Antonio Serrano “el hijo único de la Música”. Por Enrique Farelo [Entrevista]

Por Enrique Farelo.

Músico diferente y único que se mimetiza según el son que toca: Jazz, Flamenco, Clásica o Tango.

Un revolucionario, un aventurero que introduce su armónica en tierras inexploradas, un viajero en el tiempo, ligero de equipaje y sonido superlativo, de aquí y de allá. Espíritu inquieto, su música es del mundo y su sentir profundo.

¿Qué hace un armonicista como tú en unas músicas como éstas?

La armónica cromática no está asociada a ningún estilo en concreto. Desde que empecé supe que si quería vivir de la armónica tenía que tener una mente abierta y hacer todo lo posible por aprovechar todas las oportunidades que se me fueran presentando.

¿Realmente es tan importante en tu desarrollo como músico la figura de tu padre?

Desde luego. Él me enseñó a amar la música y a creer en mí. También aprendí de él a esforzarme para conseguir mis objetivos, la importancia de la disciplina y muchas otras cosas que me han ayudado a ser el músico que soy. La diferencia entre prestigio y fama, el sentido de la responsabilidad, ser humilde pero valiente. En fin, tuve mucha suerte con mis padres.

¿Cuánto tiempo dedicabas al estudio de la armónica y de la música en tus comienzos, y cuánto en la actualidad?

Nunca he estudiado demasiadas horas seguidas. La escuela de mi padre creía más en la calidad del estudio y la constancia que en la cantidad. Quizá lo máximo que he practicado en un día hayan sido tres o cuatro horas. Eso sí, con una concentración total y optimizando al máximo. Siempre aplicando la ley del mínimo esfuerzo-máximo rendimiento. Ten en cuenta que mi padre era ingeniero de telecomunicaciones antes que músico.

¿Antonio Serrano se considera un músico de jazz, flamenco o clásico?

Me considero un músico clásico que ha salido airoso de flirtear con la música popular.

Cuando hablamos de la armónica parece inconcebible hablar de música clásica. ¿Cómo se puede adaptar dicho instrumento a este lenguaje?

La armónica es el instrumento más cercano a la voz humana, y la voz humana es el instrumento más versátil que existe, por lo tanto la armónica también es un instrumento tremendamente versátil. Silogismo elemental.

¿Cuáles son tus discos de jazz, flamenco, tango o clásico más influyentes?

Son muchos así que mencionaré sólo uno de cada género.
Jazz: Affinity (Bill Evans & Toots Thielemans)
Flamenco: Potro de Rabia y Miel (Camarón)
Tango: En Vivo en el Teatro Regina en mayo 1982 (Piazzolla & Goyeneche)
Clásico: Bach, Varaciones Goldberg por Glenn Gould (1981)

¿Cuáles son tus músicos de cabecera de cualquier estilo?

Los buenos -risas-. En realidad me gustan los músicos que han arriesgado y han abierto nuevos caminos.

¿Cuáles son los armonicistas que más te han impactado y qué te parece el bluesmen John Mayall?

En la armónica cromática Larry Adler, Toots Thielemans y Stevie Wonder, y en la armónica diatónica Sonny Boy Williamson, Sonny Terry y Howard Levy. No conozco mucho a John Mayall. Su tema “Room to Move” es divertido y pegadizo pero no conozco mucho más. Nunca me ha llamado la atención, lo siento.

¿Podría explicar brevemente y para profanos la diferencia entre la armónica diatónica y armónica cromática?

La armónica diatónica dispone únicamente de las siete notas naturales (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si), mientras que la armónica cromática tiene las doce notas que se utilizan en la música occidental, es decir la escala cromática. No obstante mediante técnicas avanzadas se le pueden sacar a la armónica diatónica todas las notas que le faltan. Howard Levy es el mayor exponente que existe en la armónica diatónica en cuanto a versatilidad y virtuosismo se refiere.

¿Qué significó la experiencia de tocar con Paco de Lucía y qué aprendiste?

Paco de Lucía me dio la oportunidad de mi vida. La experiencia de pertenecer a su banda los últimos diez años de su carrera y de su vida es un regalo que nunca podré agradecer lo suficiente. Aprendí mucho con Paco y sobre todo nos reíamos mucho. Lo más importante que aprendí con él es que casi nada es importante.

¿Existen grabaciones de Antonio Serrano con Paco de Lucía en estudio?

En el disco Limón de Javier Limón hay una burlería en la que tocamos juntos.

De los diez años al lado de Paco de Lucía realizando giras y conciertos. ¿Dónde te has sentido más a gusto o por el contrario más responsabilizado?

Siempre estuve a gusto a su lado. Es difícil estar incómodo cuando vas montado en un Rolls Royce.

Paco de Lucía es considerado por muchos un genio. ¿La genialidad es algo con lo que se nace o se trabaja?

En mi opinión se necesitan las dos cosas. Un gran talento y muchísimo trabajo. Añadiría también nacer y criarse en un entorno que te ayude a desarrollar ese talento. En el caso de Paco es evidente que su padre y su entorno familiar contribuyeron mucho en la creación del genio.

Albert Sanz junto con los hermanos Federico y Constanza Lechner tienen en común ser pianista y haber colaborado en diferentes proyectos a dúo contigo. ¿Es éste un formato que te llena especialmente para el desarrollo de tú música?

El piano es mi segundo instrumento. Adoro el piano y siempre me ha gustado tocar con buenos pianistas. El piano es mi debilidad, lo reconozco.

Por dar un giro a modo de paréntesis en la entrevista: el número de incendios aumentó un 145 % en comparación con el mismo período en 2018 en el Amazonas. En la isla de Gran Canaria el fuego devasta miles de hectáreas y en definitiva nuestro planeta está bajo el yugo del fuego, de los plásticos en los océanos o la destrucción del Ártico y la amenaza en Groenlandia. ¿Tiene futuro el Hombre como especie o estamos tocando fondo?

Todo lo que está ocurriendo me parece muy triste. Sinceramente creo que para el ser humano no hay solución. Hemos demostrado por activa y por pasiva que no somos capaces de usar nuestra inteligencia para otra cosa que no sea nuestro propio beneficio a corto plazo sin importarnos las consecuencias. Nos creemos muy listos pero en realidad somos imbéciles. Ya lo dijo Einstein y no seré yo quien le contradiga. De hecho la única esperanza que le queda a nuestro planeta para seguir con vida es que la especie humana se extinga lo antes posible. Creo que en este sentido lo estamos haciendo bien.

Suscribo tus palabras absolutamente con profundo dolor.

No me resisto a hacerte una pregunta y un deseo que me ronda. ¿Un disco con Chano Domínguez sería el colofón a tus colaboraciones a dúo?

Chano es un músico al que admiro mucho y con el que me encantaría grabar. Lo he pensado muchas veces y estoy seguro de que algún día pasará.

¿Discos como Harmonious suponen un punto de inflexión en tu carrera? ¿Cuál ha sido tu intención con esta creación?

Harmonious fue un viaje interior. Después de tantos años acompañando al genio de Algeciras necesitaba demostrarme a mí mismo que podía salir a un escenario yo sólo y entretener a la audiencia durante una hora. No sé muy bien como lo hice pero lo conseguí. Perdí el miedo a enfrentarme sólo al escenario y casi perdí hasta la vergüenza. Ha sido un trabajo muy liberador y que me ha permitido conocerme y comunicar de una forma muy especial y directa. En el proceso de creación estuve a punto de tirar la toalla muchas veces pero siempre pensaba “si Juan Tamariz es capaz de llenar un teatro con una baraja de cartas yo tengo que ser capaz de hacerlo con una armónica”.

El espectáculo musical Tootsology es un tributo a Toots Thielemans que ha servido de motivo para una ingente cantidad de conciertos, sin embargo no hay grabación oficial ni en estudio ni en directo. ¿Cuál es el motivo?

Gran parte del repertorio que hacemos está magistralmente grabado por Toots Thielemans con lo cual pensé que no era necesario volver a grabarlo. Grabamos algunos vídeos para dar a conocer el proyecto pero nunca sentí la necesidad de hacer un disco de Tootsology. No obstante a medida que fuimos haciendo conciertos y la música fue madurando, sin saberlo Radio Cataluña nos grabó el concierto que dimos en el Festival de Jazz de Terrassa que posiblemente acabará convirtiéndose en un CD. Una vez le pregunté a Toots por qué no grababa un disco con Kenny Werner y me dijo que los discos no se deben forzar y que salen cuando tienen que salir. Años después salió ese disco que es una auténtica maravilla. Me parece bonito que el CD de Tootsology nazca así, de forma natural.

 

¿Conocer los límites como músico suponen una ventaja o lo contrario?

Tan importante es conocer tus límites como intentar derribarlos.

Eres una figura mediática que recibe merecidamente constantes elogios. ¿Debilitan o fortalecen?

Los elogios son como las noticias, según quien los diga tienen más o menos peso y credibilidad. El elogio que más fortalece es firmar un buen contrato y el que más debilita es que te digan que eres un genio y a continuación te regateen tu caché.

¿Cuándo la música y los músicos se convierten en una competición pierde su valor intrínseco?

La vida es una competición desde que nacemos hasta que morimos y la música es la banda sonora de la vida. Hay que competir con deportividad, estilo, humildad, dignidad, honestidad, respeto, inteligencia, amor, pasión, disciplina, cariño y todo lo bueno que se te ocurra, pero si no compites te comen y dejas de existir.

Acabas de publicar tú último trabajo a dúo con Constanza Lechner rindiendo homenaje a músicos de la denominada música culta. ¿Cómo surge este proyecto y cuánto el tiempo invertido hasta que fue plasmado en disco? ¿Podrías presentarnos a Constanza?

Hace años que quería hacer un disco de música clásica pero las condiciones no se daban. Durante un tiempo estuve intercambiando clases con Constanza a la que conocía por su hermano Federico. Yo le daba clases de improvisación y ella me correspondía con clases de piano clásico. Durante esas sesiones probamos a tocar algunas piezas juntos y sentimos que conectábamos. Estando de gira por Croacia un promotor me ofreció hacer algunos recitales clásicos en la antigua Yugoslavia y se lo propuse a Constanza. Nos pusimos a trabajar en el repertorio y cuando estuvimos preparados nos metimos en el estudio de grabación. Así de sencillo y complicado a la vez. El dúo está teniendo mucha aceptación en el ámbito clásico y presentaremos el disco oficialmente en Madrid el 21 de septiembre en el Círculo de Bellas Artes.

¿Quién eligió el programa de los temas y los compositores del disco Antonio Serrano & Constanza Lechner?

En este disco hemos decidido todo entre los dos aunque Constanza dirigió más la parte argentina del repertorio y yo un poco más la española.

¿Con qué músicos no has tocado y te gustaría hacerlo, ya sean españoles o extranjeros?

En España creo que he tocado con todo el mundo que conozco, aunque me gustaría hacer un disco con Pasión Vega. Me encanta su voz y me veo acompañándola con mi armónica.

Músicos extranjeros con los que me gustaría tocar hay muchos pero siempre he pensado que mi armónica empastaría muy bien con la guitarra de Pat Metheny. Otro músico al que me gustaría conocer es a Stevie Wonder. Acompañar a Caetano Veloso sería increíble también. Trabajar con Joe Hisaishi también me encantaría. No sé, hay tantos.

¿Qué proyectos de futuro en cuanto a discos y conciertos tienes a corto y medio plazo?

El próximo disco que voy a grabar y que me hace mucha ilusión es un trío con dos guitarristas que representan dos de los pilares más importantes de la guitarra flamenca. José del Tomate (hijo de Tomatito) y Antonio Sánchez (sobrino de Paco de Lucía). También estoy a punto de acabar de escribir un método para tocar la armónica cromática en el que he resumido todo el conocimiento que he ido adquiriendo a lo largo de los años sobre este pequeño pero maravilloso instrumento.

Para terminar. Recientemente estuviste actuando con el Antonio Serrano & Antonio Sánchez Flamenco Septeto en la localidad madrileña de Valdebernardo (Vicálvaro) al lado precisamente de Antonio Sánchez. ¿Tiene éste proyecto algo que ver con grabar al lado del sobrino de Paco de Lucía o son proyectos diferentes?

Son proyectos diferentes. En esa ocasión nos juntamos unos amigos y colegas para hacer música una noche de verano a modo de jam session. El disco que vamos a grabar Antonio Sánchez, José del Tomate y yo es un proyecto en el que llevamos un tiempo trabajando y en el que nos enfrentamos a un repertorio algo más ecléctico y arriesgado.

El 21 de septiembre de 2019 en el Circulo de bellas Artes de Madrid, Antonio Serrano & Constanza Lechner presentarán su disco a dúo. https://www.circulobellasartes.com/espectaculos/antonio-serrano-constanza-lechner/

Tomajazz:
Entrevista, texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Nicolas Meier World Group: Peaceful (MGP Records, 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Nicolas Meier es sin duda un ciudadano del mundo, así lo expresa en su música y lo lleva impreso en la denominación de su grupo.

Nicolas Meier recorre el mundo a través de su música y sus diferentes guitarras. Ecléctico en su concepción musical no deja de lado ninguna propuesta que tenga que ver con el folclore de diferentes lugares, costumbres y personas.

Tomando el jazz como punto de partida se alinea con el flamenco, el tango, la música turca, del norte de África, oriental y del Medio Oriente, la New Age, el jazz latino e incluso el rock o el pop.

En Peaceful encontramos todo lo expuesto con una pátina de serena amabilidad donde predomina el  feliz optimismo y el embrujo oriental.

La plenitud de Peaceful reside en sus texturas, en sus aromas, fragancias y exotismo con las que inunda nuestro caminar a lo largo del disco, sobre todo en “Princes ‘Islands”.

Cobra especial interés e importancia la inclusión del violinista Richard Jones en sus variados e interesantes diálogos con Nicolas Meier que llegan a recordar a la legendaria pareja de Grapelli y Reinhardt del Hot Club de France, algo que se muestra con especial fuerza en piezas como “Soho Square”.

Las cadencias de Kevin Glasgow al bajo, y sobre todo Demi García a las percusiones dirigen mi pensamiento a la música de la canadiense Loreena McKennitt, tal como se escucha en composiciones como “Caravan of Anatolia” o “The Island”, que no son sino un giño a la música turca.

La bailable “Besiktas Cafe”, nos pone ante un escenario de marcado carácter mediterráneo. Más latina o mejor brasileña se muestra “Manzanita Samba” tal como indica su título.

La paz llega de la mano de la relajante y pacifica balada que da título al disco: “Peaceful” (como no podía ser de otra manera).

“Water Lilies” es sin duda una manera diferente de traducir el flamenco dándole un carácter  y una visión distinta donde los punteos de la guitarra de Nicolas Meier nos acercan más a John McLaughlin o Larry Coryell que a Paco de Lucía. Más alejada del flamenco tradicional pero influenciada por él, es “City Of The 3 Rivers” donde la calidez del guitarreo de Nicolas Meier me pone sobre la pista del también guitarrista acústico Earl Klugh.

© Enrique Farelo, 2019

Nicolas Meier World Group: Peaceful (MGP Records 2019)

Músicos: Nicolas Meier (Guitarras acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas y glissentar), Richard Jones (violín), Kevin Glasgow (Bajo) y Demi García (Percusión)

Composiciones: 1/“Besiktas Cafe”, 2/“Manzanita Samba”, 3/“Peaceful”, 4/“Caravan of Anatolia”, 5/ “Water Lilies”, 6/“ Princes’ Islands”, 7/“City Of The 3 Rivers”, 8/“The Island” y 9/“Soho Square”.
Todas las composiciones de Nicolas Meier.

Grabado en MGP estudios de 2019.




JazzX5#061. Mark Wingfield & Gary Husband: The Golden Thread [Minipodcast]

Por Pachi Tapiz con la colaboración de Enrique Farelo.

“Tiempo medio ni de los más largo ni de los cortos y además me chifla el final del piano.”
Enrique Farelo

“The Golden Thread”. Mark Wingfield & Gary Husband: Tor & Vale (MoonJune Records)
Mark Wingfield, Gary Husband

Tema seleccionado por Enrique Farelo, autor de la reseña de la grabación que se puede leer en https://www.tomajazz.com/web/?p=45145

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2019

JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.
JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019.
Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=23120.




Mark Wingfield & Gary Husband: Tor & Vale (Moonjune Records 2019) [Grabación]

Por Enrique Farelo.

Tor & Vale supone una obra de dualidades, dos instrumentistas con sus instrumentos, dos formas de hacer música, una escrita, otra improvisada (“Tor & Vale”, “Shape Of Light” y “Silver Sky”); un guitarrista (Mark Wingfield) y su guitarra plural y cuántica; en medio de Pat Metheny y Terje Rypdal. Un multiinstrumentista (Gary Husband entre el piano y la batería) aquí al piano.

Tor & Vale entre dos mundos, el acústico-eléctrico y el espacio-tiempo.

Un diálogo a dos. Mientras uno se queja, llora o se lamenta el otro aporta serenidad y “cordura” buscando el equilibrio.

Los extremos se atraen, distintos sí, pero complementarios.

Música que recuerda el futuro y que desde el presente viaja al pasado para cimentar lo venidero en “Kittiwake”. Así comienza la aventura.

En ocasiones se apagan juntos, en otras es el piano de Gary Husband quien se impone acallando el llanto de la guitarra de Mark Wingfield como sucede en “The Golden Thread”.

En “Night Song” el debate se forma en torno al llanto silencioso y el eco profundo creando paisajes sonoros impactantes que se pierden poco a poco hasta desaparecer.

Mark Wingfield hace que su guitarra sea blanda y elástica, estirándola y arrastrándola al interior del  horizonte de sucesos y convirtiendo su densidad en infinita oscuridad que mantiene el piano de Gary Husband al borde de dicho horizonte en “Tor & Vale”.

Es en “Shape Of Light” donde Mark Wingfield viste su guitarra de trompeta para crear himnos espaciales en contraposición al piano de Gary Husband que es íntimo y pausado provocando que ambos acaben bajo las aguas de un mar de tranquilidad.

“Silver Sky” desarrolla paisajes sonoros de fría plata, de misterio y de oscura inquietud.

“Tryfan” y “Vaquita”. En ambos los tiempos se hermanan en pos del piano de Gary Husband que suena profundo y cala hondo, no se queda atrás la guitarra de Mark Wingfield proponiendo majestuosidad y pasión.

Música de cámara y música científica del siglo XXI. Dos elementos intervinientes, el emisor y el receptor. El primero es activo y el segundo pasivo.

¡Siéntate, escucha, viaja y disfruta! ¡Tú propones la hoja de ruta!

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

Mark Wingfield & Gary Husband: Tor & Vale (Moonjune Records 2019)

Gary Husband (Piano) y Mark Wingfield (guitarra eléctrica, soundscape),

“Kittiwake”, “The Golden Thread”, “Night Song”, “Tor & Vale”, “Shape Of Light”, “Tryfan”,  “Silver Sky” y “Vaquita”.
Todas las composiciones de Mark Wingfield excepto en “Shape Of Light”, “Tryfan” y  “Vaquita” que son improvisaciones de Mark Wingfield y Gary Husband.

Grabado en el estudio de Jesús Rovira con la asistencia de Gerard Giner en La Casa Murada Banyeres del Penedés, Cataluña, España, el 19 de Mayo de 2018.

 




Jaume de Viala: Sonoritat De Mil Miralls (auto-producido 2019) [CD]

Por Enrique Farelo.

Disco-libro auto-editado y limitado a 350 ejemplares. Un lujo se mire por donde se mire y en formato digipack, con un motón de imágenes interiores de los importantes músicos que componen el disco y algunas antiguas de los miembros originales de Celobert Mágic.

Esfuerzo hercúleo ha resultado el producto final que sólo con mucho amor ha podido ser una realidad.

Sonoritat De Mil Miralls es el proyecto de Jaume de Viala cuyo propósito ha sido la de reinventar o resucitar la música del grupo Celobert Mágic al cual perteneció bajo el liderazgo de Salvador Avià durante los años 1979-1983.

Obra conceptual donde se aúnan diferentes estilos que van desde el Jazz-Rock, la World Music, la Nova Cançó (Lluís Llach, María del Mar Bonet o Serrat) o la música Laietana (movimiento desarrollado durante los años 70 que fusionó el jazz con el rock) donde destacaron agrupaciones como Iceberg, Companyia Elèctrica Dharma, Barcelona Traction o Música Urbana.

El grupo solo grabó una cassette cuyo título fue A sant Gervasi.

Sonoritat De Mil Miralls incluye una cantidad ingente de pequeñas composiciones que como perlas forman un collar.

La obra en sí es exquisita, una delicia para los oídos, composiciones equilibradas y arreglos sumamente cuidados donde los instrumentistas son delicados como el terciopelo y la cálida voz de Judit Cucala (voz originaría de Celobert Mágic), crea ambientes de profundo sentimiento que calan hondo por su lirismo y romanticismo.

Cada pieza brilla con luz propia como la luz de la mañana, clara y llena de vida. Da igual donde dejes caer el láser, siempre obtienes oro puro.

Destacar una composición sobre otra implicaría una injusticia……son todas excelentes y ninguna supera a la otra.

“Adéu, tresors d´estiu perdut”, “Ombres de Lluna creixent” y “Regal (III-1982)” son impactantes por su belleza serena y su paz.

En “Marinada” encontramos un hermoso solo de guitarra de Jaume de Viala que rememora al guitarrista Andy Latimer de Camel.

Muy bellas son las armonías vocales de Judit Cucala en “Setembre cristal.lí”.

“Jardins estranys i ombrívols” posee un aire mediterráneo; “Dissortat estel” nos inunda de recuerdos de la Nova Cançó donde destaca una vez más Judit Cucala con su verbo fácil y letra en catalán.

Me cautiva “Extractes de la llunyania mediterrània” por sus aires flamenco-arábigos.

Cuando escucho Sonoritat De Mil Miralls no puedo evitar recordar a grupos de diferentes texturas como Camel, Renaissance, King Crimson, Hatfield and the North e incluso Henry Cow por poner algunos ejemplos.

Una obra, un disco imperdible que no debería caer en el olvido y que debería estar por encima de estilos y formas musicales. Sonoritat De Mil Miralls está fuera de su tiempo porqué pertenece a cualquier tiempo.

Nunca más acertado aquello de:

“Lo bueno si breve dos veces bueno”

Sonoritat De Mil Miralls te cala hondo. Te acaricia el corazón.

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019

Jaume de Viala: Sonoritat De Mil Miralls (auto-producido 2019)

Músicos: Jaume de Viala (guitarras eléctrica y clásica, percusiones), Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica y guitarra acústica 12 cuerdas), Judit Cucala (voz solista y coros), Xavi Reija (batería), David Marroquín, (bajo y fretless bass), Álvaro Gandul (piano y teclados en 1, 2, 3, 5, 6, 7, 8, 9, 12, 14, 15, 18), Vasil Hadzimanov (piano y teclados en 4,11,13,16,17,19,20,21,22), Pablo Selnik (flauta travesera en 2,3,4,6,7,8,9,10,13,15,19,20,22), Robindro Nikolic (clarinete en 17,20,21,22), Jordi Bonell (guitarra eléctrica en 10), Kamal Musallam (Oud árabe en 20), David “Sam” (piano en 10), Bernat Hernández (fretless bass en 10), Juanito Makandé (percusiones en 10 y 20), Oriol Madurell (percusiones en 1, 2, 3, 6, 8, 13, 15, 19, 20, 21), Trissi Hernández (percusiones en 2), Salvador Avià (bouzouki en 2 y letrista) y Roger Conesa (saxo tenor y clarinete en 8 y 15).

Composiciones: 1/“Adéu, tresors d´estiu perdut” (Salvador Avià), 2/“Ombres de Lluna creixent” (Salvador Avià) ,3/“Regal (III-1982)” (Jaume de Viala), 4/“Quan…” (Salvador Avià), 5/“Marinada” (Salvador Avià), 6/“Setembre cristal.lí” (Salvador Avià), 7/“En vol salat de gavina” (Jaume de Viala), 8/“Carretera al Brasil” (Salvador Avià), 9/“Dramàtica seqüència d´amor a Les Rambles” (Salvador Avià), 10/“Sonet de quatre flors” (Salvador Avià), 11/“Jardins estranys i ombrívols” (Jaume de Viala), 12/“Dissortat estel” (Salvador Avià), 13/“Tercet del teu adéu” (Salvador Avià), 14/“Vals del desengany” (Salvador Avià), 15/“Setembre cristal.lí al Fuji nevat” (Jaume de Viala y Salvador Avià), 16/“Certesa” (Salvador Avià), 17/“Un dia boirós” (George &Ira Gershwin adaptación de Salvador Avià), 18/“Tan sols per a tu” (Jaume de Viala y Salvador Avià),19/“Duet del teu nom” (Salvador Avià), 20/“Extractes de la llunyania mediterrània” (Jaume de Viala), 21/“Regal (III-1982)–Intro alternativa” (Jaume de Viala), y 22/“Espera” (Salvador Avià).
Grabado en Aclam Records entre noviembre de 2017 y febrero 2019.

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2019




INSTANTZZ: Antonio Serrano & Antonio Sánchez Flamenco Septeto 2019-07-20, Noches de verano, Parque de Valdebernardo (Madrid) [Galería fotográfica]

Por Enrique Farelo.

  • Fecha: 20 de julio de 2019
  • Lugar: Parque de Valdebernardo, Avda. de la Democracia (Madrid)
  • Componentes:
    Antonio Serrano & Antonio Sánchez Flamenco Septeto
    Antonio Sánchez: guitarra flamenca
    Antonio Serrano: armónica
    Juan Pérez: piano
    Javier Bachiller (Bachi): bajo eléctrico
    Antonio Losada: cajón y percusiones
    Ingueta Rubio: cante
    Auxi Fernández: bailaora

Tomajazz. Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




INSTANTZZ: Alone Swing Band (Escola de Música – Agrupación Musical de Guardamar del Segura, Guardamar del Segura, Alicante. 2019-07-12) [Galería fotográfica]

Por Enrique Farelo.

  • Fecha: 12 de julio de 2019
  • Lugar: Escola de Música – Agrupación Musical de Guardamar del Segura (Guardamar del Segura) Alicante
  • Grupo:
    Alone Swing Band
    José Luis Santacruz: saxo soprano y arreglos
    Jesús Aldeguer: saxo tenor
    Joaquin Paredes: saxo alto
    Antonio José Peñalver: bajo eléctrico
    Fernando Alba: batería
    Nico Fioole: cantante

Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Razones para el jazz: Una película: Whiplash [492]

Por Enrique Farelo.

Si La Chaqueta Metálica hubiera sido una película de jazz se titularía Whiplash.

Un enfoque distinto para una película sobre jazz.

Whiplash (2014)
Dirección: Damien Chazelle
Reparto: Miles Teller y J.K. Simmons.
Fotografía: Sharone Meir.
Música: Justin Hurwitz

Seleccionada por © Enrique Farelo, 2019




Muriel Grossmann: “El espíritu femenino del Jazz”. Por Enrique Farelo [Entrevista]

Por Enrique Farelo.

Nacida en París, de joven se afincó en Austria para en el año 2002 trasladarse a Barcelona y asentarse definitivamente en Ibiza en el año 2004 lo cual marcó un antes y un después en su carrera como compositora, saxofonista y líder de sus propios grupos.

Desde el año 2007 son diez discos los firmados bajo su nombre desde Homecoming Reunion (Dreamland Records 2007) hasta el aclamado Golden Rule (Dreamland Records 2018), pasando por Here And Now (Dreamland Records 2008), Quartet (Dreamland Records 2008), Sudden Impact (Dreamland Records 2009), Birth Of The Mystery (Dreamland Records 2010), Awakening (Dreamland Records 2013), Earth Tones (Dreamland Records 2015), Natural Time (Dreamland Records 2016), y Momentum (Dreamland Records 2017).

Portadas de los discos de Muriel Grossmann

Todos sus discos han seguido una línea artística muy similar en cuanto al diseño de sus carátulas y ha contado con músicos solventes como la vienesa Gina Schwarz al contrabajo y el serbio Uros Stamenkovic a la batería en sus tres últimos trabajos; y sobre todo su fiel escudero también serbio, el guitarrista Radomir Milojkovic que casi nunca ha faltado a su cita acompañándola en la mayoría de sus trabajos.

Su solidez, su compromiso, su espiritualidad y su tener las ideas muy claras son una característica intrínseca a la hora de valorar su música.

© Laura G. Guerra

Enrique Farelo (E.F.) ¿Cuándo “nace” en Muriel Grossmann el deseo por la música y que personas influyeron o te motivaron?

Muriel Grossman (M.G.) La música ha sido siempre una parte muy importante de mi vida. Mis padres son muy aficionados al arte y en concreto mi padre ha coleccionado vinilos de música clásica durante toda su vida. A la edad de 5 años ellos me propusieron escoger un instrumento. Elegí la flauta. Y es entonces cuando comenzó mi carrera en la música clásica, etapa que ha durado 12 años. Recuerdo bien como desde temprana edad cogía la flauta cada día improvisando melodías; era una de las cosas que me aportaba mayor bienestar. Una gran motivación en esta etapa fue mi profesor de flauta, también escuchar a músicos como Jimi Hendrix y por supuesto esos amigos especiales aficionados a la música que me rodeaban.

E.F. Naces en París pero es en Viena donde resides hasta la juventud. ¿Te interesas en esa época por el jazz o por la música clásica teniendo en cuenta que la cercana Salzburgo es la patria chica de Wolfgang Amadeus Mozart?

M.G. Viena y Austria son la cuna de la música clásica. Toda la ciudad respira música y se siente también en su estilo imperial, sus bailes y sus tradiciones. Era un privilegio poder crecer en una ciudad donde se promueve tanto el arte y que destaca tanto por su amor a la cultura como a la música. Al principio tocaba solo la flauta y estudiaba música clásica, pero con 21 años empecé a tocar el saxofón alto y una cosa me llevó a la otra. De repente Charlie Parker pasó a ser más importante en mi vida que Mozart. Mi interés por el jazz y por el saxofón empezó a expandirse a la vez que escuchaba las novedades del momento e iba adquiriendo más experiencia con las bandas con las que tocaba.

E.F. Golden Rule: “Haz con los demás lo que quieras que te hagan a ti”. En éste tu último trabajo propones la regla de oro de la espiritualidad y que cualquier religión abrazaría sin dudarlo a través de este adagio. ¿Golden Rule es un homenaje a la religión (a cualquiera), a la espiritualidad o la filosofía?

M.G. He compuesto Golden Rule con la idea de acercar a la reflexión si en cada día y en cada situación nuestros pensamientos, palabras y acciones son consecuentes con esta “Regla de Oro”. Pienso que este concepto spiritual es la clave, la base y el acuerdo esencial para una humanidad que quiere vivir del modo que merece. ¡Porque nuestra naturaleza es humana!

E.F. “Recta acción sin esperanza de recompensa” es una frase extraída del libro sagrado hinduista Bhagavad-gītā (parte del texto épico Mahábhárata). ¿Podría ser esta frase otra regla de oro?

M.G. Necesitamos usar nuestra inteligencia para extender nuestra naturaleza compasiva. Únicamente el conocimiento intelectual no nos sirve de mucho si la mente no está disciplinada. Es por eso que el conocimiento de la mente, su naturaleza y las emociones debe enseñarse en la escuela, ser guiado por personas adecuadas y abordarse de una y diferentes maneras una y otra vez.

He podido ver el éxito y beneficio de usar la regla de oro en el centro educativo Universal Mandala. La practicamos diariamente con los niños. Con esta práctica constante se puede ver muy bien el éxito. Preguntamos a los niños si les gusta ser tratados amablemente y cómo es la escuela, su entorno y si desean venir cada día. Poco a poco a lo largo del año vamos elaborando una guía que les lleva a descubrir por sí mismos que compartir o hablar amablemente con sus compañeros es recompensa suficiente. Nosotros los llamamos “jardineros de la paz”. Lo que sembramos es lo que recogemos. De esta forma van entendiendo que significa “sembrar” con la palabra y la acción para recoger bienestar, felicidad y paz. Es un proceso que se integra muy naturalmente porque está centrado en el “yo”, es decir, en lo que quiero yo.

El altruismo es una actitud fantástica pero muchas veces lamentablemente se queda en el intelecto, porque es muy difícil de satisfacer nuestro gigantesco ego, que hemos nutrido durante siglos.

La regla de oro realmente no dice nada de recompensa, solo nos acerca al entendimiento de la empatía y al reconocimiento del potencial de bondad y sabiduría en los demás seres. Si pudiésemos relacionarnos y acercarnos a los demás con el pensamiento de que tenemos delante un ser con un ilimitado potencial de sabiduría y bondad con esto estaríamos actuando de una manera responsable. Es la base. La enseñanza “Recta acción sin esperanza de recompensa” lo veo más útil para gente ya avanzada en el camino del altruismo. Con una mente investigadora se puede ver fácilmente que estamos sí o sí recompensados por nuestras acciones rectas, todo efecto procede de una causa, todo viene de algo, así como nuestras acciones tienen un antes y un después. Con un poco de trabajo hacia la atención consciente se puede empezar a ver muy bien por qué nos pasan las cosas que nos pasan. Con el tiempo y la práctica nuestra vida diaria se haría más fácil y nuestra mente más clara.

© Christoph Schubert

E.F. ¿En qué momento sientes la llamada de lo espiritual? ¿Es influencia de tu admirado John Coltrane?

M.G. Siento y pienso que he nacido, como todos, con un buen corazón. Pero a la tierna edad de 8 años viendo un documental en televisión, me di cuenta de las increíbles barbaridades que se cometían en la captura de delfines. Ahí, en ese momento, tomé la decisión no solo de ser vegetariana, sino también de hacer el menor daño posible al planeta; y es esto lo que he tratado de integrar en todas mis decisiones, ya sea en lo que trabajo o en donde pongo mi economía, o donde compro y lo que compro. Trato de vivir causando el menor impacto perjudicial posible tomando decisiones responsables para todo el planeta y ser un ejemplo para otros.

Escuchar y aprender de John Coltrane me ha aliviado y dado seguridad en mi camino. John Coltrane es para mí uno de los músicos más importantes que la humanidad ha podido conocer. Era un gran conciliador capaz de unir diferentes estilos, culturas y géneros reinventándose una y otra vez en cortos periodos de tiempo con gran consciencia política y profunda espiritualidad además de ser reconocido como un hombre excepcionalmente humilde, así como lo fueron Alice Coltrane o Pharoah Sanders.

E.F. ¿Nuestra civilización tal y como la entendemos está llegando al final de un ciclo por nuestro desprecio a la vida y nuestra falta de conciencia?

M.G. Hoy en día se ven las consecuencias de un largo periodo de tiempo de descuido de una población que supera los 7400 millones de habitantes.

Todo es un asunto de enfoque. Siendo bondadosos, responsables y compasivos, nos sentimos naturalmente bien y deseamos el bien para todos, pero sufrimos tremendamente cuando vemos que otros sufren.

Se han empezado a promocionar mucho los asuntos de medioambiente, el uso de energías renovables, la necesidad de reciclaje o la reducción del uso de plástico, entre otras iniciativas. Por fin parece que empezamos a concienciarnos. Pero la educación, el cuidado y conocimiento de la mente, es esencial. Aún estamos dando los primeros pasos en un mundo que aún nutre en exceso el mundo de los sentidos y la expansión externa olvidándose del mundo interior y la expansión interna. Si a esto le añadimos que en este avatar nos vemos dominados y manipulados por gigantes solo interesados en ganar riqueza, control y poder está claro que nuestro trabajo y práctica hacia la expansión de conciencia se duplica. Además, todos estamos en procesos de consciencia distintos y lamentablemente percibimos los hechos en una manera lineal, separados e independientes, sin llegar a entender totalmente que todo se puede cambiar con palabras y actos responsables si persistimos en ello.

© Christoph Schubert

E.F. Eres formadora musical en un centro educativo de Ibiza, Universal Mandala. ¿En qué consiste exactamente este centro y en qué medida influye en tu música?

M.G. Es un centro educativo para niños que considero está sentando las bases del nuevo paradigma de la educación. Un centro ejemplar. Cuando mis hijos estaban en la edad de ser escolarizados quería buscar una educación diferente para ellos, una educación que formara sus mentes para ser humanos cooperativos, reflexivos y empáticos. Seres preparados para usar su potencial para el bien de nuestro planeta y las especies que en él habitan preservando el bien de toda nuestra gran familia humana. Quería que pudiesen ser unos seres conscientes de sus responsabilidades. Todo esto lo he encontrado en Universal Mandala. Belen Köhler, su fundadora, es una visionaria excepcional. Al conocer a Belén y su proyecto educativo entendí enseguida que para que esta forma de educación llegue a más seres tenía que colaborar con ella en todas las formas posibles. Por tanto era natural el acercar la música y la comprensión y estudio de ésta a los niños de este centro desde los principios filosóficos y educativos de Universal Mandala. Las formaciones que ofrece Belen Köhler me abrieron al entendimiento de la interdependencia y la interconexión de todas las cosas y su procedencia, además de cómo vivir de una forma más beneficiosa para todos lo que ha hecho que con el tiempo me haya ido refinando más como ser humano.

E.F. El portal http://ukvibe.org/awards/best-jazz-albums-of-2018/) designa Golden Rule (RR GEMS Records 2018) como mejor disco del año 2018 en la versión vinilo. ¿Por qué elegiste el vinilo para su publicación en detrimento del formato digital? ¿Existen diferencias musicales con respecto a la posterior edición en CD?

M.G. Golden Rule es una continuación natural en la evolución musical y personal. Durante los años que Radomir Milojkovic y yo hemos trabajado juntos hemos notado una gran atracción hacia elementos musicales determinados y hemos filtrado y profundizado mucho en ellos. Era un regalo poder sacar el álbum en vinilo gracias a la propuesta de Valentine y Dimitri del sello discográfico RR Gems Records. Ellos han creído y apostado por el potencial de nuestra música y a través de su promoción tan efectivamente dirigida hemos entendido que efectivamente hay amantes de esta música. Les estamos verdaderamente agradecidos. Se ha formado una cooperación fina y de profunda de confianza entre nosotros, tanto es así que en otoño sacaremos un nuevo álbum de vinilo. Este nuevo álbum será una continuación en la evolución de Golden Rule, igual que éste era una evolución que empezó con la canción ‘Peaceful River’ (que se puede encontrar en el disco Awakening), pasando por los discos Earth Tones, Natural Time y Momentum.

E.F. Hablando de producto todos tus discos están editados por Dreamland Records Studios. ¿Qué importancia tiene tu figura en dicho sello discográfico?

M.G. Dreamland Records es nuestro sello discográfico, que hemos formado como vehículo para propulsar y promover nuestras visiones musicales. Queríamos máxima libertad musical y de diseño.

E.F. El diseño artístico de la portadas de los discos da carácter y personalidad a los disco haciéndolos un producto atractivo e indicador de lo que contienen. ¿Quién diseña las caratulas de tus discos?

M.G. Soy yo quien las diseña, usando las pinturas que hago en casa junto a mis hijos Ayelén y Iassù.

Pintar es una afición, un juego con colores y formas y siempre hemos pensado que reflejan bien nuestras obras sonoras.

© José Luis Luna Rocafort

E.F. Los últimos trabajos, Natural Time (2016), Momentum (2017) y Golden Rule (2018) conforman una trilogía formada por los mismos músicos a modo de formación estable. ¿Suponen un punto de inflexión en la música de Muriel Grossmann?

M.G. Pensamos que la música que tocamos se ha ido formando con la elaboración de cada álbum, por evolución, que hemos ido madurando a través de este profundo y continuado trabajo. Se puede decir que es la música de estos álbumes la que nos ha dado mayor satisfacción en cuanto a armonía, ritmo, melodía y mensaje subliminal.

E.F. En cuanto al grupo. ¿Podrías decirme cuando trabajo y esfuerzo (en lo que se refiere a ensayos, conciertos etc.) hay detrás del producto final que es el disco?

M.G. A Radomir y mi nos gusta ensayar, pero no estamos muy satisfechos con el hecho de tener a los miembros de la banda a tanta distancia.

Por supuesto somos muy afortunados de que al menos Uros esté con nosotros 3 meses al año y podamos durante este tiempo, cada fin de semana, crear un laboratorio musical donde elaboramos los temas, las estructuras y los ritmos. Pensamos que así se forma el sonido de la banda.

Es también una gran fortuna poder tocar junto a un gran músico como Gina Schwarz, que puede integrarse fácilmente en el conjunto y que además aporta ideas importantes para el sonido de la banda.

El trabajo de editar la música lo hacemos Radomir y yo. Somos el núcleo de esta banda. Trabajamos como una maquinaria fina con un buen engranaje. Pasamos horas y horas grabando los drones (instrumentos que sirven de fondo sonoro para la formación), toda una orquesta de instrumentos del mundo con los que la banda puede expresar el verdadero carácter de las composiciones.

Gina Schwarz. Foto: © Laura Gonzalez Guerra

E.F. Gina Schwarz, Uros Stamenkovic y sobre todo Radomir Milojkovic son los miembros de tu actual formación. ¿Podrías presentarnos a dichos compañeros de viaje y como los reclutaste para tu proyecto?

M.G. Con Radomir llevo trabajando desde hace mucho tiempo, nos entendemos profundamente en lo musical, reconocemos lo que nuestra música necesita ser y tener, desde las notas sobre el papel hasta el producto final. Nos encanta tocar juntos y descubrir los nuevos y antiguos senderos que hacen del jazz una música tan grandiosa. Siempre admiré su dedicación, su conocimiento y su arduo trabajo. Es un músico verdaderamente extraordinario con una extensa visión.

A Gina la conozco de mis días en Viena, es una música con carácter capaz de adaptarse a cualquier situación musical. Así que cuando llegó el momento de formar una nueva banda sabía bien a quién llamar.

Durante mucho tiempo he estado buscando un baterista para el nuevo viaje musical que quería comenzar, y lo encontré en Uros. El comprende la música y el papel que ésta música necesita.

Radomir Milojkovic. Foto: © Ferran Pereyra

E.F. Tu labor como saxofonista tiene un peso específico como instrumentista de valor incuestionable al igual que como compositora. ¿Cómo es el día a día en ambos campos?

M.G. Hay mucho campo a explorar en cada ámbito. Se necesita dedicación, tenacidad, persistencia y trabajo diario. Para componer me enfoco en el tema que quiero transmitir para que el mensaje se transporte a través de la música. Es así como lo hago cuando los nuevos temas o mensajes lo exigen.

E.F. ¿Qué tiempo dedicas al instrumento por día?

M.G. Quiero dedicar más tiempo a los instrumentos cada día, pues nunca me parece suficiente.

E.F. ¿Resulta dura la soledad como compositora?

M.G. ¡Para nada! ¡Disfruto este proceso de flujo de creatividad! Al igual que el tiempo practicando solo el instrumento, es un tiempo de introspección revelando los límites potenciales, un campo abierto a la creatividad.

Uros Stamenkovic. Foto: © Ferran Pereyra

E.F. ¿Influyen los sueños a la hora de crear tu música?

M.G. Es una pregunta muy interesante, la verdad. Mis sueños hasta ahora se manifiestan como una mezcla de situaciones del día a día y a menudo en forma de aventuras. Mis días están llenos de responsabilidades. En cuando pueda sacar algo de tiempo extra quisiera investigar en el yoga de sueño, para poder aprovechar estos más conscientemente.

E.F. Con la importancia que has ido adquiriendo a lo largo de tu carrera, ¿piensas que deberías tener in mayor reconocimiento?

M.G. Me gustaría que más gente pudiese disfrutar de mi música.

E.F. ¿En qué escenario o escenarios te hubiese gustado tocar y no lo has hecho?

M.G. En muchos, sobre todo escenarios de festivales de Jazz o en pequeños teatros. Me gustaría tocar en más países y continentes.

E.F. ¿Cuáles son los músicos qué más han marcado tu estilo?

M.G. John Coltrane, Ornette Coleman, Alice Coltrane…

E.F. ¿Cuáles han sido y son tus músicos favoritos dentro del jazz actual y del pasado?

M.G. Lester Young, Illinois Jacquet, Charlie Parker, Stanley Turrentine, Count Basie, Duke Ellington, Cannonball Adderley, Jimmy Smith, Lou Donaldson, Rusty Bryant, Julian Lee, Jazz at Lincoln Center Orchestra, Melissa Aldana, Joan Chamorro y sus proyectos con músicos emergentes, especialmente con Carla y Andrea Motis y Abril Sauri, Christian Lillinger, Robert Landfermann etc…

E.F. ¿Por qué músicas te has interesado al margen del jazz?

M.G. Música del mundo en general, Música tradicional de India, de África, de Tuvá, Soul, Jazz, Gospel, Blues, R&B……..

E.F. En otro orden de asuntos ¿Qué lecturas enriquecen tu labor como músico? ¿Estás interesada en el esoterismo, en el misterio o la parapsicología?

M.G. Lo que más me gusta profundizar es en los libros de budismo o libros de físicos como Stephen Hawking, Albert Einstein… Estoy leyendo continuamente. Ahora mismo estoy leyendo el libro Sleeping, dreaming and dying una exploración de la conciencia con su Santidad Dalai Lama.

E.F. Tu música es una búsqueda del compromiso y tiene cierto nivel de complejidad. ¿A quiénes crees que va dirigida?

M.G. Bueno, vemos a quién está llegando. A gente con amor a la música de John Coltrane y al Jazz espiritual, pero cuando tocamos en vivo es increíblemente bien recibido por todo el público. Ahora mismo lo veo más como un asunto de alcance.

La música que tocamos está dirigida a todo el público. A las personas les gustan las melodías bellas, les encanta un ritmo que les mueva y les ponga de buen humor. Pero la música también puede ser intelectual, compleja y con un ritmo que te mueva y te lleve hacia dentro, no solo hacia afuera.

E.F. Siguiendo por este camino y teniendo en cuenta que la sociedad va encaminada hacia la superficialidad, al dinero fácil, al producto mediático y a la inmediatez, ¿qué futuro le ves al jazz a nivel nacional e internacional?

© Peter Purgar

M.G. Pienso que se tendría que definir mejor la palabra jazz. Si hablamos de buena música o mala música, pienso que la buena es la que está y persiste en el tiempo, y esto no tiene límite geográfico. Si la educación musical, la introspección y el estudio profundo en la música se dieran tanto en casa como en la escuela esta música se podría mantener a un nivel más extendido.

Jazz es una palabra muy pequeña para una música tan amplia. Lo que puede ser jazz en estos días, podría ser engañoso para algunas personas. Por otra parte, cuando no etiquetas algo, es difícil decir lo que es.

Todo en este mundo tiene una palabra que lo define y con el Jazz no es diferente. Si dices que quieres un té verde y te traen un café, si no importase cómo se llama, te traerían cualquier líquido.

Algo que es tantas cosas es difícil de explicar y al Jazz se le considera muchas cosas. Esto puede confundir a las personas que lo escuchan; pero estos son los hechos.

E.F. ¿Eres de las que piensas que hoy día existen una cantidad importante de músicos de jazz y escasos oídos para apreciarlos?

M.G. Yo pienso que hoy en día por las posibilidades de YouTube y la velocidad de información, la música puede llegar a muchos oídos. Veo también que hay una gran cantidad de gente muy agradecida de poder disfrutarla. Pero una cosa importante para el jazz es conocer lo que era e ir más allá para saber lo que es hoy. Esto es difícil, pues parece que las dos vías están en conflicto constante.

La gente quiere oír algo nuevo y para eso se necesita de mucha experimentación y de muchas pruebas, lo que quizás haga que las personas se pongan impacientes y pierdan el enfoque. Por otra parte, la audiencia también quiere escuchar una hermosa melodía bien realizada. La música de Bach tiene aproximadamente unos 300 años, pero todavía se toca hoy y sin muchos cambios, lo mismo debiera ser con Louis Armstrong, por ejemplo. La vida y la música están siempre en movimiento y se mueven porque vienen de algo, porque algo ha habido antes, como muestra claramente la historia.

E.F. La música de Bach tiene 300 años, pero todavía se toca hoy y sin muchos cambios. ¿Esta frase tuya apunta a una objetividad de la Música o en realidad ésta no existe, sino que lo que realmente existe es el valor que el tiempo y el entendimiento humano le confiere?

M.G. Bach estableció los estándares de la música clásica hace poco más de 300 años. Lo mismo hizo Louis Armstrong. Estableció los estándares para el jazz como el swing, o el blues… y todos los innovadores que vinieron después como Charlie Parker, John Coltrane u Ornette Coleman profundizaron éstos. Lo mismo sucedió con los músicos que vinieron después de Bach. Ellos continuaron y profundizaron en su visión y en los estándares de la música clásica.

Si sitúas la música en el contexto del momento en que se creó y le das la perspectiva histórica de hoy, es lo más cercano a un punto de vista objetivo.

No he escuchado a Louis Armstrong en persona, pero he escuchado muchas grabaciones. De Bach tenemos las notas, pero la interpretación es contemporánea. La comprensión humana y el paso del tiempo a veces generalizan y estandarizan las cosas e incluso, en algún caso, las simplifican. Siempre tendemos a mirar los íconos sin prestar atención a otros grandes músicos en la sombra. Todo está ahí y mucho más, solo detrás, oculto.

Por tanto, la música tiene que ver más con la imaginación y la narrativa y siempre en torno a ese marco final. Para los músicos es importante cómo se hace, pero para los oyentes importa más cómo se presenta, cómo suena, cómo les hace moverse. Realmente la música es un complejo lenguaje capaz de transmitir mucho más que una frase con palabras habladas. No debemos además olvidar que la intención oculta tiene siempre un efecto fundamental.

E.F. ¿Qué proyectos tienes en mente de cara a un futuro cercano?

M.G. Ahora mismo estoy muy cerca de comenzar ya a mezclar el próximo álbum que saldrá como vinilo y CD en otoño. Durante el verano nos pondremos a grabar un nuevo álbum para 2020 mientras tocamos aquí en la isla de Ibiza inmersos en una temporada llena de conciertos locales y festivales fuera de la Isla como: el Vijazz en Villafranca e Inca Jazz Festival en Mallorca y el jazz club Porgy & Bess en Viena en otoño. En marzo tenemos planeado un estupendo concierto con renombrados músicos de Estados unidos, del que pronto sabréis más.

Gracias por tu apoyo y estas preguntas maravillosas.

Entrevista y texto: © Enrique Farelo, 2019
Fotografías: copyright en el pie de cada fotografía

Para saber más sobre Muriel Grossmann consulta: www.murielgrossmann.comhttps://murielgrossmann.bandcamp.com/




Vein “Symphonic Bop” (Fundación Carlos de Amberes, Madrid. 2019-05-23) [Concierto]

Por Enrique Farelo.

  • Fecha: jueves 23 de mayo de 2019 a las 20 horas.
  • Lugar: Fundación Carlos de Amberes (Madrid).
  • Grupo:
    Vein “Symphonic Bop”
    Michael Arbenz: piano
    Thomas Lähns: contrabajo
    Florian Arbenz: batería

Los tres componentes de trío suizo Vein, poseen una sólida formación clásica que muestran en sus conciertos fusionando con soltura esta faceta con la improvisación jazzística y habiendo sido acompañados por músicos del prestigio del trombonista Glenn Ferris y los saxofonistas Greg Osby, Dave Liebman o Andy Sheppard a lo largo de su ya dilatada carrera.

Con más de una docena de discos publicados se presentan en Madrid con su último proyecto Symphonic Bop del que tocaron dos composiciones: “Boarding the Beat” (también incluido en su álbum The Chamber Music Effect) con la que se abrió el concierto, y “Fast Lane” con la que lo cerraron; por el medio quedaron composiciones de su disco VEIN Plays Ravel completamente dedicado al compositor Maurice Ravel, entre las que disfrutamos, “Le Tombeau de Couperin”, “Movement De Minuet” o “Blues”.

El trío mantuvo el equilibrio de sus tres componentes tanto en sus intervenciones, arreglos, composiciones e improvisaciones a lo largo de toda la actuación mostrándose como grupo sólido y solvente, sin fisuras y con momentos de gran belleza estilística.

Con “Boarding the Beat” se pusieron las bases de lo que se nos iba a ofrecer. El cruce del swing con el feeling, la unión de lo apacible con lo tormentoso con constantes modulaciones y cambios de intensidad en el que todos participaron a partes iguales.

La suite “Le Tombeau de Couperin”, dividida en tres partes, “Prélude”, “Forlane” y “Toccata”, supuso un guiño que de M. Ravel hizo a la música barroca y fue uno de los momentos más apetecibles y gozosos de la noche por la fuerza y energía controlada que puso al piano Michael Arbenz en “Prélude” y un rememorar a la figura del maestro Bill Evans en la bella y apacible “Forlane” que finalizó con un juego de notas al piano en “Toccata” del propio Michael Arbenz para dar un paso adelante para la brillante intervención de Florian Arbenz a las baquetas a la que Thomas Lähns se sumó con solidez y elegancia.

Con la sincopada y “quebradiza” “Fast Lane”, finalizó la actuación de un trío poco conocido en nuestro país pero de indudable valor artístico y que ha merecido las mejores críticas de los últimos años.

Tomajazz. Texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019