HDO 480. Intakt Records a gogó (THDJSI I) [Podcast]

Por Pachi Tapiz.

HDO 480 está dedicado en su totalidad al sello suizo Intakt Records en una edición extensa con muchas y muy diferentes músicas, y muy pocas palabras. Suenan las siguientes grabaciones:

Michael Formanek Elusion Quartet: Time Like This
Don Byron – Aruan Ortiz: Random Dances And (A)Tonalities
Fred Frith Trio: Closer To The Ground
VWCR (Ken Vandermark – Nate Wooley – Sylvie Courvoisier – Tom Rainey): Noise Of Our Time
Stefan Aeby Trio: The London Concert
Elliott Sharp Carbon: Transmigration At The Solar Max
Joey Baron – Robyn Schulkowsky: Now You Hear Me
Kukuruz Quartet (Philip Bartels, Duri Collenberg, Simone Keller, Lukas Rickli): Julius Eastman Piano Interpretations
Angelika Niescier – Christopher Tordini – Tyshawn Sorey: The Berlin Concert
Dave Gisler Trio: Rabbits On The Run
District Five: Decoy
Aruan Ortiz Trio: Live In Zurich

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2018

HDO es un podcast de jazz e improvisación (libre en mayor o menor grado) que está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Para quejas, sugerencias, protestas, peticiones, presentaciones y/u opiniones envíanos un correo a hdo@tomajazz.com




INSTANTZZ: Frith, Lizarazu, Andorrà & Liss (Ateneu de les Arts / La Quadra-Sala Cultural, Santa Maria de Palautordera. 2018-04-28) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Sábado, 28 de abril de 2018
  • Lugar: Ateneu de les Arts/La Quadra-Sala Cultural (Sta Maria de Palautordera -Barcelona-)
  • Componentes:
    Frith, Lizarazu, Andorrà & Liss
    Fred Frith, guitarra
    Haize Lizarazu, piano
    Núria Andorrà, percusión
    Heike Liss, proyección de imágenes

Tomajazz: © Joan Cortès, 2018




365 razones para amar el jazz. Una exposición y un disco: Weegee y John Zorn [242]

“Cadáver con pistola”, fotografía del ucraniano/estadounidense Arthur H. Fellig, más conocido como Weegee, es una imagen que capturó con su cámara de placas en 1940. Cinco años después la incluiría en Naked City, su primer libro fotográfico.

Esta fotografía se puede ver en la interesante exposición “Weegee by Weegee / Col·lecció M.+M. Auer” en la nueva sede de la Fundació Colectiana de Barcelona.

El saxofonista, compositor, conductor y agitador John Zorn, lideró en 1990 una formación con el mismo nombre del libro del fotoperiodista, publicando un disco de título homónimo y la fotografía mencionada, re-encuadrada, como única imagen de portada. La parte interior del libreto estaba ilustrada con tres imágenes a color, no menos impactantes, de Maruo Suehiro, más una cuarta en la contraportada. Un trabajo  publicado por Elektra Nonesuch.

El proyecto lo formaban el guitarrista Bill Frisell, el baterista Joey Baron, el teclista Wayne Horvitz, el bajo de Fred Frith y, en algunos pasajes, la voz de Yamatsuka Eye. Posteriormente grabaron otros trabajos discográficos.

Treinta y siete años han transcurrido desde su grabación y sigue exultantemente vigente. Está constituido por 26 temas, entre los ocho segundos y los casi cinco minutos. Con composiciones propias hilvanadas con versiones, sui géneris, de Morricone, Mancini, Goldsmith, Barry, Delerue o el “Lonely Woman” de Coleman.

Un collage musical delirante, vertiginoso, con sus buenas dosis gamberrianas, pasando por una variedad de estilos, perfectamente fragmentados y engarzados, Punk, Rock, Rock&Roll, Blues, Country, Reggae, Swing, BeBop, Free, pellizcos de bandas sonoras, …, más algún que otro pequeño oasis melódico.

Un conglomerado musical que pide una escucha tan atenta como desinhibida, además de una dosis de buen humor.

Podría convertirse en una excelente banda sonora para la proyección de las fotografías de la exposición de Weegee, que se puede visitar hasta el próximo 5 de noviembre. Recomendable para los amantes del fotoperiodismo, de los positivados e impresiones en blanco y negro y de la fotografía en general -sea digital o analógica-.

Tomajazz: © Joan Cortès, 2017

 




HDO 229. Joëlle Léandre: A Woman’s Work (II) [Podcast]

En HDO 229 continúa el repaso a la caja de 8 CD a woman’s work que en 2016 publicaba el sello Not Two para celebrar el 40º Aniversario de la actividad de la contrabajista Joëlle Léandre en la improvisación, que comenzábamos en HDO 226. En este segundo programa se puede escuchar a esta artista en solitario abriendo el programa, y a continuaciónen dúo con el trompetista Jean-Luc Cappozzo (en dos improvisaciones bien diferentes), y el guitarrista Fred Frith.

© Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Joëlle Léandre: Can You Hear Me? – No Comment – Oakland/Lisboa [CD]

La contrabajista Jöelle Léandre cumple 65 años en 2016. Su carrera, que se extiende durante cuatro décadas, continúa desarrollándose, incansable. Año tras año su discografía (que supera las 150 referencias), va aumentando gracias a la incorporación de nuevas grabaciones. 2016 no es una excepción. La puesta en circulación de nuevo del CD a contrabajo solo No Comment (Fou Records), la nueva entrega del MMM Quartet titulada Oakland / Lisboa (Rogue Art), y Can You Hear Me? (Ayler Records) al frente de un tenteto de músicos pertenecientes a una generación anterior a la de Léandre son tres formas magníficas de adentrarse en distintas facetas del universo creativo de esta artista del sonido.

DigisleeveNo Comment (que recoge sendos conciertos en Canada e Italia en 1994 y 1995), ya se había publicado con anterioridad en el sello canadiense Red Toucan. Con distinta portada, pero con el mismo contenido sonoro, ha sido reeditado por el sello francés Fou Records. Léandre a contrabajo solo es habitualmente un ciclón de creatividad: en No Comment  no lo es menos. Sus manos logran que el contrabajo sea una prolongación casi orgánica de la artista. Esta exprime este instrumento extrayendo sonidos y construyendo un discurso de un modo que está al alcance de muy pocos. Cada una de las partes con las que construye sus soliloquios son distintas de las anteriores y de las siguientes, pero todas ellas están fuertemente unidas por el hilo de una personalidad creativa como hay pocas. Y como no pueden faltar en sus conciertos, especialmente a contrabajo solo, se la escucha cantar acompañándose como sólo ella lo sabe hacer.

MMM Quartet_Oakland - Lisboa_Rogue Art_2016Oakland / Lisboa permite escuchar a la contrabajista en muy buena compañía junto al guitarrista Fred Frith, el saxofonista Urs Leimgruber, y el pianista y samplerista Alvin Curran. Grabado en directo en la edición de 2014 del festival lisboeta Jazz Em Agosto, es una muestra magnífica de lo que estos cuatro músicos pueden crear en directo. El grupo articula una historia en la que se suceden pasajes de distinta intensidad; en la que los músicos tienen tanto espacios propios como compartidos en los que priman -no podía ser de otro modo-, la interacción. Esencial para que el cuarteto articule su discurso es la variedad de sonidos que permiten el empleo del piano, teclados y sampler por parte de Alvin Curran; los saxos tenor y soprano de Leimgruber; la guitarra eléctrica de Frith; el empleo del arco, los dedos al pizzicato y los cantos característicos habituales en el discurso de Léandre.

Joelle Leandre 10_Can You Hear Me_Ayler Records_2016Can You Hear Me? (cuyo título es toda una declaración de principios), es una composición que sirve para que el tenteto de músicos (mayoritariamente jóvenes, entendiendo por ello su pertenencia a una generación posterior a la de la contrabajista) Joëlle Léandre 10, trabaje en una obra escrita por Léandre en la que hay espacio para que se vayan aglutinando las distintas músicas que han servido a esta artista para construir su carrera, tanto la música clásica en la que estuvo involucrada en los inicios de su carrera, como la improvisada.

Las tres grabaciones están muy bien, pero… ahora sólo falta que alguien se anime a traerla en directo a España. No sé si es de recibo que en 2015 el único concierto de esta gigante del jazz en España fuese en el Museo Vostell en Cáceres, pero esa es la realidad de la música creativa en directo en nuestro país…

© Pachi Tapiz, 2016

DigisleeveMMM Quartet_Oakland - Lisboa_Rogue Art_2016Joelle Leandre 10_Can You Hear Me_Ayler Records_2016

  • Joëlle LéandreNo Comment (Fou Records, 2016)
  • MMM QuartetOakland / Lisboa (RogueArt, 2016)
    Joëlle Léandre, Fred Frith, Alvin Curran, Urs Leimgruber
  • Joëlle Léandre 10can you hear me? (Ayler Records, 2016)
    Joëlle Léandre, Guillaume Aknine, Florian Satche, Jean-Brice Godet, Théo Ceccaldi, Christiane Bopp, Jean-Luc Capozzo, Séverine Mortin, Alexandra Grimal, Valentin Ceccaldi

Escuchar a Joëlle Léandre y las grabaciones No CommentOakland / Lisboa, y can you hear me? en el podcast HDO:

Escuchar el programa especial en HDO dedicado a la actuación de Jöelle Léandre en el Museo Vostell en Malpartida, Cáceres.




Joëlle Leandre. Forteresse de Salses. 2010-10-16. © Joan Cortès, 2016

HDO 112. Joëlle Léandre: her voice and her music [Podcast] [English]

Joëlle Leandre. Forteresse de Salses. 2010-10-16. © Joan Cortès, 2016

Joëlle Leandre. Forteresse de Salses. 2010-10-16. © Joan Cortès, 2016

The unique voice of Joëlle Léandre makes her one of the most important creative musician in Europe. Pachi Tapiz interviews her in the HDO Tomajazz podcast. In this special release sounds her voice and three of her last recordings: No Comment (bass solo, Fou Records); Oakland / Lisboa (MMM Quartet, Rogue Art); and Can You Hear Me? (Joëlle Léandre 10, Ayler Records).

Text: © Pachi Tapiz, 2016
Photography: © Joan Cortès, 2016

DigisleeveMMM Quartet_Oakland - Lisboa_Rogue Art_2016Joelle Leandre 10_Can You Hear Me_Ayler Records_2016

  • Joëlle LéandreNo Comment (Fou Records, 2016)
  • MMM QuartetOakland / Lisboa (RogueArt, 2016)
    Joëlle Léandre, Fred Frith, Alvin Curran, Urs Leimgruber
  • Joëlle Léandre 10can you hear me? (Ayler Records, 2016)
    Joëlle Léandre, Guillaume Aknine, Florian Satche, Jean-Brice Godet, Théo Ceccaldi, Christiane Bopp, Jean-Luc Capozzo, Séverine Mortin, Alexandra Grimal, Valentin Ceccaldi




Rova Channeling Coltrane: Electric Ascension (Rogue Art, 2016; CD+DVD+Blu-Ray)

Rova Channeling Coltrane_Electric Ascension_Rogue Art_2016Son ya varias las grabaciones en las que el cuarteto Rova ha realizado su aproximación a Ascension (Impulse!) de John Coltrane. Una obra que el saxofonista grabó en 1965 y que tiene su importancia por ser una de las primeras big band de Free Jazz. Allí participaron figuras esenciales en este movimiento como fueron aparte del propio cuarteto de Coltrane (con McCoy Tyner, Jimmy Garrison y Elvin Jones), los saxofonistas Archie Shepp, Pharoah Sanders, Marion Brown y John Tchicai, además de Freddie Hubbard, Dewey Johnson y Art Davis. En 1996 se publicó John Coltrane’s Ascension: Rova’s 1995 Live Recording (Black Saint) interpretada por una formación amplia en la que estaban, entre otros, Dave Douglas, Raphe Malik o Glenn Spearman. En 2003 fue el turno de Electric Ascension (Atavistic, 2003) por Orkestrova, otra formación amplia. En 2016 se publica finalmente una nueva revisión a nombre de Rova Channeling Coltrane en la que además de los cuatro integrantes de la veterana formación de saxofonistas, están Nels Cline (sí, el guitarrista de Wilco), Hamid Drake, Fred Frith, Rob Mazurek, Ikue Mori, Jenny Scheinman, Carla Kihlstedt y Chris Brown. Los más de veinte años durante los que Rova ha ido reflexionando, reinterpretando y reinventando “Ascension” han conseguido que esta haya transmutado hasta convertirse en algo que sin dejar de ser lo que Coltrane y compañía grabaron en dos tomas allá por 1965, se ha transformado en algo totalmente distinto. En Electric Ascension suenan las cinco notas que en la grabación original daban paso a una música que a pesar de los años transcurridos sigue sin dejar indiferente a los oyentes, aunque aquí no lo hace como una hipótesis única a partir de la que desarrollar el discurso (tal y como sucedía en la grabación de Orkestrova mencionada), sino como un elemento más. En el desarrollo de la música se alcanzan algunos momentos de intensidad paroxística asimilables al free jazz, pero a su vez otros momentos más calmados abiertos al diálogo y también abiertos a la improvisación libre, así como pasajes que caminan con un magnífico groove.

Como complemento a la música, el DVD que incluye las imágenes del concierto incluye el documental Cleaning The Mirror de John Rogers en el que se recorre tanto la intrahistoria de esta grabación, como la importancia que Ascension ha tenido para los músicos protagonistas que aparecen en el documental.

© Pachi Tapiz, 2016

Rova Channeling Coltrane: Electric Ascension

Bruce Ackley (saxo soprano), Steve Adams (saxo alto), Larry Ochs (saxo tenor),  Jon Raskin (saxo barítono), Chris Brown (electrónica), Nels Cline (guitarra), Hamid Drake (batería), Fred Frith (bajo), Carla Kihlstedt (violín y electrónica), Rob Mazurek (corneta y electrónica), Ikue Mori (electrónica), Jenny Scheinman (violín), Marc Urselli (ingeniero de sonido)

“Electric Ascension” (partes 1 – 13) (John Coltrane)

Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival

Disco 1. CD: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival)
Disco 2. DVD: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival)/ Documental Cleaning The Mirror de John Rogers sobre la historia musical y el proceso creativo de Electric Ascension. Incluye imágenes y entrevistas con Nels Cline, Andrew Cyrille, Art Davis, Jason Kao Hwang, Eyvind Kang, Rova, Jenny Scheinman, y Elliot Sharp.
Disco 3. Blu-Ray: Electric Ascension (Grabado en directo en 2012 en Guelph Jazz Festival). HD, Dolby 5.1, sonido Surround




Clean Feed en 2016. Primera entrega. HDO 0081 [Podcast]

Dre Hocevar_Collective Efervescence_Clean Feed_2016 Fred Frith - Darren Johnston_Everybody's Somebody's Nobody_Clean Feed_2016 Harris Einsenstadt_Old Growth Forest_Clean Feed_2016 Protean Reality_Protean Reality_Clean Feed_2016 Renku_Live In Greenwich Village_Clean Feed_2016

Dos son los vectores principales de esa matriz musical y creativa que es el sello portugués Clean Feed. Pedro Costa, al frente de la discográfica lusa desde sus inicios, ha sabido aúnar la publicación de grabaciones de figuras ya reconocidas en la escena internacional de la música libre (mayormente jazz, pero no exclusivamente), junto a la aparición en su catálogo de músicos (entre los que hay un buen número de artistas portugueses), que han resultado un agradable descubrimiento. El sello ha sabido navegar en el complicado océano de las ediciones discográficas, abundante en sellos unipersonales, pequeños, medianos y grandes, y casi desde el mismo inicio fue capaz de sobresalir en la escena internacional.

Un buen ejemplo de todo esto son las cinco referencias que aparecen publicadas en la primera entrega de nuevas grabaciones publicadas en 2016. Entre las figuras más reconocidas están Harris Eisenstadt (al frente de un cuarteto con Jeb Bishop, Tony Malaby y Jason Roebke), el dúo de Fred Frith junto a Darren Johnston, o el trío Renku (con John Hébert, Michaël Attias y Satoshi Takeishi) con una grabación en uno de los corazones del jazz, el Greenwich Village. En cuanto a los “descubrimientos”, están el CD homónimo del potente trío Protean Reality (con Chris Pitsiokos, Noah Punkt y Philipp Scholz), o Collective Efervescence del combo liderado por el baterista Dre Hocevan, a quien acompañan Lester St. Louis, Bram de Looze, Chris Pitsiokos –nuevamente-, y Philip White.

Si a todo lo indicado en el primer párrafo se añade que al mayor valor propio en ese análisis son sus buenas músicas, la aproximación –una vez más- a Clean Feed está más que justificada.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO (Hablando de oídas) es un podcast sobre el que ha reflexionado y que ha sido imaginado, deseado, editado, producido, conducido y presentado por Pachi Tapiz.

Las grabaciones, los músicos:

  • Fred Frith / Darren Johnston: Everybody’s Somebody’s Nobody (Clean Feed, 2016)
    Fred Frith, Darren Johnston
  • Dre Hocevar: Collective Efervescence (Clean Feed, 2016)
    Dre Hocevar, Lester St. Louis, Bram de Looze, Chris Pitsiokos, Philip White
  • Harris Eisenstadt: Old Growth Forest (Clean Feed, 2016)
    Harris Eisenstadt, Jeb Bishop, Tony Malaby, Jason Roebke
  • Protean Reality: Protean Reality (Clean Feed, 2016)
    Protean Reality: Chris Pitsiokos, Noah Punkt, Philipp Scholz
  • Renku: Live In Greenwich (Clean Feed, 2016)
    Renku: Michaël Attias, John Hébert, Satoshi Takeishi



Paolo Angeli: Sale quanto basta (ReR Megacorp, 2013) / Paolo Angeli – Hamid Drake: Deghe (Rer Megacorp, 2014)

El músico y musicólogo sardo Paolo Angeli es uno de los instrumentistas más originales de la escena jazzística actual. Su guitarra sarda preparada, a la que ha incorporado partes de otros instrumentos como el violonchelo, elementos eléctricos como un pequeño ventilador, diversos elementos como muelles, o la utilización del arco (al ser de un tamaño mayor que su hermana española) hacen de su instrumento una máquina de crear música versátil como pocas. No resulta extraño en absoluto que un fino estilista e investigador de este instrumento como es Pat Metheny, le pidiera a Angeli que crease una réplica de su instrumento para incorporarla a su Orchestrion.

Sus dos últimas grabaciones Sale quanto basta y Deghe (ambas en ReR Megacorp sello en el que ya ha publicado más de media docena de grabaciones), en solitario el primero, y en dúo el segundo con el baterista y percusionista Hamid Drake, son una magnífica muestra de su manera de entender la fusión de la música tradicional y el jazz.

Paolo Angeli Sale Quanto Basta Rer Megacorp 2013La primera de ellas, cronológicamente hablando, es Sale quanto basta. En la grabación se incluyen once temas propios de Angeli, a los que se añade un tema inspirado en la música tradicional sarda. Los temas rezuman aromas mediterráneos servidos en forma de unas preciosas melodías abiertas a sus improvisaciones expuestas por esa enorme paleta de sonidos que es su instrumento. Esta inspiración mediterránea no se queda únicamente en su Cerdeña natal, sino que también aparecen aires aflamencados o que miran de cierto modo a África. A esta música de carácter local Paolo Angeli une en el final de grabación la abstracción, la fusión de carácter casi futurístico, e incluso finaliza con un tema de carácter más ortodoxo en el que puede llegar a interpretarse que este músico se reivindica como un guitarrista de jazz al uso.

Paolo Angeli - Hamid Drake DegheDeghe es la segunda ocasión en que Paolo Angeli y Hamid Drake publican un disco a dúo. Su estreno en forma de grabación fue con Uotha (publicado en el año 2006), y que como ocurre en esta ocasión también fue grabado en directo. Hamid Drake es un percusionista sumamente versátil, que ha colaborado con William Parker (formando con él una sección rítmica imbatible), Ken Vandermark, Peter Brötzmann, David Murray, Herbie Hancock, Fred Anderson, o formando parte del Indigo Trio junto a Nicole Mitchell y Harrison Bankhead, por citar unas pocas formaciones y grupos. Debido a esa versatilidad no resulta extraño que se acople perfectamente a Paolo Angeli y que se deje llevar por las influencias de este último, sean estas la música tradicional o la música de Björk (a la que el guitarrista había dedicado su grabación Tessutti en la que interpretaba música de dos músicos aparentemente tan dispares como la cantante islandesa y el iconoclasta guitarrista Fred Frith). Rítmicamente impecable (con algún pequeño pasaje en que el baterista realiza el acople necesario al guitarrista sardo), en la parte final del recital cambia la batería por el frame drum (un enorme pandero habitual en algunas de sus propuestas) con el que interpreta el tema espiritual “The Many Faces of the Beloved”, y también acompaña a Paolo Angeli aportando una nueva dimensión a la música del dúo.

© Pachi Tapiz, 2015

Paolo Angeli – Hamid Drake: Deghe

Paolo Angeli (guitarra sarda preparada, voz), Hamid Drake (batería, frame drums, voz)

“Softio” (Paolo Angeli, Hamid Drake), “Transiti” (Paolo Angeli), “Spargiani” (Paolo Angeli, Hamid Drake), “Raffia” (Paolo Angeli, Hamid Drake), “Joga” (Björk), “Scampoli di Corsica” (Paolo Angeli, Hamid Drake), “The Many Faces of the Beloved” (Hamid Drake), “Primavera Araba” (Paolo Angeli), “Pretesti / To Build a Home” (Paolo Angeli, Hamid Drake / Cinematic Orchestra)

Grabado en directo en el Festival Isole che Parlano XVII. Teatro Motiggia Palau, Italia. 15 de septiembre de 2013. Publicado en 2014 por Rer Megacorp.

Paolo Angeli: Sale quanto basta

Paolo Angeli (guitarra sarda preparada, voz)

“Baska”, “Cose semplici”, “Mascaratu”, “Funda de almohada”, “Brida”, “A levante”, “Primavera Araba”, “Il mare salta troppe nuvole”, “Lasciamo perdere”, “Il satiro danzante”, “Senza parole”, “Frasi Fatte”
Todos los temas compuestos por Paolo Angeli

Grabado en junio y octubre de 2012 en Casaglania Studio, Olbia, Italia. Publicado en 2013 por RerMegacorp.

P.: a veces las cosas desaparecen, y como por sorpresa, uno a veces las encuentra después de varios años. Unas veces no ocurre así, pero otras sí.




Anthony Braxton © Sergio Cabanillas, 2007

XIX Festival Internacional de improvisación Hurta Cordel [Noticias]

Anthony Braxton © Sergio Cabanillas, 2007

Anthony Braxton
© Sergio Cabanillas, 2007

Entre el 22 y el 25 de enero de 2015 se celebrará en La Casa Encendida (Madrid) el XIX Festival Internacional de improvisación Hurta Cordel. Al igual que ha ido ocurriendo a lo largo de las ediciones anteriores, tendrán lugar conciertos y otras actividades relacionadas con la música improvisada. En cuanto a los primeros, la figura central para esta edición es el saxofonista y compositor Anthony Braxton que actuará al frente del Anthony Braxton Diamond Wall Quartet el sábado 24. La orquesta FOCO actuará el domingo 25, dirigida en esta edición por Llorenç Barber. Al igual que en años anteriores, habrá la oportunidad de asistir a los ensayos de esta formación, que cada año actúa dirigida por un nuevo director. Finalmente Chefa Alonso realizará una conducción con la Orquesta Carníval, que está formada por doce músicos, un poeta y dos bailarinas. Será el viernes 23. Esta artista a su vez presentará el libro Enseñanza y aprendizaje de la improvisación libre. Propuestas y reflexiones (sábado 24). El poeta y músico Ildefonso Rodríguez presentará el domingo 25 el libro-disco Inestables, intermedios. El jueves 22 Francisco J. García Ruiz presentará Entender la música improvisada. Un acercamiento al análisis de la improvisación libre. La última de las actividades será la proyección, el jueves 22, del documental sobre Fred Frith Step Across The Border (Nicolas Humbert y Werner Penzel. Alemania-Suiza, 1990. 90’. VOSE).

A pesar de los recortes impuestos por la crisis, el Hurta Cordel de este año es nuevamente una oportunidad que los aficionados a la libre improvisación no deberían dejar pasar.

Texto: © Pachi Tapiz, 2015
Fotografía: © Sergio Cabanillas, 2007

XIX Festival Internacional de improvisación Hurta Cordel
Del 22 al 25 de enero

Conciertos
Orquesta Carníval
Día: Viernes 23 de enero
Lugar: Patio
Hora: 22:00
Entrada: 5 euros

Anthony Braxton
Día: sábado 24 enero
Lugar: Patio
Hora: 22:00
Entrada: 5 euros

Concierto de la Orquesta FOCO
Día: Domingo 25 de enero
Lugar: Patio
Hora: 22:00
Entrada: 5 euros

Presentaciones
Entender la música improvisada. Un acercamiento al análisis de la improvisación libre
Día: Jueves 22 de enero
Lugar: Sala Audiovisuales
Hora: 19:00
Entrada libre hasta completar aforo

Enseñanza y aparendizaje de la improvisación libre. Propuestas y reflexiones
Día: Sábado 24 de enero
Lugar: Sala Audiovisuales
Hora: 19:00
Entrada libre hasta completar aforo

Inestables, intermediarios
Día: Domingo 25 de enero
Lugar: Sala Audiovisuales
Hora: 19:00
Entrada libre hasta completar aforo

Proyección
Step Across the Border, de Nicolas humbert y Werner Penzel
Día: Jueves 22 de enero
Lugar: Sala Audiovisuales
Hora: 20:00
Precio: 3 euros

Otras actividades
Ensayo de la Orquesta FOCO conducida por Llorenç Barber
Día: Sábado 24 de enero
Lugar: Auditorio
Hora: 12:00
Entrada libre hasta completar aforo




John Zorn: “This track is a freak”

Filmworks_1986-1990_Nonesuch

This track is a freak. In April of 1987 I got a call from a representative of the McCann Erikson Advertising Agency who was putting a new presentation for Camel cigarettes in South East Asia. They were looking for a new approach in arranging the Camel theme song “The Good, The Bad And The Ugly”, which they’d been using for years, and had already commissiones a reggae band, a jazz group and a classical string quartet. God knows what they thought I would come up with, but needless to say, after I delivered my track I never heard from them again. That’s show biz! I still wonder which one they picked…

John Zorn en las liner notes de Filmworks 1986-1990 (Elektra Nonesuch)

“The Good, The Bad and The Ugly” (Ennio Morricone)
Robert Quine (guitarra), Bill Frisell (guitarra), Fred Frith (bajo), Wayne Horvitz (Órgano Hammond), David Weinstein (teclados), Carol Emanuel (arpa), Robert Previte (batería , percusión y voz), John Zorn (arreglos y producción)
Grabado en abril de 1987 en Radio City Studios, New York City.




MMM Quartet: Live at the Metz’ Arsenal (Leo Records, 2012)

mmmquartet_liveatthemetzarsenal_gaMMM Quartet, un grupo cuyo nombre a la vez que no significa nada puede significar muchas cosas distintas, es una formación en la que participan cuatro pesos pesados en esto de la improvisación: el saxofonista Urs Leimgruber, el compositor y especialista en el uso de la electrónica Alvin Curran, junto a los enormes Fred Frith (guitarra) y Joëlle Léandre (contrabajo). Live at the Metz’ Arsenal son apenas 50 minutos de música grabados en concierto. Dividido en dos partes, la primera se lleva el 90% de la duración del CD, mientras que la segunda se puede entender como ese bis que debe ser el colofón a toda buena actuación, aunque en esta ocasión los aplausos no aparecen hasta la parte final. La del MMM Quartet es una improvisación libre multi-idiomática en la que a momentos de una aparente libertad total en la que los músicos van lanzando sus ideas a la vez que sus compañeros (cuando estos deciden no permanecer en silencio) y que sirven para establecer diálogos muy interesantes, siguen otros en los que se establecen ritmos muy marcados y todo gira en torno a ello. Alvin Curran es la luz intermintente a la que Frith, Leimgruber y Léandre van siguiendo en la primera parte. Para ello aporta sus sonidos y trabaja con el piano en muy distintos estilos, limitándose por momentos únicamente a las 88 teclas, centrándose en otros en su interior. Estas aportaciones ejercen de atractores que sirven para que la música de sus compañeros converja hacia una cierta realidad. Los siete minutos que dura la pieza final no son suficientes para que Curran aparezca y desaparezca como en la primera. Está presente desde el principio, y tanto Leimgruber, como Frith y Léandre lo siguen desde el principio, mostrando los derroteros por los que irá el discurso del grupo desde su mismo inicio.

© Pachi Tapiz, 2012

MMM Quartet: Live at the Metz’ Arsenal

MMM Quartet: Joëlle Léandre (contrabajo), Fred Frith (guitarra), Alvin Curran (electrónica y piano), Urs Leimgruber (saxos tenor y soprano)

“Part One” 45:15, “Part Two” 6:55
Composiciones por Joëlle Léandre, Fred Frith, Alvin Curran, Urs Leimgruber

Grabado el 20 de noviembre de 2009 en directo en Arsenal, Metz, Francia. Publicado en 2012 por Leo Records. CD LR 631 www.leorecords.com




Paolo Angeli. Entrevista por Pachi Tapiz [Entrevista]

Cerdeña a finales de noviembre de 2010. Mientras en el norte de España hace frío, en la isla italiana el sol permite estar en plena calle a mediodía haciendo que una simple chaqueta casi esté de más. Tras coincidir en el viaje de avión desde Barcelona a Cagliari, capital de la isla, concerto una entrevista con Paolo Angeli. Vestido con su sempiterna camiseta de marinero a rayas, todo sonrisa y amabilidad, me permite charlar extensamente con él. A lo largo de una hora habla sobre su particular guitarra sarda preparada (un instrumento casi único), sobre Fred Frith, Bjork y Pat Metheny; sobre sus proyectos y grabaciones, de su concepción de la música y también sobre Giornale di bordo. Un proyecto de Antonelo Salis realizado por encargo del Festival Internationale Jazzin’ Sardegna que presentó en directo en cuarteto en la edición de 2010 acompañado por Hamid Drake, Gavino Murgia y el propio Angeli.


Paolo Angeli © Nanni Angeli, 2011

PACHI TAPIZ: En primer lugar quiero que me hables sobre tu guitarra.

PAOLO ANGELI: Mi instrumento es una guitarra de Cerdeña. Es más grande que una guitarra española. Tiene una historia muy reciente desde que comenzó a utilizarse en Cerdeña. La guitarra fue siempre un instrumento tocado para los nobles y no para el pueblo. El pueblo tocaba instrumentos más antiguos. La launedda es el instrumento más antiguo que tenemos en Cerdeña. La guitarra tiene una historia paralela porque no ha sido un instrumento popular.


Paolo Angeli © Pachi Tapiz, 2011

          Es grande porque en los años 40 se tocaba para acompañar una competición de cantadores. Como mínimo eran dos, y a veces tres o cuatro. Eran competiciones rudimentarias. Comenzaban a cantar y el guitarrista tenía que descifrar el código de la melodía y poner acordes creando una melodía en paralelo por debajo. Todo era en acústico en escenarios improvisados, así que necesitaban un cuerpo muy grande para tener más volumen. La afinación es diferente ya que es una guitarra barítono, aunque los intervalos siguen la misma relación.

Yo comencé a tocar con mi maestro Giovanni Scanu. Al mismo tiempo estaba viviendo en Bolonia y encontré a Fred Frith. Entonces empecé a modificar el instrumento para intentar crear un encuentro entre esas dos historias. La tradición se encuentra con la vanguardia, la guitarra sarda con la guitarra preparada de Fred Frith. A lo largo de diez o doce años surgió esta guitarra con puente de contrabajo y clavijero de violín. A mí me encantaba tocar batería y chelo y en un sentido este instrumento es como un encuentro entre todo eso. Se puede tocar con arco y con pedales, como un batería. Los pedales se conectan con unos cables que son como de bici. Es todo muy sencillo, mecánico. Muy fácil de explicar. Realmente lo tocas como un órgano con los pies, y al mismo tiempo con el arco puedes tocar melodías encima. Con estos pequeños ventiladores hay unos motores puestos aquí y allá y logran una modulación de volumen. Con el volumen puedes cambiar la frecuencia. Cada cuerda tiene una salida separada. Hay catorce salidas y se puede poner cada cuerda en un altavoz diferente en el que el sonido se puede distorsionar, dejarlo limpio o poner el contrapunto al ponerles otros efectos. Es una mezcla de muchos instrumentos. Cuando tocas en una formación eso te permite cambiar continuamente el rol. Puedo tocar como un contrabajo, si falta la melodía puedo tocar como un chelo o una guitarra. Si falta la percusión puedo usar los pedales con objetos para tocar las cuerdas. Si faltan bases más propias de un teclado le pongo los ventiladores y consigo un sonido continuo. Es un instrumento que me permite tocar con muchas funciones en el interior de una formación musical.


Paolo Angeli – Nanni Angeli. Tibi (CD-DVD Dual. ReR Megacorp, 2010)

PACHI TAPIZ: En el DVD de Tibi se ve como…

PAOLO ANGELI: Tibi es una publicacion a dos manos: mi hermano Nanni ha echo un trabajo increible documentando desde 1995 todas las modificaciones que he hecho a mi guitarra. A partir de ese trabajo surge una película. El DVD es el comentario sonoro tocado en directo. En la primera parte aparecen todas las partes de madera. “Linee” es el trabajo sobre la madera, que es abstracto pero muestra a la madera en transformación. “Ferri” es la parte mecánica. Es como está construido. “Mani” y “Persone e Forme” muestran a los artesanos trabajando la madera, el metal y construyendo el instrumento. Se ve muy bien.


Guitarra de Paolo Angeli © Pachi Tapiz, 2011

PACHI TAPIZ: ¿De dónde van surgiendo esas ideas para añadir los diferentes artefactos y elementos a la guitarra?

PAOLO ANGELI: Eso es muy interesante. Comencé a tocar muy joven, con unos nueve años. Yo no he elegido a la guitarra, sino que ella me ha elegido a mí. Mi padre es guitarrista. Yo había pedido un órgano pero nunca llegaba a la tienda, así que mi padre me dijo: “¿por qué no empiezas a tocar la guitarra?”. Empecé a tocar los acordes. Ahí empecé. A lo largo del tiempo he tenido muchas crisis. A mí me gustaban más otros instrumentos. Una temporada me habría encantado tocar algún instrumento de arco y empecé a estudiar el chelo, pero me di cuenta que empezar a los veintitrés años a estudiar violonchelo y cambiar la cordatura es complicado. Ahí comencé a tocar el arco con la guitarra. Con los pedales pasó igual. Estuve una temporada tocando la batería. Es complicado ser un baterista, así que monté el sistema de pedales disfrutando de la técnica de independencia que aprendí tocando la batería. Todo lo que ha salido en principio es por la unidad del instrumento. Al mismo tiempo he ido inventando los sonidos como en una banda sonora. Los ruidos, los sonidos más diferentes que puedo escuchar los voy recogiendo y poniendo en el interior de una música lo más abierta que pueda.


Paolo Angeli © Pachi Tapiz, 2011

PACHI TAPIZ: Pat Metheny ha hablado sobre ti y su música. ¿Cómo surge que un músico como él hable sobre ti?

PAOLO ANGELI: Yo le hice la guitarra para Orchestrion. Vino en 2001 a Cerdeña al festival de Sant’Anna Arresi. Yo toqué antes que su grupo y a él le llamó la atención cómo toqué. Me pidió una copia de la guitarra. Al principio pensé que era una broma, pero cuando decidí hacerlo fabricamos dos guitarras. Una que es como la que has visto y otra que es la que utiliza con el Orchrestrion. Aparece en todas las fotos que le ha sacado, siempre situada a su izquierda. Es un poco diferente pero el concepto es idéntico.

También tocamos juntos en cuarteto Pat Metheny, Hamid Drake, Antonello Salis y yo. Creo que elogia mi música porque le gusta como toco. Estuvo en mi concierto en solitario en Nueva York en el Tonic: allí estaba. Supongo que tiene una cierta admiración, aunque le tendrías que preguntar a él. A mi me hace mucha ilusión. Pat Metheny es muy abierto observando la música y montando proyectos muy diferentes como Zero Tolerance [for Silence], Song X con Ornette Coleman, o el disco que publicó con Derek Bailey. Tiene muchas facetas. Su mainstream project, pero también otros que están conectados con la libre improvisación. Es una historia muy divertida ya que tiene la hermana gemela de mi guitarra.


Giornale di bordo © Francesca Floris, 2010

PACHI TAPIZ: Te quería preguntar por Giornale di bordo, el proyecto que vais a presentar hoy. ¿Tú tocas la guitarra con todos los…?

PAOLO ANGELI: Cambia mucho. Te explico. Esta guitarra es un instrumento que tiene una función en un concepto musical. Quiero decir que si voy a tocar en un solo disfruto de toda la libertad y todas las posibilidades al mismo tiempo. Si hace falta un contrabajo toco con los pedales la parte de bajo. Si quiero percusión lo hago y lo monto todo yo solo. Es diferente de lo que pasa cuando hay músicos. Si hay un dúo el otro músico puede tocar la parte rítmica y yo puedo tocar la parte armónico-melódica. Tocando con Antonello [Salis] en dúo toco más la parte rítmica. Tocando en cuarteto tenemos batería, saxo y teclados, que es un instrumento armónico, así que lo que falta es la parte de bajo. Como mi guitarra está afinada una quinta por debajo me gusta mucho trabajar como un bajista.

PACHI TAPIZ: Así que eres el bajista del grupo.

PAOLO ANGELI: Es raro porque es como si tuvieran un bajista, pero con un instrumento que puede cambiar de repente su función. Puedo ser el chelista, el guitarrista o el percusionista. Pero es muy difícil que me veas tocar como toco en solitario con todo el instrumento con todas sus posiblilidades. Cambio continuamente el tipo de función que tengo en el interior del cuarteto.

PACHI TAPIZ: Así que tocas un poco de todo…

PAOLO ANGELI: Sí, pero cuando tocamos partes mas estructuradas me quedo tocando las partes de bajo.


Paolo Angeli © Nanni Angeli, 2011

PACHI TAPIZ: Quería que me hablases sobre Tessuti, tu CD sobre música de Bjork y [Fred] Frith.

PAOLO ANGELI: Es un proyecto que me encanta. Primero, porque Fred ha sido de alguna manera mi guía, ya que comencé a modificar mi instrumento después de tocar con él. Cuando lo encontré tenía veintidós o veintitrés años. Segundo, porque al mismo tiempo Bjork ha servido para conectarme otra vez con el mundo del pop-rock, después de dejar ese mundo y meterme totalmente en la vanguardia. Soy fan de los dos. Si vienes a mi casa verás que tengo muchos discos de Frith y todo lo que ha publicado Bjork. Me encanta. Hay algo en su música que me emociona mucho, así que me quedaba en mi casa tocando los temas de los dos para mí. Un día pensé que como me encantaba hacerlo, por qué no podía sacar un CD con todo eso. Lo publiqué en un momento en el que quizás estaba a punto de cansarme de tocar este repertorio. Después de tocarlo en directo durante un año y medio estuvo muy bien grabarlo porque ya era un proyecto muy sólido en el que había trabajado en los pequeños detalles. Es un disco en el que las dos poéticas de los músicos se encuentran con mi idea de música. Intenté hacer como una construcción que fuese una conexión entre dos mundos que no me parecen tan distintos. Tienen muchas cosas en común. Hay un comentario de Fred Frith en una entrevista en All About Jazz en la que le preguntaban sobre sus diez discos favoritos del año y eligió Tessuti. Hablaba de él y decía que le habría encantado tocar con Bjork y que lo que podría haber salido de esa colaboración era más o menos lo que yo había hecho con mi guitarra. Son dos músicos que tienen mucho más en común que lo que parece.


Paolo Angeli © Nanni Angeli, 2011

PACHI TAPIZ: A veces parece que si a uno le gusta la libre improvisación todo el día está escuchando libre improvisación y no puede disfrutar de otros músicos como Bjork, Led Zeppelin o Boccherini…

PAOLO ANGELI: Me gusta mucho hablar sobre este argumento. Muchas veces lo que pasa es que como has dicho tú, el mundo musical se mueve por familias y es como hablar de política. Me gusta mucho el tema. Es como los de derecha. Los de derecha siempre se reconocen entre ellos, los fachas siempre quedan bien entre ellos. Los de izquierda siempre buscan en la otra persona de izquierdas lo que es diferente para decir que ese no es de verdad de izquierda, que aquí el que es de izquierda soy yo que soy el que tengo el ideal más de izquierda, que soy el más distinto de todos, que soy el que realmente ha encontrado la verdad, su propia idea de cómo tiene que ser el mundo. Esto pasa con los músicos.

Si hablamos de free tiene una historia. Me he fijado mucho en esto. Cuando he estudiado música tradicional de Cerdeña he aprendido lo que se tocaba, y de todo me he quedado con lo que más me ha gustado. He aprendido de un tipo que empezó a tocar música tradicional en los años veinte. Conozco el lenguaje de los años cuarenta, pero el que más me ha gustado es el lenguaje tradicional de los años sesenta que es el de máxima complejidad, de donde han salido más cosas distintas. Es increíble que cuando un joven toca free hoy no se dé cuenta que está tocando una música con cincuenta años de historia. Entonces ya es tradición. Se tiene que tocar, pero no tenemos que decir que es vanguardia, es tradición. Cuando escuchas a los grandes saxofonisas de hoy, a Mats Gustafsson, a Ken Vandermark y después escuchas a Peter Brötzmann hay muchísimas conexiones entre ellos. Y si escuchas a Peter Brötzmann ves que antes estaba Albert Ayler. Yo lo veo también como tradición, una evolución de la tradición.

Yo he nacido con muchas tradiciones distintas, como cuando Fred Frith apareció y venía del rock. Cuando toco con Evan Parker y Ned Rothemberg ellos vienen de una tradición de música libre más conectada con el jazz. Después me encuentro tocando con Fred Frith que tiene que ver más con el rock. Luego toco con mi maestro de guitarra sarda y después flipo escuchando a Bjork. Me doy cuenta que no tengo solo una idea de musica, que me gustan muchas cosas distintas. Lo que para mí es ser libre y tocar realmente free music y tocar improvisación libre quiere decir disfrutar y poder pensar en tocar cualquiera de estas cosas y buscar algo de personalidad dentro de estas estructuras. Como hoy haré tocando como un bajo, pero eligiendo una manera de tener siempre la personalidad en el interior de la música.


Paolo Angeli © Nanni Angeli, 2011

PACHI TAPIZ: De hecho en Tomajazz tengo un blog con una sección titulada “Who The Fuck” en la que todos los lunes publico músicas que escucho y que se supone que no tienen que ver con lo que debería escuchar. Lo último es un tema de Bjork, “Earth Intruders”, en el que toca con otros músicos como los Konono nº1.

PAOLO ANGELI: La he visto en concierto dos veces, en Londres y en Italia. Me encantó ver cómo los dos conciertos fueron muy distintos, y que manteniendo una estructura pop y cerrada todavía se puede ser muy abierto dentro. Me encanta cómo trabaja en los detalles de la melodía, cómo cambia cada vez. Son pequeños detalles, pero el que conoce bien su música sabe que está improvisando, aunque está dentro de unas estructuras muy rígidas. Cuando vas a escuchar un concierto de improvisación libre sabes que no van a salir melodías, que no va a haber unos ritmos, más o menos sabes qué va a pasar. Entonces, yo digo: ¿cómo puede ser que esto sea música libre?

PACHI TAPIZ: [Risas]

PAOLO ANGELI: Son idiomas. Yo lo veo más así. Quizás la música improvisada se ha quedado en idiomas.

PACHI TAPIZ: De todos modos hay músicos en la improvisación libre que trabajan creando una música y unas melodías que no parece que estén improvisando…

PAOLO ANGELI: Con esto no estoy diciendo que no me gusta ese lenguaje. Me gusta ese lenguaje. Pero por ejemplo, hace unos días fui a Robadors 23 [local de Barcelona] para ver un concierto de una conducción. Empezó el concierto y el encargado de la conducción dijo que iba a ser un concierto de improvisación total montado sobre un vídeo en el que los músicos no sabían lo que iba a pasar en el vídeo. Tenían que improvisar sobre lo que iban a ver. Me pareció interesante. Al final todo el concierto fue una conducción modelo Butch Morris en la que el conductor miraba el vídeo, decidía qué tenía que cambiar en el vídeo y decidía lo que los músicos tenían que tocar, así que él hacía los solos. Entonces sucedió como una apoteosis de un solista que yo veo como si fuera un compositor que dice esto sí, esto no… Yo me pregunté: ¿dónde hay libertad aquí? Es como una ideología muy estalinista de la música. Todos para montar, cada uno con su contribución, una música que es lo que quiere el capo. ¿Dónde está la libertad en todo esto? No hay libertad. Yo no la veo. No es la libertad del caos de donde sale la música. Allí no se elige primero un jefe. Allí alguien puede aparecer y cambiar el objetivo de la improvisación. Sin embargo yo vi a un jefe que decidía todo sobre todos.

Tenemos que pensar mucho en esto porque es como si fuese un género musical que se hubiese quedado sin su elemento antagonista, como si hubiese perdido su fuerza de ruptura con el sistema musical. Son códigos más o menos como los del be bop, el hard bop, el free jazz… son códigos. En el momento en que se queda en un código, tú dices “vale, ¿que código voy a tocar hoy?”. Lo mejor en este sentido es intentar tirar las paredes que separan los códigos. Yo lo veo así. No tener miedo de tocar un beat, o de tocar melodías si te apetece tocarlas.


Giornale di bordo © Francesca Floris, 2010

PACHI TAPIZ: También has colaborado con Fred Frith. ¿Cómo fue colaborar con él?

PAOLO ANGELI: Con Fred tengo… es una historia que tiene muchos años. La primera vez que toqué con él fue en un workshop y él hacía una conducción. Fue en 1993. Después toqué en su disco Pacifica en 1995. He aprendido muchísimo trabajando con él porque es un compositor que te explica todo. Además tocando la guitarra teníamos que tocar lo que él había compuesto para la guitarra preparada. He aprendido muchísimo, también la técnica de la guitarra on the table [en la que la guitarra se sitúa y se toca sobre una superficie horizontal]. También he tocado un par de veces en dúo con él y en un cuarteto de guitarras con Camel Zekri y Janet Fader, que es una guitarrista americana.

PACHI TAPIZ: Yo vi a Fred Frith y a Camel Zekri en directo tocando cada uno de ellos en solitario y luego tocando en dúo.

PAOLO ANGELI: Me encanta Camel Zekri. Es totalmente diferente de Frith, aunque cuando tocan juntos se complementan muy bien. Tocar con Frith es como… hablando de los músicos de la generación pasada yo creo que él se queda como uno de los más abiertos. Fred ha sido uno de los primeros que no ha tenido ningún miedo de sacar un disco de temas de folk. Rock songs como las que ha publicado con Cosa Brava.

PACHI TAPIZ: A mí su último disco [Ragged Atlas, Intakt, 2010] me gusta mucho con todas esas canciones…

PAOLO ANGELI: Totalmente de acuerdo, es muy bonito. No tiene nada de mal rollo, nada de decir “ahora toco algo difícil de entender”. Son temas. Es un disco de rock. En un momento publicaba un disco con Skeleton Crew con Tom Cora y Zeena Parkins en el que hacian temas, y a la vez publicaba Gravity en solitario. Al mismo tiempo podías escuchar a Fred tocando lo más radical o lo más bestia; tocando un solo totalmente loco e industrial o tocando con [John] Zorn. Le veo como lo más abierto porque él practica lo que le gusta. Tocar con él me encanta porque sé que cuando improviso con él en dúo si se me ocurre un tema y a él le gusta me ayuda a construirlo, y si no le gusta va a machacarlo. Es muy interesante porque es como si fuera un debate entre dos personas.

Cuando hablas con otra persona y empiezas a conocerla sabes que se puede hablar de este asunto, en este otro nos peleamos o ese me da igual. Nos peleamos porque no me gusta lo que el otro está diciendo. Tú dices “perdona, lo que estas diciendo no me gusta nada”. Musicalmente pasa lo mismo. Se puede tocar intentando construir con los otros, o si algo no te gusta parar de tocar y hacer otras acciones como queriendo decir “no estoy tocando”, o tocar para hacer otra cosa que vaya en contra de lo que ha hecho tu compañero en el escenario. Con él puedes llevar a cabo toda esta dinámica. Hace poco he tocado en otro proyecto suyo que se titula Tessitura con muchos músicos italianos y con el que hemos dado unos cuantos conciertos. Fred Frith sigue siendo uno de los músicos que más me gusta por su apertura.


Paolo Angeli © Nanni Angeli, 2011

PACHI TAPIZ: Me he olvidado preguntarte si le has hecho llegar tus discos a Bjork.

PAOLO ANGELI: En teoría sí. Zeena parkins me dijo que le pasó el disco pero no sé qué piensa, nunca he tenido su feedback.

PACHI TAPIZ: Te lo pregunto porque para una de sus últimas giras le interesó el reactable, habló con sus creadores y en la gira lo tocaron. Teniendo en cuenta los sonidos que logras con tu guitarra preparada, me extraña que no se haya puesto en contacto contigo para que grabes o toques con ella…

PAOLO ANGELI: Hay dos posibilidades. Primero, que no lo tenga. Segundo, que lo tenga y no le haya gustado [risas]. Tercero, que ella lo tenga, que le haya gustado pero que no le interese ponerse en contacto conmigo. O que le haya gustado y tenga en mente contactar conmigo más adelante. Son muchas posibilidades, no lo sé.  Yo podría contactar con ella porque conozco a mucha gente que ha tocado con ella, y tambien conozco al bateria Chris Corsano que también es otro genio y que tocó en su última gira. A mí me encanta. Cuando fui a verla en Londres yo estaba tocando en trío en Vortex con Evan Parker y el contrabajista John Edwards.  Fui a ver tocar a Bjork y allí estaba con Chris Corsano, que tocaba al día siguiente en un sitio muy underground. Me encantó ver cómo un músico puede tocar frente a ocho mil personas un día y al día siguiente tocar en un club para veinte personas de la forma más abierta y más radical. Es lo que realmente me gusta de la música. Poder pasar de un plano a otro sin tabúes ni prejuicios.

PACHI TAPIZ: También te quiero preguntar sobre tu colaboración con Hamid Drake. Has tocado  en dúo, hoy con Antonello [Salis] vais a tocar en cuarteto… ¿cómo surge la conexión con él?

PAOLO ANGELI: Es muy interesante porque fue una casualidad. Yo conocía a Hamid de verlo tocar con Peter Brötzmann. Me encantó el concierto. No lo conocía, así que aunque me gustaba mucho, le tenía mucho respeto y no se me habría ocurrido ir a decirle que me encantaría tocar con él porque me parece que es una cosa fea. Él tenía su nombre y su posición en el ámbito musical. Lo que sucedió es que nos invitaron al festival de Sant’Anna Arresi a tocar juntos. Él no me conocía, pero había visto mi página web y le había gustado. Yo dije que me encantaría, que es un músico que me gustaba mucho. De ahí salío nuestro disco en dúo Uotha. Cuando fuimos a ensayar estaban otros músicos en el escenario, así que nos juntamos en la habitación del hotel para ver lo que íbamos a tocar al día siguiente. Me preguntó si cantaba y yo le dije que quizás podía cantar temas de Cerdeña. Él también me dijo que cantaba, que le escuchase. Después le pregunté si íbamos a decidir tocar una secuencia de temas y él dijo que no, que no la necesitábamos. Dijo “vamos por aquí y lo que sale, sale”. Así que tocamos por primera vez juntos  en el escenario. El disco es eso. El primer encuentro en un escenario de dos músicos que nunca habían tocado juntos. El resultado parece muy estructurado, pero son composiciones instantáneas, ya que sólo había dos temas. Hamid sólo me había escuchado una vez tocando. Así que el resultado es un encuentro mágico de los más intensos que he tenido. Ese es el instante de hace seis años.


Paolo Angeli © Pachi Tapiz, 2011

PACHI TAPIZ: Es muy interesante lo que comentas, ya que hay una gran cantidad de discos grabados en el primer encuentro entre unos músicos. Algunos de esos discos los escuchas y parece que esos músicos se conociesen desde siempre. Es alucinante. Para terminar, ¿ahora mismo qué otros proyectos estás llevando a cabo o tienes en mente?

PAOLO ANGELI: Ahora mismo uno de los proyectos que más me gustan es POG. Piccola Orchestra Gagarin. Está dedicada al astronauta ruso y es porque Sasha Agranov, el chelista del grupo, tiene origen ruso-israelita. El bateria es Oriol Roca, que es catalán. Es un trío que me encanta porque hace años que yo no tenía una banda en la ciudad en la que vivo. Nosotros podemos ensayar. Al chelista le encanta la musica de Cerdeña y está aprendiendo a tocarla como yo aprendí de mi maestro, pero él lo hace con el chelo. Sale una música totalmente abierta pero muy contectada con el folk de Cerdeña.

Otro proyecto que me encanta es con la violinista Takumi Fukushima, que ha vivido durante años en Italia. Ha tocado con Volapük y ha hecho su primer tour mundial con After Dinner, una banda de pop muy famosa de Japon. Con ellla hacemos algo muy parecido a los proyectos de post-pop-songs. Es una música muy abierta, muy improvisada, pero con estructuras muy conectadas con las canciones. Es lo más cercano a Bjork que hago.

Estoy en un momento muy creativo. Cada día me surgen ideas nuevas y lo que quiero es intentar separarme un poco más de mi lenguaje, esforzándome en seguir inventando cosas. Por eso modifico siempre un poco mi guitarra. Es como si me pusieran una condición de estabilidad y por eso modifico otra vez mi lenguaje. Yo me veo en una temporada muy creativa.

PACHI TAPIZ: ¿Algo que añadir?

PAOLO ANGELI: Una cosa que no sé si sabes es que he realizado una publicación… Antes vivía de ejercer como etno-musicólogo y hace cuatro o cinco años publiqué un libro [Canto in Re, editorial ISRE]. Está dedicado a la guitarra de Cerdeña y a la evolución que ha tenido en más de cien años. También hice una recopilación de cuatro discos con grabaciones publicadas desde 1929 hasta los años sesenta. Eso es algo que casi nadie conoce porque se ha quedado como una publicación para etno-musicólogos, para especialistas. Mientras lo hacía dejé de tocar porque no podía aguantar hacer el trabajo de investigación y tocar al mismo tiempo, porque son dos vías que no quedan bien juntas. No podía tocar el instrumento así que decidí concentrarme mejor en la investigación. Con ese trabajo construí la fonoteca más importante de Cerdeña digitalizando su fondo sonoro. Yo escuché todo ese archivo porque tenía que hacer su duplicación digital. Ha sido un trabajo de cuatro o cinco años. Ahora es un momento en el que veo que toda esa experiencia está saliendo, está llegando de una forma que me dice “Paolo, Paolo, por favor saca tu idea de folk imaginario que tienes hoy”. El próximo proyecto que quiero hacer es un trabajo orquestal sobre ese material tradicional, aunque me llevará uno o dos años montarlo. Es algo muy largo.

Texto © 2011 Pachi Tapiz
Fotos © 2011 Nanni Angeli, Francesca Floris, Pachi Tapiz



Hoy no puedo dejar de escuchar… Tessuti. Paolo Angeli plays frith & björk (Rer, 2009)

paolo angeli_tessutti_Tessuti: una combinación aparentemente extraña de dos creadores como Fred Frith y Björk, junto con algunas piezas del propio Angeli. Casi podría haber hablado de algún otro disco como Nita o Uotha, su maravilloso dúo con Hamid Drake. Sin embargo el que suena y suena durante estos últimos dos días es Tessuti.
© Pachi Tapiz, 2010

Paolo Angeli: tessuti. paolo angeli plays frith and björk
ReR Megacorp. ReR PA 3
Composiciones de Björk, Fred Frith, Paolo Angeli, Frith / Cora / Parkins




Fred Frith ‘Cosa Brava’: Ragged Atlas

fred frith cosa brava ragged atlasSi uno echa un vistazo a la carrera de Fred Frith, una de las conclusiones a la que puede llegar ante sus intenciones de publicar un disco de rock (en palabras del guitarrista), es que la propuesta sea como mínimo diferente a lo que uno puede llegar a entender por un disco de “rock” al uso, si es que el término tiene algún sentido a día de hoy. Y es que estamos ante un músico con una carrera poliédrica como la de pocos. A lo largo de ella Frith ha pasado por el rock, la libre improvisación, la clásica contemporánea o el jazz más vanguardista.

Ragged Atlas, el estreno del quinteto de formación atípica  Cosa Brava, se sirve en forma de trece temas. La India, Europa (del Este y del Oeste), o América (del Norte y del Sur) prestan distintos elementos folklóricos a partir de los cuales Fred Frith establece la columna vertebral de sus composiciones. Allí hay incluso espacio para alguna letra totalmente insustancial (“Falling Up (for Amanda)”), que no logra desmerecer preciosidades como la balada “Lucky Thirteen”, los aromas brasileños de “For Tom Zé”, las miradas hacia el este de “Round Dance” y “R.D.Burman”, o los ecos zappianos de “Pour Albert”.
Tras publicar también en Intakt The Big Picture y Still Urban con la formación suiza de música contemporánea Arte Quartett, Frith salva su giro “rockero” con buenas dosis de guitarra, buenas composiciones y un grupo a su altura.
Pachi Tapiz
Cosa Brava: Ragged Atlas
1 “Snake Eating Its Tail” – 2:13 2 “Round Dance” – 3:25 3 “Pour Albert” – 4:36 4 “R. D. Burman” – 4:18 5 “Falling Up (for Amanda)” – 5:38 6 “Out on the Town with Rusty, 1967” – 5:11 7 “Lucky Thirteen” (Frith, Sharp) – 6:58 8 “Blimey, Einstein” – 4:11 9 “The New World” – 3:57 10 “Tall Story” – 3:49 11 “For Tom Zé” – 4:49 12 “A Song About Love” – 6:24 13 “Market Day” – 6:42
Fred Frith (guitarra, guitarra baja, voz), Carla Kihlstedt (violín, nyckelharp, armónica, voz), Zeena Parkins (acordeón, teclados, objetos diversos, voz), Matthias Bossi (batería, percusión, sruti box, voz), The Norman Conquest  (manipulación sonora)
Invitados: Anantha Krishnan (mridangam y tabla en “R. D. Burman”)
Grabado entre el 17 y el 21 de diciembre de 2008 en Tiny Telephone, San Francisco. Publicado en 2010 por Intakt Records. Intakt CD 161