INSTANTZZ: Peter Brötzmann – Heather Leigh (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Galería fotográfica]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 29 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Centro Cultural Conde Duque (Madrid)
  • Grupo:
    Peter Brötzmann – Heather Leigh
    Peter Brötzmann (saxos, clarinete)
    Heather Leigh (lap steel)

Tomajazz.
Fotografías © Enrique Farelo, 2019




Moisés P. Sánchez Project – There´s Always Madness (JazzMadrid’19) [Concierto]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid’19

  • Fecha: 30 de noviembre de 2019
  • Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)
  • Grupo:
    Moisés P. Sánchez Project
    Moisés P. Sánchez: piano
    Toño Miguel: contrabajo
    Borja Barrueta: batería y lap-steel
    Cristina Mora: voz y teclado
    Miron Rafajlovic: trompeta, fiscorno, guitarra y percusión

Cuando te enfrentas a un pianista, más que eso, a un músico de la talla Moisés P. Sánchez se aglutinan las preguntas en el cerebro que apuntan a si será un artista camaleónico y caleidoscópico que transmuta más allá del jazz.

Y es que su música está cargada de múltiples influencias, tan extensas que resulta difícil de asimilar que ensamblen con tanta naturalidad y fluyan con tan aparente facilidad.

Moisés P. Sánchez Project abarca una paleta multicolor que va desde la obra de Chick Corea, Return to Forever (ECM Records 1972), pasando por grupos Canterbury como National Health (Amanda Parsons) o la orquestaciones de Renaissance. No queda ahí la riqueza que el quinteto aglutina; Azimuth con Norma Winstone, Flora Purim o Julie Driscoll son influencias de Cristina Mora. Una vocalista de excelente nivel y voz cálida e intimista que se suma al grupo como un instrumento más, no dudando en utilizar técnicas vocales como el vocalise o el scat (en menor medida) así como el canto como tal, al menos en una de las piezas.

Como pianista, Moisés P. Sánchez, alcanza la excelencia camaleónica vistiendo el piano de arpa y otras en instrumento de percusión, apoyándose en grandes del teclado como Chick Corea, Keith Jarrett o Bill Evans. Sus composiciones son precisas y coloristas con arreglos propios de una orquesta sinfónica que se transforman en pequeños himnos a la que contribuyen Cristina Mora y sobre todo la trompeta de Miron Rafajlovic.

El quinteto funcionó como lo haría una montaña rusa con subidas y bajadas, con intimismo y  ardiente pasión que te mantienen en alerta sin caer ni en la repetición ni en el hastío a todo aquel que acerca su música al oído. Imaginación y arreglos sinfónicos para el quinteto y jazz swing para un trío de vanguardia sin perder un ápice de tradición ni virtuosismo con Moisés P. Sánchez, Toño Miguel y Borja Barrueta funcionando como una máquina que empasta y ensambla con  perfección y solidez a velocidad sideral.

“El romanticismo lírico en un rincón de tu corazón”, bien podría ser la frase que defina la sensibilidad que exhibe el proyecto de Moisés P. Sánchez. Música emotiva, poética y lírica de sentimiento profundo y profuso que cala hondo hasta la extenuación y que llega al corazón tanto como al cerebro haciendo las delicias de todos los que se acercaron a degustar su música.

There’s always madness es su último álbum y es el que presentó en sociedad en estreno absoluto. Un disco que nadie había escuchado previamente pero que si se parece en algo a lo mostrado en el concierto podemos afirmar sin error a equivocarnos que estamos ante uno de los discos más destacados del año en España y me atrevería a decir a nivel internacional.

Un una pieza a piano solo de Moisés P. Sánchez (a modo de concertista clásico) como extra del concierto sirvió de broche final a una velada inolvidable y uno de los mejores conciertos del JazzMadrid19.

Bendita locura la tuya Moisés P. Sánchez.

Texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019




Peter Brötzmann & Heather Leigh (JazzMadrid’19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Concierto]

Por Coolcat y Roberto García.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 29 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Centro Cultural Conde Duque (Madrid)
  • Grupo:
    Peter Brötzmann & Heather Leigh
    Peter Brötzmann (saxos, clarinete)
    Heather Leigh (lap steel)

Peter Brötzmann: flores en la trinchera

La grandeza del músico de jazz reside en multitud de factores. Claro está, las aptitudes con el instrumento. Pero no menos importante es la iniciativa del trabajo en equipo. En este caso, del apoyo en el resto de la banda. Miles Davis tal vez no fuese el mejor trompetista. Los críticos no le perdonan que no se atreviese alguna vez con el clásico “Cherokee”. Sin embargo, fue único como intelectual de grupo a la hora de concebir bandas y apuestas. Unido al afán de experimentación, siempre es importante colaborar con intérpretes que inciten al desafío. Y al contraste.

Peter Brötzmann, coloso de la vieja Europa, es conocedor y maestro de la técnica. Es el segundo nombre propio más relevante tras Hancock del Festival Internacional de Jazz de Madrid. Así, brindó un soberbio ejemplo en el Centro Cultural Conde Duque. Junto a él Heather Leigh, fiel escudera y maestra del lap steel. La colaboración se remonta a un par de años y varios discos. El aleman congregó a un auditorio sobrecogido. Aguantó la respiración durante el recital con el orgullo y devoción de las grandes citas. La fama le precede al más importante de los músicos de la libre improvisación.

Desde las primeras notas se mostró una propuesta musical rompedora e interesante. Con una austera puesta en escena, las capas sónicas del lap steel comenzaron a sobreponerse. Llegaron aromas de bandas drone como Sunn O))) o Merzbow. Brötzmann, por su parte, aguardaba temeroso. Clarinete en mano, procedió a emitir sus carácteristicos aullidos. “This Word Love”, del disco Sparrow Nights, invocaba terrores nocturnos. Recordó de forma impasible el afilado tono que le caracteriza. Un cuchillo afilado que acarició las gargantas de los presentes, atónitos y sin asiento.

El repertorio pivotó sin mayor dilación. Temas como “This Time Around” o “It’s Almost Dark” cautivaron a un centro Conde Duque inmerso en tinieblas. Brötzmann y Leigh dieron cuenta de la maestría notoria. El alemán alternó saxofones alto, tenor y clarinete con facilidad pasmosa. La de Virginia, por su parte, jugó con distorsiones que rozaron lo onírico. Paisajes desolados con especial regocijo en la disonancia. El público correspondió con aplausos entre composiciones. Fue el único descanso ante el mantra de la invocación. Los protagonistas no interactuaron con los congregados. Ni falta que hizo.

Brötzmann y Leigh deleitaron con un único bis. Se trató de “Summer Rain”, la cual pasaría como sencillo radiable. Con ello, la lección de un músico incombustible sin límite desde finales de los años sesenta. Una voz en ese desierto de trincheras del Free Jazz europeo. Quiso cerrar JazzMadrid 2019 con una muestra que aunó experiencia y ortodoxia. El saxofonista recordó que es único a la hora de establecer colaboraciones artísticas. Se une así Leigh a un elenco que incluye a artistas como Evan Parker o Derek Bailey. Finalizó el concierto y, con ello, la última ofrenda antes de la siguiente edición. Quedará el jazz.

Tomajazz.
Texto: © Coolcat, 2019
Fotografías © Roberto García, 2019




Maher Beauroy presenta Washa! (JazzMadrid19) [Concierto]

Por Enrique Farelo.

JazzMadrid19

  • Fecha: 28 de noviembre de 2019
  • Lugar: Instituto francés (Madrid)
  • Grupo:
    Maher Beauroy presenta Washa!
    Maher Beauroy: piano y voz
    Michel Alibo: bajo
    Alix Goffic: batería
    Robin Antunes: violín

Presentación en Madrid del álbum de debut del pianista de Martinica, Maher Beauroy que lleva por título, Washa! (Declic Jazz 2019).

Maher Beauroy es un desconocido en España tanto para el público como para los críticos. Sin embargo, le avalan sus estudios cursados en el Conservatorio Maurice Ravel, en La Sorbona y en el Berklee College of Music de Boston entre otros, además de venir apadrinado por músicos del prestigio del saxofonista neoyorquino Jacques Schwarz-Bart.

Nada más comenzar lo primero que se me vino a la memoria es una obra grabada por la cantaora flamenca Ginesa Ortega y que lleva por título Siento Oscuriá; “oscuriá” que fue una tónica general a lo largo de toda la velada por mor de la luminotecnia. Cuatro músicos en el escenario oscurecidos por la luz y el que más Maher Beauroy, líder del cuarteto.

¡Lástima que el aficionado no pudiera ver tocar a los músicos como hubieran merecido!

La presentación de Washa! supuso tocar la casi totalidad de los temas que componen el disco, además de la festiva y positiva (no incluida en el disco) “C’est bien ça?” con la que se dio por finalizado el concierto con gran participación del numeroso público que arengó y cantó dicha canción con algarabía y entusiasmo.

Con los acordes al piano de Maher Beauroy echó a andar “Enough” una pieza de marcado carácter bop con destacado protagonismo del propio pianista martinicano; con “Not A Second To Lose” continuó brillando el teclado con el acompañamiento del apacible, sensible y sutil, pero intenso violín de Robin Antunes que rememoró con su manera de tocar a los grandes del violín en Francia (Ponty o Grappelli); además de la pasión y energía que aportaron Alix Goffic a los platos y Michel Alibo al bajo eléctrico.

En “Divin Miracle”, Maher Beauroy mostró su lado más poético frente la activa batería de Alix Goffic en una interactuación entre ambos realmente destacada, algo que tuvo su continuidad con “An Lot Soley”, pero con mayor presencia del violinista Robin Antunes.

La pieza vocal vino representada por “La Sirène”, una canción cantada en francés por Maher Beauroy que se acompañó también al piano y que sirvió como video promocional de Washa!, y donde destacó el solo de bajo de eléctrico del que fuera miembro del grupo de fusión Sixun, Michel Alibo. Una canción romántica y tierna cantada con el alma que hizo del concierto una de los momentos de mayor impacto emocional.

En resumidas cuentas un concierto que disfrutaron todos los que llenaron la sala del instituto francés apreciando las diversas influencias de un músico como Maher Beauroy que van desde el bop a la música académica o la Word Music.

Texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019




John Scofield – Jon Cleary (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Concierto]

Por Coolcat.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 22 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Sala Galileo Galilei (Madrid)
  • Grupo:
    John Scofield – Jon Cleary
    John Scofield (guitarra)
    Jon Cleary (piano, voz)

Fotografía promocional

John Scofield: jubilación dorada

La fórmula del músico discurre por una fina línea. Una importante disquisición. El sempiterno dilema de contentar al público o a uno mismo. Sólo las grandes leyendas del género han podido cabalgar esta dicotomía con cierta dignidad. Es el caso del reputado guitarrista John Scofield, asiduo al Festival Internacional de Jazz de Madrid. Defiende en la sala Galileo Galilei un interesante dúo junto al pianista Jon Cleary. Un sentido homenaje a los clásicos de juventud. Constituye un paradigma de absoluta comunión. La jubilación dorada que muchos desearían más allá del Olimpo del jazz.

La propuesta quiere recordar en todo momento aromas del pasado siglo. Influye la disposición del templo madrileño. También la sobria composición del escenario. Piano de cola y guitarra. Con dos pases de suficiente hora y cuarto, aparecen en escena los artífices de la velada. Jon Cleary luce con cierto orgullo el estandarte del neoyorquino estereotipado. Scofield derrocha sobriedad y espera ceder protagonismo al instrumento. La colaboración de ambos intérpretes se remonta al disco Piety Street de 2009. La excusa son clásicos de rhythm and blues, boogie y el gospel más purista de Nueva Orleans.

Comienza el lleno de las 19:30 con “I’ve Got Jesus and That’s Enough”, apertura del mencionado disco. Embriaga la claridad del lenguaje. Cleary apuntala ortodoxos fraseos al piano mientras recita el salmo firmado por Dorothy Love Coates. Scofield comanda el ritmo. En sus caras se intuyen placer y responsabilidad por igual. Queda lejos la ampulosa versión del estudio. Impera la desnudez y la redención al Dios del blues. Los solos del guitarrista, carne de pentatónicas mayor y menor, arrancan los primeros aplausos de la sala. No ha hecho más que empezar.

Los nombres propios se suceden en el repertorio. El espíritu de Fats Domino sube al escenario previos primeros agradecimientos. Suena “Let the Good Times Roll”, otro himno del sur. El pianista baja el tempo hasta alcanzar cotas cercanas al ska. Su voz pide por momentos jarabe de cigarrillo del doctor Tom Waits. El respetable se deleita con palmas y silbidos. No obstante, la atracción para todos es Scofield, Cleary incluido. Sus acordes tienen el ímpetu del aficionado que delira por Jimi Hendrix. La tibieza del carné de jazz se disipa conforme avanza el espectáculo.

Es el turno de “Fever” esta vez, popularizada por Peggy Lee. Los acordes de inicio invitan a la sensualidad nocturna. La sala Galileo viste toques de incienso de Mardi Gras. Es de agradecer la disparidad más allá de Piety Street. El binomio acierta al buscar el reconocimiento de los presentes con temas más conocidos. Asimismo, no hay riesgo a la vacuidad al atacar canciones de orquesta por parte de Cleary y Scofield. El guitarrista no deja de deshacerse en halagos hacia su compañero. No en vano, él sólo suena a toda una banda.

Little Willie John brinda gran número de vítores esta noche. Dos de sus éxitos, “My Baby’s in Love with Another Guy” y “Talk to Me, Talk to Me” tuvieron su hueco. El segundo como broche final. “Stardust” es el único contrapunto a la clase maestra de boogie. La preciosa balada luce algunos de los punteos más vanguardistas de Scofield. Tras el bis, el guitarrista abre su corazón a Madrid un año más bajo los focos encendidos. Demuestra la solvencia y versatilidad que lo caracterizan. Un guiño por parte de Scofield a JazzMadrid 2019, uno de sus mayores devotos. Todo un retiro dorado de un músico que ha conseguido pasarse el juego del jazz.

Tomajazz.
Texto: © Coolcat, 2019
Fotografías © Promocional, 2019




Joe Lovano Tapestry Trio (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Concierto]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 14 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)
  • Grupo:
    Joe Lovano (saxos tenor, soprano, clarinete y percusiones)
    Marilyn Crispell (piano)
    Carmen Castaldi (batería)

La música del Tapestry Trio surge del otro lado, quizás del “West of the Moon”, pieza con la que empezaron los primeros sonidos íntimos y poéticos del concierto de tres auténticos magos cargados de expresividad sonora. El grupo presentaba su nuevo disco editado por el sello ECM.

A modo de triángulo mágico, cada miembro del grupo aporta una parte de un tejido de notas que atrapan y nos trasladan mentalmente. Porque Lovano, Crispell y Castaldi son unos tejedores de sonidos que, en hora y media, crean un tapiz (tapestry en inglés) lleno de conceptos, muchos matices y claroscuros. Son artesanos de la improvisación en una pieza titulada “Tarrassa”, un bonito detalle referencia a la ciudad catalana y su festival, o en “Seeds of Change”, donde se respira una agradable serenidad que a veces raya en el minimalismo.

En “Rare Beauty” el batería muestra su finura y capacidad de acentuar el saxo y el piano. Aquí Joe Lovano muestra su faceta más cool, mientras Crispell contraataca al piano. En “One Time In” la música se vuelve reflexiva con un dueto de saxo y percusiones a cargo del propio Lovano con gongs incluidos. La música no puede ser más introspectiva con el saxo de Lovano sonando con una limpieza cristalina.

La pieza “Piano/Drum Episode” presenta un desarrollo con una Marilyn Crispell de aires debusyanos muy minimalista tal y como nos tiene acostumbrados; con “Mystic” sigue en la misma línea a cargo de Joe Lovano en un tema donde lo importante no es la fortaleza sino la suavidad y la delicadeza con que se ejecuta. Lo contrario que “The Smiling Dog”, en donde el trío se desata y las improvisaciones se proyectan sin solución de continuidad. Los fraseos de Lovano se hacen aquí más intensos y la pianista se encarga de remarcar las secuencias con percusiones de teclados.

Con una gran improvisación al clarinete en “Garden of Expression”, el concierto fue entrando en su punto culminante, al que siguieron dos nuevos temas para finalizar. El último “Sparkle Lights”, de nuevo la música muestra la sobriedad que destila durante todo el recital.

Un concierto lleno de riquezas sonoras y recovecos. Una auténtica delicatessen sólo apta para grandes paladares.

Tomajazz.
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019

P.S. En la reseña hay una buena colección de fotos. Enrique Farelo tenía unas cuantas más de Joe Lovano tocando el clarinete, saxo soprano y tenor:

 




Lucía Rey – Láser Kids: Conciertos Residencias de Jazz (JazzMadrid19. 27 y 30 de noviembre de 2019) [Noticias]

Por Redacción.

El 27 y 30 de noviembre de 2019 tendrán lugar en Conde Duque los conciertos de la convocatoria de la doble residencia musical en Conde Duque del pasado mes de julio de 2019.

Los proyectos seleccionados actuarán dentro de la programación de JazzMadrid 19. La pianista Lucía Rey lo hará el 27 de noviembre acompañada por Ander García y Shayan Fathi. El grupo Láser Kids (Álvaro del Valle, Mario Fierro, Javier Pérez, Rodrigo Ballesteros), actuará el 30 de noviembre. Ambos conciertos tendrán lugar en el Auditorio Conde Duque, a las 20:30, con un precio de 5 euros.

Más información en https://www.condeduquemadrid.es/actividades/concierto-lucia-rey / https://www.condeduquemadrid.es/actividades/laser-kids




Charles Tolliver presenting Paper Man (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid, Centro Centro, Madrid) [Concierto]

Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

  • Fecha: 7 de noviembre de 2019.
  • Lugar: Sala Centro Centro. Madrid.
  • Grupo:
    Charles Tolliver presenting Paper Man
    Charles Tolliver:  trompeta.
    Jesse Davis: saxo alto.
    Keith Brown: piano.
    Buster Williams: contrabajo.
    Lenny White: batería.

El trompetista Charles Tolliver es una de las leyendas vivas del jazz. Además de un prolífico compositor dotado de una técnica impresionante, fue uno de los más destacados renovadores del bop y de la corriente que le siguió, el hardbop, a la altura de artistas tan importantes como Lee Morgan, Freddie Hubbard o Woody Shaw.

El 2 de julio de 1968 se grababa el disco Paper Man, en el que participaron, liderados por el trompetista, nada menos que Ron Carter (contrabajo), Herbie Hancock (piano), Joe Chambers (batería), y Gary Bartz (saxo alto). El disco está considerado como uno de los mejores de la etapa postbop de los años 70.

En el 2018 se cumplieron por tanto 50 años desde su grabación. Escuchado ahora en un buen equipo de sonido, la verdad es que los temas dejan gran sabor de boca. Músicos fieles a la ortodoxia del momento, pero perfectamente disfrutables hoy en día.

Embarcado en esa marea revival de retrotraernos a tiempos pasados, Charles Tolliver, a sus 77 años, ha querido dar cuerpo a aquella música que le catapultó hacia la fama.

Con una misma formación instrumental, Tolliver revivió en Madrid el disco con una grata solvencia por parte de los músicos presentes. Muy activo estuvo el pianista Keith Brown y el batería Lenny White, y quizá menos protagonismo tuvo el contrabajista Buster Williams.

El concierto estuvo dominado por brillantes intercambios y transiciones del saxo y la trompeta, con una sección rítmica bien dimensionada por el batería Lenny White que, aunque le hemos visto en otras facetas, estuvo a la altura de las circunstancias que le fueron marcando tanto el piano como el contrabajista. Keith Brown dio toda una demostración de grandes solos en los que por momentos podíamos escuchar ecos de Herbie Hancock e incluso de McCoy Tyner. El gigante Jesse Davis mostró su fortaleza con intensos solos al estilo del gran Jackie McLean, uno de los mentores de Tolliver en los 70.

El quinteto interpretó las seis piezas que se incluyeron en el disco. “Earl’s World”, “Peace With Myself”, “Right Now”, “Household of Saud”, “Lil’s Paradise” y “Paper Man”, conforman un corpus musical de claro sabor añejo. En unos tiempos en los que el jazz llenaba los clubes con humo y mucho ruido, y los solos de trompeta y saxo eran jaleados por los aficionados. Unos ritmos en los que la complicidad del público incentivaba a los músicos a conseguir metas más altas. Una música que todavía es capaz de remover los sentimientos y de alterar conciencias. El jazz siguió evolucionando. Por un momento el tiempo se paró y volvimos al pasado. Instantes brillantes que prepararon el terreno para el jazz del futuro, pero que no nos hacen perder el horizonte.

Tomajazz.
Texto: © Carlos Lara, 2019
Fotografías: © Enrique Farelo, 2019




JazzMadrid19 (Del 28 de octubre al 30 de noviembre de 2019) [Madrid]

Por Redacción.

Entre el 28 de octubre y el 30 de noviembre de 2019 tendrá lugar la nueva edición del Festival Internacional de Jazz de Madrid.

Herbie Hancock, Charles Tolliver, Moisés P. Sánchez, Gary Bartz, Eliane Elías, Marcia Ball, María Toro, Marc Ribot, Peter Brotzmann, Myra Melford, Joe Lovano, Ron Carter, Noa Lur, Youn Sun Nah y The Bad Plus serán algunos de los artistas presentes

El cartel tendrá como principales escenarios el teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa y CentroCentro e incluye también conferencias, danza, cine, clases magistrales y residencias.

La presencia de artistas femeninas supera en esta edición el 40%.

Toda la información disponible en https://festivaldejazz.madrid.es




Giulia Valle Trío (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-26) [Concierto]

Festival Internacional de Jazz de Madrid

  • Fecha: sábado, 26 de noviembre de 2016
  • Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
  • Formación:
    Giulia Valle Trío
    Marco Mezquida: piano
    Giulia Valle: contrabajo
    David Xirgu: batería

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Giulia Valle es una contrabajista con un bagaje, tanto a nivel instrumental como compositivo, muy importante. Al frente de sus grupos -en quinteto u octeto-, sus actuaciones y sus discos nos muestran una persona con las ideas muy claras, con inquietudes, dispuesta a explorar y siempre con renovadas propuestas. Y siendo fiel a esta trayectoria, Giulia Valle ha formado un trío muy interesante y digno de tener en cuenta. De entrada, se ha rodeado de dos de los mejores rítmicos del país, Marco Mezquida y David Xirgu. Juntos se han estrenado con una grabación realizada en directo en San Francisco, después de haberse rodado nada menos que en el Blue Note de Nueva York y en importantes clubes canadienses. Casi nada para estos músicos que han visto así reconocida su calidad en dos países donde el jazz forma parte de sus señas de identidad.

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El trabajo que realiza esta “cataliana” (como ella misma se define, ya que nació en Italia y llegó con cinco años a Barcelona), es encomiable. Su modo de entender el jazz como catalizador para que fluyan los sentimientos y las emociones lo pudimos percibir de primera mano en el Auditorio del Centro Cultural Conde Duque. En contraste con los grupos más numerosos, el acústico del Giulia Valle Trío posibilita una mejor intercomunicación entre los músicos y los libera en cierta forma para gozar de una mayor libertad creativa, presente a lo largo del concierto.

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El recital pivotó en su totalidad sobre los ocho temas que componen Live in San Francisco. Abriendo con “Opening”, una pieza de corte melódico en la que el contrabajo marca mucho la ruta a seguir, mientras, por su lado, el piano y la batería también van intensificando sus sonidos. Marco Mezquida apuesta por esa rapidez en los fraseos que le caracteriza. El tema va adquiriendo cada vez más fuerza y se introduce por unos cauces sumamente modernos. David Xirgu, en la batería, sabe estar a la altura, no se muestra nada estridente y no abusa de la contundencia. En la siguiente, “Reguetown”, entramos en ritmos más emocionantes con el contrabajo marcando diversos riffs, que acompañan a la perfección los otros dos componentes. Se mezclan los sonidos de ciertos aires caribeños, para lo cual el pianista y el batería aguantan hasta el final el endiablado ritmo que les marca el contrabajo. “Llueve” se inicia muy suave, más lírica e introspectiva, y destaca por un solo improvisado de contrabajo brillante.

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En “Break a Loop 2.0” se produce un giro mucho más rítmico al concierto. Para “Capitan Courage” (dedicada al hijo de unos amigos de Giulia) el ritmo pausado del trío, enlaza de pronto con un marcado cambio de intensidad en un break del contrabajo hacia trayectos más asonantes y con improvisaciones más complejas. Marco Mezquida demuestra aquí que es un pianista que atesora mucha clase, con un estilo definido que, unido, a la experiencia de David Xirgu, configuran una rítmica muy potente.

Ya en la recta final del concierto, el trío acomete “Chacarera Búlgara”, que comienza con unos ritmos festivos y el trío sonando muy compacto. Hay como una decantación a sonidos muy mediterráneos, con cambios de registros originales. La aportación compositiva de Marco Mezquida se nota en “Joya”, una pieza baladística con una bonita melodía en honor de su hijo, donde muestra sus grandes dotes para el blues. La última pieza, “Lucy-Lú” desprende un cierto aroma groove y marchoso, abierto a unas mayores labores de improvisación.

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Intensa, impredecible y cautivadora, los calificativos son pocos para definir la música que ofrece este extraordinario trío, al frente del cual está una gran contrabajista.

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Enrique Farelo, 2016