365 razones para amar el jazz: un disco. Paul Motian – Chris Potter – Jason Moran: Lost In A Dream (ECM, 2010) [10]

Un disco. Paul Motian – Chris Potter – Jason Moran: Lost In A Dream (ECM, 2010)

Seleccionado por Quinito López Mourelle.

Con Paul Motian, Chris Potter, Jason Moran.




HDO 185. En concierto con… Aziza en JazzMadrid16 [Podcast]

Eric Harland; Dave Holland; Chris Potter; Lionel Loueke; Veem; © Govert Driessen; 2015

Eric Harland; Dave Holland; Chris Potter; Lionel Loueke; Veem; © Govert Driessen; 2015

dr2-009-aziza-cover-rgbAziza es el nombre del cuarteto formado por Dave Holland, Chris Potter, Lionel Loueke y Eric Harland. El grupo, que comenzó su actividad en el verano de 2015, ha publicado el pasado 14 de octubre de 2016 en el sello de Holland, Dare2 Records, su estreno homónimo. Coincidiendo con el lanzamiento el cuarteto se ha embarcado en una gira que tuvo sus tres primeras citas en los Estados Unidos entre el 20 y el 22 de octubre, y cinco días después ha dado el salto a una gira europea de 19 conciertos que les llevará a Italia, Finlandia, Alemania, Inglaterra y Holanda, entre otros países. Entre esas citas, está la del próximo jueves 3 de noviembre en JazzMadrid16 en el Auditorio del Centro Cultural Conde Duque: un concierto para el que se agotaron sus entradas nada más se pusieron a la venta. En HDO 185 escuchamos tres temas de Aziza, un grupo en el que sus cuatro integrantes aportan composiciones: “Finding the Light” de Holland, “Aziza Dance” de Loueke y finalizamos con “Summer 15” de Potter.

Texto: © Pachi Tapiz, 2016
Fotografía: © Govert Driessen, 2015

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Yerbabuena: veinte años y unos cuantos días de jazz en Pamplona. Entrevista con Pilar Chozas por Pachi Tapiz

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Yerbabuena ha estado al frente de una gran parte del jazz en directo en Pamplona durante más de veinte años. Esta entrevista estaba previsto que se hubiera realizado hace unos meses, coincidiendo con el vigésimo aniversario de Yerbabuena. Sin embargo la vida es como es, y tras varias intentonas pospuestas debido a distintos motivos, más un par de pruebas en cuanto al formato -inicialmente la entrevista iba a haberse publicado en formato audio-, finalmente Pilar Chozas –persona al frente de Yerbabuena casi desde sus inicios- contestó por correo electrónico al cuestionario confeccionado por Pachi Tapiz. Esto es lo que Pilar nos contó acerca de sus experiencias como organizadora de conciertos de jazz.

Pachi Tapiz – Tomajaz: ¿Qué es lo que os llevó a poner en marcha Yerbabuena y a comenzar a organizar todos esos ciclos de jazz que al final han quedado en JazzFermín y Jazz en la calle, pero que también tuvieron como antecedentes el Jazzaldia y otros?

Pilar Chozas: El jazz es una forma de vivir y de sentir. Yerbabuena surge en 1994 desde la afición y el gusto por el jazz. Desde hace 21 años ha programado en ciclos y festivales. Desde los comienzos su intención era programar esta música principalmente en la ciudad de Pamplona, desmitificando la idea de que es una música exclusivamente para entendidos. Evidentemente no es de masas, pero un producto de calidad gusta a casi todo el mundo.

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La filosofía de Yerbabuena ha sido siempre programar jazz desde el criterio y la calidad. Esto es nuestra marca, y lo que nos mantiene en las programaciones.

1995 fue el primer Jazzaldia que se hizo en Pamplona como 1º festival de Jazz, muy humilde pero siempre con criterio y calidad. Durante 5 años se mantuvo este festival, hasta el año 2000. Paralelamente en 1998 fue ya el primer año que se programó jazz en sanfermines, una apuesta desde el Ayuntamiento, en la que Yerbabuena se encargaba de la programación.

Casi era una locura concebir estos conciertos en estas fiestas, pero año tras año se demostró que era posible y se fue haciendo su hueco. Un programa que desde nuestra perspectiva y experiencia ha enriquecido estas fiestas y a esta ciudad. Yo siempre he descrito JazzFermín como una burbuja en estas fiestas.

Pamplona tiene ya una larga tradición en la celebración de conciertos de jazz. El Ayuntamiento de Pamplona siempre ha querido acercar esta música al público pamplonés de una forma accesible y gratuita. Hace muchos años que se vio la necesidad de agrupar estos conciertos en dos ciclos, que gracias a la buena aceptación que han tenido por los pamploneses están fuertemente asentados en la programación cultural de la ciudad.

En todo este proceso surge en 2001 Jazz en la Calle. El Ayuntamiento volvió a apostar por un ciclo nuevo , en el que se le va dando una forma en la programación. La seña de identidad de estos dos ciclos ha sido una programación muy cuidada de los conciertos con una clara apuesta por la calidad. Dentro de estos ciclos han tenido cabida todo tipo de estilos dentro del jazz, desde conciertos dentro de la más pura tradición hasta propuestas vanguardistas.

Siempre se ha buscado un equilibrio a lo largo de toda su andadura a base de traer a artistas de renombre nacionales e internacionales, apostando en ambos ciclos por las producciones locales poniendo al servicio de las principales figuras del jazz navarro una plataforma de calidad en la que presentar sus proyectos musicales. Esta apuesta ha estado dirigida a un público heterogéneo a la vez que se ha buscado también un público joven. Durante todas las ediciones se ha pretendido un porqué de cada concierto, buscando un equilibrio y un criterio que hiciese de estos conciertos un referente en los circuitos especializados de esta música.

Las producciones propias son un ejemplo. Ha habido unas cuantas desde el principio en JazFermin:

Chano Dominguez –Iñaki Salvador fue la primera, en 1998. Chano dominguez – Tito Alcedo (2000, primicia en pamplona). Perico Sambeat y Javier Colina Quartet (2000, primicia en pamplona).

Otra dos muy importantes fueron Javier colina y Antonio Serrano (2005, primicia en pamplona), y Chucho Valdés & Javier Colina en 2007.

 

Javier Colina. Fotografía © Sera Martín.

Javier Colina. Fotografía por Sera Martín.

Pachi Tapiz – Tomajaz: En estos momentos hay una gran cantidad de músicos de jazz en activo y formándose, algo que es especialmente notable desde la puesta en marcha del Superior de jazz en Pamplona, puesto que a los veteranos hay que añadir los músicos de las nuevas generaciones. ¿Se te ocurre alguna explicación para que por parte de las administraciones públicas en vez de apoyar el jazz, cada vez se vayan limitando los ciclos? Sí que habría que señalar que el ciclo Murajazz ha aparecido en un lugar importante para la cultura en Pamplona como es Baluarte y que siendo muy generosos se podría ver, en cierta manera, como una compensación de la desaparición de Universijazz de la Universidad Pública de Navarra – UPNA tras trece ediciones… En cuanto a Jazzfermín los dos últimos años muchos aficionados temimos que el ciclo desapareciera entre cambios de localización y de planteamiento… aunque en este año 2016 ha vuelto a lo que solía. En cuanto al Jazz en la Calle en este año 2016 se ha desfigurado pasando de cuatro conciertos en cuatro fines de semana a la aglomeración de un ciclo en cuatro días con cambio de formato y localizaciones, con lo que ello supone de descolocación para su público fiel, habitual y abundante…

Pilar Chozas: Efectivamente hay una gran cantidad de músicos formándose y en activo. Además nuestra Comunidad goza de poder contar con el Conservatorio Superior de Jazz en Pamplona, y al lado –en San Sebastián- tenemos Musikene lo que hace que la escena de los músicos de jazz esté en plena ebullición y además con un nivel muy alto en cuanto a calidad. Por otra parte sinceramente creo que programar jazz, una música tan especializada y rica, supone primero que te guste esta música, que la escuches, que estés conectado con la actualidad de lo que pasa en el mercado, y luego es una cuestión de saber utilizar el criterio, y apostar por la calidad.

 

Joe Lovano. Fotografía © Yerbabuena

Joe Lovano. Fotografía © Yerbabuena

Pachi Tapiz – Tomajaz: ¿Cuántas veces has estado a punto de tirar la toalla? Desde fuera las cosas no se ven igual que desde dentro, y supongo -y algo sé también al respecto- que muchas veces no es fácil luchar contra los elementos… y no digo más.

Pilar Chozas: Esta trabajo te da lo bueno de hacer lo que te gusta, de hacerlo con pasión involucrándote tanto que haces tu vida de ello. Al mismo tiempo eso es lo que complica todo cuando tienes que trabajar en un mercado que no lo pone fácil, y dependes de las administraciones que son las que deciden lo que se hace.

Yo he tenido la suerte de poder trabajar muchos años y hacerlo con un criterio y una calidad que para mí es muy importante. La toalla se quiere tirar muchas veces tanto por los músicos como por las administraciones. Pero la pasión por esta música y poder escuchar 90 minutos en directo de un gran concierto echa por tierra tirar la toalla… por el momento…

 

Jason Moran © Sera Martín

Jason Moran © Sera Martín

Pachi Tapiz – Tomajaz: Tú tienes una visión de primera mano del jazz local y nacional… ¿Cómo ves el jazz actual a nivel de músicos y de músicas, comparándolo con el jazz de hace veinte años? ¿Y a nivel de público? ¿Existe un recambio generacional a nivel de asistentes?

Pilar Chozas: El jazz es posiblemente una de las músicas más vivas, con mayor capacidad de cambio y de sorpresa. El público que asiste a los ciclos de jazz es de lo más heterodoxo en edades y en pensamientos. Cuando un ciclo consigue una continuidad y mantiene una programación cuidada en los años el público se acostumbra a acudir a estos conciertos y les gusta sorprenderse. Muchas veces no conocen lo que van a escuchar pero saben que tendrá una calidad que cumpla su expectativa porque confían en el criterio de la programación. Esa ha sido la apuesta de Yerbabuena y eso nos ha ayudado a seguir 21 años después.

El jazz a nivel local y nacional vive su mejor momento, son muchísimos los profesionales que se dedican a esta música con ofertas de los más variadas, hay mucha gente haciendo cosas muy interesantes. Hay mucho donde elegir, por eso tener criterio es más importante que nunca. Vivimos una cultura del “me gusta” pero no se puede confundir lo “más visto” con lo “mejor”.

Pachi Tapiz – Tomajaz: Por los ciclos de Pamplona como Jazz en la Calle, pero sobre todo JazzFermín, han pasado figuras importantes… ¿nos puedes relatar alguna anécdota que se pueda contar especialmente notable?

Pilar Chozas: Unas cuantas con muchísimos y grandísimos músicos. Pero un guiño que quiero hacer en especial es a nuestro gran amigo “Cifu” cuando vino a JazzFermín en 2013 a presentar el concierto de Ignacio Berroa. Siempre me decía “…No tires la toalla nunca niña..”

 

Johnny Griffin © Yerbabuena

Johnny Griffin © Yerbabuena

Pachi Tapiz – Tomajaz: Una pregunta que es también obligada: ¿cuáles son los conciertos de los que guardas un recuerdo especial?

Pilar Chozas: Yo soy una romántica y guardo muchas cosas… me pasa también con los recuerdos.

Jeanne Lee me impresionó en 1999, una grandísima dama del Jazz.

Nicholas Payton en 2001; conocer a Alain Jean Marie fue un descubrimiento, él ha tocado con todos los grandes.

El concierto de Rosa Passos en 2003, con sus 13 rosas…que tuve que buscar por todas las floristerías en plenos sanfermines… Jonny Griffin en 2004, un leyendon. ¡El concierto de Chucho Valdes y Javier Colina en plenos sanfermines y un silencio que se respiraba! Tener a tres grandes como Joe Lovano, Dave Liebman y Ravi Coltrane en el escenario del JazzFermín. Otras grandes leyendas como Benny Golson y McCoy Tyner. Pedro Iturralde en varias ocasiones. De los últimos conciertos que yo organicé el de Chris Potter con Jason Moran fue espectacular, y también el concierto de Bill Evans. Justo en esos momentos escuchas una voz desde dentro que dice “merece la pena”. Son los que se quedan en la memoria para siempre. No puedo dejar pasar por alto los conciertos locales que han presentado sus proyectos en este escenario y por supuesto a nuestro querido Javier Colina, siempre ahí.

 

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Jazz en la Calle 2015. © Yerbabuena

Pachi Tapiz – Tomajaz: Con tu experiencia, ¿qué consejo darías a quien quiera organizar un ciclo de jazz?

Pilar Chozas: Nosotros, desde Yerbabuena, concebimos la organización de un ciclo de jazz la desde la sensibilidad, el criterio, la calidad y conocer el mundo del jazz, el mercado, la actualidad. y no pretender ganar mucho dinero tal y como están las cosas. Es algo incompatible. Organizar un ciclo de jazz no es coger el teléfono y llamar a lo primero que te ofrecen. Requiere muchas mas cosas.

Pachi Tapiz – Tomajaz: ¿Qué les pedirías a las administraciones para que te dejen realizar tu trabajo?

Pilar Chozas: No todo el mundo puede saber de todo, creo que lo más importante para alguien que desempeña un cargo público es saber asesorarse adecuadamente. En este mundo hay mucho tiburón que sólo mira por sus intereses pero también hay gente más humilde que trabaja desde el cariño por lo que hace. Las administraciones tienen que saber qué es lo que quieren y por qué van a apostar. Tener un criterio claro es lo único que puede dar continuidad a las cosas.

Entrevista: © Pachi Tapiz, 2016
Fotografías: Yerbabuena y Sera Martín.




INSTANTZZ: Chris Potter Quartet (Jamboree, Barcelona. 2016-04-20)

  • Fecha: Miércoles, 20 de abril de 2016
  • Lugar: Jamboree
  • Componentes:
    Chris Potter Quartet
    Chris Potter, clarinete bajo, saxos tenor y soprano
    David Virelles, piano
    Joe Martin, contrabajo
    Marcus Gilmore, batería

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© Joan Cortès, 2016




David Virelles: Mbòkó (ECM, 2014)

 

David Virelles_Mboko_ECM_2014La música cubana no forma parte del catálogo de ECM. Virelles se introdujo en la discográfica alemana por su participación en el disco Wilsawa del Tomasz Stanko New York Quartet y ese mismo año 2013 en The Sirens de Chris Potter. En su anterior trabajo Continuum (Pi Recordings 2012) nos invitaba a un viaje abigarrado y exuberante por el mundo de la santería cubana a través de un uso del sonido preñado de simbología tribalista.

Es justamente esa recuperación de la memoria colectiva de los ancestros, en contraste con un enfoque musical moderno, lo que nos retrotrae al choque cultural que supuso el sincretismo afro-colonial. Unas breves y enigmáticas notas apuntan la singularidad antropológica que le inspira:

“Los Indiobones que llegaron a Cuba traían el recuerdo de la Voz en su Mente y formaron Efik Butón”.

Hace bien el músico en no dar muchas más pistas, manteniendo así los secretos de una tradición cuyos códigos pervivían dispersos entre sectas y ceremonias ocultas hasta la unificación de “liturgias” en la Regla de Rocha de 1936. Los indiobones eran los jefes supremos de un grupo étnico de esclavos traídos desde África. En esa frase, que contiene los términos Efik y Butón, podemos buscar algunas repuestas. Los éfik introdujeron los cantos abakuá entre 1821-1860 a través de sociedades secretas que se reunían en “juegos de barrio”: butón. De hecho el titulo del disco, Mbókò, significa “la voz” como “fundamento” en la cultura abakuá. Esclavos llegados a Cuba precedentes de distintos lugares y por tanto distintas etnias Llegaron de tierras del valle del Níger (los carabalíes, recordar el clásico Bruca Maniguá de Arsenio Rodríguez), de Costa de Marfil, de la llamada Costa de Oro o simplemente Costa de los Esclavos. También de la cuenca del río Congo, los llamados congos. La unificación lingüística se materializó en el yoruba, que pertenecía al grupo social más numeroso – del mismo nombre-, venían de Togo y Guinea y respondían al término Lucumí.

Toda esta riqueza cultural y geográfica aquí apenas esbozada nos sirve para desplegar el frondoso mundo de los Orishas, deidades de los esclavos traídas de África que conectaban la naturaleza y los ancestros al mismo tiempo hacían pervivir sus orígenes politeístas dentro del cristianismo imperante. En sus ceremonias, entendimiento y emociones -llevadas al trance por repetición e intensidad creciente del ritmo- quedan sujetas a la intervención de unos códigos y unos ritos en los que la música y sobre todo los tambores juegan un papel fundamental.

Como Jarrett adivinó ha pintar en ideogramas para su lejano y en cierto modo primitivista Spirits (1985), tres décadas más tarde y con un grupo que dobla contrabajos y añade percusión a batería, David Virelles nos ofrece en este disco, subtilulado “Musica sagrada para piano”, un caleidoscopio sonoro del afrocubanismo, profundizando en esa identidad sincrética y llevándola a un nivel de percepción temporal distinto, trascendiendo el mensaje musical en forma de oración . Aquí no sólo es la percusión y las voces quienes invocan al pasado, sino que el grupo como colectivo forja un lenguaje de hoy en el que armonía, percusión  y espacio trazan un escenario suntuoso y telúrico. de dioses y hombres.

Si uno deja volar la imaginación y penetra en este ritual renovado que nos propone, puede sentir la influencia de Oyá, el orisha del viento, de Obatalá, el creador de la tierra  y escultor del ser humano, o de Yemayá, madre de los hijos de la tierra y hacedora del ritmo. Cuba ya late en el interior de ECM.

© Jesús Gonzalo, 2015

Músicos: David Virelles (piano), Thomas Morgan y Robert Hurst (contrabajo), Marcus Gilmore (batería), Román Díaz (biankoméko, voz).

Temas: “Wind Rose (Antrogofoko Mokoirén)”, “The Scribe (Tratado de Mpegó)”, “Biankoméko”, “Antillais (A Quintìn Bandera)”, “Aberiñán Y Aberisún”, “Seven”, “Through The Divination Horn”, “Stories Waiting To Be Told”, “Transmission”, “The Highest One”, “ Èfé (A María Teresa Vera)”.

Grabado en diciembre de 2013 en Nueva York. ECM Records




40º Aniversario de Bimhuis [Noticias]

Bimhuis by Esther Cidoncha

El pasado mes de octubre de 2014 Bimhuis, el local de Amsterdam (Holanda), cumplió su 40º aniversario. Inició su andadura como local de conciertos de la asociación de músicos BIM. Tras cambiar a su nueva localización en 2005, su número de conciertos y actividades se ha incrementado notablemente hasta llegar a unos 300 eventos anuales tanto de carácter local y nacional, como internacional. Entre ellos se incluyen conciertos, talleres, sesiones o conciertos para niños, incluyendo la realización de grabaciones para radio y televisión. Algunos de los conciertos internacionales programados para la celebración de su aniversario son los protagonizados por grupos y músicos como The Bad Plus, Kenny Barron – Dave Holland, Wadada Leo Smith, Aruan Ortiz Quartet, Jason Moran & The Bandwagon, Marc Ribot Trio, James Carter Organ Trio, Flamenco Bienal 2015, Enrico Pieranunzi, Miguel Zenón Quartet, Chris Potter, Jamie Saft, Anthony Braxton Trio o Fred Hersch Trio. Otras actividades son el refuerzo de las conexiones con otras ciudades como Londres, Berlin, Oslo o Chicago por medio de conciertos. Otras actividads que sirven para promocionar su actividad son la publicación de CD grabados en este local, una nueva radio por internet (con emisiones en directo y bajo demanda), exposiciones, conferencias y proyección de películas, documentales y conciertos.

Texto: © Pachi Tapiz, 2015
Fotografía: © Esther Cidoncha, 2015




John Hollenbeck, Alban Darche, Sébastien Boisseau, Samuel Blaser: J.A.​S.S. (Yolk Records, 2014)

coverjasswebSu primer concierto lo tuvieron en el verano de 2011 en Berlín, donde reside Blaser, luego fue grabado durante una residencia en Nantes en 21012 y allí finalmente fue grabado. Grupo que cita con cada una de sus iniciales uno de los nombres bautismales del jazz, JASS es mucho más que una brillante y única combinación transatlántica que une la modernidad del jazz de tradición francesa (Texier, Portal, Sclavis)y el neoyorquino.

JASS es, por encima de adscripciones geográficas o culturales, una fórmula química hecha de cuatro compuestos que reaccionan para dar lugar a una sustancia nueva y poderosa. Espacios abiertos o leídos, compenetración instantánea, juego de espejos, empuje, precisión e imaginación expresiva​ son las llaves de una música original (Hollenbeck, Blaser, Darche) tan gozosa y viajera​ (África) como inclasificable.

Cualquier combinación de temas que elijamos serviría para abrir una ventana que dejaría al oyente asombrado por la imaginación y la capacidad comunicativa de esta música. “Tricéphale” y “Saj`s” (Darche) remite el primero al Henri Texier amable de Mosaic Man y el segundo a una especie de samba-gamelán. “Recurring Dreams/Santiago” (Blaser) es todo empuje y nervio cosmopolita, con una intensidad trasformadora que abre otros pasajes. Si bien Hollenbeck juega más con texturas y planos colgantes en “Limp Mint”, enJazz Envy”, tras superar un comienzo misterioso y temploroso, adopta como en “no.D” desde el comienzo un pulso de modernidad destilada del funk que recuerda por momentos los años 90 y en concreto, con ese groove, la obra de Peter Berstein en Sex Mob.

Si bien Blaser y Hollenbeck no necesitan presentación, siendo ambos figuras determinantes en la nueva expresividad del jazz en este joven siglo, quizá sí sea necesarios unos apuntes sobre sus otros dos compañeros, cuyas carreras se han desenvuelto en la escena gala. Alban Darche es un saxofonista de inspiración free aunque de perfiles melódicos contorneados y definidos, siguiendo la estela que podría dejar Joe Lovano. Su combinación con el trombón inabarcable y gaseoso de Blaser, cuya intensa y vibrante interacción recordará algunos momentos a Robin Eubanks con Chris Potter, conducen los temas por terrenos de una gran capacidad plástica, en un juego de espejos que favorece una comunicación natural.

Sébastien Boisseau es el basculador imprescindible que imprime empuje y nervio, de sonido claro redondo y robusto, el contrabajista es cofundador junto a Alban Darche del sello Yolk Records donde se registra este disco. En su largo historial de colaboraciones en el jazz de ambos lados del océano, que dan una idea del amplio espectro estético que abarca, destaca haber compartido escenarios con Daniel Humair, Joachim Kühn, Michel Portal, Marc Ducret o Kenny Werner.

Si Hollenbeck y Blaser están abriendo nuevas canales de expresión en la modernidad del jazz a través de la síntesis otras culturas (Claudia Quintet/ Meredith Monk) y de nuestro pasado musical (Consort In Motion), en un peldaño distinto pero correlativo se sitúa y significa JASS.

© Jesús Gonzalo, 2014

John Hollenbeck, Alban Darche, Sébastien Boisseau, Samuel Blaser: J.A.​S.S

 Músicos:

Samuel Blaser (trombón), Alban Darche (saxo tenor), Sébastien Boisseau (contrabajo), John Hollenbeck (batería y percusión).

Composiciones: “Recurring dreams”; “Saj’s”; “Jazz envy”; “Water”; “Limp mint”; “Driving license”; “No D”; “Miss Universe 2031”; “It began to get dark”; “Tricéphale”.

Publicado en 2014 por Yolk Records.

 




Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2007

Tomajazz recupera… Chris Potter: el buscador de retos, por Arturo Mora

 

Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2007

Chris Potter
© Sergio Cabanillas, 2007

ARTURO MORA: Supongo que improvisar sobre estas métricas extrañas también debe ser un reto.

CHRIS POTTER: Sí, creo que es una buena forma de retarnos a nosotros mismos, porque no puedes tocar las cosas que ya conoces, tienes que encontrar algo nuevo que funcione bien en este entorno, así que de algún modo es un buen reto, sí.

Leer: Chris Potter: el buscador de retos, por Arturo Mora Publicado originalmente en octubre de 2007.




Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2006

Tomajazz recupera… Chris Potter: the challenge seeker, by Arturo Mora

Chris Potter © Sergio Cabanillas, 2006

Chris Potter
© Sergio Cabanillas, 2006

ARTURO MORA: Does the use of odd meters influence you when composing for the band?

CHRIS POTTER: Yes, that was an area that I was beginning to explore before I joined the band. I think it’s a sort of a process from where we’re evolving, growing. Someone would bring in a tune in a certain meter, it feels uncomfortable for a while, and then we figure out we can get more and more comfortable with it, more free, and that adds to our vocabulary for the next song. I think it’s grown over the years.

Leer: Chris Potter: the challenge seeker, by Arturo Mora Publicado originalmente en octubre de 20017.




Gil Goldstein - Under Rousseau's Moon

Tomajazz recomienda… un arreglo: “Donna Lee” en bulería (Gil Goldstein, 2006)

Gil Goldstein - Under Rousseau's MoonUn-DOS-un-dos-TRES-cuatro-cinco-SEIS-siete-O-chonueve-DIEZ. Así cuentan los flamencos los doce tiempos del ritmo de bulería, y así lo interpreta la sección rítmica de Gil Goldstein en su inspiradísimo arreglo del “Donna Lee” de Charlie Parker, para llevárselo después a terrenos cubanos. Don Alias y Richard Bona sustentan una melodía más polirrítimica que nunca. Grabado en directo en el Blue Note de Nueva York, en Under Rousseau’s Moon Goldstein capitanea una banda de lo más variado (trompeta, tenor y trío de cuerda junto a vibráfono, bajo eléctrico, percusión y el acordeón y piano del líder), con Chris Potter, Randy Brecker y Mike Mainieri dando caché a una sesión redonda. Goldstein se gusta de lo lindo dando la vuelta como un calcetín a temas del repertorio de Jaco Pastorius. Curiosísimo el unísono violín-vibráfono en un “Donna Lee” para recordar. Y eso que tanto Parker como Jaco ya lo pusieron difícil.

© Adolphus van Tenzing, 2013

Gil Goldstein: Under Rousseau’s Moon. Live At The Blue Note (Half Note 4527)