INSTANTZZ: Irene Aranda, Núria Andorrà i Don Malfon (Som-hi? Som-hi!, Sinestesia, Barcelona. 2017-02-23) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Martes, 23 de enero de 2018
  • Lugar: Sinestesia (Barcelona)
  • Grupo:
    Irene Aranda – Núria Andorrà – Don Malfon
    Irene Aranda, piano
    Núria Andorrà, percusión
    Don Malfon, saxo alto

Tomajazz: © Joan Cortès, 2018




Sinestesia: Aranda – Malfon – Andorrà. Ciclo de Música Improvisada (Barcelona. 2018-01-23) [Noticias]

Sinestesia
Ciclo de Música Improvisada
Martes 23 de enero de 2018 a las 20:00
Concierto de Irene Aranda – Don Malfon – Núria Andorrà
Con la colaboración de Marianne Brull
Sinestesia
C/Santa Caterina 52-54
Barcelona – Sants




Lo más escuchado de HDO (I): Entrevista con Irene Aranda [Podcast]

Finalizamos el año 2017 recuperando algunas de las entregas más escuchadas en Hablando de oídas (HDO). Comenzamos recuperando la entrevista a la pianista Irene Aranda con motivo de la publicación de sus grabaciones TribusPhonophobia.

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

 




INSTANTZZ: Lucía Martínez & Samuel Blaser (16 años de Club de Jazz -segunda parte- / Centro Cultural El Matadero, Huesca. 2017-03-04) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Sábado, 04 de marzo de 2017
  • Lugar: Centro Cultural El Matadero (Huesca)
  • Grupo:
    Lucía Martínez & Samuel Blaser
    Lucía Martínez, batería y percusión
    Samuel Blaser, trombón
    Irene Aranda, piano –en el tema final-

Tomajazz: © Joan Cortès, 2017




INSTANTZZ: Irene Aranda (16 años de Club de Jazz -primera parte- / Centro Cultural El Matadero, Huesca. 2017-03-04) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Jueves, 04 de marzo de 2017
  • Lugar: Centro Cultural El Matadero (Huesca)
  • Componentes:
    Irene Aranda, piano

Tomajazz: © Joan Cortès, 2017




HDO 221. Irene Aranda: sus palabras y las músicas de Phonophobia y Tribus. Entrevista por Pachi Tapiz [Podcast]

Irene Aranda. Fotografía promocional de Phonophobia (2016)
Portadas de Phonophobia y Tribus

A la tercera va la vencida. En HDO 159 sonó Tribus (Producciones Efímeras, 2016) de Irene Aranda – Germán Díaz – Lucía Martínez, y en HDO 217 fue el turno del disco en solitario de Irene Aranda titulado Phonophobia (Vector Sounds, 2016). En HDO 221 escuchamos la voz de esta pianista e improvisadora. En charla telefónica con Pachi Tapiz, nos comentó distintas cuestiones acerca de estos dos proyectos, de su manera de enfocar la improvisación, el estado de esta manera de entender la música en España, de sus próximos proyectos e incluso ejerció de entrevistadora. Como complemento a sus palabras, suenan temas de TribusPhonophobia.

Texto y entrevista: © Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




HDO 217. Noveimprovispainando con Irene Aranda, Carlos Costa y la Piccola Orchestra Gagarin [Podcast]

Lo que el año pasado era un 3X3, en 2017 es un repaso -sin etiquetas- a tres novedades discográficas (a tres temas por grabación). En la entrega de HDO del 10 de enero de 207, suena lo siguiente: Irene Aranda: Phonophobia (Vector Sounds, 2016); Carlos Costa: Door Of No Return (Aural Terrains, 2016); Piccola Orchestra Gagarin (integrada por Sasha Agranov, Paolo Angeli y Oriol Roca): Vostok (Whatabaout Music – AnMa Productions – Rer Megacorp, 2016). Tres muestras magníficas de cómo la improvisación está pasando por un muy buen momento en nuestro país, al menos en lo relativo a músicos y producciones discográficas. Otra cosa son las oportunidades de disfrutar de esas músicas en festivales y ciclos como debieran, pero esa es otra cuestión para otro momento.

© Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




HDO 159. Improvisando: David Paredes / Liquid Trío / Irene Aranda / Fernández – Azaiez. 3X3(010) [Podcast]

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Propuestas que tienen que ver, de un modo u otro, con la improvisación libre en HDO 159. David Paredes (junto a Manuel Castilla, Antonia Funes y Víctor Sequí) con Frames (en Alina Records, disponible para su descarga libre); Liquid Trío (Agustí FernándezRamon PratsAlbert Cirera) con Marianne (Vector Sounds); Irene Aranda (junto a Germán Díaz y Lucía Martínez) con Tribus (Producciones Efímeras); Agustí Fernández y Yasmine Azaiez con Revelation (Fundacja Sluchaj! / Listen Foundation!).

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.




Germán Díaz o las nubes como fuente de inspiración. Entrevista por Jesús Mateu Rosselló

Germán Díaz es uno de los músicos más importantes y tal vez menos conocidos que habitan en nuestro país. Su instrumento de cabecera es la zanfona, el genial instrumento proveniente del siglo XII. Pero no queda aquí la cosa, y es que Germán es un enamorado de los instrumentos más bien poco comunes. Órgano de barbaria, caja de música, rolmona cromática, sierra musical… Son algunos de los instrumentos que suele usar tanto en sus grabaciones como en sus directos.

Intentar etiquetar la música que nos ofrece el autor es realmente absurdo. Se puede intentar, pero resulta mucho más interesante (y gratificante) que si alguien se siente atraído por lo que se dice en esta entrevista, investigue y se hipnotice. Germán Díaz, dentro de las limitaciones de algunos de los instrumentos (muchos de ellos mecánicos) consigue crear un espacio-tiempo paralelo en el que lo que sucede, camina entre lo bello y lo (repito) hipnótico. Además, utiliza elementos provenientes del jazz, aspecto que dota a sus proyectos de mayor libertad creativa.

Hablamos de los dos últimos discos publicados en los que aparece el zanfonista. Método Cardiofónico (Producciones Efímeras, 2014) y Cancionero Gallego (Producciones Efímeras, 2015) este último publicado con el Oh Trío. Hablamos de magnetismo. De la observación de nubes. De futuros instrumentos… Mejor que lo comprueben por ustedes mismos.

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Jesús Mateu Rosselló: Gracias ante todo por conceder esta entrevista a Tomajazz. Para posibles lectores que no conozcan tu música o aquellos que sí la conocen pero están interesados en profundizar en el aspecto humano del autor. ¿Quién es Germán Díaz y por qué decide dedicarse al difícil mundo de la música?

Germán Díaz: Empecé, como muchos niños, interesándome por la música y devorando todo lo que había por casa, que era, sobre todo por resonancias familiares, música clásica y tradicional. Después empecé a estudiar guitarra y gané algún concurso de canción con el que pude comprarme mi primera zanfona, instrumento que ya había despertado mi curiosidad.

Lo que sigue es lo habitual de todos los músicos… viajes para estudiar, intentar formarse y conocer a otros músicos…

Jesús Mateu Rosselló: Hace unos meses, publicaste mediante tu sello discográfico Producciones Efímeras el disco Método Cardiofónico basado en los ritmos de latidos de corazón grabados por el Doctor Iriarte en los años cuarenta. ¿Cómo descubriste las grabaciones del Doctor Iriarte y cuándo te diste cuenta de que había un proyecto en ello?

Germán Díaz: Las grabaciones me llegaron por mi padre, médico también. Un amigo suyo le dio una de las carpetas originales que editó el doctor Iriarte y mi padre me lo regaló, pues sabe de mi interés y curiosidad por la historia de la fonografía y las grabaciones insólitas…

En cuanto lo escuché por primera vez, en un gramófono, me pareció de una intuición poética asombrosa, y comencé a pensar cómo utilizarlo en directo…

German Diaz_Metodo Cardiofonico

Jesús Mateu Rosselló: ¿Crees que el Dr. Iriarte, cuando realizó aquellas grabaciones, podía intuir que los latidos grabados podrían servir para algo más… es decir, que no solo grabara los latidos para su estudio, sino que el simple hecho de escucharlos, podía evocar un “algo” poético? ¿Eran comunes estos tipos de grabaciones en aquella época o fue un rara avis?

Germán Díaz: Bueno, tuve la fortuna de contactar con uno de los hijos del doctor Iriarte, José Antonio, que desgraciadamente falleció antes de que editásemos el disco, pero me envió, con gran generosidad, material de su padre. Aurora de Ozamiz, mujer de José Antonio, me comentó que el Dr. Iriarte hablaba del parecido de algunos latidos con el zureo de las palomas, así que creo que su sensibilidad también encontró ritmos poéticos en esos latidos anónimos…

Esta grabación es insólita y pionera en su época… hemos de tener en cuenta que el Dr. Iriarte patentó su método en los años 30, y entonces, era difícil y costoso grabar… Había que estampar los discos, después copiarlos, etc…. y grabar unas frecuencias tan graves, no es nada sencillo… de hecho, en el folleto que acompaña la publicación, aparece una foto -que hemos reproducido en el disco-, en donde se ve al Dr. Iriarte grabando a un paciente con un micrófono especial adosado al pecho…

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Jesús Mateu Rosselló: La financiación de Método Cardiofónico ha sido posible gracias a una campaña de crowdfunding. ¿Por qué decides tomar esta decisión y qué conclusiones sacas de la experiencia? Imagino que todo el tiempo que se invierte, es tiempo que se pierde en relación a estudio y composición.

Germán Díaz: La campaña de micro mecenazgo funcionó de maravilla y estoy muy agradecido a todas las personas que participaron. Decidimos financiar el disco de esta manera porque nuestra discográfica es muy pequeña y humilde, y no tiene posibilidad de financiarse de otra manera. Además, para este disco, hicimos una edición especial que supuso un desembolso importante: una tirada limitada de 100 unidades con una xilografía preciosa que hizo Francisco Remiseiro, en una carpeta elaborada a mano por Fernando Fuentes.

El tiempo que me quitó este particular en relación a estudio y composición, fue muy poco… ¡Peor es toda la oficina y burocracia que hay que sufrir para poder conseguir un concierto!

Jesús Mateu Rosselló: Una vez grabado y editado el material, a parte de los conciertos que puedan surgir, ¿se podría decir que Método Cardiofónico es un proyecto acabado?

Germán Díaz: Es un proyecto acabado que me ha llevado unos años pensar y terminar… ahora tenemos otros proyectos en la cabeza, aunque seguimos actuando con el Método Cardiofónico… acabo de llegar de Italia y ahora estoy en Munich durante un mes, y en verano tenemos giras por Francia, Austria, república checa, Alemania… así que es un proyecto que aún podemos rodar por el resto del mundo.

Jesús Mateu Rosselló: Ya que comentas que hay proyectos en marcha, aparte del reciente disco publicado con Oh Trío del que ahora vamos a hablar, ¿qué otros proyectos se están gestando?

Germán Díaz: Tengo en mente uno sobre nubes, que relataría un viaje… aún estoy madurando el argumento… pero quiero además fabricar un instrumento entre mecánico y lira organizzata… en fin… poco más te puedo avanzar… el próximo domingo iré a Viena a trabajar con mi lutier, Weichselbaumer, para empezar a plantear el instrumento…

Y ahora mismo estoy en Villa Waldberta, en una residencia artística de un mes, en Munich, y voy a intentar sacar de nuevo otro proyecto que se me ha ocurrido al llegar aquí… si me sale algo, te lo cuento.

Jesús Mateu Rosselló: Precisamente tenía en mente realizarte algunas preguntas en relación a las nubes, porque aparte de tu proyecto como músico, eres uno de los organizadores de un congreso que este año ha celebrado su segunda edición: el Congreso Internacional de Observadores de Nubes. ¿Puedes explicar que actividades realizáis y con qué fines?

Germán Díaz: El congreso internacional de observadores de nubes, es una reunión interdisciplinar en torno a las nubes… Músicos, antropólogos, meteorólogos, pintores, escritores, fotógrafos, etc… Debaten y presentan trabajos sobre las nubes. El fin último del congreso es conocer mejor aquello que amamos -las nubes en este caso-, porque con conocimiento, se disfruta más intensamente.

El congreso de este año fue muy especial para mí, porque conseguimos, gracias a la generosidad de Francisco Remiseiro y Siña Fernández, fundir una campana con el relieve de una nube de Athanasius Kircher, que se utilizó para ilustrar la relación de las campanas con las nubes -en una conferencia que pronunció Joaquín Díaz-, y para un concierto magnífico que hizo Benxamín Otero con Carlos Quintá.

Jesús Mateu Rosselló: ¿En qué medida puede influir en tu música la observación de nubes? Por lo menos, en tu sello discográfico vemos que cada disco equivale a una nube, además de proyecto que comentas en una respuesta anterior.

Germán Díaz: Las nubes han sido, y serán, fuente de inspiración constante. Y en ese sentido, me gusta observarlas, conocerlas, y emocionarme con su cambiante figura… supongo que la emoción que despiertan, me ayuda a crear algunas de las pequeñas melodías que compongo…

Jesús Mateu Rosselló: Recién estrenado el año 2015, sale al mercado el primer disco del trío del que formas parte junto con Antonio Bravo a la guitarra y Diego Martín a la batería y bendhir, es decir Oh Trío. Cancionero Gallego (Producciones Efímeras, 2015) proyecto del que ya adelantaste información en la entrevista que concediste a Tomajazz allá por el año 2010. ¿Cómo surge el proyecto y cómo ha sido el proceso de adaptar once piezas del cancionero gallego a vuestra formación?

Germán Díaz: El proyecto surge, sin duda, por la amistad que nos une a los tres. Antonio y yo grabamos hace años un disco sobre el cancionero de la guerra civil española, y este nuevo trabajo ha sido una revisión personal de otro cancionero, importante, como es el de Torner y Bal y Gay.

Un amigo me regaló este cancionero, y empezamos a trabajar sobre la selección de todas las melodías y los arreglos para crear el repertorio que ahora se puede escuchar en el CD.

Oh Trio_Cancionero Gallego_Producciones Efimeras_2015

Jesús Mateu Rosselló: Aunque en mi opinión, eres un músico al que no me atrevería a encasillar en ningún estilo, tan siquiera en varios definidos, lo que está claro es que un elemento indispensable en tu música es la improvisación. Por este motivo se podría decir que encajas en según qué proyectos de marcado carácter jazzístico. ¿Cómo conociste el mundo de la improvisación y que te sedujo para que la incorporaras a tu personalidad musical? Precisamente, en Cancionero Gallego, es un elemento indispensable.

Germán Díaz: El mundo de la improvisación lo conocí gracias a músicos con los que he colaborado como Baldo Martínez, Antonio Bravo, etc… La zanfona no es un instrumento muy ágil, por sus particularidades técnicas, y además, es un instrumento modal que responde a una afinación particular sobre un bordón, pero su capacidad tímbrica lo hace muy interesante…

Me gusta la improvisación porque crea un momento único que tiene que ver con la relación personal con cada músico y con la energía particular del lugar en el que tocas.

Jesús Mateu Rosselló: El primer minuto del primer tema de Cancionero Gallego “Mozo Xeitoso” se podría decir que es una introducción que coquetea con la libre improvisación. ¿Puede ser, en un futuro, un paso a seguir en la evolución de tu música?

Germán Díaz: Bueno, hace tiempo, formamos un dúo de libre improvisación con Diego Martín, Marisco Fresco, con el que estuvimos tocando varios años… tal vez ahora mi camino sea otro y me dedique menos a la libre improvisación, aunque el mes que viene tenemos una nueva grabación con Irene Aranda y Lucía Martínez precisamente de libre improvisación….

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Jesús Mateu Rosselló: Hace unos días, asistí a un espectáculo para niños (y no tan niños) de un artista valenciano, Dani Miquel, en el que, para mi sorpresa, interpretó algunas canciones con una zanfona. Al ser tu instrumento de cabecera, o por lo menos con el que te identifico más rápidamente. ¿Crees que hay un desconocimiento generalizado en relación a este instrumento?

Germán Díaz: Es un instrumento no muy conocido, como tantos otros, pero que poco a poco va interesando a más y más gente. Hay muchos jóvenes que tocan muy bien y que se interesan e identifican con este instrumento.

Jesús Mateu Rosselló: Hace dos años, presentabas junto a David J. Herrington proyecto con un instrumento realmente insólito, híbrido entre zanfona y órgano, es decir, la Lira Organizzatta. El Luthier Wolfgang Weichselbaumer, fabricante de cuatro reproducciones, te encargó la composición de nuevo repertorio para el singular instrumento. Imagino que un gran honor para tu persona. ¿Cómo fue aquella experiencia? ¿Habrá referencia discográfica de la música que compusiste y que interpretaste en varios conciertos?

Germán Díaz: Más que encargarme la composición, lo que hizo fue prestarme generosamente el instrumento para que hiciera lo que quisiera. Pensé en David por su sonido especial y su sensibilidad, y comenzamos a trabajar juntos. La verdad es que es un proyecto complicado de mover, por lo delicado del instrumento, y muy exigente para mi, ya que al fin y al cabo, se trata de un nuevo engendro distinto a la zanfona, y no tengo el tiempo necesario para poder estudiarlo todos los días en profundidad…

No sé si habrá referencia discográfica… me gustaría poder trabajar el instrumento unos años y después grabar… ya veremos…

Jesús Mateu Rosselló: Los instrumentos mecánicos, como pueden ser la caja de música o el órgano de barbaria, tienen, en mi opinión, un magnetismo casi hipnótico. Parece una contradicción ya que no hay más que girar una manivela para accionar el instrumento y que reproduzca las notas. Cómo músico que compone para estos instrumentos y que los utiliza en conciertos ¿Cómo se puede explicar, según tu propia experiencia, la fascinación que produce?

Germán Díaz: Bueno, pues como tú muy bien has dicho en la pregunta… como un magnetismo hipnótico… ver una caja que engulle un papel, y toca música, es algo insólito… y ese sonido algo imperfecto de la música mecánica, hace que tenga un encanto especial…

Jesús Mateu Rosselló: Aparte de la inspiración proveniente de los factores que te rodean, que músicos o conjuntos musicales son imprescindibles para el crecimiento musical de Germán Díaz, es decir, aquellos que de alguna manera, forman parte de tu música.

Germán Díaz: Una larga lista, la verdad, casi me resulta complicado enumerar alguno, porque de una forma u otra, de todos aprendo y muchos admiro… compositores como Machaut, Milán, Narváez, Da Milano, Weiss, Conlon Nancarrow, Dvorak…. intérpretes como Tasto Solo, H. Smith, Anouar Brahem, Galliano, Dave Douglas….

Jesús Mateu Rosselló: Bueno, hace escasos días que acaba de fallecer Juan Claudio Cifuentes “Cifu”. Para cualquier aficionado a la música jazz (no necesariamente) supone una pérdida tremenda. ¿Que ha supuesto el Cifu en la carrera de Germán Díaz?

Germán Díaz: Exactamente lo que tú dices en la pregunta. Una pérdida tremenda de un personaje del que tanto aprendimos… Me encantaba escuchar sus programas, y esa forma profesional de hacer radio y compartir sus conocimientos enciclopédicos.

Jesús Mateu Rosselló: Para finalizar, darte las gracias por conceder esta entrevista a Tomajazz. Esperamos que tus más recientes proyectos tengan buen recorrido y que los que están por venir nos emocionen así como lo hacen tus trabajos publicados hasta el momento.

Germán Díaz: Muchas gracias a vosotros, por mantener viva una plataforma cultural en torno al Jazz como es Tomajazz, y mucho ánimo.

Texto: © Jesús Mateu Rosselló, 2015
Fotos © Sera Martín, 2015




Excelente cosecha de jazz andaluz en 2014 (Parte 2ª). Por Jesús Gonzalo

 

Jazz andaluz, ilusión, alegría y perseverancia , con Tete Leal, Ernesto Aurignac, Julián Sánchez, Enrique Oliver y Carlos Cortés

Jazz andaluz, juventud, humor, ilusión y perseverancia . Con Tete Leal (cerebro y músculo  de la AJM, agarrando el contrabajo), Ernesto Aurignac, Julián Sánchez, Enrique Oliver y Carlos Cortés (el de la guitarrita)

 

Seguimos y concluimos este dossier con una segunda parte que intenta completar la visión de un fenómeno que había que detallar tras las publicaciones en disco que aparecieron en 2014, en las que hubo cantidad, calidad y variedad contrastadas. En nuestra anterior entrega hacíamos hincapié en los cambios y expansión de la actividad jazzística que se han producido en Andalucía en los últimos tres años. Como no creemos en las causalidades, ha sido necesario seguir la pista y al hacerlo hemos ido trazando un mapa de escenas, músicos y agentes que lo han hecho posible.

Hablando de escenas, posiblemente sea la de Málaga, que ya se nombró en la primera entrega de este artículo, la de mayor actividad jazzística de toda Andalucía. En el año 2011 se funda la Asociación de Jazz de Málaga (AJM), asociación cultural sin ánimo de lucro. Su actividad se desarrolla a través de la formación, la organización de talleres, seminarios, masterclass, conciertos y festivales.

 

Oferta de conciertos de la AJM para este mes de febrero

Oferta de conciertos de la AJM para este mes de febrero

 

Lo que empezó como un sueño hoy se trata de un proyecto asentado que cuenta con muchos colaboradores. La AJM posee ya una larga lista de socios  que le ha permite poner en marcha el CAMM, Centro de Artes y Música Moderna de Málaga, ofreciendo una formación pionera en Andalucía en el ámbito de la música moderna y el Jazz subrayando, como nos cuenta su impulsor, Tete Leal, la naturaleza de “una actividad absolutamente autogestionada”.

Dos big bands, un conjunto de vientos, un coro gospel, combos de latin, rock, funk,  jazz y swing, y ahora introduciendo formación sobre expresión corporal con yoga y entrenamiento rítmico, conforman su oferta pedagógica para 400 alumnos y que cuenta en su profesorado con nombres destacados del jazz no ya local sino español (como los que aparecen arriba en la foto).

 

La Asociación de Jazz de Málaga compagina actividad formativa con programación en directo estrenando un nuevo Club

La Asociación de Jazz de Málaga compagina actividad formativa con programación en directo estrenando nuevo Club

En la misma provincia, en una localidad que está justo al lado de la capital, se fomenta una oferta intermedia formativa-conciertos nacional-internacional. Se trata del Seminario de Jazz y Música Moderna de Alhaurín de la Torre, que con su inminente edición suma 11 con un formato de concierto-seminario internacional y apoyo presupuestario de su ayuntamiento que también hace posible Portón del jazz, festival de dicha ciudad que cuenta con el apoyo de su ayuntamiento. En el pueblo granadino de Atarfe también se han puesto en marcha con apoyo financiero de su festival de julio.

 

Figura histórica del jazz en directo y dando una master class, Barry Harris pasó por Almería gracias a la Asociación Clasijazz

Figura histórica del jazz en directo y dando una master class, Barry Harris pasó por Almería gracias a la Asociación Clasijazz


 

Acompañada de una clara voluntad didáctica enfocada a pequeños y no tan pequeños, ejemplo para todas las demás, la frenética programación de la Asociación Clasijazz, la más veterana y que más lejos ha llegado en estilos y disciplinas, tiene muy en cuenta la creación andaluza y española y las producciónes propias (ópera, música de cine, big bands, etc) pero también introduce eventos internacionales en formato reducido. Quizá sea la presencia del histórico pianista Barry Harris la más señalada del pasado año.

Huelva JazzYMas

En Huelva se inició en los últimos tres años el ciclo Jazz y Más y también se puso en marcha Jazz en la Higuera. La primera de ellas se postula como la propuesta de una empresa de producción que ya cuenta con apoyos públicos y que reparte su actividad en varias fechas al año y en distintas localidades de la provincia. Por allí han pasado músicos andaluces de la esfera del jazz flamenco, del blues o la canción como Antonio Lizana, Chano Domínguez, Mingo Balaguer, Jorge Pardo o la cantante Vicky Luna. En Punta Umbría, ciudad costera de dicha provincia, se puso en marcha “Festival a orillas del jazz”, que tuvo en su programa a los también andaluces O Sister!, Dorantes y Javier Ortí.

El MusicarioCadiz Festival de jazz

Qultura y el Musicario (impulsada por el músico Pedro Cortejosa) son las dos asociaciones radicadas en Cádiz que han unido fuerzas para que el Festival de Jazz de esa ciudad, que venía haciendo la primera de las dos asociaciones, haya  crecido en  la séptima edición del 2014. Asociación El Musicario, desde Cádiz, la segunda asociación que nació en la ciudad en este tiempo y la que ofrece actividades semanales con apertura a otros estilos musicales además del jazz

El Sherry Jazz Festival fue una de las nuevas iniciativas  centrada en la escena andaluza que se puso en marcha en los dos últimos años.

El Sherry Jazz Festival fue una de las nuevas iniciativas centrada en la escena andaluza que se puso en marcha en los dos últimos años.

En este periodo que intentamos trazar alrededor de la producción que nos ocupa, se recuperaron festivales “durmientes” como el de El Puerto de Santamaría que sirvió para presentar el nuevo cuarteto de Julián Sánchez y el de Sanlúcar de Barrameda, o surgieron propuestas como el Sherry Jazz Festival en Jerez de la Frontera. El contexto aquí era difícil, por presupuesto y por el absoluto dominio cultural que el flamenco sigue ejerciendo en esta ciudad, centro histórico de esta música. La falta de apoyo presupuestario para la segunda edición, por parte del ayuntamiento que lo puso en marcha, frustró su segunda edición.

 

Antonio Lizana, joven valor que aborda nuevas fórmulas en el jazz y flamenco

Nacido en San Fernando, como el Camarón, el joven Antonio Lizana aborda nuevas fórmulas entre jazz y flamenco

 

El cartel, exclusivamente andaluz, congregó nombres como los premiados por la muestra Jazzeñe de Madrid el pasado julio, los jóvenes Antonio Lizana e Irene Aranda, e incluía a también a figuras que se nutren del flamenco como Luis Balaguer, Nono García, Carmelo Muriel, Gautama del Campo y los estimulantes grupos Ruchi Manouchi y el flamenco-soul de Jazzoleá.

 

En este periodo que trazamos se puso en marcha en Granada Ool-Ya-Koo, asociación que tiene su base de operaciones en el Pub Magic

En este periodo que trazamos se puso en marcha en Granada Ool-Ya-Koo, asociación que tiene su base de operaciones en el Pub Magic

 

Como decíamos a modo de introducción en la primera entrega de este dossier, el fenómeno asociativo ha sido fundamental en la creación de la realidad actual. En Granada, que tuvo la escena más pujante de Andalucía a mitad de la década anterior  pero se vio perjudicada por la legislación contra ruidos, se puso en marcha esta Asociación Cultural que favorece intercambios con otras de la región. Su sede de conciertos es el club Magic.

 

Jazzwanted nació con el lema “se busca jazz andaluz” hace ya más de tres años, empujado por la “revolución ” que traían las redes sociales. Su imagen, de un cíclope que amenaza a un batería, pertenece al pintor Jean-Michel Basquiat

Jazzwanted nació con el lema “se busca jazz andaluz” hace ya más de tres años, empujado por la “revolución ” que traían las redes sociales. Su imagen, de un cíclope que amenaza a un batería, pertenece al pintor Jean-Michel Basquiat

 

Las redes sociales han supuesto una valiosa herramienta de propagación, concurrencia y difusión de actividad entre las distintas escenas andaluzas. El grupo de Facebook Jazz wanted nació en mayo de 2011 a raíz de un artículo, que firmó quien éste suscribe, en el que se denunciaba la situación del jazz en la región a través de un hecho sucedido a la Andalucía Big Band de Sevilla. Dicha carta-denuncia se titulaba  Jazz Proscrito  y fue publicada en la revista amiga Cuadernos de jazz. Surgió, pues,  como un compromiso que sirviera de plataforma para difundir los proyectos de los músicos andaluces y facilitar los contactos entre profesionales del sector. También, entre sus objetivos,  está intercambiar información y opiniones y publicar anuncios de la actividad de sus miembros. Más de tres años después, el grupo roza los 400 miembros y se mantiene activo como valioso intercambio de información entre músicos y agentes culturales de la región. y no sabemos si sirve de mucho o poco, pues se hace a voluntad, pero las propuestas publicadas en las redes reciben más “me gusta” que los evento financiados públicamente por organismos. Estadísticas hay.

HARRIS EISENSTADT ANDALUSIAN DAY 2 redes

El compositor y baterísta Harris Eisenstadt llegó a Cádiz y Sevilla hace tres años con un proyecto atrevido. Se trataba de dar réplica a su grupo más reconocido internacionalmente Canada Day (que publica su nuevo disco en unos meses) con músicos andaluces, de ahí que la gira, que se extendió durante cinco días, se llamara los “Andalusian Days” de Harris Eisenstadt. Se formó un quinteto y un trío que pasaron por teatros de varias ciudades, se dio una master class y formaron otros combos en el Naima Jazz Café (ver foto aquí). Entre los músicos convocados en esta aventura, que puso en contacto varias escenas del jazz andaluz y nacional, estuvieron  Pedro Cortejosa, Voro García, Arturo Serra, Jaime Serradilla o Baldo Martínez.

 

Azul y negro para Blue Asteroid Records, sello sevillano promovido por club Naima que recupera el diseño clásico de Blue Note

Ya señalamos en la primera parte que para que haya discos (en el formato que sea) deben haber sellos discográficos que los publiquen y estudios que graben la música. Pese a los tiempos que corren para el sector, en Sevilla se puso en marcha -hará año y medio- Blue Esteroid Records. Con est emargen y no sin esfuerzo lleva publicados cuatro títulos, tres de los cuales recogemos en este espacio (Intrology, del saxofonista  Javier Ortí, sale justo estos días).

La estética que establecíamos con el histórico Blue Note, haciendo una reflexión más pausada, parece ir más allá del diseño gráfico. La línea que marca la selección de Jorge Moreno, miembro fundador del club Naima de Sevilla, se mueve con soltura en los amplios principios estéticos del sello que fundó Alfred Lion en 1939. Entre Horace Silver, Freddie Bubbard y Hank Mobley, entre el disco de Jaime Serradilla a trío de piano y el sexteto de Pedro Cortejosa con guitarra eléctrica, se dan no pocos cauces de expresión en la corriente central del jazz y la sofisticación hacia la música popular que representa la modernidad de Blue Note.

Y en medio de ambos estaría el soberbio trabajo del trompetista Daniel Cano.

DANIEL CANO

 

 

 

 

 

 

DON`T TOUCH THE BLUE

DANIEL CANO QUINTET

Daniel Cano (trompeta), Pedro Cortejosa (saxo tenor), Wilfred Wilde (guitarra), Paco Charlin (contrabajo), Jesús Pazos (batería). Blue Asteroid Records

Conocí a Daniel Cano la misma tarde que se subió a tocar con Harris Eisenstadt en el café jazz Naima. Luego me diría el baterista que le gustó cómo tocaba, también lo dijo de Jaime Serradilla, con quien se entendió muy bien. El trompetista afincando en Sevilla, asiduo de clubes londinenses,  colaborador del grupo O sister! y del guitarrista Carlos Bermudo, antiguo miembro del sexteto de los Lakuntza Brothers, ofrece un trabajo rotundo en el que densidad de ideas y claridad en la exposición hacen posible jazz de muchos quilates.

Si en la primera parte ya habíamos trazado un mapa de sonidos lo suficientemente amplio y diverso, en esta segunda, con dos títulos de este mismo sello, nos acercaremos a un jazz perfectamente pertrechado en su lenguaje propio, en su tradición y su apertura. En algún punto fértil entre los años 50 del hard bop y la sofisticación fluida de mediados de los 60 en Blue Note, entre el Miles de y Tom Harrell habría que situar estilisticamente, y en el presente, esta música. El arrebatador inicio tiempos rápidos de bob y cruce de solos de Sin Trom dan paso a Changes, estupenda y moderna pieza de construcción aditiva y creciente en intensidad. El fraseo alargado y en unísonos de saxo y trompeta en el inicio de Plutón,  la pegada groove de Jesús Pazos con la guitarra funky de Wilfred Wilde y el volumen fibroso del bajo de Paco Charlin en ¿Tu siempre tienes que ser el mismo? y también en Plutón, mientras los metales dibujan líneas en suspensión, el soberbio solo de trompeta en el blues que titula el disco, la versión elusiva y hermosa de Chelsea Bridge que endereza Cortejosa con su solo y continua Cano con su entrada, un Monk distraído en la contagiosa y compleja la vez Buenordías, sonidos envolventes en y funky con especias melódicas mexicanas que sugieren, en cuarteto sin guitarra, el emparejamiento de Dave Douglas y John Zorn en Masada... el color del empaste conseguido, los tonos azulados (!que no los toquen!) contorneándose a  ritmo de funky… uno tras otro detalles de sobrado buen gusto y talento.

Jazz gozoso y sin aditivos extras, un sugestivo y sólido viaje por la memoria viva de la mejor Blue Note.

dani cano

 

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CRISIS
MEMORIA UNO
 
1. Conducción #4  13:15
2. Conducción #5  09:34

3. Conducción #8  12:28

Ivo Sans, Carlos Falanga (batería), Marc Cuevas, Alex Reviriego, Johannes Nästesjö, Nicola Lancerotti (contrabajo), Marco Mezquida (piano), Julián Sánchez, Pol Padrós, Alvar Monfort (trompeta), Darío García (trombón bajo), Aram Montagut (trombón tenor), Amaiur González (tuba), Marcel.lí Bayer (saxo alto y clarinete bajo), El Pricto (saxo alto y clarinete), Sergi Felipe, Tom Chant, Gonzalo Levin (saxos tenor y soprano), Joan Mas (saxo barítono), Luiz Rocha, Pau Domenech (clarinete bajo), Valentin Murillo, Juan Saez, Gerard Marsal (flauta), Alfonso Fernández (fagot), Joäo Silva, Gessamí Martín, Stefan Pöntinen, Javier Lecha, Alba Navarro, Violina Pauleta (violín)Alicia Dominguez, Miriam Fernández, Fina Izquierdo (viola), Jordi Claret, Margarida Mariño, Sandrine Robillard, Pilar Rueda, Ana Karent (cello)
 
Conducción: Iván González ( 1,2,3), Albert Cirera (2). Grabado en directo el 18 de junio de 2014 en el Ateneo Barcelonés. Portada realizada por Ivo Sans
La improvisación libre nace a medidos de los años 60 y se impulsa en los 70 canalizando actitudes estéticas que aunque tenían sus cimientos en las expresiones más avanzadas del free jazz, la música contemporánea y otras disciplinas plásticas (Fluxus/Cage) como la danza, el arte de acción y estilos musicales como el rock. El fluir de la creación convenientemente canalizado llegó con las conductions de Lawrence ‘Butch’ Morris.  Escuchar al maestro que nos dejó hace dos años (29 de enero) es la mejor manera de ubicar esta obra del trompetista malagueño, pues fue él el que dio forma a este sistema que se desarrolla sobre forma y estructura. Tres piezas, composiciones en tiempo real como proceso instantáneo, son las piezas que definen Crisis.

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¡¡Atención!!…uno, dos, tres… “Crisis”. El malagueño Ivan González y sus gestos de conducción orquestal instantánea en el proyecto colectivo Memoria Uno, desde Barcelona.

Llama la atención la cantidad de cuerdas (violín, violas y chelos) que hay en este grupo, cuestión que condiciona el resultado y apunta modos que lo acercan al lenguaje contemporáneo basado en “masas o nubes” de sonido (Ligeti). El segundo factor que se aprecia a primera vista en esta plantilla que busca equilibrios de color y potencia es la aparición de metales y maderas de registro bajo (trombones y clarinetes bajos), que proporcionan volumen, cuerpo y empuje.
Ivan González,  que además es miembro de la Free Art Ensemble, estimulante contenedor de escenas como la barcelonesa y la andaluza que se ha visto reforzada por su colaboración con Agustí Fernández (autor de las líneas que incluye el disco), parte de un concepto integrador y expansivo. Moldea la creación colectiva como un escultor perfila el bronce, como un pintor elige los colores y los tonos. El resultado, que evita los trazos figurativos para jugar con las texturas, es conmovedor, desestabilizador y hermoso. Como un cuadro de Jackson Pollock el ruido inteligente y el fenómeno orgánico están hechos de precisión, azar e intuición en los gestos personales y colectivos.
Efusivo pero también medido sin leer papel, es “Crisis”, como indica Fernández aludiendo al  origen etimológico de la palabra en chino, un principio de acción que nos conecta con la más moderna creación de nuestros días, aquélla que sintetiza corrientes de la música contemporánea y de la improvisada componiendo en tiempo real.

 

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 J. VINUESA & THE MONKEYS CO.

STANDARDS DEES 

Paul Stocker (saxo alto #3 – #4),  Eric Sánchez (trompeta y flugelhorn) , Juan F.G. Vinuesa (tenor y alto saxos),  Vania Cuenca (contrabajo y flugelhorn bajo),  José Sarrión (batería y percusión), Sergio Díaz(batería), Miguel Pimentel (contrabajo),  José Ignacio Hernández (piano), Juan Sánchez (percusión). Clamshell Records

Le cuento que voy a hacer este dossier y que cuento con su disco. Me dice que no es andaluz. Le contesto que eso no importa, si estás rodeado de músicos granadinos…Con lo que tira Granada…Allí se concibió este trabajo, el único de todos los elegidos basado en standards. Juan Vinuesa es músico de jazz e investigador del área de música contemporánea del Departamento de Música de la Universidad de Granada, donde desarrolló investigaciones en la especialidad de jazz en la segunda mitad del siglo XX. Es en este periodo donde establece su conexiones con la escena local de la ciudad de la Alhambra, que recoge aquí algunos de sus mejores músicos. ¿Entonces de dónde eres, Juan? De Albacete, contesta. Ya está, pienso, igual que el sello Clamshell, una de las noticias más estimulantes del panorama discográfico nacional de los últimos años. Se antoja “especial” esta propuesta en un catalogo dedicado a la improvisación libre…pero esto es jazz jazz, de Sonny Rollins hasta Coltrane, pasando por Monk o Dizzy Gillespie, como en el dicho, del cuerno al rabo todo es jazz aquí..

Desde Granada con amor y swing, siendo de Albacete, esta es la banda con la que el saxofnista Juan Vinuesa recupera y renueva la memoria viva de grandes clásicos de la modernidad

Desde Granada con amor y swing, siendo de Albacete, esta es la banda con la que el saxofnista Juan Vinuesa recupera y renueva la memoria viva de grandes clásicos de la modernidad

Para mí la grabación es una continuidad a mi primer disco de 2007 (junto con Vicente Espí a la batería  y Julio Fuster y Amadeu Adell al contrabajo), y al mismo tiempo un punto y aparte en mi actividad jazzística desde que volví de Copenague y a mi paso por Valencia”. Claro que con una formación tan generosa y expresiva (Paul Stocker es irrenunciable) como The Monkeys Co., la cosa cambia. “Desde que me volví de Granada trabajo con dos secciones de ritmo distintas, una andaluza y otra manchega. Siempre intento tocar con contrabajistas y baterías que se entiendan, en parejas, en este caso Vania Cuenca y José sarrión (en la sección manchega) y Sergio Díaz y Miguel Pimentel (en la andaluza).

Vinuesa ha escrito unos arreglos que dan impulso renovado a estos clásicos, una lista que sólo con verla ya suscita curiosidad y asombro. En resumidas cuentas, esta lectura de standards, que se sitúan entre los años 50 y principios de los 60 y que abarca un arco que va de Duke Ellington a Ornette Coleman, dan una idea del trabajo que había que hacer. “El disco es una jam de tres días grabada en tomas completas de directo y enlatada con metodologías de los sesenta en cuanto a tomas, medios y sonido “. La frescura, el empuje y la decisión con la que se expresan los músicos, la energía final de estas versiones, diría que tienen en la escritura y la presencia de Sotocker un regusto final de Mingus y la escuela holandesa, es decir, algo muy potente y sugestivo.

Un disco que se escucha una y otra vez y que no sólo te reconcilia con el pasado, sino con el momento.

 

VERDEO

LUIS BALAGUER VERDEO QUINTETO
Luis Balaguer (guitarra española), Pedro Cortejosa (saxos tenor y soprano), Arturo Serra (vibráfono), Jose López (contrabajo), David León (batería y percusión) New Step Records, 2014

Si hay algo característico que ha construido en Verdeo (New Step Records, 2014) este artesano exquisito, meticuloso y tranquilo que es Balaguer es precisamente el juego cromático. Con una combinación instrumental única en el panorama nacional (que me corrijan si me equivoco), uniendo el sonido de su guitarra española a un vibráfono, lo que desprende este formato es un singular juego cromático que acentúa y se recrea en la belleza serena y marina que emana de estas composiciones originales.

 El Verdeo Quinteto, con Luis Balaguer, David León, José López, Pedro Cortejosa  y Arturo Serra, durante las sesiones de grabación en Granada. Frío con risas

El Verdeo Quinteto, con Luis Balaguer, David León, José López, Pedro Cortejosa  y Arturo Serra, durante las sesiones de grabación en Granada. Frío con risas

Composiciones que son instrumentales, pero podrían ser canciones, bastaría con que alguien las tarareara. Sin caer en un falso lirismo, el carácter melódico de sus temas tampoco deja huella al tópico jazz-flamenco o a la acaricia fácil. Sus títulos hablan por sí mismos… “Las Golondrinas”, “Jilguero”, “La Buena sombra”, “Velo de Lágrimas”, “Miramar”… palabras que son una confesión sobre el existir, postales de la cercanía o de aquellos veranos de la infancia en Cádiz…

Un palpitar sin prisas, una simple observancia del paso del tiempo fijada a un recuerdo o a una imagen, en la música de Verdeo hay elemento evocativo que convierte en  respiraciones a los instrumentos cuando éstos se acercan a la orilla del mar (“Miramar”)… Los músicos no son músicos, son elementos de la naturaleza, como en la música de la India…

 

PEDRO CORTEJOSA OCHO CD COVER 001

 

 

 

 

 

 

OCHO 

Pedro Cortejosa (saxos), Carlos Pino (guitarra), Juan Galiardo (piano y teclados), Paco Perera (contrabajo), David León (batería y percusión). Blue Asteroid Records-CMC

Conceder la relevancia a Pedro Cortejosa en todo lo que ha sucedido en el jazz andaluz este tiempo -y ya antes, cuando todo estaba más atomizado- es hacer justicia. Cuenten si no las veces que aparece su nombre en estas líneas. Pero por encima de esa presencia focalizada en distintos proyectos, acaso sea su personalidad creativa, inquieta, insaciable, lo que hace de él una figura fundamental y le coloca, pese a su veteranía, en la cabeza de las ideas más nutritivas. Comentamos este trabajo y ya tiene dos mezclándose, uno a dúo de improvisación electroacística con David léon y otro en quinteto que se llamará 12 días, “otro experimento sin pretensiones de ser disco” que fue tomando forma casi sin querer: se marcó como objetivo escribir una composición o al menos unas anotaciones basadas en su actitud emocional de ese día. Cuando se completó el número surgió la idea de grabarlo en un solo día y sin ensayos. “Y puede que sea mis trabajo más maduro”, apunta.

Incluso para los que creemos saber de lo que es capaz, basta los primeros compases de este disco para desmoronar cualquier pretensión preconcebida del sonido. “Ocho” es un trabajo exquisito. Y cuando se usa este adjetivo se hace con todas las consecuencias. Es jazz y no es jazz. Es refinación, diría que por encima de todo es destilación de sus trabajos previos y al mismo tiempo un paso más. Lo que más me gusta de esta música es el cuidado por el detalle, el color instrumental que ha conseguido y esas cadencias envolventes y sugestivas. Y luego, además de ese elemento formal, está la construcción de un estilo. Por eso decíamos en la introducción sobre el sello Blue Esteroid que había conexiones – o mejor filtraciones- del sonido Blue Note.

Foto con Ocho

El grupo de Pedro Cortejosa en “OCHO” con Paco Perera, David León, Jorge Moreno (responsable del sello Blue Asteroid Records), Pedro Cortejosa, Carlos Pino y Juan Galiardo

Para llegar hasta aquí, haciendo un poco esa labor que nos obliga una profesión hecha también con microscopio más que telescopio, el saxofonista gaditano ha tenido experiencias previas que diría le han conducido, igual de manera puramente intuitiva, a la construcción de este interesante sonido.  Entre el cuarteto acústico y el trío eléctrico de saxo en Simetrías, el músico recupera el formato de quinteto con saxo y guitarra. El esclarecedor título Song Book Trío, en el citado Simetrías, no sólo fue el inicio de una fructífera alianza que sigue en Corleone con el versátil, imaginativo y musculoso baterista y percusionista ceutí David León, también significó en las melodías un mensaje de canción y en el sonido una búsqueda por la hibridación acústica y eléctrica. Dos conceptos que aquí se presentan de manera más naturalizada y suave en el emparejamiento de Juan Galiardo y Carlos Pino reforzado por  el sutil trabajo de Paco Perera.

Los números son más que números, esconden relaciones no visibles y cierta simbología mágica…”OCHO” empieza y termina en “o”…Otra Simetría colgada de un amuleto que inspiró con sus agujeros ondulantes al cruzarse esta visión. “OCHO”, una síntesis y un paso nuevo del mejor Cortejosa en el valioso Trivio. Pasajes de refinación y gusto. Blues, jazz y pop mezclados en sus justa medida.

Gira de presentación de “OCHO” por Andalucía

Portada de “UNO”, en el pie de imagen la ilustre nómina de colaboradres

Portada de “UNO”, en el pie de imagen la ilustre nómina de colaboradres


 

 

 

 

 

 

 

 
 UNO

Ernesto Aurignac Orchestra

Ernesto Aurignac (saxo alto, composiciones y dirección), Perico Sambeat (saxo soprano y alto), Enrique Oliver (saxo tenor), Julián Sánchez (trompeta y fliscorno), Toni Belenguer (trombón), Fernando Brox (flauta), Maripepa Contreras (oboe y corno inglés), Pau Domenech (clarinete bajo), Lorena Fernández (trompa), Javier Cámara (trompa), Martín Meléndez (chelo), Tiziana Tagiani (arpa), Jaume Llombart (guitarra), José Carra (piano y Fender Rhodes), Dee jay Foster (contrabajo), Ramon Prats (batería), Carlos Cortés Bustamante (percusión), Gerardo Núñez (guitarra flamenca), Carme Canela (voz).

Círculo de UNIDAD…Grabación de “UNO” el verano pasado en Barcelona

Monumental trabajo para gran formato y secciones que incluyen a maestros tan indiscutibles como Perico Sambeat, Jorge Pardo, Carme Canela, Gerardo Núñez y  Carles Benavent con otros que se abren paso como Julián Sánchez, Ramón Prats, Dee Jay Foster, Jose Carra, Enrique Oliver, Carlos Cortés o Jaume Llompart. Un contexto orquestal en el que caben vientos de metal como trompa o de cuerda como cello y arpa, además de percusión afrolatina.

El proyecto es sumamente ambicioso, tanto en lo musical como en la producción,  como imaginan viendo esos nombres… A primera vista, centrándonos en el grupo instrumental, el empaste que se pretende conseguir resulta interesante. La combinación de un conjunto de medio formato de jazz (base rítmica con piano y guitarra eléctrica, percusión, tres saxofones, trombón y trompeta) al añadir tres trompas, oboe, clarinete bajo, chelo y arpa es enormemente expresiva si se le saca provecho.

Los estilos que definen este proyecto, desmintiendo al título, no son “uno” ni es sólo jazz, son múltiplos de sí mismos de ahí el enfoque de orquesta mixta que contiene elementos tan distantes como percusión afrolatina y arpa, que puede sonar a Coltrane, a Stravinsky, a Mancini, a bolero o a bebop. UNO, dice su autor, tiene la intención de que “ninguna parte, ningún miembro de este organismo prevalezca o fuera más importante que otros”.

Por fin Aurignac tuvo su premio al llenar el Teatro Cervantes de su ciudad el pasado 4 de noviembre con este gran proyecto. En estos días se publica el DVD de dicho concierto.

Sesión de grabación de UNO, dirección a cargo de Julián Sánchez

Sesión de grabación de UNO, dirección a cargo de Julián Sánchez

© Jesús Gonzalo, 2015