Adam Schneit Band: Light Shines In (Fresh Sound New Talent, 2016) [CD]

El primer disco siempre ocupa un lugar especial en el grueso de la carrera musical. Implica la presentación en sociedad del conjunto musical. La impresión ha de ser lo más positiva. De igual modo, su lanzamiento suele estar envuelto en la ambiciosa ilusión del principiante. No obstante, no sólo los neófitos han de cumplir estas premisas. Puede tratarse de un músico experimentado. Puede tratarse de un nuevo comienzo.

Light Shines In es el título del debut del saxofonista Adam Schneit. Todo un conocido de la escena neoyorquina. Colaboró con músicos de la talla de Jesse Peterson o Jacob Sacks, entre otros. Asimismo, lideró el grupo Old Time Musketry en una gran aventura de fusión de estilos. Junto a él, figuran en el disco Sean Moran a la guitarra, Eivind Opsvik al contrabajo y Kenny Wollesen a la batería.

Comienza este Light Shines In con el tema “A Clearer View”. Tras un estupendo riff en sol, se suceden nueve minutos jazzísticos perfectamente ejecutados. Destaca con creces el encaje de saxofón y guitarra. “Different Times” continúa el disco con un sensacional ritmo post-bop. De tempo más acelerado que la antecesora, la tensión imperante es realmente atractiva. “Old Time Musketry”, a modo de homenaje al ya citado grupo, cuenta con un buen groove funky. La calidad del dúo rítmico de Opsvik y Wollesen es más que notable.

La cuarta composición del disco, de título “Hope For Something More” es una de las sorpresas del disco. De corte melancólica, cede protagonismo al clarinete en detrimento del saxofón. Un tema que recuerda por momentos al Eric Dolphy más meloso. Las líneas en do a la guitarra de Moran, una vez más, rozan la matrícula de honor. “Light Shines In” sigue en la misma línea. No por ser la canción más corta, con cuatro minutos escasos, pierde influencia en el cómputo del álbum. Mejor aún, da lugar a un admirable solo de contrabajo por parte de Opsvik.

“My Secret Hobby” es la segunda sorpresa de este Light Shines In. Difícilmente se puede discernir si es el mejor tema o no. No obstante, la garra más free jazz queda más que patente. Un caballo desbocado a ritmo de distorsión y saxofonazos propios del Ornette Coleman más salvaje. El contraste es ciertamente singular. Y en él reside la calidad de este disco.

Finaliza Light Shines In con “Song For Silence”. Un corte de ocho minutos con una improvisación en tono modal jazz. Recuerda a composiciones de Jim Hall como “Deep in a Dream”. Un cierre excepcional para este debut de la Adam Schneit Band cargado de ambición y grandes composiciones. La ilusión del debutante, que no principiante, en su estado más primigenio.

Tomajazz: © Cool Cat, 2017

Adam Schneit Band: Light Shines In

Adam Schneit (saxo tenor, clarinete), Sean Moran (guitarra), Eivind Opsvik (contrabajo), Kenny Wollesen (batería)

“A Clearer View”, “Different Times”, “Old Time Musketry”, “Hope For Something More”, “Light Shines In”, “My Secret Hobby”, “Song For Silence”

Fresh Sound Records, 2016.




HDO 150. Tony Malaby – Rotozaza – KTHXBYE. Formas de improvisar [Podcast]

Tony Malaby Paloma Recio_Incantations Suite_Clean Feed_2016 KTHXBYE_details_Raw Tonk Records_2016Rotozaza_Zero_Leo Records_2016

Tres propuestas en HDO 150: Incantations (Clean Feed) de Tony Malaby (a quien acompañan Ben Monder, Eivind Opsvik y Nasheet Waits); Zero (Leo Records) del cuarteto de improvisadores alemanes Rotozaza (con Rudi Mahall, Nicola L. Hein, Adam Pultz Melbye y Christian Lillinger); details (Raw Tonk) de KTHXBYE (con Stian Larsen, Brage Tormaenen y Colin Webster). Tres caras, otras tres, de la improvisación.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Oscar Pettiford, Bill Evans, Wynton Marsalis: homenajes. HDO (0048)

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Oscalypso, Postcard to Bill Evans y (Dance to) The Early Music son, respectivamente, tres homenajes a músicos tan distintos como Oscar Pettiford (por el chelista Erik Friedlander), Bill Evans (por el pianista Bruno Heinen y el guitarrista Kristian Borring), y Wynton Marsalis (por el Nate Wooley Quintet).

Erik Friedlander_Oscalypso_Skipstone Rercords_2015Además de un contrabajista más que notable, Oscar Pettiford también fue chelista. En Oscalypso Erik Friedlander le rinde un homenaje para quitarse el sombrero. La elegancia en los arreglos (incluyendo a Michael Blake doblándose con sus saxos en momentos puntuales), y los magníficos solos de todos y cada uno de los músicos (además de Blake y Friedlander están Trevor Dunn al contrabajo y Michael Sarin a la batería) sirven para reivindicar las composiciones de Pettiford (algunas bien conocidas como “Tricotism”, “Bohemia After Dark”; otras como “Two Little Pearls” y “Cable Car” increíblemente bellas). Todo ello  consigue hacer de Oscalypso una grabación con un señorío intemporal. Uno de esos discos que una vez comienzan a sonar con “Bohemia After Dark” en el reproductor de música, no para hasta que termina con “Sunrise Sunset”.

Bruno Heinen - Kristian Borring_Postcard to BILL EVANS_Babel Label_2015Poco que añadir a la figura de Bill Evans como pianista y compositor a lo ya escrito. El pianista Bruno Heinen y el guitarrista Kristian Borring le rinden un sentido homenaje en Postcard To Bill Evans, en una propuesta que podría hacer pensar en las colaboraciones del propio Bill Evans con  Jim Hall. El grueso del repertorio es de la autoría del homenajeado (“Time Remembered”, “Peri’s Scope”, “34 Skidoo”, “Interplay”, “Five”, “Displacement”, “Show Type Tune”), aunque también hay espacio para una versión del clásico “All The Things  You Are” (en directo, en contraposición al resto del disco que está grabado en estudio), y para el tema compuesto por el pianista del que toma título la grabación. Melodías, interacción… un homenaje que se disfruta de principio a fin.

Nate Wooley Quintet_Dance to the Early Music_Clean Feed_2015(Dance To) The Early Music del trompetista Nate Wooley es un homenaje a Wynton Marsalis realizado por su quinteto, compuesto por Josh Sinton (clarinete bajo), Matt Moran (vibráfono), Eivind Opsvik (contrabajo) y Harris Eisenstadt (batería). Marsalis es muy controvertido como personaje en el mundo del jazz; como músico tiene unas capacidades técnicas innegables; como compositor, es autor de unas cuantas obras nada desdeñables. Al contrario de lo que suele ser habitual en las grabaciones publicadas por Clean Feed, en esta se incluye un texto del propio Wooley razonando las motivaciones por las que ha realizado esta grabación. No diremos aquí aquello de excusatio non petita… Sí añadiremos que Wooley (que arregla todos los temas) y compañía saben llevar esas composiciones a su campo, hacer de ellas unos terrenos de juego en los que tocar como ellos saben hacerlo -de un modo que no tiene mucho que ver con la forma de entender el jazz de Marsalis-, y salir triunfantes del envite, haciendo suyas las creaciones de este. Otro disco para disfrutar.

© Pachi Tapiz, 2015

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Los temas, las grabaciones, los músicos en HDO

  • “Bohemia After Dark”, “Tricotism”, “Two Little Pearls”, “Oscalypso”
    Erik Friedlander: Tribute to Oscar Pettiford (Skipstone Records, 2015)
    Erik Friedlander, Michael Blake, Trevor Dunn, Michael Sarin
  • “All The Things You Are”, “Peri’s Scope”, “34 Skidoo”
    Bruno Heinen / Kristian Borring: Postcard To Bill Evans (Babel Label, 2015)
    Bruno Heinen, Kristian Borring
  • “For Wee Folks”, “Blues”, “Skain’s Domain”
    Nate Wooley Quintet: (Dance To) The Early Music (Clean Feed, 2015)
    Nate Wooley Quintet: Nate Wooley, Josh Sinton, Matt Moran, Eivind Opsvik, Harris Eisenstadt



INSTANTZZ: Eivind Opsvik Overseas (Can Ramos, Festival de Jazz de La Garriga, 2015-05-16)

Fecha: sábado 16 de mayo de 2015

  • Lugar: Can Ramos, Festival de Jazz de La Garriga (Barcelona)
  • Componentes:
    Eivind Opsvik Overseas
    Eivind Opsvik: contrabajo y composiciones
    Tony Malaby: saxo tenor
    Jacob Sacks: Fender Rhodes
    Brandon Seabrook: guitarra
    Flin van Hemmen: batería

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Fotografías: © Elena Márquez, 2015




Harris Eisenstadt Canada Day en España: ¿Te lo vas a perder? ¡Te lo vas a perder! Por Pachi Tapiz

Harris Eisenstadt La RiberaEfectivamente: ¡te lo vas a perder! Y no es tu culpa, querido lector… bueno, quizás no seas el último responsable, pero a veces la respuesta por parte de los aficionados… Bien. Esta no es, al menos en esta ocasión, la cuestión. Este es el momento de hacer una reflexión inútil (seguramente) y en voz alta acerca de los programadores de jazz que nos toca sufrir en España. Lo que ha motivado esta protesta son los tres conciertos en España de Canada Day IV del baterista y compositor Harris Einsenstadt.

Lo primero que hay que indicar es que esta es una super formación de jazz contemporáneo, por mucho que tanto los términos “super formación” como “contemporáneo” hayan perdido su verdadero significado a base de manosearlos masiva e indiscriminadamente. Lo que sí evitaré es la palabra “vanguardia”, todavía más gastada que las anteriores cuando se refiere al jazz. De hecho, no son unos epítetos necesarios. Incluso aunque se obvien estas calificaciones, una formación en la que están el trompetista Nate Wooley (uno de los instrumentistas más interesantes de la última década), el contrabajista Eivind Opsvik, el saxofonista Matt Bauder, el propio Harris Eisenstadt (un excelente compositor y baterista) y el vibrafonista Chris Dingman merecería un mínimo de atención e interés, especialmente cuando como sucede en este caso, la música que desarrolla este grupo tiene una fuerte componente melódica y un preciso trabajo en el desarrollo de distintos ambientes.

Harris Eisenstadt Be BopDurante este mes de noviembre esta formación va a dar unos cuantos conciertos en Europa, tres de ellos en España. ¿Y en dónde serán esos conciertos? ¿En algunos de esos eventos que durante estos días tienen lugar en un buen número de lugares en España? Los típicos “Festival de Jazz de…” (añadase la correspondiente localidad), en el que en demasiadas ocasiones el jazz brilla por su ausencia. ¡No! Los tres conciertos van a tener lugar en el Be Bop de San Sebastián – Donosti (sábado 15), en La Ribera de Bilbao (un local abierto hace unos meses y que organiza conciertos puntualmente, el domingo 16), y en el festival que organiza por su cuenta y riesgo Jimmy Glass en Valencia (martes 18).

Sin estar directamente involucrado en lo relativo a la contratación (que Coltrane, Bird y Lady Day me libren de volver a intentar organizar ciclo alguno), he estado al tanto de las peripecias y tribulaciones para organizar estos tres conciertos, de la desesperante búsqueda de posibles locales para cerrar las fechas de las tres citas en nuestro país. Si uno observa los precios de las entradas (el concierto en San Sebastián será gratuito), no parece arriesgado pensar que el caché del grupo sea demasiado elevado como para que no se les hubiera podido encontrar un hueco en alguna otra ciudad, en alguno de los festivales otoñales. Llama la atención poderosamente que en esta minigira no estén incluidas ni Barcelona, ni Madrid.

Jimmy Glass 2014-11-18 Harris EisenstadtSi uno reflexiona acerca de los motivos que provocan la ausencia de determinados artistas en nuestros escenarios es como para echarse a temblar, o para pedir exilio en alguno de los países que nos rodean. Las ganas de huir aumentan si se tiene en cuenta que en esos festivales (públicos) se mueven unas cantidades de dinero que no son precisamente pequeñas, incluso con los recortes que ha traído la crisis. Si se investiga un poco (no demasiado), tanto acerca del propio grupo Canada Day (con varias grabaciones publicadas), como de sus integrantes, el número de estrellas que han obtenido sus grabaciones en las críticas publicadas en los medios especializados es abrumador. Esto lleva a las siguientes preguntas. ¿Es esta ausencia cuestión de ignorancia? ¿De apatía? ¿De desinterés? ¿De mantener unos intereses creados? ¿De mantener -no se sabe cuál- el status quo de esos festivales de jazz? Responder afirmativamente a cualquiera de estas preguntas es triste, muy triste. En tiempos de información a un solo click la ignorancia no debería estar permitida en los encargados en llevar adelante una programación de jazz. Tampoco son aceptables ni su desinterés, ni su apatía, ni el resto de consideraciones. Pensar en personas gestionando dinero público con indolencia, guiadas únicamente por los intereses personales, la ignorancia, la falta de curiosidad, o de otros intereses espúreos duele mucho.

Desafortunadamente el caso de Canada Day IV no es único. Son muchos los grupos que en sus giras otoñales y veraniegas por Europa no tienen una mísera parada en España. Y sí…  toda esa música tan interesante que tiene lugar en escenarios no tan alejados, ¿nos la vamos a perder?

© Pachi Tapiz, 2014

Canada Day Autumn 2014




Mary Halvorson: Reverse Blue (Relative Pitch Records, 2014)

Mary Halvorson Reverse BlueMary Halvorson es una guitarrista muy activa en la escena de Nueva York. Es poseedora de una discografía de lujo en muy pocos años. Desde sus participaciones como sideman con Anthony Braxton, pasando por el sexteto y otras formaciones del cornetista Taylor Ho Bynum, hasta colaborando con la creme de la vanguardia como Peter Evans, Weasel Walter, Nate Wooley…. Este mismo mes de octubre presenta Reverse Blues (Relative Pitch Records, 2014) Proyecto a cuarteto con la siguiente formación: Chris Speed (saxo alto y clarinete) Eivind Opsvik (contrabajo) y Tomas Fujiwara (batería)

Cuando se cruzan en una frase las palabras guitarra y jazz, el concepto inequívoco que viene a la cabeza de la mayoría es bastante concreto (grave error). y esto evidentemente se puede extrapolar a todos los instrumentos. Entonces oyes a Mary Halvorson y te sorprendes por su planteamiento. En ocasiones por su casi minimalismo al ejecutar melodías, en otras al sonar incluso punk a medio tema e incluso realizando alguna improvisación espectacular. Y no en su rapidez y limpieza (que también), me refiero a su inventiva y búsqueda de diferentes sonoridades. Es tremendamente original en el planteamiento y ejecución de notas secas y cortantes, en la creación de ambiente, en destacar de manera disimulada. Los tres músicos que la acompañan están al servicio de Halvorson interpretando tanto las composiciones de la líder (cinco de las nueve) como las de cada uno de ellos (a una por cabeza salvo Opsvik que aporta dos), en las que claro, hay mucho espacio para la improvisación, y los cuatro aprovechan sus momentos para hacer sonar notas desnudas ante la nada y que estas se paseen y se incrusten si es necesario.

Aunque para mí (muy subjetivamente) el protagonista de esta grabación es el baterista Tomas Fujiwara. Hace unos meses ya reseñamos su último disco a dúo con el cornetista Taylor Ho Bynum y ya me dejó bastante tocado. Es un no parar en toda la grabación. Te paras a escuchar la batería y quedas perplejo ante la avalancha de notas que percute. Pero no es una avalancha sin más, la palabra matiz llega a su esplendor. No hay demostración de técnica ni mucho menos. Hay mucha inventiva pero siempre acompañando a sus compañeros, incluso diría que es algo discreto. Notas la rítmica y su empuje pero solo puedes escuchar el global de su trabajo si te paras a analizar. Quedo a la espera de escuchar su inminente Variable Bets (Relative Pitch Records, 2014) trabajo como líder a trío con Ralph Alessi (trompeta) y Brandon Seabrook (guitarra).

Reverse Blue. Puede que cada tema sea la interpretación de una tonalidad diferente de color azul. Y tiene sentido ya que, aunque cada tema sigue por derroteros muy diferentes, el disco funciona como algo global, como un disco que hay que escuchar de principio a fin. Claro que se pueden escuchar los temas por separado y disfrutarlos, pero escucharlos seguidos es mucho más gratificante. Un disco muy recomendable.

 © Jesús Mateu Rosselló, 2014

Mary Halvorson: Reverse Blue

Mary Halvorson (guitarra) Chris Speed (saxo y clarinete) Eivind Opsvik (contrabajo) y Tomas Fujiwara (batería)

1. “Torturer’s Reverse Delight” (Halvorson) 2. “Reverse Blue” (Halvorson) 3. “Insomniac’s Delight” (Fujiwara) 4. “Rebel’s Revue” (Opsvik) 5. “Hako” (Halvorson) 6. “Ego Man” (Halvorson) 7. “Old Blue” (Halvorson) 8. “Ordered Thoughts Ceased” (Halvorson) 9. “Really OK” (Speed) 10. “Resting on Laurels” (Opsvik)

Grabado el 6 de diciembre de 2013. Publicado en 2014 por Relative Pitch Records RPR1025




Matt Bauder And Day In Pictures: Night Shades (Clean Feed, 2014)

Night ShadesCuando se profundiza en la carrera de Matt Bauder (Michigan 1976) se llega a la conclusión que representa un modelo de músico de jazz-saxofonista, con toda la carga  histórica que ello conlleva en esta música, fuera de los cánones del género. Vale incluso para su generación, pues muchos nombres de su edad perfilan su sonido y carrera en los términos que se espera de ellos. ¿En o por qué viene definido su estilo y actitudes? Básicamente habría que remontarse a su primer disco para captarlo. En Weary Already on the way (482 music, 2003) están apuntadas las corrientes e inquietudes que jalonan y conducen su carrera.

El punto de enlace de jazz y pop sería el binomio que lo explica a grandes rasgos. Un cruce de caminos donde se encuentran enfoques que toman prestado de forma muy destilada elementos de la Blue Note de los 60, la música africana de un Mulatu Astatke, la jamaicana del reggae que solía tocar en un grupo de dicha isla pero también del dub como técnica de prolongación sónica, el pop en que también ha hecho incursiones recientes en la gira de Arcade Fire, la contemporánea inducida por uno de sus maestros, Anthony Braxton, sí, pero más cercana al mundo de texturas y fricciones sublimadas de los europeos Ligeti o a ras de suelo y del silencio de Sciarrino, aunque también la vanguardia americana y la improvisación electroacústica-minimal, de Pauline Oliveros intervenga en esta faceta más experimental.

Un factor determinante y diferencial en él es el timbre, el color instrumental, cuidadísmo, perfectamente delineado, pulcro y redondo al que gusta, es un maestro en eso, de introducción de multifónicos, que envuelven el sonido en una perturbadora y sofisticada línea de aire granular. En el debut citado antes estaban juntos todos estos elementos, que luego ha ido desarrollando en distintos proyectos, al tiempo que enriquecía su experiencia y apreciación, todos los participantes como Nate Wooley lo han hecho, en el quinteto de Harris Eisenstadt Canada Day, grupo que se fundó y sigue teniendo a trompetista y saxofonista de protagonistas, al igual que en el disco que nos ocupa. De modo que si Day In Pictures sería la cara amable, más melódica y contagiosa (hay siempre al menos un “hit” en cada disco, aquí “Octavia Minor”, en el primero “Cleopatra´s Mood”), una especie de mirada retro al jazz y a la Blue Note (Joe Henderson) desde una actitud exquisita y pop compartida por Eivind Opsvik en su grupo Overseas, el trío Memorize The Sky, con In Former times (Clean Feed, 2008), sería la expresión abstracta y al a vez física y gaseosa en planos largos.

Paper Gardens (Porte Records, 2010) es la antesala de Day In Pictures (Clean Feed, 2011), grupo que se ha acabado imponiendo y absorbiendo dicha propuesta. Como en su excelente debut para el sello portugués, este Night Shades contiene las mismas esencias que lo definen y que se han apuntado. El quinteto, que no deja de serlo y que recuerde incluso al de Art Farmer y Benny Golson aunque la funcionalidad sea otra muy distinta, cambia a Angelica Sánchez por otra mujer al piano, Kris Davis, descubriéndonos que la canadiense se adapta bien a un contexto en el que conscientemente se cita al pasado desde una actitud retro sensual y como de “diseño de interiores”: el ya citado Joe Henderson, Coltrane  en “Rule of Thirds”, baladas de inusitada belleza en “Starr Wykoff”, las marching bands de Nueva Orleans en el tema que le da título.

Day In Pictures es un nombre lo suficientemente sugestivo para reunir pasajes y estampas muy variadas. Mirando esta portada, podría decirse que Bauder nos ofrece un producto perfectamente acabado, de líneas precisas y trazo artístico, elegante y sofisticado, falsamente clásico, algo menos rico en ángulos que el anterior pero igual de disfrutable. Se pasa en un suspiro.

 © Jesús Gonzalo, 2014

Matt Bauder And Day In Pictures: Night Shades 

Matt Bauder (saxo tenor), Nate Wooley (trompeta), Kris Davis  (piano), Jason Ajemian (contrabajo), Tomas Fujiwara (batería)

Composiciones: “Octavia Minor”, “Weekley Resolution”,  “Starr Wykoff”, “Rule of Thirdes”, “August and Counting”, “Nightshades”.

Grabado el 5 y 6 de febrero de 2013 en Brooklyn, NY. Clean Feed Records 2014. CF-289




Nate Wooley Sextet: (Sit In) The Throne Of Friendship (Clean Feed, 2013)

Nate Wooley Sextet_(Sit In) The Throne Of Friendship (Clean Feed)(Sit In) The Throne Of Friendship recoge el aspecto más jazzístico de Nate Wooley, un complemento en cierto modo a su faceta como libre improvisador. Este músico es quien se encarga de componer todos los temas, salvo uno, que es una sorprendente versión de “Old Man On The Farm” del oscarizado compositor de bandas sonoras Randy Newman (habitual en las películas de Disney – Pixar, cuyos temas han aparecido en la saga de Toy Story, Cars o Monstruos S.A.). En ese tema se plantean los elementos que se van a dar a lo largo del disco: un puñado de buenas composiciones con algunas melodías para no olvidar, que aparecen bien arregladas para un sexteto de músicos ciertamente inspirados. Es precisamente la inusual formación de trompeta (Wooley), saxo barítono y clarinete bajo (Josh Sinton), vibráfono (Matt Moran), contrabajo (Eivind Opsvik), tuba (Dan Peck) y batería (Harris Eisenstadt) otra de las dificultades con las que se podría haber encontrado, pero que sin embargo este grupo resuelve con gran solvencia. Más conocidos unos que otros, todos ellos son unos músicos con una gran proyección. Todos los temas son más que recomendables aunque la terna con que comienza el disco, con un “Old Man On The Farm” que suena a himno, “Make Your Friend Feel Loved” lleno de swing y con un arrebatador solo de Dan Peck, y el tranquilo y espaciado “The Berries”, son un inicio para recordar.

© Pachi Tapiz, 2014

Nate Wooley Sextet: (Sit In) The Throne Of Friendship (Clean Feed) ****

Reseña publicada en el número de otoño de 2013 de la revista Más Jazz.




Orrin Evans – “…It Was Beauty” / Luis Perdomo – Links / Lage Lund – Foolhardy / David Binney – Lifted Land (Criss Cross, 2013)

Criss Cross es una discográfica a la que habría que erigir un monumento. Fiel reflejo de la escena contemporánea americana, permite a sus intérpretes publicar trabajos repletos de riesgo cuya acogida, por desgracia, es bastante minoritaria, pero que contribuyen en gran medida a definir una rama destacada del árbol del jazz actual. Las grabaciones del sello tienen una personalidad especial, reforzada por la coincidencia total en el diseño de las carpetillas. Repasamos las cuatro últimas producciones de la compañía, recién publicadas en mayo de 2013 (tres de ellas grabadas en enero del mismo año).

orrin_evans_it_was_beautyOrrin Evans es un pianista atrevido. No para de buscar y le da igual a dónde le lleven sus inquietudes. En “…It Was Beauty” explora un repertorio variadísimo (originales de los miembros de la banda, blues, un espiritual, un standard…) que le permite enlazar con los cimientos del pasado. Arropado por el enérgico batería Donald Edwards y por el contrabajista Eric Revis (habitual de McCoy Tyner y Branford Marsalis, entre otros), Evans aborda territorios de libre improvisación con trasfondos casi folclóricos, navegando entre la languidez de “Rockin’ Chair”, la belleza naíf de “My Tribute”, el desparpajo del “Blues Connotation” de Ornette Coleman o la fiereza sónica de “Black Elk Speaks” o “Ellipsis”. En algunos temas hay cambio de bajista, y en dos de ellos (“African Song” y “Commitment”) Ben Wolfe se une al grupo, creando líneas contrabajísticas pseudo melódicas sobre los firmes patrones de Revis. Al grupo le gusta lanzarse sin paracaídas, cuestionar la forma y la armonía, y acabar encontrándose en algún punto del camino. No parece fácil, ni lo es, pero el resultado merece la pena.

luis_perdomo_linksNacido en Caracas (Venezuela), Luis Perdomo ha sido pieza clave en el grupo del saxofonista puertorriqueño Miguel Zenón. En Links se intercambian los papeles. Zenón hace de sideman y Perdomo afronta un repertorio principalmente orientado hacia el jazz estadounidense. La sección rítmica formada por Dwayne Burno y Rodney Green hace caminar al cuarteto con un swing encendido que combina formidablemente con un concepto armónico abierto. Da gusto escuchar con detalle a Burno y Green respondiendo inmediatamente a cualquier reclamo de los solistas (valga como ejemplo el solo de Zenón en “Waiting Time”). Perdomo domina el paisaje sonoro. Su piano está presente todo el rato, arropando a sus compañeros con ricas texturas cordales. El caraqueño brilla especialmente en el “The Organ Grinder” de Woody Shaw, y recupera el “Profundo” de su maestro Gerry Weil, deliciosamente interpretado por un Miguel Zenón que sabe ser meloso cuando la ocasión lo requiere. Entre otros momentos álgidos se encuentran el agresivo arranque del inicial “Percy’s Delight”, la cita de “The Girl From Ipanema” en el solo de contrabajo de “Enigma” y el final de “Three Card Molly” tras la improvisación de Rodney Green a la batería. “Elena” cierra el disco cual mantra, sumiendo al oyente en un estado de obsesiva tranquilidad (permítaseme el oxímoron).

lage_lund_foolhardyDel piano a la guitarra. El noruego Lage Lund es un guitarrista para guitarristas, uno de esos músicos de enorme técnica (en digitación, improvisación y composición) cuya exploración de conceptos complejos requiere una atención muy dedicada por parte del público. Tamaña empresa, junto a la gran densidad armónica presente en Foolhardy (el pianista Aaron Parks, en ocasiones escudero de Kurt Rosenwinkel, secunda a Lund en esta ocasión), hace de este CD una obra lacia, difícil, incluso pesada. Las notas al libreto de Ted Panken dicen que el solo de piano en “Unanswered Call Of The Wild” es “elegante” y que “podría servir como un estudio de libro de texto sobre tensión y liberación”. Así es el disco, un sublime estudio teórico puesto en práctica con sumo refinamiento, pero de ardua digestión. Ni siquiera la sección rítmica de lujo (Ben Street y Bill Stewart) es capaz de aportar matices diferenciadores que distraigan al oyente de un estado de sopor exquisito, pero persistente. Los tres standards que cierran la grabación aportan el contraste del swing tradicional, pero para entonces la sonoridad tímbrica ya se ha apoderado del disco y de quien lo escucha.

david_binney_lifted_landY lo mejor para el final: David Binney lleva años siendo una figura destacada del actual movimiento de jazz neoyorquino (que quizá no sea ni un movimiento ni del todo neoyorquino, pero sí actual). Técnicamente lo que hace es complejo, pero invita a ser escuchado de forma activa. Este Lifted Land parte de la pieza de 18 minutos “As Snow Before A Summer Sun”, un extracto de la obra extendida sin interrupciones que el saxofonista interpretó en el Rubin Museum of Art (Nueva York) en 2011. Se trata de una sucesión de lentos contrastes con espacios reservados a cada miembro de la banda (el contrabajo con arco de Eivind Opsvik, el gong de Tyshawn Sorey) y un final creciente de dinámicas e intensidad. El resto del CD se amolda orgánicamente. “Fanfare For Basu” convierte la explosión inicial en un motivo minimalista trabajado en estudio. Mientras “The Blue Whale” (el nombre de un club de Los Ángeles) se basa en un riff trabajado con paciencia, temas como “Curious About Texas” combinan partes minuciosamente escritas con secciones donde los solistas disfrutan de una gran libertad. “Lifted Land” o “Losing The Central Valley” cuentan con melodías detalladas, pero en general las improvisaciones no parecen muy trabadas por el contexto formal de cada tema. Ni todo es abierto ni todo está predeterminado, y es la confrontación de ambas ideas llevadas al extremo lo que hace tan atractiva la música de Binney. Impresionante el trabajo de Craig Taborn a lo largo de todo el disco.

Cuatro discos, cuatro nuevas muescas en el revólver de la compañía. El catálogo sigue creciendo y afianzándose con coherencia y determinación. Criss Cross marca un camino a seguir, y parece que seguirá haciéndolo durante un tiempo.

 © Arturo Mora Rioja, 2013

Orrin Evans – “…It Was Beauty” (Criss Cross, 2013)

“Black Elk Speaks” (Eric Revis), “African Song” (Bill McHenry), “Blues Connotation” (Ornette Coleman), “Commitment” (Orrin Evans), “Dorm Life” (Orrin Evans), “Rockin’ Chair” (Hoagy Carmichael), “Ellipsis” (Mark Hellias), “Hats Off to Rebay” (Ben Wolfe), “Ribisconsia” (Todd Bashore), “My Tribute” (Andre Crouch)

Orrin Evans (piano), Eric Revis (contrabajo) y Donald Edwards (batería), con Ben Wolfe, Luques Curtis y Alex Claffy (contrabajo).

Grabado en Systems Two Recording Studios, Brooklyn (Nueva York, Estados Unidos) el 29 de enero de 2013.
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Luis Perdomo – Links (Criss Cross, 2013)

“Percy’s Delight” (Rodney Green), “Waiting Time” (H. Danko), “Crossmind Dreams” (Luis Perdomo), “The Organ Grinder” (Woody Shaw), “Enigma” (Roland Hanna), “Three Card Molly” (E. Jones), “Melisma” (Dwayne Burno), “Paco” (Miguel Zenón), “Elena” (M. Jones)

Luis Perdomo (piano), Miguel Zenón (saxo alto), Dwayne Burno (contrabajo) y Rodney Green (batería).

Grabado en Systems Two Recording Studios, Brooklyn (Nueva York, Estados Unidos) el 20 de enero de 2013.
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Lage Lund – Foolhardy (Criss Cross, 2013)

“Tokyo”, “That It, Then?”, “Foolhardy”, “Unanswered Call Of The Wild”, “Slo Crow”, “Old Horsey”, “Holiday For Strings” (D. Rose), “Keystone” (Ron Carter), “All Or Nothing At All” (Altman/Lawrence)

Todas las composiciones por Lage Lund, excepto donde se indica.

Grabado en Systems Two Recording Studios, Brooklyn (Nueva York, Estados Unidos) el 22 de enero de 2013.
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David Binney – Lifted Land (Criss Cross, 2013)

“Fanfare For Basu”, “The Road To Your House”, “As Snow Before A Summer Sun”, “The Blue Whale”, “Curious About Texas”, “Lifted Land”, “Losing The Central Valley”, “Red Cloud” (Craig Taborn)

David Binney (saxo alto), Craig Taborn (piano), Eivind Opsvik (contrabajo) y Tyshawn Sorey (batería)

Grabado en Systems Two Recording Studios, Brooklyn (Nueva York, Estados Unidos) el 21 de noviembre de 2012.
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Scott DuBois: the tempest is coming, by Arturo Mora

Scott Dubois is one of the top modern jazz guitarists in the New York scene today. Having just released his new CD Tempest (Soul Note, 2006), he will be performing live in Madrid’s 23rd Jazz Festival. Arturo Mora had the chance to interview him before his Spanish appearance.


Scott DuBois © Sergio Cabanillas, 2006

Scott DuBois
© Sergio Cabanillas, 2006


ARTURO MORA: Tell us about your new record, Tempest.

SCOTT DUBOIS: This is my second release for the Soul Note record label and the same group with whom I recorded my debut CD Monsoon and with whom I have been touring for the past six years. My compositions have taken somewhat of a new direction from when the last record was recorded in 2002. I’m going for different textures in my writing, composition forms, rhythms, harmonies.

ARTURO MORA: There are two wind players (among Dave Liebman, Jason Rigby and Loren Stillman) in each tune. How did you decide who were the appropriate ones for each song?

SCOTT DUBOIS: I tried to hear who would be most appropriate for each piece, after considering the composition. There were a few pieces that just shouted Liebman and Loren and a few pieces that said Loren and Jason, eventually using all combinations of the three players.

ARTURO MORA: There’s an almost ethnic motive in some parts of Tempest, strengthened by Dave Liebman’s Indian flute sound. In other parts your guitar strumming reminds of a folk environment, and elements of rock and drum’n’bass can also be found throughout the recording. Do you think crossover is, today, a central element of jazz?

SCOTT DUBOIS: Absolutely. The music people are writing today in the modern jazz/improvised music scene has influences from every type of music you can imagine. This has been in jazz since the beginning when it began as a blend of European harmony and African rhythm coming together in America. I listen to almost every type of music that is out there and it just naturally flows through my pencil when I’m composing.

Scott DuBois © Sergio Cabanillas, 2006

Scott DuBois
© Sergio Cabanillas, 2006

ARTURO MORA: On November 16th and 17th you will perform live at Bogui Jazz in Madrid. What will your repertoire consist of?

SCOTT DUBOIS: It will consist of pieces from my debut CD Monsoon, pieces from my latest CD Tempest, and very recent compositions.

ARTURO MORA: What can you tell as about the band you’ll bring to Madrid?

Scott DuBois © Sergio Cabanillas, 2006

Scott DuBois
© Sergio Cabanillas, 2006

SCOTT DUBOIS: I’m excited to have this group in Madrid. It’ll be with the great Gebhard Ullmann on Tenor and Soprano Saxophone and Bass Clarinet, Eivind Opsvik on bass, and Jeff Davis on drums. Gebhard is one of my favorite sax players around today. Jeff and Eivind work together as a rhythm section with many people in New York, so they have an amazing connection and are constantly communicating and interacting at the highest level.

ARTURO MORA: How would you describe your music?

SCOTT DUBOIS: It is always hard to do that and difficult to put labels. I will leave that for the listener’s ears.

ARTURO MORA: Which is your goal when writing new music?

SCOTT DUBOIS: I’ll wake up in the morning with a melody in my head, or will be riding the subway in New York and hear a rhythm from the city that I will have to write down immediately. I just write what I hear and I go from there.

ARTURO MORA: When composing, are you aware of the time signature you are using beforehand, or does it develop from the melody?

SCOTT DUBOIS: It really develops from the initial melodic or harmonic idea that creates the piece. I generally hear a basic idea in my head and then it grows after working through it for hours, days, weeks.

ARTURO MORA: How do you decide if playing acoustic or electric guitar on a specific tune?

SCOTT DUBOIS: I usually hear the sound of either acoustic or electric over the composition and that makes the decision.

Scott DuBois © Sergio Cabanillas, 2006

Scott DuBois
© Sergio Cabanillas, 2006

ARTURO MORA: In the recent years you’re performing a lot in Europe. What would you highlight from your European experience?

SCOTT DUBOIS: I love playing in Europe. Europeans make great audiences. The highlight has been the great reception we have received from the people at the clubs and festivals. The people really have open ears and minds in Europe for modern jazz/creative improvised music and for risk-taking music.

Scott DuBois © Sergio Cabanillas, 2006

Scott DuBois

© Sergio Cabanillas, 2006

ARTURO MORA: What music are you listening to at the moment?

SCOTT DUBOIS: Where do I start? I have been checking out a lot of 20th Century Classical composers recently such as Charles Ives, Gyorgy Ligeti, and Bela Bartok. Jazz-wise, I have been listening to the Cecil Taylor/Buell Neidlinger Mosaic boxset, the Miles Davis In a Silent Way boxset, a lot of Paul Bley, an Anthony Braxton’s quartet record he did live at the Willisau Jazz Festival, Ornette Coleman, and a lot of my peers who are releasing great CDs. I’ve been also listening to a great Norwegian vocalist named Hanne Hukkelberg.

ARTURO MORA: Which current musicians do you admire the most?

SCOTT DUBOIS: I admire my peers around me doing what I am doing. There is a great scene where I live in New York and I am constantly impressed with what I hear from my peers who perform regularly at the clubs where I also play. We all feed off of each other.

ARTURO MORA: Next projects: what’s to come?

SCOTT DUBOIS: My group is going to tour Germany and Switzerland and then will record our third CD for the Between the Lines record label. We also have a tour in Italy coming up. You can always visit my website at www.scottdubois.com for more information on future projects, recordings, and tours.

 

© 2006 Arturo Mora Rioja , Tomajazz