The Gödel Codex: Oak (Off Records – Moonjune Records. 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Michel Delville y Antoine Guenet parecen mantener un maridaje de fuertes convicciones que se ha ido manifestando a través de diferentes proyectos como The Wrong Object o Machine Mass. En The Gödel Codex su apuesta es por sonidos intimistas y oscuros basados en estructuras de jazz, post-rock, Canterbury o el ambient-minimalista, cuyas influencias van desde Robert Wyatt, Robert Fripp- Brian Eno, David Sylvian e incluso Klaus Schulze.

El proyecto aporta un buen puñado de ideas propias, estructuras ideadas al milímetro y gusto por la elegancia y la belleza underground mostrándose libre y dispuesto a ser descubierto y explorado como un mundo incognito alejado de convencionalismos.

Oak solo se entiende como obra conceptual que raya a gran altura con piezas que brillan con luz propia como la pop-electrónica “Granules”, las Canterbury, “The Needle’s Eye”, “Bells”, “Can It Be” y “One Last Sound”, la frippertronica “Matisse”, la free-jazz “Stand Or Fall” donde destaca el piano de Antoine Guenet y la lejana guitarra de Michel Delville o la ecléctica “Oak Live Reprise” que funde la electrónica-minimalista con el jazz y el Canterbury y que invita al viaje cósmico a lo Klaus Schulze en la pieza final “Lux 4”.

© Enrique Farelo, 2019

The Gödel Codex: Oak

Músicos: Michel Delville (Guitarra, Guitarra Sintetizador, Loops y Electronics y vocales), Antoine Guenet (Teclados, Sintetizador, Piano, Electronics y vocales), Etienne Plumer (Batería, Percusión, Glockenspiel, Trompeta, Electronics, Sampler) y Christophe Bailleau (Electronics, Sampler en 3, 5, 9,10)

Composiciones: “Oak” (Etienne Plumer), “The Needle’s Eye” (Michel Delville), “Granules” (Antoine Guenet, Christophe Bailleau, Etienne Plumer, Michel Delville), “One Last Sound” (Michel Delville), “Matisse” (Antoine Guenet, Christophe Bailleau, Etienne Plumer, Michel Delville), “Stand Or Fall” (Michel Delville), “Bells” (Michel Delville), “Can It Be” (Antoine Guenet), “Oak – Live Reprise” (Etienne Plumer) y “Lux 4” (Christophe Bailleau)

Grabado en Estudios Sacha y en directo en CC Amay.

Publicado en 2019 por Off Records con permiso de Moonjune Records.




Chris Kase Quartet (Bogui Jazz, Madrid. 2019-03-08) [Concierto]

 

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

  • Fecha: 8 de marzo de 2019
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid
  • Grupo:
    Chris Kase Quartet
    Chris Kase: trompeta, fliscorno y EWI
    Marcos Collado: guitarra
    Ander García: contrabajo
    Miguel Benito: batería

Ya hace más de 20 años que Chris Kase llegó a España y decidió instalarse entre nosotros. Su trayectoria musical entonces ya era impresionante. Desde su elección para participar en el Concurso Internacional de Trompeta de Jazz Thelonious Monk, celebrado en Washington, DC en 1997, hasta su paso por la Mingus Big Band, colaboraciones o grabaciones con Adam Nussbaum, Kenny Wheeler, Steve Coleman, Chick Corea, Grant Stewart, Bruce Barth y los españoles Abe Rábade, Perico Sambeat, Iñaki Salvador, Mikel Andueza, Llibert Fortuny, por citar a algunos, son los rasgos que conforman su arquitectura sonora. Cuenta con ocho discos como líder, así como incontables colaboraciones. Su primer disco, editado en Estados Unidos, fue Starting Now (1994). Desde su llegada a España se suceden siete discos, desde Te espero aquí de 1999 hasta el último Let Go de 2018 (Errabal Jazz). Son muchas las formaciones en las que ha participado, y en 2014 creó en Madrid el Chris Kase Quartet.

En 2019 Chris Kase prosigue su trayectoria como uno de los más importantes del jazz español. Son muchas las virtudes que destacan en las grabaciones y actuaciones en directo de Chris Kase: unas buenas composiciones, unos magníficos arreglos y una elección minuciosa de los músicos que le acompañan. No hay duda de que sabe rodearse de músicos talentosos. Por algo es profesor de trompeta de jazz en Musikene, el Conservatorio Superior del País Vasco. Ander García (contrabajo), Marcos Collado (guitarra) y Miguel Benito (batería), constituyen un sólido trío con una contrastada carrera a sus espaldas, que responde perfectamente a las expectativas y deseos del trompetista.

En el Bogui, Chris Kase volvió a mostrar las cualidades que atesora el que sin duda es el mejor trompetista, sin desmerecer al resto de los del panorama nacional. Sin renunciar a los aspectos más característicos del hard bop, el grupo transitó por grandes espacios en los que cada componente gozó de sustanciosos márgenes para expresarse.

El concierto se abrió con la pieza “Teaser” de su último disco Let Go. Inspirado en el clásico “Star Eyes” que popularizó Charlie Parker, comienza con una perfecta introducción llena de sonoridad a cargo de Chris Kase, en donde Marcos Collado acomete su primer solo. Trompeta y guitarra avanzan sin prisas. Un dueto de guitarra y contrabajo da lugar a un elegante solo de Chris Kase.

Como recuerdo a su disco Ode (2008), siguió la pieza “Mediant Motion” interpretada con fliscorno, del que salen sonidos acariciantes a modo de balada. El tema se desarrolla con la elegancia característica en Kase y con un buen acompañamiento rítmico. Con una técnica exquisita, Chris Kase encadena con brillantez sus fraseos que se complementan con los solos de guitarra de Marcos Collado. Enlazando notas al unísono, guitarra y trompeta crean sonidos sugerentes.

En un homenaje al gran guitarrista Ralph Towner, “Out of Towner”, se vuelve a lucir Marcos Collado con un desarrollo intenso con fliscorno. El tema pasa a un acompañamiento potente de batería y contrabajo, con un tremendo solo del guitarrista.

Otra de las piezas, “Roweena”, como la anterior en el disco Let Go, comienza con trompeta con digitaciones monkianas y una gran aportación de Ander García al contrabajo en un largo solo. La trompeta retoma el tema principal y sus improvisaciones van ganando intensidad y una altura cada vez más sólida. Las aportaciones del guitarrista ponen un gran broche a este tema.

“Bookmark” es una pieza sugerente, con un gran reparto de papeles de los cuatro músicos, pero con muchos momentos para el guitarrista. Espléndido tema tocado por Chris Kase con un EWI (electronic wind instrument), y con el guitarrista perfectamente entonado.

El punto final lo puso una versión de “Song for Bilbao” de Pat Metheny, interpretada por Chris Kase de nuevo con el EWI. Un tema de mucha intensidad, en el que el guitarrista vuelve a tomar el protagonismo con un espléndido solo.

Chris Kase toca con honestidad, además de brillantez; su música es reflexiva. Su cadencia y fraseos están llenos de calidez. No necesita realizar florituras para dominar su instrumento. Su discurso transmite siempre mucha belleza. A ello se suma que el cuarteto demuestra en cada momento contar con un sólido ensamblaje de unos músicos que se conocen a fondo y así lo saben transmitir en su actuación.

 

Carlos Lara




Dayna Stephens Group (Bogui Jazz. 2019-02-27) [Concierto]

  • Fecha: 27 de febrero de 2019.
  • Lugar: Bogui Jazz. Madrid.
  • Grupo:
    Dayna Stephens Group
    Dayna Stephens: saxo tenor, EWI y sintetizador.
    Aaron Parks: piano.
    Ben Street: contrabajo.
    Jeff Ballard: batería.

Acompañado por un trío de auténtico lujo, el saxofonista Dayna Stephens inició su gira europea en el Bogui Jazz de Madrid. A pesar de ser inicio de semana, la sala presentó un lleno a rebosar de aficionados que no quisieron perderse una actuación de jazz de primer nivel. Efectivamente así fue. Jazz con mayúsculas donde hubo oportunidad para disfrutar de un amplio recorrido por los aspectos más cromáticos de esta música.

Si no estoy mal informado se trataba de la primera visita a Madrid de este músico de San Francisco, compositor y arreglista, que ha sabido ganarse el favor de la crítica gracias a sus grabaciones y sus actuaciones en los clubes más afamados del mundo. A su lado, tres grandes músicos que prácticamente no necesitaban presentación para los aficionados. Ya solamente la actuación de Aaron Parks, Ben Street y Jeff Ballard a trío sería como para no perdérsela.

Su nombre se  puede ver en innumerables discos de los mejores músicos de jazz del momento como  Brad Mehldau, Fred Hersch, Ambrose Akinmusire, Tom Harrell, Larry Grenadier, Peter Bernstein o John Scofield, entre otros. Stephens cuenta con ocho discos en el mercado como líder. En 2017 Stephens reunió a Brad Mehldau, Larry Grenadier, y Eric Harland en Gratitude, su último trabajo hasta la fecha.

 Dayna Stephens es un claro continuador de la tradición del bop. Su estilo con el saxo tenor así lo atestigua. Tanto en sus composiciones como en las versiones que interpretó, en su saxofón se aprecian aromas de los mejores músicos de la historia.

Si a ello se le añade la calidad de los músicos que le seguían, la actuación llegó a rondar por momentos un altísimo  nivel. Aaron Parks es un pianista especial dotado de una calidad en sus dedos, que es capaz de aportar como acompañante sin sobresalir  y como solista es de una expresividad apabullante. Ben Street es un joven valor que  también ha alcanzado un alto nivel y una presencia en los grupos que acompaña, y por supuesto, el veterano Jeff Ballard, con sus toques elegantes, sus sutilezas e intensidades, que encandilan, es capaz de encender cualquier escenario.

El concierto guardó un perfecto equilibrio entre los dos pases, aunque en los tres últimos temas fueron un auténtico prodigio, con los cuatro músicos intensos y llenos de improvisaciones, cada cual más bella.

Una actuación llena de calidad, digna del Bogui Jazz, con una sección rítmica brillante y un saxofonista que se mostró como el  auténtico profesional que es: un nombre muy a tener en cuenta.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Stephan Thelen: Fractal Guitar (Moonjune Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

El guitarrista y compositor suizo, miembro del grupo Sonar, Stephan Thelen lanza su primer trabajo Fractal Guitar rodeado de importantes guitarristas eléctricos, entre los que figuran David Torn, Jon Durant o Henry Kaiser y sobre todo Markus Reuter cuya participación es total a lo largo del disco.

Fractal Guitar se impregna de esencia gris hipnótica que se expande creando atmósferas minimalistas, obsesivas y frippertronicas que reposan en paisajes sonoros de oscura quietud.

Sonoridad científica del siglo XXI que converge y diverge en mil posibilidades cromático-cuánticas; enérgica, convulsa e intensa en busca del océano cósmico.

Música escrita en el cielo que se improvisa en las estrellas, que nace de un sueño ingrávido y se desarrolla en los sueños, que propone pero tú dispones, imaginas, vuelas, te inspiras y compones interactuando cuando escuchas.

Ante tanta oscuridad destaca la luz invicta ante un incesante cruce de láminas sónicas tangenciales que rayan el universo con ecos profundos.

Fractal Guitar música transpersonal que altera la conciencia, que busca, indaga y halla.

Viaja entre sus cinco galaxias, (“Briefing for a Descent Into Hell”, “Road Movie”, “Fractal Guitar”, “Radiant Day” y “Urban Nightscape”) visita, disfruta y reposa en cada una de ellas.

 

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

Stephan Thelen: Fractal Guitar

Composiciones y Músicos:

“Briefing for a Descent Into Hell”
David Torn (guitarra eléctrica y live looping), Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Jon Durant (guitarra eléctrica), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Road Movie”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Bill Walker (guitarra eléctrica y live looping), Henry Kaiser (guitarra eléctrica), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Fractal Guitar”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Barry Cleveland (guitarra eléctrica y atmósferas), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Andi Pupato (percusiones), Benno Kaiser (batería) y Stephan Thelen (guitarra fractal, bucles granulares).

“Radiant Day”
Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Barry Cleveland (guitarra eléctrica y atmósferas), Matt Tate (Bajo y guitarra eléctrica), Manuel Pasquinelli (Batería) y Stephan Thelen (guitarra eléctrica fractal).

“Urban Nightscape”
David Torn (guitarra eléctrica y live looping), Markus Reuter (paisajes y guitarra U8), Matt Tate (guitarra tàctil U8, bajo), Benno Kaiser (batería) y Stephan Thelen (guitarra fractal, órgano y muestreo).

Todas los temas compuestos por Stephan Thelen excepto “Briefing for a Descent into Hell” de Stephan Thelen y David Torn (título tomado del libro de Doris Lessing), “Radiant Day” de Stephan Thelen y Markus Reuter, y “Urban Nightscape” de Stephan Thelen, David Torn y Markus Reuter.

Grabado en varios lugares de Europa y América del Norte entre agosto de 2015 y abril de 2018.

Publicado por Moonjune Records en 2019.




INSTANTZZ: Carlos de Jacoba y Guadiana (Centro Cultural Valdebernardo, Vicálvaro, Madrid. 2019-02-01) [Galería fotográfica]

Por Enrique Farelo.

  • Fecha: 1 de febrero de 2019
  • Lugar: Centro Cultural Valdebernardo, Vicálvaro (Madrid)
  • Componentes:
    Carlos de Jacoba – Guadiana
    Carlos de Jacoba: guitarra flamenca
    Guadiana (Antonio Suárez Salazar): cante

Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




The Wrong Object: Into the Herd (An Off Records – Moonjune Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Into the Herd es el último trabajo publicado por el grupo belga The Wrong Object. Atrás quedaron cuatro trabajos de envidiable calidad y personalidad estilística.

Compuesto por nueve piezas cuya autoría son mayoritariamente de su líder y guitarrista Michel Delville que a su vez es integrante de combos como Doubt y Machine Mass.

La pista de inicio “Into the Herd” nos envuelve con el mágico sonido del rock en oposición del legendario grupo Henry Cow y lo funde con naturalidad con “A Mercy” donde el recuerdo ahora es para Frank Zappa a través de la guitarra de Michel Delville que Antoine Guenet prolonga al piano eléctrico.

“Rumble Buzz” se ordena a la manera jazzy con sucesivos solos de Michel Delville, François Lourtie y Antoine Guenet obteniendo un sonido duro y enérgico pero sutil e inteligente.

“Another Thing” comienza con una sonoridad característica del RIO (Rock in Opposition) para adentrarse en el rock Canterbury personalizado en la figura de Antoine Guenet y compartida con la guitarra corrosiva de Michel Delville que da lugar a un juego entre los saxos interactivos e intensos de François Lourtie y Marti Melia.

De sonido menos cerebral pero a la manera de Hatfield And The North, National Health o incluso Gong es “Filmic” para lucimiento de François Lourtie o Pierre Mottet y sobre todo de Antoine Guenet. “Mango Juice” se prolonga lejano en el espacio gracias al sintetizador de Antoine Guenet, Michel Delville toma el relevo con acidez lisérgica y Marti Melia y François Lourtie pujan fuerte por el control final.

“Many Lives” tiene un comienzo tranquilo marcado por el piano acústico de Antoine Guenet pero se hace denso y reiterativo con los vientos de François Lourtie y Marti Melia con final sosegado; esa misma densidad se vuelve a manifestar en “Ship of Fools” con un mayor delirio enérgico y constantes cambios de ritmo que hacen de esta composición una de las más variadas y mejor estructuradas.

La importancia de Marti Melia y François Lourtie es decisiva para el devenir del álbum y se vuelve a manifestar en el cierre de Into the Herd,  con “Psithurism” una pieza “desquiciante” de sonido seco, duro y compacto.

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

The Wrong Object: Into the Herd

Músicos: Michel Delville (Guitarra, Roland gr-09), Pierre Mottet (bajo), Marti Melia (saxos bajo y tenor, clarinete), François Lourtie (saxos tenor y soprano), Laurent Delchambre (Batería y percusión, Samples), Antoine Guenet (Teclados)

Composiciones: “Into the Herd”, “A Mercy”, “Rumble Buzz”, “Another Thing”, “Filmic”, “Mango Juice”, “Many Lives”, “Ship of Fools” y “Psithurism”.
Todas las composiciones de Michel Delville excepto “Rumble Buzz”, “Mango Juice” y “Psithurism” de Laurent Delchambre y “Many Lives” de Antoine Guenet

Grabado en el estudio 5 de Maxime Wathieu de Lieja.

Publicado por An Off Records – Moonjune Records, 2019




Yagull: Yuna (Zozemusic, distribuido por Moonjune Records 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Haciendo un poco de historia a modo de resumen de la carrera de Yagull nos encontramos con el tercer trabajo del grupo. El primero llevó por título Films con Sasha Markovic e invitados; el segundo fue Kai con Sasha Markovic a las guitarras, bajo y percusión, y su esposa Kana Kamitsubo al piano más algunas colaboraciones; el tercero es éste Yuna en el que Sasha Markovic y Kana Kamitsubo se enfrentan a su egos más intimistas y delicados capaces de trasformar una pieza de rock duro como “Sabbath Bloody Sabbath” del grupo setentero Black Sabbath, en una pieza de sonido poético y suave como la brisa. Y donde “Searching for the Moon” es el basamento perfecto que marca estilo y define un trabajo de exquisita sensibilidad y belleza, alimento sonoro para recién nacidos.

“Dawn” es el aleteo de una mariposa que vuela de flor en flor; en “Muse” disfrutamos de la serenidad y la paz de la música tranquila para espíritus inquietos; “101” se debate entre una pieza para ballet y la pasión por la riqueza de matices que van desde el blues y la insinuación tanguera.

En “Fall Winter” nos topamos con la solemnidad y la elegancia que da paso a las pasionales e intensas aguas turbulentas de “Riverwas” que nos conducen a la feliz y encantadora “Mori (Forest Song)”.

La única pieza vocal viene de la voz de Ayumi Ueda en la composición que da título al álbum, “Yuna”; armonías vocales etéreas tan tiernas que podríamos estar escuchando una canción de cuna sin ser conscientes de ello. “Yuna” es la calma que precede a la “tormentosa” “Kiri”, con la que aparentemente se cierra el disco, (a tenor de lo reflejado en la carátula) sin embargo “Searching for the Moon” es el breve broche final de la versión inicial que se diluye tras el silencio.

Yuna es emoción, es encanto, es el lirismo a corazón abierto, es el enamoramiento que te hace vibrar, es la espiritualidad hecha verbo.

© Enrique Farelo, 2019

Yagull: Yuna (Zozemusic, distribuido por Moonjune Records 2019)

Músicos: Kana Kamitsubo (piano), Sasha Markovic (guitarra y mandolina), Ayumi Ueda (voz en “Yuna”).

Composiciones: “Searching for the Moon”, “Dawn”, “Sabbath Bloody Sabbath”, “Muse”, “101”, “Fall Winter”, “Riverwas”, “Mori (Forest Song)” ,“Yuna” y “Kiri”
Todas las composiciones de Sasha Markovic y Kana Kamitsubo excepto “Fall Winter” de Kana Kamitsubo y “Sabbath Bloody Sabbath” de Black Sabbath.

Grabado en Brooklin, N.Y. en el estudio Peter Karl y Douglass, Estudio Kostadin Kamchev y Mozart, Little Falls, NJ, A. Goto y A. Ongaku Do, Kobe (Japón) y Sasha Markovic Z estudios de N.Y.
Publicado por Zozemusic y distribuido por Moonjune Records.




INSTANTZZ: Bruna Sonora (Centro Cultural Valdebernardo, Vicálvaro, Madrid. 2018-12-15) [Galería fotogáfica]

Por Enrique Farelo.

  • Fecha: 15 de diciembre de 2018
  • Lugar: Centro Cultural Valdebernardo, Vicálvaro (Madrid)
  • Grupo:
    Bruna Sonora
    Javier Bruna: saxo Tenor y composición
    Bea Montero: piano y voz
    Roberto Palacios: bajo eléctrico
    Cochán Martínez: batería
    Matías López: percusión
    Karim Kerchit: mandola y voz
    Estrella Serrano: saxo alto
    Jorge Rois: saxo barítono
    Víctor Bruna: flauta
    Carlos Blázquez: clarinete
    Antonio García: trompeta
    Luis Zenner: trombón y tuba

Tomajazz. Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




INSTANTZZ: Navegantes (JazzMadrid18. 2018-11-30) [Galería fotográfica]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 30 de noviembre de 2018
  • Lugar: Centro Cultural Valdebernardo, Vicálvaro (Madrid)
  • Grupo:
    Navegantes
    Javier Ortí: saxofones
    Joaquín Sánchez: clarinetes y flautas
    Hugo Fernández: guitarra
    Javier Delgado: contrabajo
    Jimmy Weinstein: batería

Tomajazz. Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Dwiki Dharmawan: Rumah Batu (Moonjune Records 2018) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

No muy alejado está “Rintak Rebana” de las influencias de Chick Corea y su Spanish Heart que unido a la combinación de sonidos latinos con la atmosférica guitarra del vietnamita-parisino Nguyên Lê le confieren unas pretensiones que van más allá en busca de los espacios infinitos cercanos al noruego Terje Rypdal.

“Paris Barantai” se abre con un solo de piano breve, divertido y casi infantil que da paso a un tratamiento étnico personalizado en la voz de Sa’at Syah para atacar con arrebato Dwiki Dharmawan con un solo jazzístico que nos embelesa con perfumes orientales de percusiones flotantes que se implementan con los ecos de la guitarra de Nguyên Lê regresando Sa’at Syah con su voz hipnótica y su flauta libre para cerrar el tema.

La voz de Dewi Gita y la suling flauta de Sa’at Syah nos sumergen en paisajes sonoros exóticos proponiendo un viaje al profundo oriente con un sonido que impregna aromas de intensa pasión en “Impenan”.

“Janger” es otra pieza de corte decididamente tradicional indonesio marcado por la participación de Nyoman Windha’s Gamelan Jass Jegog  y Ade Rudiana  y su percusión de mano alternándose con breves solos de Carles Benavent, Nguyên Lê, Dwiki Dharmawan y Yaron Stavi que finaliza con interactivo pulso entre la flauta de Sa’at Syah y Asaf Sirkis de aires aflamencados.

Lo que viene a continuación es una suite dividida en dos partes: “Rumah Batu Suite, Part 1 – Kaili” y “Rumah Batu Suite, Part 2 – Perjalanan”. En la primera la combinación de atmósferas tribal-lisérgicas nos embriaga con un clima denso e hipnótico de texturas y colores exuberantes que se fragmenta para dar paso a un abismo donde el piano free-jazz de Dwiki Dharmawan  interactúa con el contrabajo con arco de Yaron Stavi para dar paso a la segunda parte de la suite dominado por el avant-garde creador de ambientes y espacios lejanos adimensionales y envolventes que se funden en amplias y luminosas conversaciones entre Dwiki Dharmawan y Nguyên Lê con el apoyo de Asaf Sirkis y Yaron Stavi en una composición de fantasía delirante.

“Samarkand” es el penúltimo episodio y viene caracterizado por una estructuración a modo de  Pat Metheny y Lyle Mays donde Dwiki Dharmawan  y Nguyên Lê tejen conversaciones ricas en matices con el beneplácito de Sa’at Syah  y su flauta tradicional.

Y para terminar, por extraño que parezca, a veces los extremos se tocan, “Salamatkan Orang Utan” es el paradigma y es la paradoja donde la música de Indonesia se une a cantos tribales más propios de los indios del norte de América que de Asia para poner el broche final a una obra sin fronteras y de caleidoscópicas influencias.

 © Enrique Farelo, 2018

Dwiki Dharmawan: Rumah Batu (Moonjune Records 2018)

Músicos: Dwiki Dharmawan (piano acústico), Nguyên Lê (guitarra eléctrica y soundscapes), Carles Benavent (guitarra bajo), Yaron Stavi (upright bass) y Asaf Sirkis (batería) con la colaboración de Sa’at Syah (suling flauta y vocales 1, 2, 3, 4, 7, 8), Ade Rudiana (kendang percusión en 1, 2, 3, 4, 7, 8), Dewi Gita (voz solista en 3), TEUKU HARIANSYA & INDRA Maulana Keubitbit Rapa’I (Acehnese percusiones 1), Nyoman Windha’s Gamelan Jass Jegog (Balinese gamelan y percusiones (4) y Smit (vocales y LaLove traditional Sulawesi flauta en (6)

Composiciones: 1. “Rintak Rebana”, 2. “Paris Barantai”, 3. “Impenan”, 4. “Janger”, 5. “Rumah Batu Suite, Part 1 – Kaili”, 6. “Rumah Batu Suite, Part 2 – Perjalanan”, 7. “Samarkand” y  8. “Salamatkan Orang Utan”.
Todas las composiciones de Dwiki Dharmawan.

 

Publicado por Moonjune Records en 2018. Grabado en La Casa Murada estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 15 y 16 de mayo de 2017.




John Surman Trio (JazzMadrid18. 2018-11-21) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 21 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Conde Duque. Madrid.
  • Grupo:
    John Surman Trio
    John Surman: saxo soprano y clarinete bajo.
    Nelson Ayres: piano.
    Rob Waring: vibráfono y marimba.

Hacía tiempo que el bueno de John Surman, uno de los mejores músicos de jazz del viejo continente, no actuaba en Madrid. Si repasamos el catálogo de ECM podemos encontrar sus magníficos trabajos, tanto como líder como acompañante. Con 74 años demostró encontrarse en una buena forma, evidentemente sin someterse a excesos enérgicos. No obstante es conocido por ser uno de los jazzistas más líricos que existen.

Invisible Threads es el disco que John Surman vino a interpretar al Festival. Grabado el año pasado en Oslo, ciudad en la que el inglés ha vivido mucho tiempo. Desde siempre a Surman le han gustado los pequeños formatos, bien a dúo o a trio, como en esta ocasión, donde le acompañaban el pianista brasileño Nelson Ayres y el percusionista de mazo neoyorquino, Rob Waring.

Surman y Ayres se conocieron en Brasil, donde empezaron a tocar juntos. A Surman le llamó la atención su buen feeling y su fantástica musicalidad. La experiencia de interpretar a dúo les hizo ver en un momento dado la necesidad de incorporar una tercera voz. Los colores sonoros y la tonalidad que aportan la marimba y el vibráfono les encajaban a la perfección. El elegido fue Rob Waring, nacido en Nueva York y residente en Oslo, donde tocaba en conciertos de música contemporánea y también en el campo de la improvisación.

De esta forma se unen tres músicos con diferentes bagajes; Surman influido mucho por las melodías del cancionero de la campiña inglesa, Ayres aporta su bagaje de músico brasileño y Waring es un percusionista clásico. Los tres, con distintos sentimientos rítmicos, construyen armonías y melodías de una riqueza colosal.

Cada pieza suena de manera diferente y el trio evoca por momentos las colaboraciones de Chick Corea y Gary Burton para el sello ECM, dando un alto nivel de jazz de cámara. En el concierto se suceden solos intensos de clarinete bajo y de soprano. La marimba y el piano se fusionan y los temas se desarrollan con mucho ritmo. Un piano lento es acompañado por el vibráfono y el saxo soprano, ambos muy introspectivos. Bellas melodías con saxo y marimba se van intensificando y girando a ritmos tropicales, a modo de divertimento en “Summer Song” una composición de Nelson Ayres.

Las interpretaciones de Surman al soprano y al clarinete bajo engarzan a la perfección con el piano y el vibráfono/marimba, hasta el punto que no se aprecia lo que es o no improvisado. El clarinete bajo da una clase magistral de intimismo y lírica en “On still waters”. Uno de los mejores momentos lo trajo “Concentric Circles”, con una pura improvisación de los tres músicos cada uno por su lado creando un cuadro y una atmósfera absolutamente hipnótica. Rob Waring, nacido en Nueva York y residente en Oslo, donde tocaba en conciertos de música contemporánea y también en el campo de la improvisación, ha estudiado en Bali y conoce los secretos de las percusiones indonesias, lo que le sirve de inspiración para su propia música. Por ello Surman tuvo en cuenta este aspecto porque se aprecian en el tema referencias al sonido del gamelán indonesio en las pulsaciones de Waring.

Surman y Waring demuestran una gran precisión y van dejando paso a otros dúos de piano y vibráfono. El clarinete bajo de Surman emite notas como si fueran lamentaciones. Los solos de Ayres son muy líricos, algo que se incrementa con Surman al soprano. El inglés toca la mayor parte del concierto a medio tono y muy comedido. Un solo de marimba da comienzo a “Pitanga Pitomba”, preciosa introducción para que el piano y el clarinete bajo improvisen de manera enérgica, para acabar produciéndose un dúo de marimba y piano. El clarinete bajo y el piano se entienden a la perfección. Los tres músicos se entregan en una causa común, el cometido de cada uno es ir enriqueciendo los temas.

Dice John Surman que los tres son buenos acompañantes y que están a gusto desempeñando ese rol. Las composiciones de Surman sugieren lugares rurales más que urbanos. Le gustan los espacios abiertos, que son donde mejor se inspira. Los temas retienen la frescura de la improvisación, y la interpretación e interacción de los tres refleja un nivel de sofisticación de muchos quilates de oro. Es ahí donde aparecen los hilos invisibles (Invisible Threads) que unen a estos tres músicos, que forman un grupo diferente e innovador dentro de los tríos de jazz de cámara que existen en la actualidad.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Baptiste Trotignon – Minino Garay (JazzMadrid18. 2018-11-15) [Concierto]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 15 de noviembre de 2018
  • Lugar: Instituto francés (Madrid)
  • Grupo:
    Baptiste Trotignon & Minino Garay
    Baptiste Trotignon: piano
    Minino Garay: voz, recitado, baile, cajón, bombo y percusiones

Un francés, un argentino y el entendimiento y acoplamiento entre ambos es perfecto, basta con una mirada cómplice para que la máquina comience a funcionar con naturalidad, no en vano 7 años de colaboración (por boca del propio Minino Garay)  les avalan desde que coincidieron en una gira por Argentina.

Muchos años ya afincado en Francia hacen de Minino Garay que se sienta casi un “francés” más y como tal fue acogido en el instituto francés.

El concierto se concentró en el álbum que firmaron al alimón Baptiste Trotignon y Minino Garay y que lleva por título Chimichurri y que publicaron en el año 2016. Ofrecieron casi la totalidad de las piezas que lo componen entre las que pudimos disfrutar “Tonight”, “Vamos”, “America” o “Fly” que sirvieron de motivo para mostrar todo su repertorio de manera jocosa y divertida pero también poética y seria valiéndose de un abanico de posibilidades estilísticas que van desde el jazz al tango pasando por la chanson francesa, ritmos Latinoamericanos o los clásicos del pop y la improvisación.

Música en esencia que podríamos calificar de étno-jazz tocada con sensibilidad y multitud de matices que sedujo con pasión y buen humor. Delicioso Minino Garay con su baile a lo claqué o su intervención al triangulo que acompañó Baptiste Trotignon con excelencia al piano.

Un último regalo extra en forma de homenaje sentido a Carlos Gardel y su famoso tango “Volver” que interpretó al piano Baptiste Trotignon y que cantó Minino Garay acompañado por el entregado público que poblaba el patio de butacas.

Tomajazz.
Fotografías y Texto: © Enrique Farelo, 2018




Nils Petter Molvaer Group (JazzMadrid18. 2018-11-14) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 14 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez. Madrid.
  • Grupo:
    Nils Petter Molvaer Group
    Nils Petter Molvaer: trompeta
    Johan Lindstrom: guitarra y steel guitar
    Jo Berger Myhre: bajo eléctrico
    Erland Dahlen: batería y percusiones

El jazz es una música sometida a constante debate desde su creación a principios del siglo pasado. Las polémicas respecto a lo que es o no es el jazz se han producido continuamente. Algunos músicos, entre ellos Miles Davis decían que no tocaban jazz. De hecho no quería que se etiquetase su música. Lo que le importaba verdaderamente era sacudir los oídos y transgredir las reglas con una música que siempre ha querido formar parte de la realidad de su época.

Algo parecido, salvando las distancias, es lo que pretende este músico que nos ha visitado. Si lo consigue o no es otro cantar. Si en su paso por el grupo Masqualero allá por finales de los 70, Nils Petter Molvaer se mostraba ya muy influido por Miles Davis, en los 80 el trompetista noruego acrecentó aún más su querencia por Miles con su decantación hacia una música salpicada de elementos rockeros, de música electrónica e incluso hip hop, utilizando para ello un auténtico arsenal técnico. Es entonces cuando personajes como Jon Hassell o Bill Laswell están en plena fase de creatividad y Molvaer no está al margen de su influencia. Evolución que no ha dejado de cultivar hasta la fecha en los diferentes proyectos que ha puesto en marcha.

El último es un cuarteto en el que Molvaer además de tocar la trompeta, domina electrónica y efectos sonoros; incluye el steel guitar de Johan Lindstrom, que además toca la guitarra; Jo Berger Myhre toca dos modelos de bajo eléctrico y Erland Dhalen, está en la batería y varias percusiones, donde se incluyen cajas rítmicas y xilófonos, entre otros.

Con estos mimbres, que no son pocos, el grupo tiró de un repertorio contenido en su último álbum Buoyancy. En general, más centrado en utilizar de forma predominante recursos jazzísticos frente a otros conciertos en los que se ha inclinado hacia una avalancha de tecnología que apabulla y termina por aburrir. Las composiciones intentan ser sugerentes y evocadoras. La creación de espacios sonoros se empareja con la música atmosférica o psicodélica y demuestran que Molvaer sigue estando en buena forma con sus intensos fraseos. Entre los efectos sonoros y las percusiones flotantes, hubo momentos brillantes como las aportaciones de Johan Lindstrom al steel guitar y algún que otro solo de guitarra del mismo. Erland Dahlen es un batería muy solvente y Jo Berger Myhre en el bajo eléctrico cumplió su papel.

Si bien es cierto que con la música de Molvaer sucede que, una vez escuchada media hora, da la sensación de que está todo dicho y que todo lo demás son círculos concéntricos, también es posible descubrir instantes bellos entre tantos efectos tecnológicos.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Avishai Cohen Quartet (JazzMadrid18. 2018-11-13) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 13 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez. Madrid.
  • Grupo:
    Avishai Cohen Quartet
    Avishai Cohen: trompeta
    Yonathan Avishai: piano
    Barak Mori: contrabajo.
    Ziv Ravitz: batería.

Ataviado como un hipster impecable, Avishai Cohen dio toda una lección de virtuosismo y un máster de poesía musical en el Fernán Gómez. Basando todo su repertorio en los últimos discos editados en el sello ECM, Into The Silence y Cross My Palm With Silver, demostró el porqué del prestigio que ha ido adquiriendo este músico israelí afincado en Nueva York. Así, la revista Jazz Magazine France le nombró en 2016 como mejor artista extranjero, y su disco Into the Silence fue premiado por la Academia del Jazz francesa como mejor del año. Enrico Rava lo considera el mejor trompetista joven del momento.

Definido como un músico de jazz multicultural, que no renuncia a utilizar los recursos eléctricos para canalizar su expresividad, se presentó en Madrid con un cuarteto acústico con el que ha grabado el último de los dos discos mencionados, con la sustitución de Nasheet Waits por Ziv Ravitz, que estuvo colosal.

Avishai es un nombre común entre los israelíes. Significa regalo de Dios. Y la verdad es que fue un auténtico regalo musical el que nos hizo este cuarteto. El concierto comenzó con dos piezas incluidas en su último trabajo “Will I die, Miss? Will I die? y “Shoot me in the Leg”. El primero con un dúo de piano y trompeta soberbio y un emocionante desarrollo, donde la finura de Avishai Cohen está perfectamente arropada por un trío muy bien engrasado. Yonathan Avishai al piano improvisa un comienzo a solo en el segundo tema para dar entrada al resto de la banda. Hay intercambios de dúos y tríos, resaltando otro dúo de Avishai Cohen y Ziv Ravitz y del trompetista con el contrabajista. Cohen emprende una serie de improvisaciones que ponen los pelos de punta.

El tema “Life and death” es una preciosa balada donde, por momentos, es obligado acordarse de Miles, como así sucedió en “Dream like a child”, también incluida en“In to the Silence”, con comienzo muy lírico del trompetista y una clara demostración de belleza por la sección rítmica. En “Theme for Jimmy Green”, pieza del último trabajo, el pianista comienza y le sigue el trompetista en una hermosa balada.

Las dos siguientes piezas fueron “Quiescence” con un texto recitado por Cohen, junto con “Into the Silence”, en el que Ziv Ravitz acomete un solo de batería intenso y largo que sirve para que el resto de la banda se exprese en uno de los momentos más creativos del concierto, con el colofón de un nuevo dúo de Avishai Cohen y Barak Mori al contrabajo. En el bis de rigor, el contrabajista se explayó en una introducción de alto voltaje que dejó en bandeja la entrada y el desarrollo del resto del cuarteto y que dio alas tanto a Yonathan Avishai como al propio Cohen para culminar su soberbia actuación.

El concierto fue una auténtica delicia, con una brillante interacción de los músicos, composiciones emocionantes y una alta energía en las improvisaciones. En conjunto, un espectáculo bello de jazz contemporáneo.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Sumrrá (JazzMadrid18. 2018-11-09) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 9 de noviembre de 2018.
  • Lugar: Centro Cultural Carril del Conde. Madrid.
  • Grupo:
    Sumrrá
    Manuel Gutiérrez: piano
    Xacobe Martínez Antelo: contrabajo
    LAR Legido: batería y percusiones

En los 18 años que llevan juntos Manuel Gutiérrez, Xacobe Martínez Antelo y LAR Legido, el trío gallego Sumrrá ha sabido ganarse el respeto de los aficionados a base de crear un estilo propio, coherente y pleno de creatividad. Desgraciadamente, tal y  como ocurre con otros grupos españoles, sus actuaciones fuera de  Galicia son puntuales. Por eso las visitas a Madrid crean siempre una expectación muy positiva. En esta ocasión, inmersa en el Festival de Jazz de Madrid, gracias a los aficionados del club de jazz de Portugalete en Hortaleza y a Ciudadistrito, pudimos disfrutar de un buen concierto de Sumrrá. La verdad es que se hace difícil resaltar algún pero a la actuación de este trío, que seguro que la habrá. Su manera de entender la música, donde se pueden apreciar también elementos del jazz modal, del rock o del blues siempre de una manera tangencial, gusta, y lo que es más importante provoca que el público se sienta satisfecho de lo que ha escuchado. Así lo agradecieron las personas que acudieron al auditorio de este Centro Cultural de Madrid que, además cuenta con una acústica muy apreciable. La pena fue que no pudieran entrar todas las personas que quisieron, ya que se agotó pronto el aforo del recinto.

Cerca de veinte años juntos dan para mucho, como proyectos, colaboraciones y sobre todo seis discos, que son un buen reflejo de la trayectoria profesional de estos músicos de Santiago.

En el concierto que nos ocupa Sumrrá se presentó sin  haber perdido ni un ápice de la frescura, la fuerza, la musicalidad y la apuesta por el riesgo que siempre le han caracterizado. Quien suscribe los vio por última vez hará unos 10 años en el mítico Johnny y en aquella actuación sorprendieron muy gratamente.

En esta ocasión aprovecharon la actuación para presentar el sexto disco de su carrera titulado 6 Mulleres, dedicado a otras tantas mujeres  que constituyen todo un ejemplo en la defensa de la dignidad femenina. Comportamientos que luchan o han luchado por mejorar la situación de la mujer en diversas partes del mundo. Cinco de los temas compuestos por Xacobe Martinez y uno a cargo del pianista Manuel Gutiérrez.

Fueron por tanto seis nombres de mujeres  las que centraron la actuación de Sumrrá, comenzando por “Frida Kahlo”. Pieza llena de colorido y de intensidad que empieza con el contrabajista marcando la dirección del tema. El segundo fue dedicado a la paquistaní “Malala Yousafzai”; el tercero a la estadounidense “Rosa Parks”, una pieza que irradia cierto lirismo, engarzada con un blues; el cuarto para la china “Qiu Jin”, con mucha sonoridad y colorismo; el quinto dedicado a la egipcia “Nawal Él-Saadawi”, con Manuel Gutiérrez llevando el ritmo, y la sexta y última a la escritora gallega “Rosalía de Castro”, en una emotiva interpretación a piano. El batería crea diferentes efectos con sus artilugios y juguetes para ir improvisando. Como en todos los temas el contrabajo de Xacobe Martínez proporciona al trío la brújula necesaria para que cada uno de los músicos se exprese con la libertad que requiere un grupo de las características de Sumrrá. Un bis con “Minoría Absoluta” de su segundo trabajo puso el punto final a esta nueva entrega de Sumrrá en Madrid. Esperemos que no vuelvan a pasar tantos años hasta su próxima visita.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Jim Black – Elias Stemeseder “Bunky Swirl” (JazzMadrid18. 2018-11-07) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 7 de noviembre de 2018.
  • Lugar: CentroCentro. Auditorio Caja de Música. Madrid
  • Grupo:
    Jim Black & Elias Stemeseder “Bunky Swirl”
    Elias Stemeseder: piano y sintetizadores
    Jim Black: batería y percusión

Con una dilatada carrera a sus espaldas, Jim Black se ha ganado un nombre dentro del jazz de vanguardia norteamericano. Siempre dispuesto a experimentar y aportar nuevas ideas, sus compañeros de viaje son nada menos que Tim Berne, Dave Douglas, Uri Caine, Ellery Eskelin, Kris Davis o Hank Roberts. Así, se ha convertido en uno de los pilares del jazz progresivo y un batería muy demandado, con varios proyectos en marcha. Junto al aclamado joven pianista austriaco Elias Stemeseder y el bajista de Nueva York, Thomas Morgan, mantiene un excelente trío, que constituye una eficiente prueba de un jazz distinguido por sus arreglos, ritmos complejos y expresividad improvisada.

Al margen de cualquier catalogación, lo que sobresale en la actuación de Jim Black y Elias Stemeseder es la libertad plena con la que ambos músicos se expresan. Una libertad creativa con la que dibujan constantes paisajes sonoros. Los dos músicos proponen sus discursos y a veces se producen intersecciones que actúan como resortes, que nos ponen en estado de alerta o bien nos tranquilizan. Hay mucho de juego psicológico en una música que parece transitar hacia ninguna parte, pero en la que al final todo van adquiriendo un sentido.

Stemeseder muestra diferentes cadencias al piano y ofrece diferentes efectos con el sintetizador, mientras Black se convierte en una fuente de ritmos en distinta intensidad. Entre tantos sonidos asimétricos, también aparecen melodías apacibles que nos vuelven a bajar a la realidad después del trance. El caos también puede ser bello. Entre la música electrónica de Karlheinz Stockhausen y la atonidad de Arnold Schönberg, se abrieron campos infinitos de posibilidades sonoras que, asociados a la libertad creativa de la batería y la percusión, nos llevan actualmente por los nuevos derroteros de la improvisación libre. Y el dúo Jim Black y Elias Stemeseder saben aprovechar al máximo su gran sabiduría musical.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




Gonzalo del Val con Dave Liebman & Ronan Guilfoyle: Standards in Dublin (Quadrant records 2018) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Parece que “la ocasión la pintaban calva” y no era cuestión de denostarla. El batería de Miranda de Ebro Gonzalo del Val aprovechó la oportunidad que se le brindó para tocar codo con codo con una leyenda viva del jazz como es Dave Liebman y aderezarlo con la compañía del bajista irlandés Ronan Guilfoyle.

Standards in Dublin componen un programa integrado por 12 estándar no excesivamente conocidos y tratados con singularidad, en el que tres breves solos de batería (“JJ’x”, “Redhead” y “Chocolates”) sirven de basamento para darle cierto aire de obra conceptual.

Piezas como “Gingerbread Boy” abren el menú con cierto aire cool, sonido seco y gruñón del saxo tenor de Dave Liebman, pulsación entera y contundente de Ronan Guilfoyle y precisión de Gonzalo del Val a los platos para continuar con “Remember”, una pieza de características similares en clave de balada con fuerte presencia de Ronan Guilfoyle y la brillante intervención de Dave Liebman al saxo soprano que se completa con el intercambio de las escobillas y las baquetas duras de Gonzalo del Val.

A “The Song is you” le precede el solo de batería “JJ ‘s” a modo introductorio. Sonido interactivo entre Dave Liebman y Gonzalo del Val al que se suma el bajista irlandés para formar un triángulo equilátero que se rompe para una corta y solitaria intervención de batería de Gonzalo del Val.

Con fuerza comienza “Mushi Mushi” donde cobra protagonismo el contrabajo de Ronan Guilfoyle que se multiplica para dar paso al tenor y a la batería que dialogan entre sí hasta desarrollar un sonido conjunto y sucio que desemboca en un solo de Gonzalo del Val y termina con el trío desapareciendo…

Discursivo y latino, “Palabras” muestra el lado de mayor feeling saboreando las mieles del protagonismo del saxo soprano de Dave Liebman al que Ronan Guilfoyle responde sin pudor y Gonzalo del Val es observador activo.

Tras la brevedad introductoria de la batería de Gonzalo del Val en “Redhead” recoge el testigo la swingueante “That Old Feeling”. “Summer Night” es dinámica, alegre y discursiva en la persona de Dave Liebman que retuerce el sonido de su saxo soprano con infinitas notas.

Todas las piezas del programa son breves, mientras que “Pannonica” es la más extensa y Dave Liebman luce al inicio con su solo de tenor que llega a recordar a Ben Webster por su ternura aterciopelada, esencia de bep-bop, balada a tres con Ronan Guilfoyle muy presente y Gonzalo del Val completando espacios sin dejar resquicio.

En “Chocolates” se frotan los parches y se pone el marcha un imaginario tren llamado “Theme for Ernie” que languidece intimista y reflexivo emparentándose con “Pannonica”.

© Enrique Farelo, 2018

Gonzalo del Val con Dave Liebman & Ronan Guilfoyle: Standards in Dublin

Músicos: Dave Liebman (saxos tenor y soprano), Ronan Guilfoyle (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería)

Composiciones: “Gingerbread Boy” (Jimmy Heath), 2 “Remember” (Steve Swallow), 3 “JJ ‘s” (Drum Solo – G.del Val), 4 “The Song is you” (J. Kern – O. Hammerstein II), 5 “Mushi Mushi” (Dewey Redman), 6 “Palabras” (Marta Valdés), 7 “Redhead” (Drum Solo – G. Del Val), 8 “That Old Feeling” (L.Brown – S.Fain), 9 “Summer Night” (H.Warren – A.Dubin), 10 “Pannonica” (T.Monk), 11 “Chocolates” (Drum Solo – G.del Val), 12 “Theme for Ernie” (F.Lacey).

Grabado el 30 septiembre de 2017 en Buckley’s House of Horns estudios de Dublin (Irlanda). Publicado en 2018 por Quadrant Records

 




Razones para el jazz: una portada. Dreams (Gary Burton) [474]

Una portada. Gary Burton Quartet: Dreams So Real (ECM Records, 1976)
Foto de cubierta: Rainer Kiedrowski

Seleccionado por Enrique Farelo




Razones para el jazz: una película. Nina [473]

Una película: Nina (2016)

Dirección y guión: Cynthia Mort. Fotografía: Mihai Malaimare Jr. Reparto: Zoe Saldana, David Oyelowo, Kevin Mambo en los papeles principales.

Seleccionada por Enrique Farelo




María Toro: Araras (Jazz Activist 2018) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Resulta realmente difícil, por no decir imposible, para un crítico o aficionado al mundo del jazz conocer a todas las estrellas que pueblan el infinito universo musical y María Toro es una de ellas.

Nacida en 1979 en A Coruña se interesa vivamente por la música tradicional gallega y portuguesa, el jazz, el flamenco y la música popular brasileña. Cuenta con dos trabajos a su nombre A Contraluz, (reeditado por Jazz Activist en 2017) y éste Araras (Jazz Activist, 2018).

María Toro se ha contagiado de todas las influencias posibles obtenidas en sus viajes y los lugares donde ha residido como Madrid o Nueva York y que la han llevado a grabar en Río de Janeiro éste Araras junto a músicos de reconocido prestigio del país carioca.

Músicos como el bajista Ben Street o el pianista Jean-Michel Pilc son participes de su primer trabajo y ella misma fue parte integrante del primer proyecto del grupo de rock progresivo español Amoeba Split (Amoeba Split 2006).

María Toro mantiene una personalidad inconfundible tanto a la flauta como compositora y arreglista. Su música trasciende más allá de su país de origen y busca el eclecticismo y la universalidad.

Valiéndose de diversas texturas e influencias que van desde el flamenco y el jazz comienza su andadura con “A las 7” (su flauta nos acerca a Jorge Pardo) algo que tiene continuidad en “Araras” que da título al álbum.

En “Microcentésimas” cuenta con la inestimable colaboración de Hermeto Pascoal a la melódica, algo que acontece igualmente en Échate a un lado” y “55.12”.

Suena libre, fluida, alegre y gozosa la flauta de María Toro en “Você quer?” y moderna la guitarra eléctrica de Andreas Arnold.

“Échate a un lado” comienza con profundo sentimiento flamenco encarnado en la guitarra española de Andreas Arnold en estrecha unión con la flauta de María Toro, el complemento de María Clara Valle al chelo y el trombón de Jonas Hockerman que buscan un lenguaje diferente de perfume embriagador con la melódica de Hermeto Pascoal.

De embrujo mediterráneo es “55.12” con Hermeto Pascoal en las voces, la melódica y el vaso de agua y la respondona flauta de María Toro frente al swingueante piano de Rafael Vernet.

¡Cuánta belleza rezuma “Que te ven los pájaros”!

La guitarra flamenca de Andreas Arnold, la flauta y las voces de María Toro, el contrabajo de Bruno Aguilar finaliza con el piano de Rafael Vernet como protagonistas indiscutibles.

Armonía para dos flautas inician “De 10 en 10” sonido sincopado para danza flamenca sin atisbo de bailarín.

El brillante broche lo pone Itiberê Zwarg  con “Chacareando” pieza compleja de marcado carácter “orquestal” donde vuelan María Toro y Thomas Leny al abrigo de las cuerdas.

 © Enrique Farelo, 2018

María Toro: Araras

Músicos: Hermeto Pascoal (melódica en 3, 5 y 6, vaso de agua y voces en 6), Andreas Arnold (guitarra flamenca en 1, 2, 5, 7 y guitarra eléctrica en 4), Bruno Aguilar (contrabajo en 2, 3, 5, 7 y 8 y bajo eléctrico en 1, 4 y 6, voz en 4), Rafael Vernet (piano en 1, 2, 3, 4, 6, 7 y 8, voz en 4), Ajurinã Zwarg (batería, voz en 4), María Clara Valle (violonchelo en 5 y 9), Jonas Hockerman  (Trombón en 5), Tina Werneck (viola en 9), Renata Neves (violín en 9), Mariana Zwarg (flauta en sol en 9), Karin Verthein (violín en 9), Thomas Leny (piano en 9), Itiberê Zwarg (bajo eléctrico y voz en 9) y María Toro (flauta, composiciones, arreglos, dirección musical, y voces en 4 y 7).

 

Composiciones: 1. “A las 7”, 2. “Araras”, 3. “Microcentésimas”, 4. “Você quer?”, 5. “Échate a un lado”, 6 “55.12”, 7. “Que te ven los pájaros”, 8. “De 10 en 10” y 9. “Chacareando”.
Todas las composiciones de María Toro excepto “Chacareando” arreglado y compuesto por Itiberê Zwarg.

Publicado por Jazz Activist en 2018. Grabado en los estudios Biscoito Fino, Rio de Janeiro el 9 de mayo 2017.