El jazz en los años 40 (I): prólogo (o de las décadas anteriores). La Odisea de la Música Afroamericana (149) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

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Tras el repaso al blues en los años 40 y 50, le toca el turno al jazz en los años 40. Antes de entrar a fondo en esta época de cambios, Luis Escalante Ozalla dedica el programa 149 de La Odisea de la Música Afroamericana a repasar el jazz en las décadas anteriores, centrándose para ello en los estilos Nueva Orleans, Jazz Clásico y Swig, y en algunos de sus máximos representantes como Louis Armstrong, Fletcher Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington, Count Basie, Billie Holiday, o Glenn Miller.

En el programa 149 suenan:

  • “Dancing in the dark” Diana Krall
  • “Melancholy” Louis Armstrong
  • “Hop off” Fletcher Henderson
  • “Dinah” Fats Waller
  • “One o´clock jump” Count Basie
  • “Sing sing sing” Benny Goodman
  • “In the mood” Glenn Miller
  • “It don´t mean a thing if it ain´t got that swing” Duke Ellington & Ivie Anderson
  • “God bless the child ” Billie Holiday
  • “Blacksmith blues” Bing Crosby
  • “Mood indigo” Jimmy Smith & Russell Malone

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Henderson – Hoffman – Hudson. Los compositores del Tin Pan Alley (XXXVI). La Odisea de la Música Afroamericana (129) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla llega a la entrega número 36 dedicada a los compositores del Tin Pan Alley. Si en al anterior sonaban temas de un buen número de creadores, en este caso suena un tema de Ray Henderson (con el que se cierra el repaso iniciado en el programa anterior), y músicas de los compsitores Al HoffmanWill Hudson. “Moonglow”, “Hocus Pocus”, “I’m Gonna Live Until I Die” o “You’re Not The Kind” interpretados por Sarah VaughanFletcher Henderson, June Christy, Kevin Mahogany o Jimmy Smith son algunos de los temas y artistas que suenan en el programa.

En el programa suenan:

  • “Three o´clock blues” Jimmy Smith & B.B.King
  • “If a had a talking picture of you” Passadena Roof Orchestra
  • “You´re gonna see a lot of me” Lisa Ekdahl
  • “I apologize” Kevin Mahogany
  • “Savage rhythm” Mills Blue Rhythm Band
  • “I´m gonna live until I die” Sarah Vaughan & Benny Carter Band
  • “Hocus pocus” Fletcher Henderson
  • “Moonglow” June Christy
  • “Moonglow” Benny Carter
  • “Organ grider´s swing” Jimmy Smith
  • “White heat” Jimmy Lunceford
  • “You´re not the kind” Sarah Vaughan
  • “Just the two of us” Grover Washington Jr.

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Duke Ellington (VIII). La Odisea de la Música Afroamericana (071) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor del libro Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 71 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante llega a la octava parada dedicada al gran Duke Ellington. Tras los episodios dedicados a los cantantes llega la recapitulación del repaso a esta figura tratando distintas cuestiones acerca de su carrera y de su manera de entender la música. Otro gigante, el saxofonista Coleman Hawkins es el siguiente músico en el que La Odisea de la Música Afroamericana detiene sus pasos. Steve Tyrrell & Jane Monheit y Gary Moore son quienes suenan en el inicio y al final del programa.

Duke Ellington posa al piano en los estudios de la KFG Radio el 3 de noviembre de 1954. Autor desconocido.

Duke Ellington posa al piano en los estudios de la KFG Radio el 3 de noviembre de 1954. Autor desconocido.

En el capítulo 71  suenan:

  • “Baby it´s cold outside” Steve Tyrrell & Jane Monheit
  • “The mooche” Duke Ellington
  • “Rocking in rhythm” Duke Ellington
  • “I let a song go out of my head” Duke Ellington
  • “Satin doll” Duke Ellington
  • “Mood indigo” Wynton Marsalis & The Lincoln Center Jazz Orchestra
  • “Sweet and lovely” Coleman Hawkins
  • “Stormy weather” Art Tatum
  • “Hop off” Fletcher Henderson & Coleman Hawkins
  • “Alexander´s ragtime band” Bessie Smith & Coleman Hawkins
  • “One hour” Mound City Blue Blowers
  • “I´m tired” Gary Moore

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Duke Ellington (V). La Odisea de la Música Afroamericana (068) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor del libro Y se hace música al andar con swing.

La quinta entrega de La Odisea de la Música Afroamericana dedicada a la figura de Duke Ellington continúa realizando un repaso por los grandes solistas de las orquestas del Duque. Luis Escalante vuelve a incidir en Johnny Hodges –que ya apareció en el progama anterior-, Ray Nance y especialmente en Ben Webster, al que le dedica un apartado especial. Este saxofonista no sólo aparece acompañando a Duke Ellington, sino que también lo hace junto a Woody Herman (otro grande del jazz), Billie Holiday (junto a la que aparece interpretando un par de temas clásicos del repertorio ellingtoniano), y Coleman HawkinsCarlos Santana y Nenna Freelon junto a Take 6 cierran y abren el programa.

By Louis Panassié (Own work) [GFDL (http://www.gnu.org/copyleft/fdl.html) or CC BY-SA 3.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0)], via Wikimedia Commons

Duke Ellington en la película l’Aventure du Jazz – Jazz Odyssey (1971) por Louis Panassié (Own work) [GFDL (http://www.gnu.org/copyleft/fdl.html) or CC BY-SA 3.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0)], via Wikimedia Commons]

En el capítulo 68 suenan:

  • “Straighten up and fly right” Nnenna Freelon & Take 6
  • “Let´s fall in love” Duke Ellington, Johnny Hodges & Cia.
  • “Caravan” Duke Ellington & Ray Nance
  • Just squeeze me” Duke Ellington & Ray Nance
  • “Cotton tail” Duke Ellington & Ben Webster
  • “Chelsea Bridge” Duke Ellington & Ben Webster
  • “Down South camp meeting” Fletcher Henderson
  • “I´ve got you under my skin” Woody Herman & Ben Webster
  • “Do nothing till you hear from me” Billie Holiday & Ben Webster
  • “Sophisticated Lady” Billie Holiday & Ben Webster
  • “You´d be so nice to come home to” Ben Webster & Coleman Hawkins
  • “Smooth” Carlos Santana

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Especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial (2005)

Louis Armstrong Hot Fives And SevensEn Tomajazz recuperamos 25 Discos de Jazz: una guía esencial que Jorge López de Guereñu, Nacho Fuentes y Agustín Pérez Gasco, bajo la dirección de Fernando Ortiz de Urbina realizaron en 2005. El resultado, en cinco partes, fue una recopilación de CD de jazz básicos en cualquier colección, que siguen estando de plena actualidad.
El especial está estructurado de la siguiente manera:

Se desarrolló cronológicamente estructurado en cuatro partes:




Sidemen del estilo New Orleans: Buster Bailey, Johnny St. Cyr, Jimmy Harrison, Kid Ory, Lonnie Johnson. La Odisea de la Música Afroamericana (025) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana. Programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor del libro Y se hace música al andar con swing.

La entrega número 25 de La Odisea de la Música Afroamericana se centra en algunos de los sideman más destacados del estilo New Orleans: Buster Bailey, Kid Ory, Johnny St. Cyr, Jimmy Harrison y Lonnie Johnson. Son nombre anónimos que suenan en las grabaciones de las grandes figuras, aunque sin su participación las obras de músicos como Fletcher Henderson, Billie Holiday, Mildred Bailey, Maxine Sullivan, Louis Armstrong, Fletcher Henderson, Duke Ellington o Alberta Hunter no hubieran sido lo que son. Además suena la música de Sarah Vaughan con Take 6, Harry Connick Jr. y René Thomas.

 

 

Lonnie Johnson playing in Chicago, 1941. Foto de Russell Lee

Lonnie Johnson playing in Chicago, 1941. Foto por Russell Lee

 

En el capítulo 25 suena:

  • “Setembro” Sarah Vaughan & Take 6
  • “Corn Fed” Fletcher Henderson
  • “I´ll Get By” Billie Holiday
  • “Tain´t What You Do” Mildred Bailey
  • “Wraggle Tiggle Gypsies” Maxine Sullivan
  • “Willie The Weeper” Louis Armstrong
  • “Ory´S Creole Trombone” Louis Armstrong
  • “Muskrat Ramble” Harry Connick Jr.
  • “Fidgety Feet” Fletcher Henderson
  • “Hot And Bothered” Lonnie Johnson
  • “Fine And Mellow” Alberta Hunter
  • “Spontaneous Effort” René Thomas

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Fletcher Henderson. Jazz VI. La Odisea de la Música Afroamericana (017) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana. Programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor del libro Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 17 de La Odisea de la Música Afroamericana (LODLMA) está dedicado a Fletcher Henderson, una figura esencial en el jazz puesto que su influencia fue determinante en el swing. A este químico reconvertido en músico se le puede considerar el padre de las big bands. Adelantado de alguna manera a su tiempo, fueron otros como Benny Goodman quienes cosecharon en plenitud el éxito de sus planteamientos, aunque bien es cierto que el caso del clarinetista le hizo partícipe de ello puesto que Henderson fue su arreglista. En el programa suena la música de Henderson interpretada tanto por sus grupos (Fletcher Henderson Orchestra, The Dixie Stompers), como por otros músicos (Benny Goodman, Manhattan Transfer), así como mostrando al Henderson pianista (junto a la enorme Bessie Smith). También sirve para adelantar la siguiente figura que pasará por la odisea: Louis Armstrong en un tema grabado junto a otro gigante, Duke Ellington. El cierre y apertura viene con la voz de George Benson y la deliciosa Mary Stallings.

 

Fletcher Henderson

Fletcher Henderson

En el capítulo 17 suena:

  • “Surrey With The Fringe On Top” Mary Stallings
  • “Wang Wang Blues” Fletcher Henderson Orchestra
  • “Variety Stomp” The Dixie Stompers
  • “Baltimore” The Dixie Stompers
  • “Down South Camp Meeting” Fletcher Henderson
  • “Down South Camp Meeting” Benny Goodman
  • “Hop Off” Fletcher Henderson
  • “King Porter Stomp” Manhattan Transfer
  • “A Rhythmic Dream” Fletcher Henderson
  • “There´Ll Be A Hot Time In The Old Town Tonight” Bessie Smith
  • “Duke´S Place” Louis Armstrong
  • “Moody´S Mood For Love” George Benson

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La música de LODLMA: Hard Time Blues 1927-1960 (Frémeaux & Associés, comp.2015; 2CD) [AKA Tomajazz Recomienda]

hard-time-blues-1927-1960El blues como música reivindicativa, dentro de sus posibilidades, es el leit-motiv del doble CD Hard Time Blues 1927-1960, que cuenta en su título con la coletilla “Political and Social Blues Against Racism at the Origin of the Civil Rights Movement“. Omitiendo el orden cronológico, la recopilación se estructura en distintos bloques temáticos que muestran que el blues estaba pegado a la cruda realidad del día a día en Estados Unidos. Entre estos aparecen la discriminación tanto en el ejército (a pesar de que los norteamericanos de cualquier color de piel fueron reclutados como combatientes en la segunda guerra mundial, no fue hasta 1948 cuando en el ejército se produjo la integración racial de los estadounidenses), como fuera de él: “Uncle Sam Says”, “Get Back”, “Jim Crow Blues”.También tienen su espacio la protesta contra el sistema judicial y penitenciario norteamericano, que era (y es) especialmente duro con la gente de color, así como los trabajos forzados en las cárceles que derivaban de las condenas: “There Is No Justice”, “Parchman Farm Blues”; la pobreza en general: “No Job Blues”, “Lonesome Cabin Blues”, “Pawnshop Blues”, “No Shoes”. Las catástrofes naturales, que obviamente tenían unos efectos especialmente devastadores en la parte más pobre de la población independientemente de su color de piel, fue temática de los blues: “Back Water Blues”, “When The Levee Breaks”. La crisis del 29 y la esperanza que supuso el New Deal del presidente Roosevelt (“Don’t Take Away my P.W.A.”*, “President Roosevelt”), así como también quejas sobre el resultado de este programa (“Warehouse Man Blues”) fue objeto de algunos blues. También se incluyen referencias políticas directas como ocurre en “Eisenhower’s Blues” (censurado por ser demasiado crítico con el presidente) o en “The Big Race” que hace referencia al triunfo de los demócratas sobre los republicanos en 1960, mientras que “The Alabama Bus” (1960) relata los hechos protagonizados por Rosa Parks en 1959; incluso surgen voces advirtiendo acerca de los peligros de las guerras: “Back To Corea Blues”, “Whe World Is In a Tanble” y especialmente “Crazy World”.

Las cuatro décadas que recorre la música sirve a su vez para mostrar distintas maneras de entender el blues, que parten de la austeridad (voz y guitarra) de Ramblin’ Thomas o John Lee Hooker, hasta llegar a la Ida Cox & Her All-Star Band en la que participaron músicos de la talla de Fletcher Henderson, Charlie Christian, Lionel Hampton o Hot Lips Page, entre otros. Entre medio quedan el pianismo virtuoso de Champion Jack Dupree, el magnífico dúo -guitarra y armónica- formado por Sonny Terry & Brownie McGhee, o una cierta aproximación al rhythm and blues de J.B. Lenoir y Herman Ray, así como algunos otros bluesmen esenciales como Big Bill Broonzy, Leadbelly o Sonny Boy Williamson. Magnífica esta recopilación que sirve para poner en valor el carácter reivindicativo del blues.

© Pachi Tapiz, 2015

Varios autores: Hard Time Blues 1927-1960. Political and Social Blues Against Racism at the Origin of the Civil Rights Movement (Doble CD) [Complemento sonoro a los capítulos 5, 6 y 7 dedicados al blues de La Odisea de la Música Afroamericana, programa editado, dirigido y presentado por Luis Escalante Ozalla]
Frémeaux & Associés, 2015

Nota: * P.W.A.: Public Works Administration




Cifu porque sí. Por Martí Farré

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Puede parecer propio de alguien con un cierto grado de candidez, pero es que uno nunca llegó a imaginarse que tuvieran que pasar cosas como esta. Porque no hay nadie, nadie, a quien le guste mínimamente el jazz en este país que no pueda decir que no se haya instruido gracias al Cifu alguna vez, aunque solo sea una. Y porque el Cifu siempre ha estado allí, en el transistor de la cocina, en la radio de la mesita de noche, en los videos en VHS, con la imagen ya defectuosa, de sus Jazz entre amigos, en los “favoritos” de Internet, en las horas perdidas ante el ordenador, cuando uno tiene no-sé-qué-cosa-urgente-que-tenía-que-entregar-antes-de-ayer y prefiere navegar por el archivo virtual de TVE y descargarse un programa del Cifu dedicado a Duke Ellington —¡qué serie tan sublime realizó en su añorado Jazz entre amigos!—, o se va por los cerros de la Santa Red y recala en un “Jazz porque sí” dedicado al primer disco de Wayne Shorter. Sí, el Cifu está en su cocina, en el baño, en el dormitorio, en la radio del coche, en sus recuerdos de adolescencia, en las primeras conversaciones sobre jazz con amigos que, como usted, habían descubierto que existía una música mucho más interesante de la que echaban por las radiofórmulas. Y está en las retransmisiones del Festival de Jazz de Vitoria, cuando en la tele todavía daba todo el festival a diario, y usted y yo, seguro que se acuerda, lo seguíamos con un volumen no muy alto, no fuera a ser que despertásemos al resto de la casa, que ya estaban hasta el gorro de nuestra musiquita, eso decían. Sí, el Cifu está en un plató que simula ser un club de jazz, detrás de una barra, pitillo en una mano y en la otra con un vaso-largo-dos-hielos-y-un-vodka-con-naranja, presentando al Tete —¡qué gran programa, por cierto!—, y el propio Tete Montoliu interpreta “Bag’s Groove” nada más y nada menos que con Lou Donaldson. Y lo hace después de esa careta televisiva en la que una pareja de progres entra al supuesto Jazz Entre Amigos con el “Tunin’ in” de Woody Herman de fondo. Seguro que se acuerda. Y sí, el Cifu esta, y lo estará siempre, y usted lo sabe amigo, cada vez que suena el “Milestones” de Miles Davis, a quien por cierto entrevistó en una emisión histórica de la televisión española. Y sí, el Cifu se encuentra en un café de Tarragona charlando durante dos horas sobre la historia de las big bands, de Fletcher Henderson a Count Basie —no había tiempo para más—, y luego, en un bar de copas de la misma ciudad, cuenta anécdotas de sus tiempos televisivos, o de cuando hizo la guía de programas de radio dedicados al jazz en España —¡cuántos programas de radio sobre jazz en este país deben su existencia al magisterio de Juan Claudio Cifuentes!—. Y poco antes de la pasada navidad, el Cifu recoge un premio de la Asociación de Músicos de Jazz de Cataluña en un restaurante de Barcelona, en alegre francachela, que diría Carlos Barral, y uno cree que siempre estará allí. Porque sí.

Texto: © Martí Farré, 2015
Fotografía: © Pachi Tapiz, 2009




Tomajazz recomienda… Especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial

Cuatro especialistas y grandes aficionados desarrollan el especial “25 Discos de Jazz: una guía esencial”. El resultado es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

Agustín Pérez, Ignacio Fuentes y Jorge López de Guereñu, coordinados por Fernando Ortiz de Urbina han desarrollado el especial 25 Discos de Jazz: una guía esencial. El resultado es una guía fantástica para aproximarse a la respuesta de la pregunta (histórica): “¿Qué es el Jazz?”.

El especial está estructurado de la siguiente manera:
Presentación: http://www.tomajazz.com/web/?p=626 por Fer Urbina (Fernando Ortiz de Urbina), quien actuó como coordinador de este proyecto.
Se desarrolla cronológicamente estructurado en estas cuatro partes:
1917-1942: http://www.tomajazz.com/web/?p=629 por Eke BBB (Agustín Pérez)
1953-1969: http://www.tomajazz.com/web/?p=23973 por Fer Urbina
1960-1979: http://www.tomajazz.com/web/?p=23981 por Natxo (Ignacio Fuentes)
1980-2000: http://www.tomajazz.com/web/?p=23984 por Jorge LG (Jorge López de Guereñu)

Mucho más sobre jazz en Tomajazz




Duke Ellington: Biografía por Donald Clarke (Primera parte: 1899-1955)

Duke Ellington dedicó su vida, de la que no gustaba dar detalles, a la música.  Para recoger aquí una breve semblanza, nos hemos servido de la entrada correspondiente en la Enciclopedia de la Música Popular de Donald Clarke, reputado autor estadounidense renombrado por su agudeza y originalidad.

En la actualidad se puede consultar la Enciclopedia de Clarke, así como su libro sobre la historia de la música popular (The Rise and Fall of Popular Music) en su Website Donald Clarke’s Music Box.

Vaya nuestro agradecimiento para Clarke por su colaboración y generosidad al prestarnos esta biografía, que se publicará en dos partes.

Duke Ellington

(n. Edward Kennedy Ellington, 29 de abril de 1899, en Washington DC; m. 24 de mayo de 1974, en Nueva York).


Duke Ellington
Foto publicitaria de 1933 (estudios Maurice de Chicago)

Pianista, director de orquesta, arreglista, compositor y uno de los más grandes músicos de la historia de EE UU porque fue todas esas cosas a la vez.  Su padre trabajó como mayordomo en la Casa Blanca y como heliografista para la Armada de EE UU; siendo adolescente recibió su apodo a causa de su elegante vestimenta y apariencia.  Tuvo una profesora de piano, la srta. Clinkscales; más adelante, ya en Nueva York, en los asientos traseros de los taxis recibió nociones de armonía por parte de Will Vodery y Will Marion Cook, así como consejos de Willie “The Lion” Smith, pero fue mayormente autodidacta.  Ganó un concurso de diseño de carteles patrocinado por la NAACP, y le ofrecieron una beca para estudiar Bellas Artes, pero dejó la secundaria para abrir un negocio de carteles pintados y se dio cuenta de que tocar el piano atraía a las chicas: cuando le encargaban un cartel para un baile, él solía preguntar “¿qué banda toca?”

Se mudó a Nueva York en marzo de 1923, pero no encontró trabajo; el siguiente otoño volvió a intentarlo con los Washingtonians, una banda dirigida por Elmer Snowden, que incluía a Arthur Whetsel, trompeta (1905-1940), Otto “Toby” Hardwick, saxos (1904-1970), Sonny Greer, batería (William Alexander Greer, c. 1895-1982).  La cantante Ada Smith recomendó a los Washingtonians para un trabajo en el Barron’s Exclusive Club, su primera actuación importante; estuvieron cuatro años en el Hollywood Inn, rebautizado como Kentucky Club tras un incendio.  Al principio de este periodo la banda sólo era una orquesta de baile más, pero al final ya era la banda de Ellington tocando música de Ellington, y muchos de sus miembros llegarían a ser figuras influyentes por méritos propios.  Las actuaciones se retransmitían por radio, y fue entonces cuando la banda empezó a tocar jazz, música que estaba empezando a calar en Nueva York.  Duke asumió el liderazgo tras la marcha de Snowden en 1925 (posiblemente porque Greer no quería el puesto); Whetsel lo dejó para estudiar medicina y le sustituyó el tremendamente importante “Bubber” Miley (James Wesley Miley, 1903-1932).  También se unió, al banjo, Fred Guy (1897-1971); Charlie Irvis (1899-1939) y su rugiente trombón “growl” fueron remplazados por Joe “Tricky Sam” Nanton (1904-1946); durante un breve periodo la banda contó con Sidney Bechet.  Duke compuso la música de la revista Chocolate Kiddies, que salió de gira por Europa bajo la dirección de Sam Wooding, pero no se sabe con certeza si se llegó a usar la música de Ellington.  La banda pasó al Cotton Club tras una oferta demasiado baja para King Oliver: permanecieron allí entre diciembre de 1927 y febrero de 1931, salvo cuando salieron de gira; rodaron el corto Black And Tan Fantasy en 1929, y con las retransmisiones radiofónicas en directo desde el Cotton Club les llegó la fama.  Ellington escribió o arregló la música para los espectáculos del club (aunque buena parte eran composiciones de Harold Arlen, Jimmy McHugh y Dorothy Fields); descubrió su talento para el color tonal y comenzó a crear un singular corpus de composiciones.

La banda podía tocar “hot” como la que más, pero desde el principio la música de Ellington mostró una belleza sensual de la que el resto carecía.  Las primeras grabaciones datan de noviembre de 1924; durante el periodo del Cotton Club publicaron discos en multitud de sellos, bajo nombres como “Washingtonians”, “Ten Blackberries”, “Jungle Band”, “Harlem Footwarmers”, “Whoopee Makers”, “Duke Ellington and His Orchestra”, “His Cotton Club Orchestra”, etc.; algunos salieron en sellos subsidiarios bajo pseudónimos.  Según cuenta la leyenda, los críticos europeos, especialmente el británico Constant Lambert, fueron los primeros en comparar los colores tonales de Ellington con los de Delius y Debussy, pero el hecho es que fue Robert Donaldson Darrell –que llegaría a ser un distinguido crítico de música clásica– en el número de junio de 1932 de la revista estadounidense Disques.  Darrell había reseñado “East St Louis Toodle-Oo” en el Phonograph Monthly Review de junio de 1927, y “Black And Tan Fantasy” en julio, ajeno al hecho de que era la misma banda bajo distinto nombre; entre noviembre de 1926 y abril de 1930 grabaron “East St Louis Toodle-Oo” ocho veces para seis sellos distintos (sin contar las tomas alternativas) con diferentes arreglos, que el joven compositor cambiaba, experimentando una y otra vez.  Otros clásicos de la época son “Birmingham Breakdown”, “Jubilee Stomp” y “Flaming Youth”, entre otros, mientras que “Bandanna Baby” y “Diga Diga Doo” (de McHugh y Fields) son buenos ejemplos de una música de club que a menudo tenía letras cómicas.  Títulos como “Jungle Blues”, “Jungle Nights In Harlem” o “Jungle Jamboree” revelan el sabor de un club en el que los músicos eran negros y los clientes blancos, pero la banda convirtió la necesidad en riqueza: Nanton y Miley usaban el gutural recurso del “yow-yow” que en el futuro tendrían que aprender los sustitutos de Miley, como Cootie Williams y Ray Nance; de esta manera, un truco de Nueva Orleans –que Miley había aprendido de King Oliver– pasó a integrar permanentemente el sonido de la banda y el de la música del siglo XX.  (Nanton permaneció con Ellington desde 1926 hasta su muerte; la influencia de Miley entre 1924 y 1929 incluyó la colaboración en la composición de temas como “East St. Louis” o “Black And Tan Fantasy”).  “Rockin’ In Rhythm” (1930) pasó a ser el tema de presentación de la banda (sustituyendo así a “East St Louis”); años después aún tocaban “The Mooche”, “Creole Love Call” (la versión original, de 1927, incluía la voz, sin letra, de Adelaide Hall) y “Black Beauty” (dedicado a Florence Mills, el primero de una larga serie de retratos).  “Haunted Nights” (1929) presentaba una sección de cañas que incluía únicamente a Barney Bigard (1906-1980), Harry Carney (1910-1974) y Johnny Hodges (1907-1970), pero sonaba más numerosa; en “Mood Indigo” (1930), cuenta con el clásico sonido de la melodía interpretada por una mezcla de Nanton, Bigard y Whetsel (de vuelta en la banda), mostrando la formidable habilidad de Ellington como arreglista –ya había empezado a componer especialmente para músicos concretos– como juez infalible de las habilidades de cada uno.  En 1930 la banda incluía a Whetsel, Cootie Williams (1910-1985) y Freddy “Posey” Jenkins (1906-1978) a las trompetas; Nanton al trombón, Juan Tizol al trombón de pistones (Vicente Martínez, 1900-1984); Hodges, Carney y Bigard en las cañas; Guy al banjo, aunque luego se pasó a la guitarra; Wellman Braud al bajo; Greer a la batería: todos ellos virtuosos, y la mayoría miembros intermitentes de la banda durante décadas.


The Washingtonians, 1925
Autor desconocido
Colección del National Museum of American History (Smithsonian Institution)

Irving Mills gestionaba la banda, publicaba las partituras, a veces incluso figuraba como coautor, de forma que algunos discos salieron bajo el nombre de los “Mills’ Ten Black Berries”.  No obstante, Mills ayudó a obtener el trabajo del Cotton Club, consiguió las primeras sesiones de grabación serias, así como la participación en la película Check And Double Check (1930) con los cómicos y estrellas de la radio Amos y Andy; cuando dejaron el Cotton Club (remplazados por Cab Calloway) Mills consiguió los autocares Pullman: caso único entre las bandas negras de la época, nunca tuvieron que preocuparse por encontrar un techo para pasar las noches.  La primera vez que usaron el apelativo de “Duke Ellington and His Famous Orchestra” fue en una sesión de grabación para Brunswick el 2 de febrero de 1932 en la que, entre otros temas, se grabó “Creole Rhapsody”, que abarcaba las dos caras de un disco de 10 pulgadas y 78 RPM; en junio grabaron la misma pieza en un disco de 12 pulgadas, uno de los primeros intentos de Ellington de superar las limitaciones del medio grabado, con las impresionantes secciones unidas mediante solos de piano.  En febrero de 1932 Lawrence Brown (1907-1988) y Ivie Anderson (1905-1949) grabaron por primera vez con la banda, entre otros temas “It Don’t Mean A Thing If It Ain’t Got That Swing”; la banda grabó unos LPs primitivos para Victor ese mismo mes, en una sesión en la que se utilizaron dos micrófonos para grabar dos másters diferentes de la misma toma, que cincuenta años después se combinarían para producir los mismos temas en estéreo (Stereo Reflections In Ellington, reeditado en CD por Natasha Imports).  Hardwick regresó en 1932, tras haber tocado con Bricktop en París; Darrell trató de entrevistar a Ellington ese mismo año con la intención de escribir un libro sobre él, pero ya entonces se mostraba evasivo sobre su vida y su obra, y no llegó a saber que los críticos le tomaban realmente en serio hasta que Mills organizó el primer viaje de la banda por Europa en 1933.

Las mejores grabaciones de los años 30 incluyen ejemplares temas rápidos como “Stompy Jones”, “Jive Stomp”, “In A Jam”, “Merry-Go-Round”, “Showboat Shuffle” (con los cobres imitando las palas del vapor del Mississippi) y las dos partes de “Diminuendo In Blue” y “Crescendo In Blue”; también hay baladas para enamorados y lentos melancólicos (mood) como “Prelude To A Kiss”, “Sophisticated Lady”, “Caravan” (compuesto por Tizol), “Clarinet Lament” protagonizado por Bigard o “(There Is) No Greater Love”.  “Reminiscin’ In Tempo”, que requirió las cuatro caras de dos discos de 78 RPM, es un tema compuesto durante una gira tras la muerte de la madre de Ellington en 1935, su obra más ambiciosa hasta entonces, pero el público de la época no estaba preparado y se mostró reacio a escuchar atentamente a una obra en tres partes encajada en cuatro caras de dos discos.  Otras versiones grabadas por Ellington incluyeron “In The Shade Of The Old Apple Tree” (de 1905) con un precioso solo con sordina a cargo de Jenkins, mientras que el éxito “Rose Of The Rio Grande” (de 1938) ponía en primer plano a Brown y Anderson.  La década la redondearon “I Let A Song Go Out Of My Heart” (de 1938, la primera versión, instrumental, habría sido un superventas a nivel nacional si hubieran existido las listas de éxitos), “Pussy Willow”, y “I’m Checkin’ Out Goodbye” (de 1939, con el parloteo de Anderson y Greer, desarrollado sobre los escenarios, pero raramente recogido en disco).  Braud se había marchado, y la banda contó con dos bajistas entre 1936 y 1938; el soberbio e influyente Jimmy Blanton se unió a finales de 1939, al igual que el saxo tenor Ben Webster.  Bigard había tocado también el tenor, pero Webster aportó un peso adicional a la sección de cañas, además de su voz solista.  La relación de Ellington con Mills terminó en 1939 (Ellington asumió la publicación de su música), año en que también se unió Billy Strayhorn como copista.  Desde 1935 Ellington había grabado para diversos sellos pertenecientes a la American Record Company; la última sesión para Columbia (febrero de 1940) y la primera bajo contrato exclusivo con Victor (en marzo) contó con la participación de Ellington, piano, arreglos y líder; Rex Stewart, corneta; Williams y Wallace Jones (1906-1983), trompetas; Nanton, Brown y Tizol, trombones; Bigard, Hodges, Carney y Webster, cañas; Guy, Blanton y Greer.

Aun hoy, las sesiones para Victor realizadas a partir de 1940 se consideran un punto álgido de la producción de Ellington.  Empezaron con “Jack The Bear”, que cuenta con el prominente papel de Blanton; el clásico “Ko-Ko”, al parecer un fragmento de un espectáculo inacabado, que abre apoyándose sobre el rocoso barítono de Carney; “Cotton Tail” y la explosión controlada del tenor de Webster; y “Harlem Air Shaft”, que contiene suficientes ideas para completar varios arreglos. También son de esta época “Never No Lament” (que tras añadírsele letra se convirtió en “Don’t Get Around Much Any More”), “Concerto For Cootie” (compuesto para Williams; con letra pasó a ser “Do Nothin’ Till You Hear From Me”); “Bojangles” (retrato del bailarín Bill Robinson), “Me And You” (con la voz de Anderson), “In A Mellotone”, el erótico “Warm Valley” y el precioso “Across The Track Blues”, así como cuatro dúos a cargo de Ellington y Blanton, más un largo etcétera.  El joven y enormemente talentoso Strayhorn liberó a Ellington de parte del trabajo al encargarse de los arreglos de las canciones populares del repertorio, que incorporó al mundo ellingtoniano, como “Chloe” (subtitulada “Song Of The Swamp”) con una elegante introducción jungle a cargo de Nanton, y el éxito “Flamingo” (cantada por Herb Jeffries; n. 1916, había aparecido como el “Bronze Buckaroo” en cuatro películas musicales “raciales” del Oeste a finales de los 30).  Esta explosión de música del siglo XX quedó recogida en directo gracias a unos fans que acarrearon el equipo necesario para grabar discos a un baile que ofreció la banda, hoy en un doble CD del sello VJC llamado Fargo, North Dakota November 7, 1940 [también reeditado por Storyville]; este valiosísimo testimonio incluye la versión “Stardust” por Webster, inédita en discos comerciales y quizás inspirada en el hito de Coleman Hawkins con “Body And Soul” del año anterior.  (Asimismo, algunos miembros de la banda como Hodges, Stewart y Bigard grabaron al frente de grupos pequeños con la bendición del líder).  Cootie Williams se marchó en 1940 para unirse Benny Goodman, lo que causó conmoción en el mundo de la música (el director de orquesta Raymond Scott compuso “When Cootie Left The Duke”, “Cuando Cootie dejó a Duke”).  Su polifacético y talentoso sustituto fue Ray Nance (1913-1976), que además cantaba y tocaba el violín.  No hubo tregua en 1941 y 1942: el “Take The A Train” de Strayhorn pasó a ser el tema de presentación de la banda; “John Hardy’s Wife”, “Blue Serge” y “Jumpin’ Punkins” fueron aportaciones de Mercer Ellington, que ya había escrito “Things Ain’t What They Used To Be”.  Anderson cantó “I Got It Bad And That Ain’t Good”, de Jump For Joy, un espectáculo compuesto por Ellington y estrenado en Los Ángeles, pero adelantado a su tiempo: ni siquiera Los Ángeles pudo con “I’ve Got A Passport From Georgia (And I’m Going To The USA)”, y se canceló.  Blanton se estaba muriendo de tuberculosis y en diciembre de 1941 le remplazó Alvin “Junior” Raglin (1917-1955).  Strayhorn compuso “Rocks In My Bed” para Anderson, y “Chelsea Bridge”, “Johnny Come Lately” y “Rain Check” para la banda; Jeffries cantó “I Don’t Know What Kind Of Blues I Got”; “Perdido”, el éxito de Tizol, se convirtió en un himno del jazz; las obras del propio Duke incluyeron “C Jam Blues”, “Main Stem”, “Sherman Shuffle”, “I Don’t Mind” (ésta, con Anderson).  Había empezado la Segunda Guerra Mundial: el “Hayfoot, Strawfoot” de Anderson y el “A Slip Of The Lip Can Sink A Ship” de Nance estaban dedicados a las tropas: Nance cantó “It’s so bodacious/to be loquacious” [“Es excelente ser locuaz”] en julio de 1942, en el momento en que la American Federation of Musicians [el sindicato de músicos] imponía la prohibición de grabaciones que interrumpiría este flujo de obras maestras.

Ellington dio su primer concierto en el Carnegie Hall el 23 de enero de 1943, con el estreno de su composición de 50 minutos, Black, Brown And Beige: Tone Parallel To The American Negro (que grabó en estudio parcialmente para el sello Victor a finales de 1944, aunque tuvieron que pasar décadas antes de que se publicara el concierto completo en Prestige; en 1958 se volvió a grabar con Mahalia Jackson; Brian Priestley y Alan Cohen firmaron una nueva versión para Argo a principios de los 70).  El concierto del Carnegie Hall se convirtió en un acontecimiento anual; los estrenos incluyeron Blutopia, de 1944, y en 1945, New World A’Comin’ (basado en una novela de Roi Ottley) y The Perfume Suite (de 1944, grabada para Victor; el delicioso dúo para piano y bajo “Dancers In Love”’ fue también objeto de un corto que mezclaba imágenes reales y animación, bajo la dirección de George Pal).  Deep South Suite (de 1946) tenía cuatro partes, la primera era “Magnolias Just Dripping With Molasses” y la última, una canción sobre trenes, “Happy-Go-Lucky Local”, en la que el clímax se alcanza con un riff que ya había tocado el combo de Johnny Hodges en 1940 en “That’s The Blues, Old Man”, y se convertiría, sin mención al autor y de la mano de Jimmy Forrest, en el clásico de R&B “Night Train”.  Duke escribió un espectáculo, Beggar’s Holiday (libreto de John Latouche, 1917-1956: también escribió la letra del musical de Vernon Duke Cabin In The Sky, de 1940, la ópera de George Moore Ballad Of Baby Doe, de 1956, etc.); el reparto interracial se seleccionó según el mérito interpretativo, de manera que la estrella de Broadway Alfred Drake se enamoró de la hija de un jefe de policía negro sobre el escenario en 1947.  El espectáculo fue un desastre, como se describe en las memorias del productor, John Houseman: la agenda de Ellington era tan apretada que el musical tuvo que estrenarse antes de que estuviera completamente terminado; con frecuencia componía cosas en el último momento a base de retales, pero este método no sirve con un musical de Broadway, y el libreto de Latouche tampoco estaba listo.  También en 1947 el Gobierno de Liberia le encargó la Liberian Suite, en la que figuran la intervención vocal de Al Hibbler en “I Like The Sunrise”, así como cinco danzas: el LP de 10 pulgadas fue uno de los primeros discos de vinilo de microsurco.  Como señaló Max Harrison el primer baile consta de dos mitades, cada cual maravillosa, pero sin ninguna relación entre ambas. The Tattooed Bride (de 1948) era mejor, una de sus piezas largas más satisfactorias (no llega a los 12 minutos, se grabó en estudio en 1950) a la que siguió Harlem (de 1950), un encargo de la Orquesta Sinfónica de la NBC.


Duke Ellington
Alrededor de 1940
Autor desconocido

Durante la prohibición dictada por la AFM, tanto “Don’t Get Around Much Any More” como “Do Nothin’ Till You Hear From Me” habían llegado al top ten; en diciembre de 1944 se reanudaron las grabaciones para RCA y la producción en estudio hasta 1946 incluyó canciones a cargo de Hibbler, nuevas versiones (“Black Beauty”, “Caravan”, etc.); temas cantados por Nance –“(Otto Make That) Riff Staccato”,“Just Squeeze Me”– que además resucitó un éxito de 1922, “My Honey’s Loving Arms”.  Ivie Anderson había dejado la banda, y la aportación vocal de Joya Sherrill (n. 1927) entre 1944 y 1945 constituyó en la práctica una hermosa suite de canciones sobre un affaire erótico: “I’m Beginning To See The Light”, con letra de Don George, alcanzó el top ten; “I Didn’t Know About You” (con letra de Bob Russell) es todo ternura; al extasiante arreglo de Strayhorn para el “(All Of A Sudden) My Heart Sings” de Harold Rome le siguió “Kissing Bug” (con Strayhorn y Sherrill como coautores: su hombre estaba tonteando por ahí); con “Everything But You” (de Ellington y Don George) el affaire ha concluido.  No sin motivo, las versiones que hizo Sherrill de “Long, Strong And Consecutive” (letra de Mack David) y “I Let A Song Go Out Of My Heart” (Irving Mills y Henry Nemo) podrían añadirse a la secuencia.

El principio de la postguerra es uno de los periodos peor documentados de la banda, cuando contaba con seis trompetas y Oscar Pettiford al bajo, pero con los años ha salido más material a la luz: el archivista Jerry Valburn y el ingeniero de sonido Jack Tower (uno de los fans que acarreó la grabadora de discos al salón de baile de Fargo en 1940) realizaron grabaciones para la radio, como las retransmisiones de 1945-46 del Tesoro de EE UU para promover la venta de bonos; otra serie de grabaciones para la radio, de 1946-7, se reeditó en un triple CD del sello Hindsight que incluía a la soprano Kay Davis, las obras de Strayhorn para el sensual alto de Hodges “Violet Blue” y “A Flower Is A Lovesome Thing” (más adelante retitulada “Passion”), así como “Sono” para Carney, una versión de “Happy-Go-Lucky Local” de seis minutos y mucha más música.  The Great Chicago Concerts, del 46, es un doble CD del sello Limelight que incluye una versión completa de la Deep South Suite, la Perfume Suite más una aparición de Django Reinhardt como artista invitado.

Webster, Hardwick y Stewart habían dejado la banda; Nanton murió en 1946; Ellington firmó un nuevo contrato con Columbia, sello con el que permaneció entre 1947 y 1952 y la formación de la nueva década incluyó a Nance, Harold “Shorty” Baker, Cat Anderson, Clark Terry y Willie Cook (1923-2000), entre otros, a las trompetas; los trombones Tizol, Brown, Wilbur DeParis, Claude Jones (1901-1962: había tocado con Don Redman, Fletcher Henderson y Chick Webb); Quentin “Butter” Jackson (1909-1976); Tyree Glenn (1912-1974).  Las cañas incluían a Hodges, Carney, Al Sears (1910-1990: tocó con Duke entre 1944 y 1949, tuvo un papel estelar en los conciertos del Carnegie Hall; después desarrolló una carrera en bandas de R&B y escribió el éxito “Castle Rock”), Jimmy Hamilton y Russell Procope (1908-1981: había tocado con Jelly Roll Morton en 1928, con Webb, Henderson, John Kirby, y con Ellington desde 1946 hasta la muerte de Duke).  Paul Gonsalves se unió en 1950, pero Hodges, Brown y Greer se marcharon a la vez al año siguiente, y Ellington dio el golpe del siglo: se llevó de la banda de Harry James al batería Louie Bellson, al saxo alto Willie Smith y a su viejo colega Juan Tizol.  (James era un gran admirador de Ellington, figura como coautor de “I Let A Song Go Out Of My Heart” y “Everything But You”; cuando los tres músicos citados presentaron su dimisión, James repuso: “¿puedo ir yo también?”). La sección rítmica contaba con Guy a la guitarra, al bajo, Pettiford, a veces Raglin y después Wendell Marshall (1920-2002).  Puede decirse que la calidad del trabajo de Ellington declinó: la cantidad de cambios de personal, la mayor de la historia de la banda, había minado la moral del grupo; la época estaba siendo de por sí dura para las grandes orquestas, y la banda empezó a perder dinero, se mantuvo gracias a los royaltíes de Ellington, pero aún había buen material.  De los más de 70 temas pop grabados a principios de los 50 para Columbia, hubo morralla como “Cowboy Rhumba”, pero también surgieron obras como “Brown Penny”, “Maybe I Should Change My Ways” (de Beggar’s Holiday), “You’re Just An Old Antidisestablishmentarianismist” (con letra de Don George y una moderna interpretación vocal de Nance), más “Stomp, Look And Listen”, “Boogie Bop Blues”, “Lady Of The Lavender Mist”, “Fancy Dan”, “Air Conditioned Jungle”, “VIP’s Boogie” y una famosa revisión de “Do Nothin’ Till You Hear From Me” con Al Hibbler; también hubo contribuciones a cargo de Strayhorn, así como el “The Hawk Talks” de Bellson.  Masterpieces By Ellington (de 1950) contenía arreglos más extensos de los clásicos, así como The Tattooed Bride; en Ellington Uptown (de 1951) estaba A Tone Parallel To Harlem, y se convirtió en un éxito de ventas en una feria de alta fidelidad gracias a “Skin Deep”, centrado en la batería de Bellson; no obstante, uno de los hitos fue una versión de seis minutos de “The Mooche”, con el pujante e inexorable pulso de Bellson más dos clarinetes (Procope a la melodía en el registro bajo y el obbligato de Hamilton grabado en una cámara de eco).  Entre los proyectos de finales de los 40 y principios de los 50 también figuran las grabaciones de 1946 para Musicraft, el efímero sello Sunrise y Mercer Records; todo este material se ha reeditado en diversos discos, incluyendo el “Perdido” con Oscar Pettiford al chelo y los dúos de piano de Ellington y Strayhorn.  El periodo Capitol entre 1953 y 1955 fue decepcionante en su mayor parte, pero aun así ofrece algunos arreglos interesantes (reeditados al completo en su día por el sello Mosaic), además del último single de éxito de su carrera: “Satin Doll”.  Los fans hacían un acontecimiento de cada actuación o cada disco, pero tras 70 éxitos pop entre 1927 y 1953, Ellington no asombraba al público como lo hizo entre 1940 y 1942: la mayoría no prestaba atención a sus obras más ambiciosas.  Al parecer el jazz había seguido su camino, pero para entonces Ellington ya había recorrido la mayor parte; como diría más adelante Miles Davis: “todos los músicos deberíamos citarnos un día y arrodillarnos para dar gracias a Duke”.

Continuar con la biografía…

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Nota:

Se han revisado y actualizado algunos datos de esta biografía usando la siguientes referencias:
– Ellington, E. K. “Duke”: Music Is My Mistress (Doubleday, 1973).
– Dance, S.: The World Of Duke Ellington (2ª Ed., Da Capo Press, 2000).
– Lambert, E.: Duke Ellington: A Listener’s Guide (Scarecrow Press, 1999)
– Timmer, W. E.: Ellingtonia: The Recorded Music Of Duke Ellington And His Sidemen (Scarecrow Press, 4ª edición, 1996)
más
– The DEMS bulletin: http://www.depanorama.net/dems/index.htm

©1999, Donald Clarke (del original)

©2006, Agustín Pérez Gasco y Fernando Ortiz de Urbina (de la traducción al español)




25 discos de jazz: una guía esencial

 

 

PRESENTACIÓN

Lo que sigue a continuación es una selección de CDs de jazz con grabaciones realizadas entre 1917 y 2000, periodo que hemos dividido en cuatro partes de aproximadamente 20 años. Los discos están agrupados en 25 “esenciales” y 40 “complementarios”, siguiendo un criterio resultante de la combinación de factores que abarcan desde los motivos estrictamente musicales hasta la disponibilidad real en el mercado español, pasando por la calidad de sonido de las reediciones y el equilibrio entre la diversidad y la representatividad en cada periodo.

The following article is a list of CDs containing some of the best jazz recorded in the 20th century. Although we are aware that 65 currently available CDs (25 “essentials” plus other 40) are not enough to summarize the history of recorded jazz, we have tried our best to offer a view as balanced and representative as possible of this music’s first eighty years, or at least a taster of what this diverse and ever-changing music has to offer.

El desarrollo del jazz está estrechamente ligado al de la industria discográfica. La improvisación, como composición espontánea, convierte al jazz en la más efímera de las músicas, y su rápida evolución y difusión en menos de un siglo no habrían sido posibles sin la tecnología de grabación de sonidos: gracias a ella, el músico aprendiz puede escuchar un mismo pasaje cuantas veces sea necesario, independientemente de la distancia espacial o temporal que le separe del intérprete emulado, con una riqueza de matices de timbre y ritmo imposible de reflejar en papel pautado.

En cuanto al formato en sí, hemos limitado esta selección a las ediciones en CD por ser el soporte más extendido, a pesar de que aún sobrevive el LP y los nuevos formatos de compresión de sonido cobran más fuerza cada día que pasa. Respecto a la disponibilidad de las ediciones, aunque hemos incluido únicamente discos en catálogo, hay que señalar que el CD es un formato que se presta especialmente al mercado de segunda mano, que merece la pena investigar.

Dado el carácter retrospectivo de esta selección, es necesario un breve apunte sobre las reediciones. En todos los casos hemos procurado escoger las publicadas por los propietarios de las grabaciones originales o por sellos de reputación contrastada. El motivo es simple: las reediciones “oficiales” casi siempre ofrecen la mejor calidad de sonido, una consideración nada desdeñable, particularmente cuando hablamos de la música de entreguerras.

La decisión del número de discos que contiene esta selección, 25 más 40, se tomó pensando en quienes quieren empezar a introducirse en esta música. Aunque hemos tratado de cuajar una colección representativa, el jazz –o “los jazz”, como clama la mancheta de la revista francesa “Jazzman”– es demasiado diverso y rico para lograrlo con 65 discos (como referencia, en su “Jazz On Record” el reputado Brian Priestley afirma que una colección de 300 volúmenes apenas sería representativa).

Ha de tenerse en cuenta, además, lo que Dan Morgenstern apunta en su “Living With Jazz”: comparado con todo el jazz que se ha tocado, la parte que se ha recogido en grabaciones vendría a ser una gota en el océano. Añádase que de esa gota de jazz grabado, en su mayoría publicado en discos de 78 o 33 RPM, sólo se ha reeditado en CD una mínima parte, y que de esta mínima parte publicada en formato CD, nosotros hemos desestimado el material descatalogado. La conclusión es que en ningún caso debería entenderse esta lista como una historia del jazz grabado, ni mucho menos como una historia del jazz. Viendo el vaso medio lleno, todos los discos aquí incluidos han superado la prueba definitiva para toda obra de arte, el paso del tiempo, y son un ejemplo de lo que puede dar de sí esta música.

Finalmente, como editor de los textos que siguen, aunque no soy responsable de las opiniones expresadas por mis tres colegas, sí lo soy de las erratas que hayan podido colarse. Tras casi medio año de conversaciones y 700 e-mails a cuatro bandas, sólo me queda agradecer a Agustín, Natxo y Jorge su dedicación y generosidad, y a Pachi Tapiz la publicación de esta guía, que sólo busca contribuir a abrir puertas a un universo musical que es fuente inagotable de satisfacciones y sorpresas.

Que aproveche.

Fernando Ortiz de Urbina


DISCOS ESENCIALES

1917-1942 por Agustín Pérez

  • Louis Armstrong: Hot Fives And Sevens (JSP, 4 CDs)
  • Jelly Roll Morton: Birth Of The Hot (RCA/BMG)
  • Bix Beiberdecke: Vol.1, Singin’ The Blues (Columbia/Sony)
  • Coleman Hawkins: King Of The Tenor Sax 1929-1943 (Jazz Legends)
  • Billie Holiday: Lady Day, The Best Of Billie Holiday (Columbia/Sony, 2 CDs)
  • Count Basie: The Best Of Early Basie (Decca/Universal)
  • Duke Ellington: Never No Lament, The Blanton-Webster Band (Bluebird/BMG, 3 CDs)

…más diez complementarios: King OliverBessie SmithArt TatumBennie Goodman

1943-1959 por Fernando Ortiz de Urbina

  • Charlie Parker: The Essential Charlie Parker (Union Square Music, 2 CDs)
  • Thelonious Monk: Genius of Modern Music, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI)
  • Lennie Tristano: Intuition (Capitol/EMI)
  • Art Blakey: A Night In Birdland, vols. 1 y 2 (Blue Note/EMI)
  • Miles Davis: Kind Of Blue (Columbia/Sony)
  • Ornette Coleman: The Shape Of Jazz To Come (Atlantic/WEA)

…más diez complementarios: Dizzy GillespieBud PowellSonny RollinsGeorge Russell

1960-1979 por Ignacio Fuentes

  • Bill Evans: Waltz For Debby / Sunday At The Village Vanguard (Riverside/Fantasy)
  • Eric Dolphy: Out To Lunch (Blue Note/EMI)
  • Albert Ayler: Spiritual Unity (ESP)
  • John Coltrane: A Love Supreme (Impulse/Universal)
  • Herbie Hancock: Head Hunters (Columbia/Sony)
  • Charles Mingus: Changes One / Changes Two (Atlantic/WEA)

…más diez complementarios: Gil EvansOliver NelsonAndrew HillLee Morgan

1980-2000 por Jorge LG

  • David Murray: Ming (Black Saint)
  • Lester Bowie: The Great Pretender (ECM)
  • Keith Jarrett: Standards, vols. 1 y 2 (ECM)
  • Wynton Marsalis: Black Codes (From The Underground) (Columbia/Sony)
  • Steve Coleman: Def Trance Beat (Modalities Of Rhythm) (Novus/BMG)
  • John Zorn’s Masada: Sanhedrin (Unreleased & Alternate Takes 1994-1997) (Tzadik)

…más diez complementarios: Anthony BraxtonDave HollandPaul Motian Bill Frisell


LOS CULPABLES

Agustín Pérez (EKE BBB) es economista, ha contribuido a diversos proyectos discográficos y es el autor de ladiscografía de Tete Montoliu más completa jamás publicada.

Lamenta haber dejado fuera a Bunny Berigan, Eubie Blake, Cab Calloway, James P. Johnson, Jimmie Lunceford, New Orleans Rhythm Kings, Bennie Moten, Pee Wee Russell, Jabbo Smith, Fats Waller y un largo etcétera.

Fernando Ortiz de Urbina (Fer Urbina) es traductor. Escribe sobre música desde 1993 y ha colaborado con El Diario Vasco (San Sebastián), Radio Euskadi (Bilbao), Jazzwise (Londres), La Tempestad (México) y Teoría (Puerto Rico). Actualmente es el corresponsal en Londres de Cuadernos de Jazz y prepara una discografía de Eddie Costa.

Lamenta no haber incluido a Louis Armstrong y los All-Stars en directo, Teddy Charles, el trío de Nat King Cole, más Miles Davis, Jimmy Giuffre, Woody Herman (1945-46), el Modern Jazz Quartet, el quinteto de Max Roach y Clifford Brown, Sarah Vaughan y Ben Webster con Oscar Peterson.

Ignacio Fuentes (Natxo) es abogado. Dirigió y presentó el programa Jazzteiz en Hala-Badi Irratia de Vitoria entre 1996 y 2003, y ha colaborado con la revista literaria La Botica.

Se le quedaron fuera Jimmy Giuffre, Wayne Shorter, Horace Silver, Archie Shepp, Jackie McLean, Roland Kirk, Hank Mobley, Wes Montgomery, Woody Shaw y Dexter Gordon.

Jorge LG (López de Guereñu) es artista y profesor. En los ochenta y noventa colaboró en distintas asociaciones con programas educativos mixtos de música y arte en Estados Unidos, Francia y Gran Bretaña y escribió artículos sobre arte, música y cultura urbana en Ear Magazine, Sound Journal y publicaciones académicas. En la actualidad dirige su escuela de Arte y Diseño en Bilbao.

Músicos que lamenta haber dejado fuera: Don Byron, Don Cherry, Ornette Coleman y Prime Time, Joe Henderson, Greg Osby, Dewey Redman, Mal Waldron con Steve Lacy o Marion Brown, y Cassandra Wilson.

© Tomajazz, 2005

 




1917-1942: de la primera grabación al boom del swing. Especial 25 Discos de Jazz: una Guía Esencial. Por Agustín Pérez Gasco

Introducción

Sobre la base de géneros musicales tan diversos como las work songs y el ragtime, pasando por las brass bands o los minstrel shows, el jazz se gestó en Nueva Orleáns alrededor del cambio de siglo, de la mano de pioneros como el cornetista Buddy Bolden.

La primera grabación de jazz la realizó en 1917 una mediocre banda blanca, la Original Dixieland Jass Band, pero hubo que esperar cinco años para el primer disco de jazz de un grupo negro, el del trombonista de Nueva Orleáns Kid Ory. El jazz de su ciudad se caracterizaba por la improvisación colectiva y el contrapunto ejecutados por grupos pequeños con una primera línea de corneta, trombón y clarinete. Con la diáspora de los músicos de Nueva Orleáns, el jazz se extendió por todo el país, principalmente en Chicago y Nueva York, y en menor medida en California y el Medio Oeste.

Gracias a Louis Armstrong, otro hijo de Nueva Orleáns, la música evolucionó hacia un mayor protagonismo del solista sobre el conjunto y, sobre todo a partir del denominado jazz de Chicago, su repertorio derivó hacia las canciones populares y del teatro musical (standards). Entretanto, en el contexto del Harlem Renaissance se desarrolló el stride, estilo pianístico de gran virtuosismo cuyo precursor fue James P. Johnson.

Por otra parte, en la segunda mitad de los años 20 se fue definiendo el concepto de big band, con sus secciones de trompetas, trombones, cañas y rítmica, y el consiguiente énfasis sobre los arreglos. De estas orquestas con músicos cada vez más profesionalizados surgieron solistas estrella como Coleman Hawkins y Henry “Red” Allen. A partir de 1935, y gracias al éxito de la radio y el baile, el Swing se convierte en la auténtica música popular norteamericana, aunque por poco tiempo: la Segunda Guerra Mundial, la huelga promovida por la Federación Americana de Músicos en agosto de 1942 y el propio agotamiento de un estilo cada vez mas previsible fueron la clave del fin de la era delSwing.

Agustín Pérez


Discos esenciales

Louis Armstrong: Hot Fives And Sevens
JSP Records JSP-100 (4 CDs)
Grabado entre 1925 y 1930
Publicado en 1999
Personal (entre otros): Louis Armstrong (corneta, trompeta, voz), Kid Ory (trombón), Pete Briggs (tuba), Johnny Dodds, Don Redman (clarinete, saxo alto), Lil’ Armstrong (piano, voz), Earl Hines (piano), Johnny St. Cyr (banjo, guitarra), Lonnie Johnson (guitarra), Baby Dodds, Zutty Singleton (batería).

Esta edición del sello británico JSP contiene todas sesiones de los Hot Five y los Hot Seven y algunas grabaciones de Armstrong con los Savoy Ballroom Five y con su orquesta y, aun careciendo de la cuidada presentación de la de Columbia, ofrece un magnífico sonido por la remasterización de John R.T. Davies. Gracias a la creatividad y los inagotables recursos técnicos de Armstrong, estas grabaciones marcan el abandono del estilo polifónico y la improvisación colectiva del jazz de Nueva Orleáns hacia la predominancia del solista. La coda de “Cornet Chop Suey”, el stop-time de “Potato Head Blues”, la introducción de “West End Blues”, el scat de “Heebie Jeebies” o el dúo con el pianista Earl Hines en “Weather Bird” son algunos de los momentos más memorables de la historia del jazz.


 

Jelly Roll Morton: Birth Of The Hot
RCA-Bluebird/BMG 66641
Grabado en 1926 y 1927
Publicado en 1995
Personal (entre otros): George Mitchell (corneta), Kid Ory, Gerald Reeves (trombone), Quinn Wilson (tuba), Omer Simeon (clarinete, clarinete bajo), Barney Bigard, Johnny Dodds (clarinete), Jelly Roll Morton (piano, voz),Johnny St. Cyr (banjo), Bud Scott (guitarra), Baby Dodds (batería), Clarence Black (violín).

Las sesiones de los años 26 y 27 para el sello Victor con sus Red Hot Peppers suponen el punto álgido de la carrera de Jelly Roll Morton, el primer compositor importante del jazz. La edición del sello Bluebird incluye todas las master takes más cuatro tomas alternativas. Estas grabaciones, algunas de las cuales presentan elaborados arreglos (estructuras complejas, cambios de instrumentación), se hallan a medio camino entre la rigidez compositiva delragtime y la espontaneidad de la improvisación jazzística, y en ellas Morton extrae lo mejor de sus músicos. Clásicos como “Sidewalk Blues”, “Grandpa’s Spells”, “Black Bottom Stomp” o “Dead Man Blues” suponen, a la vez, la culminación y el canto de cisne del estilo de Nueva Orleáns.


 

Bix Beiderbecke: Vol.1 – Singin’ The Blues
Columbia/Sony COL 45450
Grabado en 1927
Publicado en 1991
Personal (entre otros): Bix Beiderbecke (corneta, piano), Bill Rank, Miff Mole (trombón), Jimmy Dorsey (clarinete, saxo alto), Don Murray (clarinete, saxos tenor y barítono, arreglos), Frankie Trumbauer (saxo tenor en do), Adrian Rollini (saxo bajo), Paul Mertz (piano, arreglos), Frank Signorelli (piano), Eddie Lang (guitarra), Joe Venuti (violín),Chauncey Morehouse (batería), Irving Kaufman (voz), Bill Challis (arreglos).

La asociación entre el cornetista Bix Beiderbecke y el saxofonista Frankie Trumbauer, bien en la orquesta de éste, bien en pequeños grupos con músicos como el guitarrista Eddie Lang, está considerada como una de las más importantes de los años 20, y su influencia llega hasta Lester Young y la posterior corriente del Cool Jazz. Este CD incluye lo más destacado de esa asociación, con clásicos como “Singin’ The Blues”, “Trumbology”, “Riverboat Shuffle” o “I’m Coming Virginia”, además de “In A Mist (Bixology)”, interpretado a piano solo por el propio Bix. Con su digitación heterodoxa, sus audacias armónicas y su reconocible y cálido tono, la mitificada figura de Beiderbecke ha quedado como paradigma del jazz de los “locos años 20”.


 

Coleman Hawkins: King Of The Tenor Sax 1929-1943
Jazz Legends 1012
Grabado entre 1929 y 1943
Publicado en 2003
Personal (entre otros): Henry Red Allen, Buck Clayton, Harry Edison, Cootie Williams (trompeta), J C Higginbotham, Glenn Miller, Dickie Wells (trombón), Edmond Hall (clarinete), Coleman Hawkins (saxo tenor),Benny Carter (trompeta), Adrian Rollini (saxo bajo), Lionel Hampton (vibráfono), Horace Henderson (piano, arreglos), Eddie Heywood, Count Basie, Art Tatum (piano), Django Reinhardt, Freddie Green (guitarra), Eddie Condon (banjo), Pops Foster, John Kirby, Oscar Pettiford (contrabajo), Gene Krupa, Shelly Manne, Sid Catlett(batería).

Esta recopilación constituye un rápido repaso a quince años de la carrera de “Bean” fuera de la orquesta de Fletcher Henderson, desde su coronación como máxima figura del saxo tenor a finales de los años 20 hasta las decisivas grabaciones de los años 40 para Commodore o Signature en los albores del Be Bop, pasando por su grupo de 1933 con Henry Red Allen, sus dúos con el pianista Buck Washington o su estancia en Europa. Como temas clásicos cabe señalar “One Hour” con los Mound City Blue Blowers, “The Man I Love” con el cuarteto con Heywood, Pettiford y Manne, o “Boff Boff (Mop Mop)” con los Esquire All-Stars. Pero por encima de todos destaca el “Body And Soul” de 1939, un solo de 64 compases que marcó un hito en la concepción del saxo tenor. No en vano se considera a Hawk el padre de este instrumento.


 

Billie Holiday: Lady Day – The Best Of Billie Holiday
Columbia-Legacy/Sony C2K 85979 (2 CDs)
Grabado entre 1935 y 1942
Publicado en 2001
Personal (entre otros): Roy Eldridge, Buck Clayton, Jonah Jones, Bunny Berigan, Hot Lips Page, Harry Edison(trompeta), Benny Morton, Dickie Wells (trombón), Benny Goodman, Artie Shaw, Edmond Hall, Buster Bailey(clarinete), Jimmie Hamilton (clarinete, saxo tenor), Tab Smith (saxos soprano y alto), Johnny Hodges, Benny Carter, Earl Warren (saxo alto), Ben Webster, Chu Berry, Lester Young (saxo tenor), Harry Carney (saxo barítono), Teddy Wilson, Joe Bushkin, Claude Thornhill (piano), Freddie Green, Al Casey (guitarra), Walter Page, John Kirby, Milt Hinton (contrabajo), Jo Jones, Cozy Cole, Gene Krupa, Kenny Clarke (batería), Billie Holiday (voz).

Recopilación extraída de la caja “The Complete Billie Holiday on Columbia” que recoge, con una magnífica calidad sonora, algunos de los mejores momentos de la primera parte de su carrera, en compañía de destacados músicos deSwing, entre ellos Lester Young, con el que mantuvo una singular relación tanto musical como personal. Con su expresiva voz –aunque de registro limitado– su sentido del compás y fraseo, y su capacidad de transmitir sentimientos y de dar sentido a las letras, Lady Day nos dejó memorables interpretaciones de temas como “All Of Me”, “God Bless The Child”, “Billie’s Blues” o “My Man”, cuya influencia en generaciones posteriores de vocalistas de jazz ha sido decisiva.


Count Basie: The Best Of Early Basie
Decca-GRP/Universal GRD-655
Grabado entre 1937 y 1939
Publicado en 1996
Personal (entre otros): Buck Clayton, Harry Edison, Shad Collins (trompeta), Benny Morton, Dickie Wells(trombón), Eddie Durham (trombón, guitarra, arreglos), Earl Warren (saxo alto), Herschel Evans, Lester Young(saxo tenor, clarinete), Chu Berry (saxo tenor), Jack Washington (saxos alto y barítono), Freddie Green (guitarra),Count Basie (piano), Walter Page (contrabajo), Jo Jones (batería), Jimmy Rushing, Helen Humes (voz).

Nacida en torno un núcleo de músicos procedentes de la popular banda de Bennie Moten, la “Orquesta del Antiguo Testamento” supuso la culminación del estilo de Kansas City. Con la base de una sólida sección rítmica, un grupo de excitantes solistas (Young, Evans, Clayton, Edison) y hondas raíces en el blues, la música de esta big bandtransmite un contagioso Swing a base de arreglos sencillos y riffs pegadizos. Esta recopilación extraída de la caja de 3 CDs “The Complete Decca Recordings”, incluye los mejores temas de esta etapa de la carrera de Count Basie, entre los que se encuentran clásicos imperecederos como “One O’Clock Jump”, “Good Morning Blues” y “Jumpin’ At The Woodside”.


Duke Ellington: Never No Lament – The Blanton/Webster Band
RCA-Bluebird/BMG 82876-50857-2 (3 CDs)
Grabado en 1940 y 1942
Publicado en 2003
Personal (entre otros): Rex Stewart (corneta), Cootie Williams (trompeta), Ray Nance (trompeta, violín, voz),Lawrence Brown, Joe Nanton (trombón), Juan Tizol (trombón de pistones), Barney Bigard (clarinete), Johnny Hodges (saxos soprano y alto, clarinete), Otto Hardwick (saxos alto y bajo), Ben Webster (saxo tenor), Harry Carney (clarinete, saxos alto y barítono), Duke Ellington, Billy Strayhorn (piano, arreglos), Fred Guy (guitarra),Jimmie Blanton (contrabajo), Sonny Greer (batería), Ivie Anderson, Herb Jeffries (voz).

Extraída de la caja de 24 CDs “The Centennial Edition”, esta colección ofrece todas las tomas máster grabadas por la orquesta de Duke Ellington en los años 1940-42 para el sello Victor, los novedosos dúos Ellington-Blanton y algunas tomas alternativas. La remasterización de Steven Lasker ha causado cierta controversia, pero ofrece un sonido nítido con gran presencia de los instrumentos. Con la incorporación de nuevos músicos (Strayhorn, Blanton o Webster, quien desarrollaría una sólida carrera como líder) y la continuidad de veteranos como Hodges y Williams, el período 1938-42 fue especialmente brillante para la orquesta. Esto, unido a la creatividad del tándem Ellington-Strayhorn, que produjo innumerables obras maestras como “Cotton Tail”, “Ko-Ko” o “Take the A train”, hace que se trate de un legado musical extraordinario.


… y 10 Complementarios

King Oliver Creole Band: Complete Set
Retrieval-Challenge 79007 (2 CDs)
Grabado en 1923 y 1924
Publicado en 1997
Personal: King Oliver, Louis Armstrong (corneta), Honoré Dutrey (trombón),Johnny Dodds, Jimmie Noone (clarinete), Stump Evans (saxo tenor en do), Charlie Jackson (saxo bajo), Lil’ Armstrong, Clarence Williams, Jelly Roll Morton (piano),Johnny St. Cyr (banjo), Bill Johnson, Bud Scott (banjo, voz), Baby Dodds (batería).
Remasterizada por John R.T. Davies, esta edición incluye todas las grabaciones de los combos de King Oliver (“Creole Band”, “Jazz Band”) en los años 1923-24, así como dos dúos con Jelly Roll Morton, con temas clásicos como “Dippermouth Blues”, “Mabel’s Dream” o “King Porter Stomp”. Éstas pasan por ser las más importantes grabaciones del jazz de Nueva Orleáns previas a los Hot Five de Louis Armstrong.

 


 

Sidney Bechet: Young Sidney Bechet
Timeless CBC-1028
Grabado en 1923-25
Publicado en 1997
Personal: Thomas Morris, Louis Armstrong (corneta), John Mayfield, Charlie Irvis(trombone), Sidney Bechet, Buster Bailey (saxo soprano, clarinete), Don Redman(saxo alto), Clarence Williams, Lil’ Armstrong (piano), Buddy Christian (banjo),Sarah Martin, Rosetta Crawford, Margaret Jonson, Virginia Liston, Eva Taylor,Alberta Hunter, Clarence Todd (voz).
Veinticuatro temas de la época más temprana del saxofonista soprano y clarinetista Sidney Bechet, uno de los primeros grandes virtuosos del jazz de Nueva Orleáns. Se incluyen algunos clásicos de los Clarence Williams Blue Five con Louis Armstrong y numerosos temas acompañando a vocalistas. La calidad del sonido es limitada en algunos temas, a pesar de la excelente remasterización de John R.T. Davies.

 


 

Bessie Smith: The Essential Bessie Smith
Columbia-Legacy/Sony C2K 64922 (2 CDs)
Grabado entre 1923 y 1933
Publicado en 1997
Personal (entre otros): Joe Smith, Louis Armstrong (corneta), Frankie Newton(trompeta), Charlie Green, Jimmy Harrison, Jack Teagarden (trombón), Buster Bailey, Coleman Hawkins, Benny Goodman (clarinete), Garvin Bushell (saxo alto),Chu Berry (saxo tenor), Clarence Williams, Jimmy Jones, Fletcher Henderson,James P. Johnson, Porter Grainger (piano), Charlie Dixon (banjo), Eddie Lang(guitarra), Bessie Smith (voz).
Ejemplar selección de 36 temas que cubre toda la carrera de la Emperatriz del Blues. Su poderosa voz, llena de recursos y en absoluto limitada al terreno del blues, es acompañada en varias sesiones por algunos de los mejores músicos de jazz de la época. Existe también una integral de ocho discos del sello británico Frog, magníficamente remasterizados por John R.T. Davies.

 


Duke Ellington: The Okeh Ellington
Columbia/Sony C2K 46177 (2 CDs)
Grabado entre 1927 y 1931
Publicado en 1991
Personal (entre otros): Bubber Miley, Jabbo Smith, Arthur Whetsol (trompeta),Cootie Williams (trompeta, voz), Joe Nanton (trombón), Juan Tizol (trombón de pistones), Barney Bigard (clarinete, saxo tenor), Johnny Hodges (saxos alto y soprano, clarinete), Otto Hardwick (saxos soprano, alto y barítono), Harry Carney(clarinete, saxos alto y barítono), Fred Guy (banjo), Lonnie Johnson (guitarra),Duke Ellington (piano, arreglos), Wellman Braud (contrabajo), Sonny Greer(batería, voz), Adelaide Hall, Baby Cox (voz).
Estas grabaciones para OKeh son una buena muestra del período jungle de Ellington, en el que ya despuntan sus cualidades como compositor y arreglista y su capacidad para emplear una paleta sonora de forma completamente original, con temas clásicos como “East St. Louis Toodle-oo”, “Black And Tan Fantasy”, “The Mooche” o “Mood Indigo”. Se incluyen además sus dos primeras grabaciones a piano solo.

 


Fletcher Henderson: Tidal Wave
Decca-GRP/Universal GRD 643
Grabado en 1931 y 1934
Publicado en 1994
Personal (entre otros): Bobby Stark, Rex Stewart, Henry Red Allen (trompeta),Benny Morton (trombón), Buster Bailey (clarinete), Benny Carter, Russell Procope (saxo alto), Coleman Hawkins, Ben Webster (saxo tenor), John Kirby(tuba y contrabajo), Fletcher Henderson, Horace Henderson (piano, arreglos),Walter Johnson (batería).
La orquesta de Fletcher Henderson, una de las pioneras en la década anterior, siguió manteniendo un importante elenco de solistas en sus filas en los primeros años 30, así como unos magníficos arreglos. El disco, que ofrece una buena calidad de sonido, incluye cinco sesiones para Decca grabadas en los años 31 y 34, con destacadas piezas como “Sugar Foot Stomp”, “Radio Rhythm” o “Down South Camp Meeting”.

Art Tatum: Classic Early Solos (1934-1937)
Decca-GRP/Universal GRD 607
Grabado entre 1934 y 1937
Publicado en 1991
Personal: Art Tatum (piano).
A pesar del sonido pobre de unos pocos temas y de la ausencia de sus dos caballos de batalla en esta época, “Tiger Rag” y “Tea For Two”, este disco ofrece la mejor recopilación de solos de piano del Tatum temprano, donde su estilo pianístico, de barroca ornamentación y gran complejidad armónica, se muestra prácticamente desarrollado. El mayor virtuoso del piano de jazz: inimitable y un estilo en sí mismo.

 


Django Reinhardt: The Quintessential Django Reinhardt & Stephane Grappelli
ASV/Living Era 5267
Grabado entre 1934 y 1940
Publicado en 1998
Personal (entre otros): Stephane Grapelli, Eddie South (violín), Django Reinhardt(guitarra solista y rítmica), Roger Chaput, Joseph Reinhardt, Pierre Ferret,Eugene Vees (guitarra rítmica), Alix Combelle, Hubert Rostaing (clarinete), Louis Vola, Tony Rovira (contrabajo), Pierre Fouad (batería).
Con su peculiar instrumentación (instrumentos de cuerda, sin instrumentos de viento ni batería) y unas influencias procedentes de la música clásica y folclórica europea, el Quinteto del Hot Club de Francia, liderado por Reinhardt y Grappelli, fue uno de los más destacados combos de Swing de la época, con éxitos como “Dinah”, “Djangology”, “Minor Swing” o “Nuages”.

 


Benny Goodman: The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert
Columbia-Legacy/Sony C2K 65143 (2 CDs)
Grabado el 16 de enero de 1938
Publicado en 1999
Personal (entre otros): Bobby Hackett (corneta), Ziggy Elman, Chris Griffin, Harry James, Cootie Williams, Buck Clayton (trompeta), Benny Goodman (clarinete),Johnny Hodges (saxos alto y soprano), Babe Russin, Art Rollini, Lester Young(saxo tenor), Harry Carney (saxo barítono), Jess Stacy, Teddy Wilson, Count Basie(piano), Lionel Hampton (vibráfono), Allan Reuss, Freddie Green (guitarra), Walter Page (contrabajo), Gene Krupa (batería), Martha Tilton (voz).
El primer concierto de Swing celebrado en el famoso auditorio neoyorquino presentó a un Benny Goodman en plena forma con su orquesta y sus habituales combos, así como con miembros invitados de las orquestas de Basie y Ellington, para un breve homenaje a la historia del jazz. Esta edición incluye el material completo y, a pesar de la polémica suscitada, ofrece un sonido nítido, aunque no exento de ruido de fondo.

 


Willie The Lion Smith: The Chronogical Willie The Lion Smith 1938-1940
Classics 692
Grabado entre 1938 y 1940
Publicado en 1996
Personal (entre otros): Sidney De Paris (trompeta), Willie The Lion Smith, Joe Bushkin, Jess Stacy (piano), Bernard Addison (guitarra), George Wettling(batería), Big Joe Turner (voz).
El tercer volumen dedicado a este pianista de Stride en la colección cronológica del sello francés Classics incluye los famosos catorce solos que grabó para Commodore en enero de 1939, en los que desarrolla todo su virtuoso estilo fuertemente influido por el piano clásico. Entre ellos, cabe destacar sus composiciones “Echoes Of Spring”, “Passionette”, “Rippling Waters” o “Morning Air”.

 


 

Charlie Christian / Dizzy Gillespie: After Hours
Esoteric/Fantasy OJCCD-1932
Grabado en mayo de 1941
Publicado en 2000
Personal (entre otros): Dizzy Gillespie, Joe Guy, “Hot Lips” Page (trompeta), Rudy Williams (saxo alto), Don Byas, Kermit Scott (saxo tenor), Charlie Christian(guitarra), Thelonious Monk (?), Kenny Kersey, Allen Tinney (piano), Nick Fenton(contrabajo), Kenny Clarke (batería).
Estas grabaciones realizadas por Jerry Newman en el club Minton’s presentan una foto de la gestación del Be Bop, y además muestran una parte esencial de la brevísima carrera de Charlie Christian, verdadero padre de la guitarra eléctrica. La edición de Fantasy, que además incluye tres temas de Dizzy Gillespie con Don Byas grabados en otra fecha, ofrece el mejor sonido disponible.

©Agustín Pérez, Tomajazz, 2005