Baldo Martínez Cuarteto Europa (International Jazz Day Madrid. Bogui Jazz, Madrid 2019-05-02) [Concierto]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

  • Fecha: Jueves, 02 de mayo de 2019
  • Lugar: Bogui Jazz (Madrid)
  • Grupo:
    Baldo Martínez Cuarteto Europa
    Liudas Mockunas (saxos tenor y soprano
    Samuel Blaser (trombón)
    Baldo Martínez (contrabajo)
    Ramón López (batería y percusión)

Con la incorporación del saxofonista lituano Liudas Mockunas en sustitución del violinista Dominique Pifarély, quien por problemas de salud no pudo comparecer, el cuarteto Europa liderado por Baldo Martínez continuó en el Bogui Jazz su presentación del disco que editó el pasado año. Un trabajo que ha sido galardonado como candidato a mejor álbum de jazz de 2018 en los premios de la Música Independiente.

El trombón, el contrabajo y la batería son la base sobre la que se sustenta, pero el cuarteto Europa es una formación que permite la incorporación de diferentes instrumentos y hacer propuestas variadas. Dominique Pifarély aporta unos matices especiales al grupo que le dotan de mayores rasgos melódicos y armónicos. Por momentos, el grupo adquiere ciertos aromas camerísticos, sin desdeñar los instantes más cercanos al free jazz. Sin embargo, la incorporación del lituano Liudas Mockunas hizo que el concierto cogiera otro enfoque, ya que la trayectoria de este saxofonista está más en la onda de artistas como Ken Vandermark, Peter Brötzmann o Mats Gustafsson.

El grupo interpretó en su totalidad los nueve temas que componen el disco, empezando por “La Travesía”, un título significativo por lo que implica en la filosofía del grupo: un viaje con inicio y final desconocido, pero donde suceden muchas cosas sugerentes entre medias.

Las notas de Baldo Martínez sirven de introducción en el comienzo del concierto. Asistimos a momentos de improvisación del trombón y el saxo tenor. Enseguida se apropió de la sala un ambiente de free jazz de máximo nivel, con el contrabajo y la batería intensificando sus aportaciones. El contrabajo y la batería se recrearon en muchas ocasiones dialogando a dúo.

Mockunas cuenta con un buen arsenal de recursos. Un tipo que transmite dureza en sus sonidos, pero sin perder nunca el contexto musical en el que se encuentra. Puede aportar momentos melódicos y romperlos arrebatadoramente.

El suizo Samuel Blaser demostró por qué ha sido elegido mejor músico de jazz europeo del 2018 con diversos solos magistrales. Así, los diálogos de Blaser y Mockunas llenaron un amplio espacio sonoro, que contagió a los cuatro músicos aportando sus complejidades improvisadas.

Ramón López es todo un espectáculo. Hay que verle evolucionar incorporando cada vez más sonidos, matices, con la tabla india, multiplicándose y aumentando la intensidad con maestría. Sus diálogos con el trombonista, con el aumento de intensidad sonora entre el saxofonista y el trombonista, hicieron subir la adrenalina por momentos.

Los músicos crearon con sus notas desperdigadas un cuadro de improvisaciones con mucha fuerza. Destacando una demostración de Baldo Martínez con el arco seguido en segundo plano por saxo soprano y trombón. Los diálogos entre ellos marcaron buena parte del concierto.

El concierto llegó a su momento decisivo con los temas “Isla de Piedra” y “Viaje a Oms”, dos piezas en las que el grupo, perfectamente cohesionado, demostró su calidad. Ramón López hizo introducciones a la batería con mucha fortaleza utilizando para ello distintos registros. Mockunas interpretó solos que va navegando acompañados con la intensidad que le metía el contrabajista con aires mingusianos.

El tema final ofreció una interpretación larga y extraordinaria de Samuel Blaser al trombón con la sordina, en una sucesión de sonidos improvisados, que dejaron el paso libre para que Baldo Martínez diera entrada al resto de la banda, con de nuevo una gran demostración a cargo del saxofonista lituano.

El cuarteto Europa es una apuesta por el lenguaje universal del jazz, una muestra de que esta música está perfectamente viva y en constante evolución, gracias a unos músicos que siempre dan lo mejor de sí en todos los conciertos.

Tomajazz. Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Dave Liebman “Spanish Trio” (International Jazz Day Madrid, Bogui Jazz 2019-05-03) [Concierto]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

  • Fecha: Viernes, 03 de mayo de 2019
  • Lugar: Bogui Jazz (Madrid)
  • Grupo:
    Dave Liebman “Spanish Trio”
    Dave Liebman (saxos tenor, soprano y flauta de madera)
    Manel Fortià (contrabajo
    Gonzalo del Val (batería)
    Invitado:
    Daniel Juárez (saxo tenor)

Uno de los más destacados herederos de John Coltrane cumplirá 73 años en el mes de septiembre. Dave Liebman, de la pocas leyendas vivas del jazz, pisó de nuevo un escenario español para seguir ofreciéndonos su sabiduría musical, su original estilo y toda la maestría técnica que atesora desde que, a los 20 años, tuviera como mentores a Charles Lloyd, Lennie Tristano, Chick Corea o Terumasa Hino, entre otros.

De carácter simpático y siempre amable, Steve Liebman, como dijo Dick Angstadt, forma parte de la historia del jazz, y su discografía, entre colaboraciones y liderazgos, puede superar fácilmente los 200 discos. Un artista con una carrera apabullante, que siempre está trabajando y haciendo disfrutar a los demás con su música.

Con el baterista burgalés Gonzalo del Val le une una buena relación y no es la primera vez que tocan juntos. De hecho hay un disco a trío, “Standards in Dublin”, con Dave Liebman y Ronan Guilfoyle al contrabajo, recientemente editado y con un repertorio extraído del “Great American Songbook”. Algunos temas del cancionero americano y otros de grandes saxofonistas fueron elegidos para la noche e interpretados en un único pase.

 A lo largo de la noche sonaron piezas como “All the Things You Are”, con la que se abrió el concierto. El saxo soprano de Liebman es como un chorro de aire fresco por su aterciopelada manera en que comienza el tema y la secuencia de registros agudos que se van sucediendo, donde los ritmos se combinan con los espacios en silencio. A su lado, Gonzalo del Val y Manel Fortià, se crecen y van subiendo cada vez más su nivel.

En el tenor, Liebman acomete los acordes de “Blues” de Coltrane de manera magistral, con Gonzalo del Val, marcando el ritmo y Fortiá, acompañando con precisión. En todo momento brinda notas magistrales. El batería nos deleita con un solo intenso.

 A continuación, “In a sentimental mood” de Duke Ellington, cuya famosa versión interpretó con John Coltrane en un estupendo disco de Impulse Records. Aquí, Dave Liebman deleita con un solo intenso a tempo medio guardando un perfecto equilibrio en toda su duración.

“I love you” de Cole Porter, fue otro de los standards elegidos, interpretado sobre un ritmo acelerado de batería y contrabajo navegando hacia donde les va llevando el saxo soprano. La pieza culminó, de nuevo, con un buen solo de Gonzalo del Val.

En un nuevo clásico, “Footprints” de Wayne Shorter, el saxo soprano de Liebman tuvo el acompañamiento del joven saxo tenor madrileño Daniel Juárez, que respondió a la perfección tanto en el solo que hizo como en los diálogos con el soprano, algo que enriqueció finalmente la pieza.

Con una introducción de Manel Fortiá en diálogo con la batería, se dio paso a una interpretación de Liebman con la flauta de madera para acometer el “Lonely Woman” de Ornette Coleman, con la participación otra vez Daniel Juárez. El concierto tuvo su colofón con otra de las piezas favoritas de Liebman, “India” de John Coltrane, con una nueva introducción de ambos saxos y una improvisación de lujo de David Liebman.

Fue una lección de jazz con mayúsculas, de esas en las que al salir del concierto se está plenamente convencido de tener la fortuna de compartir una música que por algo sigue siendo mágica.

Tomajazz. Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Chris Kase Quartet (Bogui Jazz, Madrid. 2019-03-08) [Concierto]

 

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

  • Fecha: 8 de marzo de 2019
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid
  • Grupo:
    Chris Kase Quartet
    Chris Kase: trompeta, fliscorno y EWI
    Marcos Collado: guitarra
    Ander García: contrabajo
    Miguel Benito: batería

Ya hace más de 20 años que Chris Kase llegó a España y decidió instalarse entre nosotros. Su trayectoria musical entonces ya era impresionante. Desde su elección para participar en el Concurso Internacional de Trompeta de Jazz Thelonious Monk, celebrado en Washington, DC en 1997, hasta su paso por la Mingus Big Band, colaboraciones o grabaciones con Adam Nussbaum, Kenny Wheeler, Steve Coleman, Chick Corea, Grant Stewart, Bruce Barth y los españoles Abe Rábade, Perico Sambeat, Iñaki Salvador, Mikel Andueza, Llibert Fortuny, por citar a algunos, son los rasgos que conforman su arquitectura sonora. Cuenta con ocho discos como líder, así como incontables colaboraciones. Su primer disco, editado en Estados Unidos, fue Starting Now (1994). Desde su llegada a España se suceden siete discos, desde Te espero aquí de 1999 hasta el último Let Go de 2018 (Errabal Jazz). Son muchas las formaciones en las que ha participado, y en 2014 creó en Madrid el Chris Kase Quartet.

En 2019 Chris Kase prosigue su trayectoria como uno de los más importantes del jazz español. Son muchas las virtudes que destacan en las grabaciones y actuaciones en directo de Chris Kase: unas buenas composiciones, unos magníficos arreglos y una elección minuciosa de los músicos que le acompañan. No hay duda de que sabe rodearse de músicos talentosos. Por algo es profesor de trompeta de jazz en Musikene, el Conservatorio Superior del País Vasco. Ander García (contrabajo), Marcos Collado (guitarra) y Miguel Benito (batería), constituyen un sólido trío con una contrastada carrera a sus espaldas, que responde perfectamente a las expectativas y deseos del trompetista.

En el Bogui, Chris Kase volvió a mostrar las cualidades que atesora el que sin duda es el mejor trompetista, sin desmerecer al resto de los del panorama nacional. Sin renunciar a los aspectos más característicos del hard bop, el grupo transitó por grandes espacios en los que cada componente gozó de sustanciosos márgenes para expresarse.

El concierto se abrió con la pieza “Teaser” de su último disco Let Go. Inspirado en el clásico “Star Eyes” que popularizó Charlie Parker, comienza con una perfecta introducción llena de sonoridad a cargo de Chris Kase, en donde Marcos Collado acomete su primer solo. Trompeta y guitarra avanzan sin prisas. Un dueto de guitarra y contrabajo da lugar a un elegante solo de Chris Kase.

Como recuerdo a su disco Ode (2008), siguió la pieza “Mediant Motion” interpretada con fliscorno, del que salen sonidos acariciantes a modo de balada. El tema se desarrolla con la elegancia característica en Kase y con un buen acompañamiento rítmico. Con una técnica exquisita, Chris Kase encadena con brillantez sus fraseos que se complementan con los solos de guitarra de Marcos Collado. Enlazando notas al unísono, guitarra y trompeta crean sonidos sugerentes.

En un homenaje al gran guitarrista Ralph Towner, “Out of Towner”, se vuelve a lucir Marcos Collado con un desarrollo intenso con fliscorno. El tema pasa a un acompañamiento potente de batería y contrabajo, con un tremendo solo del guitarrista.

Otra de las piezas, “Roweena”, como la anterior en el disco Let Go, comienza con trompeta con digitaciones monkianas y una gran aportación de Ander García al contrabajo en un largo solo. La trompeta retoma el tema principal y sus improvisaciones van ganando intensidad y una altura cada vez más sólida. Las aportaciones del guitarrista ponen un gran broche a este tema.

“Bookmark” es una pieza sugerente, con un gran reparto de papeles de los cuatro músicos, pero con muchos momentos para el guitarrista. Espléndido tema tocado por Chris Kase con un EWI (electronic wind instrument), y con el guitarrista perfectamente entonado.

El punto final lo puso una versión de “Song for Bilbao” de Pat Metheny, interpretada por Chris Kase de nuevo con el EWI. Un tema de mucha intensidad, en el que el guitarrista vuelve a tomar el protagonismo con un espléndido solo.

Chris Kase toca con honestidad, además de brillantez; su música es reflexiva. Su cadencia y fraseos están llenos de calidez. No necesita realizar florituras para dominar su instrumento. Su discurso transmite siempre mucha belleza. A ello se suma que el cuarteto demuestra en cada momento contar con un sólido ensamblaje de unos músicos que se conocen a fondo y así lo saben transmitir en su actuación.

 

Carlos Lara




Dayna Stephens Group (Bogui Jazz. 2019-02-27) [Concierto]

  • Fecha: 27 de febrero de 2019.
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid.
  • Grupo:
    Dayna Stephens Group
    Dayna Stephens: saxo tenor, EWI y sintetizador.
    Aaron Parks: piano.
    Ben Street: contrabajo.
    Jeff Ballard: batería.

Acompañado por un trío de auténtico lujo, el saxofonista Dayna Stephens inició su gira europea en el Bogui Jazz de Madrid. A pesar de ser inicio de semana, la sala presentó un lleno a rebosar de aficionados que no quisieron perderse una actuación de jazz de primer nivel. Efectivamente así fue. Jazz con mayúsculas donde hubo oportunidad para disfrutar de un amplio recorrido por los aspectos más cromáticos de esta música.

Si no estoy mal informado se trataba de la primera visita a Madrid de este músico de San Francisco, compositor y arreglista, que ha sabido ganarse el favor de la crítica gracias a sus grabaciones y sus actuaciones en los clubes más afamados del mundo. A su lado, tres grandes músicos que prácticamente no necesitaban presentación para los aficionados. Ya solamente la actuación de Aaron Parks, Ben Street y Jeff Ballard a trío sería como para no perdérsela.

Su nombre se  puede ver en innumerables discos de los mejores músicos de jazz del momento como  Brad Mehldau, Fred Hersch, Ambrose Akinmusire, Tom Harrell, Larry Grenadier, Peter Bernstein o John Scofield, entre otros. Stephens cuenta con ocho discos en el mercado como líder. En 2017 Stephens reunió a Brad Mehldau, Larry Grenadier, y Eric Harland en Gratitude, su último trabajo hasta la fecha.

 Dayna Stephens es un claro continuador de la tradición del bop. Su estilo con el saxo tenor así lo atestigua. Tanto en sus composiciones como en las versiones que interpretó, en su saxofón se aprecian aromas de los mejores músicos de la historia.

Si a ello se le añade la calidad de los músicos que le seguían, la actuación llegó a rondar por momentos un altísimo  nivel. Aaron Parks es un pianista especial dotado de una calidad en sus dedos, que es capaz de aportar como acompañante sin sobresalir  y como solista es de una expresividad apabullante. Ben Street es un joven valor que  también ha alcanzado un alto nivel y una presencia en los grupos que acompaña, y por supuesto, el veterano Jeff Ballard, con sus toques elegantes, sus sutilezas e intensidades, que encandilan, es capaz de encender cualquier escenario.

El concierto guardó un perfecto equilibrio entre los dos pases, aunque en los tres últimos temas fueron un auténtico prodigio, con los cuatro músicos intensos y llenos de improvisaciones, cada cual más bella.

Una actuación llena de calidad, digna del Bogui Jazz, con una sección rítmica brillante y un saxofonista que se mostró como el  auténtico profesional que es: un nombre muy a tener en cuenta.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Reunion Big Band: Unexpected Paths (Errabal Jazz, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Reunión Band ha sido desde que se creó en 2010 el punto de encuentro de los músicos que han tenido la suerte de haber pasado por las aulas del Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene). Según se señala en el cuadernillo del disco, esta `macrobanda´, “siempre ha sabido mantener la buena música, el buen rollo y la profesionalidad, además de ser un lugar donde compartir un espacio en el que aprender y poder crecer musicalmente”. Impecable. A pesar de que a lo largo de su historia han estado en “Reunión Band” más de 80 músicos, con muchos conciertos a sus espaldas, Unexpected Paths, es el primer disco que graba.

El disco se registró en dos sesiones. En la primera, dirigida por Perico Sambeat en 2015, se grabaron los 9 primeros temas; en la segunda, casi un año después, el disco se terminó con la grabación de “Afroeclipse” y “Mambo Djambo”, bajo la dirección de Miguel Blanco. El trabajo de ambos directores se nota, ya que han sabido dotarle al grupo de una homogeneidad y una estructura compacta que así se manifiesta en esta decena de temas.

Se aprecia por tanto un gran trabajo en los arreglos, en la distribución de los solos, en los apoyos, muy importante en cada uno de ellos, aportando así su sello personal de una big band que es de las mejores que tenemos actualmente. El repertorio puede considerarse como un tanto ecléctico, haciendo un repaso a temas clásicos y originales.

“Unexpected Paths” abre el disco con un largo solo de saxo alto a cargo de Laurent Robino a mitad del tema. La pieza tiene mucho ritmo y colorido. Con gran trabajo de armonización y ensamblaje de la orquesta. Con “Speak no Evil” de Wayne Shorter los músicos hacen gala de cierto virtuosismo con el desarrollo de los metales. Jorge Castañeda hace un solo al piano extenso y con buen fraseo, y Mikel Urretagoyena a la batería acompaña con mucho sentido.

Cuatro de las piezas incluyen voz femenina, como el bolero “El día que me quieras”, el clásico de Carlos Gardel, que ofrece también otra manera de enfocar una big band con la voz de Lara Vizuete y el solo de trompeta de Diego Aragón. Una composición del trompetista Chris Kase, “Mistery Waltz”, con Natael Ramos a la trompeta y los solos de Pedro Núñez en la trompeta y Mikel Núñez al piano, y la voz de acompañamiento de Lara Vizuete. El estándar de Kurt Weill “Speak Low” con la voz de Kassandra Charalampi emotiva y el saxo tenor de Daniel Juárez, que sirve de contrapunto, con la sección rítmica empujando al resto de la banda. Noomi Higuchi canta en “Samba de una nota só” una pieza clásica del cancionero brasileño, con Milton Rodríguez a la guitarra, Roberto Nieva en el saxo alto y Daniel Juárez al saxo tenor.

Dos homenajes, uno a John Coltrane y otro a Dizzy Gillespie. El primero “Lonnie´s Lament”, donde el propio Perico Sambeat toca la flauta, junto a los solos de Antonio Tercero al trombón y Victor Vega a la trompeta que imponen un sello de calidad al tema El legendario “Con Alma” de Dizzy Gillespie, sirve para que se luzcan en bellos solos Perico Sambeat al saxo alto y Mikel Urretagoyena a la batería.

Los dos temas finales han sido compuestos y dirigidos por Miguel Blanco, ambos con referencia africanas. “Afroeclipse”, con solos de Daniel del Valle en la guitarra y Noel Sacristán al saxo tenor. Una pieza que se despega un poco de lo que hasta el momento hemos oído, más propio de los sonidos tradicionales de las big bands, acentuando más los sonidos africanos a través de la percusión. Por último, “Mambo Djambo” con los solos de Laurent Robino al saxo alto e Imanol Iribarren al trombón. Un tema de música pegadiza y hasta por momentos danzable.

El trabajo que se realiza en los conservatorios o en las escuelas de música que enseñan jazz no está suficientemente valorado a nivel nacional. Por ello, es siempre de agradecer que se produzcan proyectos de este tipo.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

 Reunion Big Band: Unexpected Paths

Músicos: Kassandra Charalampi (voz), Lara Vizuete (voz), Naomi Higuchi (voz), Laurent Robino (saxo alto), Pau Torres (saxo alto), Daniel Juárez (saxo tenor), Noel Sacristán (saxo tenor), Víctor Moreno (saxo barítono), Bruno Valle (trombón), Antonio Tercero (trombón), Jordi Arcusa (trombón), Imanol Iribarren (trombón bajo), Diego Aragón (trompeta), Santiago Fernández (trompeta) , Víctor Vega(trompeta), Pedro Núñez (trompeta), Milton Rodríguez (guitarra), Mikel Núñez (piano), Arturo Valero (contrabajo), Daniel Pozo (bajo eléctrico), César de Frías (batería) y Nerea Quincoces (congas, percusión).
Músicos invitados: Perico Sambeat (saxo alto, flauta), Natanael Ramos (trompeta), Luis Soler (trompeta), Roberto Nieva (saxo alto), Xalvat de Zaldua (guitarra), Jorge Castañeda (piano), Dario Guibert (contrabajo), Mikel Urretagoyena (batería), Asier Ardáiz (trompeta), Joan Gonga (trompeta), Alejandra Artiel (trompeta), Santiago Fernández(trompeta), Antonio Tercero (trombón), Imanol Iribarren (trombón), Jordi Arcusa (trombón), Nacho Soto (trombón bajo), Laurent Robino (saxo alto), Xabier Oruesagasti (saxo alto), Noel Sacristán (saxo tenor), Jon Zufiaurre (saxo tenor), Víctor Moreno (saxo barítono), Erik Niemietz (piano), Daniel del Valle (guitarra), Daniel García (bajo eléctrico), Nerea Quincoces (congas, percusión), Unai Olabarri (batería), Miguel Blanco (dirección) y Ana Fernández (flauta travesera, flauta alto).

Composiciones: “Unexpected Paths” (Miguel López)”,”Speak no Evil”(Wayne Shorter), “El día que me quieras”(Carlos Gardel y A. Le Pera), “Lonnie´s Lament”(John Coltrane), “Mistery Waltz”(Chris Kase), “Speak low” (Kurt Weil), “El abogado del diablo” (Carlos Sagi), “Con Alma” (Dizzy Gillepies), “Samba de uma nota só”(Tom Jobim y N. Mendoza), “Afroeclipse (Miguel Blanco)” y “Mambo Djambo (Miguel Blanco)”.

Grabado en dos sesiones. La primera los días 13 y 14 de junio de 2015 en los Estudios Tío Pepe de Urduliz (Vizcaya). La segunda el 22 de abril de 2016 en el auditorio del Centro Cultural de Lugaritz (San Sebastián).

Editado por Errabal Jazz en 2018




Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El pianista Albert Sanz y el contrabajista Javier Colina, dos de los mejores músicos del jazz nacional, muestran su particular homenaje a la música brasileña con ocho temas del universo sonoro carioca extraído de composiciones de Chico Buarque, Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim o Vinicius de Moraes, entre otros.

De principio a fin el disco es una auténtica fiesta de sonidos y colores que pueden levantar cualquier decaimiento. Es muy difícil destacar algún tema porque, los amantes de la buena música quedarán plenamente satisfechos. En las interpretaciones están cuidados todos los detalles, desde los más intensos hasta los más sutiles.

Los sucesivos diálogos de Sanz y Colina demuestran una gran precisión y una compenetración digna de los mejores músicos. Desde el ambiente festivo que se respira en “Na carreira”, el lirismo de “Damais”, el acordeón que interpreta Colina en “No assento do onibus”, la belleza de “Valsa Brasileira”, la samba de “Luz negra” y por supuesto “Medo de amar”.

Sobresale la interpretación de Silvia Pérez Cruz en el tema que da título al disco, “Sampa” de Caetano Veloso, donde la voz de la cantante suena realmente especial en la pieza.

Un disco redondo a cargo de dos auténticos pesos pesados que han vuelto a demostrar, como ya lo hicieran antes, que no importa lo que se toque si se pone la calidad interpretativa y el sentimiento de complicidad que brilla a lo largo de todo el disco.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

 Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018)

Músicos: Albert Sanz (piano) y Javier Colina (contrabajo y acordeón), con la colaboración de Silvia Pérez Cruz (voz).

Composiciones: “O velho Francisco (Chico Buarque)”, “Sampa (Caetano Veloso)”, “Na carreira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Demais (Antonio Carlos Jobim/Aloysio de Oliveira)”, “No assento do onibus (Alessandro Penezzi)”, “Valsa Brasileira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Luz negra (Nelson Cavaquinho/Amancio Cardoso)” y “Medo de amar (Vinicius de Moraes)”

Grabado el 5 y 6 de septiembre de 2017 en Oidale Estudio (Valencia).

Editado por Youkali Music en 2018




Charlie Haden & Brad Mehldau: Long Ago and Far Away (Impulse!, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Charlie Haden, del que se cumplirán cinco años de su fallecimiento en el mes de julio, consideraba “My Love And I” de David Raskin uno de sus temas favoritos de todos los tiempos. Por eso lo eligió para incluirlo en el repertorio de una actuación en directo que tuvo lugar, junto al pianista Brad Mehldau, en noviembre de 2007 en la ciudad alemana de Mannheim.

Después de 11 años, la grabación de dicho concierto fue recuperada y editada en disco el año pasado. Para el contrabajista de Shenandoah (Iowa) se trata de un homenaje póstumo bien merecido por todo lo que ha significado para la historia del jazz.

La relación de Charlie Haden con Brad Mehldau se fraguó en 1997 cuando ambos y el saxofonista Lee Konitz, después de una actuación en directo, grabaron a trío para Blue Note el legendario disco Alone Together. La posterior grabación del trío con el batería Paul Motian en Live at Birland para ECM en 2009, terminó de asentar la conexión entre el contrabajista y el pianista.

Entre medias, en 2007, ambos músicos fueron invitados a participar en el Enjoy Jazz Festival de Heidelberg-Mannheim. Era la primera vez que iban a tocar a dúo y el concierto se celebró en una catedral de Mannheim. La actuación fue grabada y posteriormente escuchada por Charlie Haden, que era un gran amante de las interpretaciones a dúo (recordemos Beyond The Missoury Sky con Pat Metheny). Le gustó tanto el resultado que quería sacarla en algún momento, pero se fue posponiendo en el tiempo y ha visto la luz recientemente como Long Ago and Far Away.

Para el joven Melhdau contar con un mentor como Charlie Haden fue crucial en su carrera. Hasta el punto que Haden consideraba a Mehldau uno de los más importantes músicos de su generación debido a su voz única, su sabiduría musical y por tener muy claro hacia donde quería llevar el lenguaje del jazz.

En el disco se puede disfrutar plenamente de la interacción entre dos genios que plenamente se ponen  al servicio uno  del otro, sacando a la luz momentos de una gran belleza. Hay en la interpretación de los seis estandards que componen la grabación un preciso trabajo con las armonías, las improvisaciones  y los tempos.  Como si el tiempo no existiera y por tanto sin ninguna prisa, las notas van llenando los espacios a través de las diferentes conversaciones a dúo que se van sucediendo. Mehldau, con el tema de apertura “Au Privave”, se recrea en las formas parkerianas, prosigue con  un amplio uso de las pausas y un complejo discurso armónico y con diálogos en “My Old Flame” y “What’ll I Do”. El pianista deja espacios abiertos a Haden para acometer una versión a medio tempo de “Long Ago And Far Away” y en una atormentada y audaz “My Love And I”, que sin duda es el mejor tema del disco.

Con “Everything Happens To Me” culmina este encuentro de dos espíritus libres verdaderos, dispuestos a expresar su sabiduría musical con toda sinceridad.

Tal y como dice Ruth Cameron, que fue la mujer de Charlie Haden, “Charlie ya no está y esta grabación fue hecha hace mucho tiempo y muy lejos. Sin embargo, la música sigue siendo inmediata. La música es ahora.”

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Charlie Haden & Brad Mehldau: Long Ago and Far Away (Impulse!, 2018)

Músicos: Brad Mehldau (piano) y Charlie Haden (contrabajo).

Composiciones: “Au Privave (Charlie Parker)”, “My Old Flame (Arthur Johnston)”, “What’ll I Do (Irving Berlin)”, “Long Ago And Far Away (Jerome Kern)”, “My Love And I (David Raksin)” y “Everything Happens To Me (Matt Dennis)”.

Grabado en directo el 5 de noviembre de 2007 en el Enjoy Jazz Festival, en la iglesia Christuskirche de Mannheim (Alemania).

Editado por Impulse Records en 2018.




Albert Cirera: Lisboa´s Work (Multikulti Project, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El saxofonista catalán Albert Cirera es uno de los jóvenes valores de la música improvisada. A caballo entre Lisboa y Barcelona, Cirera es un músico siempre en ebullición para conseguir esos sonidos que satisfagan su mente inquieta. A través de los diferentes proyectos de los que forma parte, The Liquid Trio/Quintet junto a Ramon Prats y Agustí Fernández; Free Art Ensemble, Duot con Ramón Prats y Tres Tambors, el saxofonista catalán mantiene vivas sus inquietudes dando rienda suelta a sus ambiciones musicales.

Entre la vasta discografía que ya acumula, Albert Cirera ha grabado un nuevo disco Lisboa´s Work editado por el sello polaco Multikulti Project, dentro de su apartado “Spontaneus Music Tribune Series” que está dedicada íntegramente a la música improvisada.

La razón de por qué ha grabado en un sello polaco la explica Albert Cirera cuando, a raíz del disco Cròniques 2, que editó en el 2015 a dúo con el violonchelista polaco Ulrich Mitzlaff, un crítico polaco, Andrezj Novak, que consideró el disco como uno de los mejores del año, se puso en contacto con él. Desde ese momento se interesó cada vez más por la música improvisada en la península ibérica y le propuso grabar un disco en solitario para una nueva serie dedicada a la música improvisada.

Durante más de un año Albert Cirera ha estado dando conciertos a solo explorando y buscando los sonidos que más le satisfacían. En junio del 2017 se puso a grabar en su casa de Lisboa durante cinco días. Al final le salieron cinco horas de grabación y recurrió a su amigo Agustí Fernández, que le ayudó a hacer la selección como productor artístico.

Lisboa´s Work es una completa exploración del saxofón mediante la creación espontánea. Es un disco duro, en el que Albert Cirera experimenta y trata de buscar los límites sonoros del saxo. A lo largo de la escucha se experimentan varias sensaciones, tanto con el tenor y el soprano a los que hace modificar su sonido natural utilizando todo tipo de recursos.

Nada mejor que las palabras de Agustí Fernández para definir lo que Lisboa´s Work representa: “Este disco se mueve en la tradición de los mejores saxofonistas actuales. En la línea que primero abrió Evan Parker y después John Butcher, y que han continuado todos los saxofonistas desde Torben Snekkestad a Christine Abdelnour. Es este el camino que explora Albert Cirera en su primer disco en solitario. Un disco destinado a hacer historia en la música instrumental de este país, por su novedad, singularidad, atrevimiento y apertura de nuevos caminos”.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Albert Cirera: Lisboa´s Work

Músico: Albert Cirera (saxo tenor, saxo soprano y saxo preparado).

Composiciones: “Bellvitge´s pigeons”, “Nordic Erasmus”, “Into the basement”, “Outta the basement”, “Young kitchen”, “Biologic percussion walls”, “Last effort”, “Lisbon oneiric´book”, “Drawing tubes”, “Can Ram path” y “Bet on tomorrow”.
Todos los temas compuestos por Albert Cirera.

Grabado en junio de 2017 en Lisboa

Editado por Multikulti Project en 2018




John Coltrane: 1963: New Directions (Impulse!, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Para John Coltrane el año 1963 fue uno de los más activos de su meteórica carrera profesional. En esas fechas dos sellos discográficos editaban sus temas, independientemente del día y año de grabación, Prestige e Impulse! Pero, como es conocido, en los últimos años hasta su muerte en 1967, el saxofonista de Richmond grabó sus temas para el sello Impulse! A excepción de A Love Supreme, Ascension y Meditations, o los que grabó con Duke Ellington y Johnny Hartman, Coltrane nunca publicó en vida un disco grabado en una única sesión para el mencionado sello, ya que siempre le gustaba encontrar su disco ideal a través de temas registrados en diversas tomas y fechas, incluso fusionando grabaciones en estudio y en directo. Para ello gozaba de una total independencia de la que se hacía valer, que a veces no era del total agrado de los directivos, aunque la cuenta de resultados dio con el tiempo la razón al saxofonista. Si hay un músico capaz de hacer sombra a Miles Davis en cuanto a venta de discos en la historia del jazz, ese es John Coltrane. La prueba la tenemos en la cantidad de reediciones, nuevas grabaciones y descubrimientos que se llevan editados, sin duda con cierto interés de negocio. Pero, al mismo tiempo, la importancia testimonial de estos discos para el gran aficionado está fuera de toda duda. En ellos se recogen momentos en los que al saxofonista le gustaba experimentar, adentrarse por nuevas sendas sonoras, poner en marcha ideas y sobre todo manifestarse en plena libertad. Y un buen reflejo de todo ello se encuentra en dichas grabaciones.

Está claro que el mejor disco lanzado por Impulse! en el 2018 fue Both Directions at Once: The Lost Album, selección de grabaciones de John Coltrane realizadas en 1963 en los estudios de Rudy Van Gelder o en actuaciones en directo.

Pero no contentos con el lanzamiento de esta auténtica reliquia, Impulse! nos propone también 1963: New Directions un triple CD formado por una selección de grabaciones recogidas de los CD Both Directions at Once: The Lost Album, John Coltrane and Johnny Hartman, Dear Old Stockholm, Newport ‘63 y Live at Birdland. Todos los registros realizados en 1963, año que supone un punto de transición entre sus grabaciones del pasado y del futuro de su trayectoria.

En ese tiempo Coltrane se movía en muchas direcciones, miraba hacia atrás, continuaba examinando su repertorio más habitual y llevaba a cabo una exploración de los formatos más tradicionales con la mirada puesta en composiciones y aproximaciones a lo que supondría una nueva mirada en el jazz.

Así, en 1963: New Directions podemos encontrar en el primer disco todas grabaciones realizadas en el estudio de Rudy Van Gelder por su clásico cuarteto en marzo de 1963: McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison, al contrabajo y Elvin Jones a la batería. En el segundo CD, el cuarteto se hace acompañar por la voz de Johnny Hartman, grabación de abril de ese año y disco que tuvo una gran acogida comercial. Aquí se incluye también un tema, “Dear Old Stockholm”, en el que Elvin Jones es sustituido por Roy Haynes en la batería, que también participa en las versiones de “My Favorite Things” e “Impressions” en el CD tres. Los tres están registrados en el Festival de Jazz de Newport.

“The Promise”, “I Want to Talk About You”, y “Afro Blue”, son las piezas grabadas en directo por el cuarteto habitual de Coltrane en el club Birland, contenidas en el tercer disco.

La inclusión de diferentes tomas es algo que ya no le pilla de sorpresa a cualquier buen aficionado, ya que siempre es posible apreciar nuevas aportaciones lo que le otorga un carácter especial al tema, que así puede ser sometido a valoraciones subjetivas.

Lo interesante de este triple disco es que aporta nuevamente trabajos de Coltrane en estado puro, justificando en todo momento por qué forma parte del reino de los dioses del jazz. Todos los temas se pueden disfrutar con una calidad de grabación espectacular. Entregados a la música de Coltrane, solamente nos queda esperar que nos sorprendan con algún nuevo descubrimiento. Los amantes del jazz siempre lo vamos a agradecer.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

John Coltrane: 1963: New Directions

Músicos: John Coltrane (saxo tenor y soprano), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería), Roy Haynes (batería) y Johnny Hartman (voz).

Composiciones:

CD 1: “Vilia (Take 3)”,”Vilia (Take 5)”,”Untitled Original 11383″,”Nature Boy”, “Impressions (Take 1)”,”Impressions (Take 2)”,”Impressions (Take 3)”,”Impressions (Take 4)”,”Untitled Original 11386 (Take 1)”,”Untitled Original 11386 (Take 2)”, “Untitled Original 11386 (Take 5)”,”One Up, One Down (Take 1) y “One Up, One Down (Take 5)”.

CD 2: “Slow Blues”, “They Say It’s Wonderful”, “Lush Life”, “My One and Only Love”, “Autumn”, “Serenade”, “Dedicated to You”, “You Are Too Beautiful”, “After the Rain”, “Dear Old Stockholm” y “I Want to Talk About You”.

CD 3: “My Favorite Things”, “Impressions”, “The Promise”, “I Want to Talk About You”, “Afro Blue”, “Your Lady” y “Alabama”.

Grabado por Rudy Van Gelder en Van Velder Studio los días 6 y 7 de marzo, 29 de abril y 18 de noviembre de 1963 en Englewood Cliffs (Nueva Jersey).

Grabado en directo el 7 de julio de 1963 en el Newport Jazz Festival y el 8 de octubre de 1963 en el Birland de Nueva York.

Editado en 2018 por Impulse! Records




Abe Rábade Trío (JazzCírculo, Madrid. 2019-01-18) [Concierto]

Por Carlos Lara y Francisco Pizzorno.

  • Fecha: 18 de enero de 2019
  • Lugar: La Pecera del Círculo de Bellas Artes de Madrid
  • Grupo:
    Abe Rábade Trío
    Abe Rábade: piano
    Pablo Martín Caminero: contrabajo
    Bruno Pedroso: batería

El pianista gallego Abe Rábade ha editado recientemente su duodécimo trabajo con el trío con el que, desde hace 10 años, está labrándose una trayectoria profesional impresionante. La mente inquieta de Abe Rábabe le lleva a abordar siempre nuevos proyectos. Así, se puede embarcar en una actuación a dúo junto al guitarrista Rale Micic y triunfar en el escenario del Carnegie Hall de Nueva York, pero el trío es para Abe como volver a sentir el calor del hogar.

Ya se ha convertido en habitual que el trío presente sus nuevos discos en el Círculo de Bellas Artes, y en el caso de Doravante, el último, no podía ser menos. Lo ha hecho en la sala de columnas, en la azotea y ahora tocaba en la Pecera.

Si Zigurat, álbum del 2010, puede considerarse como el comienzo del éxito del trío, Doravante (expresión portuguesa que quiere decir `de ahora en adelante´) sigue recogiendo las señas de identidad del grupo. No abandona la ortodoxia ni el eclecticismo abierto que le caracteriza, pero, según dice Abe, asume mayor riesgo y experimentación. Como le gusta señalar a Abe Rábade, en todas las entrevistas, siguiendo a Duke Ellington solo existe la buena o la mala música. Partiendo de ahí, Abe compone y elige los temas que serán readaptados a la filosofía del trío. En este nuevo trabajo que ha presentado en el Círculo de Bellas Artes se recogían cinco composiciones originales, dos versiones de canciones populares gallegas, dos standards y un clásico de la música cubana.

Con los primeros acordes del tema que da título al álbum, “Doravante”, se pusieron en acción el piano y el contrabajo. Se suceden los fraseos cortos que dan paso a una mayor intensidad. El dúo piano y contrabajo funciona, con la batería acompañando a la perfección. La pieza muestra un equilibrio entre momentos lentos y otros más desatados. Se mantiene en un continuo avance intenso con mucha energía hasta el final. Este tema supuso un contraste en relación con “O Paxaro cando Chove”, la primera pieza popular gallega donde el contrabajista Pablo Martín Caminero se convierte en protagonista lanzando notas poéticas. El trío se pone en marcha con improvisaciones. Hay un break del contrabajo y el piano se lanza a campo abierto con claridad y luminosidad.

Siguiendo la serie de anteriores trabajos, llegó el turno para “Tránsito Nº 6: Wheele of Hope” en el que Bruno Pedroso empieza a cocinar a fuego lento, el piano remarca las notas lentamente y dibuja un paisaje muy sugerente lírico. Una bella melodía sirve para que el tema se incursione en una mayor intensidad, el contrabajo y la batería acentúan y matizan al pianista en todo momento como si lo arroparan. El piano de Abe Rábade nos mece como si nos protegiera y nos da seguridad.

En un plano más experimental “10 contra 9”, comienza con un piano muy suave y lírico con el contrabajo y la batería apoyando en esa tarea. Sinuosamente. Abe Rábade nos va introduciendo en un terreno más complejo, con cambios de registro y manteniendo la tensión en todo momento. De nuevo un largo solo de Pablo Martín Caminero muy acertado da paso al piano. Unas notas muy lentas con ligeros toques de batería marcan el inicio de “Estación do Silencio”. El piano de Abe Rábade escribe música como un poeta toca poesía. Eso es lo que hace Abe Rábade, tocar música como se escribe poesía. Pinta un cuadro con aroma melancólico, mientras Pablo Martín al contrabajo remata los versos incrementando la belleza.

Se acaba la primera parte del concierto. Caras de satisfacción entre el público, que se vuelven cómplices cuando reconocen las notas de “Hasta siempre comandante”, de Carlos Puebla. Los acordes de la melodía sirven de muy buena excusa para acometer buenas improvisaciones a lo largo del tema. Un gran solo de contrabajo a mitad de la pieza sirve de nexo de unión con el pianista, que interpreta de nuevo la melodía como si fuera cabalgando con el piano.

Cambio de rumbo y con “Alalá das Mariñas”, canción tradicional gallega, la lírica se apropia de todo el tema. Las improvisaciones se van imponiendo de una manera prodigiosa, con una nueva interpretación del solo del contrabajo otra vez muy oportuna. Los tiempos de intervención de los músicos están perfectamente equilibrados, algo que se puede hacer extensivo a todo el concierto.

Sin dar tregua llega “Wide One”, donde Pablo Martín Caminero con el arco y Abe Rábade al piano dan vida a esta pieza extensa, en la que se impone la melodía que crece a medida que el tema coge cuerpo y va evolucionando de una manera casi sin control, hasta que se retoma de nuevo la senda de la improvisación.

Para finalizar dos versiones se sendos standards, faceta esta tan querida por Abe Rábade como ya demostrara en el disco “Versons” (2013). El primero, “In Love in Vain” de Jerome Kern interpretado a medio tempo, con fraseos emotivos y de suave balanceo. Una pieza casi para bailar en pareja. Un nuevo solo de Pablo Martín Caminero suena a gloria pura. El piano se apropia otra vez del tema central complementado por el contrabajo y la batería. El segundo standard, compuesto por Cole Porter, “Just One of those things”, con un piano alegre y de carácter festivo es interpretado con una celeridad contenida que da paso a una improvisación medida con fraseos cortos de manera enérgica. El contrabajo y la batería se aceleran con el pianista creando así una atmósfera intensa hasta el final.

A lo largo de la última década Abe Rábade, junto a Pablo Martín Caminero y Bruno Pedroso han creado su propio ente musical, en el que la expresividad jazzística va más allá de una reunión de tres músicos con química personal. Se une también la interpretativa tanto en disco como en directo. Llegados a este punto la madurez del trío ha alcanzado un nivel como pocos grupos pueden demostrar. Sencillamente, ya no tiene nada que demostrar, porque es tal su nivel de complicidad y entendimiento que es difícil superar los resultados que año a año consigue este gran trío.

Texto: Carlos Lara, 2019
Fotos: Francisco Pizzorno, 2019