HDO 337. Improvisando aquí y allá… Léandre – Minton, Freenetics, Noble – Silver, Gallardo… [Podcast]

La entrega 337 de HDO está centrada en propuestas cuyo factor común es transitar por terrenos de la improvisación. Suenan Léandre – Minton (Joëlle Léandre – Phil Minton; FOU Records, 2017); Underground PM (Freenetics: Ferrán Besalduch, Joan Antoni Pich, Pep Mula; Discordian Records, 2017); Home (Steve Noble, Yoni Silver; Aural Terrains, 2017); imatges (Jesús Gallardo; Liquen Records, 2017); Mein Freund der Baum (Florian Stoffner, Paul Lovens, Rudi Mahall; Wide Ear Records, 2017).

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




365 razones para amar el jazz: un disco. Marcel·lí Bayer: 1680 (Discordian Records, 2014) [8]

Un disco. Marcel·lí Bayer: 1680 (Discordian Records, 2014)

Seleccionado por Jesús Mateu Rosselló.




HDO 143. Visiones de jazz: Jeremy Pelt / Memoria Uno / Murray Allen & Carrington Power Trio. 3X3 (05) [Podcast]

Jeremy Pelt_Jive Culture_High Note_2016 Memoria Uno_Cook For Butch_Discordian_2016 Murray - Allen - Carrington Power Trio_Perfection_Motema_2016

#Jiveculture (HighNote, 2016) de Jeremy Pelt (a quien acompañan Ron Carter, Billy Drummond y Danny Grissett). Cook For Butch (Discordian Records, 2016) de Memoria Uno que bajo la dirección de Iván González reunió a Valentín Murillo, Albert Cirera, Marcel·lí Bayer, Julián Sánchez, Alex Reviriego, Ramon Prats, Marco Mezquida, Oriol Fontclara, Tom Chant, Frederic Filiatre, Pol Padrós, Marc Cuevas y Oriol Roca. Finalmente Perfection (Motema, 2016) por el Murray – Allen – Carrington Power Trio, o lo que es lo mismo, David MurrayGeri AllenTerri Lyne Carrington: efectivamente, un power trio en toda la extensión de la palabra. Todo ello, muy recomendable, en la quinta entrega de la serie de entregas 3X3 del podcast HDO.

Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




HDO 121. Juan Saiz: sus palabras y sus músicas [Podcast]

Juan Saiz 01 - (Salvador Cabré - photography)

Juan Saiz (1986) es un joven flautista cántabro que aunque ya había aparecido en algunas grabaciones como Crisis (Discordian Records, 2014) de Memoria Uno, o Vertebrats (Bebyne Records, 2014) de David Mengual Free Spirits Big Band, es en este inicio de 2016 cuando ha mostrado su magnífica capacidad como improvisador, líder y compositor mediante la publicación de su grabación en solitario Sound Of Caves (autoeditado, 2016), su dúo con Samuel Hall centrado en la libre improvisación titulado ARCTOR (Alina Records, 2016), y el estreno del cuarteto Pindio (en el que le acompañan Marco Mezquida, Álex Reviriero y Genís Bages), titulado H.C. en el sello británico Leo Records. Un hecho nada desdeñable puesto que en el sello que dirige Leo Feigin Anthony Braxton ha publicado algunas de sus mejores grabaciones, y el Art Ensemble of Chicago o Cecil Taylor también son algunos de los músicos y grupos que han grabado allí.

Pachi Tapiz charló con este músico acerca de sus tres grabaciones, sus influencias y sus próximos proyectos. Como complemento a sus palabras suenan músicas de Pindio (que ya había sonado con anterioridad en HDO), Sound Of Caves y ARCTOR (un nuevo añadido al interesante catálogo gratuito de Alina Records).

Texto: © Pachi Tapiz, 2016
Fotografía de Juan Saiz: © Salvador Cabré, 2015

HDO es un podcast (de momento, aunque todavía sigo esperando ofertas para valorar la forma que tomará como futuro programa de radio convencional) que está ideado, editado, producido y presentado por Pachi Tapiz, que tomó su impulso final gracias a LL y que está en activo desde finales de julio de 2016 en su primera fase de prueba en la que podríamos calificar como “Temporada 0”, y en activo regularmente desde septiembre de 2016.

Esto es lo que suena en HDO 121: Sintonía de entrada; La cueña les cabres; Entrevista a Juan Saiz por Pachi Tapiz; Female’s Mind; XXL; El país de las maravillas; Ámbar; The Mind Is Essentialy a Duel; To Feel the Vacuun; Freek; Sintonía de despedida

Juan Saiz_The Sound of Caves_autoeditado_2016 Pindio_H.C._Leo Records_2016 Sam Hall - Juan Saiz_Arctor_Alina_2016

Los temas, las grabaciones, los músicos

  • “La cueña les cabres”, “Females’s Mind”, “XXL”
    Pindio: H.C. (Leo Records, 2016)
    Juan Saiz, Marco Mezquida, Álex Reviriego, Genís Bages
  • “El país de las maravillas”, “Ámbar”
    Juan Saiz: The Sound Of Caves (autoeditado, 2016)
    Juan Saiz
  • “The Mind Is Essentialy a Duel”, “To Feel the Vacuun”, “Freek”
    Juan Saiz – Samuel Hall: Arctor (Alina Records, 2016)
    Juan Saiz, Samuel Hall



El Pricto, la voz de Discordian. Entrevista por Pachi Tapiz. HDO (0056) [Audioblog]

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Pachi Tapiz entrevista a El Pricto, que además de saxofonista y clarinetista, compositor y líder de proyectos como Filthy Habits Ensemble, es el alma máter de Discordian Records en tareas de productor de una discográfica que con más de ochenta referencias ha servido para remover, activar y promocionar la escena barcelonesa de vanguardia, sea esta del rock, del jazz o de la libre improvisación. Tras 45 minutos de charla y como complemento a las palabras, música, música y más música con la primera parte de una selección musical del netlabel realizada por El Pricto en la que suenan temas de Bruitage, Reptilian Mambo, Agustí Fernández – Mats Gustafsson – Ramon Prats, Filthy Habits Ensemble, Albert Cirera & Ulrich Mitzlaff, Ken Vandermark – Agustí Fernández, Free Art Ensemble, Agustí Martínez – Eduard Altaba – Quicu Samsó, Filthy Habits Ensemble, Memoria Uno, Discordian Community Ensemble, Agustí Fernández – Don Malfon, Marcel·lí Bayer, Agentes 53210 y Slaughter Five.

Texto © Pachi Tapiz, 2015
Fotografía: © Joan Cortès, 2015

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog -o algo similar, sea lo que sea- editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.
 

 

01_Bruitage_Bruitage_Discordian Records_201102_Reptilian Mambo_it's peeling time_Discordian Records 03_Agusti Fernandez - Mats Gustafsson - Ramon Prats_Breakin The Lab_Discordian Records 04_Filthy Habits Ensemble_Plays Stravinsky_Discordian Records 05_Albert Cirera - Ulrich Mitzlaff_Cròniques 2_Discordian Records 06_Ken Vandermark - Agustí Fernández_Interacting Fields_Discordian Records 07_Free Art Ensemble_Cap de Toro_Discordian Records 08_Agustí Martínez - Eduard Altaba- Quicu Samsó_Phantom Wall Syndrome_Discordian Records 09_Filthy Habits Ensemble_Gruesome Routines_Discordian Records 10_Memoria Uno_Crisis_Discordian Records 11_Discordian Community Ensemble_Desierto Impecable Vol.1_Discordian Records 12_Agustí Fernández - Don Malfon_Fortress_Discordian Records 13_Marcel·lí Bayer_1680_Discordian Records 14_Agentes 53210_Agentes 53210_Discordian Records 15_Slaughterhouse-Five_Slaughterhouse-Five_Discordian Records

Los temas, las grabaciones, la música

  • “Effet #1”
    Bruitage: Bruitage
    Pablo Rega, Tom Chant, Javier Carmona
  • “Reptilian Mambo #4”
    Reptilian Mambo: It’s Peeling Time
    El Pricto, Don Malfon, Vasco Trilla, Javier Carmona
  • “Don’t Mess With The Reactor”
    Agustí Fernández – Mats Gustafsson – Ramon Prats: Breakin The Lab!
    Agustí Fernández, Mats Gustafsson, Ramon Prats
  • “Marche du Soldat”
    Filthy Habits Ensemble: Plays Stravinsky
    Pablo Selnik, El Pricto, Don Malfon, Tom Chant, Natsuko Sugao, Jo Miramontes, Sebi Suárez (McKayhan), Vasco Trilla aka Thriller
  • “Piruettes of a Quartz Grain”
    Albert Cirera & Ulrich Mitzlaff: Cròniques 2
    Albert Cirera, Ulrich Mitzlaff
  • “Hyperconductive”
    Ken Vandermark + Agustí Fernández: Interacting Fields
    Ken Vandermark, Agustí Fernández
  • “To AEC parte II”
    Free Art Ensemble: Cap de Toro
    Iván González, Julián Sánchez, Pol Padrós, Oriol Fontclara, Tom Chant, Albert Cirera, Àlex Reviriego, Marc Cuevas, Ramon Prats, Arnau Obiols
  • “Cerdoflauta”
    Filthy Habits Ensemble: Gruesome Routines
    Pablo Selnik, El Pricto, Agustí Martínez, Don Malfon, Tom Chant, Jo Miramontes, Director Wilkins, Sebi Suarez, Vasco Trilla
  • “Conducción #5”
    Memoria Uno: Crisis
    Ivo Sans, Carlos Falanga, Marc Cuevas, Alex Reviriego, Johannes Nästesjö, Nicola Lancerotti, Marco Mezquida, Julián Sánchez, Pol Padrós, Alvar Monfort, Darío García, Aram Montagut, Amaiur González, Marcel·lí Bayer, El Pricto, Sergi Felipe, Tom Chant, Gonzalo Levyn, Joan Mas, Luiz Rocha, Pau Domenech, Valentin Murillo, Juan Saez, Gerard Marsall, Alfonso Fernández, Joäo Silva, Gessami Martín, Stefan Pöntinen, Javier Lecha, Alba Navarro, Violina Pauleta, Alicia Dominguez, Miriam Fernández, Fina Izquierdo, Jordi Claret, Margarida Mariño, Sandrine Robillard, Pilar Rueda, Ana Karent
  • “Afuera”
    Discordian Community Ensemble: Desierto Impecable Vol.1
    Iván García, Natsuko Sugao, Pol Padrós, Tom Chant, Don Malfon, Pablo Rega, Núria Andorrà, Vasco Trilla
  • “Heavy Artillery”
    Agustí Fernández / Don Malfon: Fortress
    Agustí Fernández, Don Malfon
  • “Els Enemics De La Llibertat”
    Marcel·lí Bayer: 1680
    Marcel·lí Bayer
  • “La mujer del baúl”
    Agentes 53210: Agentes 53210
    Pol Padrós, Iván González, Julian Sánchez, Marc Cuevas, Ivo Sans
  • “Trafalmadorian Perspectives”
    Slaughterhouse-Five: Slaughterhouse-Five
    Agustí Martínez, Tom Chant, Xavier Díaz Herrera, Miguel Serna, Javier Carmona, El Pricto



Albert Cirera: su voz y su música. Entrevista por Pachi Tapiz. HDO (0051) [Audioblog]

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El saxofonista Albert Cirera es una de las figuras emergentes del jazz y la libre improvisación en nuestro país, aunque en estos momentos está residiendo en Lisboa (“la nueva Berlín” según sus palabras). Es la mitad de Duot (grupo al que no hace mucho escuchábamos en HDO con motivo de la entrevista al baterista Ramon Prats), integrante del Free Art Ensemble, y participante en el proyecto Memoria Uno. En 2015 ha dejado unas muestras muy interesantes de su actividad improvisadora en la serie de discos a dúo que con el título genérico de Cròniques ya ha publicado tres volúmenes (con grabaciones a dúo junto a Alvaro Rosso, Ulrich Mitzlaff y Olle Vikströmm ), y que en breve verá la cuarta entrega con un dúo de Cirera con el violinista Carlos Zingaro.  Otros proyectos en los que ha participado últimamente son la tercera entrega de los encuentros promovidos por el sello Underpool. En breve verán la luz nuevas grabaciones en las que participa, como la continuación del proyecto que lidera de nombre Albert Cirera & Tres Tambors, entre otras.

Pachi Tapiz charló telefónicamente con el músico en mitad de la gira de Duot con el guitarrista Andy Moore acerca de los conciertos junto al guitarrista de The Ex, de los proyectos ya mencionados y de otra serie de cuestiones. Tras las palabras del músico suenan sus músicas. No lo hacen las de Duot o del Liquid Trio (que Cirera y Prats forman junto al pianista Agustí Fernández), puesto que se pueden escuchar en la entrega de HDO dedicada a Ramon Prats. Sí suenan temas de las tres grabaciones a dúo Cròniques 1, 2 y  3; las tres grabaciones ya publicadas a nombre del Free Art Ensemble (Free Art Ensemble, Live At Jamboree, Cap de Toro); Crisis del proyecto Memoria Uno, y la “Suite Galiana” al completo, que fue su aportación en forma de composición a Underpool 3.

Texto: © Pachi Tapiz, 2015
Fotografía de Albert Cirera: © Joan Cortès, 2014

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Underpool 3_Underpool 3_Underpool_2015 Albert Cirera - Alvaro Rosso_Croniques 3_Discordian_2015 Albert Cirera - Olle Vikström_Croniques 1_Discordian_2015 Albert Cirera - Ulrich Mitzlaff_Croniques 2_Discordian_2015 Free Art Ensemble + Agusti Fernandez_Free Art Ensemble + Agusti Fernandez_Autoeditado_2013 Free Art Ensemble_Cap de Toro_Discordian_2015 Free Art Ensemble+Agusti Fernandez_Live At Jamboree_Discordian_2014 Memoria Uno_Crisis_Discordian_2015

Los temas, las grabaciones, los músicos:

  • “Opening 8.1”, “Deluge at the Ants’ Nest”, “Hipismo Azteca”
    Albert Cirera & Alvaro Rosso: Cròniques 3 (Discordian, 2015)
    Albert Cirera, Alvaro Rosso
  • “Orangina”, “Magic Puma”
    Free Art Ensemble + Agustí Fernández: Free Art Ensemble + Agustí Fernández (Autoeditado, 2013)
    Free Art Ensemble: Julián Sánchez, Pol Padrós, Iván González, Albert Cirera, Oriol Fontclara, J. Manuel Leal, Marc Cuevas, Alejandro “Willy” Granados, Sergio Díaz, Ivo Sans, Agustí Fernández
  • “Questions”, “Blow Slow”
    Albert Cirera & Olle Vikström: Cròniques 2 (Discordian, 2015)
    Albert Cirera, Olle Vikström
  • “To AEC Parte I”, “To AEC Parte II”, “Little Eril”
    Free Art Ensemble: Cap de Toro (Discordian, 2015)
    Free Art Ensemble: Iván González, Julián Sánchez, Pol Padrós, Oriol Fontclara, Tom Chant, Albert Cirera, Àlex Reviriego, Marc Cuevas, Ramon Prats, Arnau Obiols
  • “Parfume de Cristal”, “Water Ceramics”
    Albert Cirera & Ulrich Mitzlaff: Cròniques 2 (Discordian, 2015)
    Albert Cirera, Ulrich Mitzlaff
  • “Conducción #5”
    Memoria Uno: Crisis (Discordian, 2015)
    Ivo Sans, Carlos Falanga, Marc Cuevas, Alex Reviriego, Johannes Nästesjö, Nicola Lancerotti, Marco Mezquida, Julián Sánchez, Pol Padrós, Alvar Monfort, Darío García, Aram Montagut, Amaiur González, Marcel·lí Bayer, El Pricto, Sergi Felipe, Tom Chant, Gonzalo Levyn, Joan Mas, Luiz Rocha, Pau Domenech, Valentin Murillo, Juan Saez, Gerard Marsall, Alfonso Fernández, Joäo Silva, Gessami Martín, Stefan Pöntinen, Javier Lecha, Alba Navarro, Violina Pauleta, Alicia Dominguez, Miriam Fernández, Fina Izquierdo, Jordi Claret, Margarida Mariño, Sandrine Robillard, Pilar Rueda, Ana Karent
  • “Suite Galiana: Waiting for Galiana / Galiana’s Mood / The Question from Galiana”
    Underpool 3: Underpool 3 (UnderPool Records, 2015)
    Pol Padrós, Albert Cirera, Noè Escolà, Rai Paz, Paco Weht, Ildefons Alonso
  • “Trumpet Piece”
    Free Art Ensemble + Agustí Fernández: Live At Jamboree (Discordian, 2014)
    Free Art Ensemble + Agustí Fernández: Julian Sánchez, Pol Padròs, Iván González, Albert Cirera, Oriol Fontclara, Jose Manuel Leal “Tete”, Ivo Sans, Sergio Díaz, Alejandro García “Wassily”, Marc Cuevas, Agustí Fernández



The Big Free Tongue: escuchar, escuchar y escuchar. Entrevista por Pachi Tapiz

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The Big Free Tongue es una formación surgida en Pamplona que en 2014 publicó Albura, su estreno discográfico, en la interesante Serie Vector del sello Clamshell Records. Unos meses después de su publicación el cuarteto formado por Iñaki Rodríguez (saxo), Jorge Abadías (guitarra), Luisa Brito (contrabajo) e Hilario Rodeiro (batería) presenta el disco en directo. No va a ser dentro de un concierto de una programación de jazz, sino en el ciclo Miradas de Música Contemporánea que organiza el Civivox de San Jorge de la capital del Viejo Reino. Hasta el momento, no ha sido habitual que los múltiples grupos y músicos que están formando la activa escena pamplonica hayan tenido una aproximación tan franca y directa a la improvisación. Pachi Tapiz entrevistó a los cuatro integrantes del grupo. Sera Martín fue la autora de las fotografías, tomadas en una soleada mañana de sábado de marzo en las calles del casco viejo de Pamplona y en La Guillotine. Un encuentro entre cafés con leche, infusiones y alguna caña, aderezado por reflexiones de todo tipo (musicales o no), incluso chistes de temática muy variada, pero especialmente en una muy agradable compañía.


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The Big Free Tongue en La Guillotina. De izquierda a derecha Jorge Abadías, Luisa Brito, Hilario Rodeiro e Iñaki Rodríguez. Al fondo, Pachi Tapiz

PACHI TAPIZ: En las enseñanzas regladas no es habitual que se estudien formalmente ni el free-jazz ni la libre improvisación. ¿Cuáles son vuestras aproximaciones a estos dos géneros? Nombres y grabaciones que os hayan llegado a influir de un modo especial.

HILARIO RODEIRO: En mis inicios, cuando me estaba formando como batería en Santiago, tuve como maestro a L.A.R. Legido. Él fue quién me mostró el camino a estos estilos y sobre todo, quién me enseñó a ver la música desde una perspectiva totalmente nueva. Poca gente me ha influido tanto y de una manera tan directa como él. Después, tirando del hilo van saliendo nombres en el camino; el trío de Paul Motian siempre ha sido una de mis referencias. Otros, como Paul Bley y Don Cherry, o Chris Speed y Augusto Piroda, te van aportando pequeñas ideas y fórmulas nuevas.

IÑAKI RODRÍGUEZ: En las enseñanzas regladas la inclusión del jazz y la música improvisada es relativamente reciente, sobre todo en el caso del jazz. De hecho se ha comenzado por establecer estas enseñanzas desde el tejado, es decir, comenzar por integrar unas enseñanzas superiores antes de implantar estas desde la base. Lo que esto está provocando es que las enseñanzas elementales y medias adolezcan de unos cauces o caminos adecuados para que las nuevas generaciones puedan acceder a estas enseñanzas superiores habiendo experimentado y conociendo diferentes momentos, estilos y formas de interpretar esta música. Por ello, en los cuatro años que duran las enseñanzas superiores de jazz hay que abordar tantos estilos dentro de esta música que es imposible profundizar bien en todos. El gusto personal lleva a cada músico a seguir indagando en el camino que considera. En mi caso desde la primera vez que escuché el disco Free Jazz de Ornette Coleman y su música traté de pensar cómo habían llegado a hacer esta música y por qué en ese momento no entendía nada de lo que allí pasaba; también me encantan Paul Bley, Paul Motian y también músicos más actuales como Chris Speed.

JORGE ABADÍAS: La única aproximación al free ha sido en jams en Zaragoza, cuando nos juntábamos en jams con los colegas y nos poníamos a tocar, y sálvese quien pueda. Más tarde aquí en pamplona con la Free Da Orkestra de Alejandro Mingot.

LUISA BRITO: Es verdad que en las enseñanzas regladas no se da mucha importancia a tocar de esta forma, pero yo creo que todos los músicos llevan eso dentro. Creo que incluso es más primario no tener que seguir patrones preestablecidos. Creo que sí que se tenía que hacer alguna asignatura para tocar más libremente.


Albura - The Big Free Tongue

PACHI TAPIZ: En vuestros currículum como músicos, el free jazz y la libre improvisación son unos géneros en el que hasta este momento no habíais tenido ninguna incursión, al menos que hubiera sido registrada formalmente. ¿Cómo surge el grupo Big Free Tongue y la grabación Albura?

HILARIO RODEIRO: En mi caso, si bien es cierto que hasta la fecha no había grabado un disco completamente “free”, siempre ha sido una forma de expresarme en mis composiciones y en mis proyectos personales. Si no registramos grabaciones y no se nos ve habitualmente en directo interpretando en el estilo, es en gran parte por la casi nula acogida que suele tener en locales y festivales de la zona. La situación actual no ayuda a que este tipo de propuestas salgan bien paradas.

IÑAKI RODRÍGUEZ: Jorge, Luisa y yo formamos parte de un proyecto llamado Saltas Por Algo donde la libertad tenía un peso importante y con el que actuamos por durante bastante tiempo. De aquel proyecto surgió el disco Quédate a gusto para el sello Nada Producciones con composiciones de Jorge Abadías, así que ya habíamos experimentado con la libre improvisación. Hilario también ha participado en proyectos de libre improvisación en Galicia, así que cuando Ana Maestrojuán me propuso musicar su obra de teatro titulada Tres Árboles de Piedra tuve muy claro a qué músicos quería llamar para hacerlo. Tras varias charlas con Ana surgió un tema al que llamé “En el limbo”, que resultó ser el hilo conductor del disco y de la obra de teatro. La obra tiene varios momentos donde esta forma libre de interpretar la música permite dar rienda suelta a las emociones y conseguir impactar emocionalmente en el público. Por eso decidimos grabar los textos de la obra en el ensayo, llevarlos al estudio y tocar sobre lo que los mismos nos sugiriesen. Así lo hicimos. Fredi Peláez nos puso por los cascos estos momentos de la obra. El resultado inicial fue muy interesante, pero Ana sabiamente decidió que como el tema “En el limbo” cerraba la obra, tratásemos de improvisar libremente pero tomando como hilo conductor la melodía del mismo. Así lo hicimos y de repente surgió la magia. Y lo que iban a ser unas tomas para la obra, se convirtió en un disco. La conexión entre los cuatro era tan fuerte que decidimos dejar el micro abierto y desnudarnos musicalmente dejándonos llevar por la música. Hubo tomas de hasta 35 minutos de las que salimos extenuados y sudando como pollos. Pero estábamos conectados. Tras escucharlo unas semanas después cada uno en su casa, nos dimos cuenta de que cada momento de la grabación se conectaba con el siguiente y de que debíamos mostrar este trabajo a la gente. Así que contacté con El Pricto de Discordian Records y le mostré en trabajo. Le gustó y aunque no encajaba en este sello, que está centrado en lo que sucede en Barcelona, me dijo que podría encajar muy bien en el Sello Clamshell Records de Pablo Correa. Me pasó su contacto y le envié la grabación. Me pareció una persona que ama esta música y conectamos desde el minuto uno. Le encantó y decidió incluirla en la serie Vector, así que todo fue sobre ruedas.

El nombre albura surgió porque evoca la parte viva del árbol y esta música está muy viva. Hilario es un enamorado de la botánica y nos pareció interesante asociar cada momento sonoro a las características de cada árbol. Por tanto Hilario podrá explicarte mejor este asunto.

JORGE ABADÍAS: El grupo lo armó Iñaki para la grabación de unos cortes para una obra de teatro. Al final de esa sesión dejamos el micro abierto y… sálvese quien pueda.

LUISA BRITO: Fue muy espontáneo todo. Estuvimos a la mañana en el estudio grabando para la obra de teatro. Sabíamos lo que íbamos a hacer. Como nos sobró tiempo, después de comer volvimos al estudio y dijimos: ” ¿ahora qué? Pues vamos a tocar algo, lo que nos salga”. Y la verdad es que lo pasamos tan bien que dijimos, bueno, pues nos gusta lo que hemos hecho aquí, vamos a editarlo. Y la verdad es que estamos muy contentos porque para mí es una experiencia nueva y voy descubriendo cosas, como músico a la hora de tocar de esta manera. El disco está editado siguiendo el orden de lo que grabamos. Hicimos algunos cortes para que se pueda pasar de una pista a otra, pero tal y como está es tal y como fue grabado.


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PACHI TAPIZ: ¿Cuál va a ser vuestro enfoque a la hora de presentar este trabajo en directo? Si no estoy equivocado, el germen de todo está en una grabación para una obra de teatro. ¿Son los árboles, la naturaleza el leit-motiv que va a servir de inspiración para la propuesta del grupo?

HILARIO RODEIRO: A mi modo de ver, imposible saberlo. En la grabación se trabajó un fragmento de un tema de Iñaki como idea recurrente que se desarrolla a lo largo de todo el disco. Es probable que el diseño del disco y el concepto de los árboles funcionando como títulos de los temas del disco también nos puedan influir de alguna manera, pero al margen de todo esto, la música siempre se desarrollará de una forma totalmente espontánea.

IÑAKI RODRÍGUEZ: El leitmotiv es la interpretación libre de la melodía “En el limbo”. Tras reflexionar sobre como mostrar este proyecto en directo, nos dimos cuenta de que la música que emana de cada uno de nosotros al tocar de esta manera tan libre tenía mucho que ver con los árboles, la paz que transmiten, toda la historia que esconden, los sonidos, olores del bosque, el ruido del viento sobre ellos… Por todo esto preparamos unas proyecciones con bosques, árboles creciendo, y nos lanzamos a mostrarlo y experimentarlo en un concierto en la sala de conferencias de la librería Katakrak de Pamplona. Decidimos no interactuar con las imágenes sino que apoyasen la puesta en escena y así tratar de que el proyecto reflejara lo más fielmente posible aquel momento en los estudios Potokko de Beasáin, donde lo más importante era la melodía y la conexión mutua para tratar de expresarnos a través de la música.

Intentamos buscar algunos puntos de apoyo sobre los que sustentar la puesta en escena del disco de manera que el resultado sea un viaje de 50 minutos de música ininterrumpida. Vamos experimentando con nuevas propuestas de expresión cuando nos juntamos e intentamos que todo sea lo más parecido a esa sensación primigenia que nos unió e hizo surgir este proyecto, esa sensación de libertad, de no saber qué va a suceder, el gusto por la melodía y su deconstrucción, por la consonancia y la disonancia, el buscarse, encontrarse y volver a escapar para encontrarse de nuevo, el salto al vacío y el sentir que hay alguien abajo que te va a rescatar para volver a saltar juntos de nuevo…

En los directos la música fluye naturalmente, sube y baja de intensidad; es más o menos melódica, y siempre está presente en nuestra cabeza la melodía “En el limbo”; en definitiva, es un viaje de aproximadamente 50 minutos donde el espectador puede disfrutar de un momento único que no se volverá a repetir de la misma manera.

JORGE ABADÍAS: Escuchar, escuchar, escuchar y escuchar y puede que tomar alguna iniciativa.

LUISA BRITO: Lo primero es intentar seguir la onda que tenemos en el disco. Yo lo que veo es que hay determinados momentos en que coincidimos todos de una manera que se forma como un… cómo decirte… un punto de agarre muy fuerte. Y entonces eso al final se te queda en la cabeza y lo puedes utilizar a la hora de tocar en directo. No va a ser igual, porque no puede serlo, pero sí que hay una base. Y luego se pueden aportar ideas. Me acuerdo que Hilario en un ensayo nos propuso hacer como una especie de canon. O sea, uno comienza con una idea, y cuando se cambia de idea, el siguiente coge la idea anterior y así sucesivamente… no va a ser un canon como los de Bach (risas). Pero esa es la idea: se pueden hacer muchas cosas.


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PACHI TAPIZ: ¿Qué supone para un músico la posibilidad de trabajar dentro del free-jazz o la libre improvisación? ¿La libertad de lo que está por ser creado?… ¿El miedo por no saber qué es lo que vendrá, lo que se puede definir como el vértigo del folio en blanco?

HILARIO RODEIRO: Expectación. Sorprenderse a uno mismo. Emocionar y ser emocionado. Felicidad a partir de la primera nota y hasta el último silencio.

IÑAKI RODRÍGUEZ: Después de esta grabación y pese a haber experimentado antes con el free y la libre improvisación me di cuenta de que de esta forma de expresarme me permitía conectar con mis amigos y compañeros de viaje de una manera distinta a la que acostumbro. Podía dejar de un lado la forma para centrarme en la melodía y una escucha mucho más atenta de lo que sucedía a mi alrededor; por tanto sentía una forma de hacer música muy honesta. Me sentía muy “yo mismo” haciéndolo, es como desnudarse y dar lo más profundo de ti a la gente, pero compartiéndolo a la vez con otras tres personas con las que estás dialogando desde lo más profundo de tu ser. Te están escuchando, tú les escuchas, tienes todos los sentidos a flor de piel e intentas que entre todos la música llegue al espectador y pueda sentir lo que tu estás viviendo. La mejor manera de que la gente entienda de lo que hablo es que venga al concierto, y trate que esta emoción y el respeto absoluto que nos profesamos cada uno de los integrantes de este proyecto llegue a ellos, lo sientan, y olviden sus problemas cotidianos por un momento. En estos 50 minutos de viaje puedes dejar el estrés en la puerta, apagar el móvil y dejarte llevar por el sonido, las melodías, la comunicación… Solos tú y la música.

JORGE ABADÍAS: Es una necesidad, una reproducción de actos cotidianos como conversar, escuchar un disco, ver una película, discutir contigo mismo, una extensión de nuestra realidad que no es otra que la constante necesidad de sentirnos bien, formando parte del maravilloso cosmos, aunque uno sea una infinitésima parte de fragmento del mismo. Estás engranado en él y ahí disertas.

LUISA BRITO: Sí, pero yo creo que en este caso una está tocando con gente que ya conoce, que me aporta muchas cosas, y con la que tengo muy buena conexión a nivel personal y emocional. Creo que es muy difícil que ocurra lo del vértigo del folio en blanco. Yo lo que te puedo decir es que mientras estoy tocando hay momentos en que arranco con una idea, y otros momentos en que no me queda otra que cesar mi intervención y dejar espacio a los demás. Entonces ahí es cuando podría eventualmente pasar lo del momento en blanco, pero no llega a pasar porque alguien viene siempre con alguna otra idea y tu lo sigues. Es muy orgánico todo. Yo creo que lo de quedar en blanco es muy difícil que pase. Aunque a ver si luego me va a pasar (risas)… No es fácil encontrar el equilibrio de cuánto tocar y cuánto no tocar. Por ejemplo, después de haber grabado observo que hay momentos en que yo estoy mucho rato sin tocar. Me acuerdo de que estaba escuchando a los tres y me pareció que estaba bien así, que no hacía falta el contrabajo. Además, cuando estás tocando no tienes noción de si está pasando mucho tiempo o no. Después de escuchar la grabación, te dices que igual tenía que haber entrado antes… Pero cuando estás ahí, estás escuchando, ves que está bien lo que están tocando tus compañeros y te dejas llevar por eso. Cuando estás tocando esta música tienes que estar pendiente para lograr ese equilibrio.


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PACHI TAPIZ: Pamplona está en los últimos años teniendo una eclosión jazzística muy interesante. Hay proyectos de brass-bands, jazz que se podría denominar mainstream, propuestas que se centran en la música tradicional local, y en los últimos meses aproximaciones al free y a la improvisación libre. Vosotros estáis en medio de esa ola, ya que tocáis distintos grupos que se mueven por esas corrientes estilísticas. Desde fuera resulta como mínimo sorprendente, así que me gustaría que explicaseis qué es lo que ha ayudado a que esto esté sucediendo.

HILARIO RODEIRO: Desde luego, el que los músicos nos animemos a sacar del local de ensayo a este tipo de formaciones es fundamental. Casi todos los improvisadores y fanáticos del free siempre nos dedicamos a tocar todo tipo de estilos, más o menos conservadores, pero pocas veces tenemos oportunidad de llevar esto a un escenario. Sobran ideas pero faltan cauces para poder darles salida. No creo que haya aumentado la escena de free jazz. Sencillamente, no había ningún sitio donde poder mostrarlo. Como ejemplo, la librería Katakrak ha concentrado en poco tiempo muchos conciertos de estos estilos, nos cede un espacio para que puedan suceder este tipo de propuestas, gracias a su buena disposición y a su mente abierta. Al público que se le da este tipo de oportunidades se le sorprende de verdad, no se lo espera; pero se va contento.

IÑAKI RODRÍGUEZ: La verdad es que en los últimos años cada vez más músicos hemos decidido echar raíces en nuestra tierra y apostar por desarrollarnos aquí como músicos. Muchos de nosotros hemos estudiado en Conservatorios Superiores esta música y ahora impartimos clases. La realidad es que en la mayoría de los casos compaginamos la docencia con nuestra faceta artística. Si no tienes lo primero es difícil vivir de tocar al no existir circuitos estables. Algunos compañeros han tenido tristemente que emigrar y buscar trabajo fuera de su tierra ante la imposibilidad de encontrar un trabajo en lo docente que le permita desarrollarse profesionalmente y le dé esa base económica para poder desarrollar su faceta artística cada día peor retribuida y con menos circuito. Queda mucho trabajo por hacer en la cultura en este país tristemente.

Es cierto que en escuelas y Conservatorios Superiores gran peso del estudio de centra en el bebop y el hard bop. Para mí no tienen suficiente peso la tradición, la música de New Orleans, es decir, la esencia de esta música llamada jazz. En seguida se pasa a Charlie Parker sin haber interiorizado antes la esencia. Saltamos varias décadas en el estudio y conocimiento de esta música. Por otro lado, no se profundiza en otros muchos estilos y no demasiado en la libre improvisación, que evidentemente no es únicamente la música de Ornette Coleman (pieza clave y fundamental en la eclosión de este lenguaje), ni en buscar medios de expresión donde cada uno pueda ser más el mismo y sentirse libre. Con esto no quiero decir que un músico que toca música tradicional, bebop… no pueda sonar a él mismo o sentirse libre, sino que es bueno conocer estos modos de expresión, experimentar con ellos y luego decidir de qué manera te sientes más cómodo o realizado cuando interpretas música. Si te paras a pensarlo, es difícil abordar un siglo de música y estilos en cuatro años, ¿no? Por eso es complicada la enseñanza de esta música y debería trabajarse en desarrollar adecuadamente la enseñanza de la misma desde la base, desde las escuelas de música, enseñanzas profesionales, pudiendo así abarcar un abanico más grande de formas de expresión.

Por otro lado la libre improvisación no goza de la popularidad de otras músicas, y aquí entraríamos en el debate de por qué esto es así, el papel de la educación en esto, si es una música para músicos o no… Lo que está claro es que dentro de la música, la que tiene la improvisación como base, quizás no es la que más público arrastra.

En Pamplona muchos de los músicos que actualmente grabamos discos nos gusta la tradición, el swing, el bebop, el hard bop, el jazz contemporáneo, el free... En definitiva nos gusta el jazz, nos gusta la música al margen de todas las etiquetas que les queramos poner, y nos gusta tocar.

Por todo esto surgen proyectos como por ejemplo la Broken Brothers Brass Band, con la cual podemos interpretar temas de New Orleans con influencias de grupos como la Rebirth Brass Band, Dirty Dozen Brass Band, o experimentar en este formato con la libre improvisación, mixturada con temas de Monk, rap, samplers… El amar la tradición de esta música e interpretarla en absoluto está reñido con la libre expresión.

Por otra parte, Alejandro Mingot ha puesto en funcionamiento un Colectivo de Libre Improvisación llamado Free Da Orkestra con el que asiduamente nos juntamos para trabajar y donde mediante la libre improvisación tratamos de llegar al público a la vez que experimentamos y tratamos de expresarnos. Esto no ha surgido de la nada, sino de la inquietud de muchos de nosotros desde hace muchos años por esta y otras formas de expresión.

Otros músicos como el tristemente fallecido Mauro Urriza también han experimentado con la libre improvisación, y no precisamente hace unos meses sino que ese trabajo llevaba tiempo gestándose, al igual que muchas otras propuestas que por circunstancias no tienen gran repercusión mediática o en salas o festivales.

En realidad, los conciertos, jam sesions, ensayos con amigos, y las distintas formas de ver la música de cada persona hacen que surjan proyectos interesantes. Es una pena que no existan circuitos estables donde poder mostrar nuestros proyectos y poder desarrollarlos mejor, aunque siempre buscamos un camino para mostrarlo a la gente y reinventarnos cada día.

Por otro lado el hándicap sobre todo en Navarra de la libre improvisación es la dificultad para encontrar circuitos que apuesten por esta forma de expresión. En breve, el día 23 de Marzo presentaremos el disco Albura en el Ciclo Miradas de Música Contemporánea que organiza el Civivox de San Jorge, a quienes agradecemos el haber apostado por este proyecto; pero salvo este, no tenemos nada cerrado a la vista pese a haber llamado a muchos festivales especializados en libre improvisación o no.

En Navarra actualmente hay una gran actividad jazzística, y fruto de ella están surgiendo grabaciones y proyectos de gran nivel. Eso sí, no hemos de olvidar que la gran mayoría de los casos esas grabaciones son costeadas por los propios músicos, que hacen un gran esfuerzo para registrar sus obras sin más pretensión que seguir creando y evolucionar, a la espera de que alguien apueste por ellos. Sí es cierto que existen en Pamplona algunos Ciclos anuales que apuestan por el jazz, pero ante esta eclosión de buenas propuestas deberían abrirse circuitos para mostrar los proyectos por nuestra tierra. El jazz cuando se programa gusta, y la gente acude a las citas. Tenemos una infraestructura enorme en Navarra de Casas de Cultura y auditorios donde esta música apenas tiene cabida.

JORGE ABADÍAS: Gracias a la hermandad entre los músicos. Hay un ambiente brutal de gente con grandes ideas, y si le sumas esa fraternidad, el resultado es inevitablemente proyectos diversos y una gran escena creativa.

LUISA BRITO: Yo no soy de aquí. Llevo en Pamplona unos seis o siete años… No recuerdo exactamente. Cuando llegué ya noté que en comparación con otras ciudades había un movimiento que estaba comenzando. Yo creo que el hecho de que haya un Grado Superior de jazz aquí, y otro en Donosti, que está a una hora de aquí, ha ayudado mucho. También está la asignatura Introducción al jazz en el Grado Medio. Todo eso ha ayudado a este movimiento de músicos que dices, que se mueven por varios estilos. Es una pena que a nivel de apoyos no existan más oportunidades. Otro factor que nos impide hacer más cosas es que cuando se graba un disco, a menos que se haya ganado un premio, los músicos lo tenemos que financiar todo. Es difícil. Por eso digo lo de los apoyos en este sentido… y en el otro. Debería haber más ciclos de jazz y de otras músicas también. Al final parece que la gente acaba por hacer las cosas en familia. Nos echamos un cable unos a otros, pero desde arriba no hay mucho apoyo. A ver cómo sigue Pamplona en los próximos años, porque yo creo que se está haciendo una tarta de música muy interesante, con muchos colores.

Entrevista: © Pachi Tapiz, 2015
Fotografías: © Sera Martín, 2015
Agradecimiento a La Guillotine




INSTANTZZ: Marcel·lí Bayer (Jamboree, Barcelona. 2015-02-17)

Presentación de 1680 (Discordian Records)

  • Día: martes 17 de febrero de 2015
  • Lugar: Jamboree, Barcelona
  • Componentes:
    Marcel·lí Bayer: clarinete, clarinete bajo y saxo alto
    Alexandra Garzón: visuales

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Fotografías: © Elena Márquez, 2015




Marcel·lí Bayer: 1680 (Discordian Records, 2014)

Marcel.lí Bayer. 1680Tercer disco como líder del saxofonista y clarinetista Marcel·lí Bayer. En el año 2010 sorprendió con el disco Nonitz (Quadrant Records, 2010) en el que formó un noneto espectacular para interpretar once temas de Lee Konitz. Además, no contento con el proyecto en sí, consiguió que el mismo Konitz participara en algunos de los temas del disco. Tres años más tarde, presentó Les Narracions (Whathabout Music, 2013), proyecto con un cuarteto de lujo: Marco Mezquida al piano, Martin Leiton al contrabajo y Ramon Prats a la batería: ¿se puede pedir más? Finalmente, y a pocos días de que acabe este 2014, presenta un disco muy especial: 1680 (Discordian Records, 2014)

“Escribo la música de mis discos pensando en los músicos que van a participar, en los timbres de sus instrumentos y en sus personalidades. Pero esta vez, al tratarse de un disco en solitario, lo he hecho pensando en la resonancia y en las características sonoras del espacio, un sitio único y mágico”*

1680 son 25 pequeñas composiciones para instrumentos de viento grabadas en la ermita de Sta. Eugènia de Relat de Avinyó (Bages), por lo tanto, estamos hablando de un proyecto personal muy concreto y arriesgado. Y no por estas características es “difícil de escuchar”. Si de momento algo caracteriza a Marcel·lí Bayer es su apuesta clara por la melodía (tanto escrita como improvisada) como bien se puede escuchar en sus proyectos como líder mencionados o por sus participaciones como sideman como el proyecto ISSCJMKMB de Ivo Sans donde sigue explorando el sonido Tristano o su participación en el primer disco de Underpool Records donde podemos escuchar su buen hacer en todos los temas. Las 25 piezas de 1680 son pura melodía (podría hacer tres excepciones, pero incluso en ellas, diría que hay melodía; escuchen si no la penetradora “l’eròtica del poder”). Y esto engrandece más el proyecto, que se podría enfocar de manera más experimental, cosa que hoy en día sería incluso algo más lógico, pero Bayer sigue (muy acertadamente) su instinto.

Escuchar este proyecto evoca algo casi evidente. La espiritualidad. Y no lo digo a modo de creencia ni por asomo. Lo digo en el sentido de percibir cierto “algo” a través de las notas que ejecuta Marcel·lí Bayer y este “algo” se une y se filtra en mí. Recibo hordas de tranquilidad en prácticamente todo el disco. Aunque a veces, esta puede mutar en emoción. O en intensidad.  O en cualquier sensación realmente… La reverberación de la música que sigue sonando milésimas de segundo una vez ejecutada es algo realmente mágico. Nuevamente digo espiritual. Muy a destacar la calidad de sonido (a cargo del mismo Bayer). Hay momentos en los que casi notamos los labios de Bayer junto a nuestros oídos. Se puede escuchar prácticamente como la saliva del músico entra por la boquilla mediante el soplido. Se puede escuchar la respiración y los ligeros sonidos percusivos de los dedos mediante la digitación. Es algo muy cercano. Casi un pase privado en persona. Todos estos pequeños detalles impregnan la música de humanidad… de calidez… de veracidad…

Para acabar, un pequeño apunte en relación a la técnica del autor. Efectivamente es excelente (incluso utiliza la respiración circular), pero quiero destacar que en el caso que nos ocupa, no es importante ni determinante. El autor busca una conexión entre él y el escuchante, y la ubicación de la grabación es una fuente de inspiración evidente. Se funde composición e improvisación. Aspecto complicado que dota de más profundidad a la grabación. Por cierto, los cuarenta y siete minutos se me hacen cortos (entiéndase en el buen sentido)

Todo mi respeto y admiración por llevar a cabo un proyecto tan diferente, tan real, tan arriesgado en estos tiempos de menosprecio musical. 1680 es una grabación que rebosa autenticidad. Uno de los discos del año sin ninguna duda.

 © Jesús Mateu Rosselló, 2014

Marcel·lí Bayer: 1680

Marcel·lí Bayer (saxo soprano, alto, tenor y barítono, clarinete y clarinete bajo)

“Proemi”, “Efectes timbrats”, “La catifeta”, “Le drepeau noir”, “La tete de la course”, “Kiss Me Like You Miss Me”, “I, Mentrestant, en Claudi S’abraçava al seu daguerrotip”, “This Is Our Last Call”, L’Uri i els arbres”, “Els indocumentats”, “Poseu flors a qui duu la destral”, “Avant La Lettre”, “Petit interludi sobre la teulada”, “L’aire de les capsetes”, “Ibon vs. Ivonne”, “L’eròtica del poder”, “El repòs del Krakatau”, “Abecedari serbocroat”, “Casi un tango”, “Babangida samurái”, “L’Olivier contra el món”, “Doves With No Path To Follow”, “Azuwe Namba”, “Señorita Bonita” y “Els enemics de la llibertat”

Todos los temas compuestos y producidos por Marcel·lí Bayer.

Grabado en la ermita de Sta. Eugènia de Relat de Avinyó (Bages) los días 9 y 10 de septiembre del año 2014. Editado en 2014 por Discordian Records.

*Texto original en catalán en la página Web oficial de Marcel·lí Bayer: “Escric la música dels meus discs pensant en els músics que hi participaran, en els timbres dels seus instruments i en les seves personalitats.  Aquesta vegada, però, en tractar-se d’un disc en solitari, ho he fet pensant en la ressonància i en les característiques sonores de l’espai, un lloc únic i màgic”.




Agustí Fernández, Mats Gustafsson y Ramon Prats: Breakin The Lab! (Discordian Records, 2014)

Fernandez - Gustafsson - PratsNo me tiembla el pulso al escribir que Agustí Fernández es uno de los mejores pianistas a nivel mundial, absoluto maestro de la libre improvisación y excelente compositor. Pocos son los que pueden presumir de una producción tan increíblemente fértil tanto en cantidad como en calidad y es que solo en 2013 hay once referencias del pianista mallorquín, todas ellas, sin excepción, de una calidad innegable. En esta reseña voy a analizar precisamente una de estas once grabaciones.

Grabada en el mes de abril y editada por Discordian Records Breaking The Lab! es una sesión realizada en la emblemática sala Jamboree de Barcelona, y es que Agustí Fernández tuvo ‘carta blanca’ durante cinco martes seguidos en los que, evidentemente, pudo hace absolutamente lo que le dio la gana. En el segundo pase del día 23 de abril de 2013, el pianista se acompañó del saxofonista Mats Gustafsson (The Thing, Fire!, EFG Trío…) y del baterista Ramon Prats (Duot, Sindicato Ornette…). El pianista, muy consciente de ello, anexó dos músicos que no habían trabajado nunca juntos y que además pertenecen a diferentes generaciones.

Estamos en lo de siempre, me veo casi obligado a decir que este directo precisa de la máxima atención del oyente si se quiere disfrutar de todo su esplendor. Esta recomendación, que no debería existir, realmente se tiene que aplicar a cualquier disco, pero lo digo y remarco especialmente para este trabajo y en general, para la libre improvisación. Hay matices imposibles de percibir si no hay la concentración necesaria. La intensidad se puede convertir en estrés si no la dejas entrar. Por el contrario, en los momentos más relajados, puede aparecer el tedio si no se implican todos los sentidos.

Empieza el concierto arrollando todo lo que encuentra a su paso. Imagino por momentos la sala Jamboree y veo a todo el público pegado a sus sillas casi sin aliento (incluso acojonados) y es que el primer tema de la sesión, pasados unos dos minutos de breve introducción, no da casi ni un segundo para respirar. Es un ejercicio potentísimo en el que sus tres creadores se recrean y no se dejan nada. Diez minutos de pura poesía anti-melódica. En mi caso, que no estoy en el pasado sentado en la sala, sino en mi casa en rara soledad, cierro los ojos y sigo imaginándome (dentro de lo que cabe) lo que pudo suceder aquella noche… pero es inútil. No tiene sentido. Finalmente me centro en lo que sale de los altavoces y gozo. El resto de la sesión es acorde a lo que estoy diciendo. En una palabra sencilla. Libertad.

Acabado el disco reflexiono. Pienso que lo bello de estas grabaciones es que el músico quiere expresar algo concreto (o no). Pero puede que el público perciba algo totalmente diferente. Hay descarga de tensión, de emoción, de rabia, de alegría. ¿Quién percibe que? La implicación es mutua siempre y cuando se esté por la labor.

Breaking The Lab! Es un arrollador y excelente ejercicio de libre improvisación en el que sus tres componentes están en estado de gracia. Tres bestias en sus instrumentos. Música creada al momento, sin seguir ningún patrón establecido y sacada de sus propias vísceras.

Para finalizar, doy las gracias a la gente de Discordian Records, la labor que están realizando es vital para que estás grabaciones se puedan inmortalizar y editar, y así, permanecer en el tiempo.

 © Jesús Mateu Rosselló, 2014

Agustí Fernández, Mats Gustafsson & Ramon Prats: Breaking The Lab!

Agustí Fernández (piano) Mats Gustafsson (saxo soprano y saxo barítono) Ramon Prats (batería)

“Breaking The Lab!”, “Contamination Control”, “Don’t Mess With The Reactor”, “Uncommon Pataphysical Phenomena” y “Safety Measures?”
Todos los temas compuestos por Agustí Fernández, Mats Gustafsson y Ramon Prats.

Grabado el 23 de abril de 2013 en la sala Jamboree de Barcelona. Publicado por Discordian Records.