Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018) [Grabación]

Por Carlos Lara.

El pianista Albert Sanz y el contrabajista Javier Colina, dos de los mejores músicos del jazz nacional, muestran su particular homenaje a la música brasileña con ocho temas del universo sonoro carioca extraído de composiciones de Chico Buarque, Caetano Veloso, Antonio Carlos Jobim o Vinicius de Moraes, entre otros.

De principio a fin el disco es una auténtica fiesta de sonidos y colores que pueden levantar cualquier decaimiento. Es muy difícil destacar algún tema porque, los amantes de la buena música quedarán plenamente satisfechos. En las interpretaciones están cuidados todos los detalles, desde los más intensos hasta los más sutiles.

Los sucesivos diálogos de Sanz y Colina demuestran una gran precisión y una compenetración digna de los mejores músicos. Desde el ambiente festivo que se respira en “Na carreira”, el lirismo de “Damais”, el acordeón que interpreta Colina en “No assento do onibus”, la belleza de “Valsa Brasileira”, la samba de “Luz negra” y por supuesto “Medo de amar”.

Sobresale la interpretación de Silvia Pérez Cruz en el tema que da título al disco, “Sampa” de Caetano Veloso, donde la voz de la cantante suena realmente especial en la pieza.

Un disco redondo a cargo de dos auténticos pesos pesados que han vuelto a demostrar, como ya lo hicieran antes, que no importa lo que se toque si se pone la calidad interpretativa y el sentimiento de complicidad que brilla a lo largo de todo el disco.

Tomajazz: © Carlos Lara, 2019

 Albert Sanz & Javier Colina: Sampa (Youkali Music, 2018)

Músicos: Albert Sanz (piano) y Javier Colina (contrabajo y acordeón), con la colaboración de Silvia Pérez Cruz (voz).

Composiciones: “O velho Francisco (Chico Buarque)”, “Sampa (Caetano Veloso)”, “Na carreira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Demais (Antonio Carlos Jobim/Aloysio de Oliveira)”, “No assento do onibus (Alessandro Penezzi)”, “Valsa Brasileira (Edu Lobo/Chico Buarque)”, “Luz negra (Nelson Cavaquinho/Amancio Cardoso)” y “Medo de amar (Vinicius de Moraes)”

Grabado el 5 y 6 de septiembre de 2017 en Oidale Estudio (Valencia).

Editado por Youkali Music en 2018




Brad Mehldau Trio (XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier, San Javier, Murcia. 2015-07-14)

XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

  • Fecha: 14 de julio de 2015
  • Lugar: Auditorio Parque Almansa (San Javier, Murcia)
  • Componentes:
    Brad Mehldau Trio
    Brad Mehldau: piano.
    Larry Grenadier: contrabajo.
    Jeff Ballard: batería.

 

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Cuando se publicó el primer volumen de The Art of the Trio (Warner Bros, 1996), del pianista Brad Mehldau, el concepto y el tratamiento musical en este tipo de formaciones asomó como algo nuevo y distinto en el diversificado mundo del jazz. La culpa de ese novedoso y bienvenido cambio llegó de la mano, mejor dicho, de las manos, de un joven pianista, por entonces no muy conocido y con casi veinte años menos, convirtiéndole en un referente de una de las generaciones de músicos más fructífera, creativa e interesante, que nos ha dado a conocer el género. Los años han pasado también para aquel joven pianista de Florida, ha madurado, evolucionado y ampliado su técnica instrumental  y su dialéctica musical hasta lo sublime, llegando a ser, en la actualidad, una de las figuras más relevantes del jazz.

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Mehldau acompañado en esta ocasión por el magnífico contrabajista Larry Grenadier y el gran baterista Jeff Ballard -miembro del trío desde el año 2005-, ofreció en San Javier un concierto tan impresionante como memorable, no cabe duda, a pesar de que sus peticiones de siempre no fueron bien aceptadas por parte de fotógrafos y cronistas: nada de fotos desde el aforo y limitadas para los profesionales, no hay setlist,  y alguna otra más. No es el único músico que exige cosas similares en los conciertos, sus razones tendrá y hay que respetarlas.

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

El grupo supo ganarse a un público atento, dispuesto a escuchar hasta el más mínimo detalle sonoro que salía de cada instrumento. Desde el primer tema, “Solid Jackson”, la sesión trascurrió de forma mágica y fascinante. Las manos del pianista recorrían las teclas con una flexibilidad exultante, moviéndose a un ritmo de swing medio alto. Grenadier y Ballard se estrenaban también con sendos solos de improvisación. El buen hacer de los tres componentes, en estrecha interacción, alcanzó momentos supremos en piezas como “Strange Gift” y “Untitlet”. Tras una breve presentación del trío, continuaron con “Valsa Brasileira” de Edu Lobo y Chico Buarque, en el que destacó, además del pianista, un elocuente solo del contrabajista, y “Sete Waltz”,  una colorista y poética pieza que fue ganando en intensidad melódica y rítmica a lo largo de su desarrollo. La preciosa balada “Si tu vois ma mère” de Sidney Bechet, versión mehldauniana, supuso una muestra palpable de arpegios y combinaciones, a tenor de esa tan comentada independencia entre las dos manos de Mehldau, que le ha hecho único en su ejercicio y quehacer pianístico. El concierto acabó con dos temas, a modo de bis: el conocido “West Coast Blues” de Wes Montgomery, en el que lució un poderoso solo de Grenadier, y el toque preciso y enérgico del baterista Jeff Ballard, muy atento a las incursiones del pianista. El tema final fue “Paranoid Android” de Radiohead, un guiño a la música pop, muy presente en el amplio repertorio de Mehldau.

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Concierto de Brad Mehldau Trio el día 14 de julio de 2015 en el XVIII Festival Internacional de Jazz de San Javier

Un concierto emotivo, con trazas de buen gusto, calidad, sensibilidad, fuerza e incluso algo de misterio, que hace que la música de Brad Mehldau sea algo más que solo música.

Texto: © José Antonio García López, 2015
Fotos: © R.Mellado/Jazz San Javier, 2015




Marco Mezquida y Celeste Alías: música para la luna (Jazz en la Calle 2015 I)

La cantante Celeste Alías y el pianista Marco Mezquida, al frente de su cuarteto, serán los encargados de inaugurar la décimo quinta edición del ciclo Jazz en la Calle, que durante viernes de mayo y junio tiene lugar al aire libre en la Ciudadela de Pamplona. Pachi Tapiz entrevistó por correo electrónico a ambos músicos planteándoles un cuestionario común. He aquí lo que contestaron.

celeste i marco

PACHI TAPIZ: ¿Qué es para ti/vosotros el jazz?

CELESTE ALÍAS: Un medio de comunicación, donde caben muchos tipos de lenguajes. Tres que destacaría: la improvisación, el juego, el diálogo.

MARCO MEZQUIDA: El jazz es un enorme género musical que abarca muchos estilos diferentes, es un océano donde caben todo tipo de influencias. El jazz es una forma de arte musical basado en un lenguaje musical muy rico y con una historia que se inicia en Estados Unidos a partir de sus raíces negras africanas y el blues, y que durante el siglo XX se ha expandido a otras culturas y lenguajes musicales, formando parte de la música que crearon compositores de la llamada música occidental, o de la música popular. El jazz tiene a través de sus músicos una manera concreta y diferente de entender la armonía, el ritmo, la melodía, la técnica, el fluir de la música, la improvisación y la interacción entre los músicos y el público diferente a otras músicas.

PACHI TAPIZ: ¿Nos puedes presentar el proyecto con el que tocarás en Jazz en la Calle?

CELESTE ALÍAS: Vamos hacer un repertorio basado en temas que hablan de la luna. Hay standards como “Moonlight Serenade” de Glenn Miller y canciones latinoamericanas como “Tonada de luna llena”, “Mar e Lua” de Chico Buarque y algun tema propio…

El hecho de tener un hilo conductor hace que podamos ser eclécticos en el repertorio y viajar a diferentes lugares. Los arreglos de los temas son muy originales y tienen un sello muy personal.

MARCO MEZQUIDA: Actuaré junto a la cantante Celeste Alías con la que trabajo desde hace años y presentaremos nuestro segundo disco juntos que acabamos de publicar y cuyo hilo conductor es la Luna. Es un conjunto de canciones que hemos arreglado para nuestro dúo y que esta vez presentaremos en Jazz en la Calle de Pamplona en formato de cuarteto, añadiendo contrabajo y batería.

celeste y marco

PACHI TAPIZ:¿Nos puedes presentar a los músicos que actuaréis en el concierto?

CELESTE ALÍAS: Me acompañará un trío de lujo, tres musicazos que hace tiempo que estamos tocando y colaborando juntos. El pianista Marco Mezquida, el contrabajista David Mengual y el batería Gonzalo del Val.

MARCO MEZQUIDA: Estos músicos son David Mengual al contrabajo y Gonzalo del Val a la batería con los que tenemos un trío también desde hace años (Gonzalo del Val Three Generations)

PACHI TAPIZ:¿A dónde le llevará vuestra música a los asistentes a vuestro concierto?

CELESTE ALÍAS: Será un viaje, hay temas muy íntimos, intensos y temas explosivos con mucha libertad e improvisación.

MARCO MEZQUIDA: Los presentes van a disfrutar de un dúo y un cuarteto bien conjuntado y con un repertorio moderno, bien arreglado, formado por una recopilación de canciones inspiradas en todas las fases de la Luna, canciones ajenas y propias con arreglos muy personales de standards de jazz pero también de piezas del folklore sudamericano, de la música clásica o del pop como “Hijo de la Luna” de Mecano. Todo mezclado, cómo no, con mucha improvisación, interacción y libertad.

imatge portada disc llunàtics_reducida

PACHI TAPIZ:¿Cuáles son tus proyectos actuales y vuestros próximos proyectos, tanto junto a Marco o Celeste, como con otros músicos?

CELESTE ALÍAS: Estoy muy activa últimamente; tengo el duo con Marco; un cuarteto que se llama Celeste canta Antonio Machín, donde hago una revisión de temas del gran Machín. En el 2014 salió el disco. Son boleros del siglo XXI. Los músicos de este proyecto son los guitarristas Santi Careta y David Soler, y el batería Oriol Roca. Estoy con un quinteto que lidera el batería Guillem Arnedo, junto a Jorge Rossy, Jaume Llombart y Dee Jay Foster. El pasado año también salió el disco Let’s Sing Again, de standards muy antiguos, casi olvidados. También estoy trabajando en proyectos multidisciplinares junto a poetas y artistas plásticos, como mi compañero Txema Rico.

MARCO MEZQUIDA: Estoy en más de 25 proyectos bien diferentes y todos estupendos, la mayoría con disco publicado o por publicar. En la sección de grupos y discos de mi web se puede leer toda mi actividad como líder de mis grupos y sideman. Estoy tocando mucho a piano solo en conciertos muy intensos. Estoy muy contento de poder anunciar un concierto a piano solo el 4 de agosto en el Palau de la Música Catalana. También hago muchos conciertos a dúo, formación que adoro. Tengo el dúo con Celeste Alías, Manel Fortià o Masa Kamaguchi; estamos muy activos con mi trío Marco Mezquida Trío o My Friend Marko, con el que acabamos de grabar un disco con el featuring del gran Bill McHenry. Este disco a cuarteto lo editará Fresh Sound Records en octubre. También saldrá un nuevo disco de free con mi Robadors Quartet junto a Ramon Prats y Tom Chant. Estoy arreglando música de Ravel para un encargo del Auditorio de Barcelona, y así podría seguir un buen rato.

PACHI TAPIZ:¿Cuál es la importancia que tienen para ti ciclos como Jazz en la Calle?

CELESTE ALÍAS: Me gusta cantar en diferentes escenarios. En un pequeño club, en salas y teatros… pero la calle es un escaparate súper real. A ver si podemos captar la atención de las personas que se vayan acercando y se queden atrapadas en nuestra música.

MARCO MEZQUIDA: Pues son muy importantes que existan porque potencian la música en directo y la acercan a un público muy heterogéneo y que quiere disfrutar. Debemos preservar y potenciar los espacios de música en directo y ser conscientes de la fuerza que tiene para la cultura y la vitalidad de una ciudad. Les deseo muchos años.

Entrevista: © Pachi Tapiz, 2015
Fotografías promocionales utilizadas con permiso de los artistas




Paolo Fresu – Daniele di Bonaventura: In maggiore (ECM, 2015)

paolo-fresu-daniele-di-bonaventura-in-maggiore

Segundo trabajo a dúo para el sello ECM del trompetista sardo Paolo Fresu, que ya había entregado el muy recomendable Mistico mediterraneo en 2011 junto a este bandoneonista, pero arropado polifónicamente por los siempre singulares cantos del conjunto vocal de esa isla italiana A Filetta. Un diálogo que amplía el compartido con el pianista Uri Caine en Things (a nuestro entender sobrado de efusividad) y el que le juntó en 2009 al guitarrista Ralph Towner en Chiaroscuro (más ceñido a la búsqueda de espacios de cámara y silencios con la especifidad del sonido ECM).

Este tipo de fórmula, que recuerda producciones del exquisito sello italiano Egea, construida sobre un repertorio que se recrea en canciones populares de aquí y de allá, uniendo una pareja de instrumentos de larga tradición tanto en el folclore y la improvisación como en la música clásica, sólo puede dar como resultado un mensaje imperecedero como el ofrecido por Gianluigi Trovesi y Gianni Coscia.

Color, respiración y silencios construyen un escenario de intimidad y madurez propio, que conecta con el legado tanto de Miles Davis como de Dino Saluzzi. Las melodías son un retablo ornamental sobre la base de la memoria popular europea y mediterránea, también de la académica del eterno Bach, que vuela más allá, hasta Brasil, Argentina y Chile.

Este trabajo hecho de esencias populares cultivadas contiene temas propios de ambos músicos (maravillosos “Kyrie Eleison” de Buenaventura o el que da título y cierra el disco de Fresu) y también las espléndidas versiones sobre Giacomo Puccini “Quando me`n vó”, Chico Buarque “O que será”, con preciosa y breve coda final al bandoneón sobre “El pueblo unido jamás será vencido” de Sergio Ortega, y la delicada y aérea versión de “Te recuerdo Amanda” de otro autor chileno comprometido, Victor Jara.

In maggiore, en consecuencia, trasmite un mensaje que nos devuelve el regocijo de las músicas con raíces pero sin fronteras.

© Jesús Gonzalo, 2015

Paolo Fresu & Daniele di Bonaventura: In maggiore

Músicos: Paolo Fresu (trompeta, fliscorno), Daniele di Bonaventura (bandoneón)

Composiciones: “Da Capo Cadenza”, “Ton Kozh”, “O que será/ El pueblo unido jamás será vencido”, “Non ti scordar di me”, “Sketches”, “Apnea”, “Te recuerdo Amanda”, “La mia terra”, “Kyrie Eleison”, “Quando me’n vò”, “Se va la murga”, “Calmo”, “In maggiore”.
Todas las composiciones de Fresu y/o di Buenaventura salvo “O que será/ El pueblo unido jamás será vencido” de Chico Buarque/Sergio Ortega; “Non ti scordar di me” De Domenico Furnó/Ernesto de Curtis;  “Te recuerdo Amanda” de Víctor Jara; “Quando me’n vò” de Giacomo Puccini; y “Se va la Murga” de Jaime Roos.

Grabado en Lugano en mayo de 2014. Publicado por ECM en 2015.




Fèlix Rossy & Albert Sanz: Dolphin’s Blues (Autoedición, 2014)

Albert Sanz-Felix Rossy_Dolphin's_Blues_autoedidion_2014Dolphin’s Blues (Autoedición, 2014) es un disco romántico. Y no lo digo yo, sino los mismos autores en la descripción del proyecto. Romántico en el sentido de que el formato físico elegido para la publicación es mi venerado vinilo, que por lo que imagino, al final, será el único formato físico que perdure. Es verdad que actualmente hay una especie de moda de lo antiguo, la dichosa palabra hipster acude a mí, que por cierto, su primer significado se ha desvirtuado quedando en algo muy superficial. Pero esto es solo una parte de la nueva popularidad del formato. Ya hace muchos años que se viene gestando este retorno de manera muy escalonada. En definitiva, el sonido, el valor artístico, el tamaño, el ritual… no hay comparación posible.

Financiado a través de una campaña de micro mecenazgo Dolphin’s Blues es un LP grabado en directo en el café Mandacarú de Barcelona del que se han editado únicamente trescientas copias en vinilo más el formato digital. Y además, una vez finalizada la campaña, Albert Sanz explica que no va a poder encontrarse en Spotify por desacuerdo en las políticas de esta empresa hacia los músicos, así que más valor al vinilo y a la copia digital, aunque durante la redacción de esta reseña, me ha llegado información de que puede que haya reedición en vinilo y CD. (Por cierto, todavía quedan algunas copias en vinilo de la primera edición. Más información a pie de página)

“Me hace tener la sensación de estar tocando en el sofá de casa, sin presiones o prejuicios viciosos” son palabras de Fèlix Rossy, y estas son acertadísimas. Dolphin’s Blues son cuarenta minutos volátiles. La interacción melódica que desprenden los dos músicos forma cadenas de notas naturales, sin pulcritud, sin pretensión de ser. Poniéndome sentimental, se podría decir que la conjunción armónica que consiguen es un acto de amor al arte de hacer música. Están tremendamente cómodos, como si la palabra presión no fuera con ellos. Y todo ello, como es totalmente real, conjunta y es bello. Seis temas. Dos propios, “Dolphin’s Blues” de Fèlix Rossy y “Cheek’s Sauce” de Albert Sanz. De los cuatro restantes, temas de Wayne Shorter, Claude Debussy, Chico Buarque y Marvin Fisher & Jack Segal.

Albert Sanz, realiza un papel discreto. Matizo. Sus pulsaciones son las justas para crear esta sensación de relax total. Como ya he dicho, no hay presión, solo un simple hecho. Interactuar con Fèlix Rossy. Improvisar si es preciso, dejar espacios, intuir y pulsar a demanda de muchos factores. Sin entrar en la polémica eterna, afirmo rotundamente que este es un disco de JAZZ (acabo de entrar en ella). Sí, lo pongo con mayúsculas, y además, el mismo Albert Sanz me confirma que si lo tuviera que catalogar, no dudaría en colocar la etiqueta “jazz”. Ahora toca decidir a la gente si este disco tiene cabida en su definición particular.

Fèlix Rossy. Es bien evidente que la evolución de este trompetista es continua. Y lo más importante de todo, tiene un sonido propio, reconocible, que junto a su técnica, que no para de crecer, le permite salirse sin salir de los motivos melódicos haciendo que cada vez suenen diferentes. Así mismo, le permite improvisar con soltura y desarrollar ideas de gran inventiva. Desde que empieza el disco hasta que acaba está en estado de gracia. Pasea con tremenda (repito) comodidad y buen hacer dando a los espectadores del Mandacarú (y a nosotros) todo lo que hay dentro del él. No hay motivo para reservarse nada. Él percibe el ambiente, percibe a Albert Sanz, percibe su intuición, deja que su instinto intervenga sin ponerse obstáculos innecesarios y realiza una actuación para escuchar y re-escuchar, y una vez acabado, volver a escucharlo sin pulsar play.

Esperamos repetir momentos como estos con vosotros” decían los autores en los agradecimientos del proyecto.

Yo también lo espero.

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Fèlix Rossy & Albert Sanz: Dolphin’s Blues

Fèlix Rossy (trompeta) y Albert Sanz (piano)

“Cheek’s Sauce” (Albert Sanz), “When Sunny Gets Blue” (Marvin Fischer & Jack Segal), “12 More Bars To Go” (Wayne Shorter), “Arabesque” (Claude Debussy), “Dolphin’s Blues” (Fèlix Rossy”) y “De Volta ao Samba” (Chico Buarque)

Grabado en directo en el  Café Mandacarú de Barcelona

*Enlace para poder adquirir una de las copias del vinilo, mientras queden: http://albertsanzmusic.bigcartel.com/