Kontxi Lorente Quartet: Mediterranean Sea (Sedajazz, 2012)

Kontxi Lorente Quartet Mediterranean SeaLa pianista Kontxi Lorente hace su debut discográfico con un nuevo producto de la factoría Sedajazz, que sigue con su labor de descubrimiento de nuevos valores en el jazz nacional. Hay que decir que se trata de un hallazgo certero, que ha sorprendido gratamente a quien suscribe. A lo largo de este viaje mediterráneo que nos propone esta pianista navarra hay una profunda labor en la sombra, a pesar de que los temas puedan aparentar cierta sencillez compositiva. Es evidente que su escucha remite a sonoridades ya trabajadas con anterioridad, pero ello no supone ningún agravante para Mediterranean Sea. Al contrario, llama la atención la frescura de la mayoría de los temas y el colorido y la luminosidad con que los músicos han plasmado las composiciones de la pianista. Un cuarteto muy equilibrado, que sabe transmitir con amplia libertad unas piezas estructuradas de manera convincente. Al piano, Kontxi Lorente, muestra un estilo directo sabiendo asumir su papel de líder del grupo, dejando expresarse con decisión al resto de los músicos. Sobre el saxofonista Vicente Macian, me reitero en lo dicho en una reseña anterior a propósito de su trabajo Bam!, que interpreta con determinación y se convierte en acompañante perfecto en este trabajo. Tanto Alessandro Cesarini, al contrabajo, como Gonzalo del Val, en la batería, cierran el círculo y contribuyen a incrementar la calidad de este disco.

© Carlos Lara, 2012

Kontxi Lorente: Mediterranean Sea

Músicos: Vicente Macian (saxos tenor y soprano), Kontxi Lorente (piano), Alessandro Cesarini (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería).

Composiciones: “El Viaje”, “Violeta”, “Azul en Verde”, “El Mar”, “Abril”, “ A Flote”, “Nostalgia” y “De vuelta a casa”.
Todos los temas compuestos y arreglados por Kontxi Lorente

Grabado en Milenia Studies (Valencia) en agosto de 2011. Editado en 2012 por Sedajazz. SJ017

Crítica publicada originalmente en mayo de 2012 en Tomajazz




Joan Díaz: Dalirògena (retrat sonor de Salvador Dalí) (Satchmo Jazz Records, 2004)

Joan Diaz_DalirogenaLujosa presentación “surrealista” de este CD, dedicado íntegramente al genial pintor gerundense Salvador Dalí; en formato digi-pack con amplia documentación fotográfica interior de cuadros del pintor.

No menos lujosa la música incluida en esta obra, dividida en 4 partes y, subdividida a su vez en 7 temas que conforman una obra conceptual de los 4 elementos naturales: “agua” (partes I,II), “tierra” (partes I,II), “aire” (partes I,II) y “fuego”.

Joan Díaz ha completado su obra mejor y mas madura de cuantas ha realizado hasta la fecha; por encima de su anterior disco para Satchmo Mostrebú (2001).

La elección de los componentes no ha podido ser mas acertada; Daniel Pérez , es sin duda uno de nuestros mejores guitarristas, moderno, vanguardista con pleno dominio del instrumento cuya participación es siempre generosa.

David Mengual, es quizás nuestro mas destacado contrabajista después de Baldo Martínez que no hace mucho publicara en este mismo sello su último trabajo (en igualmente lujosa presentación digi-pack) Deriva con la práctica totalidad de los músicos intervinientes en Dalirógena.

David Xirgu es un batería magnífico, moderno, sutil, capaz de emplearse a fondo cuando la ocasión lo requiere; hace 4 años grabó un excelente disco para FSNT con Daniel Pérez titulado Indolents.

Jon Robles es un saxo de fraseo fácil, potente y sostenido que además utiliza la flauta travesera con acierto en el corte “agua parte I”, que abre el disco.

No puedo ocultar mi gusto por los sonido producidos por el Fender Rhodes, sobre todo si se hace con la soltura y sensibilidad de Joan Díaz, demostrando que es suficiente no sólo con el piano acústico.

La parte II de “agua” comienza con una breve introducción de piano y el sutil y elegante apoyo de la guitarra acústica de Dani Pérez, dando paso al resto de instrumentos y, el posterior solo del propio guitarrista con su instrumento en versión eléctrica.

En “terra parte I” el papel predominante lo toma Joan Díaz con el Fender Rhodes, con sonidos metálicos y tímbricos de gran belleza serena, con la inclusión de la melódica para finalizar.

La balada corre a cargo del 5º tema, “aire (parte I)”, destacando la guitarra, piano eléctrico, el saxo tenor y batería con escobillas de Xirgu, dándole una especial sensibilidad y encanto.

El tema 6, “Aire (parte II)” comienza a buen ritmo y tomando velocidad a medida que se acerca al final, para terminar de forma abrupta.

Con “Foc” finaliza el álbum, el tema mas flamígero de todos con el bajo eléctrico de Mengual marcando ritmo y pauta, y el saxo de JonRobles llevando la batuta, le releva la guitarra de Dani Pérez con un solo disonante y generoso que casi nos lleva al final.

Grabación sumamente recomendable para todos aquellos amigos del riesgo controlado. Una de las mejores obras publicas por Satchmo. 

© Enrique Farelo, 2004

Joan Díaz: Dalirògena (retrat sonor de Salvador Dalí)

Joan Díaz (composiciones, piano y teclados), Dani Pérez (guitarras), Jon Robles (flauta y saxos), David Mengual (contrabajo y bajo eléctrico), David Xirgu (batería)

“Aigua” (part I, part II), “Terra” (part I, part II), “Aire” (part I, part II), “Foc”

Grabado el 28, 29 y 30 de junio de 2004 en los estudios 44.1 de Gerona, España. Editado en 2004 por Satchmo Jazz Records. SJR CD 00074J

Reseña publicada originalmente en noviembre de 2004 en Tomajazz.




The Vandermark 5: Alchemia (Not Two, 2005. 12CD)

The Vandermark 5 AlchemiaMuchos músicos de jazz suelen referirse a sus grabaciones como instantáneas del correspondiente proyecto en un determinado momento. Por tanto qué mejor manera de saber de un modo más exhaustivo que lo habitual acerca del estado creativo del grupo enseña del saxofonista de Chicago Ken Vandermark en el inicio de 2004 que la edición de las grabaciones durante cinco noches seguidas de sus conciertos en un club de Cracovia.

Quizás haya quien leyendo esto se plantee el caracter excesivo de una colección de doce compactos (cinco noches en programa doble, más la propina de sendas jam sessions tras la correspondiente actuación). También se puede caer en comparar esta caja con monumentos de la talla de las grabaciones del quinteto de Miles (ahí es nada) en Plugged Nickel o del Keith Jarrett Standard Trio en Blue Note. Estas comparaciones serían excesivas. Originariamente la idea era la edición conjunta por NotTwo y Atavistic de un compacto doble en directo. Sin embargo y a la vista del resultado de los conciertos, que recogían al quinteto en un excepcional momento de forma trabajando sobre un material muy rodado en directo en el tramo final de una gira por Europa, Marek Winiarski de NotTwo decidió editar todo el material grabado. El resultado es una caja (físicamente de un tamaño un poco menor que el de un LP) en una cuidada edición que además del material sonoro (algo más de doce horas de música), incluye un libreto con una larga y muy interesante entrevista a Ken Vandermark, además de unos textos en polaco no traducidos al inglés (que no habría estado de más el que los hubieran traducido o al menos puesto a disposición de quien hubiese estado interesado en ellos de algún modo).

Entrando en la parte sonora, el grupo interpreta allí 34 temas diferentes como tales, a los que añaden 5 free-jams más una composición por los miembros del grupo en homenaje al club Alchemia, completando un total de 66 piezas.

El conjunto de composiciones propias del grupo (obra de su líder todas ellas), pertenece en su mayoría a sus últimas grabaciones, además de incluír alguno de sus temas clásicos. Su interpretación es brillante, con el grupo mostrando un magnífico nivel tanto conjunta como individualmente. La mayor novedad son tres piezas tocadas en estos conciertos por primera vez en público. Uno de los aspectos más interesantes de este disco consiste en apreciar su evolución a lo largo de esos cinco días y diez conciertos. Una de ellas (“Camera”) es la que mejor muestra el proceso creativo, ya que aparece interpretada en 6 ocasiones. Dada su estructura de pieza a medio tiempo, con una fuerte carga compositiva y una duración superior a los quince minutos, permite la aportación de diferentes ideas y formas de enfrentarse a ella en directo en sus diferentes tomas. Tanto esta como las otras dos nuevas piezas van a estar incluídas en el próximo compacto de The Vandermark 5, por lo que a su edición habrá que volver a repasar cuál ha sido su evolución.

Entre el material ajeno hay quince versiones de sus clásicos del jazz. Estas están siendo editadas en la serie Free Jazz Classics (que ya va en su cuarto volumen) como bonus disc en las ediciones limitadas de sus últimas grabaciones. Entre estos se incluyen piezas de Rahsaan Roland Kirk (protagonista del cuarto volumen de la citada serie), Sonny Rollins (protagonista del tercero) y otros de autores como Cecil Taylor (con un repaso a “Conquistador”), Archie Shepp, Ornette Coleman (recreando “Lonely Woman” y un extenso “Round Trip”), Thelonious Monk, Ed Blackwell (con la magnífica “Togo”) o Don Cherry. Algunas de estas composiciones ya habían aparecido en los dos primeros volúmenes de los Free Jazz Classics.

Se incluyen también cinco piezas improvisadas, recogidas en el fragor de sendas jam sessions a las que se incorporaron los músicos polacos Marcin Olés (contrabajista con un magnífico disco a solo titulado Ornette On Bass en NotTwo) y Bartlomiej Brat Olés (batería). Sin llegar a la brillantez del resto de las grabaciones (alguna de las Free Jam tiene un resultado bastante deslabazado), en estas cinco Free Jam (su título genérico) surgen unos cuantos hallazgos melódicos interesantes y unos momentos de una más que mediana brillantez, especialmente de la mano de Jeb Bishop y del propio Vandermark.

Sin ser la obra definitiva para quien quiera introducirse en el universo de The Vandermark Five (para lo cual recomendaría cualquiera de las grabaciones oficiales del grupo en Atavistic), para quienes lo conozcan este monolito logra vencer la prevención inicial (incluyendo la de quien esto escribe) sobre tan elefantiásica obra transformándola en una gran satisfacción auditiva.

© Pachi Tapiz, 2014

The Vandermark 5: Alchemia

Ken Vandermark (saxos, clarinetes), Dave Rempis (saxo alto), Jeb Bishop (trombón), Kent Kessler (contrabajo), Tim Daisy (batería).
Músicos Invitados: Marcin Olés (contrabajo), Bartlomiej Brat Olés (batería) en los discos 11 y 12

66 composiciones. Duración 12:08:32
Caja de discos (27X27x2 cm.) conteniendo 12 compactos y libreto.
Grabado en directo en Alchemia, Cracovia (Polonia) los días 15 (discos 1 y 2), 16 (discos 3 y 4), 17 (discos 5 y 6), 18 (discos 7 y 8) y 19 (discos 9 y 10) de marzo de 2004. Jam Sessions: 17 (disco 11) y 18 (disco 12) de marzo de 2004. Editado en 2005 por NotTwo.

Publicado originalmente en julio de 2005 en Tomajazz.




Xavi Reija Electric Quintet: Dream Land (Batiendo Records, 2006)

Xavi Reija DreamLandLejanos y tan cercanos son los tiempos en los que en España triunfaba el jazz-rock, con representantes tan cualificados y, reconocidos como Iceberg, Música Urbana, Fusioon o Guadalquivir, por nombrar a algunos. Han tenido que pasar tres décadas para que volviera a renacer un estilo que parecía olvidado y lo hace con fuerza e ilusión, para demostrar que no estaba muerto, sino simplemente dormido. Si, es cierto que no podemos olvidar los trabajos importantes de Chema Vílchez en los 90, pero salvo esta excepción invito desde aquí a cualquiera a enumerar artistas que hayan dedicado sus esfuerzos a esta forma de jazz.

Los constantes cambios de ritmo caracterizan esta obra entre la potencia y el feeling, que le dan un colorido intenso a la vez que pausado. En “Two sides”, la potencia, el control y los solos de Dusan Jevtovic, y el sobresaliente Rhodes de Álvaro Gandul, lo complementa el saxo funk de Rafael Garcés. ¡Impresionante!

“1st chance” comienza con fuerza inusitada, que se pausa de inmediato, se ralentiza para ir creciendo en intensidad con el Rhodes de Álvaro Gandul y el acompañamiento de Bermat “mr.B” Hernández en el bajo, que marca el ritmo con personalidad y presencia. A ellos se suma Rafael Garcés al saxo y más tarde la batería de Xavi Reija, que lo inunda todo y cambia hacia el recato de la balada con la utilización de las escobillas, para finalizar con la misma fuerza con la que comenzó.

En “Dream land” encontramos ritmos funk y jazz-rock, con solos de Rafael Garcés en el saxo y la guitarra de Dusan Jevtovic, al estilo de Allan Holdworth, muy convincente y generosa en el esfuerzo técnico. Una vez más toma el relevo Álvaro Gandul, con un Rhodes que parte de cero para alcanzar el infinito. ¡Demoledor!.

Con “Ausencia” alcanzamos la balada del disco. El piano acústico de Álvaro Gandul en la introducción, el saxo alto quejumbroso de Rafael Garcés y la batería con escobillas de Xavi Reija, crean atmósferas de sensibilidad, romanticismo, intimidad y dramatismo.

En “The new city”, el saxo tenor de Rafael Garcés y la guitarra de Dusan Jevtovic se reparten el protagonismo y se relevan en solos que harán las delicias de los aficionados al jazz-rock.

“E.S.P” sirve de excusa para “romper” el Rhodes de Álvaro Gandul con un solo tan rotundo como inteligente, al que el tenor de Rafael Garcés secunda con maestría, el bajo de Bermat “mr.B” Hernández marca ritmo y compás, y la batería vuelve a llenarlo todo con un solo electrificado que define el virtuosismo controlado de Xavi Reija.

“The great escape” es una buena ocasión para el lucimiento personal de Bermat “mr.B” Hernández, cuyo bajo recuerda a Jaco Pastorius.

“Brain damage” y “Rumbero lo serás tú” completan el mejor trabajo de jazz-rock español de los últimos años.

© Enrique Farelo

Crítica publicada originalmente en marzo de 2007 en Tomajazz.

Xavi Reija Electric Quintet: Dream Land

Composiciones: “Two sides”, “1st chance”, “Dream land”, “Ausencia”, “The new city”, “E.S.P.”, “The great escape”, “”Brain damage”, “Rumbero lo serás tú”.

Músicos: Rafael Garcés (saxos), Dusan Jevtovic (guitarra), Álvaro Gandul (piano y Fender Rodhes), Bermat “mr.B” Hernández (bajo), Xavi Reija (batería).

Grabado en Indi Records los días 18,19 y 20 de junio de 2006
Batiendo Records, 2006




Renaud Garcia-Fons: La línea del Sur (Enja, 2009; CD)

Renaud Garcia-Fons_La linea del surSi hay un aspecto que caracteriza desde hace años a la música del contrabajista franco-catalán Renaud García-Fons es su fidelidad a un estilo en el que se funden a modo de crisol diversos sonidos como la música árabe, los ritmos flamencos y por supuesto el jazz, aunque en algunos momentos pueda defraudar a los que esperen más referencias jazzísticas. En ese sentido, sus trabajos se encuentran más cerca de la música étnica, aunque sin renunciar a una cierta liberación de las limitaciones técnicas de su instrumento, a favor de una libertad improvisatoria apreciable que no suele desechar. García-Fons sigue elevado en un cruce de caminos entre el jazz, la música tradicional y contemporánea, protagonizada en algunos momentos por el flamenco.

Cada una de sus composiciones conforma unas pinceladas armónicas que no se concretan en un paisaje determinado y se ubican en un imaginario que se define muy bien en su último disco como La Línea del Sur. Decididamente García-Fons siente como suya la música del Mediterráneo y Oriente en cuanto a sus conexiones con el flamenco que, desde su álbum Entremundo (2004), se ha convertido en la fuente principal de su imaginación artística.

En La Línea del Sur, su octavo álbum para ENJA, Renaud García-Fons entreteje melodías y emocionados ritmos. La disposición con el contrabajo, el acordeón, la guitarra y la percusión es muy similar a la de su primer álbum A“. Los músicos se desenvuelven muy bien en esta especie de flamenco imaginario. Destaca la magnífica voz de Esperanza Fernández que hace una rica contribución a un idioma musical más amplio que el limitado a las fronteras de Andalucía. Las palabras que escribió para ella Renaud García-Fons fueron inspiradas por Rumi, conocido también por el nombre de “Mawlana”, poeta místico musulmán persa y padre de la tradición sufí. Renaud Garcia-Fons ha sabido fundir tradiciones artísticas de países con una línea musical muy similar, convirtiendo su música en un profundo camino que apela a los sueños, a lo espiritual y a lo mágico. Un disco para espíritus aventureros.

© Carlos Lara, 2009

Crítica publicada originalmente en junio de 2009.

Renaud Garcia-Fons: La línea del Sur

Esperanza Fernández (voz en “Caballera de mi Amor”, “El Agua de la Vida” y “Enamorada”), David Venitucci (acordeón), Kiko Ruiz (guitarra española), Renaud García-Fons (contrabajo de 5 cuerdas), Pascal Rollando (percusión)

“La Línea del Sur”, “Caballera de mi Amor”, “Gare Saint Charles”, “Valsería”, “El Agua de la Vida”, “La Silhouette”, “Nada”, “Agua Dulce”, “Cante del Barco”, “Veré” y “Enamorada”.
Todas las composiciones, arreglos y letras por Renaud García-Fons

Grabado en Studio Arcoluz en la primavera de 2008. Publicado en 2009 por Enja Records ENJ-9527 2




Tomajazz recupera… Miles Davis: The Complete Concert, 1964: My Funny Valentine – Four & More

davis_complete1964Concierto ejecutado en una época considerada “de transición” en la carrera de Davis. De 1959 a 1964 Miles cambió con frecuencia de acompañantes. Cuando Coltrane dejó la banda fue sustituido por distintos saxofonistas, tales como Sonny Stitt, Hank Mobley, George Coleman (1963-64), Sam Rivers (1964), hasta llegar a Wayne Shorter, que se unió al grupo en el mismo 1964, y que forma parte del mítico quinteto que, además de Wayne y del propio Miles, completa la base rítmica que figura ya en el álbum que comentamos, es decir, Hancock, Carter y Williams.

Hagamos hincapié en la idea de que, por haber tocado con Davis en una época corta y considerada de “transición”, no se ha hecho justicia con el gran George Coleman, un saxofonista muy distinto a Coltrane, pero de ejecución a la vez lírica y potente, franqueza en el ataque de las frases, soltura en las improvisaciones y control permanente de la melodía.

Como comentario al concierto, parafrasearé el estupendo comentario de Tom Piazza en el libro The Guide to Classic Recorded Jazz (University of Iowa Press):

“Trabajando con un repertorio ya habitual en los últimos cinco años, el quinteto toca a un nivel de fuego e inventiva que resulta muy difícil de creer. Coleman es un volcán de swing e ideas, y Davis toca con un calor y una casi temeridad que aún nos asombra cuatro décadas después.

Pero quizás lo más asombroso de este concierto sea el modo en que los músicos de la sección rítmica se adaptan a los matices, tanto de los solistas como de los otros compañeros del trío, marcando pautas y dibujos en un entramado inmensamente sutil y flexible sobre el que se deslizan los solistas moviéndose hacia direcciones inusitadas.

El concierto marca la culminación de una fase de la carrera de Davis y es una de las grabaciones más intensas de jazz nunca realizadas.”

© Lorenzo Juan Llabrés, 2014

Miles Davis: The Complete Concert, 1964: My Funny Valentine – Four & More
Este álbum recoge el concierto completo lanzado previamente en dos CDs independientes, publicados originalmente en formato “LP”: My Funny ValentineFour & More.

Grabado el 12 de febrero de 1964 en directo en el Philharmonic Hall de New York, que es parte del complejo Lincoln Center.

Miles Davis (trompeta), George Coleman (saxo tenor), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería)

“My Funny Valentine”, “My Funny Valentine”, “All Of You”, “Stella By Starlight”, “All Blues”, “I Thought About You”, “Four & More”, “So What”, “Walkin’”, “Joshua / Go-Go”, “Four”, “Seven Steps To heaven”, “There is No Greater Love / Go-Go”




Tim Berne: Empire Box (Screwgun)

Tim Berne Empire Box

Érase una vez un muchacho americano que en los años 70 jugaba a baloncesto y escuchaba música soul. Para aliviar la convalecencia de una lesión de tobillo compró un saxo alto de segunda mano y comenzó a ensayar. Esos días cayó en sus manos un disco de Julius Hemphill e, impresionado por el descubrimiento, decidió que eso era lo que él quería hacer. Con 20 años marchó a Nueva York a ponerse bajo la tutela de Hemphill y, algún tiempo después, convencido de que ya era hora de formar un combo y dar a conocer sus composiciones, creó un sello discográfico que modestamente bautizó con el nombre de Empire. En poco más de dos años grabó en él sus primeros cinco discos. Después vendrían los contratos con Soul Note, JMT, Columbia y… pero de esto ya se ha hablado en otro sitio.

Esta caja recoge la práctica totalidad de las grabaciones que Tim Berne realizó para Empire (sólo falta el dúo con Bill Frisell que licenció a Minor Music todavía disponible en catálogo, por lo que no ha podido ser incluido). Es su primera incursión discográfica, sin rodaje previo como sideman, liderando sus propios grupos y tocando en exclusivo sus temas. La influencia que Hemphill tuvo sobre él no sólo se puede encontrar en el estilo -por otra parte, en fase germinal aunque premonitoria-, también en la manera de llevarlo a cabo: le proporcionó la suficiente confianza como para lanzarse a la aventura de crear mientas se aprende, saltándose los pasos normativos de estudio, adquisición de técnica, años de práctica en grupos… Sus enseñanzas abarcaron tal espectro que se dice que a veces incluso tocaban el saxo.

Los discos de la etapa Empire, sin embargo, no muestran a un músico comedido, acaso en el plano técnico. La propia elección de sus compañeros, parte importante de la fértil escena angelina y tras el salto a la Gran Manzana de la capitalina también -Vinny Golia, Glenn Ferris, los Cline, Olu Dara, Paul Motian y todos los demás- hace ver por dónde van los tiros y marcarían futuras líneas de colaboración. Berne aquí sólo toca el alto (no adoptaría el barítono como segunda voz hasta comienzos de los 90) y su sonido no es tan rotundo como llegará a ser, pero transmite frescura, determinación y atrevimiento, sin los artificios a los que nos tienen acostumbrados los “jóvenes leones” en sus presentaciones discográficas. Las construcciones -más que arreglos- de los temas denotan una preocupación por la forma que con el tiempo ha ido simplificando en beneficio del sonido y los modos esenciales, pero el concepto global sigue en pie: no hay ataduras, ni estilísticas ni mucho menos mercantiles. No es extraño, pues, que ahora, tras algunas decepciones, vuelva a reinventar esa situación en Screwgun.

 © Paco Fonz

Publicado anteriormente en Tomajazz. Publicado inicialmente en Jazzred.

Tim Berne: Empire Box

CD1: The Five Year Plan “The Glasco Cowboy (for Julius Hemphill)” / “A.K. Wadud (for Abdul Wadud)” / “Computerized Taps for 12 Different Steps” / “N.Y.C. Rites”
John Carter (clarinete), Vinny Golia (saxo barítono, flauta alta y piccolo), Glenn Ferris (trombón), Tim Berne (saxo alto), Roberto Miranda (bajo), Alex Cline (percusión).
Grabado en el Melnitz Hall UCLA de Los Angeles el 25/4/1979

CD2: 7x “Chang” / “The Water People (for Brian Horner) / “7X” / “Flies” / “A Pearl in the Oliver C.” / “Showtime (for Don and Thelma Cline)”
Tim Berne (saxo alto), Vinny Golia (saxo barítono, flauta, fagot, kheena), John Rapson (trombón), Nels Cline (guitarras), Roberto Miranda (bajo), Alex Cline (percusión).
Grabado en el Intermix Studio de Los Angeles el 8/1/80

CD3: Spectres “Hot and Cold” / “Spectres” / “Grendel (for Hamid Drake)” / “Stroll” / “For Charles Mingus”
Tim Berne (saxo alto), Olu Dara (corneta), James Harvey (trombón), Ed Schuller (bajo), John Lindberg (bajo 3,4), Alex Cline (percusión).
Grabado en Brooklyn el 5/2/81

CD4: Songs and Rituals in Real Time “San Antonio” / “The Unknown Factor (for Akira Kurosawa)” / “Roberto Miguel (for Roberto Miguel Miranda)” / “New Dog/Old Tricks”
CD5: Songs and Rituals in Real Time “Shirley’s Song (for Shirley Britt)” /  “The Mutant of Alberan” / “Flies” / “The Ancient Ones (for Alex Cline)”
Tim Berne (saxo alto), Mack Goldsbury (saxo tenor y soprano), Ed Schuller (bajo), Paul Motian (batería).
Grabado en directo el 1/7/81 en Inroads en NYC

Publicado en Screwgun. Screwgun 70009




Dusan Jevtovic: On The Edge (Indi Records, 2009; CD)

Dusan_Jevtovic-On_the_edgeComentario: Todo lo apuntado y madurado por Dusan Jevtovic en el Xavi Reija Electric Quintet se muestra este trabajo de jazz-rock progresivo, On The Edge.

El guitarrista serbio cuenta para su proyecto con dos viejos amigos del nombrado quinteto, es decir, Bernat Hernández y el solvente Xavi Reija a la batería. Dusan Jevtovic y Sava Miletic se reparten el aparente protagonismo a lo largo del disco para darle un carácter de uniformidad estilística setentera que raya a gran altura, donde es difícil destacar un tema de otro y se realiza un guiño reminiscente al rock Canterbury o a la fusión progresiva.

Los otros dos miembros del cuarteto, los nombrados Bernat Hernández y Xavi Reija, sirven de nexo de unión el primero y de potencia rítmica el segundo; sin ellos no podría entenderse la labor del cuarteto.

On The Edge es una obra cerebral concebida desde el prisma de la imaginación y fuertemente estructurada, donde la guitarra de Dusan Jevtovic se muestra corrosiva, ácida y quejumbrosa; apoyada en una técnica impecable nos lleva a recordar a Allan Holdsworth e incluso a Jimi Hendrix o John McLaughlin. Sava Miletic nos acerca al trabajo realizado por Alan Pasqua en el disco de la Tony Willians Lifetime, Believe It; Bernat Hernandez a Jeff Berlin y Xavi Reija, unas veces a Tony Willians, otras a Jon Hiseman o a Nigel Morris, del grupo inglés Isotope.

Con todo lo argumentado no quiero decir que haya que comparar a estos músicos con aquellos, sino que estos tienen una solvencia instrumental y creativa a toda prueba y que con este On The Edge han logrado alcanzar uno de los momentos más brillantes y destacados del jazz-rock progresivo en nuestro país en los últimos años.

Vuelvo a insistir en no querer destacar ningún tema por encima de otro, para mí todos tienen el mismo reconocimiento y quiero dejar que seáis vosotros los encargados de encumbrar un disco que tiene, para mí, todos los honores.

© Enrique Farelo, 2009

Reseña publicada originalmente en 2009.

Dusan Jevtovic: On The Edge

Composiciones: “On More Day”, “Follow Me”, “The Wall”, “On The Edge”, “Fear Inside”, “In The Last Moment”, “Wingin‘ It”, “I’ve Never Been In Holland”, “Gracias Y Perdon”

Todas las Composiciones de Dusan Jevtovic, excepto 1 y 3 de Dusan Jevtovic y Bernat Hernandez y 8 de Bernat Hernández.

Músicos: Dusan Jevtovic (guitarra); Sava Miletic (Fender Rhodes); Bernat Hernández (bajo eléctrico); Xavi Reija (batería)

Grabado el 2 y 3 de septiembre de 2009 en Indi Records Estudios de Vic (Barcelona).
2009 Indi Records




Magnus Öström "Thread Of Life"

Tomajazz recupera… Magnus Östrom. El hilo de la vida. Por Arturo Mora

Magnus Öström "Thread Of Life"Que Esbjörn Svensson ha sido uno de los músicos más revolucionarios de los últimos años no lo duda nadie. Que e.s.t. era más que Esbjörn Svensson tampoco. El contrabajista Dan Berglund ya dio serias pistas de ello en el disco debut de su nuevo grupo Tonbruket, pero la aseveración del batería Magnus Öström a través de este Thread Of Life es rotunda, demoledora, aplastante. Seguir leyendo… Magnus Östrom. El hilo de la vida. Por Arturo Mora.