De Diego Brothers: Since 1993 (Errabal Jazz, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Un cuarto de siglo en la brecha para una banda de jazz es una gesta en este país. Los hermanos de Diego lo han conseguido después de haber llevado una dilatada carrera, en la que han participado en multitud de actuaciones en directo en grandes festivales nacionales e internacionales, así como en su amplia discografía, tanto líderes como acompañantes.

Para celebrarlo han editado este trabajo, Since 1993, donde en ocho temas despliegan sus principales señas de identidad tanto a nivel interpretativo como compositivo. Sonidos divertidos y ya conocidos: hay funk, blues, y soul con el buen hacer de los dos hermanos bilbaínos. Tanto en sus interpretaciones conjuntas como alternando los solos, los de Diego se muestran brillantes como sus instrumentos, sin despreciar el trabajo de los otros dos acompañantes, Abel Boquera al órgano y Caspar St. Charles en la batería.

Así, para comenzar con “Macarrones con David” ya se entra en faena con una pieza alegre con ribetes funkies donde los metales siempre marcan la dirección. Con un primer solo de Víctor de Diego, el órgano va acentuando las notas, junto con la batería. La trompeta de Juan de Diego a medio tempo propone un nuevo enfoque al tema. “Chiretas” también es una pieza que suena claramente a funky de los setenta, con amplio protagonismo del órgano y los metales de nuevo. “Roc´s” es un blues acelerado y perfectamente engrasado por toda la banda.

Y por supuesto no podían faltar las referencias al soul en “Yeah”, una pieza lenta de las que se ponían para bailar. “Me niego” recoge toda ala ebullición rítmica de los sesenta. Donde el órgano vuelve a encaramarse como guía. El dúo de metales le imprime la quinta marcha a la pieza. En “Amor crónico” se insiste en los ritmos soul y funkies con los tempos perfectamente establecidos.

El cuarteto muestra una sincronía apabullante y los ritmos están muy bien engarzados. En “Gostrondiko”, Víctor de Diego y Abel Boquera hace una gran aportación. Y para terminar “Mikro”, otra pieza claramente soul que alegra al más aburrido.

Por tanto, una buena celebración para los hermanos de Diego, siempre en primera línea con sus trabajos en solitario o en sus colaboraciones con lo más granado del jazz nacional, donde por supuesto también están ellos.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

De Diego Brothers: Since 1993

Músicos: Victor de Diego (saxo tenor), Juan de Diego (trompeta y fliscorno), Abel Boquera (órgano hammond B) y Caspar St. Charles (batería).

Temas: “Macarrones con David”, “Chiretas”, “Roc´s”, “Yeah”, “Me niego”, “Amor crónico”, “Gostrondiko” y “Mikro”.
Todos los temas compuestos por Victor de Diego y Juan de Diego.

Grabado el 9, 10 y 20 de abril de 2018 en Amigó 42. Publicado en 2018 por Errabal Jazz




María Toro (Festival Feminajazz. Sala Berlanga, Madrid. 2019-10-04) [Conciertos]

Por Carlos LaraEnrique Farelo.

  • Fecha: 4 de octubre de 2019.
  • Lugar: Sala Berlanga. Madrid.
  • Grupo:
    María Toro
    María Toro: flauta travesera.
    Moisés P. Sánchez: piano.
    Toño Miguel: contrabajo.
    Andrés Litwin: batería.

La gallega María Toro es una agradable sorpresa dentro del panorama del jazz español. Con su flauta travesera se une a la minoría de músicos que cultivan este instrumento, al frente de la cual está por supuesto Jorge Pardo. Es indudable que éste ha sido una referencia para María, pero también que, a medida que se sucedía el concierto, ha conseguido labrarse un estilo propio tanto en sus interpretaciones como en las composiciones. Son muchas las influencias que se destilan en su manera de entender la música de María Toro. Desde el flamenco a la música brasileña, pasando por la música popular gallega, con el jazz como elemento catalizador.

Todo este bagaje salió a relucir en el concierto que ofreció acompañada por un trío de lujo con Moisés P. Sánchez al piano, Toño Miguel al contrabajo y Andrés Litwin, a la batería. Un combo que ya de por sí merece un sitio destacado en el jazz nacional.

Con dos discos en el mercado y otro recientemente editado, María Toro interpretó la mayor parte de los temas del álbum Araras, que grabó durante su estancia en Río de Janeiro. Alrededor de Araras se sucedieron canciones como la que da título al disco, inspirada en los pájaros cariocas, y otras como “A las 7”, “55.12” o “Échate a un lado”. Composiciones todas de la propia María Toro con unos grandes arreglos, que entendieron a la perfección los músicos de la sección rítmica. Entremedias hubo tiempo para una referencia a su origen gallego con la interpretación de “A Costureira”, un tema escuchado por María en su niñez en la costa lucense.

El virtuosismo de María Toro a la flauta emite unas notas llenas de color e intensidad, que dibujan paisajes llenos de optimismo. Moisés P. Sánchez es un pianista con una amplia paleta capaz de llegar a los espacios más inverosímiles y qué decir de Toño Miguel y Andrés Litwin, que son toda una garantía de buen hacer y sentido jazzístico.

Con “Você quer?”, tema inspirado por el canto de un vendedor ambulante en la playa de Ipanema, finalizó un muy buen concierto dentro del Festival Feminajazz, que seguro tendrá una continuidad en una próxima edición.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Irene Reig Trio (Festival Feminajazz. Teatro del Bosque, Móstoles, Madrid. 2019-10-03) [Conciertos]

Por Carlos LaraEnrique Farelo.

  • Fecha: 3 de octubre de 2019.
  • Lugar: Teatro del Bosque. Móstoles (Madrid).
  • Grupo:
    Irene Reig Trio
    Irene Reig: saxo alto.
    Pau Sala: contrabajo.
    Joan Casares: batería.

Feminajazz es un festival que cumple una función importante: poner en evidencia la situación de discriminación que sufren las mujeres en los festivales de jazz. Los datos así lo avalan: apenas se cuenta con la participación de las mujeres jazzistas. Su presencia se reduce la mayoría de veces a las vocalistas, y mucho menos se recurre a las instrumentistas. Siempre son bienvenidos los festivales de jazz en España, pero si son como Feminajazz, donde la mujer es protagonista, todavía lo son más.

La barcelonesa Irene Reig se aficionó muy pronto al jazz tras iniciar sus estudios de música. La saxofonista y compositora formó parte de la Sant Andreu Jazz Band, cantera inagotable del jazz catalán. Marchó una temporada a Amsterdam, en cuyo Conservatorio completó su formación y obtuvo un Máster de Interpretación. Actualmente lidera varias formaciones, entre ellas el trío con el que se presentó en el Teatro del Bosque de Móstoles.

Irene ofreció un concierto cargado de standards bien conocidos por todos los aficionados. Composiciones de Duke Ellington, Count Basie o Charlie Parker se sucedieron ante la atenta mirada de los asistentes. Un clásico como “The Shadow of Your Smile” de J. Mendel dio buena cuenta de las facultades y la capacidad para la improvisación de esta saxofonista. En el recital hubo mucho swing con logrados desarrollos en las improvisaciones y con un buen respaldo de la sección rítmica. Desde luego, Irene Reig es una gran seguidora del bop y así lo dejó patente en el concierto.

Quizá se echó en falta alguna composición propia más para comprobar su otra faceta musical, ya que solo tocó la pieza “Ca l´Ana”, que fue una buena balada muy bien interpretada dentro de un concierto que resultó entretenido, aunque quizá un tanto académico en la elección de los temas.

 

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Lurpekariak: Itsasotik Iturrira (Errabal Jazz, 2019)

Por Carlos Lara.

Lurpekariak es un sexteto que combina la improvisación jazzística con el folclore vasco, el jazz de Nueva Orleans, e incluso con momentos de free jazz. Un repertorio completamente original con el que quieren marcar su propio estilo. Debutan con Itsasotik iturrira (Del mar a la fuente). La formación es un tanto peculiar ya que está compuesta por un trompeta, dos contrabajos, dos baterías y una cantante. Acertadamente se ha definido al grupo como un doble trío. Uno formado por voz, contrabajo y batería, y el otro por trompeta, contrabajo y batería.

Nerea Erbiti, vocalista, Ion Celestino a la trompeta, Ander García y Javier Callén contrabajistas y Daniel Lizarraga e Israel Tubilleja, bateristas, conforman Lurpekariak, que interpretan doce temas composiciones.

El grupo se formó en 2015 tras años de estudio y experimentación. Su música tiene como ejes Euskal Herria, África y Nueva Orleans, donde se fusionan la libre improvisación con los cantos de los pastores y sonidos ancestrales. Por un momento podemos estar escuchando folclore vasco y de pronto pasamos a la libre improvisación, al free jazz o incluso a otros instantes más rockeros. La cantante juega un papel importante con sus diferentes registros y diálogos con los instrumentos, ya que puede pasar del modo tradicional a improvisar scat.

En el disco nos encontramos solos de trompeta con la voz de Nerea Erbiti acompasada en “Lehen Agurra”, una canción de la vocalista con apoyo del contrabajo en “Zakur Bat Dabil I”, o un solo de trompeta con canción masculina, trompeta y sonido de cencerros “Dnrbl”. Voz y trompeta, con la batería que apoya de fondo y el contrabajo, jugando mucho con los ritmos y la voz en “Banango Zaharra”. La canción popular, con la trompeta improvisando y el apoyo de la batería llaman la atención en “Soldadu desertur baten khantoria”. O el dúo de voz y trompeta con acompañamiento de batería en “Sagardantza”.

En “116” la voz enriquece a las dos baterías y a la trompeta. La cantante alterna el scat, y canto rural con los dos bajos improvisando intensamente.

La voz como un instrumento más del grupo acompañada por la percusión. Con improvisación libre. La voz se estira de forma impresionante en “Rrntz”. La música vasca con la percusión a dúo con contrabajo en “Ttkn Ttn Ttkn”, seguida de la canción popular vasca “Liliak Ihes”. De nuevo Nerea Erbiti seguida por el contrabajo con arco y trompeta por debajo en “Ez Duzu Zereginik”.

Para terminar, “Azken Agurra (Zakur Bat Dabil Il)”, en esta ocasión con voz, contrabajo y percusión. La trompeta toma la iniciativa, se sucede un dueto de batería y contrabajo y la pieza llega a su fin el tema con los solos de batería.

El resultado final del disco es sorprendente porque su originalidad y su experimentalismo reflejan que hay todo un trabajo detrás de estudio y de respeto por las música propia, pero abierto a otros horizontes sonoros.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Lurpekariak: Itsasotik Iturrira

Músicos: Nerea Erbiti (voz), Ion Celestino (trompeta), Ander García (contrabajo), Javier Callén (contrabajo), Daniel Lizárraga (batería) e Israel Tubilleja (batería).

Temas: “Lehen Agurra”, “Zakur Bat Dabil I”, “Dnrbl”, “Banango Zaharra”, “Soldadu desertur baten khantoria”, “Sagardantza”, “116”, “Rrntz”, “Ttkn Ttn Ttkn”, “Liliak Ihes”, “Ez Duzu Zereginik” y “Azken Agurra (Zakur Bat Dabil Il)”.
Temas compuestos conjuntamente por Lupekariak, excepto “Liliak Ihes” por Ander García.

Grabado en el Palacio de Donamaria los días 10 y 11 de Marzo de 2018.

Publicado en 2019 por Errabal Jazz

 




Juyma Estévez Trío: Viento del Norte (FreeCode JazzRecords, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Juyma Estévez, contrabajista gallego, ha editado Viento del Norte, su segundo disco como líder en compañía del guitarrista David Regueiro y Noli Torres a la batería. Un trabajo ecléctico en cuanto a su contenido. En su trayectoria, Estévez ha explorado diferentes géneros ya sean jazz, rock, blues o folk, y lógicamente salen a relucir en los nueve temas que componen el disco, que fue grabado en su integridad en el auditorio de Bueu, su pueblo natal, en Pontevedra.

Con el contrabajo a modo de blues “O baile dos vampiros” poco a poco va evolucionando hasta que la guitarra toma el mando y el trío empieza a navegar. El trío también se atreve por aspectos más rockeros como en “Chamada o combate” o entrando en el territorio del jazz manouche, como “Entre tahúres”, ya que David Regueiro está especializado en la música de Django Reinhardt.

“Blues for Brown” se inicia con solos de contrabajo en un evidente blues a medio tono, tranquilo, con una rítmica correcta, buenos punteos del guitarrista, con un buen solo del contrabajista.

El tema que da título al disco, “Viento del Norte”, nos muestra a Ricardo Regueiro, con un cierto lirismo a la guitarra, nostálgica y sugerente. Las cuerdas evolucionan lentamente con el contrabajo y la batería remarcando las notas. Hasta que la guitarra se desata con distorsiones muy creativas en uno de los mejores temas del disco.

Nuevo comienzo de blues en “Faino tí!”, el contrabajo se marca un solo y la guitarra cambia a blues. Una pieza equilibrada del trío cumpliendo todos los músicos en su perfecto papel.

El contrabajo y percusión dan entrada al tema “Miradas”, con la guitarra a punteos lentos, “Miradas”. Una pieza que poco a poco engancha, donde resalta el sonido propio de David Regueiro que suena ágil y preciso. Lo mismo que sucede con “Like my booga?”, donde David Regueiro suena alegre y evoluciona sin ataduras. Hay frescura en los arreglos y las armonías.

Dominio de la melodía a cargo del guitarrista que conforma una bonita balada en “Nostalgia”. Pieza tranquila que navega sobre aguas cristalinas y calmadas. El contrabajo apoya a la guitarra con notas remarcadas. El final de la pieza lo protagoniza la guitarra con punteos más rockeros y desenfrenados, con el contrabajo y batería siguiendo a la guitarra en unos minutos muy emocionantes.

Disco interesante lleno de contrastes en el que el trío ofrece muy buenos momentos dignos de disfrutarse.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Juyma Estévez Trío: Viento del Norte

Músicos: Juyma Estévez (contrabajo), David Regueiro (guitarra) y Noli Torres (batería).

Temas: “O baile dos vampiros”, “Chamada o combate”, “Entre tahúres”, “Blues for Brown”, “Viento del Norte”, “Faino tí!”, “Miradas”, “Like my booga?” y “Nostalgia”.
Todos los temas han sido compuestos por Juyma Estévez excepto “Like my booga?” que fue compuesto por David Regueiro.

Grabado en el auditorio de Bueu por Sonart en febrero del 2018

Editado en 2018 por Free Code JazzRecords




Ken Vandermark: Momentum 4 (Audiographic Records, 2019. Box 5 CD) [Grabación]

Por Pachi Tapiz.

Magnífica la caja de 5 CD en edición limitada Momentum 4 de Ken Vandermark. El contenido son cinco conciertos, cinco dúos registrados en 2015 (con Paul Lytton), 2018 (con Ikue Mori, Kris Davis y William Parker en enero de ese año en el neoyorkino The Stone), y en 2019 (con Hamid Drake).

El dúo es un arte complicado, que no es ajeno a la carrera de Ken Vandermark: uno de sus grandes partenaires en este formato es el baterista noruego Paal Nilssen-Love, con quien además de participar en múltiples proyectos y aparecer en un buen puñado de grabaciones, ha grabado unos cuantos discos a dúo. Nilssen-Love no está aquí (de hecho hace unos pocos meses publicaban en el sello de Nilssen-Love su último dúo titulado Screen Off), pero los fans de las grabaciones (en dúo) de Vandermark pueden añadir esta caja con cinco CD en este formato.

Como es habitual en la escena del Free y la Improvisación Libre, estos CD muestran el trabajo en directo de los correspondientes dúos; nada de grabaciones a lo largo de varias jornadas, selecciones posteriores y trabajo de edición/selección en estudio. Lo importante y característico de todos y cada uno de los conciertos – CD es la diferencia que existe entre las propuestas, algo que sin duda se logra gracias a la capacidad de Vandermark y compañía de mimetizarse – complementarse entre sí, puesto que en este caso estamos hablando de seis pesos pesados de la improvisación actual. Ayuda a la escucha la duración de los CD: en total la caja dura poco más de cuatro horas, lo que lleva a una duración promedio de poco más de 45 minutos, una extensión perfecta para que ni en directo ni en grabación, el oyente – escuchante tenga la oportunidad de dispersar su atención de la música.

Quien conozca mínimamente a los músicos, podrá llegar a hacerse una pequeña idea de lo que suena en cada uno de los CD. Hamid Drake muestra la máquina polirrítmica que puede llegar a ser: lo confesaré, fue el primero de los CD que escuché de la caja y como siempre, ni Ken ni Hamid (son tantos los discos que he escuchado de ambos que me voy a permitir el lujo de llamarles por su nombre de pila), me defraudaron, aunque pasan los años sigue siendo un placer escuchar la magia que surge de sus interacciones. William Parker es otra debilidad personal, y tampoco decepciona con esa capacidad enorme que tiene de hacer surgir pequeñas melodías en sus improvisaciones. Paul Lytton es otro peso pesado de la batería dentro de la escena de la improvisación libre desde hace décadas, y lo suyo es su potencia característica, incluyendo esa forma tan sutil de tocar potentemente la batería. Ikue Mori da una magnífica muestra de cómo utilizar la electrónica, empleando una paleta muy variada de sonidos. Finalmente, Kris Davis que es uno de los puntales de la impro libre actual, y que se entiende a la perfección con Vandermark, en una propuesta en la que ambos saben ceder la voz cantante del dúo y atender a la expresión del compañero.

Momentum 4 no decepciona: está al nivel esperado de todos y cada uno sus protagonistas, el cual es muy elevado. Sin dudarlo, una obra de cinco estrellas.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2019

Ken Vandermark with Kris Davis · Hamid Drake · Paul Lytton · Ikue Mori · William Parker: Momentum 4. Consequent Duos: 2015>2019

CD1: Paul Lytton (batería y percusión), Ken Vandermark (saxo y clarinete)
Grabado el 3 de junio de 2015 en Experimental Sound Studio, Chicago

CD2: Ikue Mori (laptop y electrónica), Ken Vandermark (saxo y clarinete)
Grabado el 3 de enero de 2018 en The Stone, New York City

CD3: Kris Davis (piano), Ken Vandermark (saxo y clarinete)
Grabado el 4 de enero de 2018 en The Stone, New York City

CD4: William Parker (contrabajo), Ken Vandermark (saxo y clarinete)
Grabado el 6 de enero de 2018 en The Stone, New York City

CD5: Hamid Drake (batería y percusión), Ken Vandermark (saxo y clarinete)
Grabado el 28 de enero de 2019 en Experimental Sound Studio, Chicago

Publicado en 2019 por Audiographic Records. Box 5 CD en edición limitada a 500 copias.

Nota: el dúo con Hamid Drake se puede escuchar en JazzX5#81: https://www.tomajazz.com/web/?p=45793




Víctor Antón Group: Changing Gears (Errabal Jazz, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Segundo disco para el sello Errabal Jazz del guitarrista zamorano afincado en Valladolid, Víctor Antón, con un quinteto de magníficos músicos.

Con un dúo de guitarra y saxo interpretando la misma melodía evolucionando   plácidamente hasta que el saxo navega solo arropado por el resto del grupo, empieza el tema “Conexiones”. Víctor Antón toca la guitarra con un sonido limpio, sincero y con mucho swing.

Precisos punteos en “Aquarius” sirven  de introducción a una balada sugerente con gran participación de la sección rítmica que incrementa la intensidad de la pieza. El saxo de Roberto Nieva le da al tema otra vuelta más de calidad, y el tema nos atrapa, hasta que Antón vuelve a retomar sus  de nuevo a punteos  en un final muy brillante. Con retazos boperos, “Don´t Look Back”, se desarrolla a medio tempo donde la guitarra delante arrastra a todo el conjunto de la rítmica con mucho swing. Destaca el pianista con su decisión en la toma de relevo y acompañado del resto de la rítmica engarzan un fragmento lleno de elegancia. La guitarra enlaza de nuevo para seguir en clave de swing. “Untitled” comienza con el conjunto y el  piano y la guitarra alternándose  en su conversación. Ricardo Nieva entra con sus sinuosos fraseos y la guitarra toma el relevo con sus finos toques. “New Home” guitarra sola para comenzar dando la entrada a batería y contrabajo y piano.  Ritmos alegres y sugerentes por su amplitud en “Cruzar el charco”. Hay fraseos precisos de Roberto Nieva y grandes punteos de Víctor Antón para finalizar.

Una estupenda balada, “The Key”, donde la guitarra va desplegando las notas poco a poco con el saxo de Ricardo Nieva llevando la iniciativa. Para finalizar “On a Train”,  una pieza cargada de mucha rítmica y llena de colorido, primero a la guitarra y luego a cargo del piano, siempre muy bien arropado por el contrabajo y la batería.

Changing Gears son ocho magníficas composiciones interpretadas con claridad meridiana y una excelente producción. El resultado: un disco muy bien trabajado previamente en el taller de creatividad y una oda al buen gusto musical.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Víctor Antón Group: Changing Gears

Músicos: Víctor Antón (guitarra), Roberto Nieva (saxo alto), Juan Sebastián Vázquez (piano), Chuchi García (contrabajo) y Juanma Barroso (batería).

Composiciones: “Conexiones”, “Aquarius”, “Don´t Look Back”, “Untitled”, “New Home”, “Cruzar el charco”, “The Key” y “On a Train”.
Temas compuestos por Víctor Antón.

Grabado en Cascabel Producciones (Valladolid), los días 11 y 12 de junio de 2018.

Editado por Errabal Jazz en 2019.

 




Wynton Marsalis – Bolden (Blue Engine Records, 2019) [Grabación]

Por Julián Ruesga Bono.

Buddy Bolden es una figura legendaria en el mundo del jazz. Se sabe muy poco de él y de su música aún menos. No existe ninguna grabación de su música y solo se conserva una fotografía suya. Todo es información oral transmitida de quienes lo conocieron o de quienes oyeron hablar de él. La leyenda lo presenta como una figura mítica, inventor pionero del jazz, su mito fundacional. La información más completa y fidedigna sobre Bolden es la aportada por Donald M. Marquis, una investigación realizada durante quince años y publicada en 1978 por la Louisiana State University Press, en formato libro: In Search of Buddy Bolden: First Man of Jazz. Hay una edición más reciente, de 2005, ampliada con nuevos datos y correcciones a la primera edición. No existe traducción al castellano.

El no conocer mucho de Bolden ha facilitado que la leyenda popular sobre el personaje haya ido creciendo con el paso del tiempo, y la especulación sobre su vida y su música sea terreno abonado para la literatura y el cine. Que su vida terminara en un hospital psiquiátrico aporta al mito el ingrediente trágico que lo completa y dimensiona. Para los guionistas y el director de la película, Bolden, Where the music began (2019), es la posibilidad de tomarse algunas libertades creativas. No puede ser de otra manera. Según lo publicado en prensa, el film está planteado como una narración no lineal que describe la historia del trompetista a través del racismo, la drogadicción, las enfermedades mentales, la misoginia, la prostitución y otras formas de explotación a las que estaban sometidos los negros a finales del siglo XIX en el sur de Estados Unidos.

La película está dirigida por Dan Pritzker y, según la prensa, proporciona una visión del entorno cultural en el que se originó el jazz y vivió Charles “Buddy” Bolden (1877–1931). En la película el actor Gary Carr interpreta a Buddy Bolden y Reno Wilson a Louis Armstrong –también es el actor quien canta imitando la voz grave y áspera de Armstrong en varios temas. Wynton Marsalis aporta las partes de trompeta para ambos personajes.

El CD, con la banda sonora original, ya está circulando y a la venta. Realizada por Wynton Marsalis, la música es un viaje a los años del jazz no grabado en la ciudad de Nueva Orleáns a caballo entre los siglos XIX y XX. El álbum está compuesto por un total de 26 temas, entre canciones de diferentes autores de la época y composiciones de Marsalis, escritas para evocar cómo podría haber sonado la música de Bolden. La música del álbum tiene garra y suena con energía y fuerza, es potente, una brillante recreación y homenaje a Bolden por parte de Marsalis, que realiza un trabajo excelente en el álbum.

Es un acierto que un conservacionista del jazz como Marsalis se ocupe de recrear e interpretar musicalmente a Bolden –y sea el responsable musical y alma máter de todo el proyecto. Ningún otro folklorista lo hubiera hecho mejor. Como se ha dicho, no se conoce ninguna grabación de la música de Bolden, sólo referencias orales de los músicos que lo acompañaron o de quienes lo escucharon. Diez de las 26 canciones del álbum son composiciones de Marsalis y encajan perfectamente con clásicos estandarizados de la época, como “Tiger Rag”, “Stardust”, “Black and Blue” y “Basin Street Blues”, con solos de trompeta y corneta de Marsalis. Destacar las dos versiones del tema “Timelessness”, una de las composiciones de Marsalis en el álbum. Una es interpretada por una banda de 7 miembros y la versión larga por una orquesta de jazz de 10 músicos. Toda la banda sonora está ejecutada por el trompetista y por miembros de la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, y la cantante Catherine Russell. -en un estándar de la época de Buddy Bolden, “Make Me A Pallet On The Floor”, y en el tema que cierra el álbum, “Buddy’s Horn”, otra composición de Marsalis. Entre los músicos que participan en la grabación están Don Vappie (banjo), Marcus Printup (trompeta), Wycliffe Gordon (trombón de pistones), Michael White y Victor Goines (clarinetes) y Ali Jackson (batería), –todos integrantes de la Jazz Orchestra of Lincoln Center.

El CD esta publicado en formato digipak tríptico, con un folleto a color de 20 páginas que contiene un ensayo escrito por el clarinetista Michael White presentando el álbum y la figura de Bolden, además de los créditos de las sesiones de grabación y fotografías de la película. Añadir que el disco está editado por el sello, Blue Engine Records, el sello de la discográfica del Jazz at Lincoln Center, del que Marsalis es Director Ejecutivo.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2019

Tomajazz recomienda… la lectura en https://www.tomajazz.com/web/?p=45596 de un completo artículo acerca de Buddy Bolden.




JVeraQuartet: Haruki (Errabal Jazz, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Curtido en múltiples batallas como músico de sesión que ha acompañado a muchos artistas nacionales de diversos estilos, el contrabajista y compositor mallorquín José Vera ha reunido a un buen cuarteto e invitados en Haruki. Un disco que se disfruta como el aroma de un buen café, ya que su calidad está asegurada con buenas composiciones e interpretaciones. Las sesiones de grabación tuvieron que ser envidiables porque se respira en cada uno de los temas un sonido alegre, muy cálido y creado para el gozo de los amantes del jazz. Son diez canciones en las que por encima de todo sobresalen las interpretaciones de los músicos, que forman un conjunto sólido que se ve reforzado por las incorporaciones puntuales.

El comienzo del disco es muy alegre en el primer tema “Impulso”, que empieza muy suave con acompañamiento de voz a cargo de Fito Robles, con toques de Fender Rhodes y el soprano de Brínguez que le dan un aire festivo, con un final a cargo de Fito Robles en una intervención poética. En “Haruki” el tenor y el Rhodes, la batería a medio tempo, crean un conjunto muy equilibrado. El solo de Ariel Brínguez y el pianista con varios duetos protagonizan parte del tema.

“Blues for Jacob” cuenta con la colaboración de Raynald Colom a la trompeta en una pieza claramente de Hard Bop, donde el saxo solo de Ariel Brínguez deja a la trompeta el relevo. Hay que decir que la sección rítmica acompaña a la perfección, el piano acomete un solo intenso hasta que el contrabajo hace un break.

Un ritmo fuerte imprimen el piano y la batería a “Sol Camp”, que dan paso al saxo soprano en la primera improvisación larga. El contrabajo y el piano toman el relevo. Y en una segunda parte del tema prosigue con los mismos ritmos y el piano con un solo intenso.

Preciosa balada “Agosto”, donde el tenor, batería y piano recrean un cuadro lírico. El piano empieza una improvisación, a la que sigue otra del saxo tenor y otra del contrabajo. El contrabajo y el saxo tenor se marcan el comienzo en un dueto en “Butterfly”, una conversación que se prolonga hasta que la batería y el piano se van incorporando. La pieza empieza a subir de intensidad poco a poco. De nuevo el contrabajo y el piano realizan una conversación con un solo del pianista.

La cantante Ángela Cervantes y Raynald Colom al fiscorno protagonizan el tema cantado en portugués “Cançao de Satina”. Una canción deliciosa que se enriquece con la sección rítmica. El contrabajo y el Fender Rhodes apoyados por la batería empiezan “Mòn Bé”, a continuación el soprano de Ariel Brínguez se destaca en una melodía también con ritmos cálidos y líricos. Josué Santos se incorpora con el sintetizador y el soprano vuelve a dirigir la improvisación. El piano se hace con el tema con un break del contrabajo.

“Bamako” se inicia con bajo eléctrico y Rhodes en ritmos alegres y la voz de Mónica Benito. Pieza también que irradia cierta calma espiritual y exotismo. La incorporación del Fender Rhodes le da un toque especial al grupo. El disco culmina con una interpretación a solo de José Vera, “Sometimes snows in April”, muy lograda al contrabajo y el bajo eléctrico.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

JVeraQuartet: Haruki

Músicos: Ariel Brínguez (saxo tenor, soprano y voz), Jacob Sureda (piano y Fender Rhodes), José Vera (contrabajo, bajo eléctrico y voz) y Andrés Litwin (batería).

Invitados: Fito Robles (voz), Raynald Colom (trompeta y fiscorno), Ángela Cervantes (voz), Miguel Ángel Collado (guitarra), Josué Santos (Seaborad Synth) y Mónica Benito (voz).

Composiciones: “Impulso”, “Haruki”, “Blues for Jacob”, “Sol Camp”, “Agosto”, “Butterfly”, “Cançao de Satina”, “Mòn Bé”, “Bamako” y “Sometimes snows in April”.

Grabado en directo en Dr. No Estudio los días 25, 26 y 27 de junio de 2018.

Editado por Errabal Jazz en 2018




Nicolas Meier World Group: Peaceful (MGP Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Nicolas Meier es sin duda un ciudadano del mundo, así lo expresa en su música y lo lleva impreso en la denominación de su grupo.

Nicolas Meier recorre el mundo a través de su música y sus diferentes guitarras. Ecléctico en su concepción musical no deja de lado ninguna propuesta que tenga que ver con el folclore de diferentes lugares, costumbres y personas.

Tomando el jazz como punto de partida se alinea con el flamenco, el tango, la música turca, del norte de África, oriental y del Medio Oriente, la New Age, el jazz latino e incluso el rock o el pop.

En Peaceful encontramos todo lo expuesto con una pátina de serena amabilidad donde predomina el  feliz optimismo y el embrujo oriental.

La plenitud de Peaceful reside en sus texturas, en sus aromas, fragancias y exotismo con las que inunda nuestro caminar a lo largo del disco, sobre todo en “Princes ‘Islands”.

Cobra especial interés e importancia la inclusión del violinista Richard Jones en sus variados e interesantes diálogos con Nicolas Meier que llegan a recordar a la legendaria pareja de Grapelli y Reinhardt del Hot Club de France, algo que se muestra con especial fuerza en piezas como “Soho Square”.

Las cadencias de Kevin Glasgow al bajo, y sobre todo Demi García a las percusiones dirigen mi pensamiento a la música de la canadiense Loreena McKennitt, tal como se escucha en composiciones como “Caravan of Anatolia” o “The Island”, que no son sino un giño a la música turca.

La bailable “Besiktas Cafe”, nos pone ante un escenario de marcado carácter mediterráneo. Más latina o mejor brasileña se muestra “Manzanita Samba” tal como indica su título.

La paz llega de la mano de la relajante y pacifica balada que da título al disco: “Peaceful” (como no podía ser de otra manera).

“Water Lilies” es sin duda una manera diferente de traducir el flamenco dándole un carácter  y una visión distinta donde los punteos de la guitarra de Nicolas Meier nos acercan más a John McLaughlin o Larry Coryell que a Paco de Lucía. Más alejada del flamenco tradicional pero influenciada por él, es “City Of The 3 Rivers” donde la calidez del guitarreo de Nicolas Meier me pone sobre la pista del también guitarrista acústico Earl Klugh.

© Enrique Farelo, 2019

Nicolas Meier World Group: Peaceful (MGP Records 2019)

Músicos: Nicolas Meier (Guitarras acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas y glissentar), Richard Jones (violín), Kevin Glasgow (Bajo) y Demi García (Percusión)

Composiciones: 1/“Besiktas Cafe”, 2/“Manzanita Samba”, 3/“Peaceful”, 4/“Caravan of Anatolia”, 5/ “Water Lilies”, 6/“ Princes’ Islands”, 7/“City Of The 3 Rivers”, 8/“The Island” y 9/“Soho Square”.
Todas las composiciones de Nicolas Meier.

Grabado en MGP estudios de 2019.