Chema Saiz: Solo Álbum – Volumen Dos (Errrabal Jazz, 2020). El explorador y su guitarra. [Grabación de jazz] Por Juan F. Trillo

Chema Saiz: Solo Album Volumen 2Fue allá por 1999 cuando Chema Saiz presentó su Solo álbum (Plectro), grabación que, en teoría, precede a este Solo álbum – Volumen dos, así que a la vista está todo el tiempo transcurrido entre uno y otro. Sin embargo, y a pesar de lo mucho que ha cambiado el panorama musical, Saiz sigue siendo un artista tan difícil de clasificar como lo era entonces, combinando géneros y estilos y haciéndolo con la facilidad de un maestro guitarrista.

Podemos tomar, como buen ejemplo de ello, el tema con el que abre este álbum grabado hacia finales del año pasado, una versión de “Tinkle, Tinkle”, de Thelonius Monk, que sorprenderá agradablemente a los amantes del genio fundador del bebop. Pero tras este ejercicio de virtuosismo pasa inmediatamente a lucirse con dos temas propios, “No Tan Largo” y “Marketing” que sirven perfectamente para darnos cuenta de que Saiz es de esos artistas que están siempre a la búsqueda de nuevas fronteras musicales y tras los que vuelve, una vez más, a Monk en “Crepuscule With Nellie”.

De formación clásica en el más puro estilo de la guitarra española —un excelente punto de partida para viajar en dirección al jazz más experimental—, se acercó desde muy joven a guitarristas de jazz de la talla de los norteamericanos Sean Levitt o John Abercrombie, pero también de músicos polifacéticos como el multinstrumentista Dave Liebman.

Saiz (Alcalá de Henares, 1963) grabó su primer disco, Mi carro, allá por 1997, con su propio cuarteto que integraban Kevin Robb al saxo, Richie Ferrer al contrabajo, Carlos González en la batería y él mismo en la guitarra española. Desde entonces ha alternado los trabajos en solitario, como el citado Solo álbum, los dúos (Sanchema, 2017), los tríos (Trío Álbum, 2008) y hasta septetos que incluían flauta (Elías Cepeda) y oboe (Emma Mendo) en Vocal Project (Vol. I) en 2014, lo que da buena idea de su amplitud de miras y su deseo de experimentar con nuevas formas de expresión.

Saiz, por tanto, es de naturaleza inquieta y así es posible encontrar en su discografía, por ejemplo, un homenaje a Fitzgerald y a Pass (Recordando a Ella Fitzgerald & Joe Pass, 2014), en compañía de la vocalista Ángela Cervantes. Queda claro pues que no es de los que se dejan etiquetar, ni de los que viven en la calma funcionarial de un estilo definido y concreto. Esto implica por supuesto una elevada dosis de riesgo, pues Saiz aborda en un momento dado estándares como los que incluye en este último disco, “The Mooche” y “Stardust”, de Ellington, para saltar a continuación a temas como “Chotis nº 6” de composición propia y de ahí, nada menos que a “Cuadros de una exposición”, de Modest Músorgski.

Para salir bien parado de aventuras como estas se precisan indefectiblemente dos herramientas: conocer el propio instrumento a la perfección y una elevada dosis de confianza en uno mismo. Por suerte y como hemos dicho, Saiz cuenta con ambas en su haber por lo que el resultado es más que satisfactorio. Cierra el álbum su versión de “Lament”, del trombonista J.J. Johnson, concluyendo así una experiencia musical que nos ha llevado por caminos muy diferentes de los que la mayoría de nosotros estamos acostumbrados a recorrer. Salir ocasionalmente de nuestra zona de confort es una experiencia recomendable —al menos en el terreno jazzístico—, siempre que uno la lleve a cabo en buena compañía y no cabe duda que alguien capaz de atreverse con una versión de la popular canción tradicional “Estaba la pastora” y salir con bien de ella, es el músico adecuado para probar nuevos acordes.

Texto: © Juan F. Trillo, 2021 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

Chema Saiz: Solo Álbum – Volumen Dos (Errrabal Jazz, 2020)
Chema Saiz
, guitarra.
Estudios de grabación: Camaleon Music Studio, Madrid.
Ingeniero sonido: Omar Carrascosa, Santi Fernández.
Masterizado: Santi Fernández.
Sello discográfico: Errabal Jazz.




Pablo Martín Caminero Quintet (Murcia Jazz Festival 2021) [Concierto de jazz] Por José Antonio García López y Rafa Márquez

Murcia Jazz Festival 2021

  • Fecha: 18 de marzo de 2021
  • Lugar: TCM – Teatro Circo de Murcia
  • Grupo:
    Pablo Martín Caminero Quintet
    Pablo Martín Caminero: contrabajo
    Ariel Brínguez: saxo tenor
    Carlos Martín: trombón
    Moisés Sánchez: piano
    Michael Olivera: batería

El cambio del grupo Eli Degibri Quartet, sustituido por Pablo Martín Caminero Quintet, en la programación del festival, a pocos días de la cita, tuvo una extraordinaria acogida por parte de los aficionados. Caminero presentó ante la audiencia un repertorio de temas originales de su último álbum llamado Bost (Camaleón Music Studio, 2020), basado en dos líneas genéricas de creación: el jazz y el flamenco.

El líder de la formación hizo gala de su buen humor, y simpatizó con los asistentes desde el primer momento de la actuación, que iniciaron con el tema “Bost”, pieza homónima que también encabeza el disco. La enérgica entrada de la composición, basada en el palo flamenco de la granaína, comenzó a dar una buena idea de lo que iba a ser el desarrollo posterior de la sesión. Tras la exposición del tema, fue Caminero el que inició la rueda de improvisaciones, seguido del pianista Sánchez, que aportó una buena dosis de intensidad con sus ágiles y flexibles fraseos. Brínguez y Martín alargaron el final de la pieza, alternando sus diálogos para acabar de forma apoteósica. “Blues para Gerardo Nuñez”, dedicado al gran guitarrista, fue el segundo tema del repertorio. Una soleá por bulerías, con una extensa y colorida exposición que dejó paso a los solos del contrabajo con arco, el trombón, el saxo tenor, y una contundente muestra del baterista Olivera. El contrabajista anunció el siguiente tema como una pieza conceptual de un minuto de duración llamada “Tema para Instagram”, para continuar con “Variaciones Instagram”, en la que Brínguez, Martín y Sánchez, ejercieron su labor como protagonistas principales, con solos de una gran consistencia. En “Manoli”, tema inspirado en uno de los personajes imaginarios de la película El Plan (2019) basada en un guión de Polo Menárguez e Ignasi Vidal, se adentraron en un paisaje sonoro onírico y sutil, de gran belleza, dejando en un estado de éxtasis a los oyentes que se encontraban en el teatro.

Uno de los platos fuertes -en palabras de Caminero-, fue “FKOTR” (Fucking Kings Of The Road ) dedicado a su amigo, el baterista Shayan Fathi. Creada sobre la base rítmica de la seguiriya, la dinámica composición incluyó la voz sampleada del cantaor Enrique Ortega, hijo de Manolo Caracol, destacando las imponentes y brillantes improvisaciones de Brínguez, Sánchez, y Martín, que elevaron con gran maestría el profundo contenido musical de la pieza. Quiero mencionar la excelente labor del baterista Olivera en este tema, y a lo largo de toda la sesión, entregado en cuerpo y alma en su papel, como esencial componente en el proyecto. El penúltimo tema de la actuación fue “El tema raro del disco”, basado en el palo del fandango, una partitura lenta en la que se barajaron diversas intervenciones de todos los músicos. El concierto, llegó a su final con unas palabras de agradecimiento a la organización del festival, y una pieza por bulerías titulada “La propina”, un tema ligero y desenfadado, con incursiones de piano, trombón y saxo tenor. Aplaudidos generosamente por la audiencia, y apremiados por el toque de queda, repitieron el minuto de “Tema para Instagram”. Caminero, nos mostró su gran faceta compositiva, adentrándonos en una música fruto de la fusión entre dos grandes géneros, con atributos distintos, pero compartidos en un contexto común.

En la memoria de todos, y en el presente, queda la figura del gran trombonista valenciano Toni Belenguer, una reciente y triste perdida, importante pilar del proyecto de Caminero.

Enhorabuena a Jota Baeza (director artístico del festival), y a los responsables del Teatro Circo de Murcia, por la buena labor y organización, teniendo en cuenta los tiempos tan difíciles por los que estamos atravesando.

Texto: © José Antonio García López, 2021
Fotografías: © Rafa Márquez – Murcia Jazz Festival, 2021




Scott DuBois: Summer Water (Watertone Music Records 2021) [Grabación de jazz] Por Enrique Farelo

Summer Water es el sexto álbum del guitarrista y compositor de Chicago, y el tercer capítulo  de una saga iniciada por Winter Light (ACT, 2015) continuada por Autumn Wind (ACT, 2017) y dedicada a las estaciones del año y a los elementos “alquimistas”, (luz, ¿por fuego?, viento y agua) por lo que preconizo que la siguiente entrega vendrá de la mano de la tierra y la primavera.

Summer Water supone un poemario sonoro integrado por 11 poemas fotográficos, hipnóticos, tímbricos, serenos y reverberantes cual rumor del correr del agua.

Once composiciones apacibles y agradables que son recorridos por oídos inquietos a los que se les unen los ojos de la imaginación.

Summer Water es la musa que respira, aspira y se inspira en la fuente de la fresca creación. Summer Water viene auspiciado por el recogimiento intimista y reflexivo, por la belleza y el  encanto sereno de la descripción paisajística impresionista y expresionista, de sonidos cristalinos, de suaves y tiernos ecos que acarician tus sentidos penetrando sutilmente en tu yo interno.

Summer Water no se queda en la superficie sino que ahonda en la profundidad del ser, es música para una nueva era, pero no es new age. Es natural, es cercana y te envuelve como una suave brisa vaporosa, te hacer gozar sin ser una fiesta.

En ocasiones indolente e ingrávida, en otras corre ligera o vuela en busca de la luz tibia o luminosa. A veces las turbulencias apagan sus ecos en la nada o se esconden en el incipiente anochecer.

Scott DuBois se vale de su instrumento para contar historias que emanan del alma.

Su música es una ofrenda más allá del jazz o de cualquier estilo y tú el poseedor de sus sueños.

© Enrique Farelo, 2021

Scott DuBois-Summer Water (Watertone Music records 2021)

Scott DuBois (guitarra eléctrica)

“Into River Fog”, “River Otters”, “River Driftwood”, “Summer Light on Rushing River”, “River Before the Storm”, “Storm Where the River Meets the Sea”, “Sea Before the Storm”, “Summer Light on Billowing Sea”, “Sea Driftwood”, “Sea Otters” y “Into Sea Fog”.
Todas las composiciones de Scott DuBois.

Grabado en el estudio Watertone Music de Chicago en diciembre de 2019.

Publicado en 2021 por Watertone Music Records.




Javier Navas Quartet: Fresh Stars (Autoeditado, 2018) [Grabación de jazz] Por Enrique Farelo

La verdad es que pensar en clave de vibrafonistas españoles es un ejercicio difícil de superar. A bote pronto no son muchos, o son más bien escasos los nombres que se me vienen a la cabeza: quizás Arturo Serra o Geni Barry y poco más, y reconociendo que a estos dos músicos no los conozco en demasía.

Con Javier Navas podríamos señalar que se cierra el tridente del vibráfono nacional.

Fresh Start es su segundo trabajo como líder, siendo el primero Finally in my hands publicado en 2016 por Ambar Records con la misma instrumentación y formación.

Abre “Vivir para Mirar” y lo hace con la frescura que aporta el cool sin dejar de lado el swing que sale de las baquetas de Javier Navas al que se une el piano de Juan Galiardo para mantener una conversación intensa; en “Sail Away” la capacidad camaleónica de Enrique Oliver marca el inicio transformando su saxo soprano en una melódica, donde además brillan la sensibilidad de Juan Galiardo y el omnipresente Javier Navas.

Piezas como “El Buscador” se retroalimentan de sonidos y características propias del be-bop rezumando swing sin pudor y con mucha alegría. “She Was Right” es la única composición que no lleva la autoría de Javier Navas sino de Tom Harrell y podríamos definirla como un bolero sin letra y sonido amable donde un metrónomo o un reloj marcan el paso del tiempo.

“El Ritmo Nos Gobierna” se agarra con fuerza al swing con tanta libertad como soltura donde destacan Juan Galiardo y Javier Navas; de sonido más denso y elaborado se muestra “Cuando Fuimos Estrellas” cobrando protagonismo Javier Navas, Juan Galiardo y el saxo tenor de Enrique Oliver.

“Llegada Imposible” destaca por la riqueza de matices e imaginativos cambios de ritmo abanderados por un “enfurecido” saxo tenor (Enrique Oliver) al que le sigue el veloz vibráfono de Javier Navas, el swingueante piano de Juan Galiardo y cuyo boche lo pone Bori Albero.

“Rumbo al Este” gusta de la combinación elegante y sofisticada del piano Rhodes y el vibráfono de Juan Galiardo y Javier Navas que nos acerca al jazz de fusión desde la perspectiva setentera.

Se abrocha Fresh Stars con “Fresh Stars” donde todos participan para lucimiento de Enrique Oliver y Javier Navas sobre todos los demás.

© Enrique Farelo, 2021

Javier Navas Quartet más Enrique Oliver: Fresh Stars (Autoproducido 2018)

Javier Navas (vibráfono), Enrique Oliver (saxo tenor y soprano), Juan Galiardo (piano y Rhodes), Bori Albero (bajo) y Dani Domínguez (batería)

“Vivir para Mirar”, “Sail Away”, “El Buscador”, “She Was Right”, “El Ritmo Nos Gobierna”, “Cuando Fuimos Estrellas”, “Llegada Imposible”, “Rumbo al Este” y “Fresh Stars”.
Todas las composiciones de Javier Navas excepto “Sail Away” de Tom Harrell.

Grabado el 18 y 19 de junio de 2018 en los estudios FJR (Granada)

 




Patxi Valverde Quartet (Murcia Jazz Festival 2021) [Concierto de jazz] Por José Antonio García López y Rafa Márquez

Murcia Jazz Festival 2021

  • Fecha: 7 de marzo de 2021
  • Lugar: Auditorio Municipal de La Alberca – Murcia
  • Grupo:
    Patxi Valverde Quartet
    Patxi Valverde: saxo tenor
    Enrique Simón: piano
    Antonio Peñalver: contrabajo
    Quique Ramírez: batería.

La red de auditorios del extrarradio de la ciudad de Murcia, fueron los escenarios elegidos para acoger a varios de los grupos integrados en la programación de Murcia Jazz Festival 2021, en un acercamiento de la música de jazz a los aficionados de la región. El cuarteto del compositor y saxofonista Patxi Valverde, formado por el pianista Enrique Simón, Antonio Peñalver al contrabajo, y Quique Ramírez en la batería, abrió la serie de conciertos. Valverde escogió un repertorio con temas de su álbum Looking Forward (Ammus Records, 2012), así como otras piezas de diferentes compositores, y nuevas composiciones propias.

El cuarteto comenzó la sesión con “Three Years Ago”, una pieza a ritmo de slow swing, desenvuelta con improvisaciones de piano, saxo tenor y contrabajo, sobre las diversas modulaciones que contiene la partitura. Uno de los temas más dinámicos fue “The Last Call”, tema original de Valverde, iniciado con una enérgica y larga introducción de la sección rítmica, para dejar paso a la exposición melódica con el saxo tenor, y la posterior improvisación a un tempo rápido, apoyado por el resto de compañeros. Simón, participó aquí con un elocuente solo de piano, ágil y bien articulado. El baterista Ramírez, tuvo también su parte protagonista durante el dilatado final de la pieza. Otro de los temas más destacados fue “Song For Mauricio”, un sugestivo medio latin, dedicado a un amigo, en el que Valverde y Simón realizaron, respectivamente, brillantes y enérgicos solos. La introducción del pianista condujo a una singular atmósfera con “Benito`s Five”, una partitura a un tempo de 5/4, que mostró el gran lenguaje musical con el que se expresa Valverde. El contrabajista Peñalver, realizó la primera incursión en la rueda de solos, elegante y preciso en sus fraseos. El tema alcanzó su máxima intensidad en un final compartido con el baterista Rámirez, arropado por un background del saxo y el piano.

En el ecuador del concierto, el líder presentó otra nueva composición llamada “You Came At Midnight”, una preciosa balada dedicada a su hija, emocionante y delicada partitura adornada por sutiles arreglos de piano, y desarrollada con improvisaciones de saxo tenor y contrabajo. “A Hundred Miles”, composición del pianista (Lucentum, Youkali Music, 2020) fue otro de los temas incluidos. Una pieza vigorosa, con matices flamencos, en la que lucieron los solos de Simón y Valverde, sobre la contundente base rítmica. En “Lupo’s House”, alternaron los ritmos de bossa y el swing, dando forma a una pieza muy dinámica. Tras la vitalista introducción, compartieron improvisaciones de saxofón y contrabajo, y un final del tema, mano a mano, entre los dos principales solistas, Valverde y Simón, sobre la estructura armónica. Basada en una transcripción de Valverde del standard “My Shining Hour”, de Harold Arlen / Johnny Mercer, y tocado a un tempo alto, dieron rienda a sendas improvisaciones de saxofón y piano, además del baterista, que realizó un solo escueto e incisivo. El grupo despidió su concierto con un bis, “One For Amos”, incluido en su primer disco Looking Forward, otro tema rápido que dejó encantados a los asistentes.

La música del saxofonista Patxi Valverde sigue evolucionando con el tiempo, dejándonos sobre el papel sus nuevas creaciones, que formarán parte de un próximo álbum, muy esperado por sus seguidores.

Texto: © José Antonio García López, 2021
Fotografías: © Rafa Márquez – Murcia Jazz Festival, 2021




Jon Batiste: We Are (Verve. 2021) [Grabación de jazz] Por Rudy de Juana

Jon Batiste está en racha. Si hace unas semanas os hablábamos del estupendo trabajo que había hecho en Soul de Pixar, ahora vuelve a ser noticia con el lanzamiento de We are, su octavo disco de estudio.

Al calor de movimientos como “Black Lives Matter” pero también de los últimos acontecimientos políticos en Estados Unidos, Batiste llega a este disco con dos intenciones muy claras: reivindicar el legado del pueblo afroamericano y conseguir que lo pasemos realmente bien. Ya en el primer tema (“We are”), un himno en el que se sienten los coros gospel de la “St. Augustine High School Marching 100 and Gospel Soul Children” canta: ”the country is full of stars, but they are in a war, lying in the dark, just hopinto medicate, but painfully, It changes fate. We are, We are, We are the chosen ones”.

Esa reivindicación del pueblo afroamericano (“the chosen ones”), y de unos valores combativos de los que siempre se ha mostrado orgulloso, también se trasladan a títulos de temas como “Tell The Truth”, “Freedom” o “Sing”…Y aunque es cierto que en el tracklist no hay ninguna referencia directa al asesinato de George Floyd el pasado mes de mayo, de alguna forma ese es el espíritu que recorre el disco.

En “We are” hay sin embargo mucho más que un mensaje político. Porque más allá del jazz de Nueva Orleans en el que se cría Batiste, lo que aquí encontramos es un intento deliberado de plasmar la tremenda riqueza musical que ha aportado el pueblo afroamericano a la historia de Estados Unidos. Y claro que hay jazz, pero también hay soul, funk, hip-hop y R&B…sonidos todos que pertenecen a la tradición de la Black American Music y que aquí se entregan a toda velocidad, creando un efecto de vértigo maravilloso.

Ningún tema mejor que ”Show me The Way” para ejemplificarlo, en el que Batiste se presenta como un nuevo Marvin Gaye, y al que solo le falta cantar eso de “What’s Goin’ On” para calcarlo, cantando eso sí con un tono que recuerda a Little Richard. En I need you”, juega con bases “boperas” y el rock clásico y en Whatchutalkinbout”, no solo demuestra que el chico sabe rapear, sino que sabe hacerlo a toda velocidad, introduciendo una base de música electrónica que le sienta francamente bien al tema.

De su Nueva Orelans querida se trae una más que interesante colaboración con Trombone Shorty (“Boy Hood”) y con Hot 8 Brass Band (“AdultHood”) se atreve con una de esas baladas R’n’B con las que artistas como Usher o R.Kelly llevan años rompiendo corazones. En ”Freedom”  nos invita a bailar al ritmo del funk de los años 70, y piano y tambores africanos se fusionan de forma maravillosa en Until” el tema que cierra el disco y en el que, con una risa de niño final, Batiste nos dice que las cosas pueden cambiar, que aún hay esperanza.

En We are no solo descubrimos a un auténtico virtuoso, capaz de navegar con soltura entre distintos estilos, sino sobre todo a un creador que ha sido capaz de recoger toda esa tradición que “carga a sus espaldas” e integrarla en la música actual, revitalizándola y proyectándola hacia el futuro. Un disco que, desde luego, podemos recomendar a cualquiera que quiera introducirse en la música negra del siglo XXI y que destila una calidad tremenda.

Texto: © Rudy de Juana, 2021. http://www.caravanjazz.es/




Shai Maestro: Human. El acierto de añadir una gran trompeta (ECM Records, 2021) [Grabación de jazz] Por Juan F. Trillo

Hay que felicitar a Shai Maestro por su acertadísima decisión de incluir en su banda al trompetista norteamericano Philip Dizack, convirtiendo un buen trío en un cuarteto sobresaliente. Y no es que al equipo formado por el batería israelí Nehemya, el bajo peruano Jorge Roeder y su propio piano le fuese mal, ni mucho menos. Todo lo contrario; sus anteriores cinco discos, en especial el último álbum, The Dream Thief (2018), suenan mejor que bien.

Sin embargo, la trompeta de Dizack eleva la música del grupo a otro nivel. No sería justo decir que se hace con el protagonismo de los temas en los que interviene, porque los intérpretes funcionan todos en conjunto como una máquina armónica —lírica, a menudo— muy bien engrasada. Pero lo cierto es que la presencia de la trompeta de Dizack destaca inevitablemente, proporcionando a las composiciones una energía que realza el resultado final. Así que, de nuevo, es preciso reconocerle a Maestro el mérito que le corresponde como líder de la formación, al permitirle al trompetista que haga lo que tan bien sabe hacer.

El resto de los intérpretes tienen, incluso, su oportunidad de brillar con sus propios instrumentos, como el propio Maestro en “Prayer”, en el que combina el virtuosismo y la emoción, Mehemya en “Mystery and Illusions”, donde muestra la capacidad de sus baquetas y escobillas para crear ambiente o el bajista Roeder en “The Thief’s Dream”, un poético guiño al anterior álbum de Shai Maestro Trio.

Shai Maestro (1987- ), Israel, fue “descubierto” por el contrabajista y compositor Avishai Cohen, quien le reclamó para formar parte de su trío (junto con el batería Mark Guiliana) en 2008, lo que le permitió acumular una considerable y valiosa experiencia en los escenarios internacionales, que compartió con nombres como Chick Corea, Tigran Hamasyan o Diana Krall durante casi tres años.

Sin embargo, como les ha sucedido a tantos otros, una vez alcanzada la madurez musical, sintió la necesidad de expresar su propia identidad y para ello formó Shai Maestro Trio en 2011. En 2018, tuvo lugar otro momento importante en su carrera profesional, cuando firmó con ECM y este que hoy presentamos en Tomajazz, es precisamente el segundo álbum que graba con la discográfica alemana.

Human, reúne once temas, diez de Maestro y uno de Duke Ellington, en el que reinterpreta de forma muy personal el clásico “In a Sentimental Mood”. De entre el resto, podemos destacar “Time”, que abre el disco con fuerza, sugiriendo una cierta improvisación que impregna igualmente los que vendrán a continuación, y “Hank and Charlie”, un homenaje a Hank Jones y a Charlie Haden. En cuanto a mis favoritos, son sin duda alguna “Compassion” e “Ima”. En el primero el piano de Maestro desgrana unos acordes impregnados de melancolía, mientras que en el segundo la combinación de esa misma emoción con el aporte rítmico de Roeder lo convierten en el cierre perfecto para un álbum de los que se escuchan con agrado una y otra vez.

Texto: © Juan F. Trillo, 2021 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

Shai Maestro: Human
Shai Maestro, piano.
Ofri Nehemya, percusión.
Jorge Roeder, bajo.
Philip Dizack, trompeta.

Estudios de grabación: Studios La Buissonne, Francia.
Fecha de grabación: febrero de 2020.
Publicado en 2021 por ECM.
Producido por Manfred Eicher.




Raynald Colom Quartet (Murcia Jazz Festival 2021) [Concierto de jazz] Por José Antonio García López y Rafa Márquez

Murcia Jazz Festival 2021

  • Fecha: 5 de marzo de 2021
  • Lugar: TCM – Teatro Circo de Murcia
  • Grupo:
    Raynald Colom Quartet
    Raynald Colom: trompeta
    Tony Tixier: piano y teclados
    Joe Sanders: contrabajo
    Francesco Ciniglio: batería

Tras la inevitable cancelación de la primera edición del festival, debido a la pandemia mundial que se inició en marzo de 2020, este año ha vuelto Murcia Jazz Festival con renovadas expectativas y una programación variada, en cuanto a estilos jazzísticos y actividades. La apertura del festival corrió a cargo del trompetista francés, afincado en Barcelona, Raynald Colom, acompañado por el pianista Tony Tixier, Joe Sanders al contrabajo, y Francesco Ciniglio en la batería. El trompetista, está recorriendo varias ciudades europeas para presentar su nuevo disco que saldrá a la luz en abril de este año, con el nombre de A Million Dreams, su sexto álbum como líder.

Colom interpretó varios temas de su próximo disco y de anteriores trabajos discográficos. Ante un aforo casi completo, por las limitaciones que exigen los espectáculos en estos días, el grupo, salió a escena para tocar el primer tema titulado “When Logan Meets Miro”, una pieza extensa, elocuente y llena de ensueño, de las que calan hondo en el oyente. “Sketches Set Seven – Segment One Revisited” de Edward Bland, incluido en el álbum de Colom, The Barcelona Session (Fresh Sound New Talent, 2019) fue el siguiente tema, sutilmente enlazado con el anterior. Una pieza muy dinámica, intensa y vigorosa, en la que Colom y Tixier compartieron protagonismo en las improvisaciones, arropados por el meticuloso contrabajo de Sanders y la sensacional contundencia de la batería de Ciniglio. La introducción del trompetista, en solitario, dio paso a la melodía de la sugestiva y nostálgica balada “You’re My Everything” (Harry Warren / Mort Dixon / Joe Young) a la que se fue sumando el resto del cuarteto, para establecer un clima sosegado que cambió, por el momento, el animado inicio del concierto. La sesión continuó con el standard “Evidence” de Thelonious Monk, y la intervención de Ciniglio, al principio del tema, que lució un expresivo solo de batería. Colom y Tixier improvisaron sobre velocidades de vértigo, creando momentos de gran intensidad. El líder anunció la siguiente pieza llamada “La Muse Ménagère Op.245”- My Own” de Darius Milhaud, The Barcelona Session, que inició Sanders con el contrabajo. La cita fue llegando a su final con “Powder Keg” de Wayne Shorter, una enérgica partitura estilo bebop que desarrollaron con extensos solos de trompeta y teclados. El grupo despidió su concierto con un blues “Misterioso” de Thelonious Monk, entre grandes aplausos y vítores del público.

Buen comienzo del festival para los aficionados al jazz, deseosos de volver a escuchar la música de este género en directo.

Texto: © José Antonio García López, 2021
Fotografías: © Rafa Márquez – Murcia Jazz Festival, 2021




Dave Stryker: Baker’s Circle. Entre el jazz y el soul. (Strikezone Records, 2021) [Grabación de jazz] Por Juan F. Trillo

Dave Stryker Baker's CircleEl guitarrista Dave Stryker nos ofrece otra muestra de su buen oficio musical con su último álbum, Baker’s Circle, en el que su dilatada experiencia se traduce en diez temas que alternan composiciones propias y estándares del soul/jazz que los aficionados reconocerán y disfrutarán.

Stryker suma veintiséis álbumes liderando su propia banda a una lista mucho más extensa de colaboraciones en grabaciones ajenas. Natural de Omaha, Nebraska, se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1980, para unirse a la banda de Jack McDuff, con quien permaneció durante un par de años adquiriendo el oficio y la capacidad para pasar con facilidad del jazz al soul y viceversa. Más tarde se uniría al quinteto del saxofonista Stanley Turrentine durante casi diez años, lo que a su vez le daría ocasión de tocar junto a nombres como Freddie Hubbard o Dizzy Gillespie.

En este álbum, Stryker ha querido homenajear a David Nathaniel Baker Jr., el que fuese su mentor y maestro: “El compositor y educador David Baker estuvo a mi lado desde que le conocí en un curso de jazz, cuando yo tenía 17 años. Más tarde me contrató como profesor de guitarra en la Universidad de Indiana. El tema ‘Baker’s Circle’ está dedicado a su memoria”.

Con los años, Stryker se ha convertido en una de las guitarras más personales y distinguibles, lo que en 2017 le ganó ser elegido como la Mejor Guitarra por los aficionados, para la revista Hot House.

En este álbum, nos ofrece siete composiciones propias, como el tema con el que abre la colección, “Tough”, que sirve también de presentación a los miembros que integran la banda, “El Camino”, donde apreciamos los ritmos latinos que aportan las congas de Casales o los más cercanos al blues de “Dreamsong”. En el apartado de las versiones, encontramos “Everthing I Love”, de Cole Porter, o el clásico del soul urbano “Inner City Blues”, de Marvin Gaye. Personalmente me quedo con la versión que Stryker hace de “Superstar”, el tema que en 1969 compusieron Leon Russell y Bonnie Bramlett y que más tarde popularizaron The Carpenters, en 1971. A mí, personalmente me recuerda muchísimo al “After Midnight”, que Paul Jackson Jr, —otro maestro de la guitarra soul— hiciese en el After Dark (1987), de Ray Parker Jr. ¡Me pierde esa mezcla jazz/soul!

Texto: © Juan F. Trillo, 2021 / https://jantilkut.wordpress.com/https://www.facebook.com/jan.tilkut

Dave Stryker: Baker’s Circle
Dave Stryker, guitarra.
Walter Smith III, saxo tenor.
Jared Gold, órgano.
McClenty Hunter, percusión.
Mayra Casales, persusion en pistas 2. 7 y 8.
Producción y arreglos: Dave Stryker.
Productor ejecutivo: Rick Simpson.
Estudios de grabación: Trading 8S Studio, Paramus, Nueva Jersey.
Fecha de grabación: 11 de enero 2019.
Masterizado: Ed Littman.
Publicado en 2021 por Strikezone Records.




Orquestra Galega de Liberación: Orquestra Galega de Liberación (Autoeditado, 2021) [Grabación de jazz] Por Enrique Farelo

La Orquestra Galega de Liberación lo conforman 17 músicos residentes en Galicia y nace con una clara vocación vanguardista, improvisativa y de investigación donde no falta un guiño a la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden.

Concierto totalmente improvisado y compuesto en tiempo real. Dirigido por Xacobe Martínez Antelo mediante técnicas de dirección ensayadas por la orquesta antes del concierto.

El número de piezas que conformaron el concierto ascendió a 10, como hubiera podido quedarse en una sola. Sin saber de antemano ni la cantidad ni el tipo de música a desarrollar, el “bautizo” de los cortes vino después de la música y no antes.

No existen dudas cuando hablamos de improvisación que los músicos intervinientes deben conocer su oficio, pues de lo contario sería una temeridad difícil de soportar por el hecho consumado de trabajar en tiempo real y sin red. El producto obtenido de esta ecuación es realmente tan satisfactorio como arriesgado. Música difícil para tiempos no menos difíciles donde el verbo fluye libremente improvisado desde la inicial “A Chamada” hasta la definitiva “Somos Un”.

Por momentos se arrima al RIO de formaciones como Henry Cow en pasajes de “O que garda sempre ten” o se torna fantasmal y contemporánea con las voces en “Vintage spacewalk”.

La guitarra de Antonio Bravo y Manuel Cebrián juntamente con la cuerda frotada le dan un aire jazzy en “Apuntamentos sobre o distanciamento social”; la muy vocal “Be music, my friend” nos habla de opera improvisada con mensajes sin palabras y sonidos obsesivo-repetitivos con un Antonio Bravo que pone la parte progresiva.

“Intro a Liberdade” y “A Liberdade” unen fuerzas con la libre improvisación y el minimalismo melódico vocal encarnado en Rubén Fernández al que se le suma Sheila Patricia.

El saxo tenor de Xosé Miguélez comienza a capella en “XL kind of men” para concluir el resto de la orquesta.

Onomatopeyas delirantes y neuróticas en forma de risas anónimas en “Supertrascendente” donde Max Gómez y LAR Legido marcan el paso firme rememorando a Max Roach, M’Boom y al zeuhl del grupo francés Magma.

“Somos Un” es la pieza de mayor aporte jazzístico del álbum con una destacada labor de Javier Pereiro a la trompeta y una de las mejor definidas.

© Enrique Farelo, 2021

Orquestra Galega de Liberación: Orquestra Galega de Liberación

Xacobe Martínez Antelo (dirección); Max Gómez (batería); LAR Legido (batería); Javier Pereiro (trompeta); Olivier Cano (saxo alto); Xosé Miguélez (saxo tenor); Diego Alonso (saxo tenor); Rosolino Marinello (clarinete bajo); Rubén Fernández (voz); Sheila Patricia (voz); Antonio Bravo (guitarra); Manuel Cebrián (guitarra); Elena Vázquez (violín); María José Pámpano (viola); Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo).

“A Chamada”; “O que garda sempre ten”; “Vintage spacewalk”; “Apuntamentos sobre o distanciamento social”; “Be music, my friend”; “Intro a Liberdade”; “A Liberdade”; “XL kind of men”; “Supertrascendente” y “Somos Un”.
Todas las composiciones improvisadas en tiempo real mediante técnicas de improvisación dirigida.

Grabado en  directo en el teatro Principal de Santiago de Compostela el 12 de septiembre de 2020. Publicado en 2021.