HDO 489. Frimpro [Podcast]

Por Pachi Tapiz.



HDO 489 un programa que está centrado en propuestas que se mueven por terrenos de la libre improvisación y el free jazz. Sin solución de continuidad, suenan:

  • Pandelis Karayorgis Trio: Cliff (Driff Records)
    Pandelis Karayorgis: piano
    Damon Smith: contrabajo
    Eric Rosenthal: batería
  • Pandelis Karayorgis Trio: Pools (Driff Records)
    Pandelis Karayorgis: piano
    Nate McBride: contrabajo
    Luther Gray: batería
  • Benoît Delbecq, Jorrit Dijkstra, John Hollenbeck: Linger (Driff Records)
    Benoît Delbecq: piano preparado, sintetizador
    Jorrit Dijkstra: saxo alto, lyricon, electrónica analógica
    John Hollenbeck: batería, percusión
  • Pavillon Rouge: Solution n°5 (LFDS)
    Nicolas Souchal: trompeta, bugle
    Matthias Mahler: trombón
    Jean-Marc Foussat: dispositivo electro acústico
  • Robert Landfermann: Brief (Pirouet)
    Robert Landfermann: contrabajo
    Christian Weidner: saxo alto
    Sebastian Gille: saxo tenor
    Jim Black: batería
    Elias Stemeseder: piano
  • Free Pantone Trio: a blink of an eye to the nature of things (FMR Records)
    Manuel Guimarães: piano
    Rui Sousa: contrabajo
    João Valinho: batería
  • Devin Drobka’s Bell Dance Songs: Amaranth (Shifting Paradigm Records)
    Daniel Blake: saxos tenor y soprano
    Patrick Breiner: saxo tenor, clarinete y clarinete bajo
    Chris Weller: saxo tenor y pedal de efectos
    Aaron Darrell: contrabajo
    Devin Drobka: batería, cimbales y composiciones
  • Carrier – Lambert – Edwards: Elements (FMR)
    François Carrier :saxo alto
    John Edwards: contrabajo
    Michel Lambert: batería
  • Christiane Bopp: Noyau de lune (FOU Records)
    Christiane Bopp: trombón y voz

Tomajazz: © Pachi Tapiz, 2019

HDO 489 te gustará… si te gusta el jazz… si te gusta el free jazz… si te gusta la impro libre…

HDO es un podcast de jazz e improvisación (libre en mayor o menor grado) que está editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Para quejas, sugerencias, protestas, peticiones, presentaciones y/u opiniones envíanos un correo a hdo@tomajazz.com




Jim Black – Elias Stemeseder “Bunky Swirl” (JazzMadrid18. 2018-11-07) [Concierto]

Por Carlos Lara Enrique Farelo.

JazzMadrid18

  • Fecha: 7 de noviembre de 2018.
  • Lugar: CentroCentro. Auditorio Caja de Música. Madrid
  • Grupo:
    Jim Black & Elias Stemeseder “Bunky Swirl”
    Elias Stemeseder: piano y sintetizadores
    Jim Black: batería y percusión

Con una dilatada carrera a sus espaldas, Jim Black se ha ganado un nombre dentro del jazz de vanguardia norteamericano. Siempre dispuesto a experimentar y aportar nuevas ideas, sus compañeros de viaje son nada menos que Tim Berne, Dave Douglas, Uri Caine, Ellery Eskelin, Kris Davis o Hank Roberts. Así, se ha convertido en uno de los pilares del jazz progresivo y un batería muy demandado, con varios proyectos en marcha. Junto al aclamado joven pianista austriaco Elias Stemeseder y el bajista de Nueva York, Thomas Morgan, mantiene un excelente trío, que constituye una eficiente prueba de un jazz distinguido por sus arreglos, ritmos complejos y expresividad improvisada.

Al margen de cualquier catalogación, lo que sobresale en la actuación de Jim Black y Elias Stemeseder es la libertad plena con la que ambos músicos se expresan. Una libertad creativa con la que dibujan constantes paisajes sonoros. Los dos músicos proponen sus discursos y a veces se producen intersecciones que actúan como resortes, que nos ponen en estado de alerta o bien nos tranquilizan. Hay mucho de juego psicológico en una música que parece transitar hacia ninguna parte, pero en la que al final todo van adquiriendo un sentido.

Stemeseder muestra diferentes cadencias al piano y ofrece diferentes efectos con el sintetizador, mientras Black se convierte en una fuente de ritmos en distinta intensidad. Entre tantos sonidos asimétricos, también aparecen melodías apacibles que nos vuelven a bajar a la realidad después del trance. El caos también puede ser bello. Entre la música electrónica de Karlheinz Stockhausen y la atonidad de Arnold Schönberg, se abrieron campos infinitos de posibilidades sonoras que, asociados a la libertad creativa de la batería y la percusión, nos llevan actualmente por los nuevos derroteros de la improvisación libre. Y el dúo Jim Black y Elias Stemeseder saben aprovechar al máximo su gran sabiduría musical.

Tomajazz:
Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018




INSTANTZZ: Uri Caine Ensemble “Plays Gershwin Rhapsody in Blue” (37è Festival Jazz Terrassa, Nova Jazz Cava, Terrassa -Barcelona-. 2018-03-23) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Viernes, 23 de marzo de 2018
  • Lugar: Centre Cultural Terrassa (Terrassa -Barcelona-)
  • Grupo:
    Uri Caine Ensemble “Plays Gershwin Rhapsody in Blue”
    Uri Caine, piano
    Theo Bleckman, voz
    Barbara Walker, voz
    Joyce Hammann, violín
    Ralph Alessi, trompeta
    Jon Irabagon, saxo tenor
    Mark  Helias, contrabajo
    Jim Black, batería

Tomajazz: © Joan Cortès, 2018




INSTANTZZ: Human Feel: Jim Black – Kurt Rosenwinkel – Chris Speed – Andrew D’Angelo (Conservatori del Liceu, 49è Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona, Barcelona. 2017-11-27) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Lunes, 27 de noviembre de 2017
  • Lugar: Conservatori del Liceu (Barcelona)
  • Grupo:
    Human Feel:
    Andrew D’Angelo, saxo alto
    Chris Speed, saxo tenor
    Kurt Rosenwinkel, guitarra
    Jim Black, batería

© Joan Cortès, 2018




HDO 0234 – Clean Feed 2017 (I): Gorilla Mask, Lisa Mezzacappa, Carlos Bica & Azul, Ballrogg, Velkro [Podcast]

HDO 234, del 7 de febrero de 2017, está dedicado a escuchar las cinco últimas incorporaciones al catálogo del sello Clean Feed: Iron Lung del trío Gorilla Mask, avantNOIR de Lisa Mezzacappa, More Than This de Carlos Bica & Azul, Abaft The Beam de Ballrogg y Too Lazy To Panic de Velkro.

Tomajazz: ©Pachi Tapiz, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz

  • Gorilla Mask: Iron Lung (Clean Feed, 2017)
    Gorilla Mask: Peter Van Huffel, Roland Fidezius, Rudi Fischerlehner
  • Lisa Mezzacappa: avantNOIR (Clean Feed, 2017)
    Aaron Bennett, John Finkbeiner, William Winant, Lisa Mezzacappa, Tim Perkis, Jordan Glenn
  • Carlos Bica & Azul: More Than This (Clean Feed, 2016)
    Carlos Bica & Azul: Carlos Bica, Jim Black, Frank Möbus
  • Ballrogg: Abaft The Beam (Clean Feed, 2017)
    Ballrogg: Klaus Ellerhusen Holm, Roger Arntzen, Ivar Grydeland
  • Velkro: Too Lazy To Panic (Clean Feed, 2017)
    Velkro: Boštjan Simon, Stephan Meidell, Luis Candeias



HDO 204. Variedad… una vez más [Podcast]

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Una vez más -y ya van unas cuantas-, la variedad del jazz en HDO con nombres bien conocidos como Jim BlackThomas Morgan al lado de otros que no lo son tanto. Músicos y sus músicas que llegan desde ambas partes del océano Atlántico y que tienen su base en lugares que pueden estar poco asociados al imaginario del jazz como son Portugal, Suiza o Canada. A dos temas por grabación, en un programa que extiende hasta casi una hora y tres cuartos, repasamos ocho novedades discográficas, a saber:

  • Jim Black TrioThe Constant (Intakt). Con Jim Black, Thomas Morgan, Elias Stemeseder
  • Miguel Ângelo QuartetoA Vida de X (Carimbo Porta Jazz). Con Miguel Ângelo, Joao Guimaraes, Joaquim Rodrigues, Marcos Cavaleiro
  • JC4Can You Believe It? (Red Piano Records). Con JC Sanford, Mike Baggetta, Dave Ambrosio, Russ Meissner
  • Stu HarrisonVolume I (One Nightstand Records). Con Stu Harrision, Neil Swainson, Terry Clarke
  • Shirantha BeddageMomentum (Autoeditado). Con Shirantha Beddage, David Restivo, Mike Downes, Rich Brown, Mark Kelso, Will Kennedy
  • Parker Abbott TrioElevation (Autoeditado). Con Teri Parker, Simeon Abbott, Mark Segger
  • Andrew McAnshIllustrations (Autoeditado). Con Andrew McAnsh, Jeff Larochelle, P.J. Anderson, Mara Nesrallah, Soren Nilssen, Chris Pruden, Ian Wright

Programa HDO y texto: © Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz




HDO 203. Albert Cirera Lisbon Trio + Agustí Fernández, Rodrigo Amado Motion Trio, Clastrier – Kamperman, Mark Dresser… [Podcast]

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En la entrega 203 hincamos el diente, a tema por CD, a cinco novedades discográficas: “The” de Before The Silence (del siempre interesante sello lituano NoBusiness Records) del cuarteto formado por Albert CireraHernâni FaustinoGabriel Ferrandini, Agustí Fernández –anunciado inicialmente como Albert Cirera Lisbon Trio + Agustí Fernández-, en una grabación realizada en la Jazz Cava de Vic, que ya pudimos disfrutar en Tomajazz en forma de Instantzz de Joan Cortès; “Et la roue de la vie”, un tema clásico de Valentin Clastrier suena en la versión recogida en el CD Fabuloseries (Home Records), grabada por este maestro de la zanfoña y el clarinetista y saxofonista Steven Kamperman; el tercer tema es “Liberty” de Desire & Freedom (Not Two), del Rodrigo Amado Motion Trio formado por Miguel Mira, Gabriel Ferrandini y el propio Rodrigo Amado; el cuarto ingrediente del programa es “Hobby Lobby Horse” del CD Sedimental You (Clean Feed) de Mark Dresser Seven, formación en la que participan Nicole Mitchell, Marty Ehrlich, David Morales Boroff, Michael Dessen, Joshua White Jim Black; finaliza la entrega con el tema que da título a The Joy Of Being (NoBusiness Records) de François Carrier, Michel Lambert, Rafal Mazur.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




Bill Frisell, Ran Blake y David Krakauer: ¡jazz de cine! HDO 0069 [Audioblog]

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Tres propuestas basadas en música de cine en una nueva entrega de HDO. El guitarrista Bill Frisell con Whe You Wish Upon A Star (Okeh, 2016); el pianista Ran Blake en solitario (salvo unos momentos puntuales) con Chabrol Noir (Impulse!, 2016); y el clarinetista David Krakauer con The Big Picture (Label Bleu, 2015). ¡Jazz de cine en los tres casos!

© Pachi Tapiz, 2016

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog, editado, producido y presentado desde Tomajazz por Pachi Tapiz.

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Los temas, las grabaciones, los músicos

  • “Psycho Pt. 1”, “You Only Live Twice”, “The Shadow Of Your Smile”, “Tales From The Far Side”, “Happy Trails”
    Bill Frisell: When You Wish Upon A Star (Okeh, 2016)
    Bill Frisell, Eyvind Kang, Petra Haden, Thomas Morgan, Rudy Royston
  • “Cemetery”, “Wedding Singer”, “The Nights Of Tremolat”, “Garvey’s Song”, “I’m Going To See My Son”
    Ran Blake: Chabrol Noir (Impulse!, 2016)
    Ran Blake, Ricky Ford, Dominique Eade
  • “Willkommen”, “La vita e bella”, “Si tu vois ma mère”, “Tradition”
    The Big Picture: The Big Picture (Label Bleu, 2015)
    The Big Picture: David Krakauer, Jenny Scheimann, Adam Rogers, Rob Burger, Greg Cohen, Nicki Parrott, Sheryl Bailey, Keepalive, Jim Black



INSTANTZZ: Jim Black New Quartet Malamute (17 Festival Jazz Vic. 2015-05-16)

17 Festival Jazz Vic

  • Fecha: Sábado, 16 de mayo de 2015
  • Lugar: La Jazz Cava, Vic, Barcelona
  • Componentes:
    Jim Black New Quartet Malamute
    Jim Black, batería y electrónica
    Oskar Gudjonsson, saxo tenor
    Chris Tordini, bajo eléctrico
    Elias Stemeseder, teclados y electrónica

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© Joan Cortès, 2015

 




Kris Davis Infrasound: Save Your Breath (Clean Feed, 2015; CD)

Kris Davis Infrasound_Save Your Breath_Clean Feed_2015_CDSave Your Breath es la décima grabación de la pianista Kris Davis como líder. Esta es una obra que muestra a una artista muy valiente, puesto que a priori no parece que sea una labor sencilla trabajar al frente de un octeto integrado por cuatro clarinetistas (Ben Goldberg, Oscar Noriega, Joachim Badenhorst y Andrew Bishop), dos instrumentos de teclas como son el piano y el órgano (la propia Davis y Gary Versace), guitarra (Nate Radley) y batería (Jim Black).

Esta formación inusual, probablemente inédita, consigue llevar a buen puerto la difícil tarea de conseguir que las composiciones de la canadiense suenen con una sorprendente coherencia. La mayor parte de sus creaciones están compuestas a su por una gran cantidad de motivos, que expuestos y desarrollados convenientemente, podrían multiplicarse en un buen número de nuevas composiciones.

Desde el mismo inicio, con la magnífica “Union Forever”, Kris Davis muestra que en su música hay miradas hacia el pasado del jazz sin ningún tipo de prejuicio (especialmente en “Whirly Swirly” que repleta de groove en sus inicios es un tema que parece extraído por momentos de la época más gloriosa del Miles Davis de finales de los años 60), pero también hacia el presente con ciertos pasajes que parecen composiciones de música clásica. Haciendo de la dificultad virtud, abunda en la grabación una multiplicidad de timbres y contrastes sonoros aportados por el órgano de Versace y el piano de Davis, o la amplia paleta sonora de los hasta cuatro tipos de clarinetes (que incluye el contrabajo, bajo, y contralto).

Los arreglos que buscan transitar por múltiples ambientes y recorren distintas intensidades, consiguen convertir esta arriesgada propuesta en una obra caleidoscópica, que gana con los nuevos matices que van surgiendo en cada nueva escucha. Absolutamente recomendable de principio a fin, hay un tema especialmente recomendable que es el polifacético “Whirly Swirly”, que se recomienda comparar con la versión que hizo Davis en trío junto a John Hébert y Tom Rainey en el imprescindible Waiting For You To Grow (Clean Feed, 2014).

© Pachi Tapiz, 2015

Kris Davis Infrasound: Save Your Breath

Ben Goldberg (clarinete bajo, clarinete contralto y clarinete), Oscar Noriega (clarinete bajo y clarinete), Joachim Badenhorst (clarinete bajo y clarinete), Andrew Bishop (clarinete contrabajo y clarinete), Nate Radley (guintarra), Gary Versace (órgano), Jim Black (batería), Kris Davis (piano y composiciones)

“Union Forever”, “Jumping Over Your Shadow”, “Always Leave Them (Wanting More) ”, “Whirly Swirly”, “The Ghost Of Your Previous Fuckup”, “Save Your Breath”
Todas las composiciones por Kris Davis

Publicado por Clean Feed en 2015. Grabado el 7 y 8 de enero de 2014 por Ron Saint Germain en Sear Sound, New York City, New York. Clean Feed CF322CD




Xavi Reija © Marcelino Miguel Castro, 2014

Entrevista a Xavi Reija, por Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas

Xavi Reija pertenece a una nueva generación de músicos con ideas comprometidas y arriesgadas, que además guarda en su curriculum el haber fichado por uno de los sellos más prestigiosos de los últimos tiempos. (Moonjune Records, de Leonardo Pavkovic).

Resolution ha sido el motivo, su última obra, que ha compartido con dos viejos amigos y grandes músicos como son Dusan Jevtovic y Bernat Hernández. Además, se da la particular circunstancia que Dusan Jevtovic también está con Moonjune Records con Am I walking Wrong?, su primer trabajo para el sello de Pavkovic. Vidas paralelas y músicas afines con la creatividad, el compromiso y la complejidad.

Xavi Reija y Dusan Jevtovic vienen colaborando desde el año 2005 con el DX Project (2Sides) formado por ellos mismos con colaboraciones. Volvieron a aunar esfuerzos en Xavi Reija Quintet (Dreamland 2006 y en Ritual 2008) y lo vuelven hacer en Resolution. Sirva como excepción Am I Walking Wrong? de Dusan Jevtovic, donde no aparece Xavi Reija pero sí el bajista Bernat Hernández que trabajó en todos sus proyectos, incluido el anterior registro On the Edge (2008). Por todo ello existen argumentos más que sobrados para charlar con él e intercambiar impresiones sobre su mundo profesional, dejando la puerta abierta a una segunda parte dedicada a Dusan Jevtovic, su fiel complemento.


Xavi Reija © Marcelino Miguel Castro, 2014

Xavi Reija
© Marcelino Miguel Castro, 2014


Tomajazz: Hay una clara evolución desde una fusión eléctrica de los trabajos anteriores hacia la improvisación más abierta y la exploración del sonido y las texturas. ¿Qué factores han influido para esa transición?

Xavi Reija: Por mi parte siempre he ido en busca del concepto de improvisación en mayúsculas. Si bien es cierto que en el amplio abanico de estilos y sub-estilos que se engloban dentro del término “jazz” existe el nexo común de la improvisación, a mi entender, no es menos cierto también que en todos ellos existe cierta rigidez formal, estilística, armónica e incluso… en mi caso los cuatro trabajos anteriores desde D.X. Project hasta Live at Casa Murada con el Electric Trío, han padecido siempre de cierta visión “comercial” que impedía la liberación de ideas. Digo comercial, por el condicionante que supone el querer gustar a ciertos sectores que puedan proveer de cierto beneplácito y a la vez de proyección profesional. Quizás el trabajo más libertario en ese sentido fue Dream Land donde por ser la primera vez que juntábamos al quinteto pecamos de gloriosa inexperiencia.

Más allá de formas estilísticas, este disco no ha pretendido ser nada, simplemente captar un instante. Captar aquello que realmente nos hacía diferentes en esencia a cualquier otro trío de cualquier otro formato. Llegamos al estudio sin ensayar ni una nota, ya que ni Dusan ni Bernat sabían que iban a grabar. Por mis circunstancias personales hasta la fecha del encuentro en el estudio no pude y al final no quise que supiesen de que iba ir la grabación, si bien es cierto que los años nos ponen en antecedentes, y casi 10 años trabajando juntos son muchos como para no conocernos. Más allá de eso, el momento personal de cada uno hizo el resto.

Tomajazz: Se aprecian paralelismos entre el nuevo trabajo a trío de Dusan Jevtovic, Am I Walking Wrong? y tu Resolution ¿Ha sido Dusan quien os ha atraído al “lado oscuro” de la improvisación y os ha animado a explorarlo?

Xavi Reija: En mi caso no realmente, como te decía, ante una situación personal muy concreta como fue la muerte de mi padre y una posterior etapa de meses muy dura en mi vida, hizo que mi visión sobre ciertos aspectos vitales cambiara sustancialmente. El concepto de temporalidad, captar un instante único, el concepto de memoria, de tiempo, la vida, la muerte… Sentía una necesidad muy grande de hacer una cosa así y de expresarla de esa manera.

Tomajazz: ¿Ha sido Resolution el disco más comprometidos y complejo que has grabado hasta la fecha?

Xavi Reija: Para mí ha sido una liberación en muchos sentidos. En lo musical, la realidad de mí mismo como músico, mi esencia en ese momento. Al mismo tiempo y después de un proceso largo de años de buscar en ese gran concepto que es la improvisación, quizás el trabajo más sencillo y más cómodo que he emprendido, ya que no había nada que esconder, sobreactuar, aderezar, etc…

2Sides DX Project Stachmo Records, 2006

2Sides DX Project
Satchmo Records, 2006
 

Xavi Reija Dream Land Xavi Reija, 2006

Xavi Reija
Dream Land
Xavi Reija, 2006

Xavi Reija Electric Quintet Rithual L'Indi Records, 2008

Xavi Reija Electric Quintet
Rithual
L’Indi Records, 2008

Xavi Reija Electric Trio Live At Casa Murada (DVD) Xavi Reija, 2009

Xavi Reija Electric Trio
Live At Casa Murada (DVD)
Xavi Reija, 2009

Xavi Reija Resolution Moonjune Records, 2014

Xavi Reija
Resolution
Moonjune Records, 2014

Tomajazz: Tanto tú Dusan Jevtovic habéis sido los primeros músicos en grabar con el sello Moonjune records de Leonardo Pavkovic y ambos sois miembros de proyectos afines. ¿Qué importancia concedéis a este hecho?

Xavi Reija: Toda… Moonjune es una puerta a un mundo distinto, pasillo luminoso con vistas al mar… tener la posibilidad de salir al exterior no tiene precio, aunque sólo sea el primer paso, pero es un gran paso.

Tomajazz: ¿Cómo conociste a Leonardo “Moonjune” Pavkovic y cómo ha sido vuestra relación con él?

Xavi Reija: Si no voy errado creo que él nos conoció a nosotros primero por un vídeo del Electric Trío colgado en Youtube… En mi caso fue gracias a Dusan Jevtovic en una visita que hizo Leonardo a Barcelona en Septiembre, donde charlamos a tres bandas, cenamos, y pusimos en común nuestro interés de trabajar juntos.

Leonardo es muy grande, está entre el manager tradicional y la discográfica moderna. Sólo tengo palabras de agradecimiento hacia él. Ha ido guiando todos y cada uno de los pasos que debía seguir en todo el proceso de aparición del disco, siempre con mucho criterio y rigor.

Tomajazz: Ambos conocéis la experiencia de la autoedición. ¿Qué os aporta trabajar con un sello como Moonjune? ¿Ventajas e inconvenientes?

Xavi Reija: Ningún inconveniente, todo son ventajas. Desde aquí, solo, hubiese sido imposible llegar a todos los rincones del mundo como he llegado… imposible.

Tomajazz: ¿Creéis que hay un público en España para este tipo de música?

Xavi Reija: Existe un público para cualquier tipo de música. La autenticidad te hace diferente, y siempre encuentras gente que le gusta lo auténtico.

Otra cosa son los programadores, lo nuevo, lo arriesgado asusta.

Xavi Reija © Marcelino Miguel Castro, 2014

Xavi Reija
© Marcelino Miguel Castro, 2014

Tomajazz: ¿Qué repercusión está teniendo Resolution dentro y fuera de nuestras fronteras a nivel de crítica?

Xavi Reija: Espectacular…jamás hubiese pensado que tendría tantas y tan buenas críticas. Sólo he tenido una negativa de entre casi 50 críticas a nivel mundial en tres meses. Sin palabras… quizás sorpresa.

Tomajazz: ¿Y entre los programadores?

Xavi Reija: En mi caso, y aunque es pronto para decir nada ya que el disco lleva sólo tres meses en el mercado, ninguna…

Tomajazz: ¿Qué expectativas tenéis respecto a presentar vuestros trabajos en directo?

Xavi Reija: El pasado 28 de mayo hicimos nuestro debut en Barcelona con buena acogida. Ahora, a trabajar para que lleguen más.

Tomajazz: ¿Cuándo en Madrid?

Xavi Reija: ¿Siendo realista? Difícil…

Tomajazz: “Los músicos tienen que cobrar menos por sus actuaciones”. Estas declaraciones están atribuidas al ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert. ¿Qué opinas de semejante perla?

Xavi Reija: ¡Que se vaya a la mierda!… si esto es lo único que sabe decir un “ministro” de educación es para flipar… yo hablaría de regularización, de dejar de ser indocumentados, de evitar el intrusismo mediante la profesionalización, obligaciones como sector de autónomos que somos, evidentemente, prestaciones, etc. Regularización en los bares, para que una persona-músico-ciudadano, tenga los mismos derechos-obligaciones que tiene cualquier autónomo de este país para ejercer un trabajo. Sueldos, contratos, facturas… Es inconcebible que se hagan bajo no se qué paraguas legal concursos de bandas, con el pretexto de promoción para las mismas, donde van a tocar niños gratis, donde supuestamente no paga ni Cristo la Seguridad Social, y lo peor, con el beneplácito de los padres y, evidentemente, de las autoridades, ya que muchos de estos locales cobraban o cobran subvenciones de cultura por hacer un bien a la divulgación… es surrealista… Podría seguir, pero hoy he decidido ser tóxico lo justo por mi salud mental… No me gusta el señor Wert. Creo que mucha de la culpa de lo que pasa en este país con la música es culpa nuestra, de los músicos.

Xavi Reija © Marcelino Miguel Castro, 2014

Xavi Reija
© Marcelino Miguel Castro, 2014

Tomajazz: ¿Cómo proyectos de futuro es cierto que tenéis en ciernes un disco en común, mano a mano entre ambos?

Xavi Reija: De hecho ya está grabado. Leonardo nos ha bautizado con el nombre de XADU y estamos en proceso de mix y mastering. La idea surgió sin duda por la complicidad existente musicalmente hablando entre ambos desde hace tantos años ya.

Tomajazz: ¿La batería como instrumento es más protagonista en Resolution que anteriores trabajos?

Xavi Reija: No lo sé, y si es así no ha sido premeditado. Quizás el hecho de tocar a trío deja mucho más espacio. No soy un tipo, por ejemplo, que le guste mucho hacer solos al uso, creo mucho más en el desarrollo del discurso en grupo, y si te fijas bien verás que en todos mis discos anteriores, existen los solistas principales y yo suelo ser el que menos solos hace. En este último en concreto, tan sólo uno. Sí que es cierto que en algún sentido, y debido a que el disco es mío, hago lo que me da la gana sin pensar mucho en si debo o no debo. Y no lo digo con acritud, simplemente constato una realidad. Por lo menos en este último, no ha habido como te comentaba ninguna intención de mostrar nada, más allá de lo estrictamente musical, de expresar a mi manera, con Dusan y Bernat, mi situación personal en relación a ciertos conceptos. No hay un título puesto porque queda bien o porque vende más o menos, hay ganas de hablar de ciertos temas desde la subjetividad del momento. ¿Batería? Claro, ¿protagonismo? el 33 %.

Tomajazz: Al crítico Guillermo Urdapilleta parece que una de las cosas que le han incomodado son algunas pausas en determinadas composiciones como: “Flying to Nowwhere”, “Abyss” o en “Unfinished Love”.

Xavi Reija: La música es pausa, es silencio, son notas fuertes, débiles. La música es un arte, una forma de expresión, y como tal, hay tantos millones de percepciones como habitantes tenga el mundo. Mi visión de mi música es mía, y la comparto con el mundo entero para que la gente la disfrute, piense, se enfade, se horrorice… entiendo que haya gente que no le guste y lo acepto con humildad, sin rencor, pero con decisión, con conocimiento de causa, a pesar de los pesares. Si no hubiéramos hecho pausas en este disco, no sería Resolution, sería otra cosa y no sería mío.

Tomajazz: ¿Cuál es el propósito de estas pausas que tanto le han incomodado?

Xavi Reija: No hay propósito premeditado, es la concepción de tres músicos de que aquello que están tocando, se toca así. No se podría haber tocado de otra manera en ese momento de nuestras vidas, sin más. En este disco no ha habido premeditación, llegamos al estudio y ni tan siquiera yo sabía muy bien que iba a pasar, tenía claro el cómo, pero no el qué, tenía clara mi situación personal en ese momento, mi concepción sobre lo que quería, y nos dejamos llevar.

Xavi Reija © Marcelino Miguel Castro, 2014

Xavi Reija
© Marcelino Miguel Castro, 2014

Tomajazz: ¿La música de Resolution es lo suficientemente comprometida que impide ser digerida y por tanto puede ser injustamente apreciada?

Xavi Reija: Es posible. Además, el hecho de que llevemos tantos años trabajando juntos en proyectos personales tampoco ayuda a que, y sobre todo en directo, tengamos mucha piedad de la gente, ja, ja, ja. No, en serio, considero este disco como una reunión de amigos afines a una manera de hacer, que disfrutan y se explayan haciendo aquello que les motiva. Piensa que los tres tenemos una vida profesional activa donde siempre hacemos aquello que se espera de nosotros como instrumentistas en cada momento, en ámbitos más pop, rock, incluso más cercanos al jazz o a lo que sea. Yo personalmente tengo la sensación de salir al “patio” a jugar a lo que más me gusta. En el resto de trabajos disfruto como un enano también, pero no puedo hacer lo que yo quiero o lo que yo creo que podría, mejor dicho, hay alguien que espera algo de mí y me ciño a lo que esa persona quiere, siempre dando todo y más, claro.

Tomajazz: ¿Podemos afirmar sin miedo a equivocarnos que en Resolution te has acercado más que en otros proyectos al nu-jazz y al drums and bass además de al rock progresivo más crimsoniano?

Xavi Reija: Si te soy muy sincero, desde la salida del disco en marzo he estado escuchando King Crimson, ya que nunca había puesto mucha atención en este grupo. Y es cierto que hay similitudes. Las etiquetas nos sirven para catalogar cualquier cosa, y en ese sentido nos están diciendo las críticas que hacemos post jazz-rock avant-garde jazz o progressive jazz… quién sabe, bienvenidas sean las catalogaciones.

Supongo que no puedo evitar, estos últimos años, haber escuchado y haberme interesado por músicas diversas. El pasado año estuve colaborando en un programa de radio online especializado en jazz y dirigido por mi buen amigo David Talleda para iCat radio, en el que aportaba y comentaba discos de jazz interesantes desde mi visión como músico en activo. En esos meses escuché mucha música y me adentré en nuevas formas, en nuevas estéticas, las que yo creía que eran realmente vanguardia en este mundo del jazz…

Tomajazz: ¿Cómo ha sido la acogida de los anteriores discos y qué esperas de Resolution?

Xavi Reija: En este país es muy difícil que se acepten músicas alternativas, más allá de los seguidores que por diversos motivos puedas tener. Del primer disco a quinteto se vendieron mil copias, se agotó la edición, del segundo cometí el error de firmar por una mala compañía y no pasó nada, se vendieron poco más de 300 que yo sepa, y de este no sé que espero, quizás nada… tal vez por eso esté siendo tan alucinante ver la respuesta de tanta gente para con él. Creo que antes te comentaba, cuando hablábamos de Leonardo, que tengo la sensación de que se ha abierto una nueva puerta que servirá para seguir trabajando en el empeño o en el sueño de poder vivir de mi música. Sirva esta última frase como deseo lanzado al universo… ja, ja, ja.

Xavi Reija © Marcelino Miguel Castro, 2014

Xavi Reija
© Marcelino Miguel Castro, 2014

Tomajazz: ¿Crees que la gente que escucha jazz- rock y jazz contemporáneo o free jazz comparte gustos paralelos, o sigue habiendo partidarios de los géneros estancos?

Xavi Reija: Supongo que hay de todo. El feedback que yo estoy teniendo de este disco me viene de lugares dispersos y de gente muy diferente entre sí. Desde el músico que busca identificarse con mi discurso mediante el instrumento o el que no, gente que tiene que ver con el mundo del arte, por tanto, se les supone una sensibilidad especial o por lo menos acentuada y percibe esta música como un viaje intimista hacia sus propios desvaríos, hasta gente que no tiene nada que ver con la música ni el arte en general y simplemente perciben esa energía o no. No sé ciertamente si alguien defensor a ultranza de algo se acaba perdiendo mucho del resto, no sé qué decirte al respecto, quizás creo que todos estos que dices compartimos el gusto por la improvisación. Ahora tampoco sé si a alguien que le guste el Michael Brecker o Dennis Chambers de los ‘90, puede gustarle de igual manera Ornette Coleman o el moderno Jim Black, por ejemplo, o le pueda gustar todas las épocas de Chick Corea o de Miles Davis… a mí, sí… pero a ratos.

Tomajazz: ¿Eres más favorable a ser un batería enérgico donde prime la potencia por encima de los matices o compartes ambos registros?

Xavi Reija: Creo que quien me conoce musicalmente y conoce mi registro sabe que como buen “géminis”, (pongo este adjetivo como anécdota un tanto graciosa) hoy soy heavy y mañana soy el baladista más sensiblero del mundo. En serio, no soy ni favorable a una cosa ni a la otra. Creo que cada tema, cada canción pide de ti un espectro de dinámicas diferente, depende de con quién tocas, su discurso, sus matices… En este disco creo que hay de todo, incluso los temas digamos más “heavy” tienen sus espacios de matiz… los silencios que antes me comentabas… siempre nos han dicho como crítica positiva que llevábamos al extremo los matices. Por otro lado me siento afortunado de haber podido tocar con infinidad de artistas de muy diferentes estilos, esto me lleva a pensar que soy como consecuencia o causa de ello, un músico muy camaleónico. Es probable que cuando cierro los ojos y dejo de pensar, salga el Deep Purple que llevo dentro…

Texto: © Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas, 2014.

Fotografías: © Marcelino Miguel Castro, 2014.




24è Festival Jazz Granollers (II): BB&C Berne/Black/Cline – Sheila Cooper Quartet – Juan De Diego “Trakas” – Miralta/Maestro/Lohikari – Claudio Sanfilippo Trio – Karol Green & Santi Careta (Granollers, Barcelona. Febrero de 2014)

Miralta/Maestro/Lohikari

  • Fecha: Viernes, 07 de febrero de 2014
  • Lugar: Casino Club de Rime (Granollers/Barcelona)
  • Componentes:
    Marc Miralta: batería
    Shai Maestro: piano
    Marko Lohikari: contrabajo

Claudio Sanfilippo Trio

  • Fecha: Sábado, 08 de febrero de 2014
  • Lugar: Restaurant Anònims
  • Componentes:
    Claudio Sanfilippo: guitarra, voz y composiciones
    Joan Sanmartí: guitarras y arreglos
    Joan Vidal: batería

Karol Green & Santi Careta

  • Fecha: Jueves, 13 de febrero de 2014
  • Lugar: Reataurant Anònims
  • Componentes:
    Karol Green: voz, loops y percusión corporal
    Santi Careta: guitarra y loops

Sheila Cooper Quartet

  • Fecha: Viernes, 14 de febrero de 2014
  • Lugar: Casino Club de Rime (Granollers/Barcelona)
  • Componentes:
    Sheila Cooper: voz y saxo alto
    Albert Bover: piano
    Ignasi González: contrabajo
    Ramon Prats: batería

BB&C Berne/Black/Cline

  • Fecha: Viernes, 28 de febrero de 2014
  • Lugar: Casino Club de Rime (Granollers/Barcelona)
  • Componentes:
    Tim Berne: saxo alto
    Jim Black: batería, percusión y efectos
    Nels Cline: guitarra y efectos

Juan De Diego “Trakas”

  • Fecha: Miércoles, 05 de febrero de 2014
  • Lugar: Restaurant El Mirallet
  • Componentes:
    Juan De Diego: trompeta y fiscorno
    Jordi Matas: guitarra y pedales
    Abel Boquera: órgano
    Caspar St. Charles: batería

Comentario:

Además de las tres características diferenciales –fechas madrugadoras, el Joan Bretcha Guitar Series y el proyecto anual del JazzGranollers Ensemble- comentadas en la entrega anterior, Jazz Granollers complementa el programa de su festival con actuaciones de formaciones de la escena catalana así como artistas de ámbito internacional.

01 SANTI CARETA KAROL GREEN

Entre los primeros, el dueto formado por la cantante sudafricana, residente desde los 12 años en Catalunya, Karol Green, que juega de forma muy interesante con su estación de loops, más allá de pequeñas aportaciones de percusión corporal. Se complementa a la perfección con Santi Careta, a la guitarra y loops. La propuesta del dueto, como ya comentamos en su momento (en relación a la última edición del Festival de Jazz de Girona), resulta fresca, desinhibida y vitalista, con un interesante maridaje entre pop, rock, funk, músicas neotradicionales que abarcan desde África hasta el norte de Europa. Una simbiosis de lo más variado que resulta totalmente  natural.  Todos los loops están realizados y amalgamados sobre la marcha, creados y recreados al momento, hecho que es de agradecer, especialmente para los amantes de la música en directo. Fue la segunda de las dos actuaciones del festival, realizadas en el espacio del “Anònims”, restaurante-bar-librería-sala de exposiciones, conferencias y conciertos, de tendencia totalmente alternativa.

02_JUAN DE DIEGO-TRAKAS (©Joan Cortès)-05mar14_ElMirallet_24FJazzGranollers

El trompetista vasco Juan De Diego al frente del cuarteto “Trakas” en la semi cava del restaurante “El Mirallet”, ofreció una buena muestra de los temas recogidos en su último disco “Erbestea” (exilio en eukera, en recuerdo al exilio que padeció su familia durante el franquismo), que también da nombre a un tema pausado y emotivo, iniciado y terminado a ritmo de marcha casi fúnebre con una melodía con cierto regusto felliniano. Fue una notable sesión de jazz y funk, con algunos e interesantes “ruidismos” cercanos al free. Dieron comienzo con un tema pausado, no incluido en el disco, “Amor crónico”, y concluyeron con un boogaloo de Horace Silver, entre ellos y con presentaciones, del cabeza de grupo, entre irónicas y reivindicativas, relacionadas con el momento actual, “Todos a una”, “Isla desierta”, “Fukushima, mon amour” (en referencia al accidente de la central nuclear japonesa) o “Carril guiri”. Una propuesta mucho más cercana a un ambiente con copa o vaso largo en mano que para plato en mesa, pero, a pesar de ello, el público la degustó plenamente.

03_JUAN DE DIEGO-TRAKAS (©Joan Cortès)-05mar14_ElMirallet_24FJazzGranollers

Las distancias cortas son siempre de agradecer, muy especialmente con los músicos que poseen y además muestran sus buenos mimbres. La cualidad y calidad de los miembros de este cuarteto son de sobras conocidas y las volvieron a dejar plenamente de manifiesto.

04_MIRALTA-MAESTRO-LOHIKARI (©Joan Cortès)_Casino_24fJazzGranollers

Cuatro han sido las propuestas programadas con músicos internacionales, propuestas diversas con resultados distintos. La primera y responsable de la inauguración de la veinticuatroava edición correspondió al trío formado por el pianista israelí Shai Maestro, el baterista catalán Marc Miralta, y el contrabajista sueco Marko Lohikari. Un trabajo que le falto, desgraciadamente, un mayor tiempo para su puesta en común, a pesar del buen trabajo desarrollado por estos tres músicos profesionales del jazz, donde las andaduras por los caminos de la improvisación redondearon los cantos angulosos de los embastes.

05_MIRALTA-MAESTRO-LOHIKARI (©Joan Cortès)_Casino_24fJazzGranollers

Una interesante propuesta donde se agradeció el contrapunto entre los temas escogidos, más melódicos y especulativos, incluso en ocasiones un poco almibarados, compuestos por  Maestro, “Gal”, “Cinema G” o “Angelo”, y mucho más musculosas, rítmicos y directos los de Miralta, “Be careful what you dream” o “Boston in 3/4”, más allá de su delicioso “Sol d’octubre”, pero a gusto de uno, la guinda de la noche estuvo en la versión, espléndida y vigorosa, de “It just did” d’Ornette Coleman, y arreglos del propio Shai. En el bis los ánimos se calmaron con el estándar “I fall in love too easily”.

06_MIRALTA-MAESTRO-LOHIKARI (©Joan Cortès)_Casino_24fJazzGranollers

Al día siguiente el segundo concierto del festival y primero en el Anònims – Menjars i Pensars (comidas y pensares), un espacio con una amplia biblioteca de temática crítica y alternativa-, actuó el trío formado por el cantautor y guitarrista milanés, Claudio Sanfilippo (que ya estuvo en el 2011 como invitado y protagonista principal de la propuesta del Jazz Granollers Ensemble) compartiendo espacio y proyecto con las percusiones casi minimalistas, para la ocasión, de Joan Vidal y la guitarra y los arreglos cuidados de Joan Sanmartí.

07_CLAUDIO SANFILIPPO TRIO (©Joan Cortès)_Anònims_24FJazzGranollers

Un concierto que resultó entrañable en todo momento, perfecto para un sábado por la noche, compartiendo platos, copas, compañía y música, que evocaba en buena parte algunos de aquellos actos reivindicativos en los albores de “nuestra” democracia (en que inocentemente todo parecía posible y a su vez sumamente alejado, en los deseos y aspiraciones, de las corrupciones y recortes actuales).

08_CLAUDIO SANFILIPPO TRIO (©Joan Cortès)_Anònims_24FJazzGranollers

Sanfilippo es poseedor de una voz grave y carismática, que sabe muy bien como arropar sus canciones, como si las acunara, entre ellas “Agosto” (quiero una copa de vino tinto, noto que el invierno me ha secuestrado el ánima,…), “Isile nella corriente” (El mar nos aleja, pero todos los lugares son semejantes,…), “Polaroid” (son campos extensos hechos de niebla,…) o “La notte di San Lorenzo” (Fue la noche de San Lorenzo, cuando una estrella iluminó el lago, mientras decíamos adiós a un sueño,… ). Temas delicados y sencillamente melodiosos, perfectamente compenetrados con las sonoridades de la guitarra y pedales de Joan Sanmartí y las percusiones sutiles de Joan Vidal.

09_CLAUDIO SANFILIPPO TRIO (©Joan Cortès)_Anònims_24FJazzGranollers

Una propuesta que tuvo su buena comunión con los presentes, como lo demostraban las caras cómplices y sonrientes, a lo largo de la velada.

10_SHEILA COOPER 4t (©Joan Cortès)_Casino_24FJazzGranollers

La actuación de la cantante y saxo alto Sheila Cooper, dejó a propios y a extraños algo descentrados, teniendo en cuenta las referencias que la abalaban y así como algunos de los músicos que han colaborado en sus proyectos discográficos.

Remarcar el trabajo de la sección rítmica, muy especialmente el del multiterreno Ramon Prats, -des del free jazz hasta las cercanías más pop jazzeras-, que este donde este, sea en proyectos propios  o ajenos, desde sus cueros, platos y otros utensilios percusivos, siempre transmite la sensación de encontrarse en perfecta sintonía y estar totalmente integrado. A destacar, también y como no, la aportación del pianista Albert Bover, con su discurso cada día más elaborado hacía la complejidad de la simplificación, con un mayor e interesante alto nivel de destilación y, más allá de su capacidad como solista, mostrándose nuevamente como un perfecto acompañante de voces femeninas.

11_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

El concierto estrella del festival, BB&C -Berne, Black & Cline-, no dejó indiferente a nadie, más allá de las concepciones estéticas y/o militancias de cada uno, teniendo en cuenta la dureza de la propuesta, nada complaciente, y que requería de una buena atención y predisposición por parte del público.

Tres músicos en perfecta complicidad y sintonía, escuchándose, aportando, jaleándose, proponiendo, un trabajo de y para el grupo, de proceso autogestionario y trazas libertarias.

12_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

Jim Black, puro nervio adolescente, a la batería, percusiones y loops, es el músico de este trío que más veces hemos podido apreciar y contrastar sus cualidades, en un reciente relativo, en tres propuestas (dos excelentes, Trio Azul –Perpignan, 2012- y Endangered Blood –Vic, 2013- y una tercera de bastante menor cualificación, con Uri Caine y sus variaciones Goldberg –Barcelona, 2013- ). Nels Cline, a pesar de tener vida propia más allá de Wilco, sólo había pisado estos lares con el grupo americano. El año pasado, a su nombre, tenía ultimados alrededor de una decena de conciertos en Europa, uno de ellos en Vic, pero tuvo que suspenderlos al ser reclamado para empezar a grabar con el grupo de rock. Tim Berne es el que hacía más tiempo que no pisaba los escenarios catalanes, aunque todavía se le recuerde, a finales del 2004, al frente de “Science Friction”.

13_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

El concierto de Granollers, el tercero y último en el estado español, consistió en un único tema, a modo de suite, con muchas descargas musculadas, “ruidismo” notorio y pequeñas islas pausadas a modo de contrapunto, todo perfectamente encajado, en apenas unos setenta minutos, que contó con un tranquilo y psicodélico bis, de apenas, cinco minutos.

14_BB&C (©Joan Cortès)_Casino_24FJazz Granollers

Un proyecto a caballo de varios estilos, pero sin militar en ninguno de ellos, en una especie de tierra de nadie, jazz de trazas contemporáneas, rock musculado, free de diferentes procedencias y mucha improvisación. Contundentes en todos los campos, sin aspavientos ni contorsiones innecesarias. Un remarcable ascensor entre las vísceras y el cerebro.

Sin duda, una de aquellas propuestas que da prestigio y, a su vez, engrandece a cualquier festival.

Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2014




BB&C (Teatro Central de Sevilla. 2014-02-26)

  • Fecha: Miércoles 26 de febrero de 2014
  • Lugar: Teatro Central de Sevilla, Sevilla
  • Grupo:
    BB&C
    Tim Berne: saxo alto
    Nels Cline: guitarra
    Jim Black: batería y electrónica

bbc-the_veilCon esta propuesta situada estéticamente en tierra de nadie, entre el rock más alternativo, el jazz avanzado y el ruidismo, se abría el ciclo de Música contemporánea de este escenario sevillano, un espacio, habría que añadir, que al igual que el resto de disciplinas aquí acogidas en las dos últimas décadas, ha vivido tiempos mejores que este concierto recordó. En años anteriores también se habían programado grupos venidos de ámbitos de creación no adscritos a la contemporaneidad entendida como prolongación tanto de Schoenberg como de Cage.

Improductivo discurso intentar discernir qué es no es contemporáneo cuando, ya lo decíamos en el balance del año pasado para otra revista, las fronteras creativas de los estilos citados parecen estar más cerca entre ellas que de sus orígenes. Pero si tuviéramos que enfocar nuestro análisis desde el pasado, desde una perspectiva “contemporánea” y no por ejemplo “jazzística”, llegaríamos a interesantes conclusiones. Salta a la vista algo evidente, esto es música electroacústica, cuyas fuentes de emisión son visibles (no es acusmática, no se “esconde” detrás de unos altavoces) y están (como en el jazz) íntimamente ligadas a los instrumentos, no ya por el virtuosismo sino sobre todo por la creación instantánea e improvisada. En cuanto a la combinación instrumental, hay dos instrumentos analógicos y todo un aparato eléctrico ejecutado en tiempo real por la guitarra de Nels Cline.

Sorprende comprobar que esta música avanzada, absolutamente única en la escena internacional, aunque ya Berne compartiera experiencia y formato con Marc Ducret y Tom Rainey, la lleven a cabo músicos que superan la cincuentena: su energía y frescura parecen propios de veinteañeros. Efectivamente, el uso del ruido, de las texturas, de la saturación, de la distorsión -todo un tratado de ella es– ponen en primer plano a Cline y a su instrumento, vehículo desde el que canalizada todo un arsenal de efectos y dispositivos. Como ya decíamos en la reseña de este disco en su día, se confirma en directo la sensación de que el equilibrio y volumen de emisión sigue descompensado, siendo el gran perjudicado el saxo de Tim Berne. La batería de Jim Black cuenta con recursos y una implicación “rockera” más inmediata para adaptarse, pese a no estar amplificada, a los tejidos ruidistas de la guitarra.

La distorsión como arquitectura que elude la melodía, el pulso acuciante y elíptico del saxo y los patrones asimétricos rotundos y descriptivos de la percusión, incorporando bases de bajo en la batería, provocan un magma sónico cuyo paroxismo nada tiene que ver con el pasado del free jazz ni el arte sonoro “bruitista”, más bien definen un argumento basado en texturas y elementos contrapuestos, con un enfoque de anticipación, que se funden en el ruido. Concierto hilado de principio a fin, tuvo una primera parte dedicada a una relectura de The Veil -su único trabajo en disco- y una segunda desconocida que se cerró con el único tema en el que las atmósferas dejaron paso a un clima melódico intrigante, como eco extendido de la intensidad asfixiante que domina su mensaje.

Aunque el discurso se sitúe en la saturación de figuras bizarras y cíclicas, nada de lo dicho resultó gratuito.

© Jesús Gonzalo, 2014




Nate Wooley, Peter Evans, Jim Black, Paul Lytton: Trumpets and Drums. Live in Ljubljana (Clean Feed, 2013)

Wooley - Evans_Trumpets And Drums - Live In Ljubljana (2013)Afirmar que Nate Wooley y Peter Evans son dos de los trompetistas más pujantes en la actualidad no es faltar a la verdad. Ambos están manteniendo durante los últimos años una gran actividad dentro de la escena del jazz y especialmente dentro de la libre improvisación. Trumpets and Drums recoge la actuación de ambos en la 53ª edición del Ljubljana Jazz Festival en junio de 2012. Para hacer honor al título los trompetistas fueron acompañados por dos pesos pesados de la batería: el británico Paul Lytton y el eternamente joven en apariencia Jim Black. El primero es un músico habitual en la discografía de Wooley prácticamente desde el inicio de su carrera, con el que ha grabado en diferentes formatos, y que a su vez también ha llegado a grabar con Evans. El segundo ha sido integrante durante los últimos meses de distintos proyectos de Peter Evans. El CD que recoge esta actuación incluye únicamente dos pistas (“Beginning” y “End”, de 34 y 21 minutos respectivamente). Las improvisaciones de los cuatro músicos permanecen abiertas al diálogo de principio a fin. Ambos trompetistas ya habían grabado juntos con anterioridad, aunque a diferencia de esas ocasiones aquí prima un cierto ambiente relajado, favorecido por los espacios que ambos músicos disfrutan tanto en solitario como acompañados por los bateristas. Lejos de plantear un tour de force trompetístico, ambos  muestran sus cartas, pero sin que el terreno se convierta en un campo de batalla, en un mero lugar lleno de exhibicionismo hueco. Mostrando cada uno de ellos su manera de afrontar la improvisación y de exprimir el uso de su instrumento, logran que cada uno de los temas sea un caleidoscopio que muestre los diferentes enfoques que cada uno de los músicos adopta frente a la creación instantánea. Reflejo de un buen concierto, su música no para de sorprender de principio a fin.

© Pachi Tapiz, 2014

Nate Wooley, Peter Evans, Jim Black, Paul Lytton: Trumpets and Drums. Live in Ljubljana (Clean Feed) ****

Reseña publicada en el número de otoño de 2013 de la revista Más Jazz.




The Thing XXL / Peter Evans Octet (Jazz Em Agosto 2013, Anfiteatro Ao Ar Livre, Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal. 2013-08-7/8)

  • Lugar: Anfiteatro Ao Ar Livre, Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal
  • Fecha: 2013-08-07 (The Thing XXL), 2013-08-08 (Peter Evans Octet)
  • Componentes:
    The Thing XXL
    Mats Gustafsson: saxos tenor y barítono
    Ingebrigt Haker Flaten: contrabajo y bajo
    Paal Nilssen-Love: batería
    Peter Evans: trompeta
    Mats Aleklint: trombón
    Terrie Ex: guitarra
    Jim Baker: electrónica

    Peter Evans Octet
    Peter Evans: trompeta y composición
    Ron Stabinsky: piano
    Brandon Seabrook: guitarra
    Dan Peck: tuba
    Tom Blancarte: contrabajo y bombardino
    Sam Pluta: electrónica
    Jim Black: batería y percusión
    Ian Antonio: percusión

Comentario:

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Gran noticia es que un festival de jazz llegue a su edición número 30.

Incluso en plena crisis, en un país como Portugal, mucho más golpeado que España por las duras decisiones de política económica supranacionales, la Fundación Calouste Gulbenkian ha logrado celebrar en 2013 nuevamente Jazz Em Agosto.

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Programando  con inteligencia el resultado ha sido una edición con un cartel muy interesante a priori, lleno de grandes nombres. Las actividades se concentraron a lo largo de diez días, al contrario de lo ocurrido en ediciones precedentes, que se repartía a lo largo de distintas semanas. En cuanto a los músicos John Zorn dio tres conciertos diferentes –no tuvieron la idea de organizar un “maratón” –, de ese modo la mayor parte de sus acompañantes y otros músicos como Peter Evans y Mary Halvorson participaron en el festival en varias jornadas.

Otra cuestión, tal y como se puede leer en los dos conciertos reseñados, es el resultado final.

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La presencia de ciertos nombres no siempre asegura que la música esté  a la altura de las expectativas, o que fluya tal y como se espera.

La grandeza del jazz –al igual que sucede con el arte y por tanto con otras músicas–, por fortuna, sigue siendo su capacidad de sorprender, de mover ciertos resortes en el interior del oyente y, también, de dejar que la decepción o la indiferencia sirvan para apreciar y valorar otros momentos sublimes.

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Así pues, los jardines de la Fundación Calouste Gulbenkian donde está situado el escenario al aire libre en el que tienen lugar la mayor parte de las actuaciones no sólo sirven para descansar y relajarse rodeado de agua, animales y plantas en pleno centro de Lisboa, sino que las exposiciones e instalaciones que allí tienen lugar inspiran al visitante y asocian  distintas artes.

Sirva esta introducción para repasar los conciertos de los días 7 y 8 de agosto de 2013.

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El concierto de The Thing aumentado hasta septeto con el añadido de XXL no sirvió para avanzar, sino más bien para retroceder hasta el año 2000, la fecha de formación de este trío nórdico.

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En la regresión lisboeta de trece años hubo dos músicos damnificados: el pianista Jim Baker y el guitarrista Terrie Ex (del grupo holandés de punk-avant-garde The Ex). A Baker apenas se le escuchó al piano tras su participación en el primer tema con la que puso orden en forma de melodía al desparrame free con que se inició el concierto. Su participación a la electrónica tuvo que esperar para ser audible al último tema. En lo relativo al nervioso guitarrista, en ese último tema fue cuando tuvo oportunidad para encontrar su lugar en el concierto en forma de solo; en el resto estuvo , pero apenas se le escuchó. Distinto fue el papel de los otros dos invitados, el trompetista Peter Evans y el trombonista Mats Aleklint, activos y participativos, al igual que ocurrió con Mats Gustafsson, Paal Nilssen-Love e Ingebrigt Haker: todos ellos estuvieron potentes y resolutivos. En el caso de los integrantes de The Thing, tal y como suele ser habitual en sus grabaciones y conciertos.

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Otra cuestión, la cuestión, fue el repertorio interpretado. The Thing tiene en su discografía grabaciones con distintos artistas, cada una de las cuales tiene un carácter plenamente diferenciado: no hay más que comparar lo grabado junto a Neneh Cherry, Ken Vandermark, Otomo Yoshihide, el grupo Cato Salsa Experience, Jim O’Rourke, Joe McPhee, Thurston Moore… o sus grabaciones como trío. También es muy diferente el repertorio que aparece reflejado en todas esas grabaciones, que basándose en el free-jazz pasa por la revisión de clásicos del género (el grupo toma el nombre de un tema de Don Cherry), la improvisación libre a-la-free-jazz, o la revisión de temas de grupos de garage y rock tanto actuales (PJ Harvey, The White Stripes), como clásicos (Led Zeppelin, “Louie, Louie”).

 

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En Lisboa, a plena potencia, optaron por volver al repertorio de sus primeros discos visitando clásicos de Don Cherry, Don Ayler y John Coltrane (de quien recrearon “India”); a ello añadieron un tema de Ingebrigt Haker Flaten (“Red River”) y una composición en el bis que por lo escuchado en el concierto del día siguiente del Peter Evans Octet, es más que verosímil que fuese una creación del trompetista. Las versiones –ajustadas a los originales– fueron simplemente correctas, decepcionantes más allá del derroche de energía: al grupo además de potencia se le puede exigir bastante más.

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Lo que sonó fue lo habitual en los conciertos de The Thing corregido (arreglos de sus dos invitados activos mediante), y aumentado (con los solos del trompetista y el trombonista, el resto de los XXL apenas hicieron acto de presencia sonora tal y como se ha señalado). Una actitud muy conservadora, con un concierto en apariencia brillante y que entusiasmó a gran parte del público, pero que no aportó nada al grupo salvo la melancolía de volver la vista a sus inicios. Pero para ello no hacía falta montar este septeto.

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El concierto del Peter Evans Octet, que se presentaba por primera vez en Europa, fue decepcionante. No es esta una reunión ad hoc, sino que en ella están parte de los compañeros de Peter Evans en sus últimos proyectos y que tan magníficas muestras han dejado grabadas. Por allí están Sam Pluta, Jim Black, Tom Blancarte y Brandon Seabrook. No fueron ni ellos ni el resto de compañeros los responsables de que el concierto no funcionase. El problema fue la larga composición (que se alargó más de una hora y cuarto) de Peter Evans. Perfecta como trabajo de fin de carrera en unos estudios de doctorado en composición de jazz, posiblemente esta obra estuviese llena de buenas intenciones e ideas sobre el pentagrama. Pero una cosa es la teoría y otra la práctica. Lamentablemente, en directo funcionó a modo de un basto patchwork.

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En un concierto deslavazado de principio a fin, el trompetista fue mostrando una amplia variedad de recursos compositivos que hicieron que la música pasase por distintas fases. El problema fue que estas no presentaron una conexión que hilase y diese conexión a su discurso.

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Arsenal de recursos jazzísticos (o no), hubo momentos para la improvisación libre tanto del grupo como individual (en los instantes finales se planteó algo así como un metaconcierto en el que Peter Evans exhibió una pequeña muestra de lo que suelen ser sus conciertos a trompeta sola); fases free y ligadas a lo escrito. En ningún momento, a tenor de lo visto sobre el escenario (otra cuestión fue la cara de aburrimiento ausente de alguno de los participantes en los momentos en que le tocó tomar el rol de oyente), los músicos  se sintieron incómodos con la composición o con sus compañeros. A pesar de todo ello la música  no terminó de caminar, de fluir, de hacerse ni con los músicos, ni con los oyentes, algunos de los cuales (se) preguntaban al final del concierto si lo visto y escuchado había tenido algún sentido que se habían perdido.

Texto: © Pachi Tapiz, 2013
Fotografías e insipiración: © Sera “All Jazz Sera” Martín, 2013




Uri Caine Ensemble “Variaciones Goldberg” (Caixa Forum Barcelona, 2013-03-08)

Actividad alrededor de la exposición: Seducidos por el arte

  • Lugar: Caixa Forum Barcelona
  • Fecha: Viernes, 8 de marzo de 2013
  • Componentes:
    Uri Caine: piano
    Barbara Walker: voz
    Ralph Alessi: trompeta
    Chris Speed: saxo tenor y clarinete
    Joyce Hammann: violín
    DJ Olive: laptop
    Mark Helias: contrabajo
    Jim Black: batería

 

Comentario:

Uri Caine al frente de un grupo de seis músicos –casi todos ellos con propuestas y formaciones propias- más un disk jockey, presentó su peculiar visión de las Variaciones Goldberg de J.S. Bach. Las variaciones, según parece, fueron encargadas a Bach por el conde H.C. Von Keyserlingk, para que su clavicordista, J. Gottlieb Golberg, se las interpretase en sus noches de insomnio. El concierto estaba incluido como “actividad alrededor” de la exposición “Seducidos por el arte”, una colaboración de la Obra Social de “La Caixa” con “The National Gallery” de Londres.

01_130308_URI CAINE (©Joan Cortès)_CaixaForum_Bcn

La  exposición lleva como subtítulo, rimbombante y, en buena parte, desacertado “pasado y presente de la fotografía”. De alguna manera intenta relacionar la pintura con la fotografía, por no decir, de forma inadecuada, la dependencia de la segunda con la primera. Aunque en el catálogo de la exposición, mucho más esclarecedor, podemos leer, “en este libro, esta intención –la de citar arte histórico sin imitarlo- es importante porque las comparaciones entre obras de arte no se deberían reducir al mimetismo. No se trata del juego infantil de encontrar las diferencias, sino de un motivo por el cual se comparten causas y efectos, decisiones estéticas en la superficie y relaciones filosóficas de base” (Hope Kingsley).

02_130308_URI CAINE (©Joan Cortès)_CaixaForum_Bcn

En la exposición podemos encontrar desde obras que guardan un mimetismo extremo hasta otras en que la relación visual es prácticamente inexistente, o cogida con pinzas y relacionada con fórceps. Entre las primeras nos encontramos una fotografía y un vídeo –con una interesante puesta en escena de “Una oda a Hill y Adamson” (2012)- de Maisie Broadhead; dos fotografías de Richard Learoyd sobre un par de apuntes, realizados a lápiz, de Jean Auguste Dominique Ingres. Entre los trabajos aproximativos, el retrato con una luz y paleta de tonalidades oscuras, semejantes a las de Diego Velázquez, “Krystov” (2007) de Pierre Gonnord (en el 2008, “Les rencontres Arles Photographie” ofrecieron una remarcable muestra de su obra fotográfica. En este mismo año en el 20º  Festival Internacional de Fotoperiodismo “Visa pour l’image” de Perpiñan, expuso el retrato “Montoya”, de considerables e impactantes dimensiones. Un año después, se publicó su libro homónimo en la colección PhotoBolsillo de la editorial La Fábrica). En el extremo casi opuesto, nos encontramos con dos supuestas alegorías –plausibles o no y de buena discusión bizantina- al mundo de Caravaggio, “Mi cama, Hotel La Louissane” (1996) de Nan Goldin y “132ª reunión ordinaria de La Conferencia” (2004) de Luc Delahaye, o el desnudo en blanco y negro de “Well Street, East London” (1987) de Craigie Horsfield vinculado con el dibujo a pastel “Después del baño” (1890-95) de Edgar Degas. Por no entrar con “La habitación destrozada” (1978) de Jeff Wall o “Muerte de Coltelli” (2009) de Tom Hunter, con supuestos nexos con “La muerte de Sardanápalo” de Eugène Delacroix. Una exposición, a pesar de la confusión del subtítulo -al confundir una pequeña parte del cuerpo fotográfico con el todo- y de algunos escritos de la sala, recomendable por la cantidad y calidad de la obra expuesta. Para facilitar la digestión de los dos últimos párrafos, al final del escrito hay una serie de enlaces relacionados con la mayoría de las obras citadas.

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Tal y como dejaron bien claro, con imágenes, el pasado 22 de abril, Joan Fontcuberta (Premio Hasselblad de fotografía 2013, entre otros muchos más) y Andrés Hispano en su conferencia “Fotografía y Pintura”, la primera del ciclo “Seducidos por la pintura. Diálogos visuales”, la fotografía ha recibido influencias de la pintura, así como la pintura de la fotografía, además de aquellos artistas que han simultaneando una disciplina con la otra. Fontcuberta al final remarcó que “actualmente la diferencia -entre una y otra disciplina- sería que hay más fotos que pinturas”. En la actualidad resulta difícil que una disciplina no esté influenciada o “contaminada” por otra u otras.

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Si de la conferencia retrocediéramos unos 45 días, pero sin cambiar de escenario, nos encontraríamos con el ensamble de Uri Cane y su interpretación de las variaciones Goldberg –constituidas por un aria inicial que se vuelve a repetir después de treinta variaciones-. El pianista de Filadelfia se ha convertido, desde hace unos dieciocho años, en un especialista sui generis en hacer relecturas personales de grandes compositores de la música clásica –Mahler, Wagner, Schuman, Bach, Beethoven,  Mozart y Verdi-. En el año 2000 grabó estas variaciones, en un disco doble, para el sello alemán Winter & Winter, en el cual ya contó con la participación de la cantante Barbara Walker y de DJ Olive en los giradiscos y efectos electrónicos.

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Unas variaciones, que a más de uno, nos parecieron un conjunto de  variedades, dicho con el mayor respecto, que me hicieron retroceder a las fiestas mayores de la infancia, fiestas mayores con entoldado, y con una sesión de teatro, la cual consistía en una buena variedad de números, con malabaristas, trucos de magia, números musicales, humoristas más alguna vedette ligera de ropa con sus correspondientes numeritos picantes para la época. Evidentemente la velada de Caine fue más compacta y relativamente más homogénea, con alguna de las treinta variaciones considerablemente dispares, desde un tango, pasando por un tema caribeño, a otro más contemporáneo, jugando con aires de jazz clásico, el góspel y el blues, más puntilladas y efectos de dj., entre Bach y Bach. Una paleta estilística bien amplia, con más semejanzas a un collage de láminas superpuestas por las esquinas que a uno con los elementos conjuntados o aunados imperceptiblemente. La categoría y capacidad de cada músico acrecentaron de forma manifiesta la propuesta, esto si, en pequeñas dosis y de forma aislada. La voz reconstituyente y visceral de Barbara Walker, la sutileza y elegancia del violín de Joyce Hammann, el sonido nítido y elocuente de la trompeta Ralph Alessi y los contrapuntos de los “scratches” de Oliva. Hago un aparte con el aporte y trabajo sumamente meritorio del contrabajista, del batería y del saxo-clarinetista, ya que estuvieron los tres, Mark Helias, Jim Black y Chris Speed, mucho más comedidos, discretos y contenidos que veinticuatro horas antes, en la Jazz Cava de Vic, como miembros activos, reactivos, contundentes y brutales de Endangered Blood, en una de aquellas actuaciones para enmarcar.

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Evidentemente la propuesta de Uri Caine, podrá gustar más o menos, se podrá valorar que está mejor o peor hilvanada, pero es palpable que resulta atractiva para un público amplio. Mantiene un cierto respeto hacia el original, que lo hace conjugar con ciertos contrapuntos iconoclastas, intercalando algunas de las variaciones ortodoxas (1, 4, 8, 9, 10, 12, 13, 15, 21, 25 y 30) con otras de títulos tan explícitos como: “The Nobody Knows Variation”, “Ralph’s Variation”, “The Luther’s Nightmare Variation”, “The Tango Variation” o “The Stockhausen Variation”.

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Quizás, puestos a jugar con posibles relaciones, podríamos encontrar algún nexo entre las Variaciones propuestas por Caine con la fotografía de Luc Delahaye, así como el “Kristov” de Gonnord sumado al “Blow up: untitled 5” de Ori Gorsht que servirían para proceder de forma análoga con la propuesta de Endangered Blood.
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En Barcelona y alrededores, en cuestión de unos cinco meses, se ha podido disfrutar de otros dos trabajos que enlazan el mundo de la música clásica con el del jazz, partiendo de concepciones muy distintas pero con resultados sumamente estimulantes: “Illusionary Rhythms” del joven catalán Joan Vidal, con obras de Györgi Ligeti, y la del rumano, residente en Nueva York, Lucian Ban, con su “Enesco Re-Imagined”, que también contó con la colaboración del trompetista Ralph Alessi y del contrabajista Mark Elias.

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Texto y fotografías: © Joan Cortès, 2013

 

Nota: Enlaces relacionados con la mayoría de las obras fotográficas citadas:

http://www.maisiebroadhead.com/ode-hill-and-adamson

http://mckeegallery.com/artists/richard-learoyd/richard-learoyd-portraits-and-figures/?pid=1838

http://www.enkil.org/2009/04/01/pierre-gonnord-retratando-el-alma/

http://pinterest.com/pin/452752568759230792/ (Nan Goldin)

http://www.prixpictet.com/portfolios/power-shortlist/luc-delahaye/luc-delahaye-002/

http://www.artnet.com/artwork/426093864/118451/tom-hunter-the-death-of-coltelli.html

http://www.whalecrow.co.uk/whalec/2009/01/05/jeff-wall-the-destroyed-room-1978/

http://artsy.net/artwork/ori-gersht-blow-up-untitled-5

 

 




Endangered Blood (15è Festival de Jazz de Vic, Jazz Cava de Vic, Barcelona, 7-III-2013)

Presentación del 15è Festival de Jazz de Vic

  •  Lugar: Jazz Cava de Vic
  • Fecha: Jueves, 7 de marzo de 2013
  • Componentes:
    Chris Speed: saxo tenor
    Óscar Noriega: saxo alto y clarinete bajo
    Mark Helias: contrabajo
    Jim Black: batería y percusión
  • Comentario:
    El festival de Jazz de Vic, tiene la buena costumbre de presentar su programación con un excelente concierto. En la edición anterior pudimos disfrutar del trío Free Fall (Wiik-Vandermark-Flaten) con su notable propuesta de música de cámara impura y contemporánea, con un amplio muestrario de piezas de corta duración. Para esta edición los escogidos han sido el  cuarteto de Nueva York, Endangered Blood, que han dejado el listón, nuevamente, muy alto.
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    La promotora Arco y Flecha –de frescos y renovadores aires libertarios, a contracorriente de líneas dominantes y totalmente imprescindible en el panorama musical actual-  a lo largo de cinco semanas, ya fuese por cuenta propia o en la programación de distintos eventos musicales, ha armado, en Barcelona y su provincia,  un “no” festival de los más interesantes del estado español, cito por orden de agenda, Donny McCaslin Group (Granollers), los tríos, Kurzmann-Vandermark-Brandlmayr, Ballister y  Digital Primitives (Barcelona), Endangered Blood (Vic) y Uri Caine Ensemble (nuevamente en Barcelona). Sólo hubiera faltado la guinda de otro gran trío, Romano-Sclavis-Texier, que según parece, fue desconsiderado por otro festival, con la peregrina idea de haber actuado, cuatro meses antes, dos de sus miembros, en el descomunal quinteto de  l’Oleil de l’Éléphant, en el festival de jazz de la capital catalana.
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    El vídeo promocional del 15º festival de jazz de la capital de Osona podrá gustar o no; podrá ser considerado idóneo o no; pero seguro que no va dejar indiferente a nadie, especialmente a aquellos, que opinan que no se debe mezclar la música con la política. ¿No se puede?, ¿no se debe?, con la que ha caído, cae y todavía está por caer, realmente no lo creo. No hay acto social que esté desligado de la política, y la música, especialmente la música en directo, es un acto social. Los que peinamos décadas, aún recordamos cuando el binomio se establecía con el fútbol en particular y el  deporte en general, pero sólo falta ver las manifestaciones y exaltaciones patrióticas en los distintos mundiales o bien en las diferentes olimpiadas, para desmontar tan quimérica, como falsa, pretensión. El vídeo en cuestión recoge varias imágenes de las manifestaciones de la denominada “primavera árabe”, así como de las del 15-M, para continuar con el lema “El jazz es revolución”, antes de presentar a los participantes del festival.
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    ¿Es el jazz revolución?, evidentemente el jazz es un amplio paraguas en el que se cobijan distintas concepciones  musicales, cuando no existenciales, desde las más conservadoras a las más radicales, así como las radicales que se han vuelto con el paso del tiempo en conservadoras, por cambiar o por mantenerse férreamente en sus creencias.
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    El jazz que interesa al que suscribe, así como a un buen grupo de seguidores y aficionados, es aquel que tiene la capacidad de saber hacer revolucionar los colores y las texturas de las materias primas con las que trabaja, con las que urde su proyecto, que es capaz de atraparte con su narración, ya sea de forma lineal, fragmentaria, de collage, aleatoria, preparada o intuitiva, escrita y/o improvisada. Que tenga la capacidad de generar estados de ánimos, de infusionar ideas, de cruzar distintas estéticas, o no,  que respire credibilidad, coherencia y honestidad, bonitas palabras, especialmente en los tiempos que corren, de estafa, de coge el dinero y corre, donde la imposición del mando y ordeno, se impone, descaradamente, a  los procesos de negociación, básicos en toda democracia. “Se acabado una época, la de la vieja política, más o menos socialdemócrata, en las que las cosas se negociaban”, como bien dice el catedrático emérito de historia Josep Fontana.
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    Músicos, que a su vez están dispuestos a combatir por lo que creen, con los condicionantes que conllevan, “todo está vinculado básicamente a la capacidad de lucha que hay en cada momento determinado para exigir unos derechos sociales” (del mismo autor).
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    Evidentemente, este tipo de jazz no se encuentra cada día y se ha de buscar. Este tipo de jazz está muy alejado de las producciones más mediáticas, al funcionar por  parámetros totalmente distintos y distanciados.
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    Se puede encontrar en los festivales de pequeño formato, con identidad propia, donde el concepto de calidad prima sobre el de negocio (que tampoco se trata de perder dinero, no nos confundamos). Festivales donde no se vende una cosa por otra, festivales donde uno puede encontrar auténticas perlas, aires nuevos, propuestas originales y, donde además, se considera y respeta al público. También, es cierto, que se pueden encontrar en las programaciones B o C de los festivales de mayor envergadura y grandilocuencia.
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    El cuarteto Endangered Blood se formó a consecuencia de un concierto benéfico para ayudar a pagar las facturas de los gastos médicos de, un compañero y músico, Andrew d’Angelo, con quien Jim Black y Chris Speed, además de Kurt Rosenwinkel, forman el grupo Human Feel.
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    La propuesta de Endangered Blood se enmarca precisamente en lo enunciado en párrafos anteriores. Cuatro músicos en pleno estado de gracia, de brutal entendimiento y compenetración. Músicos que en su mayoría hemos tenido la suerte de haberlos podido disfrutar en proyectos bien distintos y diferenciados. Jim Black con Trío azul de Carlos Bica, Dave Douglas’ Tiny Bell Trio, o con Marc Ducret y Hank Roberts. Chris Speed con Pachora, Claudia Quintet o Dave Douglas Witness.  Mark Helias con Lucian Ban Enesco Re-imagine y Uri Caine Ensemble en substitución de Trevor Dunn.
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    Al finalizar la actuación, alguien se preguntaba positivamente, ¿esto es jazz? Una posible y plausible respuesta sería  que asistimos a una personal, resumida y viva historia del jazz, con ópticas de principios del siglo XXI, donde desgranaron, bien hilvanados, blues, ritmos afrocubanos, bebop, hard bop, fragancias klezmer, jazz libre y trazas afines al rock. Melodías sinuosas, bien trenzadas y elaboradas. Fragmentos sentidamente cantábiles enlazados con el desenfreno galopante del más cortante free jazz. Collage musical con mucha contemporaneidad. Tripa, músculo y cerebro, un constante ir y regresar por distintos senderos. Ellington, Monk, Ornette, Coltrane, Caetano… del New Orleans de principios del siglo XX al Nueva York actual. Una historia del jazz bien mamada, digerida y plasmada. Música para escuchar, para sentir y bailar, neuronas y vísceras todo en uno. En los atriles, las partituras de “Plunge”, “Iris” –un joya que podría resumir perfectamente lo acontecido a lo largo de la velada-, “Tacos at Oscar”-danzante y marchoso con claro marchamo popular y estilete free-, “Epistrophy”- una muestra de ser respetuosos y sonar diferentes-, “Elvin Lisbon”, “Rare” –con suaves y hipnóticas líneas circulares-, temas correspondientes al disco homónimo del grupo, editado hace un par de años, además de “Nice Try”, “LA”, “Faces and Places” y “Blues in C flat minor”, que uno desconoce si pertenecen a su último y reciente trabajo.
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    Noriega nos comentó que salieron de Brooklyn con doscientos CD, pero que al llegar a Vic sólo les quedaban cinco, los cuales volaron en décimas de segundo, entre las felicitaciones del público, totalmente entusiasmado y ebrio por los efluvios musicales, recién emanados del minúsculo escenario de la pequeña jazz cava de Vic.

Texto y fotografías: © Joan Cortés, 2013