HDO 410. En concierto con… e.s.t. live in london [Podcast]

El próximo 14 de junio se cumple el décimo aniversario del fallecimiento, en un desgraciado accidente cuando practicaba submarinismo, del pianista Esbjörn Svensson. En 2018 el sello ACT (en el que el grupo sueco publicó la práctica totalidad de su discografía), pone en circulación el doble CD titulado e.s.t. live in london, en el que recoje un concierto al completo del trío sueco en 2005, perteneciente a la gira de presentación de Viaticum.  La grabación sirve para seguir lamentando la enorme pérdida que supuso que Svensson nos dejase tan pronto y tan joven, y para poner en valor tanto la enorme calidad del trío (que completaban Dan Berglund, Magnus Öström y el técnico de sonido y encargado de la grabación Ake Linton), así como la de Viaticum (un enorme éxito en su momento). En HDO 410 escuchamos, sin solución de continuidad, el inicio de ese magnífico concierto.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018

HDO es un podcast de jazz e improvisación (libre en mayor o menor grado) que está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Para quejas, sugerencias, protestas, peticiones, presentaciones y/u opiniones envíanos un correo a hdo @ tomajazz . com.




Naima © Sergio Cabanillas, 2016

Naima (Rock Palace, Madrid. 2016-04-28)

  • Fecha: 28 de abril de 2016
  • Lugar: Rock Palace (Madrid)
  • Grupo:
    Naima
    Enrique Ruiz: teclados y sintetizador.
    Rafael Ramos: contrabajo
    Luis Torregrosa: batería

Naima © Sergio Cabanillas, 2016

Naima
© Sergio Cabanillas, 2016

El trío valenciano Naima acaba de poner en el mercado su cuarto disco – Byeen el sello Cuneiform Records, sumándose así al catálogo de esta prestigiosa discográfica especializada en géneros diversos que van desde el rock progresivo al jazz de última hora, pasando por otros sonidos difíciles de clasificar.

Enrique Ruiz © Sergio Cabanillas, 2016

Enrique Ruiz
© Sergio Cabanillas, 2016

Naima constituye una propuesta original que se sale de los caminos más trillados dentro del ámbito de las músicas creativas. En escena, un batería enérgico, un contrabajista al que le gusta extraer sonidos diferentes, y un pianista – teclista que sabe volar hasta altas cumbres sonoras.

Rafael Ramos Sania © Sergio Cabanillas, 2016

Rafael Ramos Sania
© Sergio Cabanillas, 2016

Naima pertenece a ese grupo indefinido de propuestas donde importa más la búsqueda y la exploración de ritmos sonoros que las etiquetas. En su repertorio caben por tanto guiños a temas pop de grupos como Depeche Mode, The Pixies o The Smiths, hasta nombres como Brad Mehldau o Esbjorn Svensson. Sobre todo la senda del trío de este sueco tristemente fallecido es la que está muy presente en su repertorio.

Luis Torregrosa © Sergio Cabanillas, 2016

Luis Torregrosa
© Sergio Cabanillas, 2016

Aunque la actuación en Rock Palace no hizo justicia al grupo y al disco recientemente editado, Naima supo mantener el rigor y la profesionalidad que se le exige a un grupo que busca su camino dentro de una sociedad difícil y salvajemente competitiva.

 

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Sergio Cabanillas, 2016




Arturo Mora Trío, un grupo con mucho carácter. Entrevista a Arturo Mora por Pachi Tapiz

Arturo Mora es un viejo conocido para los lectores de Tomajazz. Habitual en nuestras páginas (web) como cronista y opinador de la actualidad del jazz, tiene tras de sí una apasionante e intensa carrera musical: del bajo eléctrico dio el salto al contrabajo; musicalmente se ha movido por terrenos del metal extremo, el folk y el jazz. Hace unos meses publicaba el EP Sign of the Future a nombre de su trío. Es precisamente con este trío (completado por el guitarrista Hugo Fernández y el baterista Enric Castelló) con quien se presentará en Bogui Jazz el próximo jueves 16 de julio. Pachi Tapiz entrevistó por correo electrónico a su amigo Arturo Mora acerca de este concierto y este proyecto, y también sobre los próximos pasos en su carrera musical, entre otros asuntos.

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PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ: Tu primera obra con tu trío, Sign of the Future, fue un EP. Al contrario de lo que ocurre en otras presentaciones, tu estreno con esta formación incluía cinco temas, pero más que el número de temas lo llamativo era que tenía una duración corta, un poquito más de media hora,  que tampoco llegaba a la duración estándar de un LP. En otros casos los estrenos se alargan y se alargan hasta llegar a los límites temporales de duración de un CD. ¿Por qué elegiste ese formato de EP?

ARTURO MORA: Cuando grabamos Sign of the Future el grupo ya contaba con casi 20 temas originales, pero quise enfocarlo como una simple tarjeta de presentación para darnos a conocer y atraer público a los conciertos. Elegimos cinco temas de entre los que mejor funcionaban en este formato de trío y dejamos que el resto siguieran desarrollándose en directo.

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PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ: ¿Qué vas a presentar en el concierto de Bogui?

ARTURO MORA: Este concierto llega en un momento en que el grupo está sonando con mucho carácter. No solo conocemos bien el repertorio; además este ha ido creciendo y se ha adaptado a nosotros a lo largo de estos dos años. Tanto el guitarrista Hugo Fernández como el batería Enric Castelló han hecho un trabajo excelente para asimilar las composiciones, hacerlas suyas y formar parte de ellas. En cuanto al repertorio, abordaremos los temas del EP y otros originales donde la palabra clave es variación. Cada tema cuenta una historia y cada espectador puede encontrar afinidades fuertes en varios momentos distintos de la actuación. Me gusta ver los conciertos del trío como un viaje musical formado por diversos relatos cortos independientes pero íntimamente relacionados.

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PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ:  Ha pasado ya un tiempo desde la publicación de Sign of the Future: ¿cuál es el siguiente paso en la vida del trío?

ARTURO MORA: Como ocurre con cualquier grupo de jazz, el proyecto está vivo mientra haya actuaciones en directo. Aparte de seguir buscando conciertos, profundizar en detalles de las composiciones e ir añadiendo temas nuevos, me gustaría incorporar poco a poco colaboraciones de otros músicos para ampliar la paleta de texturas sónicas. Estoy muy contento con Sign of the Future, pero no quiero que el próximo trabajo discográfico sea una simple continuación.

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PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ:  Hasta ahora los temas publicados son tuyos… ¿tenéis la intención de incluir algún tema que no sea de tu autoría?

ARTURO MORA: Habitualmente tocamos standards y composiciones de otros músicos en los diferentes proyectos que integramos. Este grupo representa una visión personal y original de la música, por lo que intentamos ofrecer siempre temas originales, aunque tampoco estamos cerrados a incluir alguna versión si tiene sentido hacerlo en algún momento.

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PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ:  ¿Cuáles son tus referencias tanto con el contrabajo como componiendo?

ARTURO MORA: Curiosamente, aunque en este trío toco el bajo eléctrico, mis referencias en cuanto a la función del instrumento son casi exclusivamente de contrabajistas. Los que más me han influido son Paul Chambers, Ron Carter, Charlie Haden y Dave Holland. En cuanto a las composiciones, Pat Metheny y Esbjörn Svensson han ejercido en mí una influencia descomunal. En esta categoría también incluiría a John Scofield y a músicos no relacionados con el jazz como Mike Oldfield y Michael Nyman.

PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ:  ¿Cuál es el músico de jazz por antonomasia, vivo o muerto?

ARTURO MORA: Supongo que esta pregunta tendrá tantas respuestas como aficionados al jazz. Personalmente, el músico al que más he admirado siempre como jazzman es John Coltrane, quizás compartiendo pedestal con Miles Davis.

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PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ:  Has sido un observdor atento, como periodista, de la escena del jazz en la última década: ¿qué es lo que resaltarías? ¿Cómo ves el panorama actual?

ARTURO MORA: En lo que llevamos de siglo se ha afianzado la tendencia a la diversificación estilística que surgió a finales de los años sesenta. De hecho cada día es más difícil hablar de estilos, porque hay músicos con unas voces individuales demasiado fuertes como para encasillarlas en etiquetas. Siempre he sido muy seguidor de la escena europea, a la que veo muy fuerte a pesar del triste fallecimiento de Esbjörn Svensson en 2008. Entre los músicos europeos que más me llaman la atención están los contrabajistas Lars Danielsson y Mats Eilertsen, y los pianistas Leszek Mozdzer, Gwilym Simcock, Neil Cowley y Stefano Battaglia. Mis propuestas americanas favoritas de la actualidad son las de Vijay Iyer, Antonio Sánchez, Orrin Evans, Christian McBride y Alex Sipiagin. Fuera de ambos continentes creo necesario destacar al pianista israelí Shai Maestro.

PACHI TAPIZ – TOMAJAZZ:  Tu carrera musical es muy llamativa. Ahora mismo eres uno de los contrabajistas más activos en la escena local madrileña, puesto que participas en varias jams semanalmente. Si no me falla la memoria en el último año has tenido cerca de 200 conciertos – actuaciones. Sin embargo no siempre has estado ni con el jazz ni con el contrabajo. Comenzaste con el eléctrico participando en grupos de metal extremo, luego en propuestas folk como Babieca… si miras hacia atrás, ¿cómo te veías con la edad que tienes ahora hace quince o veinte años?

ARTURO MORA: No podría haberme imaginado la situación actual ni en el mejor de mis sueños; y en cambio cuanto más avanzo más ignorante me siento. En este momento creo haber recorrido una parte mínima del camino. La música es un campo apasionante e infinito, y cuanto más se acerca uno a sus objetivos más crecen y se alejan. Siempre hay que estar en continuo movimiento, siempre buscando las señales del futuro.

Entrevista: © Pachi Tapiz, 2015
Fotografías en directo: © Pedro Wiesmann, 2014
Fotografías en estudio: © Gabriel Castellano, 2014




Vernau Mier Quintet: Nebuloses D’Azimut (PSM Music, 2014)

Vernau Mier Quintet_Nebuloses d azimut_2015En febrero del año 2014 estuve en el local Jazzsí de Barcelona viendo una jam session a cargo de varios jóvenes músicos de Barcelona (y puede que de otros lares). Precisamente escribí una crónica de mis vivencias jazzísticas en la Ciutat Condal que posteriormente se publicaron en la web de El Club de Jazz*. En relación a mis impresiones de la jam, decía que no podía incluir los nombres de los músicos ya que no los pude obtener (aunque los pedí expresamente). Digo todo esto porque Vernau Mier, era uno de los saxofonistas de aquella noche. Buscando información en su página web oficial lo reconozco por la fotografía y posteriormente lo confirmo con el propio músico. Unos meses después de aquella sesión y financiado a través de una campaña de micro mecenazgo, Nebuloses D’Azimut (PSM Music, 2014) supone el debut discográfico del Vernau Mier Quintet

“El disco pretende ser un reflejo de las experiencias musicales que he vivido en los últimos años, al mismo momento que marca el camino que quiero seguir. De aquí viene el título del disco, ya que Azimut es el ángulo que se forma entre una posición de origen y una estrella, siendo el disco un retrato de quién soy y a donde quiero ir”

Palabras del joven saxofonista que con tan solo veinte años confecciona un disco con nueve composiciones de su autoría excepto “Galactic Pepper” de Manel Fortià. El mismo autor se declara ídolo de los grandes clásicos: Charlie Parker, John Coltrane, Cannonball Aderley, Miles Davis… pero también de autores actuales como: Chris Cheek, Perico Sambeat, Esbjörn Svensson, Gorka Benítez… y efectivamente, la música de Nebuloses D’Azimut se mueve entre un clasicismo evidente pero con un ojo puesto en el presente y futuro, es decir, las composiciones asimilan y se alimentan de los clásicos pero el sonido global del disco se acerca a un sonido más contemporáneo. Más actual pero con una base bien consolidada. Música talentosa, vibrante, potente y sincera. Temas de entre seis y nueve minutos que son desarrollados con buena soltura y notable coherencia. Los cuatro jóvenes músicos que acompañan a Vernau Mier se contagian (o comparten) la pasión del líder y corresponden con creces. Me gustaría destacar al pianista Toni Saigi que en cada improvisación sorprende por sus planteamientos dentro de la lógica del álbum (una buena muestra es su magnífica improvisación en “A les closques”). Hay clasicismo en sus pulsaciones pero se desmarca con ideas renovadas y sorpresivas. En la jam que comentaba al principio, había un pianista que me sorprendió y que tenía una forma de tocar parecida (o igual). Me comenta Vernau Mier que probablemente era el mismo Saigi.

Nebuloses D’Azimut es una ópera prima de altura que debe tener continuidad. Vernau Mier se la juega desde un inicio con sus propias composiciones. Sin acudir a standards. Y la cosa funciona. Y además se acompaña de músicos bien jóvenes con mucho talento y que transmiten porque realmente sienten lo que tocan. Atentos a la evolución de este joven quinteto. Quedamos a la espera de futuros proyectos.

© Jesús Mateu Rosselló, 2015

Vernau Mier Quintet: Nebuloses D’Azimut

Músicos: Vernau Mier (saxo alto), Lucas Marínez (saxo tenor), Toni Saigi (piano), Manel Fortià (contrabajo), Marc Bódalo (batería)

Composiciones: “Martilla”, “A les closques”, “Watkins”, “Sicari”, “Azimut”, “Sunshi”, “Menudo cuento”, “Rossiwall” y “Galactic Pepper”
Todos los temas compuestos por Vernau Mier excepto “Galactic Pepper” de Manel Fortià.

Autoproducido por Vernau Mier. Editado y distribuido por PSM Music

 

*Enlace crónica Barcelona en El Club de Jazz: http://www.elclubdejazz.com/roundjazz/articulos_jazz/cronica_viaje_barcelona_jesus_mateu.html




Nani García: un secreto muy bien guardado. Entrevista por Pachi Tapiz

El pianista gallego Nani García es un músico polifacético, como mínimo. En su historial está su participación en el mítico grupo Clunia (junto a Baldo Martínez y Fernando Llorca en sus inicios), ganador del segundo premio en el concurso internacional del Festival de Jazz de San Sebastian en 1983. En esa misma edición el pianista ganó el primer premio a la mejor composición y arreglos. A lo largo de los años ha continuado con su trabajo como pianista de jazz, aunque este músico ha diversificado su labor hacia otros campos como son la composición de bandas sonoras para películas, cortos, documentales y series de televisión (es el autor de la música que acompaña a las películas de animación Arrugas –que ganó dos Premios Goya-, y De profundis –nominada a esos mismos premios); la colaboración con grupos ajenos al jazz como Luar Na Lubre, la dirección del sello discográfico Xingra, o la dirección del Festival Internacional de Jazz de Vigo Imaxinasons sucediendo en el cargo al contrabajista Baldo Martínez. A pesar de que su discografía de jazz es relativamente escasa (cinco grabaciones con Clunia –la última de ellas 5 en su reactivación en 2009- y el estreno del Nani García Trío en 2012 –Renaissance), la publicación en octubre de 2014 de Serendipia (Xingra; distr. Karonte, 2014), segunda entrega de su trío, lo vuelve a resaltar como uno de los mejores pianistas del panorama nacional. Pachi Tapiz entrevistó al pianista.

portada 300ppp 180x180mmPachi Tapiz: ¿Quiénes son los músicos que participan en tu nueva grabación Serendipia?

Nani García: Los componentes del grupo son los mismos del anterior. Simón García en el contrabajo y Miguel Cabana en la batería. Los temas son todos de mi autoría.

Pachi Tapiz: ¿Cómo surge esta grabación?

Nani García: La grabación es una consecuencia directa el trabajo hecho en la primera entrega. El trabajo de trío requiere mucha consolidación y es bueno darle tiempo y oportunidades para crecer. De todos modos en las futuras entregas, sobre todo en directo, es posible que colabore con Lucía Martínez y con algún otro bajista. La razón es por la disponibilidad de fechas de los otros dos miembros.

Pachi Tapiz: ¿Cuáles son tus tríos de piano de referencia?

Nani García: Mis tríos de referencia son varios. Muchos de ellos no se parecen en nada. Crecí al amparo de Bill Evans, McCoy Tyner, (fueron mis dos primeros discos: The Bill Evans Album y Nights of Ballads and Blues). Pero fuí acólito de Chick Corea, Herbie [Hancock] (lo sigo siendo), de Richard Beirach (un avanzado de su época) y por supuesto [Keith] Jarrett. Mi trío de referencia preferido pero inalcanzable. Actualmente lo son los obvios: [Brad] Mehldau (digan lo que digan, toca en otra galaxia), Joachim Kühn. Me gustan Vijay Iyer, Django Bates, Aaron Parks. Me encanta el trío de Jason Moran. Muchísimos. Me estoy olvidando de unos cuantos.

Pachi Tapiz: ¿Y el Esbjorn Svensson Trio?

Nani García: El Esbjorn Svensson Trio lo conozco, me gusta, pero no lo tengo como referente de ese nivel del que hablamos. Viví en Suecia cuando el jazz escandinavo empezaba a gestarse. Conocí a Jon Balke, Bobo Stenson. Conocía la música de Sidsel Endresen y de Bugge Wesseltoft. Ellos llegaron antes.

Pachi Tapiz: Una pregunta complicada… ¿Keith Jarrett o Brad Mehldau?

Nani García: Realmente Jarrett podría ser el espejo donde me gustaría mirarme pero dicho esto con todas las prevenciones del mundo. Si algo admiro de esos pianistas de los que hablamos, y podrían perfectamente ser todos, es que tienen un lenguaje propio y elaborado a través del tiempo. El jazz permite eso pero no todo el mundo aprovecha ese recurso de igual forma.

Sin duda Jarrett. No le quito valor a Mehldau. Pero Jarrett tiene, aparte del trío, su etapa del cuarteto europeo con Garbarek y compañía, y el americano con Haden, Redman y Motian. Es el maestro de los demás.

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© Nelson Corsino, 2014

Pachi Tapiz: Otra pregunta complicada… escuchándote y leyendo lo que cuentas, ¿hay un jazz “europeo” o a la europea? Hay quien no lo admite, pero escuchando tu música no estoy muy de acuerdo…

Nani García: Primero, con el jazz llegó el momento (y los músicos tuvimos la oportunidad) de acercar al músico-poeta (músico-artesano) a su estadio más personal, íntimo y por lo tanto artístico. Con menos parafernalia y pompa que el que hasta ese momento tenía el músico creador proveniente del mundo clásico. El recurso de acercar al mundo su manera de ver la música se hizo inmediato: “este soy yo y esta es mi música”.

Segundo, solemos vivir en comunidades definidas fundamentalmente por su entorno cultural. La globalización nos impone muchas cosas pero el sustrato cultural que emana del entorno sigue sobreviviendo pese a todo. Somos globales en lo económico, en lo social, pero el entorno humano, cultural, ecológico nos define.

Sumamos lo personal al entorno y tenemos el resultado que buscamos. Qué sucede: que Galicia como tal no tiene ni genera la suficiente energía para crear escuela. Pero el entorno Europa sí lo hace. Incluso España mismo.

Las escuelas tipo Berkeley tienden a uniformizar y esconder un recurso artístico que ofrece el jazz. Su intención no es mala. Me consta que los profesores de allí buscan lo contrario en cada persona, pero la maquinaria es demasiado poderosa.

Resumen: ¿Existe un jazz Europeo? Me consta que sí pero eso no es lo importante. Lo importante es que existen Jorge Pardo, Joachim Kühn, Michael Wollny, Jan Garbarek, Django Bates, Chano Domínguez.

Al hilo de esto te comento, hace unos días hablando con Adrián Iaies, director del festival de Jazz de Buenos Aires, me comentaba que los músicos españoles tenían una acogida muy fría en su festival y que la gente no solía ir a sus conciertos, salvo Chano Domínguez (que era el único nombre del que se acordara). Y la razón es que no interesan demasiado cuando no son capaces de ofrecer nada original. Suena a obviedad pero es cierto doblemente por obvio.

 

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© Nelson Corsino, 2014

Pachi Tapiz: Quería preguntarte sobre el jazz “español”. A mí me da la impresión de que con la excusa del jazz flamenco hay muchas propuestas que son sólo maneras de intentar vender lo más reconocible del flamenco obviando o arrinconando el aspecto jazzístico. No es sólo la intención, sino el trabajar sobre esos dos materiales musicales adecuadamente y hacer que encajen debidamente. ¿Qué opinas tú sobre esto?

Nani García: Partamos de la base de que la música en sí es pura fusión. El material del que está hecha la música así lo demanda. Es maleable y resiliente. Aguanta todo. Ahora bien, la estética a través de los siglos ha ido filtrando lo que vale y lo que no. Lo que permanece y sirve de plataforma para ulteriores evoluciones y lo que se descarta. No quiero desviarme demasiado del tema pero a lo que voy es que toda fusión con resultados aceptables lleva mucho tiempo. Para fusionar bien conviene tener conocimientos técnicos suficientes sobre los materiales a fusionar. Me desdigo: si esos recursos no son suficientemente técnicos, que al menos sean emocionales, vivenciales, en definitiva artísticos. Pero el proceso para ser eficiente debe sedimentarse a lo largo del tiempo. Debe calar en la audiencia, sufrir un proceso de vuelta al músico que reprocesa esa información y la deja de nuevo ante el público.

Me vienen a la memoria los primeros pinitos del folk gallego intentando fusionarse con el jazz hace tres décadas y lo comparo con lo que hoy se puede escuchar.

Creo además, que en determinados momentos este proceso de fusión sufre al ser forzado. Las dos piezas no encajan, se fuerzan para que lo hagan y el resultado deja marcas, mellas en el producto.

Contestando al tema del flamenco, del cual no soy ningún especialista, creo que efectivamente es posible que se abuse de los tópicos pero es que a día de hoy tampoco creo que el flamenco sea un pozo sin fondo. Dejando de lado las cadencias armónicas típicas que definen y delinean de forma inequívoca esa música hay que tener en cuenta que lo que verdaderamente aportó como novedad el flamenco al mundo son sus aspectos rítmicos. Y eso, a día de hoy, ya está tipificado. Insisto lo de a día de hoy, porque a día de hoy no me alcanza la imaginación para ir más allá. En este caso soy audiencia.

Lo que tú apuntas como aspectos jazzísticos son los mismos comunes a otros estilos en el jazz. Esa dificultad, que deriva de una vocación universal del jazz (y si me apuras de toda la música, arquitectura, etc.) es la de ir ocultando la estructura, atomizando sus componentes paso a paso. La historia de la música lleva luchando a lo largo de los siglos por conseguir estructuras cada vez más sofisticadas y una vez lo ha conseguido se devana los sesos por esconder esa estructura con los medios que posee: armonía, melodía y ritmo. Y lo más difícil: todo esto tiene que resultar bello y mínimamente comprensible para los mecanismos de la emoción humana.

Pachi Tapiz: Otra pregunta sobre esto que comentas, es que si no piensas que la falta de un cierto conocimiento de ciertas músicas de nuestro país ajenas al flamenco hacen que pasen desapercibidas las posibilidades de propuestas con base en el folklore, que no obstante tienen en gente como Baldo Martínez, Josetxo Goia-Aribe y otros, a unos artistas que están creando unas propuestas de mucho interés.

Nani García: Respecto a esto lo único que puedo añadir es, ¿dónde está la falta de conocimiento de esas músicas?. En la audiencia (medios incluidos), o en los creadores (y en eso quiero incluirme yo, pues no es ninguna crítica). Yo creo que más bien está en el tiempo.

De todos modos vuelvo a insistir. Tenemos que ser muy delicados reflexionando sobre lo que estamos aportando o no. Mehldau por ejemplo, progresó en su aportación al jazz profundizando en el estudio de las armonías impresionistas de la escuela francesas. Fue una vuelta de tuerca más.

Otras veces las aportaciones de nuevos creadores son simplemente tímbricas. No hay más. Pero eso también es importante y evoluciona. Ya no se produce igual que hace años. No solo en las grabaciones. Los directos, cuando son logrados, suenan distinto que hace años. Los bateristas, por ejemplo (todos los músicos en general), tocan de otra forma. Están mucho más concienciados con las dinámicas que en los años 70-80 cuando la irrupción de la electrónica hizo tabula rasa con el forte-piano.

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© Nelson Corsino, 2014

Pachi Tapiz: Volviendo al trío: ¿cuánto tiempo lleváis funcionando como tal?

Nani García: Con este trío llevo funcionando desde el 2011 cuando hicimosl os primeros conciertos, pero de forma plena y con disco desde 2012. Al batería lo conocía y había tocado con él en varias ocasiones anteriormente, pero el caso del contrabajista fue conocerlo y tocar con él todo en una. Antes no sabía de su existencia.

Pachi Tapiz: ¿Cómo realizas tu trabajo como compositor?

Nani García: Como compositor, que entiendo que es la tarea a la que dedico más tiempo, voy alternando entre componer por encargo y entreverando perlitas para mi uso particular. A veces me enfrasco en encargos grandes que me llevan toda la energía y entonces lo que hago es ir anotando en forma de borrador ideas que creo en ese momento que me pueden servir para el futuro. Sea para el trío o sea para cualquier otro formato. Casi siempre tengo abiertos dos o tres proyectos de manera que se van realimentando los unos a los otros. Claro está, lo inmediato siempre es lo alimenticio y lo otro puede o tiene que esperar.

Pachi Tapiz: ¿Cómo funciona el desarrollo de la música del trío? En las grabaciones aparece muy elaborada. ¿Llegas tú con la mayor parte de las ideas ya finalizadas y se las propones al grupo, o hay en el resultado final una parte importante de trabajo que se desarrolla en los ensayos?

Nani García: Sí, justo eso. Una vez propuestos los temas los desarrollamos en todo lo que es la faceta de interaccionar. Sucede que una vez tocada varias veces yo pierdo la referencia de lo que traía originalmente y el tema se va cocinando hasta llegar a lo que realmente termina siendo. Esto es algo que tiene el jazz y que no tienen otras músicas. La influencia de las personas que tocan contigo dejan mucha huella en las composiciones. De hecho por momentos vuelvo a los apuntes que tengo originales y noto los cambios, Si me convence lo que hemos conseguido lo dejo ir; si no, corrijo un poco para volver a empezar. Esto último sucede rara vez.

Pachi Tapiz: Una parte importante de tu trabajo es como compositor. Tus creaciones han aparecido en creaciones tan importantes como la traslación al cine del cómic Arrugas. ¿Cómo es tu trabajo como compositor de bandas sonoras? ¿Trabajas sobre el guion? ¿La escritura es a priori, a posteriori -aunque supongo que algo como la banda sonora de Ascensor para el cadalso de Miles Davis no será fácil que se animen a hacerlo?…

Nani García: Bueno, suelo trabajar sobre imágenes. Creo que en definitiva la relación imágenes / música es una de las manifestaciones más características que define el arte de nuestra época. Esta especie de post industrialismo tecnológico. Trabajar sobre el guion es baladí. El guion es eso para el director que después cuenta una historia con imágenes y el ámbito emocional del que se alimenta la música viene a ser definido en última instancia por el relato fílmico. Es una relación realimentada (o retroalimentada, como se diga); nada de lo que se ve con música es igual emocionalmente a lo que había anteriormente sin ella. Y viceversa. Con el paso del tiempo vamos asistiendo a la creación de tópicos imagen / música. Aunque esto en realidad ya viene desde la tradición escénica y lírica del romanticismo. Por eso lo bonito es descubrir novedosas interacciones en algunas películas en las que un compositor abre una nueva vía. Aunque eso, a veces es muy subjetivo. De hecho ese es uno de los valores principales que aporta la música en relación a la imagen. Su capacidad para profundizar en la subjetivación las reacciones del público ante una propuesta concreta imagen / sonido.

Tampoco está mal que la imagen se monte sobre la música. Esa es la propuesta estética del videoclip en la que ahora se tiende a ir más allá con ideas más profundas.

Y sí, la escritura siempre es a posteriori. Para mí, cuanto más acabadas estén las imágenes mejor. Aunque no siempre es el caso. En fin, se podría hablar muchísimo sobre esto.

Es algo que me gusta hacer sobre todo si los proyectos son interesantes. Algo que todavía no he tenido ocasión de hacer es algo que relacione música de cine mezclada con jazz. Hay mucho hecho pero yo no he tenido ocasión. Me refiero a una película. Pero lo que sí tengo hecho es un repertorio del que en breve grabaré un CD en el que con el trío y un cuarteto de cuerda interpretamos temas de mi autoría hechos para el mundo de la imagen en clave de jazz. El proyecto se llama Cinematojazzía y estuvimos en junio pasado en el Festival Internacional de Música de Cine Provincia de Córdoba. Un festival magnífico y singular. El más importante en su género en España y (no quiero pecar de ignorante), uno de los más importantes en Europa. Está dedicado íntegramente a la música de cine y a sus compositores como estrellas del festival.

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© Nelson Corsino, 2014

Pachi Tapiz: En Cinematojazzía ¿el cuarteto de cuerda tendrá también un hueco para la improvisación o únicamente tendrán un papel como acompañantes con la música que tengan que interpretar sobre las partituras?

Nani García: No, el que improvisa es el trío. Ellos hacen, junto con el piano, la parte más cinematográfica del tema.

Pachi Tapiz: Otra pregunta: ¿en qué otros proyectos estás trabajando?

Nani García: Bueno, ahora mismo estoy trabajando en un proyecto con la Orquesta Sinfónica de Galicia y el grupo folk Luar na Lubre, uno de los referentes en Galicia y en España de la música celta. En espera están varios proyectos de cine. Está la grabación del trío con Cinematojazzía. Y cosas menores que se van entremezclado en el día a día.

Pachi Tapiz: Por cierto, no puedo dejar de preguntarte sobre ello: tú fuiste uno de los integrantes del grupo Clunia. Hace unos años publicastéis 5. ¿Hay la previsión de publicar alguna nueva grabación, o incluso la posibilidad de que realicéis una retrospectiva o publicación de material inédito -si lo hubiera- en forma de algún directo…?

Nani García: La verdad es que no lo sé. Cuando grabamos este último trabajo 5 teníamos muchas esperanzas de mover el tema pero hicimos tres conciertos y la cosa no fue a más. No sé decirte lo que haremos en el futuro. Con Baldo [Martínez] siempre están ahí las ganas de hacer algo. Es cuestión de ponerse de acuerdo.

Pachi Tapiz: Además de cómo músico estás en el otro lado de la barrera, ya que estás al mando del sello Xingra. ¿Cómo surge y cuáles son sus objetivos?

Nani García: Xingra nació con vocación de sello discográfico interdisciplinar pero el sentido práctico de la vida hizo que nos decidiéramos a limitar nuestra publicaciones y sobre todo nuestras producciones y centrarnos en el mundo del jazz, la música contemporánea y las bandas sonoras. Pero sobre todo el jazz. Empezamos con más fuerza en la época en que no había tanta autoedición y ahora mismo somos tan selectivos con nuestras publicaciones como podemos, y procuramos editar cosas producidas por nosotros con un cierto control sobre el producto. No siempre sale bien y no tenemos gran oferta, pero lo que hacemos lo controlamos nosotros. Fundamentalmente Xingra focaliza su actividad en la capacidad de producción que tenemos las dos personas que formamos la compañía. Ambos tenemos una amplia experiencia en el mundo de la producción desde diversos ángulos. Somos Javier Ferreiro, miembro de Luar na Lubre y técnico de sonido de cantidad de bandas sonoras de diversos compositores en este país, y yo.

Pero la principal actividad completa y combinada de producción/publicación en Xingra es el jazz. Es mucho más inmediato, los músicos son magníficos y en nuestras instalaciones hemos conseguido un sonido que nos gusta y que controlamos y en el que basamos nuestra propuesta artística.

Para mí es de una gran comodidad tener acceso fácil a un estudio de manera que puedo ser más eficiente sin necesidad de pasar por demasiados filtros.

Pachi Tapiz: Además de al otro lado de la barrera como involucrado en Xingra, también eres el director artístico del Festival Imaxinasons, algo que por otro lado no es habitual en dos facetas: por ser músico, y por existir ese rol en este festival. Llegaste a Imaxinasons cuando estaba consolidado, puesto que habían tenido lugar ya unas cuantas ediciones. ¿Cómo ha sido el encargarte del festival, asumir la línea estilística que tenía -mirando al jazz gallego y español, y al europeo de lo que se podría calificar como vanguardia jazzística-, pero en plena crisis económica? ¿Hacia dónde se dirige el festival?

Nani García: Asumí desde el principio la linea artística del festival pues además de coincidir grosso modo con su filosofía me pareció una muestra de respeto dar continuidad al fantástico trabajo de mi predecesor, y al no menor esfuerzo realizado hasta la fecha por parte del equipo de producción y de organización del festival. El presupuesto menguó y el paso del tiempo dio lugar a pequeños cambios que fuimos asumiendo paulatinamente en las siguientes ediciones.

A base de pequeños matices todos los años hemos ido puliendo y definiendo las líneas de trabajo que nos motivaban; mantener la calidad, mantener la personalidad del festival, apostar por propuestas gallegas siempre desde la singularidad, buscar hueco para lo local pues los músicos locales son punto de partida y destino de lo que hacemos, menos escenarios pero más definidos, dar a conocer nuevos artistas y nuevas tendencias al público avezado y hacer llegar el mundo del jazz y las músicas improvisadas a los no tan puestos con conciertos menos exquisitos pero manteniendo el nivel de calidad bien alto. Lo de la vanguardia en Vigo esperamos que sea circunstancial (sé que es una contradicción en sí), y de este modo lo estamos empezando a notar, en la medida que cada vez notamos menos caras perplejas entre nuestra audiencia.

También es bueno estar atento todos los años a los cambios que se están produciendo en el entorno del mundillo. Lo que esta edición parecía ser tendencia y vanguardia puede que en un año se convierta en soniquete, kitsch o algo súper manido. De manera que empiezas a notar ciertas tendencias un poco tóxicas y viciadas. Como refugios cómodos para algunos músicos poco generosos.

Es como el principio dialéctico ese de “unos pocos árboles son un grupo de árboles, pero unos cuantos más ya son un bosque”. ¿Cuándo algo deja de ser árboles para pasar a ser bosque? Difícil de saber pero hay que estar ojo avizor.

Es cierto que la crisis se hace notar. De mil maneras. De hecho somos raros y escasos los festivales de esta índole. Considero que hay algo así como dos verdades absolutas en este campo de los festivales de música. Primero apostar por la calidad, y lo segundo apostar por la longevidad. Los que hacemos festivales, y me refiero a todos los que tenemos alguna responsabilidad en este área, solo podemos imitar lo que subyace en la dinámica hacedora del arte, la materia de la que se alimenta un festival: creer en uno mismo e insistir hasta la saciedad. Y luego, claro está, la suerte política y social también es importante.

 

Entrevista: © Pachi Tapiz, 2014
Fotografías: © Nelson Corsino, 2014




Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Tomajazz recupera… Kucich, Charlín y Barroso Trío: modernidad asequible, por Sergio Cabanillas, Enrique Farelo y Carlos Lara

Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín © Sergio Cabanillas, 2005

Juanma Barroso / Germán Kucich / Paco Charlín
© Sergio Cabanillas, 2005

Germán Kucich: Creo que tanto en Juanma como en mí se aprecia una cierta evolución musical. Sin hablar de Paco, que…

Paco Charlín: … está todavía evolucionando (risas).

Leer: Kucich, Charlín y Barroso Trío: modernidad asequible, por Sergio Cabanillas, Enrique Farelo y Carlos Lara (publicado originalmente en diciembre de 2005)




Arturo Mora Trío: Sign Of The Future (Autoedición, 2014; EP)

Arturo Mora Trío. Signs Of The Future_autoproducido_2014Arturo Mora es uno de los músicos más activos de la escena madrileña. Forma parte de muchos conjuntos entre los que se encuentran Tet-Quart, Juan Camacho Quartet, Angel Rubio Jazz Trío o la formación que nos ocupa: Arturo Mora Trío. Arturo Mora (bajo eléctrico y bajo Fretless) Hugo Fernández (guitarra eléctrica) y Enric Castelló (batería)

Para este proyecto como líder, presenta cinco composiciones originales en un formato de trío muy poco habitual. Y estas composiciones tienen una capacidad de la que estoy bastante obsesionado. La capacidad de crear ambiente. Es decir, cuando escuchas un tema, este te puede gustar más o menos, puede contener grandes momentos llenos de intensidad, momentos bellos, interpretaciones perfectas técnicamente, pero hay que ensalzar la capacidad de aquellas canciones que dejan que entres en ellas y que durante al menos los minutos que pueda durar, sientas que formas parte de la historia. Creo firmemente que este EP lo consigue. También tiene sus momentos más intensos y más relajados, aunque sin hacer precisamente demostraciones ni de virtuosismos ni de técnica, ni lo pretende. El disco tiene otro concepto bajo mi punto de vista. Dejar que la música fluya, que vaya siguiendo un curso sin hacer grandes salidas a lo desconocido… Los cinco temas están muy bien elaborados, y dentro de cada tema, hay un desarrollo que puede seguir lo que se podría decir como lógica, pero en ocasiones hay alguna sorpresa en el planteamiento dando un giro momentáneo para finalmente volver a su cauce. En todo el disco hay muchos momentos para la improvisación, mayoritariamente para Arturo Mora y Hugo Fernández. Enric Castelló solo realiza un solo de batería en todo el disco (que aunque es una muy buena intervención, es un tanto excesivo en su duración), y realiza un trabajo estupendo eligiendo ritmos diferentes para cada tema.

Las cinco composiciones están plagadas de influencias. Puede que me equivoque pero yo, de manera muy subjetiva, he percibido dentro de las composiciones retazos de lo que podría ser latin jazz en “Caliban’s Release”, un delicioso drum’n’bass en el ritmo de batería de “The Call Of The Gods” (pieza dedicada al irrepetible Esbjörn Svensson), y me atrevo a decir que hay algo de música árabe en “Wanderings Of The Mind”. También noto influencias de la música rock en diferentes momentos de los temas, incluso blues. Y evidentemente Jazz. Y todo esto que digo puede formar una idea equivocada de la formación al lector. Lo que estoy intentando decir es que dentro del estilo tan personal de este trío, se pueden apreciar todas estas influencias aunadas, licuadas y servidas al consumidor de música.

© Jesús Mateu Rosselló, 2014

Arturo Mora Trio: Sign Of The Future

Hugo Fernández (guitara eléctrica) Arturo Mora (bajo eléctrico, bajo fretless y piano) y Enric Castelló (batería)

“The Call Of The Gods (In Memory of Esbjörn Svensson)”, “Caliban’s Release”, “What Will We Become?”, “Procrastination” y “Wanderings Of The Mind”

Todos los temas compuestos por Arturo Mora

Grabado en Torrelodones (Madrid) en julio de 2014




Mauro Urriza: Blues for Oteiza (Nada Producciones, 2014)

Mauro Urriza Jazz Group_Blues For Oteiza_Nada Producciones_2014La segunda entrega discográfica de Mauro Urriza, Blues For Oteiza, comienza con un viraje brusco desde lo abstracto hacia lo concreto. Así, desde la nebulosa “El pájaro que da cuerda” (referencia a la obra del escritor japonés Murakami “Crónica del pájaro que da cuerda al mundo”) la formación salta a la férrea y sólida estructura del blues que sirve de título al disco. Desde un punto de vista armónico el tercer corte, “I Like Murakami”, es una piedra preciosa tallada y pulida con delicadeza y precisión por las ejecuciones de Alberto Arteta al tenor, de Luis Giménez a la guitarra y del mismo Urriza al piano. Casi nueve minutos dura el triple enfrentamiento en terrenos del hardbop entre barítono, tenor y trompeta titulado “De un temple sin igual”. Similar al primer corte, Urriza recurre en “Coral” al oboe para introducir un tema de fuerte carga introspectiva. “Robustiano”, pieza estructurada aunque con una sección de vientos de tendencia entrópica, cierra el conjunto de composiciones de Urriza.

El presente y el pasado reciente del jazz quedan plasmados en las dos versiones que ponen el colofón al disco. La primera, una soberbia versión del “Fragile” de Sting sobre la que Urriza y Esjbörn Svensson discutirán de seguro largo rato. Respecto a la segunda, una interpretación del estándar “My Romance” a piano solo, será con Bill Evans con quien me imagino al navarro disertando copa en mano.

No conocí a Urriza lo suficiente como para que su pérdida me afectase en un plano personal, pero sí lo necesario como para que ésta me golpease con el miedo de sentir que la buena música y la buena literatura son compañeros de viaje capaces de sentarse sonrientes a tu lado hasta destinos tan trágicos como la muerte. Sea cual sea el lugar al que hayas deseado marchar, te deseo lo mejor.

© Sergio Masferrer, 2014

Mauro Urriza: Blues for Oteiza

Músicos: José Luis Larraburu, oboe; Ion Celestino, trompeta; Alberto Arteta, saxo tenor; Iñaki Rodríguez, saxo barítono; Álvaro Díaz, tuba; Luis Giménez, guitarra; Mauro Urriza, piano; Marcelo Escrich, contrabajo; Fran Gazol, batería

Composiciones: “El Pájaro que da Cuerda”; “Blues for Oteiza”; “I like Murakami”; “De un Temple sin Igual”; “Coral”; “Robustiano”; “Fragile”; “My Romance”
Todos los temas compuestos y arreglados por Mauro Urriza, excepto “Fragile” (Sting) y “My Romance” (Rodgers/Hart)

Grabado en Pottoko Estudios el 5 de abril del 2014. Publicado en 2014 por Nada Producciones.




21ème Festival Jazz À Junas (II): Little Res Suitcase / Ulf Wakenius Trio / Tonbruket Quartet / Satu Niiranen (Junas, Francia. 2014-07-24)

21ème Festival Jazz À Junas (II)

Little Red Suitcase

  • Fecha: Jueves, 24 de julio de 2014
  • Lugar: Temple
  • Componentes:
    Elena Setién, violín y voz
    Johanna Borchert, teclados y voz

Ulf Wakenius Trio

  • Fecha: Jueves, 24 de julio de 2014, 21:00
  • Lugar: Carrières
  • Componentes:
    Ulf Wakenius, guitarras acústicas
    Vincent Peirani, acordeón y voz
    Simon Tailleu, contrabajo

Tonbruket Quartet

  • Fecha: Jueves, 24 de julio de 2014, 22:30
  • Lugar: Carrières
  • Componentes:
    Dan Berglund, contrabajo
    Johan Lindström, pedal steel, guitarras y piano
    Martin Hederos, piano, teclados y violín
    Andreas Werliin, batería

Satu Niiranen

  • Fecha: Viernes, 25 de julio de 2014
  • Lugar: Temple
  • Componentes:
    Satu Niiranen, acordeón, arpa finlandesa y voz

Comentario:

El dúo de la escena danesa, Little Red Suitcase, formado por la donostiarra Elena Setién y la berlinesa Johanna Borchert, ofrecieron un juego musical entre el pop, el rock y la improvisación, con cierto regusto naïf, en el espacio del Temple, entre los contrapuntos coloristas de los vitrales de Daniel Humair.

F01_VITRALLS (©Joan Cortès)_23jul14_Jazz à Junas

Una propuesta que da la sensación de estar pensada para espacios pequeños, con el público cercano, válido tanto para programaciones musicales como para las teatrales próximas al mundo del cabaret. Alguno de sus pasajes podrían ser plenamente concordantes para proyectos de animación fílmica, dicho sin el menor tono peyorativo (uno es un amante de este tipo de películas).

F02_LITTLE RED SUITCASE (©Joan Cortès)_23jul14_Jazz à Junas

El resultado final nos resulto algo disperso, aunque también cabe la posibilidad que fuera uno quien lo estuviera, o incluso ambos.

F03_ULF WAKENIUS (©Joan Cortès)_23jul14_Jazz à Junas

A las nueve de la noche, con el escenario de las Carrières totalmente recuperado y con el todavía persistente mal regusto entre los asistentes por el desgraciado final de la noche anterior como consecuencia del aguacero descargado, dio comienzo la actuación de la propuesta del sueco Ulf Wakenius al frente de sus dos cómplices franceses. Los tres, a su vez, son los acompañantes de la cantante coreana Youn Sun Nah.

F04_ULF WAKENIUS (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

Wakenius comenzó en solitario jugando e improvisando alrededor del tema “When God created the coffeebreak” de sus compatriotas E.S.T. (Esbjörn Svensson Trio). Una interpretación con una estimable querencia por el sonido limpio, melódico y la exposición pausada, que nos asustó un poco cuando Ulf cogió una botella de plástico de color rojo y empezó a golpear las cuerdas de la guitarra, por suerte solo duró unos breves instantes, algo forzados, para volver a la calidez y gusto que le viene caracterizando últimamente.

F05_ULF WAKENIUS (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

Posteriormente aparecieron en escena los dos jóvenes músicos galos. El contrabajista Simon Tailleu, intérprete dinámico, de sonido redondo, que engarzó a la perfección las distintas concepciones y sonoridades de sus compañeros. El tercer vértice de la propuesta fue el acordeonista, fehacientemente promiscuo, Vincent Peirani. Qué decir de él, a estas alturas que no hayamos comentado en el último año, pues, a modo de ejemplo, poder escucharlo en un dueto, que no en duelo, con Richard Galliano, o con Antonello Salis, y puestos porqué no los tres juntos como en aquel Vignola ReunionTtrio de 1991 (Ermitage, 1996) con Marcel Azzola, Galliano y Salis

F06_ULF WAKENIUS (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

El trío ofreció un repertorio que podríamos calificar de multiestilístico, con una amplia diversidad de latitudes, pero de total coherencia formal, en una especie de folk-jazz-improvisación sin fronteras, con claras referencias conceptuales a su disco Vagabond (ACT, 2012), aunque sólo interpretaron dos de sus temas, el homónimo y “Bretagne”. Otros títulos fueron “Chorinho pra Sivuca”, “Momento mágico” (de su colaboración con Youn Sun Nah), “Istanbul”, así como dos temas de folk sueco, “Vem kam segla” y un segundo dedicado al desaparecido Charlie Haden. Redondeando la noche con el tema “Mistral”.

F07_ULF WAKENIUS (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

Una remarcable actuación con la sutileza y el lirismo como estandarte.

F08_TONBRUKET 4t (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

La segunda parte de la noche correspondió al cuarteto, también sueco, Tonbruket. Hasta la fecha tienen tres discos publicados, todos en el sello ACT (sello que este año hubiera podido servir como lema del festival, debido a la nómina de músicos participantes que graban en él). En el primer trabajo la formación todavía anteponía el nombre del bajista, Dan Berglund, a la denominación actual.

F09_TONBRUKET 4t (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

Berglund, como es sobradamente sabido, fue el contrabajista de E.S.T., hasta el desgraciado deceso del pianista Esbjörn Svensson, en el año 2008. A principios del pasado mes de mayo el Dan actuó en el festival de Jazz de Vic como miembro del interesante proyecto “Revisiting John Coltrane´s a Love Supreme” con Bugge Wesseltoft y Henrik Schwarz.

F10_TONBRUKET 4t (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

El grupo deambula por coordenadas varias, el pop, rock, electrónica, psicodelia, música atmosférica y de banda sonora con cierto gusto “déjà vu”. Con un esmerado trabajo en la cualidad y calidad del sonido, tanto es así que por algunos momentos parecía más un trabajo de estudio que propiamente un directo. Se encontró a faltar una mayor soltura, un dejarse ir, a lo largo de toda la actuación.

F11_TONBRUKET 4t (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

La decena de temas interpretados, dos de ellos en la tanda de los bises, correspondieron a sus dos últimos trabajos discográficos Nubium Swimtrip (2013) y Dig it to the end (2011), con un ligero predominio del penúltimo así como de las composiciones escritas por Johan Lindström. No hay nada nuevo, aunque tiene su atractivo, sumamente bien resuelto y expuesto, a pesar que el directo devenga algo frio y distante.

F12_TONBRUKET 4t (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

Posteriormente hemos escuchado varias veces su último trabajo discográfico y resulta francamente agradable, muy especialmente mientras vas conduciendo entre distancias no muy cortas.

F13_TONBRUKET 4t (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

Si Brian Eno compuso Music for airports y el gran pianista Stephan Oliva hizo lo propio para una supuesta banda sonora parar libros –musique de livres– de Paul Auster Coïncidences (La Buissonne, 2005), por qué no una banda sonora para desplazarse por la carretera.

F14_PLACE DE L'AVENIR (©Joan Cortès)_25jul14_Jazz à Junas

A media tarde del día siguiente, el viernes 25, volvió a caer otro considerable aguacero veraniego, de ámbito local, aunque a pocos kilómetros apenas cayeran unas gotas mientras en Junas descargaba sus buenos litros por metro cuadrado, que obligó a la organización a suspender las dos actuaciones previstas para el escenario de las canteras, Magnus Ostrom Quartet (batería del desaparecido E.S.T.) y Erik Truffaz Quartet con la cantante noruega Torun Eriksen.

F15_SATU NIIRANEN 4t (©Joan Cortès)_25jul14_Jazz à JunasFoto15

A las seis de la tarde y con la lluvia desaparecida, pero con los brillos y frescor consecuente, comenzó el segundo acordeón solo del festival, en esta ocasión a cargo de Satu Niiranen, joven finlandesa residente en el norte de Francia.

F16_SATU NIIRANEN 4t (©Joan Cortès)_25jul14_Jazz à Junas

Los temas interpretados, con gran nivel instrumental, desenvoltura y perfecta osmosis con su instrumento, con su correspondiente sensación de levedad, cabalgaron entre temas populares de su país de origen, con un par de polcas, y composiciones más contemporáneas donde destacaron “Baobap” y “Aino”. Termino su actuación con el tema “Maanitun” cantando en finés.

Posteriormente nos acercamos a las canteras, como el que no quiere terminar de aceptar los hechos y espera una reconducción final. Con un sol radiante y ambiente de finales de setiembre, contrastamos la diferencia entre lo deseado y la evidencia palpable.

F17_CARRIÈRES (©Joan Cortès)_24jul14_Jazz à Junas

Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2014




Tomajazz recupera… E.S.T.: Galería fotográfica por Sergio Cabanillas

esbjorn_svensson_2003_1Recuperamos la galería fotográfica que Sergio Cabanillas dedicó al grupo E.S.T. en  en año 2006 con motivo de la publicación de Tuesday Wonderland.

Ver… E.S.T.: Galería fotográfica por Sergio Cabanillas