365 razones para amar el jazz: una grabación. L’Heure Bleue (Franz Koglmann) [282]

Una grabación. Franz KoglmannL’Heure Bleue (HatOlogy, 1991)

Seleccionado por Quinito L. Mourelle

Con Franz Koglmann, Tony Coe, Klaus Koch, Burkhard Stangl, Misha Mengelberg

 




365 razones para amar el jazz: una grabacion. Cantilena (First House) [196]

Una grabación. First HouseCantilena (ECM, 1989)

Seleccionado por Quinito L. Mourelle

Con Ken Stubbs, Django Bates, Mick Hutton, Martin France




365 razones para amar el jazz: un disco. Paul Motian – Chris Potter – Jason Moran: Lost In A Dream (ECM, 2010) [10]

Un disco. Paul Motian – Chris Potter – Jason Moran: Lost In A Dream (ECM, 2010)

Seleccionado por Quinito López Mourelle.

Con Paul Motian, Chris Potter, Jason Moran.




HDO 134. Quinito Mourelle: sus palabras y su música. Entrevista por Pachi Tapiz [Podcast]

quinito_mourelle_2Quinito Mourelle es músico (pianista) y compositor, además de novelista (acaba de publicar su quinta novela –Mi última reencarnación), doctor en periodismo, periodista en activo y crítico de jazz en la reserva. En 2016 ha autoeditado Lontananza, una grabación en un formato de trío no muy habitual en estos tiempos que incorpora piano, tuba –Ignacio Fernández-, y saxos, clarinete, y flauta –Roberto Somoza. Este polifacético artista charló con Pachi Tapiz sobre esta obra, así como de su aproximación a la música, a la escritura, al periodismo, a la crítica, y a la creación en general. Como complemento a sus palabras, en HDO suenan varios temas del más que recomendable Lontananza.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast que está editado, producido, presentado (y más cosas que no reproduciré aquí), por Pachi Tapiz.

Quinito-Mourelle-Trío-Lontananza-autoeditado_2016

Las músicas de HDO 134

  • Quinito Mourelle TríoLontananza (Autoeditado, 2016)
    Quinito Mourelle, Roberto Somoza, Ignacio Fernández



"Cifu", José Ramón Rubio, Germán Pérez, Alejandro Reyes Emisión 40 Aniversario de "Jazz Porque Sí" C.M.U. San Juan Evangelista, 04/11/2011 © Sergio Cabanillas, 2011

Cifu: un gran tipo. Por Pachi Tapiz

"Cifu", José Ramón Rubio, Germán Pérez, Alejandro Reyes Emisión 40 Aniversario de "Jazz Porque Sí" C.M.U. San Juan Evangelista, 04/11/2011 © Sergio Cabanillas, 2011

«Cifu», José Ramón Rubio, Germán Pérez, Alejandro Reyes
Emisión 40 Aniversario de «Jazz Porque Sí»
C.M.U. San Juan Evangelista, 04/11/2011
© Sergio Cabanillas, 2011

Cifu: un tipo entrañable y cercano. Alguien que si no existiera habría que inventarlo. En definitiva, un gran tipo.

Todos los aficionados del jazz llevamos dentro a un programador de jazz. Ese disc-jockey interior que servidor lleva dentro hay veces que echa de menos a muchos músicos y estilos en los programas de Juan Claudio Cifuentes: le encantaría tener la oportunidad de organizar esos Jazz porque sí y A todo jazz de otra manera. Pero de lo que no se puede llegar a quejar nunca ni ese ni ninguno de los pinchadiscos interiores que abundan entre los aficionados es de que Cifu programe algo que no sea jazz con mayúsculas. Algo de lo que no pueden presumir una gran mayoría de esos festivales que también todos pagamos en una gran parte con dinero público, al igual que ocurre con sus programas.

Mi primer encuentro fue con su voz. De la radio (en plena juventud de quien esto escribe), pasó a la pantalla, a la segunda cadena de Televisión Española con el inolvidable y entrañable Jazz entre amigos. Un hito en el jazz de este país que todavía muchos estamos esperando que se recupere del primer al último programa, siempre que el hecho de ser producción propia lo permita. Es un pecado mortal que esos programas estén callados en los archivos de la televisión pública de todos los españoles, incluyendo a los aficionados al jazz. En esos momentos era ya una voz (inconfundible), una cara, y sobre todo una manera de presentar a la música y a los músicos como solo sabe hacerlo él, y que ha creado escuela. A partir de allí llegó el poder saludarlo en festivales y conciertos (incluyendo el homenaje que recibió en el inolvidable Johnny); contactar por teléfono para intentar que colaborase con Tomajazz, y para intentar lograr que diese alguna conferencia por Pamplona (tareas en las que no cejo, aunque el empeño parece que en estos momentos ya no va a llegar a buen puerto); pasar una tarde con él en su casa en El Ciego disfrutando de su tiempo en una de las entrevistas más entrañables, interesantes e intensas que he tenido la oportunidad de realizar; finalmente recibir –habitualmente a principios de año- una llamada para saludarme y preguntarme qué tal va la vida, y a cambio tener la oportunidad de llamarle de vez en cuando para preguntarle qué tal va todo, especialmente después del susto que nos dio hace unos meses. Cifu: un gran tipo, que lo siga siendo por mucho tiempo más.

Texto: © Pachi Tapiz en Pamplona a 19 de septiembre de 2014
Publicado en el libro Round About Jazz & 1906. Coordinado por Quinito López Mourelle (ISBN 978-84-617-2678-3)
Fotografía: © Sergio Cabanillas, 2011




En estos días estúpidos… Por Quinito López Mourelle

IMG_2987.JPG-Cifu

En estos días estúpidos y hueros, días en los que copa los medios de comunicación una panda de encantadores de serpientes de medio pelo que vociferan y enarbolan torpes argumentos para conseguir su cuota de votos, el jazz se queda huérfano con la desaparición de un mayúsculo comunicador, de un ser entrañable y entregado sin fisuras a su pasión. Se ha ido una voz verdadera, una voz que sí tenía un mensaje que transmitirnos. Mucha suerte Cifu.

Texto: © Quinito L. Mourelle, 2015 (publicado originalmente en su muro de Facebook, reproducido con su permiso)
Fotografía: © Pachi Tapiz, 2009




Who The Fuck?: Liebeslieder-Walzer (Love Song Waltzes) (Brahms) [Especial agosto 2013]

LiebesliederLiebeslieder-Walzer (Love Song Waltzes), Opp. 52, 65 ; 3 Quartets, Op. 64
Brahms

Seleccionado por http://comunidades.laopinioncoruna.es/blogs/quinito_lopez_mourelle




Who The Fuck?: Blanc · Choral Works (Bernat Vivancos) [Especial agosto 2012]

Blanc · Choral Works
Bernat Vivancos

Seleccionado por Quinito López Mourelle




Top Ten #18: Sin Ana Beatriz (Quinito López Mourelle, 2011)

Listado de grabaciones que Quinito López Mourelle utilizó para la composición, escritura y corrección de Sin  Ana Beatriz (Ensenada de Ézaro Ediciones, 2011):


Franz Koglmann: L’Heure Bleue (Hatology)
Nino Rota: Complete Music for Violin/Viola and Piano (ARTS) (Marco Fornaciari, Gabriela Baldocci)
Orquestra de Cámara Galega: Orquestra de Cámara Galega (Boanerges)
Kenny Wheeler: Other People (CamJazz)
John Surman / Howard Moody: Rain On The Window (ECM)
Havard Wiik: Palinode (Moserobie)
Atomic School Days: Distil (Okkadisk)
James Emery: Transformations (Between The Lines)
Myra Melford . Marty Ehrlich: Yet Can Spring (Arabesque)
Nara Leao: Nara (Elenco)
Nils Wogram and The NDR Bigband: Portrait of a Band (Enja)
The Jacky Terrason Jazz Trio: Lover man (Venus)
Sergio Mendes Trio: Bossa Nova York (Elenco)
Franz Koglmann: Venus in Transit (Between The Lines)
Lee Konitz Quartet: Jazz Nocturne (Venus)
Francesco Bearzatti Bizart Trio + Rava: Hope (Auand)
Camargo Guarnieri: Sinfonias 1 a 6 (Biscoito Fino) Orquestra Sinfónica de SP
Russ Lossing: All Things Arise (Hatology)
Daniel Levin Quartet: Some Trees (Hatology)
Marc Copland Solo: Time Within Time (Hatology)
Barry Guy, Mats Gustafsson, Raymond Strid: Tarfala (Maya Recordings)
Russ Lossing, Ed Schuller, Paul Motian: As It Grows (Hatology)
Joe McPhee: Joe McPhee & Survival Unit II with Clifford Thornton (Hatology)
Enrico Rava & Electric Five: Italian Ballads (Venus)
Vince Mendoza: Blauklang (ACT)
Sebastiao Tapajós: Ontem e Sempre (Movieplay)
Ráphael Rabello: Todos Os Tons (Ariola)
Franz Koglmann: An Affair With Strauss (Between The Lines)
Kenny Wheeler: Gnu High (ECM)
Bill Frisell: Rambler (ECM)
Chick Corea: Children’s Songs (ECM)
Flavio Enrique: Pássaro Pensil (Biscoito Fino)
Norma Winstone: Somewhere Called Home (ECM)
Sergei Rachmaninoff: Complete Songs (Brilliant)
Tomasz Stanko: Balladyna (ECM)
Ivan Lins: Nos Dias de Hoje (EMI)
Vaughan Williams: Piano Concerto. Job (A Masque for Dancing) (EMI)
Giovanni Guidi: The House Behind This One (CamJazz)
Jacobo de Miguel /Ton Risco: Dúo (Freecode)
Henri Texier: Strings’ Spirit (Label Bleu)
Adam Lane’s Full Throttle Orchestra: New Magical Kingdom (clean feed)
Charles Lloyd: All My Relations (ECM)
Edu Lobo /Chico Buarque: Dança da Meia Lua (Biscoito Fino)
Steve Kuhn: Remembering Tomorrow (ECM)
The Fred Hersch Trio: The Night & The Music (Palmetto Records)
Joey Baron, Tim Berne, Hank Roberts: Miniature (JMT)
Barry Guy, Marilyn Crispell, Paul Lytton: Phases of The Night (Intakt)
Enrico Rava JAZZPAR 2002 Sextet: Hapiness is… (Stunt Records)
Jacques Ibert: Orchestral Works (EMI)
Banda Municipal de Música da Coruña: Retratando…Roxelio Groba (Xingra.com)
David S. Ware String Ensemble: Threads (Thristy Ear)
Tim Hagans: Beautiful Lily (Pirouet)
Dave Douglas: Sanctuary (Avan)
Warne Marsh Quartet: Ne Plus Ultra (Hatology)
David Murray Black Saint Quartet: Live in Berlin (Jazzwerkstatt)
Chet Baker: The Young Man With The Horn (Le Chant du Monde)
Django Bates: Quiet Nights (Screwu)
Dennis González: Boston Project (clean feed)
The Andrew Hill Jazzpar Octet + 1: The day The World Stood Still (StuntX)
Myra Melford Extended Ensemble: Even The Sounds Shine (Hatology)
John Taylor / Steve Swallow / Gabriele Mirabassi: New Old Age (EGEA)
Martial Solal And The Danish Radio Jazz Orchestra: “Contrastes” (Storyville)
Banda Municipal de Música de A Coruña: Transcripciones S.XX (Xingra.com)
First House. Cantilena (ECM)
Greg Osby: Symbols of Light (A Solution) (Blue Note)
Pepe Evangelista Cuarteto: Teima (Audia Records)
Agustí Fernández / Barry Guy / Ramón López: Aurora (Maya Recordings)
Gerry Hemingway Quartet: The Whimbler (Clean feed)
Bernardo Sassetti Trio: Ascent (Clean feed)
Afonso Pais Trio: Subsequências (Enja)
Herb Robertson: Parallelisms (Ruby Flower Records)
Misha Mengelberg: The Root of The Problem (Hatology)
Gary Thomas: Till We Have Faces (Winter&Winter)
Nils Wogram’s Nostalgia: Daddy’s Bones (Intuition) Affinity (Intuition)
Gaetano Partipilo: Urban Society (BlackSaint)
Giulia Valle: Enchanted House (Freshsound)
Heitor Villa-Lobos: Complete Music For Solo Guitar (Naxos)
Daniel Humair: Bonus Boom (Bee Jazz Records) Baby Boom (Sketch)
Gwilym Simcock: Perception (Basho records)
Don Cherry/Dewey Redman/Charlie Haden/Eddie Blackwell: Old And New Dreams (Black Saint)
Belmondo & Milton Nascimento: Belmondo & Milton Nascimento (Bflat)
Victor Goines: Love Dance (Criss Cross)
Scout Fields Ensemble: Beckett (Clean feed)
The Bud Powell Trio: Blues In The Closet (Verve)
Steve Lehman Camouflage Trio: Interface (Clean feed)
Leontyne Price: Leontyne Price Sings Barber (RCA)
Kenny Wheeler: Deer Wan (ECM)
Tom Varner: Martian Heartache (Soul Note)
Anthony Braxton: Eugene (1989) (Soul Note)
Paul Bley: Tears (OWL)
Maurice Ravel: Conciertos Para Piano (Diverdi.com)
W. Amadeus Mozart: Concierto para piano nº 15, Sinfonía nº 36 (Decca) L. Bernstein
Fred Frith: Rivers And Tides (Winter & Winter)
Louis Sclavis: Danses et Autres Scenes (Label Bleu)
Johannes Brahms: The Viola Sonatas (Deutsche Grammophon) Hagen /Gulda
Prokofiev: Concierto Para Piano nº 5 /Sonata para Piano nº 8/ Visiones Fugitivas (Deutsche Grammophon) S. Richter
Simon Nabatov & Nils Wogram: Jazz Limbo (Leo Records)
Villa Lobos: Cuarteto de Cordas 15, 16, 17 (Kuarup) Cuarteto Bessler-Reis
Fauré: Nocturnes Nos. 1-6, Theme and Variations op. 73 (Naxos) Jean Martin
Nils Wogram: Speed Life (Enja)
Sun Ra: Jazz In Silhouette (Evidence)
Martial Solal: Solitude (Cam Jazz)
Clusone 3: Soft Lights And Sweet Music (Hatology)
Havard Wiik Trio: The Arcades Project (Jazzland)
Astor Piazzolla y Su Quinteto: Adiós Nonino (Discmedi)
Egberto Gismonti & Academia de Danças: Sanfona (ECM)
Heitor Villa-Lobos: Concertos para solista e orquestra (Kuarup)
Bernd Honrad-Hans Koller: Phonolith (Hatology)
Cartola: Cartola Ao Vivo (Kuarup)




    Who the fuck?: Violin concertos nos. 1 and 2. Nocturne and Tarantella (Karol Szymanowski) [Especial agosto 2011. El retorno]

    Karol Szymanowski

    Violin concertos nos. 1 and 2. Nocturne and Tarantella

    Ilya Kaler (violín). Warsaw Philarmonic Orchestra (dirigida por Antoni Wit)
    Naxos (2007)
    Seleccionado por Quinito López Mourelle




    Keith Jarrett – Tokyo Solo

    Con una presentación austera, elegante y marca de la casa, el sello alemán ECM se estrena en el lanzamiento del formato DVD con esta primera producción, para la que ha elegido a su artista fetiche, al más laureado y rentable de todo su amplio catálogo. El pretexto: un concierto más (según rezan los créditos, el nº 150) del pianista en la tierra del sol naciente. No me detendré en exceso en la calidad de las imágenes y los aspectos técnicos derivados, aunque sí creo oportuno comentar que, tanto la realización –en la que se utilizan pocos planos pero muy expresivos– como la elección del blanco y negro, redundan en una estética acorde con la música y la personalidad de Jarrett, sobradamente registrada en la filmación. El espíritu minimalista y zen que se respira desde el primer fotograma refleja el buen hacer del equipo japonés encargado de la tarea: una cuidada puesta en escena (ni siquiera el piano se asienta sobre una alfombra que rompería con la parquedad decorativa) y, en fin, pocos elementos pero bien combinados. Esa sobriedad –que también acentúa el solipsismo de Jarrett y la magnitud de su talento–, vela al espectador buena parte de esos elementos: tendremos que avanzar bastante en el disfrute del DVD para advertir la presencia del público o para contemplar en su totalidad el escenario. Hasta ese momento de apertura podemos tener la sensación claustrofóbica de ver a Jarrett en una suerte de laboratorio aséptico creado a la medida de su ego.

    Entrando ya en materia, he de decir que comprendo a los eternos detractores de Jarrett, pero, a pesar de mis reservas respecto a algunos aspectos de su obra y trayectoria, nunca seré uno de ellos. Debido a su vasta producción y a la pléyade de pianistas interesantes que aparecen y desaparecen por la escena internacional es muy común, incluso entre sus incondicionales, dejar a un lado a Jarrett durante largas temporadas. En mi caso, la última y única vez que escuché un piano solo de Jarrett en directo fue en el Festival de Jazz de Madrid de 1988. Con este Tokyo Solo, me he reencontrado con muchas sensaciones de aquel concierto y, ahuyentando mis temores, con una obra si cabe más consumada, más redonda y en la que el pianista ha eliminado elementos superfluos de su antigua verborrea sobre las teclas, metamorfosis que puede observarse desde su nocturno y soberbio The Melody at Night, With You. La concepción del concierto sigue siendo, como aquella noche de 1988, la de un espectáculo de música clásica: dos partes a modo de suite y las consabidas propinas de corte más popular. En esas dos partes, que son el corpus central y el verdadero terreno para la retórica imaginativa del estadounidense, éste se explaya dando rienda suelta a su ascendencia musical. De hecho, sus guiños a toda la música clásica, al barroco y al romanticismo (el corte “1a”, por ejemplo, recoge toda la herencia posterior a Chopin), más que guiños son en realidad la expresión de una opción personal dentro de la Third Stream. Nos encontramos ante un artista que improvisa en directo ideas propias de la órbita clásica: algo así como si Schumann improvisase en vivo una de sus sonatas y, una vez registrada, se ocupase entonces de escribirla sobre el papel pautado. Su esquema organizador también sigue siendo el mismo de antaño: toma una idea y comienza a dar vueltas en torno a ella hasta sentirse cómodo y entonces la explorara hasta sacarle todo el jugo posible, exponiendo para tal empresa todo su catálogo de recursos. Y, aunque esa estructura un tanto lineal y previsible es evidente en algunos temas (especialmente en “2e”), todavía hay lugar a la sorpresa. Sirva de botón de muestra el tema “1c”, en el que se disfraza de un Cecil Taylor que, sin embargo, acaricia el piano, para desembocar en una canción romántica conmovedora. En “2d” un comienzo ultraminimalista en el que apenas se muestran notas sueltas para establecer intervalos llevan a Jarrett a quedarse en blanco y provocar la sonrisa y complicidad del público, al que contesta con una elegía de corte americano sublime. Los tres standards de propina merecen elogios superlativos: cada nota encierra una cápsula de sentimientos y ninguna es superflua. En fin, me alegro de haber vencido la pereza de volver a escuchar al maestro en solitario. Me ha gustado todavía más que entonces.

     

    Quinito L. Mourelle

    Título: Tokyo Solo

    Sello: ECM 987 3186

    Año: Grabado en directo el 30 de octubre de 2002

     




    Kurt Rosenwinkel Band (Ciclo 1906 de Jazz, Teatro Rosalía de Castro, A Coruña, 4-V-2011)

    El Ciclo 1906 arribó a puerto en A Coruña (en realidad lo hizo en el Teatro Lara de Madrid…pero allí no hay mar) con la actuación de Kurt Rosenwinkel. Hay músicos que ofrecen caras muy diferentes en el estudio y en el escenario y confieso que el guitarrista de Filadelfia me producía una sensación un tanto incómoda al escucharle en disco. Un claro ejemplo es Deep Song, en el que le acompañan Mehldau, Grenadier y Ballard. Su interpretación de “Brooklyn Sometimes” en el Teatro Rosalía, con su hipnótica progresión armónica y el inconfundible groove del contrabajo, superó de largo los corsés del registro discográfico y, también lo confieso, me descubrieron la verdadera talla de Rosenwinkel. La sección rítmica, más orientada al jazz rock que la más arriba mencionada, también fue determinante en esa revelación. Aunque los nombres de sus integrantes no figuren en el “imaginario colectivo”, creo que visten mejor las composiciones del líder y su estilo como improvisador. (Otra cosa es la música de Mehldau y el lenguaje del trío). El pianista Aaron Parks, muy implicado en el repertorio, contribuyó notablemente al buen sabor de boca de la velada con un estilo que, sin buscar el efectismo, dio buena cuenta con gran soltura de la peculiar armonía y estructuras de las composiciones. Temas enrevesados y boperos como “Synthetics” se alternaron con alguno más cercano al blues (especialmente el que el guitarrista introdujo en solitario, deudor en cierto modo de aquel “Lonely Woman” de Horace Silver); con algún eco lejano de Metheny y con otros temas aparentemente sencillos (pocos acordes y ritmos estables) pero que esconden la singularidad de una mente tocada por la varita mágica. Una cerveza mal tirada yace lánguida atrapada en el cristal. Le falta media vida, la alegría y su esencia. Todo lo contrario ocurre cuando la ornamenta una fastuosa corona de espuma, compacta y fiel: el valor del líquido se multiplica.
    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

    Kurt Rosenwinkel Band
    Ciclo 1906 de Jazz

    Fecha: 4 de mayo de 2011.

    Lugar: Teatro Rosalía de Castro (A Coruña).

    Componentes:

    Kurt Rosenwinkel: guitarra eléctrica.
    Aaron Parks: piano.
    Eric Revis: contrabajo.
    Justin Faulkner: batería.



    David Murray & Black Saint Quartet (XVI Ciclo de Jazz Fundación Barrié, Teatro Principal, Santiago de Compostela, A Coruña, 30-IV-2011)

    En estos tiempos que corren –días en los que se hace santo a cualquiera– y, teniendo en cuenta que la formación que abandera David Murray se denomina Black Saint… me atrevería a afirmar que sobre el escenario del Teatro Principal de Santiago, tan cerca de su espléndida catedral, sólo uno se dejó ver: el líder. La sección rítmica que le acompañó en su concierto compostelano no estuvo a la altura de su estratosférica categoría e incluso lastró el espectáculo, sobre todo en las largas intervenciones protagonizadas por Steve Colson. Su planteamiento conservador y su escasa familiaridad con algunos temas del repertorio (“Murray’s Steps” se le atragantó tanto como a Flanagan aquella primera grabación de los de Coltrane) convirtieron sus solos en una sucesión redundante de coros y coros. Fue quizá por esa razón por la que en el último tema del concierto (con una concepción bastante abierta) y en la propina (una revisión de Stravinsky) el pianista mostró su cara más fresca al liberarse de la armonía y disfrutar con la rítmica (su verdadero fuerte a tenor de lo expuesto) incluso con clusters ejecutados con el puño. Poco antes Murray nos enamoraba con su hermosísima lectura de “Chelsea Bridge”. Sus dotes excepcionales como baladista y su memorable instinto para parir melodías vino a engrosar su extenso catálogo de recursos, puesto sobre la mesa ya en la primera pieza, una composición de corte caribeño dedicada a Albert Ayler. En su caso poco importó la ingente cantidad de coros con la que despachó cada tema, mezclando dulzuras con las notas más cáusticas e incluso poniendo en práctica momentos sublimes de respiración circular. Su inspiración es tan alta que podría haberse presentado en solitario sin temor a ser cansino. Podría haber predicado durante horas su discurso en el desierto lejos del banal murmullo de sus compañeros… y ese derroche de magisterio sí hubiese merecido una peregrinación.
    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

    DAVID MURRAY & BLACK SAINT QUARTET
    XVI Ciclo de Jazz Fundación Barrié

    Fecha: 30 de abril de 2011.

    Lugar: Teatro Principal (Santiago de Compostela, A Coruña).

    Componentes:

    David Murray: saxo tenor y clarinete bajo
    Steve Colson: piano
    Jaribu Shahid: contrabajo
    Chris Beck: batería



    Ravi Coltrane Quartet (Fundación Barrié, A Coruña, 28-IV-2011)

    Ravi Coltrane ha conseguido reunir una sección rítmica de muchísimos quilates. Sus compañeros de escenario le arroparon, le secundaron, le propulsaron… en la única escala de su cuarteto por tierras españolas. Me gustaría resaltar ya en estas primeras líneas el trabajo sobresaliente de Drew Gress. Versátil en los cambios de dinámica, creativo y generosísimo a la hora de exponer recursos y asombrosamente firme y resuelto en los tempos rápidos (muy rápidos), su pulmón es, creo, imprescindible en el concepto jazzístico del líder. En éste se cobijan algunas ideas de Greg Osby y de Steve Coleman tamizadas por el sello personal (¿y genético?) de la profusión, de la abundancia y la escasa tregua a los espacios. Los fraseos del vástago comprenden una ingente cantidad de notas pero vertidas con cierto racionalismo, con cierta lógica seriada en la que parecen no caber exabruptos ni notas con mayor valor que otras. Incluso tocando a Ornette Coleman la dirección del saxofonista se encamina a tamizar de forma matemática el caudal improvisatorio y construir una catedral tejida peldaño a peldaño, sin una verdadera exposición de sentimientos (sí de los sentimientos y el placer intelectual más puro). Su discurso se opacó un poco por la efusividad a la batería de Strickland, cuyo poderoso sonido fue excesivo en algunos momentos para un saxo sin amplificación. Empero, su trabajo con las baquetas fue impecable, rotundo, y su comunicación con Drew Gress una magistral lección de jazz. Otro tanto puede decirse del pianista Luis Perdomo, otro músico serio, sesudo y con una vocación netamente jazzística. Como colofón una versión de «Giant Steps» que acabó a ritmo de funk y en la que Coltrane y Strickland se intercambiaron jugosos solos. ¿He escrito Coltrane? Me refería a Ravi Coltrane quien, por fortuna, no pretende emular a su padre. Inteligente decisión.

     

    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

    RAVI COLTRANE QUARTET
    XVI Ciclo de Jazz Fundación Barrié

    Fecha: 28 de abril de 2011.
    Lugar: Fundación Barrié (A Coruña).
    Componentes:
    Ravi Coltrane: saxo tenor
    Luis Perdomo: piano
    Drew Gress: contrabajo
    E. J. Strickland: batería

     




    Voro García Quintet (Ciclo 1906, Jazz Filloa, A Coruña, 21-IV-2011)

    Tratándose de la noche de Jueves Santo, el concierto de Voro García y su quinteto no iba a plantearse en términos heréticos. El primer corte, un hard bop con pegada afro, nos situaba en el epicentro canónico de los cincuenta, en la década del esplendor en blanco y negro. Enrique Oliver desplegaba su carta de presentación con un cálido magma recitativo a lo Dexter Gordon y Rossy –quien parece haber anunciado a los cuatro vientos que deja definitivamente las baquetas para abrazar el piano– se ocupaba de hacernos mover el pie como un Blakey de nuestros días. El acento africano se tornó caribeño con “Calipso”, el último tema del primer pase, original del baterista y fenomenal pista de despegue para que el tenor vistiese los hábitos de Sonny Rollins –otro santurrón– y sus evoluciones en aquel pegadizo “Saint Thomas”. Como la cosa iba de hagiografía, el líder no desaprovechó la oportunidad para airear su fraseo clásico, excelentemente cortado, sorprendentemente redondo para alguien que atesora todavía insultante juventud. Pero la noche avanzaba y en la sala comenzaba a oler a azufre. Un bolero en el segundo pase fue el perfecto engaño para la bacanal bopera que se desató en la interpretación de “Wail” (Bud Powell). Leo Genovese se dejó electrizar por la dinámica trepidante y desarmó al respetable con gran inventiva y técnica, salpicada por sorpresas monkianas y algunos otros detalles más apropiados para los rabos y los cuernos que para la austera indumentaria de los eremitas. D.J. Foster se sumó a la fiesta con una composición de bop-granjero (él puede explicarlo…) que ahuyentó definitivamente la compostura de los cinco beatos. De propina “Au Privave” de Parker: la condenación ya era irremediable. Fantásticas polifonías de los dos metales, solos vertiginosos y un grandísimo Rossy exultante con las alegrías de su cometido. ¿En serio va a dejar la batería definitivamente? En fin… qué bien sienta pecar y no ir a las procesiones.

    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

    VORO GARCÍA QUINTET
    Ciclo 1906

    Fecha: 21 de abril de 2011.
    Lugar: Jazz Filloa (A Coruña).
    Componentes:
    Voro García: trompeta
    Enrique Oliver: saxo tenor
    Leo Genovese: piano
    Dee Jay Foster: contrabajo
    Jorge Rossy: batería

     




    Thelonious S. Monk Jr. Tentet (XVI Ciclo de Jazz Fundación Barrié, Palacio de la Ópera, A Coruña, 2011-04-09)

    Primero incomprendido y después convertido en objeto de culto, Monk es hoy día uno de los compositores más interpretados por los músicos de jazz. Sirva como botón de muestra que en A Coruña hemos podido disfrutar, por ejemplo, del memorable trabajo que el pianista alemán Alexander von Schlippenbach le dedicó en Monk’s Casino o que el repertorio de una formación local, Monkillos, está íntegramente formado por las composiciones del pianista de Rocky Mount. Un aficionado al jazz se podría preguntar si no es el hijo del compositor el mejor habilitado, el más competente –al menos en el plano emocional–, para defender esa obra sobre las tablas. Con franqueza y sin ambages: me hubiese gustado ver otro tipo de espectáculo. La astilla del palo respetó escrupulosamente la fidelidad a las composiciones del progenitor, la reproducción de antiguos arreglos –incluyendo alguna transcripción de sus solos reconvertidos en frases para los metales–, pero descuidó enormemente la originalidad que le caracterizó como intérprete. Ninguno de los miembros del tenteto recogió esa herencia aviesa, incómoda e iconoclasta con la que el homenajeado posaba sus dedos sobre el teclado. El concierto discurrió de forma plana alentado por un continuo ritmo de swing. Los solos que lo trufaron fueron correctos pero cortados por el mismo patrón, exceptuando alguna pincelada del soprano o algunas notas traviesas de un Wallace Roney que, sin embargo, se limitó a bopear sin alterar la escaleta. Esas otras notas estrambóticas, estrafalarias y la pulsión rítmica irregular y angulosa con la que Monk avanzaba a brochazos…brillaron por su ausencia.  La velada se convirtió así en una historia previsible en la que se agradecieron las baladas por aportar algo de color y justificar la presencia de tanto músico sobre el escenario.
    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle
    THELONIOUS S. MONK JR. TENTET

    XVI Ciclo de Jazz Fundación Barrié

    Fecha: 9 de abril de 2011.

    Lugar: Palacio de la Ópera (A Coruña).

    Componentes:
    T. S. Monk Jr: batería
    Wallace Roney: trompeta
    Jeffrey Stockham: trompeta y trompa
    Andrew Hunter: trombón
    Howard Johnson: tuba, saxo barítono
    Bob Porcelli: saxo alto
    Patience Higgins: saxo tenor
    John Exley: saxo barítono
    Sergio Salvatore: piano
    Eric Privert: contrabajo

     




    Sara Serpa Quintet (Ciclo 1906, Jazz Filloa, A Coruña. 2011-04-07)

    La inusual visita de polvo africano en suspensión, acompañada por temperaturas impropias de la época, presagiaba una velada diferente. La música de programa –aquella con vocación de describir referentes externos a la propia música– no es ajena al mundo del jazz, pero sí inusual. Las composiciones de Sara Serpa tienen como punto de partida diferentes pasajes y escenas de obras literarias que, por diferentes motivos, han cautivado a la portuguesa. La anécdota se agradece no sólo porque esas escenas –explicadas por la cantante antes de cada interpretación– facilitan la escucha o al menos proponen información adicional para asimilarla, sino porque demuestra que algunos músicos también leen… La propuesta de la cantante, no obstante, se tambalea en algunos puntos. La omnipresencia del scat –cuyos recursos domina y luce sin inhibición– llega a ser excesiva en un repertorio de por sí áspero, con armonías oscuras y un tanto obsesivas. Cierto retrogusto de pop alternativo se cuela además en una solución que, si bien debe aplaudirse por el arrojo, la audacia y el inconformismo frente a lo obvio, denota la obstinación de la juventud por concentrarse en la postura sin reparar en el verdadero alcance de su contenido. El camino elegido por Sara Serpa no es fácil, pero seguramente la llevará en ulteriores aventuras a cotas más refinadas, más depuradas, mejor dosificadas y repartidas… sin tener que renunciar a su personalidad. La de la pianista Kris Davis quedó patente en solos que airearon el paisaje con miradas muy diferentes: minimalismo, voicings de expresión naif, incómodas reiteraciones, exabruptos etc. Kamaguchi, también habitual en ofrecer sorpresas, estuvo demasiado ocupado en no perder las indicaciones del papel pautado y sólo se soltó en el segundo pase, en el que por fortuna pudimos ver la verdadera cara de Andre Matos con algunas intervenciones originales. Amaneció despejado.

    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

    Sara Serpa Quintet

    Ciclo 1906

    Fecha: 7 de abril de 2011.

    Lugar: Jazz Filloa (A Coruña).

    Componentes:

    Sara Serpa: voz
    Kris Davis: piano
    Andre Matos: guitarra
    Masa Kamaguchi: contrabajo
    Tommy Crane: batería



    Jan Garbarek Group (XVI Ciclo de Jazz Fundación Barrié, Palacio de la Ópera, A Coruña. 2011-04-02)

     

    El problema no es el jazz que viene del frío, ni si es jazz o no. El problema –si acaso no es el que esto escribe, que también podría ser– es que las canas no sientan bien a todos los vinos, quizá porque, lejos de las cubas en las que expusieron todo su arsenal, no encuentran ahora un feliz acomodo. Constatar esa grave pérdida es todavía más doloroso para quien ha escuchado muchas veces aquel excelso My Song y algunas otras joyas de la época en la que era un lujo tener a Garbarek en una grabación. El noruego parece haberse contentado con el hallazgo de una música con bandera de conveniencia con la que está eximido de rendir cuentas ante nadie (jazz, new age,world music…). El escollo aparece irremediablemente en cuanto van pasando los minutos y ninguna composición logra salvarse de una palmaria ausencia de creatividad, de frescura, de sorpresas… Para colmo, algunas melodías rayan la sensiblería y adolecen de falta de carácter, de personalidad y de gusto (¿y aquel gusto exquisito con el que el saxofonista parecía escoger cada una de las notas que soplaba antaño?). Para redondear la faena, ya casi en las postrimerías de un prolijo concierto de dos horas de duración –generosidad que se agradece pero que no redunda en la calidad del espectáculo–, el grupo se enfrasca en una interpretación inexplicable de un tema que, o es una versión de aquel horrible “Ghostbusters” con el que la radio nos taladró los oídos a mediados de los ochenta o, en caso contrario, es una vacua composición de la que cualquier músico debería avergonzarse y, habida cuenta del parecido con la lamentable banda sonora mencionada, muy poco original. Y es que esos guiños festivos –quizá esgrimidos para sacudirse el sambenito de músico nórdico, triste y frío– tampoco le sientan bien a Garbarek. Las intervenciones en solitario de Gurtu y de Brüninghaus fueron lo mejor de una velada abanderada por un líder que necesita que alguien le rescate… de sí mismo.
    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle
    JAN GARBAREK GROUPXVI Ciclo de Jazz Fundación Barrié

    Fecha: 2 de abril de 2011.

    Lugar: Palacio de la Ópera (A Coruña).

    Componentes:
    Jan Garbarek: saxos
    Rainer Brüninghaus: piano, teclados
    Yuri Daniel: bajo
    Trilok Gurtu: batería, percusión

     




    Tineke Postma Quartet (Ciclo 1906, Jazz Filloa, A Coruña. 2011-03-30)

    La saxofonista Tineke Postma es dueña de una mirada inteligente, incisiva y escrutadora, pero también de la mansedumbre de quien acaba de sacar del horno con naturalidad una tarta de manzana de receta propia. Esos dos hemisferios –la sagacidad de sus ojos y el aroma noble del postre– resumen de algún modo su posición ante la música, sus planteamientos estéticos y la naturaleza de su improvisación. En sus composiciones presenta melodías y estructuras domésticas y amables que luego, sin embargo, rompe en los desarrollos al servirse de patrones rítmicos diferentes o de nuevas estructuras: nos enseña la tarta y cuando vamos a hincarle el diente ésta cambia de aspecto. Para que esa secuencia no nos desequilibre, la nueva presentación de la tarta descansa también en territorios cómodos y familiares: algo de swing o algún groove insistente y pegadizo (de esos de menear el pie y la cabeza sin temor a perdernos). En esa frontera entre el jazz para todos los públicos y otro más personal, el soplido de la holandesa (especialmente con el soprano) revisita con su propio lenguaje las líneas dubitativas de Wayne Shorter y la pegada de Coltrane en “My Favourite Things”, sin por ello renunciar a cierto embeleso femenino y al terciopelo que dejó fluir en la meditativa “Before The Snow” que cerró el primer pase. Fue en el segundo, para mi sorpresa, cuando invocó con terrible soltura (y también con el soprano) al mismísimo Charlie Parker y la enjundia del bebop. El pianista Marc van Roon jugó también desde su puesto a desdoblarse. Utilizar el viejo piano del Filloa y un piano eléctrico (por separado o en un reparto de manos) le habilitaba para sonar añejo o fresco a su antojo. Sus elecciones de ambas opciones determinaron con acierto los múltiples cambios a los que la tarta y su aroma se vieron expuestos, magistralmente sostenido por el resto de la sección rítmica. Se echó de menos alguna otra intervención en solitario del contrabajista. Hubiese sido la guinda.

    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

    TINEKE POSTMA QUARTET

    Ciclo 1906

    Fecha: 30 de marzo de 2011.

    Lugar: Jazz Filloa (A Coruña).

    Componentes:

    Tineke Postma: saxos
    Justin Robinson: saxo
    Marc van Roon: piano
    Frans van der Hoeven: contrabajo
    Martijn Vink: batería

     




    ROY HARGROVE QUINTET. Ciclo 1906. Teatro Principal (Santiago de Compostela, A Coruña).

    Con la casa abarrotada hasta la bandera (y doy fe de ese aforo porque desde allí, encaramado en lo más alto de su mástil, disfruté de la velada) el quinteto de Roy Hargrove abrió el regalo inaugural de esta nueva edición del Ciclo 1906. El exquisito control del volumen fue la primera baza con la que el trompetista conquistó al respetable. Su soplido suave y muy bajito, en contraste con el discurso más enérgico del saxofonista Justin Robinson, le aseguraba una mayor atención por parte del público –concentrado en no perderse ni una sola de sus notas–, al tiempo que le permitía utilizar el recurso de aumentar el volumen por sorpresa para subrayar los momentos significativos. En esa dinámica desconcertante pero efectiva también pulula su lenguaje, que reconcilia el cool y el bebop en frases elegantes y precisas, contentando por igual a los seguidores de ambos estilos. El repertorio podría parecer abigarrado si tenemos en cuenta que en la coctelera cupieron hard bop, bolero, samba, baladas, soul… pero resultó muy coherente y empastado en la estética planteada por el líder, quien llegó al tuétano del asunto al empuñar el fiscorno en el tema interpretado a cuarteto. Sin salirse ni una coma del guión, el pianista Sullivan Fortner imprimió una importante estela de originalidad durante todo el concierto. Sus ideas, sus improvisaciones en bloques de acordes o siguiendo patrones rítmicos, su mano izquierda huyendo de las apoyaturas armónicas obvias para dibujar líneas melódicas etc nos descubrieron al músico más creativo sobre el escenario, a pesar de haberse sumado a las filas de Hargrove a última hora. Se echaron en falta, en cambio, más arreglos en el ensamblaje entre trompeta y saxo, máxime cuando la disparidad entre ambos hubiese reportado mucho color y la ilusión de la sonoridad de las big bands. Evidentemente eran otros los intereses del líder: un planteamiento sencillo, casi desnudo, con los correspondientes espacios reservados para los solos y pocas sorpresas en la estructura. Un clásico.

    Texto © 2011 Quinito L. Mourelle

    Fecha: 18 de marzo de 2011.

    Lugar: Teatro Principal (Santiago de Compostela, A Coruña).

    Componentes:

    Roy Hargrove: trompeta, fiscorno
    Justin Robinson: saxo
    Sullivan Fortner: piano
    Ameen Saleem: contrabajo
    Montez Coleman: batería