Eivissa Jazz 2019 (II): Big Band Ciutat d’Eivissa / José Carra Trio (2019-09-04) [Festival]

Por Juan Antonio Serrano Cervantes José Luis Luna Rocafort.

  • Fecha: 4 de septiembre de 2019. 21:00
  • Lugar: Plaça Sota Vila (Eivissa / Ibiza)
  • Grupos:
    Big Band Ciutat d’Eivissa
    Santiago Ramírez, Wiebke Pahrman, Antonio J. Marín, Pau García Rovés, Penélope Tafur (trompetas)
    Vicent Tur, Vicent Matoses, Jairo Marín, Jaume Tur (trombones. Vicent Tur dirección)
    Natxo Marí, Muriel Grossmann, Mayra Riera, Jorge Ortiz,Álvaro Boned (saxos)
    Santi Pérez (piano)
    Radomir Milojkovich (guitarra)
    Chema Pellico (bajo)
    Dani Marín (batería)
    David Romano (percusión)
    José Carra Trio
    José Carra (piano)
    Bori Albero (contrabajo)
    Dani Domínguez (batería)

Big Band Ciutat d'Eivissa

Big Band Ciutat d’Eivissa

En la segunda jornada de Eivissa Jazz 2019 pudimos disfrutar de dos conciertos gratuitos a cargo de la Big Band Ciutat d’Eivissa (BBCE) y el trío de José Carra. Si la noche anterior había sido ilustrada por las imágenes de Alejandro Iborra, en la de hoy recuperábamos a nuestro fotógrafo “de cabecera”, José Luis Luna.

Cuarto año en el que la BBCE ha subido al escenario tras las ediciones dedicadas a Count Basie, Benny Goodman y el mundo de los crooners. Este año tocaba algo nada fácil, el latin jazz, tal como comentó jocosamente Vicent Tur en un momento de la velada “El fregado del latin jazz”, y es que es una música que no deja indiferente. Según me contaba al final el trompetista Santi Ramírez, es un estilo difícil por los arreglos y por el esfuerzo físico de tocar a gran volumen. La fórmula de mezclar a alumnos del Patronato Municipal de Música del Ayuntamiento de Ibiza con profesores y amigos ha cuajado y el público llenó a rebosar la placita donde se celebró el concierto. Plaza que en uno de los extremos acaba en una escalinata que conduce a la parte amurallada de la ciudad, Dalt Vila, escalinata que se convirtió en unas gradas improvisadas donde no quedó ni un escalón libre.

Wiebke Pahrmann

Wiebke Pahrmann

Pocos cambios en el grupo respecto al año anterior, el ya citado Santi Ramírez reforzaba la línea de trompetas mientras que en los saxos Mayra Riera y Álvaro Boned ocupaban el puesto de Celia Prieto y Juan Prieto; en el piano Santi Pérez “el único cubano de la orquesta”, bromeaba Vicent Tur al anunciarlo,  sustituía a Chelu García, y como novedad, David Romano a la percusión. En general los solistas en cada tema fueron Wiebke Pahrmann, Natxo Marí (saxo alto), Vicent Tur y Muriel Grossmann (saxo tenor), además de alguno más que detallaremos.


Natxo Marí

Natxo Marí

Vicent Tur

Vicent Tur

Muriel Grossmann

Muriel Grossmann

Santi Pérez

Santi Pérez

David Romano

David Romano



Comenzaron con “A Night in Tunisia con solos de W. Pahrmann, V. Tur y Natxo Marí, el primero quizás un poco apagado al comienzo por la potencia de la línea de metales pero remontando enseguida, un tema con unos arreglos que me gustaron, además de la inclusión de un percusionista que añadía color al conjunto. En “Mambo Caliente”, de Arturo Sandoval, repitieron los solistas además de Muriel Grossmann que sorprendió verla tocar latin jazz (lejos de su estilo habitual) y que como los pistoleros añadió una muesca a su revólver (en este caso saxo tenor); la línea de metales sonó tan caliente como corresponde al tema. El solo de Natxo Marí en “One Note Samba” fue muy elegante y jugando muy bien con la melodía principal; también solo del pianista Santi Pérez “, y volvimos a comprobar que el batería Dani Marín controla en todos los terrenos. Siguieron “Mambo Inn” con solo de David Romano a la percusión y “Oye Como Va” con solos de Jorge Ortiz (saxo tenor) y Antonio J. Marín además de Vicent Tur. Interesante la introducción de “Spain” para continuar con “Manteca”, ambos temas tocados a gran velocidad.

Momento para presentar a los componentes de la orquesta, y aprovechando que W. Pahrmann estaba ya en el puesto que ocupaban los músicos para sus solos en primera línea, se nos informó de que era el cumpleaños de la trompetista; en ese momento el público cantó un improvisado “Cumpleaños feliz” secundado por la orquesta al completo y la alemana aprovechó para responder con la melodía de la misma canción; todo en modo latin jazz, por supuesto. Fue el momento simpático de la noche, pero si la trompetista estaba en primera línea era por algo, y es que en “Como Fue” de Benny Moré nos ofreció una interpretación llena de belleza, emoción y sentimiento, en un bolero muy hermoso.

Fue un pequeño reposo porque la maquinaria volvió rápido a ponerse en marcha con “Afro Blue” y el ya clásico “Caravan” que acabó con un solo de Dani Marín y gran ovación del público. Todavía nos interpretarían un tema más: “Ran Kan Kan”, de Tito Puente. En general buenas líneas de vientos y buena sección rítmica en la que no olvidamos a Chema Pellico y a Radomir Milojkovich, siempre fiables. El público disfrutó, que es de lo que se trata, tanto el residente como el turista que lejos de los agobios agosteños quiere apurar este verano que no quiere acabar. El concierto fue emitido en directo por el programa “Jazz Time”, realizado por Ferran Pereyra y se encuentra disponible a la carta en la web de IB3 Ràdio.

La BBCE nos lo ha hecho pasar bien estos cuatro años y ahora vive un cambio de ciclo, Vicent Tur deja la dirección sin que sepamos a esta alturas quién recogerá su testigo. También se nos comunicó que Penélope Tafur, que en los últimos años participó como trompetista, marchará a Barcelona para seguir sus estudios de piano en el Taller de Músics. Desde aquí le deseamos lo mejor.


José Carra

José Carra

Bori Albero

Bori Albero

Dani Domínguez

Dani Domínguez



José Carra es uno de los valores que ha surgido de la pujante escena jazzística malagueña, aunque después del concierto me comentara que Málaga también adolece de ese mal endémico de la piel de toro que es la escasez de locales para tocar. Su último disco se llama Diario de vuelo (Taghrid Records, 2018) compuesto en diferentes viajes en avión y como terapia para su miedo a volar y precisamente la música de este disco iba a conformar su concierto. La cosa iba de aviones, Bori Albero estuvo a punto de no llegar precisamente por un retraso en su vuelo; habría sido una pequeña tragedia visto su buen hacer tanto en el concierto como en las jam posteriores; completaba el trío Dani Domínguez, sobradamente conocido por aquí.

José Carra Trío

José Carra Trío



Interesante el estilo de Carra, que mezcla minimalismo con hermosas melodías y añade diversos efectos sonoros y electrónicos. Para empezar, “97%”, comenzando el pianista muy suavemente y creando interesantes paisajes sonoros con el acompañamiento también muy sutil de Dani Dominguez pasando las escobillas por la caja. “Alba” se inicia con un interesante dúo entre contrabajo y batería al que más tarde se une el piano, dando intensidad al tema y con  Bori Albero con el arco atacando con furia las cuerdas del contrabajo. Antes de abordar “Animal de Dios” Carra tuvo unas palabras de recuerdo para el afinador del piano, “los grandes olvidados”; en este festival Antonio Pérez de Olaguer es uno de los personajes más entrañables; el tema en sí comienza a piano solo con un sonido pregrabado simulando el vuelo de un avión mientras una voz también pregrabada va recitando (me recordó lo que hacía Jason Moran hace años con su Bandwagon salvando lógicamente las distancias estilísticas de cada uno); cuando cesa la voz comienzan a tocar en trío otra vez terminando intensamente.

José Carra

José Carra

Bori Albero

Bori Albero

Dani Dominguez

Dani Dominguez



Excelente “Charlie” comenzando con un largo solo de contrabajo muy aplaudido seguido del trío en plan muy intimista, poco a poco el piano va pasando de tocar esas mínimas notas a crear una bella melodía mientras Domínguez acompaña jugueteando con unos sonidos electrónicos incorporados a su batería; de repente el sonido del piano se vuelve más percusivo y cambia totalmente el clima del tema, hasta que, como en las tormentas, todo cesa de repente y recuperan la melodía para luego terminar. “Latido de Papel” es otro tema cargado de energía, combinando el pianista momentos rítmicos con otros más melódicos. En “Tardes para jugar” se recuperan viejas grabaciones en cassette de la infancia de Carra con una melancólica y repetitiva melodía y también con efectos sonoros incorporados a la batería. Antes de “Aurora” el pianista se reveló como un hábil vendedor de su disco (muy bueno, no pierdan la ocasión de escucharlo), para acabar con “Niño árbol”, potente sonido en el que Carra vuelve a combinar muy bien la emisión de unas mínimas notas con la melodía del tema y vimos otra vez a Albero tocando el contrabajo con el arco.

La música había terminado en cuanto a la coqueta plaza en la que estábamos, pero quien quisiera más en esta cálida noche de septiembre la encontraría en la jam session de “Sa Qúestió”, donde pudimos disfrutar del trío de José Carra al completo (sustituido a veces Bori Albero al contrabajo por Abe Rábade), de la trompeta de Enriquito (tocaría la noche siguiente en el grupo del pianista gallego), y de sospechosos habituales de las jam locales como Carlos Gallego o Chelu García.

Tomajazz. Fotografías: © José Luis Luna Rocafort, 2019
Texto: © Juan Antonio Serrano Cervantes, 2019




Víctor Antón Group: Changing Gears (Errabal Jazz, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Segundo disco para el sello Errabal Jazz del guitarrista zamorano afincado en Valladolid, Víctor Antón, con un quinteto de magníficos músicos.

Con un dúo de guitarra y saxo interpretando la misma melodía evolucionando   plácidamente hasta que el saxo navega solo arropado por el resto del grupo, empieza el tema “Conexiones”. Víctor Antón toca la guitarra con un sonido limpio, sincero y con mucho swing.

Precisos punteos en “Aquarius” sirven  de introducción a una balada sugerente con gran participación de la sección rítmica que incrementa la intensidad de la pieza. El saxo de Roberto Nieva le da al tema otra vuelta más de calidad, y el tema nos atrapa, hasta que Antón vuelve a retomar sus  de nuevo a punteos  en un final muy brillante. Con retazos boperos, “Don´t Look Back”, se desarrolla a medio tempo donde la guitarra delante arrastra a todo el conjunto de la rítmica con mucho swing. Destaca el pianista con su decisión en la toma de relevo y acompañado del resto de la rítmica engarzan un fragmento lleno de elegancia. La guitarra enlaza de nuevo para seguir en clave de swing. “Untitled” comienza con el conjunto y el  piano y la guitarra alternándose  en su conversación. Ricardo Nieva entra con sus sinuosos fraseos y la guitarra toma el relevo con sus finos toques. “New Home” guitarra sola para comenzar dando la entrada a batería y contrabajo y piano.  Ritmos alegres y sugerentes por su amplitud en “Cruzar el charco”. Hay fraseos precisos de Roberto Nieva y grandes punteos de Víctor Antón para finalizar.

Una estupenda balada, “The Key”, donde la guitarra va desplegando las notas poco a poco con el saxo de Ricardo Nieva llevando la iniciativa. Para finalizar “On a Train”,  una pieza cargada de mucha rítmica y llena de colorido, primero a la guitarra y luego a cargo del piano, siempre muy bien arropado por el contrabajo y la batería.

Changing Gears son ocho magníficas composiciones interpretadas con claridad meridiana y una excelente producción. El resultado: un disco muy bien trabajado previamente en el taller de creatividad y una oda al buen gusto musical.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Víctor Antón Group: Changing Gears

Músicos: Víctor Antón (guitarra), Roberto Nieva (saxo alto), Juan Sebastián Vázquez (piano), Chuchi García (contrabajo) y Juanma Barroso (batería).

Composiciones: “Conexiones”, “Aquarius”, “Don´t Look Back”, “Untitled”, “New Home”, “Cruzar el charco”, “The Key” y “On a Train”.
Temas compuestos por Víctor Antón.

Grabado en Cascabel Producciones (Valladolid), los días 11 y 12 de junio de 2018.

Editado por Errabal Jazz en 2019.

 




Ethan Iverson Trio (Jimmy Glass Jazz Bar, Valencia. 2019-09-11) [Concierto]

  • Fecha: 11 de septiembre de 2019.
  • Lugar: Jimmy Glass Jazz Bar, Valencia.
  • Grupo:
    Ethan Iverson Trio
    Ethan Iverson: piano.
    Joe Sanders: contrabajo.
    Jorge Rossy: batería.

Llueve intensamente en Valencia. Una ciudad muy poco acostumbrada a la lluvia. Pienso en que las posibilidades de coger un buen sitio aumentan debido al copioso chaparrón mientras me adentro en el mágico barrio del Carmen en dirección al mítico Jimmy Glass Jazz Bar.

Si, Jazz Bar. Aunque esté reconocido como uno de los mejores clubs de jazz de Europa, hay que destacar que aquí es una sola persona quién se la juega, semana tras semana, con una programación de un nivel difícilmente superable.

Llego con tiempo de sobra y me encuentro el local abarrotado de público. Acabo empotrado en la cabina, junto a la mesa de mezclas y a un metro escaso de la espalda de Jorge Rossy.

Ethan Iverson presenta al trío y comienza el espéctaculo con “Trust” ,de Jorge Rossy, cuya organización a cargo de Ethan Iverson y divertidos diálogos entre Joe Sanders y Jorge Rossy va a marcar la pauta de lo que va a ser el resto del bolo. Jazz en estado puro.

Siguen con “Somber to Some, Mischief to Most” de Joe Sanders, tema de escasos tres minutos pero con una intensidad considerable que se estrena para este concierto. Recuerda un poco a TBP por el sonido, repeticiones y simetrías.

El siguiente tema está escrito entre los tres. Sin título todavía, solo nos dan la pista de que está en clave de sol. Tremendo blues, con sensacional solo de piano, más diálogos bajo-batería y termina con breves solos de batería cautivando por completo al público que en este momento del juego ya esta más que entusiasmado.

A estas alturas del bolo y por si quedaba alguna duda, Ethan nos explica que saben perfectamente lo que están haciendo aquí y nos da las gracias por escuchar. Entonces empiezan a tocar “‘Round Midnight”. Destaca la intro que hace Ethan al piano y el sensacional manejo de los platos de Jorge. Ethan toca tan bien el piano que me parece estar escuchando el original de uno de mis discos favoritos. ¡Consigue sonar como Monk!

Tras este standard se vienen arriba con “The Blessing”. La música de Ornette Coleman hace las delicias de los aficionados y músicos profesionales que llenan el Jimmy Glass. De hecho, en el lavabo del baño de chicos del Jimmy no hay espejo sino un retrato del gran genio del jazz. El trío camina velozmente impulsado por el ritmo impuesto por Joe, el virtuosismo de Jorge, y los fraseos rápidos a la vez que precisos de Ethan.

Terminan este primer pase con un tema de Ethan dedicado a Mark Turner que está en su última publicación Temporary Kings a dúo con él. “Turner’s Chamber of Delights”, al que se añade una coda titulada “About Melancholic Reputation”. Toda una declaración de términos sobre la peculiar visión músical de Ethan Iverson en forma de jazz verdadero que aquí nos regala un swing más que veloz.

En el descanso los músicos se mezclan con el público, atienden sus inquietudes y firman discos mientras algunos cenamos y tomamos café. Una actitud que dice mucho de estas tres estrellas del firmamento musical. La genialidad no ha de estar nunca reñida con la humildad.

El segundo pase arranca con un nuevo tema de Ethan titulado “Technicaly Acceptable”. Basado en constantes cambios de ritmo, improvisación en el solo de piano, de contrabajo y, al final, divertidos retos a la batería que responde con maestría, no le cazan nunca.

Con una intro de piano muy bonita comienzan a tocar “Con Alma”, el maravilloso tema de Dizzy Gillespie. Aquí se entretuvieron haciendo una versión muy completa y delicada. Preciosos solos de Joe Sanders y de Ethan Iverson. Bonito final que incluyó unos segundos de contrabajo y arco. Se les veía disfrutar y el público contagiado gozó.

Tras presentar el trío una vez más, Joe Sanders (que hace reír a todos con sus presentaciones) empieza el solo, improvisando y marcando los acordes, un blues que propicia la entrada al trapo de Jorge con los platos dando paso a Ethan en un aventurado tema que no había existido hasta ese mismo momento. Solos aplaudidos de los tres, sobre todo el del final del tema a cargo de Jorge Rossy.

Sin pausa alguna, Jorge pasa al siguiente tema combinando notas y silencios en una apabullante demostración de recursos. Cuando da la entrada al trío el público reconoció enseguida “Airegin” (Nigeria al revés) y rompió en aplausos. Otra estupenda interpretación del tema del coloso del saxofón, con un swing desenfadado, que dio fin al concierto con un público ya loco que no paró de aplaudir hasta conseguir un bis.

Este consistió en una bonita y emotiva balada presentada por Joe Sanders como “algo que les pasa a las setas” titulada “Anamorphosis” en la que hizo literalmente llorar al contrabajo con el arco.

Yo me quedé con las ganas de que hubieran tocado “Ida Lupino”, la composición de Carla Bley que tan bien interpretó Paul Bley, otra de las grandes influencias de este gran pianista. Pero bueno, no se puede pedir todo y, en cualquier caso, y tal como fue la cosa, seguro que vuelve al Jimmy.

Fue una de “esas noches del Jimmy” o, como diría el gran Jorge Rossy, una noche “inoxidable”.

Y sigo aprendiendo.

Tomajazz:
Texto: © Txomin Dambo, 2019
Fotografía: © Josep Sogues, 2019




Wynton Marsalis – Bolden (Blue Engine Records, 2019) [Grabación]

Por Julián Ruesga Bono.

Buddy Bolden es una figura legendaria en el mundo del jazz. Se sabe muy poco de él y de su música aún menos. No existe ninguna grabación de su música y solo se conserva una fotografía suya. Todo es información oral transmitida de quienes lo conocieron o de quienes oyeron hablar de él. La leyenda lo presenta como una figura mítica, inventor pionero del jazz, su mito fundacional. La información más completa y fidedigna sobre Bolden es la aportada por Donald M. Marquis, una investigación realizada durante quince años y publicada en 1978 por la Louisiana State University Press, en formato libro: In Search of Buddy Bolden: First Man of Jazz. Hay una edición más reciente, de 2005, ampliada con nuevos datos y correcciones a la primera edición. No existe traducción al castellano.

El no conocer mucho de Bolden ha facilitado que la leyenda popular sobre el personaje haya ido creciendo con el paso del tiempo, y la especulación sobre su vida y su música sea terreno abonado para la literatura y el cine. Que su vida terminara en un hospital psiquiátrico aporta al mito el ingrediente trágico que lo completa y dimensiona. Para los guionistas y el director de la película, Bolden, Where the music began (2019), es la posibilidad de tomarse algunas libertades creativas. No puede ser de otra manera. Según lo publicado en prensa, el film está planteado como una narración no lineal que describe la historia del trompetista a través del racismo, la drogadicción, las enfermedades mentales, la misoginia, la prostitución y otras formas de explotación a las que estaban sometidos los negros a finales del siglo XIX en el sur de Estados Unidos.

La película está dirigida por Dan Pritzker y, según la prensa, proporciona una visión del entorno cultural en el que se originó el jazz y vivió Charles “Buddy” Bolden (1877–1931). En la película el actor Gary Carr interpreta a Buddy Bolden y Reno Wilson a Louis Armstrong –también es el actor quien canta imitando la voz grave y áspera de Armstrong en varios temas. Wynton Marsalis aporta las partes de trompeta para ambos personajes.

El CD, con la banda sonora original, ya está circulando y a la venta. Realizada por Wynton Marsalis, la música es un viaje a los años del jazz no grabado en la ciudad de Nueva Orleáns a caballo entre los siglos XIX y XX. El álbum está compuesto por un total de 26 temas, entre canciones de diferentes autores de la época y composiciones de Marsalis, escritas para evocar cómo podría haber sonado la música de Bolden. La música del álbum tiene garra y suena con energía y fuerza, es potente, una brillante recreación y homenaje a Bolden por parte de Marsalis, que realiza un trabajo excelente en el álbum.

Es un acierto que un conservacionista del jazz como Marsalis se ocupe de recrear e interpretar musicalmente a Bolden –y sea el responsable musical y alma máter de todo el proyecto. Ningún otro folklorista lo hubiera hecho mejor. Como se ha dicho, no se conoce ninguna grabación de la música de Bolden, sólo referencias orales de los músicos que lo acompañaron o de quienes lo escucharon. Diez de las 26 canciones del álbum son composiciones de Marsalis y encajan perfectamente con clásicos estandarizados de la época, como “Tiger Rag”, “Stardust”, “Black and Blue” y “Basin Street Blues”, con solos de trompeta y corneta de Marsalis. Destacar las dos versiones del tema “Timelessness”, una de las composiciones de Marsalis en el álbum. Una es interpretada por una banda de 7 miembros y la versión larga por una orquesta de jazz de 10 músicos. Toda la banda sonora está ejecutada por el trompetista y por miembros de la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, y la cantante Catherine Russell. -en un estándar de la época de Buddy Bolden, “Make Me A Pallet On The Floor”, y en el tema que cierra el álbum, “Buddy’s Horn”, otra composición de Marsalis. Entre los músicos que participan en la grabación están Don Vappie (banjo), Marcus Printup (trompeta), Wycliffe Gordon (trombón de pistones), Michael White y Victor Goines (clarinetes) y Ali Jackson (batería), –todos integrantes de la Jazz Orchestra of Lincoln Center.

El CD esta publicado en formato digipak tríptico, con un folleto a color de 20 páginas que contiene un ensayo escrito por el clarinetista Michael White presentando el álbum y la figura de Bolden, además de los créditos de las sesiones de grabación y fotografías de la película. Añadir que el disco está editado por el sello, Blue Engine Records, el sello de la discográfica del Jazz at Lincoln Center, del que Marsalis es Director Ejecutivo.

Tomajazz: © Julián Ruesga Bono, 2019

Tomajazz recomienda… la lectura en https://www.tomajazz.com/web/?p=45596 de un completo artículo acerca de Buddy Bolden.




JVeraQuartet: Haruki (Errabal Jazz, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Curtido en múltiples batallas como músico de sesión que ha acompañado a muchos artistas nacionales de diversos estilos, el contrabajista y compositor mallorquín José Vera ha reunido a un buen cuarteto e invitados en Haruki. Un disco que se disfruta como el aroma de un buen café, ya que su calidad está asegurada con buenas composiciones e interpretaciones. Las sesiones de grabación tuvieron que ser envidiables porque se respira en cada uno de los temas un sonido alegre, muy cálido y creado para el gozo de los amantes del jazz. Son diez canciones en las que por encima de todo sobresalen las interpretaciones de los músicos, que forman un conjunto sólido que se ve reforzado por las incorporaciones puntuales.

El comienzo del disco es muy alegre en el primer tema “Impulso”, que empieza muy suave con acompañamiento de voz a cargo de Fito Robles, con toques de Fender Rhodes y el soprano de Brínguez que le dan un aire festivo, con un final a cargo de Fito Robles en una intervención poética. En “Haruki” el tenor y el Rhodes, la batería a medio tempo, crean un conjunto muy equilibrado. El solo de Ariel Brínguez y el pianista con varios duetos protagonizan parte del tema.

“Blues for Jacob” cuenta con la colaboración de Raynald Colom a la trompeta en una pieza claramente de Hard Bop, donde el saxo solo de Ariel Brínguez deja a la trompeta el relevo. Hay que decir que la sección rítmica acompaña a la perfección, el piano acomete un solo intenso hasta que el contrabajo hace un break.

Un ritmo fuerte imprimen el piano y la batería a “Sol Camp”, que dan paso al saxo soprano en la primera improvisación larga. El contrabajo y el piano toman el relevo. Y en una segunda parte del tema prosigue con los mismos ritmos y el piano con un solo intenso.

Preciosa balada “Agosto”, donde el tenor, batería y piano recrean un cuadro lírico. El piano empieza una improvisación, a la que sigue otra del saxo tenor y otra del contrabajo. El contrabajo y el saxo tenor se marcan el comienzo en un dueto en “Butterfly”, una conversación que se prolonga hasta que la batería y el piano se van incorporando. La pieza empieza a subir de intensidad poco a poco. De nuevo el contrabajo y el piano realizan una conversación con un solo del pianista.

La cantante Ángela Cervantes y Raynald Colom al fiscorno protagonizan el tema cantado en portugués “Cançao de Satina”. Una canción deliciosa que se enriquece con la sección rítmica. El contrabajo y el Fender Rhodes apoyados por la batería empiezan “Mòn Bé”, a continuación el soprano de Ariel Brínguez se destaca en una melodía también con ritmos cálidos y líricos. Josué Santos se incorpora con el sintetizador y el soprano vuelve a dirigir la improvisación. El piano se hace con el tema con un break del contrabajo.

“Bamako” se inicia con bajo eléctrico y Rhodes en ritmos alegres y la voz de Mónica Benito. Pieza también que irradia cierta calma espiritual y exotismo. La incorporación del Fender Rhodes le da un toque especial al grupo. El disco culmina con una interpretación a solo de José Vera, “Sometimes snows in April”, muy lograda al contrabajo y el bajo eléctrico.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

JVeraQuartet: Haruki

Músicos: Ariel Brínguez (saxo tenor, soprano y voz), Jacob Sureda (piano y Fender Rhodes), José Vera (contrabajo, bajo eléctrico y voz) y Andrés Litwin (batería).

Invitados: Fito Robles (voz), Raynald Colom (trompeta y fiscorno), Ángela Cervantes (voz), Miguel Ángel Collado (guitarra), Josué Santos (Seaborad Synth) y Mónica Benito (voz).

Composiciones: “Impulso”, “Haruki”, “Blues for Jacob”, “Sol Camp”, “Agosto”, “Butterfly”, “Cançao de Satina”, “Mòn Bé”, “Bamako” y “Sometimes snows in April”.

Grabado en directo en Dr. No Estudio los días 25, 26 y 27 de junio de 2018.

Editado por Errabal Jazz en 2018




Nicolas Meier World Group: Peaceful (MGP Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Nicolas Meier es sin duda un ciudadano del mundo, así lo expresa en su música y lo lleva impreso en la denominación de su grupo.

Nicolas Meier recorre el mundo a través de su música y sus diferentes guitarras. Ecléctico en su concepción musical no deja de lado ninguna propuesta que tenga que ver con el folclore de diferentes lugares, costumbres y personas.

Tomando el jazz como punto de partida se alinea con el flamenco, el tango, la música turca, del norte de África, oriental y del Medio Oriente, la New Age, el jazz latino e incluso el rock o el pop.

En Peaceful encontramos todo lo expuesto con una pátina de serena amabilidad donde predomina el  feliz optimismo y el embrujo oriental.

La plenitud de Peaceful reside en sus texturas, en sus aromas, fragancias y exotismo con las que inunda nuestro caminar a lo largo del disco, sobre todo en “Princes ‘Islands”.

Cobra especial interés e importancia la inclusión del violinista Richard Jones en sus variados e interesantes diálogos con Nicolas Meier que llegan a recordar a la legendaria pareja de Grapelli y Reinhardt del Hot Club de France, algo que se muestra con especial fuerza en piezas como “Soho Square”.

Las cadencias de Kevin Glasgow al bajo, y sobre todo Demi García a las percusiones dirigen mi pensamiento a la música de la canadiense Loreena McKennitt, tal como se escucha en composiciones como “Caravan of Anatolia” o “The Island”, que no son sino un giño a la música turca.

La bailable “Besiktas Cafe”, nos pone ante un escenario de marcado carácter mediterráneo. Más latina o mejor brasileña se muestra “Manzanita Samba” tal como indica su título.

La paz llega de la mano de la relajante y pacifica balada que da título al disco: “Peaceful” (como no podía ser de otra manera).

“Water Lilies” es sin duda una manera diferente de traducir el flamenco dándole un carácter  y una visión distinta donde los punteos de la guitarra de Nicolas Meier nos acercan más a John McLaughlin o Larry Coryell que a Paco de Lucía. Más alejada del flamenco tradicional pero influenciada por él, es “City Of The 3 Rivers” donde la calidez del guitarreo de Nicolas Meier me pone sobre la pista del también guitarrista acústico Earl Klugh.

© Enrique Farelo, 2019

Nicolas Meier World Group: Peaceful (MGP Records 2019)

Músicos: Nicolas Meier (Guitarras acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas y glissentar), Richard Jones (violín), Kevin Glasgow (Bajo) y Demi García (Percusión)

Composiciones: 1/“Besiktas Cafe”, 2/“Manzanita Samba”, 3/“Peaceful”, 4/“Caravan of Anatolia”, 5/ “Water Lilies”, 6/“ Princes’ Islands”, 7/“City Of The 3 Rivers”, 8/“The Island” y 9/“Soho Square”.
Todas las composiciones de Nicolas Meier.

Grabado en MGP estudios de 2019.




Alberto Conde Iberian Roots Trio: Tribute to Bernardo Sassetti (Clean Feed, 2019) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El pianista y compositor Bernardo Sassetti fue uno de los músicos de jazz más importantes de Portugal. Ya no está entre nosotros porque falleció en 2012 en un desgraciado accidente. Era un pianista atrevido que apostaba por un nuevo lenguaje del jazz. Un músico muy admirado también fuera de su país. De dicha admiración surge este homenaje que el vigués Alberto Conde le brinda al pianista lisboeta, junto a sus habituales acompañantes Carlos Barretto, en el contrabajo y Alexandre Frazão en la batería, otros dos puntales del jazz portugués. La conexión ibérica vuelve a funcionar muy bien, ya que son muchas las colaboraciones de músicos de ambos países en los últimos tiempos.

Con el soporte de los otros dos componentes del Bernardo Sassetti Trio, Alberto Conde, ya con una dilatada carrera a sus espaldas, ofrece un repertorio de nueve temas.

“O Sonho dos Outros”, “Reflexos” y “Noite – Alice” del propio Sassetti, una pieza del compositor Federico Mompou, “Musica Callada”, que habitualmente incluía el pianista portugués en sus conciertos, así como piezas creadas por Alberto Conde, “Monkssetti” y “Double Refraction. Con Pablo Beltrán, “Taken by Lisbon” y de José Valente “Embalo para Bernardo”que participa con la viola.

El disco se abre con “Taken by Lisbon”, pieza muy equilibrada de principio a fin, en la que el trío empieza fuerte con una melodía a medio tempo con un poco de lirismo. “The Wake of an Artist”, que comienza a modo lírico con contrabajo con arco y piano percutido. El piano se suelta y empieza a navegar en una pieza que evoca sonidos de tango. El contrabajo con arco y un piano sumamente lírico, la interpretación de Conde con gran emotividad hasta el final en “Música Callada”

“Monkssetti” es un juego rítmico con evidente inspiración monkiana en el que el trío no especula y se lanza a tumba abierta hacia amplios horizontes sonoros.

“Double Refraction”, nueva composición de Alberto Conde, utiliza la forma de balada en la que el piano va dirigiendo la interpretación bien arropado por contrabajo y batería. Con equlibradas interpretaciones de los solos, destacando el de Alexandre Frazao. El piano de Alberto Conde tiene una tendencia hacia la melancolía.

“O Sonho dos Outros” cuenta con un inicio lento de piano solo y evocador, que enlaza a modo de introducción con “Reflexos”, donde el piano sigue evolucionando ya con la sección rítmica envolviéndole con maestría. El piano evoluciona en un monólogo continuo hacia diferentes variaciones. Contrabajo realiza un solo y entra de nuevo piano y batería. El piano vuelve a encadenar notas que evocan diferentes paisajes.

“Embalo para Bernardo” comienza con la batería de Alexandre Frazao, envolvente y misteriosa. El piano ataca con leves notas, acompañado por la viola de José Valente, autor de la pieza, que semeja a un nocturno en homenaje a Bernardo Sassetti como una bella composición. Un tema lleno de diferentes ambientes muy sugerentes, vanguardistas, donde la viola se explaya. La parte final el piano vuelve a tomar la dirección, con la viola y el resto del grupo.

El disco se cierra con “Noite – Alice”, donde el piano introduce el tema con un desarrollo de carácter lirico y rico en matices, a través del contrabajo y la batería.

Tribute to Bernardo Sassetti es un digno homenaje al joven valor del jazz portugués que nos dejó en lo mejor de su creatividad y que refleja muy bien el espíritu y claridad de su música, que afortunadamente nos quedará para siempre.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Alberto Conde Iberian Roots Trio: Tribute to Bernardo Sassetti

Músicos: Alberto Conde (piano), Carlos Barretto (contrabajo) y Alexandre Frazão (batería). Invitado José Valente (viola) en el tema “Embalo para Bernardo”.

Composiciones: “Taken by Lisbon”, “The Wake of an Artist”, “Música Callada”, “Monkssetti”, “Double Refraction”, “O Sonho dos Outros”, “Reflexos”, “Embalo para Bernardo” y “Noite – Alice”.
Temas compuestos por Alberto Conde y Pablo Beltrán “Taken by Lisbon”, Pablo Beltrán “The Wake of an Artist”, Federico Mompou “Música Callada”, Alberto Conde “Monkssetti” y “Double Refraction”, Bernardo Sasseti “O Sonho dos Outros”, “Reflexos” y “Noite – Alice”, y José Valente “Embalo para Bernardo”.

Grabado el 27 y el 28 de noviembre de 2018 en Namouche Studios en Lisboa.

Editado por Clean Feed en 2019




JazzX5#060. John Coltrane: Blue World [Adelanto – Minipodcast]

Por Pachi Tapiz.

“Blue World”. John Coltrane: Blue World (Impulse!)
John Coltrane, McCoy Tyner, Jimmy Garrison, Elvin Jones

Single adelanto de Blue World, grabación inédita de John Coltrane realizada en 1964 en el estudio de Rudy Van Gelder en Englewood Cliff, que publicará Impulse! el 27 de septiembre de 2019.

© Pachi Tapiz, 2019

JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.
JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019.
Todas las entregas de JazzX5 están disponibles aquí…




Mark Wingfield & Gary Husband: Tor & Vale (Moonjune Records 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Tor & Vale supone una obra de dualidades, dos instrumentistas con sus instrumentos, dos formas de hacer música, una escrita, otra improvisada (“Tor & Vale”, “Shape Of Light” y “Silver Sky”); un guitarrista (Mark Wingfield) y su guitarra plural y cuántica; en medio de Pat Metheny y Terje Rypdal. Un multiinstrumentista (Gary Husband entre el piano y la batería) aquí al piano.

Tor & Vale entre dos mundos, el acústico-eléctrico y el espacio-tiempo.

Un diálogo a dos. Mientras uno se queja, llora o se lamenta el otro aporta serenidad y “cordura” buscando el equilibrio.

Los extremos se atraen, distintos sí, pero complementarios.

Música que recuerda el futuro y que desde el presente viaja al pasado para cimentar lo venidero en “Kittiwake”. Así comienza la aventura.

En ocasiones se apagan juntos, en otras es el piano de Gary Husband quien se impone acallando el llanto de la guitarra de Mark Wingfield como sucede en “The Golden Thread”.

En “Night Song” el debate se forma en torno al llanto silencioso y el eco profundo creando paisajes sonoros impactantes que se pierden poco a poco hasta desaparecer.

Mark Wingfield hace que su guitarra sea blanda y elástica, estirándola y arrastrándola al interior del  horizonte de sucesos y convirtiendo su densidad en infinita oscuridad que mantiene el piano de Gary Husband al borde de dicho horizonte en “Tor & Vale”.

Es en “Shape Of Light” donde Mark Wingfield viste su guitarra de trompeta para crear himnos espaciales en contraposición al piano de Gary Husband que es íntimo y pausado provocando que ambos acaben bajo las aguas de un mar de tranquilidad.

“Silver Sky” desarrolla paisajes sonoros de fría plata, de misterio y de oscura inquietud.

“Tryfan” y “Vaquita”. En ambos los tiempos se hermanan en pos del piano de Gary Husband que suena profundo y cala hondo, no se queda atrás la guitarra de Mark Wingfield proponiendo majestuosidad y pasión.

Música de cámara y música científica del siglo XXI. Dos elementos intervinientes, el emisor y el receptor. El primero es activo y el segundo pasivo.

¡Siéntate, escucha, viaja y disfruta! ¡Tú propones la hoja de ruta!

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

Mark Wingfield & Gary Husband: Tor & Vale (Moonjune Records 2019)

Gary Husband (Piano) y Mark Wingfield (guitarra eléctrica, soundscape),

“Kittiwake”, “The Golden Thread”, “Night Song”, “Tor & Vale”, “Shape Of Light”, “Tryfan”,  “Silver Sky” y “Vaquita”.
Todas las composiciones de Mark Wingfield excepto en “Shape Of Light”, “Tryfan” y  “Vaquita” que son improvisaciones de Mark Wingfield y Gary Husband.

Grabado en el estudio de Jesús Rovira con la asistencia de Gerard Giner en La Casa Murada Banyeres del Penedés, Cataluña, España, el 19 de Mayo de 2018.

 




Maceo Parker (XXII Festival Internacional Jazz San Javier, Murcia. 2019-07-26) [Concierto]

Por José Antonio García López Pedro Sáez.

XXII Festival Internacional Jazz San Javier – (Murcia)

  • Fecha: 26 de julio de 2019
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa – (San Javier, Murcia)
  • Grupo:
    Maceo Parker
    Maceo Parker: voz, saxo alto y flauta travesera
    Darliene Parker: voz
    Greg Boyer: trombón
    Bruno Speight: guitarra eléctrica
    Will Boulware: teclados
    Rodney “Skeet” Curtis: bajo eléctrico
    Pete MacLean: batería

La gira española del saxofonista Maceo Parker tuvo su parada en la presente edición del Festival Internacional Jazz San Javier, una cita muy esperada por los seguidores de esta gran figura representante del estilo funk y el soul jazz. Su extensa trayectoria artística le ha llevado a colaborar con músicos muy relevantes, siendo conocida su participación como solista en las filas de James Brown, grabando en sesiones con James Taylor, Bryan Ferry, Larry Goldings, Dave Matthews, Candy Dulfer y Prince, entre muchos otros, o formando parte del grupo Parliament Funkadelic de George Clinton, para después liderar su propia banda, con la que posee más de una quincena de discos.

Buena parte del aforo ya le esperaba en el foso del auditorio, preparado para la primera descarga del grupo, que se lanzó con el tema llamado “Off The Hook” de su álbum Made By Maceo (Sony Music Distribution, 2003). La química de Parker acababa de estallar y tras unas palabras de agradecimiento anunció el siguiente tema “Make It Funky”, Maceo – Soundtrack (Minor Music, 1994) en el que destacaron las cortas intervenciones del trombonista Greg Boyer. La balada “Daddy’s Home”, Mo’ Roots (Verve, 1991) cambió la dinámica intensa del comienzo. La melodía, compartida entre saxo alto y trombón, dio paso a los teclados de Will Boulware, que solo le dio tiempo para introducir un escueto arreglo porque la banda aparcó la pausada pieza para enlazar con “Uptown Up”, Funk Overload (What Are Records?, 1998) y retomar el contundente ritmo funky, en el que lucieron los solos de Boyer, Parker y Boulware. La complicidad del líder con el público fue animando, aún más, el espectáculo, creando momentos muy álgidos con su particular manera de bailar y su incombustible forma de actuar sobre el escenario. Parker homenajeó a uno de sus artistas más admirados con la melodía de “Send One For Your Love” de Stevie Wonder, realizada por el trombonista. La resistencia de Parker no tiene límite y los ritmos del funky siguieron su marcha, aumentando, aún más si cabe, el placer colectivo y el delirio de sus seguidores. Temas tan conocidos como “Let’s Get It On” de Marvin Gaye, introducido con un solo del guitarrista Bruno Speight, fueron descubriendo su mejor faceta de cantante, sobre todo en las piezas lentas, en las que el líder se muestra ágil y poderoso.

Casi una docena de veces hizo el amago de salir del escenario y acabar con la sesión, para volver, otras tantas, a reanimar y continuar con el concierto, y dirigir las entradas de sus compañeros, como en el largo solo que se marcó el baterista Pete MacLean, potente y exhaustivo en sus definiciones rítmicas. Otra balada, a dúo con Boulware, dio paso a nuevas andanadas del mejor estilo funk, en las que lucieron las incursiones del bajista Rodney “Skeet” Curtis, punteadas con un excelente sonido. La versión de la canción “Stand By Me” de Ben E King, interpretada con las voces de Greg Boyer y Darliene Parker, nos mostró también la diversidad instrumental de Parker, con una espléndida improvisación de flauta travesera. El líder buscó, de nuevo, la complicidad de la audiencia con más temas, haciéndola bailar y participar en un tándem vocal hasta el final de la sesión, que despidieron con la melodía del saxo alto en la canción “My Love” de Paul McCartney. Los vítores del público se vieron recompensados con un bis final, con el que el grupo volvía a despedirse, dejando la agradable sensación de haber vivido uno de los conciertos más divertidos y entregados de los que han pasado por el festival.

Tomajazz
Texto: © José Antonio García López, 2019
Fotografías: © Pedro Sáez – Jazz San Javier, 2019