Javier López Jaso & Marcelo Escrich Quartet: Aporía (Errabal Jazz Records 2018) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

La inclusión de un instrumento como el acordeón viene a insinuar los derroteros por los cuales se va a inclinar este Aporía. Y así es, no hay lugar para no pensarlo.

En Aporía se aglutinan el tango, no en vano Marcelo Escrich es argentino, y la música folclórica de Navarra y el País Vasco de donde es originario el acordeonista Javier López Jaso.

Por supuesto todo bien aderezado por un jazz moderno y convincente.

Javier López Jaso y Marcelo Escrich se reparten la totalidad de las composiciones casi en la misma proporción, cuatro para el primero y cinco para el segundo.

Se abre la puerta con “Contrahuellas” una composición donde destaca la guitarra de Luis Giménez complementándose de forma precisa con el acordeón de Javier López Jaso que pone el toque tanguero.

“Aporía”, de nostalgia y diálogos entre Javier López Jaso y Luis Giménez.

En “La banda y el Conjuro” es Alberto Arteta quien enriquece el tema con su saxo tenor en una pieza de música popular argentina y jazz bop en el que el contrabajo de Marcelo Escrich conversa con Javier López Jaso, Luis Giménez y el nombrado Alberto Arteta.

“Cantus”, corte que fusiona el folclore vasco-navarro y que danza a ritmo francés.

“Hugo Vuelve a Casa” plantea un “homenaje” a la poesía de Hugo Tabachnik con “Carta” y “Epitafio” contando con Gerardo Fitanovich como recitador o lector de dichos poemas.

Musicalmente entre el tango nostálgico y el jazz con un muy destacado Luis Giménez a la guitarra y el bajo de Marcelo Escrich y el acordeón de Javier López Jaso.

“Nene” es un homenaje al hijo de Javier López Jaso (como el mismo comenta) y cuyo sonido es amable y articulado. Tres voces confluyen en armonía: Javier López Jaso, Marcelo Escrich y Luis Giménez.

En “Aldrán” aires tango al inicio y danzas navarras para continuar, y un hermoso solo de Luis Giménez que se implementan con el bajo de Marcelo Escrich y dialogo sincopado entre el acordeón de Javier López Jaso y la batería de Daniel Lizarraga.

Entre las idas y venidas un tema dinámico donde brillan Marcelo Escrich y Javier López Jaso con un Luis Giménez en segundo plano aportando precisión y elegancia en “Donostia – Pamplona, Iruñea- San Sebastián”.

Con “Diálogos y Secuelas” se pone el punto final. En el inicio del corte dialogan Javier López Jaso y Daniel Lizarraga y dejan rienda suelta a Luis Giménez y Alberto Arteta.

© Enrique Farelo, 2020

Javier López Jaso & Marcelo Escrich Quartet: Aporía

Músicos: Javier López Jaso (acordeón), Marcelo Escrich (contrabajo), Luis Giménez (guitarra), Daniel Lizarraga (batería). Músicos invitados: Alberto Arteta (saxo tenor en “La banda y el Conjuro” y en “Diálogos y Secuelas”), Gerardo Fitanovich (Recitador)

Composiciones: “Contrahuellas”, “Aporía”, “La banda y el Conjuro”, “Cantus”, “Hugo Vuelve a Casa”,  “Nene”, “Aldrán”, “Donostia – Pamplona, Iruñea-San Sebastián” y “Diálogos y Secuelas”.
Todas las temas compuestos por Marcelo Escrich (1, 3, 5, 7 y 9) y Javier López Jaso (2, 4, 6 y 8)

Grabado el 26 y 27 enero 2018, mezclado y masterizado por Mikel Eceiza en Meca Recording Studio, Oiarzun. Publicado por Errabal Jazz Records (2018)




The Sirkis/Bialas IQ (International Quartet): Our New Earth (MoonJune Records 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

The Sirkis / Bialas International Quartet publicó su primer trabajo en el año 2015 llevando por título Come To Me (Stonebird Productions, 2015) y distribuido en edición limitada por MoonJune Records). En 2019 el cuarteto regresa con Our New Earth con la misma formación a excepción de Kevin Glasgow (bajo eléctrico de seis cuerdas), que reemplaza al estadounidense Patrick Bettison (bajo eléctrico / armónica cromática).

El israelí Asaf Sirkis y la polaca Sylwia Bialas colideran el grupo repartiéndose la práctica totalidad de las composiciones, quedando las letras para ésta última.

Our New Earth pone sobre el tapete una obra conceptual de sentimientos y espiritualidad profunda creando un crisol de mil colores y formas musicales que explora rincones ocultos y paisajes inexplorados, que imagina mundos no creados, y que observa los existentes con una mirada diferente.

La luz primera del día muestra su color y su calidez y Sylvia Bialas y Frank Harrison rememoran a Renaissance en la voz de Annie Haslam y el piano de John Tout en “If Pegasus Had One Wing (He Would Fly In Spirals); “Land Of Oblivion” es una preciosa balada donde destacan Kevin Glasgow y la tierna, intimista y cálida voz de Sylvia Bialas creadora de profundas atmósferas etéreas; la tenue luz filtrada impacta sobre los crótalos para dar paso a las armonías vocales, una vez más, de Sylvia Bialas que portando alas vuela sobre la bóveda celestial para reposar sobre la tierra a lomos del piano eléctrico de Frank Harrison y finalizar en brazos de Morfeo en “Letter To A”.

“Reminiscence” es una pieza de aires flamencos que conjugan a la perfección la vaporosa voz de Sylvia Bialas y el piano de Frank Harrison acercándose al disco de Chick Corea, My Spanish Heart.

El primero de los discos finaliza con “Chiaroscuro”, una canción de tintes líricos, sutiles y serena belleza y letras en polaco. Una balada de sensibilidad jazzy para goce y disfrute del piano de Frank Harrison y las escobillas de Asaf Sirkis, además de la vocalización estimulante de Sylvia Bialas.

“New Earth Suite” abre el segundo de los discos a modo de suite que integra dos piezas “Rooting” y “Our New Earth” suponiendo uno de los momentos de mayor calado y elevación artística de la obra y una composición paradigmática que incluye una riqueza de matices difíciles de encontrar donde se aglutinan un sinfín de estilos y formas musicales que van desde el minimalismo, la música de la India, la música clásica contemporánea, la libre improvisación, el rock progresivo Canterbury o el jazz.

La espiritualidad de la voz etérea de Sylwia Bialas contrasta con el minimalismo del piano de Frank Harrison en “Rooting” fundiéndose con “Our New Earth” ofreciendo un bosque sonoro donde se mezclan la música de la India, a través del konnakol de Asaf Sirkis, la voz de Sylvia Bialas o los teclados de Frank Harrison con la improvisación libre y lisérgica o la música clásica contemporánea.

Es en “Message From The Blue Bird” donde vuelven a destacar Sylvia Bialas y Frank Harrison sobre todo por su equilibrio sereno y su belleza; bien distinto es lo propuesto en “Spooky Action At The Distance” donde las disonancias oscuras y misteriosas lo inundan todo de creatividad en otra composición de altos vuelos y sonido Canterbury.

Con “Nocturnity” y “Picture From A Polish Wood” se cierra una obra que brilla con luz propia. En la primera de las composiciones destacan la ingrávida voz de Sylvia Bialas, el bajo de Kevin Glasgow y el intenso piano de Frank Harrison con el complemento Asaf Sirkis para redondear y concluir. En la segunda, se debate entre el rock Canterbury y la música de Chick Corea o el grupo Shakti, con un brillante solo de piano eléctrico a cargo de Frank Harrison y los redobles de los tambores y el konnakol de Asaf Sirkis y la omnipresente voz de Sylvia Bialas.

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

The Sirkis/Bialas IQ (International Quartet): Our New Earth (MoonJune Records 2019)

Músicos: Asaf Sirkis (batería y crótalos en 3, 6, 7, 10), konnakol (7, 11), manjira en 7, frame drums (7); Sylvia Bialas (vocales, waterphone en 7, 9, overtone singing en 6, letras en 1, 2, 5, 10 y konnakol  en 7); Frank Harrison (piano en 1, 2, 4 y 6, 8, 10, teclados en 1, 2, 3, 7, 9, 11); Kevin Glasgow (eléctrico bajo de seis cuerdas).

Composiciones:

CD 1:  1/“If Pegasus Had One Wing (He Would Fly In Spirals)”, 2/“Land Of Oblivion”, 3/“Letter To A”, 4/“Reminiscence”, 5/“Chiaroscuro”.
CD 2: “New Earth Suite”: 6/ “Rooting”, 7/“Our New Earth”, 8/“Message From The Blue Bird”, 9/“Spooky Action At The Distance”, 10/“Nocturnity”, 11/“Picture From A Polish Wood”.
Todas las temas compuestos por Asaf Sirkis y Sylvia Bialas.

Grabado en Masterchord Studio (Londres) en agosto 2017.




INSTANTZZ: Peter Brötzmann – Heather Leigh (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Galería fotográfica]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 29 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Centro Cultural Conde Duque (Madrid)
  • Grupo:
    Peter Brötzmann – Heather Leigh
    Peter Brötzmann (saxos, clarinete)
    Heather Leigh (lap steel)

Tomajazz.
Fotografías © Enrique Farelo, 2019




Moisés P. Sánchez Project – There´s Always Madness (JazzMadrid’19) [Concierto]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid’19

  • Fecha: 30 de noviembre de 2019
  • Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)
  • Grupo:
    Moisés P. Sánchez Project
    Moisés P. Sánchez: piano
    Toño Miguel: contrabajo
    Borja Barrueta: batería y lap-steel
    Cristina Mora: voz y teclado
    Miron Rafajlovic: trompeta, fiscorno, guitarra y percusión

Cuando te enfrentas a un pianista, más que eso, a un músico de la talla Moisés P. Sánchez se aglutinan las preguntas en el cerebro que apuntan a si será un artista camaleónico y caleidoscópico que transmuta más allá del jazz.

Y es que su música está cargada de múltiples influencias, tan extensas que resulta difícil de asimilar que ensamblen con tanta naturalidad y fluyan con tan aparente facilidad.

Moisés P. Sánchez Project abarca una paleta multicolor que va desde la obra de Chick Corea, Return to Forever (ECM Records 1972), pasando por grupos Canterbury como National Health (Amanda Parsons) o la orquestaciones de Renaissance. No queda ahí la riqueza que el quinteto aglutina; Azimuth con Norma Winstone, Flora Purim o Julie Driscoll son influencias de Cristina Mora. Una vocalista de excelente nivel y voz cálida e intimista que se suma al grupo como un instrumento más, no dudando en utilizar técnicas vocales como el vocalise o el scat (en menor medida) así como el canto como tal, al menos en una de las piezas.

Como pianista, Moisés P. Sánchez, alcanza la excelencia camaleónica vistiendo el piano de arpa y otras en instrumento de percusión, apoyándose en grandes del teclado como Chick Corea, Keith Jarrett o Bill Evans. Sus composiciones son precisas y coloristas con arreglos propios de una orquesta sinfónica que se transforman en pequeños himnos a la que contribuyen Cristina Mora y sobre todo la trompeta de Miron Rafajlovic.

El quinteto funcionó como lo haría una montaña rusa con subidas y bajadas, con intimismo y  ardiente pasión que te mantienen en alerta sin caer ni en la repetición ni en el hastío a todo aquel que acerca su música al oído. Imaginación y arreglos sinfónicos para el quinteto y jazz swing para un trío de vanguardia sin perder un ápice de tradición ni virtuosismo con Moisés P. Sánchez, Toño Miguel y Borja Barrueta funcionando como una máquina que empasta y ensambla con  perfección y solidez a velocidad sideral.

“El romanticismo lírico en un rincón de tu corazón”, bien podría ser la frase que defina la sensibilidad que exhibe el proyecto de Moisés P. Sánchez. Música emotiva, poética y lírica de sentimiento profundo y profuso que cala hondo hasta la extenuación y que llega al corazón tanto como al cerebro haciendo las delicias de todos los que se acercaron a degustar su música.

There’s always madness es su último álbum y es el que presentó en sociedad en estreno absoluto. Un disco que nadie había escuchado previamente pero que si se parece en algo a lo mostrado en el concierto podemos afirmar sin error a equivocarnos que estamos ante uno de los discos más destacados del año en España y me atrevería a decir a nivel internacional.

Un una pieza a piano solo de Moisés P. Sánchez (a modo de concertista clásico) como extra del concierto sirvió de broche final a una velada inolvidable y uno de los mejores conciertos del JazzMadrid19.

Bendita locura la tuya Moisés P. Sánchez.

Texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Maher Beauroy presenta Washa! (JazzMadrid19) [Concierto]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid19

  • Fecha: 28 de noviembre de 2019
  • Lugar: Instituto francés (Madrid)
  • Grupo:
    Maher Beauroy presenta Washa!
    Maher Beauroy: piano y voz
    Michel Alibo: bajo
    Alix Goffic: batería
    Robin Antunes: violín

Presentación en Madrid del álbum de debut del pianista de Martinica, Maher Beauroy que lleva por título, Washa! (Declic Jazz 2019).

Maher Beauroy es un desconocido en España tanto para el público como para los críticos. Sin embargo, le avalan sus estudios cursados en el Conservatorio Maurice Ravel, en La Sorbona y en el Berklee College of Music de Boston entre otros, además de venir apadrinado por músicos del prestigio del saxofonista neoyorquino Jacques Schwarz-Bart.

Nada más comenzar lo primero que se me vino a la memoria es una obra grabada por la cantaora flamenca Ginesa Ortega y que lleva por título Siento Oscuriá; “oscuriá” que fue una tónica general a lo largo de toda la velada por mor de la luminotecnia. Cuatro músicos en el escenario oscurecidos por la luz y el que más Maher Beauroy, líder del cuarteto.

¡Lástima que el aficionado no pudiera ver tocar a los músicos como hubieran merecido!

La presentación de Washa! supuso tocar la casi totalidad de los temas que componen el disco, además de la festiva y positiva (no incluida en el disco) “C’est bien ça?” con la que se dio por finalizado el concierto con gran participación del numeroso público que arengó y cantó dicha canción con algarabía y entusiasmo.

Con los acordes al piano de Maher Beauroy echó a andar “Enough” una pieza de marcado carácter bop con destacado protagonismo del propio pianista martinicano; con “Not A Second To Lose” continuó brillando el teclado con el acompañamiento del apacible, sensible y sutil, pero intenso violín de Robin Antunes que rememoró con su manera de tocar a los grandes del violín en Francia (Ponty o Grappelli); además de la pasión y energía que aportaron Alix Goffic a los platos y Michel Alibo al bajo eléctrico.

En “Divin Miracle”, Maher Beauroy mostró su lado más poético frente la activa batería de Alix Goffic en una interactuación entre ambos realmente destacada, algo que tuvo su continuidad con “An Lot Soley”, pero con mayor presencia del violinista Robin Antunes.

La pieza vocal vino representada por “La Sirène”, una canción cantada en francés por Maher Beauroy que se acompañó también al piano y que sirvió como video promocional de Washa!, y donde destacó el solo de bajo de eléctrico del que fuera miembro del grupo de fusión Sixun, Michel Alibo. Una canción romántica y tierna cantada con el alma que hizo del concierto una de los momentos de mayor impacto emocional.

En resumidas cuentas un concierto que disfrutaron todos los que llenaron la sala del instituto francés apreciando las diversas influencias de un músico como Maher Beauroy que van desde el bop a la música académica o la Word Music.

Texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019




INSTANTZZ: Luis Verde Quartet (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Galería fotográfica]

Por Enrique Farelo.

Festival Internacional de Jazz de Madrid. Jazz en los distritos

  • Fecha: 22 de noviembre de 2019
  • Lugar: Centro Cultural Valdebernardo, Vicálvaro (Madrid)
  • Grupo:
    Luis Verde Quartet
    Luis Verde: saxo alto
    José Carra: piano
    Darío Guibert: contrabajo
    Alberto Brenes: batería

Tomajazz. Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




François Carrier Trío (Jazz Círculo 2019, Madrid) [Concierto]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

  • Fecha: 22 de noviembre de 2019.
  • Lugar: La Pecera del Círculo de Bellas Artes (Madrid).
  • Grupo:
    François Carrier Trío
    François Carrier (saxo alto)
    Christian Pérez (contrabajo
    Michel Lambert (batería)

Si alguien se encuentra a François Carrier por la calle vestido de turista y con su camarita de fotos recorriendo los sitios más conocidos de Madrid, nadie diría que este señor canadiense de cara simpática es un auténtico mago en su profesión haciendo lo que más le gusta. Domina el saxofón alto con una admirable técnica y en el escenario se transforma, como un camaleón, en uno de los mejores músicos del jazz más avanzado y vanguardista de la actualidad.

Carrier es un músico que no deja indiferente. Tras finalizar el concierto uno tiene la impresión de que le han contado un montón de historias en 70 minutos. Tantos estímulos juntos son difíciles de asimilar. Conmueve, irrita y emociona con ese chorreo de notas espontáneas que se expanden como ondas en el agua.

Junto a Michel Lambert y Christian Pérez, de origen español, el trío dejó en el Círculo de Bellas Artes una actuación sólida y muy intensa. Es cierto que a lo largo del concierto hay free jazz, libre improvisación y vanguardia a tope. Todo admirable, haciendo que cada momento se disfrute de una manera diferente. La capacidad de sorpresa siempre está a punto y los músicos saben exprimir los instrumentos con infinitas posibilidades sonoras.

Los fraseos de Carrier son pura expresividad, la que tenía Charlie Parker con esa rápida e intensa digitación. Pero también hay resquicios de Coltrane y Threadgill que también significan mucho para Carrier.

Christian Pérez demostró su perfecta compenetración con el saxo y la batería, con quienes compartió muchos duetos, que contribuyeron a crear un cuadro sonoro lleno de matizaciones. Como los claroscuros que aportó Michel Lambert, extrayendo y aportando percusiones totalmente espontáneas, ya fuera  con escobillas o baquetas, sin estridencias, navegando como un velero hacia donde le marca el viento del saxo alto.

Disfrutamos de un concierto de tres creadores dispuestos a dar lo máximo al público y sin duda que lo consiguieron.

Tomajazz.
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Joe Lovano Tapestry Trio (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Concierto]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 14 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)
  • Grupo:
    Joe Lovano (saxos tenor, soprano, clarinete y percusiones)
    Marilyn Crispell (piano)
    Carmen Castaldi (batería)

La música del Tapestry Trio surge del otro lado, quizás del “West of the Moon”, pieza con la que empezaron los primeros sonidos íntimos y poéticos del concierto de tres auténticos magos cargados de expresividad sonora. El grupo presentaba su nuevo disco editado por el sello ECM.

A modo de triángulo mágico, cada miembro del grupo aporta una parte de un tejido de notas que atrapan y nos trasladan mentalmente. Porque Lovano, Crispell y Castaldi son unos tejedores de sonidos que, en hora y media, crean un tapiz (tapestry en inglés) lleno de conceptos, muchos matices y claroscuros. Son artesanos de la improvisación en una pieza titulada “Tarrassa”, un bonito detalle referencia a la ciudad catalana y su festival, o en “Seeds of Change”, donde se respira una agradable serenidad que a veces raya en el minimalismo.

En “Rare Beauty” el batería muestra su finura y capacidad de acentuar el saxo y el piano. Aquí Joe Lovano muestra su faceta más cool, mientras Crispell contraataca al piano. En “One Time In” la música se vuelve reflexiva con un dueto de saxo y percusiones a cargo del propio Lovano con gongs incluidos. La música no puede ser más introspectiva con el saxo de Lovano sonando con una limpieza cristalina.

La pieza “Piano/Drum Episode” presenta un desarrollo con una Marilyn Crispell de aires debusyanos muy minimalista tal y como nos tiene acostumbrados; con “Mystic” sigue en la misma línea a cargo de Joe Lovano en un tema donde lo importante no es la fortaleza sino la suavidad y la delicadeza con que se ejecuta. Lo contrario que “The Smiling Dog”, en donde el trío se desata y las improvisaciones se proyectan sin solución de continuidad. Los fraseos de Lovano se hacen aquí más intensos y la pianista se encarga de remarcar las secuencias con percusiones de teclados.

Con una gran improvisación al clarinete en “Garden of Expression”, el concierto fue entrando en su punto culminante, al que siguieron dos nuevos temas para finalizar. El último “Sparkle Lights”, de nuevo la música muestra la sobriedad que destila durante todo el recital.

Un concierto lleno de riquezas sonoras y recovecos. Una auténtica delicatessen sólo apta para grandes paladares.

Tomajazz.
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019

P.S. En la reseña hay una buena colección de fotos. Enrique Farelo tenía unas cuantas más de Joe Lovano tocando el clarinete, saxo soprano y tenor:

 




Wallace Roney (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid, Sala Clamores) [Concierto]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 12 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Sala Clamores (Madrid)
  • Grupo:
    Wallace Roney
    Wallace Roney (trompeta)
    Emilio Modeste (saxo tenor y soprano)
    Oscar  Williams II (piano)
    Paul Cuffari  (contrabajo)
    Malick Koly (batería)

Wallace Roney está reconocido como el discípulo de Miles Davis más aplicado y quien mejor ha sabido mantener su legado. Con una trayectoria impresionante, en su haber tiene 22 discos como líder, este trompetista de 59 años de Filadelfia dejó con la boca abierta a los aficionados que llenaron hasta la bandera la Sala Clamores. Su lenguaje musical entronca directamente con la tradición, y siempre mantiene un logrado equilibrio entre frescura espontánea y solidez más estudiada.

Para su gira europea se ha rodeado de jóvenes improvisadores como el saxofonista Emilio Modeste, el pianista Oscar Williams II, el contrabajista Paul Cuffari y el batería Malick Koly. Todos ellos, además de derrochar mucho talento, demostraron que tienen muy bien aprendidos a los clásicos de los 60 y 70. Como hiciera el gran batería Art Blakey con sus Messengers, Wallace Roney sabe dar oportunidades a los nuevos valores del jazz norteamericano, a los que insta a que consigan su propia forma de tocar, una vez han asimilado en los conservatorios la historia de esta música.

Sus actuaciones inevitablemente tienen mucho de la puesta en escena de los quintetos clásicos de Miles. La potencia de los metales enseguida se hace presente con una sección rítmica que en ningún momento se queda atrás. Roney acomete su primer solo con diáfanos fraseos, que dan paso a la intervención de Emilio Modeste al tenor en un tempo más bajo con la rítmica creando un colchón del que es difícil escapar.

Oscar Williams se encarga de dar entrada a la siguiente pieza en una impecable balada a trío con saxo y trompeta. Las intervenciones del saxofonista desprenden un aroma coltraniano. Por su parte, el batería, Malick Koly hace perfectamente su trabajo marcando los tiempos, mientras los solos de Roney eran impecables, siempre directos a la diana.

Uno de los momentos más destacados lo protagonizó la interpretación de la balada “Why Should There Be Stars”, con inicio de solo de piano y una actuación de Roney fantástica. Como también lo estuvieron el saxo y el piano.

El trío de rítmica demostró su gran compenetración y la experiencia que a su edad ya atesoran estos músicos. El contrabajista Paul Cuffari imprimió la fuerza justa al conjunto haciendo siempre gala de su protagonismo y control de las situaciones.

El grupo demostró toda su intensidad cuando era necesario, con unas las superposiciones muy emotivas. A pesar de la previsibilidad de la música, esta es capaz de crear un ambiente de clara complicidad con el público. Las composiciones están ejecutadas con una precisión milimétrica en base a una arquitectura sonora arraigada en la tradición, pero que sonó perfectamente moderna. El buen jazz nunca pasa de moda y trompetistas como Wallace Roney están ahí para ratificarlo.

Tomajazz.
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Sergi Felipe & Whisper Songs: Last Whisper (UnderPool 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Tras el álbum inicial Whisper Songs, Sergi Felipe continuó con Bambú es libre en el espacio para a día de hoy presentar Last Whisper.

Nueve cortes y uno oculto en el final del programa lo componen y en su totalidad compuestas por el líder de Whisper Songs, Sergi Felipe.

Misma formación e instrumentación que en los dos anteriores trabajos con la inclusión de Didac Ruiz en la percusión en casi la mitad de los temas.

El lenguaje de Sergi Felipe & Whisper Songs  es un jazz moderno cercano al West Coast, que curiosamente destaca por  su calidez, control y sencillez y por su aparente simplicidad no carente de  emotividad; para ello se vale piezas cortas que no alcanzan los seis minutos de duración por lo que se asimila con facilidad apacible.

La totalidad de Last Whisper se caracteriza por el sonido controlado y estilo relajado (no por ello carente de swing) muy del gusto de los músicos cool, música escrita alejada de la improvisada por decisión propia e interpretada con finura y elegancia algo que se plasma en composiciones como “Versatil”, por nombrar alguna ya que todas rayan a gran altura.

En apariencia el último corte  del disco es “My Little Rechonchi” una composición paradójica por su afinidad con el cha cha cha pero en clave cool; y digo en apariencia ya que después Sergi Felipe nos regala con casi 4 minutos a modo de sorpresa oculta y sin título un sonido de mayor contundencia y furor free jazz.

Enrique Farelo, 2019

Sergi Felipe & Whisper Songs: Last Whisper

Músicos: Sergi Felipe (saxo tenor), Oscar Domenech (batería) Marc Cuevas (contrabajo) Alfred Artigas (guitarra) Hugo Astudillo (saxo alto) y Didac Ruiz (percusión)

Composiciones: “Sun Park Station”, “Katatonic”, “Last Whisper”, “Deseperación Nórdica”, “Natación Sincronizada”,  “Doc Dreams”, “Versatil”, “Equelk”, y “My Little Rechonchi”.

Todas las temas compuestos por Sergi Felipe.

Grabado el 26 y 27 de junio de 2018 en UnderPool Studio (España). Publicado por UnderPool en 2019.