JazzX5#105. Ethan Iverson Quartet with Tom Harrell: All The Things You Are [Minipodcast]

Por Pachi Tapiz.

“All The Things You Are”
Ethan Iverson Quartet with Tom Harrell: Common Practice (ECM)
Ethan Iverson Quartet with Tom Harrell: Tom Harrell, Ethan Iverson, Ben Street, Eric McPherson

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2019

JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.
JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019.
Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=23120.




Ethan Iverson Trio (Jimmy Glass Jazz Bar, Valencia. 2019-09-11) [Concierto]

Por Txomin Dambo y Josep Sogues.

  • Fecha: 11 de septiembre de 2019.
  • Lugar: Jimmy Glass Jazz Bar, Valencia.
  • Grupo:
    Ethan Iverson Trio
    Ethan Iverson: piano.
    Joe Sanders: contrabajo.
    Jorge Rossy: batería.

Llueve intensamente en Valencia. Una ciudad muy poco acostumbrada a la lluvia. Pienso en que las posibilidades de coger un buen sitio aumentan debido al copioso chaparrón mientras me adentro en el mágico barrio del Carmen en dirección al mítico Jimmy Glass Jazz Bar.

Si, Jazz Bar. Aunque esté reconocido como uno de los mejores clubs de jazz de Europa, hay que destacar que aquí es una sola persona quién se la juega, semana tras semana, con una programación de un nivel difícilmente superable.

Llego con tiempo de sobra y me encuentro el local abarrotado de público. Acabo empotrado en la cabina, junto a la mesa de mezclas y a un metro escaso de la espalda de Jorge Rossy.

Ethan Iverson presenta al trío y comienza el espéctaculo con “Trust” ,de Jorge Rossy, cuya organización a cargo de Ethan Iverson y divertidos diálogos entre Joe Sanders y Jorge Rossy va a marcar la pauta de lo que va a ser el resto del bolo. Jazz en estado puro.

Siguen con “Somber to Some, Mischief to Most” de Joe Sanders, tema de escasos tres minutos pero con una intensidad considerable que se estrena para este concierto. Recuerda un poco a TBP por el sonido, repeticiones y simetrías.

El siguiente tema está escrito entre los tres. Sin título todavía, solo nos dan la pista de que está en clave de sol. Tremendo blues, con sensacional solo de piano, más diálogos bajo-batería y termina con breves solos de batería cautivando por completo al público que en este momento del juego ya esta más que entusiasmado.

A estas alturas del bolo y por si quedaba alguna duda, Ethan nos explica que saben perfectamente lo que están haciendo aquí y nos da las gracias por escuchar. Entonces empiezan a tocar “‘Round Midnight”. Destaca la intro que hace Ethan al piano y el sensacional manejo de los platos de Jorge. Ethan toca tan bien el piano que me parece estar escuchando el original de uno de mis discos favoritos. ¡Consigue sonar como Monk!

Tras este standard se vienen arriba con “The Blessing”. La música de Ornette Coleman hace las delicias de los aficionados y músicos profesionales que llenan el Jimmy Glass. De hecho, en el lavabo del baño de chicos del Jimmy no hay espejo sino un retrato del gran genio del jazz. El trío camina velozmente impulsado por el ritmo impuesto por Joe, el virtuosismo de Jorge, y los fraseos rápidos a la vez que precisos de Ethan.

Terminan este primer pase con un tema de Ethan dedicado a Mark Turner que está en su última publicación Temporary Kings a dúo con él. “Turner’s Chamber of Delights”, al que se añade una coda titulada “About Melancholic Reputation”. Toda una declaración de términos sobre la peculiar visión músical de Ethan Iverson en forma de jazz verdadero que aquí nos regala un swing más que veloz.

En el descanso los músicos se mezclan con el público, atienden sus inquietudes y firman discos mientras algunos cenamos y tomamos café. Una actitud que dice mucho de estas tres estrellas del firmamento musical. La genialidad no ha de estar nunca reñida con la humildad.

El segundo pase arranca con un nuevo tema de Ethan titulado “Technicaly Acceptable”. Basado en constantes cambios de ritmo, improvisación en el solo de piano, de contrabajo y, al final, divertidos retos a la batería que responde con maestría, no le cazan nunca.

Con una intro de piano muy bonita comienzan a tocar “Con Alma”, el maravilloso tema de Dizzy Gillespie. Aquí se entretuvieron haciendo una versión muy completa y delicada. Preciosos solos de Joe Sanders y de Ethan Iverson. Bonito final que incluyó unos segundos de contrabajo y arco. Se les veía disfrutar y el público contagiado gozó.

Tras presentar el trío una vez más, Joe Sanders (que hace reír a todos con sus presentaciones) empieza el solo, improvisando y marcando los acordes, un blues que propicia la entrada al trapo de Jorge con los platos dando paso a Ethan en un aventurado tema que no había existido hasta ese mismo momento. Solos aplaudidos de los tres, sobre todo el del final del tema a cargo de Jorge Rossy.

Sin pausa alguna, Jorge pasa al siguiente tema combinando notas y silencios en una apabullante demostración de recursos. Cuando da la entrada al trío el público reconoció enseguida “Airegin” (Nigeria al revés) y rompió en aplausos. Otra estupenda interpretación del tema del coloso del saxofón, con un swing desenfadado, que dio fin al concierto con un público ya loco que no paró de aplaudir hasta conseguir un bis.

Este consistió en una bonita y emotiva balada presentada por Joe Sanders como “algo que les pasa a las setas” titulada “Anamorphosis” en la que hizo literalmente llorar al contrabajo con el arco.

Yo me quedé con las ganas de que hubieran tocado “Ida Lupino”, la composición de Carla Bley que tan bien interpretó Paul Bley, otra de las grandes influencias de este gran pianista. Pero bueno, no se puede pedir todo y, en cualquier caso, y tal como fue la cosa, seguro que vuelve al Jimmy.

Fue una de “esas noches del Jimmy” o, como diría el gran Jorge Rossy, una noche “inoxidable”.

Y sigo aprendiendo.

Tomajazz:
Texto: © Txomin Dambo, 2019
Fotografía: © Josep Sogues, 2019




Billy Hart Quartet & Joshua Redman (Noches del Botánico, Madrid. 2018-07-07) [Concierto]

  • Fecha: 7 de julio de 2018
  • Lugar: Real Jardín Botánico Alfonso XIII. Universidad Complutense de Madrid
  • Grupo:
    Billy Hart Quartet & Joshua Redman
    Joshua Redman: saxo tenor.
    Ethan Iverson: piano.
    Ben Street: contrabajo.
    Billy Hart: batería.

El legendario Billy Hart, considerado como uno de los mejores sucesores de baterías clásicos como Elvin Jones o Tony Williams, lidera un compacto cuarteto, integrado por una rítmica de primera categoría y en esta ocasión, por Joshua Redman, uno de los jóvenes pesos pesados del saxo tenor.

El concierto dotado de una gran intensidad tanto en todas las interpretaciones individuales, como en las diversas interacciones que se produjeron a lo largo de la noche. Los solos de Ethan Iverson, componente del trío Bad Plus, se encuentran a mitad de camino entre Lenny Tristano y MCoy Tyner; el contrabajista Ben Street es de una calidad meridiana y Joshua Redman dio una lección magistral. Todos ellos dirigidos por un señor de 78 años que toca la batería como los ángeles. Sus introducciones con las que da paso al resto de la banda son exquisitas. En las baladas, estableció unos dúos con Ethan Iverson impresionantes.

Las combinaciones que se crean en este cuarteto son infinitas. Ethan Iverson y Ben Street se conocen a las mil maravillas, ya que llevan mucho tiempo trabajando juntos. Todo ello es posible gracias unas buenas composiciones de Billy Hart, en las que los músicos cuentan con un amplio margen de creatividad.

Partiendo de un solo de contrabajo o de batería, el grupo empieza a multiplicarse, hasta llegar al máximo punto, gracias a unos solos magníficos de Joshua Redman, que se mantuvo colosal a lo largo del concierto.

Las baladas son intensas y rezuman emotividad, tratadas con la delicadeza de Billy Hart, que se exhibió en un solo de batería que recordó a Elvin Jones.

Todos los músicos estuvieron a gran altura en sus improvisaciones, aportando detalles sutiles que van enriqueciendo las piezas. El concierto osciló entre momentos claramente intimistas y otros de una vitalidad exquisita muy bien dirigida por Joshua Redman.

Un concierto de muchas aristas, contrastes y lleno de detalles que engrandecieron aún más a estos músicos de primerísima calidad. Una auténtica delicia en la calurosa noche madrileña.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018

 




INSTANTZZ: The Bad Plus (Conservatori del Liceu, 49è Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona, Barcelona. 2017-11-28) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Martes, 28 de noviembre de 2017
  • Lugar: Conservatori del Liceu (Barcelona)
  • Grupo:
    The Bad Plus
    Ethan Iverson, piano
    Reid Anderson, contrabajo
    David King, batería

Tomajazz: © Joan Cortès, 2018




INSTANTZZ: The Bad Plus (Conservatori del Liceu, 48è Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona, Barcelona. 2016-11-15) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Martes, 15 de noviembre de 2016
  • Lugar: Conservatori del Liceu (Barcelona)
  • Grupo:
    The Bad Plus
    Reid Anderson, contrabajo
    Ethan Iverson, piano
    David King, batería
    Invitado especial:
    Bill McHenry, saxo tenor

© Josan Cortès, 2017




Tania Giannouli Ensemble – Marta Sánchez Quintet – Daniel Fortin: nuevos músicos. HDO (0013) [Audioblog]

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Cambio de tercio en HDO para presentar tres grabaciones de unos músicos que no por ser menos conocidos, no son merecedores de una menor atención. Tras los primeros diez minutos de presentación, aproximadamente, una selección musical sin publicidad ni interrupciones.

Transcendence del Tania Giannouli Ensemble es una grabación que puede dejar prendado al oyente desde la primera escucha. En el caso de quien escribe estas líneas este proceso comenzó con unos vídeos en Youtube y siguió con la grabación al completo. Cuestiones de la globalización, el sello neozelandés Rattle (perteneciente a la Victoria University de Wellington) publica este CD de fuerte inspiración mediterránea, de esta pianista y compositora griega. La propia Giannouli es quien ha seleccionado para HDO sus tres temas favoritos de Transcendence, que son los que abren la selección musical tras la presentación: “The Sea”, “Sun Dance” y “Obsession”. Los títulos inspiran la música, o quizás es la música la que inspira los títulos. En cualquier caso, hay pocos títulos tan acertados.

La pianista y compositora madrileña Marta Sánchez ha grabado en New Jersey al frente de un quinteto en el que participaron Román Filiú (bien conocido en la escena de nuestro país), Jerome Sabbagh, Sam Anning y Jason Burger. Fresh Sound New Talent es quien publica esta obra, que cuenta con unas extensas liner notes (muy positivas) de Ethan Iverson, pianista de The Bad Plus. De partenika, que es así como se titula su grabación, suenan “Opening”, “El paso de los años” y Yayyy”.

La tercera obra nos lleva a Canada, al estreno como líder del contrabajista Daniel Fortin, que se titula Brinks. Publicado por Fresh Sound, la obra tiene ese eclecticismo característico de las primeras grabaciones, lo que no impide -todo lo contrario- que incluya temas como “But Still and Yet” y “Flecks”, que son los dos seleccionados. El saxofonista David French, el vibrafonista Michael Davidson y el baterista Fabio Ragnelli son sus acompañantes.

© Pachi Tapiz, 2015

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog presentado, editado y producido por Pachi Tapiz.

Tania Giannouli ensemble_transcendenceTania Giannouli Ensemble: transcendence

Tania Giannouli (piano, composiciones), Alexandros Botinis (violonchelo), Guido de Flaviis (saxofones), Solis Barki (percusión, idiophones). Invitado especial: Giannis Notaras (batería)

Publicado en 2015 por Rattle.

marta sanchez quintet_partenikaMarta Sánchez Quintet: partenika

Marta Sánchez (piano, composiciones), Román Filiú (saxo alto), Jerome Sabbagh (saxo tenor), Sam Anning (contrabajo), Jason Burger (batería)

Grabado en Tedesco Studios, New Jersey, el 16 y 17 de mayo de 2014. Publicado en 2015 por Fresh Sound New Talent.

Dan Fortin_brinksDaniel Fortin: Brinks

Daniel Fortin (contrabajo y composiciones), David French (saxo tenor), Michael Davidson (vibráfono), Fabio Ragnelli (batería)

Publicado en 2015 por Fresh Sound New Talent.




INSTANTZZ: The Bad Plus Joshua Redman (ViJazz Penedès, Vilafranca del Penedès. 2015-07-04)

  • Fecha: Sábado, 4 de julio de 2015 (21:00)
  • Lugar: Plaça Jaume I (Vilafranca del Penedès / Barcelona)
  • Componentes:
    The Bad Plus Joshua Redman
    Joshua Redman, saxo tenor
    Ethan Iverson, piano
    Reid Anderson, contrabajo
    David King, batería

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© Joan Cortès, 2015




Fred Hersch y la preocupación por el sonido. Entrevista por Ferran Esteve

Paradójicamente, tuvo que estar a las puertas de la muerte y volver a la vida para que el gran público descubriera a uno de los pianistas más influyentes de los últimos años. Desde que sobreviviera al coma que inspiró su espectáculo My Coma Dreams, Fred Hersch está en estado de gracia: cada nuevo disco, a trío o en solitario, es una obra de orfebrería. Ha dedicado parte de la primavera a dar una serie de conciertos en Europa. Pasó por Ginebra, donde actuó ante una sala con capacidad para 250 personas que lo escuchó con devoción. Horas antes, concedió esta entrevista. Y confirmó que, dentro de unos meses, nos obsequiará con un nuevo disco en solitario.

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Ferran Esteve: El proyecto Rooms of Light está en su recta final…

Fred Hersch: Sí. Empezamos con el proyecto en 2005 pero, por distintos motivos, en aquel momento la cosa no cuajó y lo abandonamos. Hace dos años lo retomamos y se estrenará en octubre.

Ferran Esteve: ¿Qué ha cambiado entre el proyecto de 2005 y el actual?

Fred Hersch: Le hemos dado un enfoque distinto. Cuando nos lo propusieron, ni Mary Jo [Salter, poetisa] ni yo teníamos mucho tiempo. Nos encerramos en una residencia para artistas y en dos semanas habíamos escrito tal vez siete canciones. Llegamos hasta las quince, descartamos seis y estrenamos lo que teníamos, pero el resultado no me convenció y decidí parar. Hace un par de años, propuse a Mary Jo volver sobre el material. Descartamos varias canciones más y escribimos seis. Hoy, tenemos un repertorio de dieciséis temas que hablan de distintos aspectos de la fotografía: daguerrotipos, fotografías icónicas, publicidad, paparazzi, pornografía, fotos hechas con un iPhone, rayos X y mamografías, fotos tomadas desde el espacio exterior, álbumes de bodas, fotos familiares… Habrá cinco cantantes, tres hombres y dos mujeres, que vienen del mundo del teatro musical, así que podrán interpretar a distintos personajes, y un conjunto de ocho músicos, y aunque trabajaremos con escenografía e iluminación, no mostraremos fotos, porque, además de que hay que conseguir los derechos de las imágenes, corres el riesgo de que el espectáculo acabe convirtiéndose en una proyección de diapositivas.

Ferran Esteve: ¿Cómo es la música que ha compuesto para Rooms of Light?

Fred Hersch: Sin parecer arrogante, la mejor manera de describirla es calificarla como “música de Fred Hersch”. No es música clásica, no es jazz, no es música de teatro musical… La música nace de los textos. A diferencia de Leaves of Grass o My Coma Dreams, la música aquí es menos jazzística; no hay nada de improvisación.

Ferran Esteve: Tras Leaves of Grass y My Coma Dreams, Rooms of Light es su tercer proyecto de este tipo. ¿Cómo se organiza para poder combinar la creación de una obra de esta magnitud con el resto de cosas que hace?

Fred Hersch: Cuando trabajo en este tipo de proyectos, necesito fijarme plazos: tengo que haber escrito tantas canciones para principios de febrero, tantas para principios de abril…Ahora estoy orquestando la última, y espero tenerla lista a finales de mayo. Aunque componer y orquestar son dos tareas que no tienen nada que ver, intento que no se me eche el tiempo encima. Al mismo tiempo, estoy componiendo una obra para un octeto vocal a cappella que es extraordinario y capaz de cantar cualquier cosa, Roomful of teeth, que no tendrá nada que ver con el material de Rooms of Light, y probablemente el siguiente encargo que aborde será una obra para un cuarteto de cuerda, mi primera de este tipo. Todo esto me obliga a organizarme muy bien. Me he dado cuenta de que, aunque soy rápido componiendo una vez tengo las cosas claras y la idea ya está en marcha, necesito entre dos y tres semanas para que un proyecto así empiece a rodar, así que suelo marcharme a una casa que tengo en Pennsylvania o pido una beca para una residencia para artistas en la que cuidan de ti y te puedes dedicar exclusivamente a trabajar porque no hay ninguna distracción.

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Ferran Esteve: ¿Cómo nacen este tipo de proyectos? ¿Son ideas que se le presentan sobre la marcha, un encargo que alguien le hace?

Fred Hersch: Hace poco toqué en Viena, y el organizador me preguntó si alguna vez me había planteado escribir un concierto para piano, y debo decir que no sé si sería capaz. En este sentido, la obra para el cuarteto de cuerda me parece algo más factible, porque la gente que se dedica a componer obras orquestales es de otra pasta. Además, mi prioridad para este verano es componer material nuevo para el trío porque, aunque tocamos temas de todos los discos que hemos grabado y de discos anteriores, no he escrito nada nuevo para el trío desde Floating. A propósito del trío, hoy he sabido que dos asociaciones de periodistas nos han nominado, a mí y al trío, como mejor pianista y mejor conjunto, respectivamente, y la noticia me ha llenado de alegría porque siento que la gente está respondiendo de verdad a esta formación, y se ha convertido en algo muy especial para mí.

Ferran Esteve: ¿Es el trío del que está más satisfecho?

Fred Hersch: Todos mis tríos eran fantásticos, pero me atrevería a decir que este me parece perfecto.

Ferran Esteve: ¿Y qué hace que sea perfecto?

Fred Hersch: A los tres nos preocupa mucho el sonido. Eric [McPherson] tiene un estilo precioso y el sonido de John [Hébert] es verdaderamente fantástico. Ambos pueden estar muy pendientes de los detalles y son, al mismo tiempo, muy libres. Entienden que cada tema tiene sus propias características. Hay tríos que aplican la misma fórmula a cualquier tema de su repertorio; eso es algo que puede funcionar en uno o dos discos, pero no cuando has grabado 15. En estos seis años que llevamos juntos, además, hemos logrado una química muy especial. Además, son una gente maravillosa, y nos lo pasamos en grande cuando salimos de gira.

Ferran Esteve: Ha dicho que el repertorio de este trío incluye no solo temas de los discos que han grabado, sino también de otros discos suyos anteriores. ¿Cómo se ha adaptado el trío a una música originalmente escrita para otros instrumentistas?

Fred Hersch: La hemos hecho nuestra.

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Ferran Esteve: Y en su caso particular, ¿ha cambiado la manera de entender esas piezas?

Fred Hersch: Por supuesto. Después del coma, todo en mi vida ha cambiado. Creo que ahora estoy tocando mejor que nunca. En otoño cumpliré 60 años y, en cierto sentido, me resulta curiosa esta sensación de que todo finalmente encaja. No estoy diciendo que antes fuera mal músico, porque con 24 años estaba tocando con Joe Henderson, así que no podía ser tan malo, pero sí tengo la impresión de que, aunque siempre he tenido una personalidad muy fuerte, ahora los críticos y el público se han dado cuenta de quién soy. A Joe Lovano le pasó algo parecido: cumplió 40 años y todo el mundo empezó a hablar de él, pese a que ya tocaba de maravillaba con 25 o 30 años. Pero es cierto que en ocasiones necesitas una masa crítica, y creo que, en mi caso, esa masa crítica existe desde hace unos años en los Estados Unidos, donde me han abierto las puertas de las mejores salas, como en Lincoln Center, el Festival de Jazz de San Francisco… Las cosas en Europa son un poco distintas, porque mis discos no llegan con tanta facilidad. Tal vez un día grabaré para un sello europeo y eso me ayudará. Aun así, en esta gira he tocado en sitios como La Villette, el Konzerthaus de Viena, el Palais des Beaux Arts de Bruselas…

Ferran Esteve: Al hablar de John Hébert, ha mencionado la palabra “sonido”, una palabra que parece tener mucha importancia en su caso, porque aparece muy a menudo en sus entrevistas. En alguna ocasión ha dicho que empezó a interesarse por el sonido cuando era un crío, algo que no parece muy frecuente.

Fred Hersch: Empecé a tocar con 4 o 5 años. Era una suerte de niño prodigio, y ya desde muy pequeño componía e improvisaba. Cuando tenía 10 años, mi abuela me compró un piano que nunca me gustó porque no me daba el sonido que escuchaba en los discos, el sonido de gente como Rubinstein. Así que dejé de tocar música clásica. Comencé con el jazz con 17 o 18 años, antes de que los estudios de jazz se convirtieran en un negocio, en una industria, pero mi sonido cambió en 1982 o 1983, cuando empecé a estudiar con la misma profesora de piano con la que sigo estudiando y que hoy tiene 94 años. Todas las piezas encajaron cuando vi cómo se enfrentaba al piano, cómo lograba el sonido que sacaba de su instrumento. A partir de ese momento, dejé de ser un pianista muy agresivo y mi manera de tocar fue evolucionando. Creo que siempre he tenido un buen sonido, pero hoy tengo la impresión de que soy uno de los pocos pianistas que utilizan el sonido como una herramienta para construir la música. Para mí, tocar es contar una historia, algo que a veces echo de menos cuando escucho a algunos pianistas, por muy buenos que sean. En mi caso, intento que cada frase sea un paso en este camino narrativo. Y es evidente que algunas noches las cosas salen mejor que otras, pero siempre trato de dar un mínimo.

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Ferran Esteve: ¿Esa agresividad a la que ha aludido tenía que ver con el hecho de ser un músico joven que intentaba abrirse camino?

Fred Hersch: Sí. Hace poco me ha pasado algo interesante. Existe una máquina que te permite pasar los casetes a CD, y tengo un montón de grabaciones mías en ese soporte, con Joe Henderson, Sam Jones, Jimmy Cobb, Art Farmer, Charlie Haden… Así que me están pasando esos casetes a CD, lo que me ha permitido volver a escucharme, con 25 años, al lado de Joe Henderson, por ejemplo. Reconozco al chico que toca, pero también me he dado cuenta de que, en aquella época, el jazz era fundamentalmente swing, y si no tenías swing, no tenías nada que hacer. Hoy las cosas han cambiado. Yo formé parte de bandas que tenían mucho swing. Tal vez la única excepción fue el tiempo que pasé junto a Art Farmer. Pero de él aprendí mucho: aprendí a estructurar una actuación, a desarrollar un repertorio… Por aquel entonces, también empecé a componer. Cuando eres joven, tienes otra energía, y eso es lo que oigo en los casetes, una energía distinta a la que tienes cuando vas a cumplir 60 años. En mi caso, hoy tengo, además de esa energía, 40 años de experiencia tocando jazz, y todo eso influye.

Ferran Esteve: ¿Qué siente cuando escucha esos casetes?

Fred Hersch: En primer lugar, cuando escuchas las cintas grabadas en el Vanguard, te das cuenta de que la gente hablaba muy alto. ¡Se oyen conversaciones enteras! Hoy, aunque hay gente que se pasa el concierto filmando a los músicos, haciendo fotos o enviando mensajes, el público no habla. La gente que paga una entrada quiere vivir algo único. Por desgracia, la generación más joven ha crecido con la idea del gratis total, e incluso tengo algún estudiante que se queja cuando no encuentra lo que busca en Spotify. Cuando yo era joven, me gastaba hasta el último dólar en discos o en ir a conciertos, y lo hacía porque era la única manera de aprender. Hoy todo está en la nube, así que las actuaciones en vivo se están convirtiendo en algo cada vez más especial: es la ocasión de alejarse de los teléfonos y del correo electrónico y de vivir algo distinto durante una hora o 75 minutos. Y me parece que es algo muy importante y muy necesario: la gente necesita recuperar la capacidad de sentarse y concentrarse en algo sin que la distraigan.

Ferran Esteve: Esa actitud a la que se refería, ¿la observa en sus estudiantes? El gratis total, que no van a conciertos o que no compran discos como hace unos años…

Fred Hersch: En los buenos estudiantes, no. Tuve como alumno a Ethan [Iverson] cuando tenía 21 años, y ya en aquella época era una persona que estaba enteradísima de todo. Los buenos estudiantes siguen yendo a conciertos, tratan de entender la historia de la música, la historia del piano en el jazz, y como profesor aprendo mucho con ellos… A veces, doy clases magistrales en programas universitarios de jazz y es sorprendente comprobar que apenas han escuchado jazz. Hoy, los guitarristas quieren sonar como Kurt Rosenwinkel, y no saben nada de la historia de la guitarra en el jazz. Y te podría nombrar a unos cuantos pianistas a los que todos los estudiantes quieren parecerse. Los alumnos no entienden que hay que empezar por el principio, que primero tienes que conocer a Earl Hines, a Teddy Wilson, a Ahmad Jamal… Es que esa idea tan extendida en la enseñanza del jazz de que todo el mundo puede tocar jazz… Incluso los buenos conservatorios han bajado mucho el listón en los exámenes de ingreso. Doy muchas clases magistrales y me encuentro con un montón de alumnos siguen el Real Book o que llevan los cambios escritos en una tableta. Y siempre les digo lo mismo: “Si fuerais estudiantes de piano clásico, tendríais que aprender de memoria las sonatas de Beethoven. ¿Me estáis diciendo que sois incapaces de memorizar treinta y dos compases, ocho de los cuales se repiten en tres ocasiones?”. El problema es que ni les parece necesario, ni poseen la técnica, ni han entendido que el jazz es un idioma que no se puede aprender en YouTube. Tienes que tocar, tienes que vivirlo, tienes que sufrir, tienes que desearlo con tanta fuerza que no podrás pensar en nada más, porque es muy difícil ganarse la vida como artista y es muy difícil dejar huella.

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Ferran Esteve: Tal vez, uno de los motivos que lo explique sea el sustantivo que ha utilizado cuando se ha referido a la educación por vez primera: “industria”. Usted pertenece a una de las últimas generaciones que aprendieron sobre los escenarios, tocando con músicos más veteranos. Hoy, sin embargo, se da la paradoja de que hay más lugares donde estudiar y, en cambio, menos donde tocar. Y el hecho de que estos programas no sean baratos hace que, además, uno no pueda decirle a un alumno al que han admitido y que ha pagado esa cantidad de dinero que no sirve, que no tiene el nivel.

Fred Hersch: La industria vende libros, cursos y títulos universitarios, y tengo la impresión de que buena parte de lo que se enseña se basa en fórmulas: transcribe esto, apréndete este tema en los doce tonos… Dado que yo no aprendí así, tengo tendencia a verme más como psicólogo que como profesor: mis alumnos vienen, tocan, comentamos cosas que creo que les pueden servir, pero todo depende de lo que ellos aporten, porque si no aportan nada, no hay nada que hacer. Y no creo que esa idea tan extendida en estos programas de que uno mejora tocando con otros estudiantes sea tan acertada, porque uno aprende tocando con gente mucho mejor que tú. Y puede que en las escuelas más elitistas esto sea posible, pero en la mayoría de escuelas, no. En Estados Unidos se está dando otro fenómeno que me parece preocupante: puedes tener una licenciatura, un máster y un doctorado en jazz y dar clases de jazz y no haber tocado nunca jazz. Yo tengo un título universitario, sí, pero ni tengo un máster, ni un doctorado, sino casi 40 años de experiencia. Y hay gente que enseña esta música y solo la conoce a través de fórmulas. No son artistas, y creo que solo un artista puede formar a un artista. ¿Cuántos pianistas clásicos acabarán haciendo carrera? En la vida real, la competencia es feroz.

Ferran Esteve: Tal vez en estos programas habría que preparar a los alumnos para una posible decepción, decirles que, con un poco de suerte, tocarán en los grandes clubes una vez al mes como mucho…

Fred Hersch: ¡O dos veces al año! En Nueva York hay cada vez menos locales y más competencia. Cuando llegué a Nueva York, en 1977, la gente bebía, tomaba drogas… Las entradas de los clubes no eran tan caras porque los locales ganaban dinero con las copas. Hoy, sin embargo, tienen que cobrar más porque la gente ya no bebe. También han adelantado los horarios de los pases. Antes, tocabas a las diez de la noche, a las once y media y a la una de la madrugada. Hoy, los conciertos en el Village Vanguard son a las ocho y media y a las diez y media, y en algunos locales empiezan incluso a las siete y media y sirven cenas. La situación económica de los clubes ha cambiado mucho. A todo esto hay que añadir instituciones como el Lincoln Center que ofrecen una experiencia mucho más “estándar”, el concierto empieza a las ocho y acaba a las diez, pero también me atrevería a decir que más aséptica.

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Ferran Esteve: Por lo general, uno sabe qué va a ver a estos sitios…

Fred Hersch: Sí, la programación suele ser más previsible, corren pocos riesgos. A mí me encanta tocar un Steinway magnífico en el Konzerthaus de Viena o en el Carnegie Hall, pero necesito tocar en clubes, porque de lo contrario pierdo el contacto con la realidad. Hace nueve años que, en mayo, toco una serie de conciertos a dúo en el Jazz Standard, y cada año invito a seis personas con las que no he tocado nunca. Este año, por ejemplo, tocaré con Ambrose Akinmusire, Miguel Zenón, Regina Carter, Kenny Barron, Ravi Coltrane y Brad Mehldau. Con el paso del tiempo, me he ido ganando un prestigio que me permite hacer este tipo de cosas, y las hago porque me divierten, pero también porque son algo imprevisible para el público. Intento hacer de todo: tocar, componer, tocar en clubes, en salas grandes, no componer… Hay días en los que no toco el piano, ni escucho música… A veces, necesitas descansar. La gente me suele preguntar cuántas horas estudio al día, y la verdad es que no estudio. Si tengo un concierto y el repertorio es nuevo, le echo un vistazo, y si toco en una sala, intento tocar el piano antes de la actuación para hacerme a él, pero el resto es experiencia.

Ferran Esteve: Sigamos hablando de cambios: pasemos a la industria discográfica. Hoy, la gente puede comprar discos o temas de un disco. ¿Cómo se plantea sus trabajos, sabiendo que puede ser que haya gente que ya no escuche esa obra en su integralidad?

Fred Hersch: Creo que tenemos que seguir haciendo discos para aquel pequeño porcentaje de personas que se sentarán a escuchar un disco de principio a fin. El orden de los temas o la presentación física del disco son cosas que me tomo muy en serio, en la medida de mis posibilidades. Para ser un artista que hace jazz instrumental, vendo muchos discos en los Estados Unidos, sobre todo en los conciertos, tal vez porque mi público es algo mayor. Aunque entre mi público también hay muchos jóvenes, quien suele comprar discos es la gente mayor. También es posible que el hecho de que tenga un público más amplio se deba a mi trabajo como activista, al hecho de que ser un músico que reconoció hace años su homosexualidad, a que soy alguien que se ha introducido en la conciencia pública de una manera distinta a como lo han hecho el resto de pianistas. Estoy preparando un libro de memorias que debería aparecer a principios de 2017 en Crown Publishing Group, una de las divisiones más prestigiosas de Random House. Se mostraron muy interesados por los distintos aspectos de mi historia: la llegada a Nueva York a finales de los años setenta, mis recuerdos como músico gay que salió del armario, el haber sobrevivido al VIH durante más de treinta años y a un coma. Creen que es una historia que puede llamar la atención sin necesidad de que sepas nada de música. También se está recaudando dinero para acabar un documental sobre mí. Ojalá el libro y el documental aparezcan al mismo tiempo. Para mí, el activismo tiene tanta importancia como la música, y me lo tomo muy en serio. Hoy, además de a la música, me dedico a recaudar fondos, a crear conciencia o a hablar en conferencias médicas o ante grupos de estudiantes homosexuales.

06_FH (©Joan Cortès)_10-10-10

Ferran Esteve: Hace unos años, contaba que, después de saber que contraído el VIH, vivió unos años musicalmente muy fecundos porque se decía que cada nuevo disco podría ser el último. ¿Podríamos decir que toda la actividad de estos años después del coma obedece a un planteamiento similar?

Fred Hersch: No, en absoluto. Pronto cumpliré 60 años y espero vivir todavía muchos años y hacerlo con normalidad. Tengo el virus bajo control, mi estado general de salud es bueno y miro hacia adelante. Es cierto que podría sufrir un infarto y morirme; en ese caso, espero que la cosa sea rápida. Haber sobrevivido a lo que he sobrevivido, a tantos años de mala salud y a un coma, recuperarme y tocar mejor que nunca son cosas que jamás habría imaginado cuando era un chico de 17 años que vivía en Cincinnati, y me parece un sueño haber tocado con la gente que he tocado o en los lugares en los que lo he hecho, haber podido ganarme la vida como artista. En los últimos dos años, he tenido una suerte increíble: el reconocimiento del público, de los críticos. Lo más importante ahora mismo es no trabajar demasiado y tener tiempo para recuperarme, escribir nuevos temas y no quedarme estancado. Hace poco, además, decidí que voy a abandonar una parte de mi actividad docente: dentro de dos semanas, iré por última vez a Boston, al New England Conservatory. Ya tomo suficientes aviones cuando voy a tocar, no necesito el dinero y el nivel de los estudiantes ya no es lo que era.

Ferran Esteve: ¿Cuándo empezó a detectar este descenso continuado en el nivel de los estudiantes?

Fred Hersch: Siempre ha habido estudiantes sobresalientes, pero creo que la cosa ha empezado a ir a peor en los últimos dos años. En Estados Unidos, una universidad privada cuesta 200.000 dólares al año, salvo que obtengas una beca que lo cubra todo, y los buenos estudiantes van en ocasiones a las universidades que los becan, pese a que saben que podrían recibir una formación mejor en otro sitio. En ningún caso tienes ninguna garantía de que tanto estudio dé sus frutos, salvo si luego estudias un máster y haces un doctorado y te dedicas a la docencia. Por ese motivo, la gente está buscando alternativas. Por ejemplo, si sabes que el precio anual de uno de estos programas es de 50.000 dólares, ¿por qué no ahorras 40.000, te vas a Nueva York y dedicas ese dinero a tomar clases particular con tantos músicos como quieras e ir un par de veces por semana a ver conciertos? Puede que vivir la música de esa manera sea una experiencia mucho más positiva que correr detrás del maldito título.

Entrevista: © Ferran Esteve, 2015
Fotografías: © Joan Cortès, 2015




Chris Cheek & Jimmy Weinstein Group (Sa Pobla, Mallorca. 2014-11-09)

  • Lugar: Centre Cultural Sa Congregació. Sa Pobla, Mallorca
  • Fecha: Domingo 09 de Noviembre de 2014. 19:30
  • Formación:
    Chris Cheek: saxo tenor
    Jimmy Weinstein: batería
    Toni Miranda: guitarra
    Marko Lohikari: contrabajo
    Lilli Santon: voz

Chris Cheek 1

Cuando José Luis Luna me informa que viene Chris Cheek a Mallorca no me queda más remedio que decir la frase temida “pues no lo conozco”, a lo que rápidamente me contesta que es algo que debo remediar. Busco información y descubro una discografía repleta de excelentes formaciones con músicos como: Paul Motian, Ethan Iverson, Albert Sanz, Charlie Haden… Rápidamente me hago con unos discos del saxofonista, pero por falta de tiempo no puedo escuchar más que unos cuantos temas (que me dejan un espléndido sabor de boca) y a dos días del evento, Pachi Tapiz me comenta “igual es mejor ir sin más información y que te sorprenda”, y así lo hago. Tampoco es algo nuevo para mí, lo hice recientemente con Samuel Blaser al que tampoco conocía (los que conocéis su trabajo os podéis imaginar). Es algo que la gente debería hacer más a menudo. Dejar cualquier perversión foránea y desarrollar una opinión desnuda. Pero bueno, prosigo. En relación al resto de la formación, el baterista Jimmy Weinstein hace unos años que viene realizando el seminario Traveling School dentro de la programación del Festival Mallorca Jazz Sa Pobla, además, desde Tomajazz lo queremos reivindicar ya que creemos que no está lo suficientemente reconocido. Marko Lohikari, si, efectivamente, es el flamante contrabajista del trío de Marco Mezquida, y por cierto, hace unos años que vive en Mallorca por lo que es un lujo para la isla. Toni Miranda, es un magnífico guitarrista mallorquín. Una verdadera pena la insuficiente y casi nula escena jazzística como para que pueda desarrollar según qué proyectos. ¡Otra reivindicación! Si tenéis ocasión de verle, no lo dudéis. y Lilli Santon, que también forma parte de la Traveling School, integra su voz al conjunto como si fuera cualquier otro instrumento.

Jimmy Weinstein

Organiza el concierto el Centre Cultural Sa Congregació que también están detrás de la organización del Festival Mallorca Jazz Sa Pobla. Totalmente imprescindible cada verano. También hay que comentar que justo el día anterior, esta misma formación ofreció un concierto en Sa Societat de Calvià, que según me comentan, pretenden incorporarse al circuito de jazz en Mallorca. Esperemos que nos depare buenos conciertos en un futuro inmediato. Quedamos a la espera.

Lilli Santon

A las 19:45 empieza el concierto y lo que se escucha en el escenario es jazz sin aspavientos ni atropellos. Algo así como hacer honor a la palabra relax. Claro que hay momentos de más intensidad, pero entiendo el global del concierto como una expresión en calma. Los músicos se entienden a la perfección aunque no hayan trabajado antes con Chris Cheek (aparte de Jimmy Weinstein) y este, en plena concentración, entra en un trance profundo desgranando notas relajadas. Sus ojos cerrados miran al techo (atravesándolo) dejando entrever el color blanco. El quinteto interpreta versiones como “Mob Job” de Ornette Coleman, “Lawns” de Carla Bley o “Song For Che” de Charlie Haden. Y estas suenan perfectamente filtradas y con personalidad. Con amor incluso. “Her Melancholy Piano” es un tema que escribió Jimmy Weinstein dedicado a la pianista Mercedes Rossy. En una pausa explica que la conoció en sus años de estudio en la Berklee de Boston y que fue precisamente ella la que le presentó su futura esposa, también presente hoy en el grupo, Lilli Santon. Precioso tema. El concierto también sirve de plataforma para presentar ante el público algunos de los nuevos temas que Weinstein ha compuesto para su próximo álbum precisamente con Chris Cheek y Lilli Santon. Suenan “Pat and Danny Rhumba”, “Margherita” y “Mariana” (suite en dos movimientos) entre otros. Quedamos a la espera.

Toni Miranda

En relación a los músicos, el protagonismo más evidente recae en Toni Miranda y Chris Cheek, que realizan un trabajo pulcro y efectivo, gran sonido de guitarra de Miranda que tiene mucho que decir (y lo dice) y Chris Cheek, que dentro de una aparente timidez, toca lo que hay que tocar pero lo hace desde su interior, sus relajados soplidos llegan y se hacen notar. Se pueden sentir aquellas vibraciones que te confirman que tienes delante de tus ojos a uno de los grandes.

Marko Lohikari

El trabajo que realiza Jimmy Weinstein es de mención especial. Su manera de percutir la batería es muy inteligente, nunca cayendo en la evidencia ni tampoco en la pretenciosidad. Sus dos intervenciones en solitario demuestran su gran originalidad ante el instrumento. Igual que lo demuestra Lilli Santon con su voz. Se podría decir que es una extensión del sonido de saxo de Cheek, como si el sonido se transformara, o bien, como si los dos sonidos, voz y saxo, se conjuntaran en el aire. A parte de exponer las melodías, canta en dos temas y realiza algunas breves improvisaciones.

Chris Cheek 2

Finalmente Marko Lohikari realiza un trabajo contundente. Me gustaría poder ver o escuchar nuevamente el concierto para poder involucrar más mis sentidos en sus ideas y sus originales planteamientos a la hora de acompañar. También, que recuerde, realiza un único solo con un silencio absoluto en la sala. Precioso y elegante.

Cheek Weinstein

El aspecto negativo de la noche viene por la escasa gente que congrega este magnífico evento. Y si, nos podemos excusar en que justo el día anterior estuvieron en Calviá, y que según me confirman hubo una excelente entrada de público (unas ciento cuarenta personas) pero no me conformo. ¿De verdad a nadie más le interesa? Algo falla… Una oportunidad perdida para cualquier persona con un mínimo interés musical.

Texto  © Jesús Mateu Rosselló, 2014
Fotos © José Luis Luna Rocafort, 2014




RST Romano-Sclavis-Texier/ The Bad Plus / Bruce Barth Trio + Perico Sambeat / Bill Frisell Beautiful Dreamers (33è Festival Jazz Terrassa, Terrassa. 2014-03-15/28)

33è Festtival Jazz Terrassa

RST Romano-Sclavis-Texier

  • Fecha: Viernes, 15 de marzo de 2014
  • Lugar: Nova Jazz Cava (Terrassa)
  • Componentes:
    Aldo Romano: batería
    Louis Sclavis: clarinete, clarinete bajo y saxo soprano
    Henri Texier: contrabajo

The Bad Plus

  • Fecha: Sábado, 22 de marzo de 2014
  • Lugar: Nova Jazz Cava (Terrassa)
  • Componentes:
    David King: batería
    Reid Anderson: contrabajo
    Ethan Iverson: piano

Bruce Barth Trio + Perico Sambeat

  • Fecha: Jueves, 27 de marzo de 2014
  • Lugar: Nova Jazz Cava (Terrassa)
  • Componentes:
    Bruce Barth: piano
    Perico Sambeta: saxo alto
    Masa Kamaguchi: contrabajo
    Stephen Keogh: batería

Bill Frisell Beautiful Dreamers

  • Fecha: Viernes, 28 de marzo de 2014
  • Lugar: Centre Cultural Terrassa (Terrassa)
  • Componentes:
    Bill Frisell: guitarra
    Eyvind Khang: viola
    Rudy Royston: batería

Comentario:

El pasado 26 de febrero se cumplieron dos décadas de la inauguración de la Nova Jazz Cava de Terrassa. Al día siguiente, el jueves 27, se celebró el concierto conmemorativo, con el cuarteto del trompetista Raynald Colom y la colaboración de la guitarra flamenca de Juan Gómez “Chicuelo”.

Un par de semanas después se inauguró, en la misma sede, el 33 Festival de Jazz, consecuentemente adaptado a los actuales momentos económicos, pero con la capacidad, gusto y criterio que caracteriza a sus organizadores, siempre fieles y consecuentes al nombre del evento. Aquí el nombre es perceptivo y no una marca.

Hacía veinticinco años que Henri Texier y Aldo Romano no compartían escenario en Terrassa, en aquella ocasión fue con el saxofonista estadounidense Joe Lovano, en el Epic Casino, en una doble velada complementada con Charlie Mariano & The Karnataka College of Percussion.

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El trío RST, Romano-Sclavis-Texier, era la primera vez que actuaba en la ciudad egarense, como también lo era la presencia de Louis Sclavis. La anterior actuación del trío en Cataluña fue en el octavo festival de jazz de Girona, en el año 2008. No deja de ser sorprendente, desgraciadamente, el desconocimiento de la escena jazzística europea, y muy especialmente la francesa, por las coordenadas catalanas. Una escena amplia y variada. En este caso concreto estamos hablando de tres músicos maduros, Aldo Romano (71 años), Henri Texier (69) y Louis Sclavis (61), todos con una dilatada, contrastada y coherente carrera.

02_RST (©Joan Cortès)_15mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

En la Nova Jazz Cava la comunión entre el público y los músicos fue total, con un silencio de los que se pueden cortar a cuchillo. La propuesta del trío es rica, variada, amplia y excelentemente compactada, como queda bien patente en los cuatro trabajos publicados hasta la fecha. Los tres primeros en formato de cuarteto atípico, con la colaboración exquisita y plena del fotógrafo francés, jazzístico por excelencia, Guy Le Querrec con su, cámara, Leica. El último trabajo se materializó en formato de sexteto, 3” (2012), donde cada uno de los tres fundadores invitó a un nuevo músico y compañero de andanzas, Enrico Rava, Nguyên Lee y Bojan Z.

Los tres primeros cedes Carnet de routes (1995), Suite africaine (1999) y African flashback (2005), fueron editados cada uno de ellos en formato estuche con un libro fotográfico en blanco y negro, un binomio de excelencias musicales y fotográficas.

03_RST (©Joan Cortès)_15mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

La música del trío es un juego de tensión/distensión, pasando, sin solución de continuidad y en un mismo tema, por distintos apartados, como el hecho más natural, del free a la melodía más exquisita en un simple pestañear, jazz, rock, en algunos pasajes de contundencia casi punk, música folklórica de distintos orígenes, más algunos elementos humorísticos de aire felliniano.

El dominio instrumental así como su sonoridad, la calidad y cualidad del sonido que extraen, es apabullante. Siempre al servicio de la música y del grupo.

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Una música que va más allá, que te transporta por distintos y variados lugares, como en una inversión de papeles entre película y banda sonora. Uno de aquellos conciertos en que uno tiene la sensación de haber experimentado, vivido, mucho más que la simple interpretación de unas composiciones musicales y que los tres músicos, más que músicos, ejercían de médiums. Una actuación musical preñada de vida.

En los atriles, de Sclavis y Texier, las partituras con temas del primer y tercer trabajo del grupo, entre ellas, “Berbère”, “Entre chien et loup”, “Annobon”, “African panther 69”, “Standing ovation (for Mandela)”, “Les petits lits blancs” o “Dieu n’existe pas”.

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Una excelente comunión entre músicos y público, con un número remarcable de caras conocidas y militantes. Por lo escuchado y por lo que escucharíamos, una de las joyas del festival, por no decir la joya mayor, en un festival que no se ha quedado parco en este aspecto.

06_THE BAD PLUS (©Joan Cortès)_22mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

El concierto del trío The Bad Plus me hizo pensar en una película estadounidense, de trazado milimétricamente calculado y proporcionado, constituida por diversas secuencias conjuntadas con la temporización de los temas, con subsecuencias interiores, con cambios remarcables, a modo de inserto fílmico, cuando no de corte directo, sobre la marcha, con fragmentos enlazadores repartidos a lo largo de todo el metraje musical.

07_THE BAD PLUS (©Joan Cortès)_22mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

Una concepción musical a base de jazz, pop, rock y música de, posible, banda sonora, dicho sea sin ninguna connotación peyorativa, con cambios radicales sobre la marcha, con crescendos de final seco y lacerante. Dominadores, como pocos, del “cut & paste” musical en vivo. En una especie de collage sonoro que podría hacer recordar, en algunos pasajes, la escritura del mejor James Ellroy.

08_THE BAD PLUS (©Joan Cortès)_22mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

Una fórmula muy trabajada e interpretada de forma impactante, donde el pianista, Ethan Iverson, dejó algunas de las perlas de la noche, entremezcladas con algunas disonancias. En ocasiones parecía, remarco parecía, estar como desconectado o espectador del discurrir de sus dos compañeros de grupo, con un musculoso, contundente y en ocasiones visceral percutir del batería, David King, mientras el contrabajista, Reid Anderson, elaboraba un perfecto puente de contacto entre los dos mundos, aparentemente distintos, de Iverson y King. Una amplia selección de los temas interpretados, en Terrassa, formarán parte del nuevo proyecto discográfico que se publicará el próximo otoño.

09_THE BAD PLUS (©Joan Cortès)_22mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

El Jazzterrasman de este año fue concedido al pianista estadounidense Bruce Barth. Con el galardón, que se viene concediendo desde el 2003, se quiere reconocer la trayectoria así como el vínculo y relación con Jazz Terrassa: Barth había actuado anteriormente en seis ediciones del festival.

10_BRUCE BARTH Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_27mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

Algunos de los últimos premiados han sido, Horacio Fumero (2013), Pere Ferré (2012), Perico Sambeat (2011) o Roy Hargrove (2010). El premio consiste en una pieza de bronce de la escultora local Silvia Segura.

11_BRUCE BARTH Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_27mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

El concierto, como es norma en la Nova Jazz Cava, se dividió en dos partes. En la primera, después de recoger el premio y de las correspondientes palabras de agradecimiento, el pianista de California actuó en formato de trío, con Masa Kamaguchi al contrabajo y Stephen Keogh a la batería, interpretando un par de temas de su último disco, Daybreak (2014), el tema homónimo y “In the still of the night” de Cole Porter, así como “Afternoon in Lleida” (del disco que grabó en directo en el Cafè del Teatre leridano) y “Blue Monk”.

12_BRUCE BARTH Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_27mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

Después del descanso se incorporó, otro Jazzterrasman, su viejo amigo, con el que tiene grabados un par de discos, el saxofonista y compositor Perico Sambeat. En esta parte se elaboraron algunos de los momentos más interesantes de la velada, con un Sambeat desenvuelto, dinámico y brillante. Iniciaron el segundo set con un par de temas de Perico, “Nit blau” y “Joe” dedicado al gran Joe Henderson (una fotografía del tenorista, de gran formato, en blanco y negro riguroso, preside, por no decir bendice, la parte superior-frontal del escenario, que a su vez está confrontada con otra de Tete Montoliu, ambas realizadas por Miquel Carol, fotógrafo de la casa).

13_BRUCE BARTH Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_27mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

Después vendrían dos temas del último trabajo de Bruce, “Tuesday’s blues” y “Vámonos”, este en el bis, y entremedio “The Jitterbug waltz” de Fast Waller, el tema que cierra el disco Some other spring que grabaron a dúo en 1998.

14_BRUCE BARTH Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_27mar14_Nova Jazz Cava_33FJazzTerrassa

El único concierto, de los considerados de cabecera, no programado en la reciente veinteañera Nova Jazz Cava fue el de Bill Frisell, que se realizó en la sala de actos del Centre Cultural Terrassa con un aforo para unas 300 personas, además de una excelente acústica.

15_BILL FRISELL Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_28mar14_Centre Cultural Terrassa_33FJazzTerrassa

Bill Frisell, que atesora una discografía personal que ronda los cuarenta títulos, mantiene en activo siete formaciones distintas. En Terrassa vino en formato de trío, con Beautiful Dreamers, constituida con dos de sus cómplices, el violista Eyvind Kang, coparticipe a su vez en otros proyectos del guitarrista, Big Sur quintet y 858 quartet; y el batería, percusionista, Rudy Royston, también miembro del citado quinteto.

16_BILL FRISELL Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_28mar14_Centre Cultural Terrassa_33FJazzTerrassa

Ofrecieron un destacable concierto, sumamente tranquilo, moviéndose pausada y melódicamente por una diversidad de estilos, jazz, pop, rock, country, folk,…, como si se tratara de uno sólo. Practicando un exquisito “menos es más”. Con los tres músicos perfectamente compenetrados, consiguiendo un todo orgánico de grupo, con un remarcable juego tímbrico, de trazados ondulantes y sinuosos, lleno de pequeños detalles, con un volumen perfectamente controlado. Una propuesta amplia y coherente, casi a modo de pequeñas suites, abierta a un abanico muy amplio de público.

17_BILL FRISELL Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_28mar14_Centre Cultural Terrassa_33FJazzTerrassa

Aunque la formación musical, como tal, es un trío, cabría más bien cualificarla de cuarteto, por la importancia capital que le corresponde a la responsable del sonido, Claudia Engelhart, con una aportación crucial en la cualidad y calidad del sonido final, redondo, compensado y limpio. Engelhart es la ingeniera de sonido a “full time” de las giras del guitarrista desde 1989.

18_BILL FRISELL Trio + PSambeat (©Joan Cortès)_28mar14_Centre Cultural Terrassa_33FJazzTerrassa

Buena parte de las piezas interpretadas podían haber estado perfectas acompañantes, a modo de banda sonora de obras pictóricas, de algunos de los trabajos expuestos, en el mismo Centre Cultural, correspondientes a la retrospectiva del pintor Romà Vallès, especialmente las series “matèrica” -negra, blanca, monocroma y color- de C”, realizadas entre 1956 y 1963. Una interesante cohesión, imaginariamente posible y plausible, entre pintura contemporánea y música.

© Texto y fotografías: Joan Cortès, 2014