentaron hacer algo que cruzó todos los límites musicales. No nos acercamos el uno al otro pensando ‘Está bien, tocas South Indian, yo toco North Indian y él tocará jazz, luego verás qué sucede’. Simplemente saltamos al carro y tomamos un camino juntos. Eran cuatro personas como una. Éramos muy jóvenes en ese momento y no teníamos reparos en probar cosas diferentes. Simplemente nos sentamos y tocamos e hicimos lo que fue necesario para que musicalmente funcionara y fuera divertido. Era algo único en ese momento. Anteriormente, cuando personas de diferentes culturas hacían música, una u otra música se cruzaba y nunca se encontraba en un punto intermedio. Por ejemplo, si Yehudi Menuhin tocaba con Ravi Shankar, Menuhin tuvo que cruzar al territorio indio para tocar música clásica india escrita para él por Shankar. Nunca fue una combinación de música clásica y música clásica india juntas. Había razones para eso. Eran grandes tradicionalistas que creían que tenían que mantener su tradiciones. (Prasad: 1999)

La sintonía y relación entre músicos de diferentes culturas en Shakti fue resultado del ingenio y creatividad de sus integrantes. Cuatro virtuosos haciendo una música brillante y deslumbrante –y en aquel momento sorprendente. Shakti basó su música en varias tradiciones: música clásica de la India, tanto indostaní del norte como karnática del sur, jazz, rock y música contemporánea occidental. Armonías occidentales y usos de escalas basados en antiguas ragas indias junto a desarrollos rítmicos de jazz.

Shakti en concierto en The Saturday Club de Calcuta.

Existen dos tradiciones dentro de la música clásica india. La música karnática del sur y la música indostaní del norte. Aunque comparten un origen común, sus filosofías y métodos musicales difieren. El sistema karnático se considera el más formal de los dos al poner mayor énfasis en el conjunto de reglas y pautas que lo rigen. Por el contrario, la música indostaní se considera una forma más contemporánea, ya que está menos planificada y permite más variaciones y desvíos del orden tradicional. Según McLaughlin, Shakti buscó cerrar las diferencias entre las dos tradiciones.

En Shakti, McLaughlin, toca una guitarra acústica rediseñada con diapasones festoneados y cuerdas adicionales, simbólicamente se puede ver como  la síntesis de Oriente y Occidente en un solo instrumento, una guitarra acústica muy cercana a un sitar con un sonido y técnica inspiradas, en gran parte, en la vina, un instrumento de cuerda indio con una calabaza como caja de resonancia y trastes móviles. Shankar utilizó tanto el violín como la viola, mientras que Zakir y Vikku marcaban las percusiones de tabla y ghatam. Shakti fue tanto el resultado de la inmersión personal de McLaughlin en la cultura hindú en la búsqueda de una nueva espiritualidad como del interés por nuevas formas musicales. Al igual que ocurrió con Coltrane, el vínculo vital hacia India de McLaughlin fue el sitarista Ravi Shankar del que también fue alumno.

Remember Shakti: Shrinivas, McLaughlin y Selvaganesh

La escucha correlativa de los tres álbumes de Shakti, muestran la progresión musical del grupo; a medida que los músicos fueron conociéndose e interactuando, fueron integrando e interaccionando elementos de la tradición musical de unos y otros y su música fue creciendo, ofreciendo un resultado más orgánico y sólido. Este desarrollo se vio frenado por la negativa de la discográfica CBS a ofrecer un mayor patrocinio al grupo. La banda se disolvió y volvió a reunirse reformada para una gira por India en 1985, pero parece que no fue posible resucitar el proyecto. Doce años después organizaron otra gira por el Reino Unido en septiembre de 1997, conmemorando el 50 aniversario de la Independencia de India y Pakistán. Con Hariprasad Chaurasia en la flauta bansuri reemplazando a Shankar y el grupo rebautizado como ”Remember Shakti”. Una muestra de esta gira se puede escuchar en el doble cd, Remember Shakti (Verve, 1999), un disco muy diferente a los tres álbumes del grupo en la década de 1970. Su música suena mucho más refinada y serena, aunque nunca deja de ser intensa. McLaughlin toca una guitarra eléctrica de caja, Johnny Smith, de Gibson, que le permite notas largas y sostenidas que dan a su música una dinámica y sonoridad más sutil. El trabajo de guitarra es hipnótico, los tonos profundos que ofrece junto a la flauta bansuri de Chaurasia flotan sobre la base de percusiones de Zakir Hussain y “Vikku” Vinayakram, consiguiendo que la música sea por momentos más evanescente y meditativa. Al ser un disco doble el grupo se permite explorar composiciones más complejas y largas, como “The Wish”, “Chandrakauns” y “Mukti”, esta última de más de una hora de duración. Un álbum emocionalmente rico y musicalmente muy logrado.

Un año después publicaron The Believer (Verve, 2000), como resultado de una nueva gira por Europa en 1999. Aparecen, John McLaughlin en la guitarra, el mandolinista eléctrico U. Srinivas, Vikku Selvaganesh tocando percusiones en kanjira y ghatam, Zakir Hussain en tabla y el vocalista Shankar Mahadevan. La música es más fuerte y animada que en la grabación anterior. Los diálogos entre la mandolina de Srinivas y la guitarra de McLaughlin son alucinantes, en el sentido más literal de la palabra. La mandolina eléctrica y la guitarra, ofrecen una combinación de contrastes y armonías que llevan la música, y al oyente, a otra dimensión. Shrinivas es un virtuoso de la mandolina eléctrica y aporta a la música del grupo una sonoridad más dinámica y viva, muy diferente al tono más meditativo del anterior disco.

El último de los tres álbumes grabados por Remeber Shakti es Saturday Night in Bombay (Verve, 2001), música extraída de dos conciertos en Bombay, India. La mandolina eléctrica de U. Shrinivas es el elemento dominante en el álbum junto al apoyo percusivo de Zakir Hussain y V. Selvaganesh. McLaughlin hace que su guitarra eléctrica cante. Cuando graban este álbum, Remember Shakti, es ya una banda muy popular en la India, verdaderos íconos musicales, no sólo porque la mayoría de los músicos son indios, también está el hecho de que los músicos siguen los preceptos tradicionales dentro del marco de la música india, su forma y estructura –algo muy raro para una banda que está dirigida por un británico y hace música hindú. En la grabación aparecen varios de los músicos más reputados de la música India que fueron invitados durante las dos noches de conciertos a tocar con Remember Shakti: Shankar Mahadeven, voz; Debeshish, guitarra hindustani; Bhavani Shankar, Roshen Ali y Aziz, dholak; Taufiq Qureshi, def; Shivkumar Sharma, Santoor; y AK Pallanivel, Tavil. Shivkumar Sharma es el autor del segundo tema, “Shringar”, de casi media hora de duración, un diálogo hipnótico entre santur y guitarra, una explosión de belleza y sensibilidad. No obstante, McLaughlin, ha pasado años estudiando música clásica india. El álbum es la culminación de décadas de trabajo y estudio y presenta una rara combinación de instrumentos eléctricos con ritmos indios.

Zakir Hussein: John se ha tomado el tiempo de estudiar música clásica india y descubrir cómo trabajamos, cómo pensamos y cuáles son nuestras técnicas de improvisación. Yo mismo, he tenido la suerte de estudiar y entender las formas occidentales de pensamiento musical ya sea jazz, pop o rock. En términos de interacción musical con John, ahora es un poco más detallado que antes, pero el mismo amor y afecto mutuo está ahí.

John McLaughlin: Tenía un profundo interés y afecto por la cultura india antes de descubrir la música india. Me interesé mucho en la religión comparativa alrededor de 1962 cuando tenía 20 años. Fui criado sin ningún tipo de educación religiosa. Me convertí en miembro de la Sociedad Teosófica porque tenían una biblioteca maravillosa. Al descubrir la maravilla y la profundidad del pensamiento y la profundidad de la filosofía India, mi apetito realmente se despertó. Descubrí a Ramana Maharshi, un hombre que tuvo un fuerte impacto y continúa ejerciendo una gran influencia en mí. Llegué a descubrir también a Ramakrishna, Vivekananda, Premananda y Sri Nisargadatta Maharaj. (Prasad: 1999)

Remeber Shakti 2020

Después de la trágica muerte en 2014 del mandolinista U. Srinivas, el grupo dejó de actuar. A principios de 2019, los músicos volvieron a encontrarse junto al violinista Ganesh Rajagopalan para una actuación en India, en el Saturday Club de Calcuta. Este concierto sirvió como un nuevo renacimiento de Shakti. Con la nueva formación, decidieron continuar actuando juntos para eventos especiales y volver a la música de Shakti de nuevo.

Este año se ha publicado el álbum Is that So? (Abstract Logix, 2020). John McLaughlin, Shankar Mahadevan, Ustad Zakir Hussain han vuelto a reunirse para grabar este nuevo álbum que se puede traducir como ¿Es eso así?. El disco no esta firmado por Shakti, sino por el nombre de los músicos. Si el propósito de Shakti era investigar las posibilidades de integración de la tradición musical hindustani del norte de la India con la tradición carnática del sur, que McLaughlin condimentó con armonías occidentales, algo que no se había hecho antes y que tuvo una gran aceptación en la India, aquí, el elemento rector es la voz del cantante indio Shankar Mahadevan. Los músicos abandonan completamente las reglas del sistema raga y aplican la libertad armónica occidental a las canciones de Shankar Mahadevan.

Shankar Mahadevan: Antes de los conciertos, John y yo solíamos tocar con improvisaciones libres usando escalas indias (ragas) y diferentes armonías que las respaldaban. Toda la textura, el color, el sentimiento y el lienzo de la música nos entusiasmaron, ya que el contenido armónico no existe en la música clásica india. Al principio fue solo un experimento divertido, pero pronto supimos que teníamos que grabarlo. Cuando Zakir Hussain, el gran maestro de tabla, él mismo acordó tocar en las secciones de improvisación, sabíamos que esto llevaría nuestra grabación a un nuevo nivel. No podríamos haber pedido más.

John McLaughlin: Debo señalar que ni mis guitarras acústicas ni eléctricas están integradas en este álbum como lo hicieron en álbumes anteriores. Desde el comienzo de nuestra grabación, sentí la necesidad de una nueva “voz” para mí. Lo que estás escuchando es mi guitarra conectada a través de una ordenador a un sonido que he estado creando durante los últimos 20 años usando ondas sinusoidales, osciladores y filtros. Me llevó mucho tiempo crear un tono que reflejara el aspecto particular de mi música interior. También tuve que desarrollar una nueva técnica para crear un enfoque más vocal que complementara la voz de Shankar en la grabación.

A mitad de marzo, John McLaughlin hizo circular este aviso en las redes sociales:

En vista de la situación actual en todo el mundo con Corona Virus y el hecho de que estamos obligados a pasar más tiempo en casa, nos gustaría ofrecer a nuestros amigos la descarga gratuita del nuevo álbum “Is that So?” hasta finales de abril de 2020 en Abstract Logix. ¡Disfruta de la música y mantente feliz y saludable! 

Firmado por John McLaughlin, Shankar Mahadevan, Zakir Hussain

El álbum se puede descargar en formato mp3 en esta dirección: https://mahavishnujohnmclaughlin.bandcamp.com/album/john-mclaughlin-shankar-mahadevan-zakir-hussain?fbclid=IwAR3BZdmddxJM4AhAozTw1k3CEn4u9xnUilWhGzGXRwv6tZJYWoGQXsURqY4

Además de los álbumes reseñados, está la caja Remember Shakti (Universal Records, 2002) que incluye los tres álbumes oficiales de Remember Shakti: Remember Shakti, The Believer y Saturday Night in Bombay, además de un DVD con la grabación completa de uno de los conciertos de Saturday Night in Bombay, con el tema extra “Niyati”. Existe en el mercado otra grabación en directo de la banda, Live at Miles Davis Hall, 8 July 1999, un disco incluido en la caja John McLaughlin’s Montreux Concerts Box Set, publicada en 2004.

El DVD, The Way of Beauty (El camino de la belleza) dirigido por Partho Sen-Gupta (Universal Music France, 2006). Este DVD presenta un documental de 60 minutos, “Shakti Timeless”, sobre la primera formación de la banda a principios de los años setenta. John McLaughlin y Zakir Hussein hablan sobre los inicios de Shakti y de sus compañeros de esa época, L. Shankar y TH Vinayakram. El DVD también incluye 45 minutos de metraje de Remember Shakti antes de un concierto en el New Morning de París grabado en 2004 y 55 minutos del histórico concierto Saturday Night en Bombay (Mumbai, India) grabado en 2000. También, dos conciertos en vivo de la banda, uno filmado con la primera banda, con L. Shankar y “Vikku” T. H Vinayakram en el New Morning en 1976 y otro grabado en el Montreux Jazz Festival de 2004. A modo de bonus tracks contiene un clip de la Orquesta Mahavishnu en Syracuse, EE. UU. 1972.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2020

Referencias y lecturas aconsejables

Bailey, Derek

— (2010): La Improvisación. Su naturaleza y su práctica en la música. Gijón: Ediciones Trea.

Nettl, Bruno y Rusell, Melinda (eds).

— (2004): En el transcurso de la interpretación. Estudios sobre el mundo de la improvisación musical. Madrid: Akal.

Nicholson, Stuart

— (2020): “John McLaughlin: The journey continues” en Jazzwise, nº249, Londres.

Prasad, Anil

— (2010): Innerviews: Music Without Borders, Extraordinary Conversations With Extraordinary Musicians. Cary, North Carolina: Abstract Logix Books.

Ruesga Bono, Julián

— (2010): “In-fusiones de jazz” en In-fusiones de jazz. Ruesga Bono, Julián, (edt.). Sevilla: arte-facto c.c.c.




Notas de Humor by Kuto. Abril 2020 [Humor y Jazz] #YoMeQuedoEnCasa #IStayAtHome




INSTANTZZ: Federico Carreras Trio (Jamboree, Barcelona. 2020-01-26) [Galería fotográfica] #YoMeQuedoEnCasa #IStayAtHome

Por Joan Cortès.

  • Fecha: Domingo, 26 de enero de 2020
  • Lugar: Jamboree
  • Grupo:
    Federico Carreras Trio
    Federico Carreras, saxo alto
    Albert Bover, piano
    Martín Meléndez, violonchelo

Tomajazz: © Joan Cortès, 2020




Krzysztof Penderecki In Memoriam AKA JazzX5#193. Krzysztof Penderecki – Don Cherry & The New Eternal Rhythm Orchestra: Actions For Free Jazz Orchestra (Actions) [Minipodcast] #YoMeQuedoEnCasa / #IStayAtHome

Por Pachi Tapiz.

Krzysztof Penderecki In Memoriam (1933 – 2020)

“Actions For Free Jazz Orchestra”
Krzysztof Penderecki – Don Cherry & The New Eternal Rhythm Orchestra
: Actions (Rec. 1971)
The New Eternal Rhythm Orchestra; Krzysztof Penderecki (director) con Buschi Niebergall, Peter Warren, Han Bennink, Gunter Hampel, Terje Rypdal, Peter Brötzmann, Willem Breuker, Gerd Dudek, Albert Mangelsdorff, Kenny Wheeler, Manfred Schoof, Tomasz Stanko, Don Cherry

© Pachi Tapiz, 2020

JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.
JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019.
Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=23120 / https://www.ivoox.com/jazzx5_bk_list_642835_1.html.