Jim Hall (II). La Odisea de la Música Afroamericana (224) [Podcast]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 224 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla finaliza el repaso a la carrera de Jim Hall, incluyendo parte de la carrera de Miles Davis.

En el programa 224 suenan:

  • “Mr. Jelly Roll Baker” Leon Redbone
  • “The night has a thousand eyes” Jim Hall & Sonny Rollins
  • “I hear a rhapsody” Jim Hall & Bill Evans
  • “You´d be so nice to come home to” Jim Hall
  • “Beautiful love” Jim Hall & Michel Petrucciani
  • “Summertime” Jim Hall & Pat Metheny
  • “Move” Miles Davis
  • “Venus de Milo” Miles Davis
  • “Love me or leave me” Bryan Ferry

Toda la información está disponible en https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297 / https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297

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Art Pepper (II) – Jim Hall (I). La Odisea de la Música Afroamericana (223) [Podcast]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 223 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla finaliza el repaso a la carrera de Art Pepper, y comienza con el de la figura del gran guitarrista Jim Hall.

Fotografía de Jim Hall por Joan Cortès.

En el programa 223 suenan:

  • “Daybreak” Meredith d´Ambrosio
  • “He´s a rainy day” Art Pepper
  • “Desafinado” Art Pepper
  • “Ol’ man river” Art Pepper
  • “Over the rainbow” Art Pepper & George Cables
  • “Winter moon” Art Pepper
  • “Bemsha swing” Jim Hall
  • “O gato” Paul Desmond & Jim Hall
  • “Samba da minha terra” Joao Gilberto

Toda la información está disponible en https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297 / https://www.tomajazz.com/web/?cat=13297

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Cool Jazz (XII): Paul Desmond (I). La Odisea de la Música Afroamericana (212) [Podcast]

Por Luis Escalante Ozalla.

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor de los libros Nueva Orleans (1717-1917): Sexo, Raza y Jass y Y se hace música al andar con swing.

El capítulo 212 de La Odisea de la Música Afroamericana de Luis Escalante Ozalla es el décimo segundo dedicado al Cool Jazz. El protagonista en esta ocasión es el gran Paul Desmond.

Más sobre Paul Desmond en Tomajazz en Paul Desmond: Desmondismos – Entrevista con Charlie Parker

En el programa 212 suenan:

  • “Here there and everywhere” Karrin Allyson
  • “I´m old fashioned” Paul Desmond
  • “Lover” Paul Desmond & Gerry Mulligan
  • “Mañana de Carnaval” Paul Desmond & Jim Hall
  • “Greensleeves” Paul Desmond & The Modern Jazz Quartet
  • “Tangerine” Paul Desmond & Chet Baker
  • “Suicide is a painless” Paul Desmond
  • “Clouds” Paul Desmond
  • “You’d be so nice to come home to” Paul Desmond & Jim Hall
  • “Take five” Dave Brubeck
  • “Maria Ninguém” Joao Gilberto

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365 razones para amar el jazz: un documental. The Sound Of Jazz [267]

Un documental. The Sound Of Jazz (CBS, 1957)

Seleccionado por Pachi Tapiz

Duración 54 minutos. Blanco y negro.
Con la participación de Billie Holiday, Jimmy Rushing, Count Basie, Thelonious Monk, Coleman Hawkins, Ben Webster, Lester Young, Jimmy Giuffre, Mal Waldron, Gerry Mulligan, Freddie Green, Jim Hall, Pee Wee Russell, Jim Atlas, Milt Hinton, Eddie Jones, Ahmed Abdul-Malik, Walter Page, Bob Brookmeyer, Vic Dickenson, Benny Morton, Frank Rehak, Dickie Wells, Red Allen, Emmett Berry, Doc Cheatham, Roy Eldridge, Joe Newman, Rex Stewart, Joe Wilder, Earle Warren, Harry Carney, Danny Barker, Nat Pierce, Osie Johnson, Jo Jones, Ryan Nelson
Presentado por John Crosby.
Dirigido por Jack Smight, producido por Robert Herridge. Productores ejecutivos Nat Hentoff, Whitney Balliet, Charles H. Schultz

Aquí se puede escuchar a Jimmy Rushing interprentando “I Left My Baby” en el mencionado programa acompañado de Count Basie, Coleman Hawkins y Lester Young entre otros.




Paul Hemmings: The Blues and the Abstract Uke (Leading Tone Records, 2015; CD)

Paul Hemmings_The Blues and the Abstract Uke_Leading Tone Records_2015El ukelele no es un instrumento muy habitual en el jazz. Por tanto, únicamente por ello, ya tiene mérito el trabajo de Paul Hemmings titulado The Blues and the Abstract Uke (un guiño al mítico y venerado The Blues and the Abstract Truth de Oliver Nelson). Si además de sus intenciones, arma un disco a trío con el contrabajista Gaku Takashi y el baterista Rudy Royston, a quienes se unen puntualmente el saxofonista Greg Tardy y el trombonista Curtis Fowlkes (en algunos momentos por separado, en tres piezas ambos aumentando la formación de trío hasta la de quinteto),  el asunto se transforma en algo con bastante más enjundia que una grabación en la categoría de instrumentaciones inusuales. Si además de todo ello la propuesta incluye versiones de temas ajenos (Wes Montgomery, Jim Hall -se nota que Hemmings comenzó su carrera como guitarrista-, y versiones de clásicos del blues y del country -“Folsom Prison Blues” de Johnny Cash, “Sittin’ On Top Of the World”, “Nobody Knows You When You’re Down And Out”), así como piezas propias tan brillantes como “Hello Bean” (nueve minutos en quinteto arrebatadores e intensos) o “Goodbye Lentil” (un precioso tema lento), con Hemmings batiéndose el cobre y aguantando el nivel con unos solos magníficamente ejecutados junto a unos compañeros del nivel de los elegidos para esta obra, la grabación se convierte en algo a tener muy en cuenta, en una obra que llega bastante más allá de la pura curiosidad.

© Pachi Tapiz, 2015

Paul Hemmings: The Blues and the Abstract Uke

Paul Hemmings (ukelele), Gaku Takanashi (contrabajo), Rudy Royston (batería)
Invitados: Greg Tardy (saxo tenor en “The Boogaloo…”, “Hello Bean”, “Study Hall”), Curtis Fowlkes (trombón en “The Boogaloo…”, “Careful”, “Hello Bean”, “Study Hall”)

“Nobody Knows You When You’re Down And Out” (Jimmy Cox) “Folsom Prison Blues” (Johnny Cash) “The Boogaloo Sensei Of East 78th Street” (Paul Hemmings) “West Coast Blues” (Wes Montgomery) Careful” (Jim Hall) “Goodbye Lentil” (Paul Hemmings) “Hello Bean” (Paul Hemmings) “Sittin’ On Top Of The World” (Walter Vinson) “Study Hall” (Paul Hemmings) “Please Send Me Someone To Love” (Percy Mayfield)

Grabado en mayo y junio de 2014 East Side Sound, New York City, New York. Publicado en 2015 por Leading Tone Records.




Live In Paris: Ella Fitzgerald (1957-1962) / Ray Charles (1961-1962) (Frémeaux & Associés)

La serie Live In Paris, dirigida por Michel Brille, continúa poniendo en circulación unos volúmenes imprescindibles. Si hace unos meses Adolphus van Tenzing seleccionaba para la sección Tomajazz Recomienda el concierto de 1960 contenido en el cuádruple CD publicado a nombre de Miles Davis (en cuyo quinteto participaba John Coltrane), los volúmenes dedicados a Ella Fitzgerald y Ray Charles son otras dos grabaciones más que recomendables.

Ella Fitzgerald_Live in ParisEl triple CD dedicado a Ella Fitzgerald recoge temas grabados en directo en el Teatro Olympia entre 1957 y 1962. En esa época la enorme cantante estaba en un momento sumamente dulce de su carrera: plena de facultades vocales, se había ganado un reconocimiento más que merecido tanto a nivel de crítica como de público. Secundada por unos acompañantes de lujo (entre otros están los guitarristas Jim Hall y Herb Ellis, el violinista Stuff Smith, el contrabajista Ray Brown, y el baterista Jo Jones), los conciertos sirven para mostrar a The First Lady of Song en pleno apogeo, desgranando un repertorio de clásicos entre sus clásicos, entre los que se cuelan versiones de “‘Round Midnight” y de “The Man I Love”. Tal y como ocurre en este tipo de propuestas, la estrella, el centro en torno al cual orbita todo, es la cantante. No obstante, cuando esta dejaba algo de espacio a sus acompañantes, estos demostraban el enorme swing que atesoraban en sus instrumentos. La demostración de Smith, Brown y Jones en el concierto de 1957 es para quitarse el sombrero.

Ray Charles_Live in ParisA principios de 1960 Ray Charles estaba en un punto crucial de su carrera. En 1959 pasó de Atlantic a ABC Records. En 1962 publicó en este sello los rompedores Modern Sounds In Country And Western Music en los que tuvo la osadía de versionear temas de Hank Williams y The Everly Brothers, integrando un repertorio que en esos años era toda una osadía para un cantante de color. Osadía que se transformó en todo un éxito a nivel artístico, y que aparece reflejado en parte estos conciertos parisinos grabados entre 1961 y 1962. El repertorio integra temas procedentes del blues, el pop, el country, el rhythm & blues y el jazz (con versiones del inmortal “Moanin'” de Bobby Timmons, “Come Rain Or Come Shine”, “Doodlin'” de Horace Silver , “Alexander’s Ragtime Band” de Irving Berlin), en una mezcolanza de estilos liderada por una potente voz y secunda por las imprescindibles aportaciones vocales de The Realettes, y un grupo de instrumentistas en el que participaban Hank Crawford y David “Fathead” Newman. En el repertorio, con todos los músicos en un excelso estado de forma, no faltan los clásicos que ya en esos años no podían faltar en un concierto de The Genius: “Hit The Road Jack”, “Georgia On My Mind”, “Unchain My Heart”, “What’d I Say”, “I Got A Woman” o “I Can’t Stop Loving You”.

© Pachi Tapiz, 2015

Ella Fitzgerald: Live in Paris. 1957-1962. 3CD. Frémeaux & Associes

Ray Charles: Live in Paris. 1961-1962. 3CD. Frémeaux & Associes




Impulse, Blue Note y Okeh: on the road again

Ruta 66_321En 2014 Impulse! retoma la actividad con tres grabaciones más que notables. The Art Of Conversation es una joya, mano a mano, piano y contrabajo, entre Kenny Barron – Dave Holland. Los ingredientes del menú son unos cuantos standards intemporales (no podía faltar Monk), junto con algunas de las mejores composiciones de cada uno de ellos (el inmenso “The Oracle” de Holland encabeza este apartado). Mucho espacio, mucho diálogo, en unas versiones extensas para un CD evocador. Viper’s Drag de Henry Butler – Steven Bernstein And The Hot 9 traslada al oyente al New Orleans más clásico con temas de Butler, y versiones de Fats Waller y Jelly Roll Morton. El resultado es una fiesta con muy buenos solos, pero también con un compacto sonido de grupo: disfrutando de la tradición. En el apartado del material inédito, Charlie Haden – Jim Hall es un concierto del contrabajista y el guitarrista en 1990 en Montreal. Haden tenía una increíble capacidad de hacer cantar a su contrabajo. Tanto él como Hall han estado siempre asociados a la vanguardia, aunque en su música sobresale una fuerte componente melódica. Su repertorio incluye temas de Ornette Coleman, clásicos como “Body and Soul”, “Bemsha Swing” o “Skylark”, y temas propios como “First Song” (un clásico de Haden) o la étnica “Down From Antigua” de Hall. Una joya extrañamente inédita hasta 2014. Blue Note es otro sello mítico. Los altibajos en su catálogo llegan hasta la actualidad, aunque obras como All Rise de Jason Moran siguen manteniéndolo en la vanguardia. Moran es uno de los mejores pianistas de la última década. Imaginativo y rompedor, su recreación del universo de Fats Waller es todo un desafío para las actitudes puramente revivalistas. Algunas de sus grandes temas sufren una profunda metamorfosis estilística, poniendo al día el legado del orondo pianista: la imaginación al poder. Sony ha recuperado el sello Okeh para sus ediciones jazzísticas. En Juice de John Scofield, junto al trío Medeski, Martin, & Wood, esta jam band de jazz es la compañera ideal para el sonido del guitarrista. Entre sus miradas al rock están unas magníficas versiones de “Light My Fire” y “Sunshine Of Your Love”. Otro guitarrista, Bill Frisell, revisa en Guitar in the Space Age! clásicos de su juventud (The Kinks, Pete Seeger, The Beach Boys, Lee Hazlewood, Marle Travis) llevándolos a los terrenos del jazz con su peculiar e inconfundible sonido: reviviendo tiempos pasados.

© Pachi Tapiz, 2014

Publicado en el número 321 (diciembre de 2014) de la revista Ruta 66.




Paul Abirached & Alain Jean-Marie: Nightscape (Archieball Records, 2014)

Paul Abirached Alain Jean_Nightscape_Archie Ball_2014Nightscape es un proyecto del guitarrista Paul Abirached a dúo con el pianista Alain Jean-Marie, editado en un sello creado por el gran Archie Shepp hace 10 años. Una pareja de talentos que ya colaboraron juntos en un cuarteto del propio Paul Abirached, y que aquí brillan con luz propia, tanto por su finura como por la elegancia que trasladan a lo largo de los diez temas.

Paul Abirached combina un repertorio de versiones propias y otras compartidas con Jean-Marie, complementado con versiones de Jim Hall, Paul Motian, Joe Lovano, Wayne Shorter y Billie Holliday. Hay en Nightscape grandes momentos de pura improvisación, con un sonido fresco y honesto. Paul Abiracheb a las guitarras y Alain Jean-Marie al piano nos conducen con gozo hacia un universo poético guiado sobre un terreno que nos resulta familiar pero emocionante.

Nightscape fue grabado sin interrupciones después de unos conciertos previos en Paris, Bruselas y Lieja. Dice Alain Jean-Marie que la referencia de este álbum puede muy bien ser el aroma que se respira al escuchar el tema “In your own sweet way” escrito por Dave Brubeck e interpretado por Miles Davis o Bill Evans. Pianista y guitarrista siguen su propio y dulce camino en un viaje a misteriosos y extraños espacios. Un camino en el que se alternan la melancolía y la serenidad. Este es el trayecto que emprenden y desarrollan ambos, donde siempre confluyen para reflejar sonidos que incitan a la reflexión.

Lo destacable de este disco está en la intimidad y la confianza que transmiten Paul Abirached y Alain Jean-Marie. Cada uno de los temas cuenta una historia y el lenguaje de la música pone el acento en los silencios, ritmos misteriosos y cantos poéticos que se aprecian muy bien en el tema central que da título al álbum. Un disco que se disfruta con mucho placer.

© Carlos Lara, 2014

Paul Abirached & Alain Jean-Marie: Nightscape

Músicos: Paul Abirached (guitarras de 6 y 12 cuerdas) y Alain Jean-Marie (piano).

Composiciones: “Abacus”, “Farewll”, “Chelsea Rendez-Vous”, “Dowm from Antigua”, “Sweing”, “Nightscape”, “Scattered”, “Limbo”, “Haunted” y “Don´t Explain”.
Temas compuestos por Paul Abirached y Alain Jean-Marie, excepto “Abacus” por Joe Lovano, “Dowm from Antigua” por Jim Hall, “Limbo” por Wayne Shorter, y “Don´t Explain” por Billie Holiday/Arthur Herzog.

Grabado los días 6 de julio y 11 de octubre de 2012 en Studio de Meudon. Editado en 2014 por Archieball Records (Rainbow Collection). Distribuye Harmonía Mundi. RAIN 1404




Jim Hall: In Berlin – It’s Nice To Be With You (MPS, 1969. Reed. 2014)

Jim Hall In Berlin It's Nice To Be With YouMPS 1969Jim Hall ha sido uno de los mejores guitarristas de sesión en la historia del jazz. Cuando estmos a punto de que se cumpla un año de su muerte, está bien recordar y mantener la llama encendida del extraordinario legado que el guitarrista de Buffalo nos dejó. It’s Nice To Be With You se grabó en Berlín a finales de 1969 con Joachim Ernst Berendt como productor, acompañado por el contrabajista Jimmy Woode y el batería Daniel Humair, que por aquella época ya destacaba en el jazz europeo. El disco está formado por ocho temas, algunos de ellos standards que suenan como auténticas delicias, tanto por su precisión como por la serenidad que transmiten sus notas. Jim Hall aporta tal finura en sus interpretaciones que pareciera que utilizara una guitarra con sordina. En las manos de Jim Hall, clásicos como “My Funny Valentine”, “Body and Soul”, “In a Sentimental Mood” o el propio tema que da título al disco, se nos aparecen, con la perspectiva del tiempo, como sumamente frescos, siempre con el sello inconfundible de esa finura acústica de la que está plagada toda su obra.

© Carlos Lara, 2014

Jim Hall: in Berlin – It’s Nice To Be With You

Grabado los días 27 y 28 de junio de 1969

Publicado originalmente en 1969. Reeditado en 2014 en formatos CD y digital.




Sonny Rollins: Road Shows. Volume 3 ( Doxy Records, 2014)

Sonny Rollins Road Shows Vol 3‘Doxy’ vivió su primera grabación en junio de 1954, en el transcurso de una gloriosa sesión que acabaría traducida en un célebre disco de Miles Davis, Bag’s Groove, y durante la cual su propio autor, Sonny Rollins, la interpretaría codo a codo con el genial trompetista y con los no menos imprescindibles Horace Silver, Percy Heath y Kenny Clarke. Aquel disco albergaría otras dos composiciones más de Rollins, ‘Airegin’ y ‘Oleo’, a las que la eternidad ya ha hecho también un hueco en su seno. ‘Doxy’ ha amasado  condición de clásico con el tiempo y ha sido objeto de atención por parte de músicos de todos los tiempos. Rollins ha echado mano del nombre para bautizar también su propio sello bajo cuyo auspicio ha grabado Sonny, Please (2006), su último álbum de estudio, y la serie ‘Road Shows’. Esta última, suma de música en directo, abarca ya tres entregas, la primera de las cuales data de 2008 y hace acopio de actuaciones de Rollins a lo largo de las tres últimas décadas y la segunda quedó fechada en 2011 y nutrida por algunos de los momentos de los conciertos del ‘colossus’ en 2010, sobre todo del que llevó a cabo en el Beacon Theatre de Nueva York en mayo de aquel año y en el que participaron nombres de la entidad de Ornette Coleman (absolutamente inolvidable el tema que comparten juntos los dos mitos, ‘Sonnymoon for two’, junto a Christian McBride y Roy Haynes), Jim Hall o Roy Hargrove, entre otros. El tercer capítulo de la saga acaba de aparecer, incluye seis temas, registrados en Japón, en las localidades francesas de Toulouse, Marsella y Marciac y también en St. Louis  entre 2001 y 2012, y sigue haciendo hincapié, como en el resto de la serie, en la facilidad del maestro para el directo, en su indiscutible capacidad, cuando se ausenta del estudio, para la extracción del matiz, en su magistral convicción durante el ejercicio de la improvisación.

Sonny Rollins anda ahora mismo por los 84 años. Lleva oficiando su magisterio desde hace seis décadas y media y ratificando continuamente su condición de leyenda. Su estilo, sometido al virtuosismo del que siempre ha hecho gala, destaca por su calidad como improvisador, por conferir a su música una personalidad propia que huye del resquicio o la duda, por hacer de la libertad creativa su principal seña de identidad. Es un especialista en riesgos, en caminar sobre el alambre sin red, en descifrar las claves que le desvelen la salida de los laberintos en los que voluntariamente se cuela. Su pericia es objeto de demostración permanente  en los seis temas del tercer volumen de ‘Road Shows’. Resultan incuestionables las facultades de Sonny Rollins en la travesía emprendida por él y de la que da testimonio esta grabación. No es fácil buscarle cosquillas a un álbum que abunda en la solvencia y que queda encarado hacia la eficacia gracias a la autoridad de un Sonny Rollins incontestable y a la interacción estrecha que sostiene con el resto de los músicos. También, resulta realmente destacable la participación de Bob Cranshaw. No hay intérprete que conozca mejor al ‘colossus’. No en vano, se juraron fidelidad hace ya cincuenta años y a ella se han entregado con devoción. El contrabajista, también octogenario y al que alimenta una trayectoria de auténtico privilegio, ha sido el compañero de faenas ideal del saxofonista nortemaricano y el guía que ha sublimado el talento de este. En este disco participa en la media docena de temas. Con rigor, con suficiencia. Constituye otro de los grandes alicientes de un álbum realmente atractivo que incluye una composición inédita, ‘Patanjali’, dedicada a un maestro yoga, disciplina que cultiva Rollins, quien, por supuesto y en este disco, asume de manera rotunda su condición de líder y maestro de ceremonias a lo largo y ancho de una propuesta que le rinde constante reverencia. Quizás el momento más impactante de todo el disco lo constituya ‘Why Was I Born?’, adaptación de una reputadísima composición de Kern y Hammerstein II que supera los veinte minutos. La conoce de sobra y al detalle. Otra versión de este aplaudido tema, incluida en su disco en vivo (un género que domina como nadie y del que es maestro y señor) Without a Song: The 9/11 Concert, le hizo merecedor en 2006 de un Grammy. El contagioso entusiasmo impuesto a la canción se convierte en sostén fundamental de un trabajo muy bien armado en el que destacan, sobre todo, el guitarrista Bobby Broom, el baterista Steve Jordan y, por supuesto, el saxo tenor de Sonny Rollins. También hay mucha energía y chispa en ‘Don’t Stop The Carnival’, que, con aroma de calypso (otro género que Rollins ha glorificado), ya ha devenido en tradición en el repertorio del saxofonista. Atractivos también son el poso funk de ‘Biji’ o las facultades de Rollins para atrapar toda clase de emociones en ‘Someday I’Fill Find You’ con la complicidad de las percusiones de Kimati Dinizulu. El título del tercer tema del álbum, ‘Solo Sonny’, es realmente expresivo. Rollins se pone manos a la obra y se arranca con un larguísimo solo (otra de sus grandes virtudes) de ocho minutos que da satisfacción a sus seguidores y engrandece su leyenda. Sonny Rollins está en el disco, en cada uno de sus rincones, en cada uno de los instantes que guarda. Y eso ya es motivo suficiente para no perderlo de vista y tenerlo siempre a mano.

© L. Castellanos, 2014

 

Sonny Rollins: Road Shows. Volume 3

Músicos: Sonny Rollins: saxo tenor; Bob Cranshaw, bajo; Clifton Anderson, trombón; Stephen Scott, piano (1); Bobby Broom, guitarra (2, 4, 5), Peter Bernstein, guitarra (3,6); Perry Wilson, batería (1); Victor Lewis, batería (2); Kobie Watkins, batería (3, 4, 6); Steve Jordan, batería (5); Kimati Dinizulu, percusión (1,2,5); Sammy Figueroa, percusión (3, 4, 6)

Temas: “Biji”; “Someday I’ll Find You”; “Patanjali”; “Solo Sonny”; “Why Was I Born?”; “Don’t Stop The Carnival”

Publicado en 2014 por Doxy Records.