Chris Kase Quartet (Bogui Jazz, Madrid. 2019-03-08) [Concierto]

 

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

  • Fecha: 8 de marzo de 2019
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid
  • Grupo:
    Chris Kase Quartet
    Chris Kase: trompeta, fliscorno y EWI
    Marcos Collado: guitarra
    Ander García: contrabajo
    Miguel Benito: batería

Ya hace más de 20 años que Chris Kase llegó a España y decidió instalarse entre nosotros. Su trayectoria musical entonces ya era impresionante. Desde su elección para participar en el Concurso Internacional de Trompeta de Jazz Thelonious Monk, celebrado en Washington, DC en 1997, hasta su paso por la Mingus Big Band, colaboraciones o grabaciones con Adam Nussbaum, Kenny Wheeler, Steve Coleman, Chick Corea, Grant Stewart, Bruce Barth y los españoles Abe Rábade, Perico Sambeat, Iñaki Salvador, Mikel Andueza, Llibert Fortuny, por citar a algunos, son los rasgos que conforman su arquitectura sonora. Cuenta con ocho discos como líder, así como incontables colaboraciones. Su primer disco, editado en Estados Unidos, fue Starting Now (1994). Desde su llegada a España se suceden siete discos, desde Te espero aquí de 1999 hasta el último Let Go de 2018 (Errabal Jazz). Son muchas las formaciones en las que ha participado, y en 2014 creó en Madrid el Chris Kase Quartet.

En 2019 Chris Kase prosigue su trayectoria como uno de los más importantes del jazz español. Son muchas las virtudes que destacan en las grabaciones y actuaciones en directo de Chris Kase: unas buenas composiciones, unos magníficos arreglos y una elección minuciosa de los músicos que le acompañan. No hay duda de que sabe rodearse de músicos talentosos. Por algo es profesor de trompeta de jazz en Musikene, el Conservatorio Superior del País Vasco. Ander García (contrabajo), Marcos Collado (guitarra) y Miguel Benito (batería), constituyen un sólido trío con una contrastada carrera a sus espaldas, que responde perfectamente a las expectativas y deseos del trompetista.

En el Bogui, Chris Kase volvió a mostrar las cualidades que atesora el que sin duda es el mejor trompetista, sin desmerecer al resto de los del panorama nacional. Sin renunciar a los aspectos más característicos del hard bop, el grupo transitó por grandes espacios en los que cada componente gozó de sustanciosos márgenes para expresarse.

El concierto se abrió con la pieza “Teaser” de su último disco Let Go. Inspirado en el clásico “Star Eyes” que popularizó Charlie Parker, comienza con una perfecta introducción llena de sonoridad a cargo de Chris Kase, en donde Marcos Collado acomete su primer solo. Trompeta y guitarra avanzan sin prisas. Un dueto de guitarra y contrabajo da lugar a un elegante solo de Chris Kase.

Como recuerdo a su disco Ode (2008), siguió la pieza “Mediant Motion” interpretada con fliscorno, del que salen sonidos acariciantes a modo de balada. El tema se desarrolla con la elegancia característica en Kase y con un buen acompañamiento rítmico. Con una técnica exquisita, Chris Kase encadena con brillantez sus fraseos que se complementan con los solos de guitarra de Marcos Collado. Enlazando notas al unísono, guitarra y trompeta crean sonidos sugerentes.

En un homenaje al gran guitarrista Ralph Towner, “Out of Towner”, se vuelve a lucir Marcos Collado con un desarrollo intenso con fliscorno. El tema pasa a un acompañamiento potente de batería y contrabajo, con un tremendo solo del guitarrista.

Otra de las piezas, “Roweena”, como la anterior en el disco Let Go, comienza con trompeta con digitaciones monkianas y una gran aportación de Ander García al contrabajo en un largo solo. La trompeta retoma el tema principal y sus improvisaciones van ganando intensidad y una altura cada vez más sólida. Las aportaciones del guitarrista ponen un gran broche a este tema.

“Bookmark” es una pieza sugerente, con un gran reparto de papeles de los cuatro músicos, pero con muchos momentos para el guitarrista. Espléndido tema tocado por Chris Kase con un EWI (electronic wind instrument), y con el guitarrista perfectamente entonado.

El punto final lo puso una versión de “Song for Bilbao” de Pat Metheny, interpretada por Chris Kase de nuevo con el EWI. Un tema de mucha intensidad, en el que el guitarrista vuelve a tomar el protagonismo con un espléndido solo.

Chris Kase toca con honestidad, además de brillantez; su música es reflexiva. Su cadencia y fraseos están llenos de calidez. No necesita realizar florituras para dominar su instrumento. Su discurso transmite siempre mucha belleza. A ello se suma que el cuarteto demuestra en cada momento contar con un sólido ensamblaje de unos músicos que se conocen a fondo y así lo saben transmitir en su actuación.

 

Carlos Lara




Dayna Stephens Group (Bogui Jazz. 2019-02-27) [Concierto]

  • Fecha: 27 de febrero de 2019.
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid.
  • Grupo:
    Dayna Stephens Group
    Dayna Stephens: saxo tenor, EWI y sintetizador.
    Aaron Parks: piano.
    Ben Street: contrabajo.
    Jeff Ballard: batería.

Acompañado por un trío de auténtico lujo, el saxofonista Dayna Stephens inició su gira europea en el Bogui Jazz de Madrid. A pesar de ser inicio de semana, la sala presentó un lleno a rebosar de aficionados que no quisieron perderse una actuación de jazz de primer nivel. Efectivamente así fue. Jazz con mayúsculas donde hubo oportunidad para disfrutar de un amplio recorrido por los aspectos más cromáticos de esta música.

Si no estoy mal informado se trataba de la primera visita a Madrid de este músico de San Francisco, compositor y arreglista, que ha sabido ganarse el favor de la crítica gracias a sus grabaciones y sus actuaciones en los clubes más afamados del mundo. A su lado, tres grandes músicos que prácticamente no necesitaban presentación para los aficionados. Ya solamente la actuación de Aaron Parks, Ben Street y Jeff Ballard a trío sería como para no perdérsela.

Su nombre se  puede ver en innumerables discos de los mejores músicos de jazz del momento como  Brad Mehldau, Fred Hersch, Ambrose Akinmusire, Tom Harrell, Larry Grenadier, Peter Bernstein o John Scofield, entre otros. Stephens cuenta con ocho discos en el mercado como líder. En 2017 Stephens reunió a Brad Mehldau, Larry Grenadier, y Eric Harland en Gratitude, su último trabajo hasta la fecha.

 Dayna Stephens es un claro continuador de la tradición del bop. Su estilo con el saxo tenor así lo atestigua. Tanto en sus composiciones como en las versiones que interpretó, en su saxofón se aprecian aromas de los mejores músicos de la historia.

Si a ello se le añade la calidad de los músicos que le seguían, la actuación llegó a rondar por momentos un altísimo  nivel. Aaron Parks es un pianista especial dotado de una calidad en sus dedos, que es capaz de aportar como acompañante sin sobresalir  y como solista es de una expresividad apabullante. Ben Street es un joven valor que  también ha alcanzado un alto nivel y una presencia en los grupos que acompaña, y por supuesto, el veterano Jeff Ballard, con sus toques elegantes, sus sutilezas e intensidades, que encandilan, es capaz de encender cualquier escenario.

El concierto guardó un perfecto equilibrio entre los dos pases, aunque en los tres últimos temas fueron un auténtico prodigio, con los cuatro músicos intensos y llenos de improvisaciones, cada cual más bella.

Una actuación llena de calidad, digna del Bogui Jazz, con una sección rítmica brillante y un saxofonista que se mostró como el  auténtico profesional que es: un nombre muy a tener en cuenta.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Reunion Big Band: Unexpected Paths (Errabal Jazz, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Reunión Band ha sido desde que se creó en 2010 el punto de encuentro de los músicos que han tenido la suerte de haber pasado por las aulas del Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene). Según se señala en el cuadernillo del disco, esta `macrobanda´, “siempre ha sabido mantener la buena música, el buen rollo y la profesionalidad, además de ser un lugar donde compartir un espacio en el que aprender y poder crecer musicalmente”. Impecable. A pesar de que a lo largo de su historia han estado en “Reunión Band” más de 80 músicos, con muchos conciertos a sus espaldas, Unexpected Paths, es el primer disco que graba.

El disco se registró en dos sesiones. En la primera, dirigida por Perico Sambeat en 2015, se grabaron los 9 primeros temas; en la segunda, casi un año después, el disco se terminó con la grabación de “Afroeclipse” y “Mambo Djambo”, bajo la dirección de Miguel Blanco. El trabajo de ambos directores se nota, ya que han sabido dotarle al grupo de una homogeneidad y una estructura compacta que así se manifiesta en esta decena de temas.

Se aprecia por tanto un gran trabajo en los arreglos, en la distribución de los solos, en los apoyos, muy importante en cada uno de ellos, aportando así su sello personal de una big band que es de las mejores que tenemos actualmente. El repertorio puede considerarse como un tanto ecléctico, haciendo un repaso a temas clásicos y originales.

“Unexpected Paths” abre el disco con un largo solo de saxo alto a cargo de Laurent Robino a mitad del tema. La pieza tiene mucho ritmo y colorido. Con gran trabajo de armonización y ensamblaje de la orquesta. Con “Speak no Evil” de Wayne Shorter los músicos hacen gala de cierto virtuosismo con el desarrollo de los metales. Jorge Castañeda hace un solo al piano extenso y con buen fraseo, y Mikel Urretagoyena a la batería acompaña con mucho sentido.

Cuatro de las piezas incluyen voz femenina, como el bolero “El día que me quieras”, el clásico de Carlos Gardel, que ofrece también otra manera de enfocar una big band con la voz de Lara Vizuete y el solo de trompeta de Diego Aragón. Una composición del trompetista Chris Kase, “Mistery Waltz”, con Natael Ramos a la trompeta y los solos de Pedro Núñez en la trompeta y Mikel Núñez al piano, y la voz de acompañamiento de Lara Vizuete. El estándar de Kurt Weill “Speak Low” con la voz de Kassandra Charalampi emotiva y el saxo tenor de Daniel Juárez, que sirve de contrapunto, con la sección rítmica empujando al resto de la banda. Noomi Higuchi canta en “Samba de una nota só” una pieza clásica del cancionero brasileño, con Milton Rodríguez a la guitarra, Roberto Nieva en el saxo alto y Daniel Juárez al saxo tenor.

Dos homenajes, uno a John Coltrane y otro a Dizzy Gillespie. El primero “Lonnie´s Lament”, donde el propio Perico Sambeat toca la flauta, junto a los solos de Antonio Tercero al trombón y Victor Vega a la trompeta que imponen un sello de calidad al tema El legendario “Con Alma” de Dizzy Gillespie, sirve para que se luzcan en bellos solos Perico Sambeat al saxo alto y Mikel Urretagoyena a la batería.

Los dos temas finales han sido compuestos y dirigidos por Miguel Blanco, ambos con referencia africanas. “Afroeclipse”, con solos de Daniel del Valle en la guitarra y Noel Sacristán al saxo tenor. Una pieza que se despega un poco de lo que hasta el momento hemos oído, más propio de los sonidos tradicionales de las big bands, acentuando más los sonidos africanos a través de la percusión. Por último, “Mambo Djambo” con los solos de Laurent Robino al saxo alto e Imanol Iribarren al trombón. Un tema de música pegadiza y hasta por momentos danzable.

El trabajo que se realiza en los conservatorios o en las escuelas de música que enseñan jazz no está suficientemente valorado a nivel nacional. Por ello, es siempre de agradecer que se produzcan proyectos de este tipo.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

 Reunion Big Band: Unexpected Paths

Músicos: Kassandra Charalampi (voz), Lara Vizuete (voz), Naomi Higuchi (voz), Laurent Robino (saxo alto), Pau Torres (saxo alto), Daniel Juárez (saxo tenor), Noel Sacristán (saxo tenor), Víctor Moreno (saxo barítono), Bruno Valle (trombón), Antonio Tercero (trombón), Jordi Arcusa (trombón), Imanol Iribarren (trombón bajo), Diego Aragón (trompeta), Santiago Fernández (trompeta) , Víctor Vega(trompeta), Pedro Núñez (trompeta), Milton Rodríguez (guitarra), Mikel Núñez (piano), Arturo Valero (contrabajo), Daniel Pozo (bajo eléctrico), César de Frías (batería) y Nerea Quincoces (congas, percusión).
Músicos invitados: Perico Sambeat (saxo alto, flauta), Natanael Ramos (trompeta), Luis Soler (trompeta), Roberto Nieva (saxo alto), Xalvat de Zaldua (guitarra), Jorge Castañeda (piano), Dario Guibert (contrabajo), Mikel Urretagoyena (batería), Asier Ardáiz (trompeta), Joan Gonga (trompeta), Alejandra Artiel (trompeta), Santiago Fernández(trompeta), Antonio Tercero (trombón), Imanol Iribarren (trombón), Jordi Arcusa (trombón), Nacho Soto (trombón bajo), Laurent Robino (saxo alto), Xabier Oruesagasti (saxo alto), Noel Sacristán (saxo tenor), Jon Zufiaurre (saxo tenor), Víctor Moreno (saxo barítono), Erik Niemietz (piano), Daniel del Valle (guitarra), Daniel García (bajo eléctrico), Nerea Quincoces (congas, percusión), Unai Olabarri (batería), Miguel Blanco (dirección) y Ana Fernández (flauta travesera, flauta alto).

Composiciones: “Unexpected Paths” (Miguel López)”,”Speak no Evil”(Wayne Shorter), “El día que me quieras”(Carlos Gardel y A. Le Pera), “Lonnie´s Lament”(John Coltrane), “Mistery Waltz”(Chris Kase), “Speak low” (Kurt Weil), “El abogado del diablo” (Carlos Sagi), “Con Alma” (Dizzy Gillepies), “Samba de uma nota só”(Tom Jobim y N. Mendoza), “Afroeclipse (Miguel Blanco)” y “Mambo Djambo (Miguel Blanco)”.

Grabado en dos sesiones. La primera los días 13 y 14 de junio de 2015 en los Estudios Tío Pepe de Urduliz (Vizcaya). La segunda el 22 de abril de 2016 en el auditorio del Centro Cultural de Lugaritz (San Sebastián).

Editado por Errabal Jazz en 2018




Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El pianista Albert Sanz y el contrabajista Javier Colina, dos de los mejores músicos del jazz nacional, muestran su particular homenaje a la música brasileña con ocho temas del universo sonoro carioca extraído de composiciones de Chico Buarque, Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim o Vinicius de Moraes, entre otros.

De principio a fin el disco es una auténtica fiesta de sonidos y colores que pueden levantar cualquier decaimiento. Es muy difícil destacar algún tema porque, los amantes de la buena música quedarán plenamente satisfechos. En las interpretaciones están cuidados todos los detalles, desde los más intensos hasta los más sutiles.

Los sucesivos diálogos de Sanz y Colina demuestran una gran precisión y una compenetración digna de los mejores músicos. Desde el ambiente festivo que se respira en “Na carreira”, el lirismo de “Damais”, el acordeón que interpreta Colina en “No assento do onibus”, la belleza de “Valsa Brasileira”, la samba de “Luz negra” y por supuesto “Medo de amar”.

Sobresale la interpretación de Silvia Pérez Cruz en el tema que da título al disco, “Sampa” de Caetano Veloso, donde la voz de la cantante suena realmente especial en la pieza.

Un disco redondo a cargo de dos auténticos pesos pesados que han vuelto a demostrar, como ya lo hicieran antes, que no importa lo que se toque si se pone la calidad interpretativa y el sentimiento de complicidad que brilla a lo largo de todo el disco.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

 Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018)

Músicos: Albert Sanz (piano) y Javier Colina (contrabajo y acordeón), con la colaboración de Silvia Pérez Cruz (voz).

Composiciones: “O velho Francisco (Chico Buarque)”, “Sampa (Caetano Veloso)”, “Na carreira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Demais (Antonio Carlos Jobim/Aloysio de Oliveira)”, “No assento do onibus (Alessandro Penezzi)”, “Valsa Brasileira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Luz negra (Nelson Cavaquinho/Amancio Cardoso)” y “Medo de amar (Vinicius de Moraes)”

Grabado el 5 y 6 de septiembre de 2017 en Oidale Estudio (Valencia).

Editado por Youkali Music en 2018




Charlie Haden & Brad Mehldau: Long Ago and Far Away (Impulse!, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Charlie Haden, del que se cumplirán cinco años de su fallecimiento en el mes de julio, consideraba “My Love And I” de David Raskin uno de sus temas favoritos de todos los tiempos. Por eso lo eligió para incluirlo en el repertorio de una actuación en directo que tuvo lugar, junto al pianista Brad Mehldau, en noviembre de 2007 en la ciudad alemana de Mannheim.

Después de 11 años, la grabación de dicho concierto fue recuperada y editada en disco el año pasado. Para el contrabajista de Shenandoah (Iowa) se trata de un homenaje póstumo bien merecido por todo lo que ha significado para la historia del jazz.

La relación de Charlie Haden con Brad Mehldau se fraguó en 1997 cuando ambos y el saxofonista Lee Konitz, después de una actuación en directo, grabaron a trío para Blue Note el legendario disco Alone Together. La posterior grabación del trío con el batería Paul Motian en Live at Birland para ECM en 2009, terminó de asentar la conexión entre el contrabajista y el pianista.

Entre medias, en 2007, ambos músicos fueron invitados a participar en el Enjoy Jazz Festival de Heidelberg-Mannheim. Era la primera vez que iban a tocar a dúo y el concierto se celebró en una catedral de Mannheim. La actuación fue grabada y posteriormente escuchada por Charlie Haden, que era un gran amante de las interpretaciones a dúo (recordemos Beyond The Missoury Sky con Pat Metheny). Le gustó tanto el resultado que quería sacarla en algún momento, pero se fue posponiendo en el tiempo y ha visto la luz recientemente como Long Ago and Far Away.

Para el joven Melhdau contar con un mentor como Charlie Haden fue crucial en su carrera. Hasta el punto que Haden consideraba a Mehldau uno de los más importantes músicos de su generación debido a su voz única, su sabiduría musical y por tener muy claro hacia donde quería llevar el lenguaje del jazz.

En el disco se puede disfrutar plenamente de la interacción entre dos genios que plenamente se ponen  al servicio uno  del otro, sacando a la luz momentos de una gran belleza. Hay en la interpretación de los seis estandards que componen la grabación un preciso trabajo con las armonías, las improvisaciones  y los tempos.  Como si el tiempo no existiera y por tanto sin ninguna prisa, las notas van llenando los espacios a través de las diferentes conversaciones a dúo que se van sucediendo. Mehldau, con el tema de apertura “Au Privave”, se recrea en las formas parkerianas, prosigue con  un amplio uso de las pausas y un complejo discurso armónico y con diálogos en “My Old Flame” y “What’ll I Do”. El pianista deja espacios abiertos a Haden para acometer una versión a medio tempo de “Long Ago And Far Away” y en una atormentada y audaz “My Love And I”, que sin duda es el mejor tema del disco.

Con “Everything Happens To Me” culmina este encuentro de dos espíritus libres verdaderos, dispuestos a expresar su sabiduría musical con toda sinceridad.

Tal y como dice Ruth Cameron, que fue la mujer de Charlie Haden, “Charlie ya no está y esta grabación fue hecha hace mucho tiempo y muy lejos. Sin embargo, la música sigue siendo inmediata. La música es ahora.”

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Charlie Haden & Brad Mehldau: Long Ago and Far Away (Impulse!, 2018)

Músicos: Brad Mehldau (piano) y Charlie Haden (contrabajo).

Composiciones: “Au Privave (Charlie Parker)”, “My Old Flame (Arthur Johnston)”, “What’ll I Do (Irving Berlin)”, “Long Ago And Far Away (Jerome Kern)”, “My Love And I (David Raksin)” y “Everything Happens To Me (Matt Dennis)”.

Grabado en directo el 5 de noviembre de 2007 en el Enjoy Jazz Festival, en la iglesia Christuskirche de Mannheim (Alemania).

Editado por Impulse Records en 2018.




Albert Cirera: Lisboa´s Work (Multikulti Project, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El saxofonista catalán Albert Cirera es uno de los jóvenes valores de la música improvisada. A caballo entre Lisboa y Barcelona, Cirera es un músico siempre en ebullición para conseguir esos sonidos que satisfagan su mente inquieta. A través de los diferentes proyectos de los que forma parte, The Liquid Trio/Quintet junto a Ramon Prats y Agustí Fernández; Free Art Ensemble, Duot con Ramón Prats y Tres Tambors, el saxofonista catalán mantiene vivas sus inquietudes dando rienda suelta a sus ambiciones musicales.

Entre la vasta discografía que ya acumula, Albert Cirera ha grabado un nuevo disco Lisboa´s Work editado por el sello polaco Multikulti Project, dentro de su apartado “Spontaneus Music Tribune Series” que está dedicada íntegramente a la música improvisada.

La razón de por qué ha grabado en un sello polaco la explica Albert Cirera cuando, a raíz del disco Cròniques 2, que editó en el 2015 a dúo con el violonchelista polaco Ulrich Mitzlaff, un crítico polaco, Andrezj Novak, que consideró el disco como uno de los mejores del año, se puso en contacto con él. Desde ese momento se interesó cada vez más por la música improvisada en la península ibérica y le propuso grabar un disco en solitario para una nueva serie dedicada a la música improvisada.

Durante más de un año Albert Cirera ha estado dando conciertos a solo explorando y buscando los sonidos que más le satisfacían. En junio del 2017 se puso a grabar en su casa de Lisboa durante cinco días. Al final le salieron cinco horas de grabación y recurrió a su amigo Agustí Fernández, que le ayudó a hacer la selección como productor artístico.

Lisboa´s Work es una completa exploración del saxofón mediante la creación espontánea. Es un disco duro, en el que Albert Cirera experimenta y trata de buscar los límites sonoros del saxo. A lo largo de la escucha se experimentan varias sensaciones, tanto con el tenor y el soprano a los que hace modificar su sonido natural utilizando todo tipo de recursos.

Nada mejor que las palabras de Agustí Fernández para definir lo que Lisboa´s Work representa: “Este disco se mueve en la tradición de los mejores saxofonistas actuales. En la línea que primero abrió Evan Parker y después John Butcher, y que han continuado todos los saxofonistas desde Torben Snekkestad a Christine Abdelnour. Es este el camino que explora Albert Cirera en su primer disco en solitario. Un disco destinado a hacer historia en la música instrumental de este país, por su novedad, singularidad, atrevimiento y apertura de nuevos caminos”.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Albert Cirera: Lisboa´s Work

Músico: Albert Cirera (saxo tenor, saxo soprano y saxo preparado).

Composiciones: “Bellvitge´s pigeons”, “Nordic Erasmus”, “Into the basement”, “Outta the basement”, “Young kitchen”, “Biologic percussion walls”, “Last effort”, “Lisbon oneiric´book”, “Drawing tubes”, “Can Ram path” y “Bet on tomorrow”.
Todos los temas compuestos por Albert Cirera.

Grabado en junio de 2017 en Lisboa

Editado por Multikulti Project en 2018




John Coltrane: 1963: New Directions (Impulse!, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Para John Coltrane el año 1963 fue uno de los más activos de su meteórica carrera profesional. En esas fechas dos sellos discográficos editaban sus temas, independientemente del día y año de grabación, Prestige e Impulse! Pero, como es conocido, en los últimos años hasta su muerte en 1967, el saxofonista de Richmond grabó sus temas para el sello Impulse! A excepción de A Love Supreme, Ascension y Meditations, o los que grabó con Duke Ellington y Johnny Hartman, Coltrane nunca publicó en vida un disco grabado en una única sesión para el mencionado sello, ya que siempre le gustaba encontrar su disco ideal a través de temas registrados en diversas tomas y fechas, incluso fusionando grabaciones en estudio y en directo. Para ello gozaba de una total independencia de la que se hacía valer, que a veces no era del total agrado de los directivos, aunque la cuenta de resultados dio con el tiempo la razón al saxofonista. Si hay un músico capaz de hacer sombra a Miles Davis en cuanto a venta de discos en la historia del jazz, ese es John Coltrane. La prueba la tenemos en la cantidad de reediciones, nuevas grabaciones y descubrimientos que se llevan editados, sin duda con cierto interés de negocio. Pero, al mismo tiempo, la importancia testimonial de estos discos para el gran aficionado está fuera de toda duda. En ellos se recogen momentos en los que al saxofonista le gustaba experimentar, adentrarse por nuevas sendas sonoras, poner en marcha ideas y sobre todo manifestarse en plena libertad. Y un buen reflejo de todo ello se encuentra en dichas grabaciones.

Está claro que el mejor disco lanzado por Impulse! en el 2018 fue Both Directions at Once: The Lost Album, selección de grabaciones de John Coltrane realizadas en 1963 en los estudios de Rudy Van Gelder o en actuaciones en directo.

Pero no contentos con el lanzamiento de esta auténtica reliquia, Impulse! nos propone también 1963: New Directions un triple CD formado por una selección de grabaciones recogidas de los CD Both Directions at Once: The Lost Album, John Coltrane and Johnny Hartman, Dear Old Stockholm, Newport ‘63 y Live at Birdland. Todos los registros realizados en 1963, año que supone un punto de transición entre sus grabaciones del pasado y del futuro de su trayectoria.

En ese tiempo Coltrane se movía en muchas direcciones, miraba hacia atrás, continuaba examinando su repertorio más habitual y llevaba a cabo una exploración de los formatos más tradicionales con la mirada puesta en composiciones y aproximaciones a lo que supondría una nueva mirada en el jazz.

Así, en 1963: New Directions podemos encontrar en el primer disco todas grabaciones realizadas en el estudio de Rudy Van Gelder por su clásico cuarteto en marzo de 1963: McCoy Tyner al piano, Jimmy Garrison, al contrabajo y Elvin Jones a la batería. En el segundo CD, el cuarteto se hace acompañar por la voz de Johnny Hartman, grabación de abril de ese año y disco que tuvo una gran acogida comercial. Aquí se incluye también un tema, “Dear Old Stockholm”, en el que Elvin Jones es sustituido por Roy Haynes en la batería, que también participa en las versiones de “My Favorite Things” e “Impressions” en el CD tres. Los tres están registrados en el Festival de Jazz de Newport.

“The Promise”, “I Want to Talk About You”, y “Afro Blue”, son las piezas grabadas en directo por el cuarteto habitual de Coltrane en el club Birland, contenidas en el tercer disco.

La inclusión de diferentes tomas es algo que ya no le pilla de sorpresa a cualquier buen aficionado, ya que siempre es posible apreciar nuevas aportaciones lo que le otorga un carácter especial al tema, que así puede ser sometido a valoraciones subjetivas.

Lo interesante de este triple disco es que aporta nuevamente trabajos de Coltrane en estado puro, justificando en todo momento por qué forma parte del reino de los dioses del jazz. Todos los temas se pueden disfrutar con una calidad de grabación espectacular. Entregados a la música de Coltrane, solamente nos queda esperar que nos sorprendan con algún nuevo descubrimiento. Los amantes del jazz siempre lo vamos a agradecer.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

John Coltrane: 1963: New Directions

Músicos: John Coltrane (saxo tenor y soprano), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (contrabajo), Elvin Jones (batería), Roy Haynes (batería) y Johnny Hartman (voz).

Composiciones:

CD 1: “Vilia (Take 3)”,”Vilia (Take 5)”,”Untitled Original 11383″,”Nature Boy”, “Impressions (Take 1)”,”Impressions (Take 2)”,”Impressions (Take 3)”,”Impressions (Take 4)”,”Untitled Original 11386 (Take 1)”,”Untitled Original 11386 (Take 2)”, “Untitled Original 11386 (Take 5)”,”One Up, One Down (Take 1) y “One Up, One Down (Take 5)”.

CD 2: “Slow Blues”, “They Say It’s Wonderful”, “Lush Life”, “My One and Only Love”, “Autumn”, “Serenade”, “Dedicated to You”, “You Are Too Beautiful”, “After the Rain”, “Dear Old Stockholm” y “I Want to Talk About You”.

CD 3: “My Favorite Things”, “Impressions”, “The Promise”, “I Want to Talk About You”, “Afro Blue”, “Your Lady” y “Alabama”.

Grabado por Rudy Van Gelder en Van Velder Studio los días 6 y 7 de marzo, 29 de abril y 18 de noviembre de 1963 en Englewood Cliffs (Nueva Jersey).

Grabado en directo el 7 de julio de 1963 en el Newport Jazz Festival y el 8 de octubre de 1963 en el Birland de Nueva York.

Editado en 2018 por Impulse! Records




Abe Rábade Trío (JazzCírculo, Madrid. 2019-01-18) [Concierto]

Por Carlos Lara y Francisco Pizzorno.

  • Fecha: 18 de enero de 2019
  • Lugar: La Pecera del Círculo de Bellas Artes de Madrid
  • Grupo:
    Abe Rábade Trío
    Abe Rábade: piano
    Pablo Martín Caminero: contrabajo
    Bruno Pedroso: batería

El pianista gallego Abe Rábade ha editado recientemente su duodécimo trabajo con el trío con el que, desde hace 10 años, está labrándose una trayectoria profesional impresionante. La mente inquieta de Abe Rábabe le lleva a abordar siempre nuevos proyectos. Así, se puede embarcar en una actuación a dúo junto al guitarrista Rale Micic y triunfar en el escenario del Carnegie Hall de Nueva York, pero el trío es para Abe como volver a sentir el calor del hogar.

Ya se ha convertido en habitual que el trío presente sus nuevos discos en el Círculo de Bellas Artes, y en el caso de Doravante, el último, no podía ser menos. Lo ha hecho en la sala de columnas, en la azotea y ahora tocaba en la Pecera.

Si Zigurat, álbum del 2010, puede considerarse como el comienzo del éxito del trío, Doravante (expresión portuguesa que quiere decir `de ahora en adelante´) sigue recogiendo las señas de identidad del grupo. No abandona la ortodoxia ni el eclecticismo abierto que le caracteriza, pero, según dice Abe, asume mayor riesgo y experimentación. Como le gusta señalar a Abe Rábade, en todas las entrevistas, siguiendo a Duke Ellington solo existe la buena o la mala música. Partiendo de ahí, Abe compone y elige los temas que serán readaptados a la filosofía del trío. En este nuevo trabajo que ha presentado en el Círculo de Bellas Artes se recogían cinco composiciones originales, dos versiones de canciones populares gallegas, dos standards y un clásico de la música cubana.

Con los primeros acordes del tema que da título al álbum, “Doravante”, se pusieron en acción el piano y el contrabajo. Se suceden los fraseos cortos que dan paso a una mayor intensidad. El dúo piano y contrabajo funciona, con la batería acompañando a la perfección. La pieza muestra un equilibrio entre momentos lentos y otros más desatados. Se mantiene en un continuo avance intenso con mucha energía hasta el final. Este tema supuso un contraste en relación con “O Paxaro cando Chove”, la primera pieza popular gallega donde el contrabajista Pablo Martín Caminero se convierte en protagonista lanzando notas poéticas. El trío se pone en marcha con improvisaciones. Hay un break del contrabajo y el piano se lanza a campo abierto con claridad y luminosidad.

Siguiendo la serie de anteriores trabajos, llegó el turno para “Tránsito Nº 6: Wheele of Hope” en el que Bruno Pedroso empieza a cocinar a fuego lento, el piano remarca las notas lentamente y dibuja un paisaje muy sugerente lírico. Una bella melodía sirve para que el tema se incursione en una mayor intensidad, el contrabajo y la batería acentúan y matizan al pianista en todo momento como si lo arroparan. El piano de Abe Rábade nos mece como si nos protegiera y nos da seguridad.

En un plano más experimental “10 contra 9”, comienza con un piano muy suave y lírico con el contrabajo y la batería apoyando en esa tarea. Sinuosamente. Abe Rábade nos va introduciendo en un terreno más complejo, con cambios de registro y manteniendo la tensión en todo momento. De nuevo un largo solo de Pablo Martín Caminero muy acertado da paso al piano. Unas notas muy lentas con ligeros toques de batería marcan el inicio de “Estación do Silencio”. El piano de Abe Rábade escribe música como un poeta toca poesía. Eso es lo que hace Abe Rábade, tocar música como se escribe poesía. Pinta un cuadro con aroma melancólico, mientras Pablo Martín al contrabajo remata los versos incrementando la belleza.

Se acaba la primera parte del concierto. Caras de satisfacción entre el público, que se vuelven cómplices cuando reconocen las notas de “Hasta siempre comandante”, de Carlos Puebla. Los acordes de la melodía sirven de muy buena excusa para acometer buenas improvisaciones a lo largo del tema. Un gran solo de contrabajo a mitad de la pieza sirve de nexo de unión con el pianista, que interpreta de nuevo la melodía como si fuera cabalgando con el piano.

Cambio de rumbo y con “Alalá das Mariñas”, canción tradicional gallega, la lírica se apropia de todo el tema. Las improvisaciones se van imponiendo de una manera prodigiosa, con una nueva interpretación del solo del contrabajo otra vez muy oportuna. Los tiempos de intervención de los músicos están perfectamente equilibrados, algo que se puede hacer extensivo a todo el concierto.

Sin dar tregua llega “Wide One”, donde Pablo Martín Caminero con el arco y Abe Rábade al piano dan vida a esta pieza extensa, en la que se impone la melodía que crece a medida que el tema coge cuerpo y va evolucionando de una manera casi sin control, hasta que se retoma de nuevo la senda de la improvisación.

Para finalizar dos versiones se sendos standards, faceta esta tan querida por Abe Rábade como ya demostrara en el disco “Versons” (2013). El primero, “In Love in Vain” de Jerome Kern interpretado a medio tempo, con fraseos emotivos y de suave balanceo. Una pieza casi para bailar en pareja. Un nuevo solo de Pablo Martín Caminero suena a gloria pura. El piano se apropia otra vez del tema central complementado por el contrabajo y la batería. El segundo standard, compuesto por Cole Porter, “Just One of those things”, con un piano alegre y de carácter festivo es interpretado con una celeridad contenida que da paso a una improvisación medida con fraseos cortos de manera enérgica. El contrabajo y la batería se aceleran con el pianista creando así una atmósfera intensa hasta el final.

A lo largo de la última década Abe Rábade, junto a Pablo Martín Caminero y Bruno Pedroso han creado su propio ente musical, en el que la expresividad jazzística va más allá de una reunión de tres músicos con química personal. Se une también la interpretativa tanto en disco como en directo. Llegados a este punto la madurez del trío ha alcanzado un nivel como pocos grupos pueden demostrar. Sencillamente, ya no tiene nada que demostrar, porque es tal su nivel de complicidad y entendimiento que es difícil superar los resultados que año a año consigue este gran trío.

Texto: Carlos Lara, 2019
Fotos: Francisco Pizzorno, 2019




Javier López Jaso & Marcelo Escrich Quartet: Aporía (Errabal Jazz) [CD – Grabación]

Por Carlos Lara.

Las colaboraciones entre Javier López Jaso y Marcelo Escrich se remontan a cerca de unos diez años cuando formaban parte del New Mood Trio. Desde entonces han sido habituales sus actuaciones en directo. Pero no fue hasta 2014 que lanzaron su primer disco como cuarteto. Un trabajo titulado Pagoda, donde tanto el acordeonista pamplonés como el contrabajista argentino mostraban sus cualidades como compositores y creadores, con raíces porteñas y un lenguaje lleno de sonidos intensos y emocionantes.

Su segundo CD en el mercado es Aporía, palabra griega que designa un problema que no tiene solución racional. “Intentar alcanzar algo y no lograrlo, algo que casa con mi filosofía de ser y con la que tenemos los músicos, esa paradoja continua de querer llegar a algo”, señala López Jaso sobre el significado del nombre en una entrevista.

Aporía es un disco que se puede entender desde un territorio en el que la música argentina y la vasca se dan la mano. La primera protagoniza muchos de los temas, donde predominan los diálogos entre el acordeón y la guitarra, con incursiones del saxo tenor en dos de las piezas. En general se aprecia un gran trabajo de composición y de reparto de los espacios con mucho equilibrio entre los cuatro músicos.

El disco se abre con “Contrahuellas”, que tiene un comienzo melódico con un dueto de acordeón y guitarra, y una sucesión de diálogos. La guitarra comienza un solo de punteo suave acompasado por el contrabajo y la intervención suave a solo del acordeón. El tema “Aporía” se inicia también con melodía, con la guitarra de Giménez forma elegante hasta que la pieza sube de intensidad y la participación de la guitarra va subiendo de tono y adquiriendo protagonismo. La pieza cambia continuamente de registros y parece que nunca va a tener final. En “La Banda y el Conjuro”, el contrabajo marca el comienzo, siguiendo la entrada del acordeón, guitarra y saxo tenor, que realiza un primer solo. Se crea un clima muy acogedor y elegante con el saxofón de Alberto Arteta. En “Cantus” la guitarra realiza un fraseo suave, seguido de una larga melodía del acordeón. “Hugo vuelve a casa” es un tema de inspiración porteña, con una melodía sugerente y nostálgica, en la que se puede oír el recitado de un poema a cargo de Gerardo Fitanovich, que acaba con las palabras “El olvido es una de las formas más refinadas del crimen perfecto”.

“Nene” tiene un sonido de acordeón con aires del Pais Vasco, apoyado por un punteo intensivo y repetitivo de la guitarra. “Aldrán” es de inspiración argentina, con un cambio radical con el contrabajo, que va llevando a la guitarra y el acordeón hacia sonidos bailables. El guitarrista inicia un largo e intenso solo, hasta que retoma la pieza el contrabajo y de nuevo comienza la melodía que marca el protagonismo del tema. En “Donostia-Pamplona, Iruña-San Sebastián”, el contrabajo empieza con punteos y la guitarra estilo Bill Frisell empieza a hacerse un hueco para realizar un solo, que retoma el acordeón. Aquí hay un gran solo de Marcelo Escrich al contrabajo. El acordeón se erige en protagonista en buena parte del tema hasta el final.

Por último, “Diálogos y secuelas” presenta un tono medio rockero al principio y rompe un poco el tono genérico que caracteriza el disco. Más eléctrico y menos acústico que las anteriores piezas. Las distorsiones de guitarra y la inclusión del saxo tenor le dan un tono más jazzístico.

Con un instrumento ya habitual en el jazz internacionalmente conocido por el francés Richard Galliano o el argentino Dino Saluzzi, aunque éste unido al bandoneón, Javier López Jaso, y Marcelo Escrich aportan una nueva perspectiva al jazz nacional.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

Javier López Jaso & Marcelo Escrich Quartet: Aporía

Músicos: Javier López Jaso (acordeón), Luis Giménez (guitarra), Marcelo Escrich (contrabajo) y Daniel Lizarraga (batería). Colaboradores: Alberto Arteta (saxo tenor) y Gerardo Fitanovich (rapsoda).

Composiciones: “Contrahuellas”, “Aporía”, “La Banda y el Conjuro”, “Cantus”, “Hugo vuelve a casa”, “Nene”, “Aldrán”, “Donostia-Pamplona, Iruña-San Sebastián” y “Diálogos y secuelas”.

Todos los temas compuestos por Marcelo Escrich y por Javier López Jaso.

Grabado el 26 y 27 de enero de 2018 en Mecca Recording Studio en Oyarzun (Guipúzcoa).

Editado por Errabal Jazz en 2018




Xol: Xol plays X-EN (Chant Records, 2018) [Grabación – CD]

Por Carlos Lara.

Perteneciente al panorama de la música libre europea, el cuarteto Xol está formado por veteranos improvisadores como Guy Bettini a la corneta, trompeta y fiscorno, Harri Sjöström al saxo soprano, Luca Pissavini al contrabajo y Francesco Miccolis en la batería. Xol plays X-EN es un disco de libre improvisada con elementos de free jazz, que se van complementando a medida que los temas se suceden. Las piezas se comportan como pequeñas estructuras que, poco a poco, se expanden para ir perdiendo las limitaciones, hasta el punto que pueden permanecer “ad infinitum” desgranando notas como caleidoscopios.

Con un estilo personal en cada uno de los siete temas, se van sucediendo las diferentes improvisaciones con arreglo a estructuras, tonalidades y composiciones colectivas interpretadas en el momento. Cada uno de los músicos aporta su grano de arena hasta construir una montaña desde la que se admira un paisaje sin horizonte

El finlandés Harri Sjöström es uno de los más notables innovadores de la escena de la improvisación de su país; el italiano Luca Pissavini tiene colaboraciones con Ken Vandermark; el batería suizo, Francesco Miccolis, también ha acompañado a Peter Brötzmann; el trompetista Guy Bettini, un asiduo colaborador del batería Gerry Hemingway, conforman un conjunto radical, ajeno a normas y ataduras. Puramente libre.

Es inevitable encontrar reminiscencias de músicos de la talla de Peter Brötzmann, Derek Bailey o Cecil Taylor. Un disco para mentes muy abiertas.

© Carlos Lara, 2019

Xol: Xol plays X-EN

Músicos: Harri Sjöström (saxo soprano), Guy Bettini (corneta, trompeta y fliscorno), Luca Pissavini (contrabajo) y Francesco Miccolis (batería y percusión).

Composiciones: “Still water has no mind”, “To receive the image”, “Of the migrating geese”, “The whole moon”, “And the entire sky” “Are reflected in one” y “Dewdrop on the grass”.

Grabado en 2017 en Beyond Groove Studio (Suiza)

Editado en 2018 por Chant Records




Phillip Johnston & The Coolerators: Diggin’ Bones (Asynchronous Records, 2018) [CD]

Por Carlos Lara.

El compositor y saxofonista de Chicago Phillip Johnston, que capitanea el grupo de Nueva York The Microscopic Septet, ha unido fuerzas con tres músicos australianos que se hacen llamar The Coolerators, los refrigeradores en español. Ya el nombre nos da una idea de que la música de este grupo rezuma cierto sentido irónico en Diggin’ Bones, su primer disco. Trabajo que supone la culminación de una serie de actuaciones en directo a raíz de que Johnston se trasladara desde la gran manzana a Sydney y se uniera a Alister Spence, Lloyd Swanton, (componente de The Necks), y Nick Cecire. Los tres The Coolerators conforman una de las secciones rítmicas más aclamadas y demandadas de Australia. Su música cubre un gran abanico estilos, aunque su principal especialidad es una original concepción del trío de jazz con órgano.

Diggin’ Bones es un nuevo capítulo en la extensa discografía de Johnston, que empezó en 1983 con The Micros’ Take The Z Train, continuando con The Microscopic Septet, con el co-compositor Joel Forrester y siguió con Fast ‘N’ Bulbous, banda coliderada con Gary Lucas que realiza un tributo a Captain Beefheart. Además, Johnston ha compuesto, grabado y arreglado numerosas bandas sonoras para películas de cine mudo. En el 2017, mientras estaba envuelto en otros proyectos se centró en The Coolerators, como vehículo para realizar actuaciones en directo. Por tanto, Diggin’ Bones muestra una nueva faceta en la música de Johnston.

Excepto uno de los temas, “The Revenant”, el resto son composiciones suyas, la mayoría de las cuales extraídas de su repertorio antiguo. En el cuarteto se reparten los papeles principales el saxo y el órgano, aunque en conjunto el grupo ofrece una gran contundencia, combinando piezas algo funkys con temas de jazz contemporáneo. Alister Spence realiza interesantes solos, alternando con el saxo alto y soprano de Johnston. Sobre una base rítmica sencilla se desarrolla. “What Is Real?” que tiene un motivo de carácter rockero, a cargo de saxofón y órgano.

Los riffs funkys sirven como vehículos para las improvisaciones, con largos fraseos de Johnston. El tema “Diggin´Bones” parte de una base rítmica de música klezmer, que evoluciona hasta territorios más libres.

El grupo brilla en general por su libertad y espontaneidad, con melodías sencillas y con capas superpuestas, varios cambios de registros e improvisaciones. Algunas de las piezas se exponen con cierto sentido del humor, que es de agradecer.

Se ignora si Phillip Johnston & The Coolerators, tendrán continuidad, aunque, según la prolífica trayectoria de Phillip Johnston, no sería de extrañar.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2018

Phillip Johnston & The Coolerators: Diggin’ Bones

Músicos: Phillip Johnston (saxo alto y saxo soprano), Alister Spence (órgano), Lloyd Swanton (contrabajo), Nick Cecire (batería).

Composiciones: “Frankly”, “What Is Real?”, “Diggin’ Bones”, “Temporary Blindness”, “Later”, “The Revenant”, “Legs Yet”, “Trial By Error”, “Regrets #17” y “Ducket Got A Whole In It”.
Todos los temas compuestos por Phillip Johnston, excepto “The Revenant” compuesto por Michael Hurley.

Grabado en octubre y noviembre de 2017 en Rancom St. Studios de Sydney (Australia).  Editado por Asynchronous Records en 2018




Ingrid Jensen & Steve Treseler – Invisible Sounds: For Kenny Wheeler (Whirlwind Recordings, 2018) [CD]

Por Carlos Lara.

La trompetista Ingrid Jensen y el saxofonista y clarinetista Steve Teseler rinden un homenaje al gran trompetista Kenny Wheeler del que se acaban de cumplir cuatro años desde su fallecimiento. En Invisible Sounds: For Kenny Wheeler se reinterpretan las composiciones de este prolífico músico canadiense, afincado la mayor parte de su vida en Inglaterra.

Kenny Wheeler ha influido a muchas generaciones de músicos y a lo largo de su carrera trabajó con una larga lista de creadores incluyendo a artistas como Dave Holland, Jack DeJohnette, Bill Frisell, John Taylor y Norma Winstone. En los años 70 se convirtió en uno de los pioneros del espíritu libre y creativo del jazz. La categoría de Kenny Wheeler abarcaba, como compositor, campos como el Swing, el Be-Bop o el Free Jazz, y supo crear su propio estilo y lenguaje armónico, a la altura de Mingus, Ellington o Monk. Definido por una multitud de elementos sonoros, destacó por el inquietante timbre de su instrumento en sus sesiones para ECM. Invisible Sounds nos ofrece la posibilidad de comprender profundamente su música.

“Junto a mi fabuloso colaborador Steve Treseler, estoy agradecida por haber podido facilitar esta ventana para rendir homenaje a este gentil, genio y maestro que fue Kenny Wheeler”, dice Ingrid Jensen.

En principio, Ingrid Jensen y Steve Treseler barajaron una lista de unos 30 temas que les hubiera gustado interpretar, pero al final se impuso los once que componen este gran tributo al trompetista. A raíz de la muerte de éste, Steve Treseler e Ingrid Jensen hablaron sobre la posibilidad de hacer un concierto homenaje. La banda de Ingrid Jensen, formada por Geoffrey Keezer (piano), Martin Wind (contrabajo) y Jon Wikan (batería) estaba tocando en el Lionel Hampton Jazz Festival en Idaho. Así que, con la banda ya rodada, ayudados por el programa `Jazz Night in America de la NPR, tocaron dos noches en el Royal Room de Seattle. Con el directo y algunas sesiones de estudio nació este álbum, que contó con la participación de la saxofonista Christine Jensen y de la vocalista Katie Jacobson como invitadas. Así que Invisible Sounds: For Kenny Wheeler recoge toda la energía que se desprendió en dichos días tanto en estudio como en directo.

El disco pone de manifiesto que estamos ante una magnífica banda de músicos que ha sabido plasmar fielmente el espíritu de Kenny Wheeler. Los temas elegidos no tienen desperdicio y representan muy bien la faceta de gran compositor que fue este trompetista. No obstante Ingrid Jensen tuvo la suerte de haber recibido clases suyas.

La melancolía que se desprende de algunos temas, así como el colorido de piezas como la que inicia el disco “Foxy Trot”, con un dúo de trompeta y tenor emocionante. Jensen es una depurada trompetista que ha sabido trasladar a la perfección los fraseos y las armonías de Wheeler, desde “Kind Folk”, “546”, “Gentle Piece – Old Ballad” o en ‘Where Do We Go From Here’, que en un principio tocaron Wheeler y John Taylor a dueto.

“Después de décadas de escuchar, estudiar y tocar la música de Kenny, todavía me siento como una principiante en relación a cómo asimilar el espíritu de su música. Le estoy eternamente agradecida por todo lo que ha ayudado a nuestra música. Si con este disco, más gente descubre a Kenny Wheeler será algo muy gratificante para nosotros”, ha destacado la trompetista Ingrid Jensen.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2018

Ingrid Jensen & Steve Treseler: Invisible Sounds: For Kenny Wheeler

Músicos: Ingrid Jensen (trompeta y efectos), Steve Treseler (saxo tenor, clarinete y clarinete bajo), Christine Jensen (saxo soprano), Geoffrey Keezer (piano), Martin Wind (contrabajo), Jon Wikan (batería) y Katie Jacobson (voz).

Composiciones: “Foxy Trot”, “Kind Folk”, “546”, “Gentle Piece – Old Ballad”, “Old Time”, “Duet”, “Everybody’s Song but My Own”, “Where Do We Go from Here?”, “Ingalude” y “Foxy Trot (live)”.
Todas las composiciones por Kenny Wheeler, excepto “Duet” de Steve Treseler y “Ingalude” de Ingrid Jensen

Los temas 1-4 y 7-9 grabados en Robert Lang Studios, Shoreline, Washington, el 2 de marzo de 2015. Los temas 5 y 10 grabados en directo en The Royal Room, Seattle, Washington, el 2 de marzo de 2015. El tema 6 grabado en la casa de Ingrid Jensen en Ossining, Nueva York, en febrero de 2016.

Editado por Whirlwind Recordings en 2018




Jon Urrutia Trio: The Paname Papers (Errabal Jazz, 2018) [CD]

Por Carlos Lara.

Jugando un poco al despiste, según comenta el propio Jon Urrutia, el título del disco nada tiene que ver con el famoso escándalo del blanqueo de capitales, sino con los complejos papeleos de la burocracia en Francia, país con el que mantiene una estrecha relación este pianista bilbaíno.

Desde que a los 18 años se marchara a Holanda a especializarse en jazz, Urrutia no ha parado de curtirse y adquirir un estilo propio. Los clubes de jazz en Paris en 1996, sobre todo el Studio del Islettes, peculiar local, una beca en el “Berklee College of Music” y la estancia en Boston donde se rodea de buenos músicos, han contribuido a llenar su mochila de experiencia. Desde el 2000, año en el que se gradúa en piano-jazz, ha vivido en el País Vasco, Barcelona, Madrid, País Vasco Francés y en París, donde reside actualmente.

Desde el comienzo de su carrera profesional Jon Urrutia ha preferido el trío como formación ideal: no obstante sus primeras influencias fueron, cómo no, Bud Powell, Tete Montoliu, Bill Evans, Herbie Hancock, Chick Corea y Keith Jarrett.

The Panama Papers es un disco ecléctico y sin complejos, en el que se aprecian por momentos estas preferencias musicales, ampliadas a otros estilos como el blues, la música tropical o incluso el flamenco. Nueve temas donde también se puede apreciar en un par de piezas la capacidad de Urrutia para reinterpretar y asimilar a figuras de la categoría de John Coltrane o Fred Hersch. El contrabajista Damien Varaillon y el batería Stephane Adsuar, músicos con los que toca habitualmente en Paris, le acompañan en su nuevo disco para el sello Errabal Jazz.

A destacar en primer lugar las buenas composiciones del pianista. Desde “Dona Kubik” a “La Caravana Amarilla”. Así, “Valse pour Nono” es un tema melódico construido a ritmo de vals, en cambio “Entartetes Blues” es un blues de ocho compases, “Fantasie Onirique” transmite un tono más lírico, “Fourth Element” enlaza más con una cierta atonalidad, “Entropical Cha” remite hacia ritmos más exóticos y tropicales, mientras que “La Caravana Amarilla”, se sostiene sobre una base flamenca clara.

The Panama Papers es un disco muy plácido en el que el virtuosismo del trío acrecienta aún más las buenas composiciones. El trabajo tiene un aroma de club de jazz que le refuerza, lo que corrobora que Jon Urrutia se ha curtido en esos templos del jazz en los que se demuestra realmente la calidad de un músico.

© Carlos Lara, 2018

Jon Urrutia Trio: The Paname Papers

Músicos: Jon Urrutia (Fazioli F279 gran piano concierto), Damien Varaillon (contrabajo) y Stephane Adsuar (batería)

Composiciones: “Dona Kubik”, “Valse pour Nono”, “Entartetes Blues”, “Fantasie Onirique”, “Entropical Cha”, “Fourth Element”, “Pasos Enanos”, “The Paname Papers” y “La Caravana Amarilla”.

Todas las composiciones por Jon Urrutia

Grabado el 22 y 23 de noviembre de 2017 en Estudios de Meudon por Clement Garel. Editado en 2018 por Errabal Jazz. ER 099

 

 

 

 

 

 

 




John Surman Trio (JazzMadrid18. 2018-11-21) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 21 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Conde Duque. Madrid.
  • Grupo:
    John Surman Trio
    John Surman: saxo soprano y clarinete bajo.
    Nelson Ayres: piano.
    Rob Waring: vibráfono y marimba.

Hacía tiempo que el bueno de John Surman, uno de los mejores músicos de jazz del viejo continente, no actuaba en Madrid. Si repasamos el catálogo de ECM podemos encontrar sus magníficos trabajos, tanto como líder como acompañante. Con 74 años demostró encontrarse en una buena forma, evidentemente sin someterse a excesos enérgicos. No obstante es conocido por ser uno de los jazzistas más líricos que existen.

Invisible Threads es el disco que John Surman vino a interpretar al Festival. Grabado el año pasado en Oslo, ciudad en la que el inglés ha vivido mucho tiempo. Desde siempre a Surman le han gustado los pequeños formatos, bien a dúo o a trio, como en esta ocasión, donde le acompañaban el pianista brasileño Nelson Ayres y el percusionista de mazo neoyorquino, Rob Waring.

Surman y Ayres se conocieron en Brasil, donde empezaron a tocar juntos. A Surman le llamó la atención su buen feeling y su fantástica musicalidad. La experiencia de interpretar a dúo les hizo ver en un momento dado la necesidad de incorporar una tercera voz. Los colores sonoros y la tonalidad que aportan la marimba y el vibráfono les encajaban a la perfección. El elegido fue Rob Waring, nacido en Nueva York y residente en Oslo, donde tocaba en conciertos de música contemporánea y también en el campo de la improvisación.

De esta forma se unen tres músicos con diferentes bagajes; Surman influido mucho por las melodías del cancionero de la campiña inglesa, Ayres aporta su bagaje de músico brasileño y Waring es un percusionista clásico. Los tres, con distintos sentimientos rítmicos, construyen armonías y melodías de una riqueza colosal.

Cada pieza suena de manera diferente y el trio evoca por momentos las colaboraciones de Chick Corea y Gary Burton para el sello ECM, dando un alto nivel de jazz de cámara. En el concierto se suceden solos intensos de clarinete bajo y de soprano. La marimba y el piano se fusionan y los temas se desarrollan con mucho ritmo. Un piano lento es acompañado por el vibráfono y el saxo soprano, ambos muy introspectivos. Bellas melodías con saxo y marimba se van intensificando y girando a ritmos tropicales, a modo de divertimento en “Summer Song” una composición de Nelson Ayres.

Las interpretaciones de Surman al soprano y al clarinete bajo engarzan a la perfección con el piano y el vibráfono/marimba, hasta el punto que no se aprecia lo que es o no improvisado. El clarinete bajo da una clase magistral de intimismo y lírica en “On still waters”. Uno de los mejores momentos lo trajo “Concentric Circles”, con una pura improvisación de los tres músicos cada uno por su lado creando un cuadro y una atmósfera absolutamente hipnótica. Rob Waring, nacido en Nueva York y residente en Oslo, donde tocaba en conciertos de música contemporánea y también en el campo de la improvisación, ha estudiado en Bali y conoce los secretos de las percusiones indonesias, lo que le sirve de inspiración para su propia música. Por ello Surman tuvo en cuenta este aspecto porque se aprecian en el tema referencias al sonido del gamelán indonesio en las pulsaciones de Waring.

Surman y Waring demuestran una gran precisión y van dejando paso a otros dúos de piano y vibráfono. El clarinete bajo de Surman emite notas como si fueran lamentaciones. Los solos de Ayres son muy líricos, algo que se incrementa con Surman al soprano. El inglés toca la mayor parte del concierto a medio tono y muy comedido. Un solo de marimba da comienzo a “Pitanga Pitomba”, preciosa introducción para que el piano y el clarinete bajo improvisen de manera enérgica, para acabar produciéndose un dúo de marimba y piano. El clarinete bajo y el piano se entienden a la perfección. Los tres músicos se entregan en una causa común, el cometido de cada uno es ir enriqueciendo los temas.

Dice John Surman que los tres son buenos acompañantes y que están a gusto desempeñando ese rol. Las composiciones de Surman sugieren lugares rurales más que urbanos. Le gustan los espacios abiertos, que son donde mejor se inspira. Los temas retienen la frescura de la improvisación, y la interpretación e interacción de los tres refleja un nivel de sofisticación de muchos quilates de oro. Es ahí donde aparecen los hilos invisibles (Invisible Threads) que unen a estos tres músicos, que forman un grupo diferente e innovador dentro de los tríos de jazz de cámara que existen en la actualidad.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Nils Petter Molvaer Group (JazzMadrid18. 2018-11-14) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 14 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez. Madrid.
  • Grupo:
    Nils Petter Molvaer Group
    Nils Petter Molvaer: trompeta
    Johan Lindstrom: guitarra y steel guitar
    Jo Berger Myhre: bajo eléctrico
    Erland Dahlen: batería y percusiones

El jazz es una música sometida a constante debate desde su creación a principios del siglo pasado. Las polémicas respecto a lo que es o no es el jazz se han producido continuamente. Algunos músicos, entre ellos Miles Davis decían que no tocaban jazz. De hecho no quería que se etiquetase su música. Lo que le importaba verdaderamente era sacudir los oídos y transgredir las reglas con una música que siempre ha querido formar parte de la realidad de su época.

Algo parecido, salvando las distancias, es lo que pretende este músico que nos ha visitado. Si lo consigue o no es otro cantar. Si en su paso por el grupo Masqualero allá por finales de los 70, Nils Petter Molvaer se mostraba ya muy influido por Miles Davis, en los 80 el trompetista noruego acrecentó aún más su querencia por Miles con su decantación hacia una música salpicada de elementos rockeros, de música electrónica e incluso hip hop, utilizando para ello un auténtico arsenal técnico. Es entonces cuando personajes como Jon Hassell o Bill Laswell están en plena fase de creatividad y Molvaer no está al margen de su influencia. Evolución que no ha dejado de cultivar hasta la fecha en los diferentes proyectos que ha puesto en marcha.

El último es un cuarteto en el que Molvaer además de tocar la trompeta, domina electrónica y efectos sonoros; incluye el steel guitar de Johan Lindstrom, que además toca la guitarra; Jo Berger Myhre toca dos modelos de bajo eléctrico y Erland Dhalen, está en la batería y varias percusiones, donde se incluyen cajas rítmicas y xilófonos, entre otros.

Con estos mimbres, que no son pocos, el grupo tiró de un repertorio contenido en su último álbum Buoyancy. En general, más centrado en utilizar de forma predominante recursos jazzísticos frente a otros conciertos en los que se ha inclinado hacia una avalancha de tecnología que apabulla y termina por aburrir. Las composiciones intentan ser sugerentes y evocadoras. La creación de espacios sonoros se empareja con la música atmosférica o psicodélica y demuestran que Molvaer sigue estando en buena forma con sus intensos fraseos. Entre los efectos sonoros y las percusiones flotantes, hubo momentos brillantes como las aportaciones de Johan Lindstrom al steel guitar y algún que otro solo de guitarra del mismo. Erland Dahlen es un batería muy solvente y Jo Berger Myhre en el bajo eléctrico cumplió su papel.

Si bien es cierto que con la música de Molvaer sucede que, una vez escuchada media hora, da la sensación de que está todo dicho y que todo lo demás son círculos concéntricos, también es posible descubrir instantes bellos entre tantos efectos tecnológicos.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Avishai Cohen Quartet (JazzMadrid18. 2018-11-13) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 13 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez. Madrid.
  • Grupo:
    Avishai Cohen Quartet
    Avishai Cohen: trompeta
    Yonathan Avishai: piano
    Barak Mori: contrabajo.
    Ziv Ravitz: batería.

Ataviado como un hipster impecable, Avishai Cohen dio toda una lección de virtuosismo y un máster de poesía musical en el Fernán Gómez. Basando todo su repertorio en los últimos discos editados en el sello ECM, Into The Silence y Cross My Palm With Silver, demostró el porqué del prestigio que ha ido adquiriendo este músico israelí afincado en Nueva York. Así, la revista Jazz Magazine France le nombró en 2016 como mejor artista extranjero, y su disco Into the Silence fue premiado por la Academia del Jazz francesa como mejor del año. Enrico Rava lo considera el mejor trompetista joven del momento.

Definido como un músico de jazz multicultural, que no renuncia a utilizar los recursos eléctricos para canalizar su expresividad, se presentó en Madrid con un cuarteto acústico con el que ha grabado el último de los dos discos mencionados, con la sustitución de Nasheet Waits por Ziv Ravitz, que estuvo colosal.

Avishai es un nombre común entre los israelíes. Significa regalo de Dios. Y la verdad es que fue un auténtico regalo musical el que nos hizo este cuarteto. El concierto comenzó con dos piezas incluidas en su último trabajo “Will I die, Miss? Will I die? y “Shoot me in the Leg”. El primero con un dúo de piano y trompeta soberbio y un emocionante desarrollo, donde la finura de Avishai Cohen está perfectamente arropada por un trío muy bien engrasado. Yonathan Avishai al piano improvisa un comienzo a solo en el segundo tema para dar entrada al resto de la banda. Hay intercambios de dúos y tríos, resaltando otro dúo de Avishai Cohen y Ziv Ravitz y del trompetista con el contrabajista. Cohen emprende una serie de improvisaciones que ponen los pelos de punta.

El tema “Life and death” es una preciosa balada donde, por momentos, es obligado acordarse de Miles, como así sucedió en “Dream like a child”, también incluida en“In to the Silence”, con comienzo muy lírico del trompetista y una clara demostración de belleza por la sección rítmica. En “Theme for Jimmy Green”, pieza del último trabajo, el pianista comienza y le sigue el trompetista en una hermosa balada.

Las dos siguientes piezas fueron “Quiescence” con un texto recitado por Cohen, junto con “Into the Silence”, en el que Ziv Ravitz acomete un solo de batería intenso y largo que sirve para que el resto de la banda se exprese en uno de los momentos más creativos del concierto, con el colofón de un nuevo dúo de Avishai Cohen y Barak Mori al contrabajo. En el bis de rigor, el contrabajista se explayó en una introducción de alto voltaje que dejó en bandeja la entrada y el desarrollo del resto del cuarteto y que dio alas tanto a Yonathan Avishai como al propio Cohen para culminar su soberbia actuación.

El concierto fue una auténtica delicia, con una brillante interacción de los músicos, composiciones emocionantes y una alta energía en las improvisaciones. En conjunto, un espectáculo bello de jazz contemporáneo.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




John Scofield: Combo 66 (Verve Music Group, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

Es un motivo de satisfacción que John Scofield siga buscando nuevos modos de expresión. A lo largo de su impresionante carrera el músico de Ohio ha hecho múltiples propuestas, en cada una de las cuales ha aportado siempre una nueva dimensión a su música. En su trayectoria no ha tenido ningún inconveniente en adentrarse en terrenos como el country, el groove o los ritmos funkies. Aunque con diferencias, es curiosa la trayectoria casi paralela de John Scofield y Bill Frisell por echar mano de los sonidos más rurales de Estados Unidos. A veces ha sido más o menos comercial, pero en sus siguientes trabajos era capaz de volver a sus orígenes.

El año 2017 fue una fecha señalada para Scofield. El año pasado sacaba al mercado el disco Hudson, junto a Jack DeJohnette, Larry Grenadier y John Medeski, con un repertorio homenaje al jazz de la parte rural de Nueva York. También cumplió 66 años y para celebrarlo nada mejor que grabar un nuevo disco.

Junto a su guitarra Ibáñez AS200, un nuevo cuarteto y nuevas composiciones se ha lanzado con este Combo 66. “Lo he titulado así porque tengo 66 años, un número muy cool en el jazz. Recordemos Brasil 66 o Ruta 66. Esto me sedujo a que sería poético usar ese título”, dice. Para grabar Combo 66 Scofield se ha reunido con su batería habitual desde 1992, Bill Stewart, el contrabajista Vincente Archer del trío del pianista Robert Glasper, y del joven organista y pianista Gerald Clayton, hijo del contrabajista John Clayton de la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra. Scofield no es muy partidario de incluir pianistas, ya que la percusión natural de piano y guitarra son muy similares, pero eligió a Gerald Clayton porque tiene un toque que recuerda a Hank Jones o Tommy Flanagan, con un bonito sonido legato que se entiende bien con la guitarra.

Combo 66 son en total nueve temas en los que podemos encontrar un Scofield muy reconocible y fiel a su estilo. “I Can’t Dance” es una pieza alegre con mucho swing, y con cierto aire groove, debido al órgano de Clayton y los característicos punteos de Scofield. “Combo Theme” parte y tiene como referencia el sonido melódico de las bandas sonoras de Henry Mancini de serie negra con unos continuos solos de Scofield, acompañado a la perfección por Stewart y Clayton.

“Icons at the Fair” parte de un arreglo del clásico ‘Scarborough Fair’ realizado por Herbie Hancock para su disco The New Standard, en una de cuyas giras participó Scofield. En este tema ha usado los coros de dicha canción con una melodía en la que se aprecia la influencia de Miles Davis. Entre Hancock, Miles y ‘Scarborough Fair’ de Paul Simon, la pieza transcurre a una velocidad endiablada y redonda. “Willa Jean” es una sencilla y cristalina melodía, seguida por “Uncle Southern”, una luminosa media danza, homenaje al origen sureño de su familia. “Dang Swing” presenta una estructura un tanto ecléctica en la que se mezclan swing y blues.

La tradición roquera se encuentra en “New Waltzo”, donde se produce un contraste con algún que otro momento más lírico. “I’m Sleepin’ In” es una clásica balada al estilo de Scofield que sigue el patrón del clásico “Darn that dream”. El disco se cierra con el swing de “King of Belgium”, dedicado al maestro de la armónica, el belga Toots Thielemans, en un tema alegre y lleno de optimismo.

Sin aportar excesivas novedades, los temas son relajados, sin estridencias y perfectos en sus armonías, cuidando siempre los detalles que son marca de la casa en John Scofield.

Tomajazz: ©  Carlos Lara, 2018

John Scofield: Combo 66

Músicos: John Scofield (guitarra), Gerald Clayton (piano y órgano), Vicente Archer (contrabajo) y Bill Stewart (batería).

Composiciones: “I Can’t Dance”, “Combo Theme”, “Icons at the Fair”, “Willa Jean”, “Uncle Southern”, “Dang Swing”, “New Waltzo”, “I’m Sleeping In”, “King of Belgium” y “Ringing Out (bis)”.

Todas las composiciones de John Scofield

Verve Music Group 2018




Sumrrá (JazzMadrid18. 2018-11-09) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 9 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Carril del Conde. Madrid.
  • Grupo:
    Sumrrá
    Manuel Gutiérrez: piano
    Xacobe Martínez Antelo: contrabajo
    LAR Legido: batería y percusiones

En los 18 años que llevan juntos Manuel Gutiérrez, Xacobe Martínez Antelo y LAR Legido, el trío gallego Sumrrá ha sabido ganarse el respeto de los aficionados a base de crear un estilo propio, coherente y pleno de creatividad. Desgraciadamente, tal y  como ocurre con otros grupos españoles, sus actuaciones fuera de  Galicia son puntuales. Por eso las visitas a Madrid crean siempre una expectación muy positiva. En esta ocasión, inmersa en el Festival de Jazz de Madrid, gracias a los aficionados del club de jazz de Portugalete en Hortaleza y a Ciudadistrito, pudimos disfrutar de un buen concierto de Sumrrá. La verdad es que se hace difícil resaltar algún pero a la actuación de este trío, que seguro que la habrá. Su manera de entender la música, donde se pueden apreciar también elementos del jazz modal, del rock o del blues siempre de una manera tangencial, gusta, y lo que es más importante provoca que el público se sienta satisfecho de lo que ha escuchado. Así lo agradecieron las personas que acudieron al auditorio de este Centro Cultural de Madrid que, además cuenta con una acústica muy apreciable. La pena fue que no pudieran entrar todas las personas que quisieron, ya que se agotó pronto el aforo del recinto.

Cerca de veinte años juntos dan para mucho, como proyectos, colaboraciones y sobre todo seis discos, que son un buen reflejo de la trayectoria profesional de estos músicos de Santiago.

En el concierto que nos ocupa Sumrrá se presentó sin  haber perdido ni un ápice de la frescura, la fuerza, la musicalidad y la apuesta por el riesgo que siempre le han caracterizado. Quien suscribe los vio por última vez hará unos 10 años en el mítico Johnny y en aquella actuación sorprendieron muy gratamente.

En esta ocasión aprovecharon la actuación para presentar el sexto disco de su carrera titulado 6 Mulleres, dedicado a otras tantas mujeres  que constituyen todo un ejemplo en la defensa de la dignidad femenina. Comportamientos que luchan o han luchado por mejorar la situación de la mujer en diversas partes del mundo. Cinco de los temas compuestos por Xacobe Martinez y uno a cargo del pianista Manuel Gutiérrez.

Fueron por tanto seis nombres de mujeres  las que centraron la actuación de Sumrrá, comenzando por “Frida Kahlo”. Pieza llena de colorido y de intensidad que empieza con el contrabajista marcando la dirección del tema. El segundo fue dedicado a la paquistaní “Malala Yousafzai”; el tercero a la estadounidense “Rosa Parks”, una pieza que irradia cierto lirismo, engarzada con un blues; el cuarto para la china “Qiu Jin”, con mucha sonoridad y colorismo; el quinto dedicado a la egipcia “Nawal Él-Saadawi”, con Manuel Gutiérrez llevando el ritmo, y la sexta y última a la escritora gallega “Rosalía de Castro”, en una emotiva interpretación a piano. El batería crea diferentes efectos con sus artilugios y juguetes para ir improvisando. Como en todos los temas el contrabajo de Xacobe Martínez proporciona al trío la brújula necesaria para que cada uno de los músicos se exprese con la libertad que requiere un grupo de las características de Sumrrá. Un bis con “Minoría Absoluta” de su segundo trabajo puso el punto final a esta nueva entrega de Sumrrá en Madrid. Esperemos que no vuelvan a pasar tantos años hasta su próxima visita.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Jim Black – Elias Stemeseder “Bunky Swirl” (JazzMadrid18. 2018-11-07) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 7 de noviembre de 2018.
  • Lugar: CentroCentro. Auditorio Caja de Música. Madrid
  • Grupo:
    Jim Black & Elias Stemeseder “Bunky Swirl”
    Elias Stemeseder: piano y sintetizadores
    Jim Black: batería y percusión

Con una dilatada carrera a sus espaldas, Jim Black se ha ganado un nombre dentro del jazz de vanguardia norteamericano. Siempre dispuesto a experimentar y aportar nuevas ideas, sus compañeros de viaje son nada menos que Tim Berne, Dave Douglas, Uri Caine, Ellery Eskelin, Kris Davis o Hank Roberts. Así, se ha convertido en uno de los pilares del jazz progresivo y un batería muy demandado, con varios proyectos en marcha. Junto al aclamado joven pianista austriaco Elias Stemeseder y el bajista de Nueva York, Thomas Morgan, mantiene un excelente trío, que constituye una eficiente prueba de un jazz distinguido por sus arreglos, ritmos complejos y expresividad improvisada.

Al margen de cualquier catalogación, lo que sobresale en la actuación de Jim Black y Elias Stemeseder es la libertad plena con la que ambos músicos se expresan. Una libertad creativa con la que dibujan constantes paisajes sonoros. Los dos músicos proponen sus discursos y a veces se producen intersecciones que actúan como resortes, que nos ponen en estado de alerta o bien nos tranquilizan. Hay mucho de juego psicológico en una música que parece transitar hacia ninguna parte, pero en la que al final todo van adquiriendo un sentido.

Stemeseder muestra diferentes cadencias al piano y ofrece diferentes efectos con el sintetizador, mientras Black se convierte en una fuente de ritmos en distinta intensidad. Entre tantos sonidos asimétricos, también aparecen melodías apacibles que nos vuelven a bajar a la realidad después del trance. El caos también puede ser bello. Entre la música electrónica de Karlheinz Stockhausen y la atonidad de Arnold Schönberg, se abrieron campos infinitos de posibilidades sonoras que, asociados a la libertad creativa de la batería y la percusión, nos llevan actualmente por los nuevos derroteros de la improvisación libre. Y el dúo Jim Black y Elias Stemeseder saben aprovechar al máximo su gran sabiduría musical.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Alfred Artigas Quartet: Permiso (Underpool Records 2017) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El guitarrista de raíces cubanas Alfred Artigas, afincado en Barcelona, se presenta pidiéndonos permiso. En cualquier caso, además de que es de buena educación, no hace falta tal cumplido, porque después de oír el disco, uno se convence de que no hay motivo para excusarse.

El resultado de este Permiso, formado por nueves temas, de los cuales siete son composiciones de Alfred Artigas, es un claro reflejo de las propias experiencias vitales de este músico. En él podemos encontrar temas relajantes, más intensos o incluso aires caribeños, como es lógico.

En “Ginza” y “McArthur Wheeler”, un blues a su manera, ya demuestra Artigas la gran técnica que posee a la guitarra, con punteos limpios y cristalinos, dando como resultado un sonido ciertamente agradable. Arropado por Marc Cuevas y Oriol Roca, el conjunto del trabajo es de gran altura.

Artigas parece que juega con las notas y las van encadenando como si estuviera resolviendo poco a poco un puzzle. En “Eroerido”, como en resto de los tema el pianista, Marc Cuevas realiza muchas citas de Monk.

“Ullapool” y “Solo le falta hablar” son temas tranquilos que avanzan muy lentamente, donde juegan un buen papel el contrabajo y la batería. “Fiebre de ti” es un bolero cubano, en el que la guitarra hace el papel de la voz, que va guiando al piano y con el fondo de la percusión. “Vine Rouge”, presenta un buen tándem entre el guitarrista y el pianista, en una pieza fresca y a la vez delicada. El final es para “Reencuentro en el 4 Nabos”, tema melancólico y muy lírico.

El tono del disco es bastante intimista y los músicos componen un buen trío, al que hay que seguir la pista para un próximo trabajo.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2018

Alfred Artigas Quartet: Permiso

Músicos : Alfred Artigas (guitarra), Toni Saigi (piano), Marc Cuevas (contrabajo) y Oriol Roca (batería).

Composiciones: “Ginza”, “McArthurWheeler”, “Eroerido”, “Ullapool”, “Solo le falta hablar”, “Fiebre de ti”, “Vine Rouge”, “Rata” y “Reencuentro en el 4 Nabos”.
Todas las composiciones de Alfred Artigas, excepto Ginza, a cargo de Ainoa Pons y Alfred Artigas.

Grabado en Underpool Studio, el 20 de mayo de 2017, en Collserola, Barcelona. Publicado en 2017 por Underpool Records.