365 razones para amar el jazz: un documental. The Sound Of Jazz [267]

Un documental. The Sound Of Jazz (CBS, 1957)

Seleccionado por Pachi Tapiz

Duración 54 minutos. Blanco y negro.
Con la participación de Billie Holiday, Jimmy Rushing, Count Basie, Thelonious Monk, Coleman Hawkins, Ben Webster, Lester Young, Jimmy Giuffre, Mal Waldron, Gerry Mulligan, Freddie Green, Jim Hall, Pee Wee Russell, Jim Atlas, Milt Hinton, Eddie Jones, Ahmed Abdul-Malik, Walter Page, Bob Brookmeyer, Vic Dickenson, Benny Morton, Frank Rehak, Dickie Wells, Red Allen, Emmett Berry, Doc Cheatham, Roy Eldridge, Joe Newman, Rex Stewart, Joe Wilder, Earle Warren, Harry Carney, Danny Barker, Nat Pierce, Osie Johnson, Jo Jones, Ryan Nelson
Presentado por John Crosby.
Dirigido por Jack Smight, producido por Robert Herridge. Productores ejecutivos Nat Hentoff, Whitney Balliet, Charles H. Schultz

Aquí se puede escuchar a Jimmy Rushing interprentando “I Left My Baby” en el mencionado programa acompañado de Count Basie, Coleman Hawkins y Lester Young entre otros.




365 razones para amar el jazz: un trío. Jimmy Giuffre, Paul Bley y Steve Swallow [21]

Un trío: Jimmy Giuffre – Paul Bley – Steve Swallow

Seleccionado por Diego Sánchez Cascado.




HDO 145. Cuatro grabaciones clásicas de Paul Bley [Podcast]

Paul Bley_Four Classic Albums_AvidJazz_2016El sello Avid Enterntainment continúa poniendo en circulación CD dobles que sirven para reeditar (sin ningún tipo de añadido), grabaciones originales de clásicos del jazz de a cuatro en cuatro. Uno de los músicos que aparecen en esta serie es el pianista Paul Bley, que nos dejó a principios de este año 2016.

Introducing de Paul Bley Trio es una obra con seis temas (la mitad del canadiense, la otra mitad standards bien conocidos), que fue grabada cuando justo había cumplido 21 años nos muestran a un pianista muy bien asentado y con unas cuantas ideas claras en compañía de dos gigantes como Charles Mingus y Art Blakey. De 1954 es Paul Bley, con una docena de temas interpretados también en trío junto al baterista (espléndido) Al Levitt, y los contrabajistas (enormes ambos), Percy Heath y Peter Ind. Solemn Meditation de The Paul Bley Quartet featuring Dave Pike, vibes es un LP de 1957 en el que hallamos a un gigante del contrabajo como lo fue Charlie Haden. En esta obra Bley muestra la influencia de la música clásica en su formación pianística, con un repertorio en el que incluye alguna pieza propia tanto de Bley como de Pike, algún standard y también temas no demasiado conocidos. Fusion del Jimmy Giuffre 3, grabada en 1961, nos lleva a la libertad que fue capaz de desarrollar el trío formado por Giuffre (clarinete), Bley (piano) y Steve Swallow (contrabajo). Si bien en algunas piezas las creaciones de Giuffre sirven como unos trampolines para la improvisación que todavía hoy en día muestran su total validez, en otras ocasiones el trío se rinde ante piezas tan majestuosas como “Jesus Maria” de Carla Bley.

© Pachi Tapiz, 2016.

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.

 

Paul Bley_Four Classic Albums_AvidJazz_2016

En HDO 145 suenan temas de Paul Bley: Four Classic Albums (AvidJazz, 2016; 2CD)

Incluye las siguientes grabaciones originales:

  • Paul Bley Trio: Introducing (1953)
    Paul Bley, Charles Mingus, Art Blakey
  • Paul Bley: Paul Bley (1954)
    Paul Bley, Percy Heath, Peter Ind, Al Levitt
  • The Paul Bley Quartet featuring Dave Pikes, vibes: Solemn Meditation (1957)
    Paul Bley, Dave Pike, Charlie Haden, Lennie McBrowne
  • Jimmy Giuffre 3: Fusion (1961)
    Jimmy Giuffre, Paul Bley, Steve Swallow



Homenaje a Paul Bley. HDO 0058 [Audioblog]

Paul Bley grabando a piano solo en 2006. Fotografía por Carol Goss.

Paul Bley grabando a piano solo en 2006. Fotografía por Carol Goss.

El pasado 3 de enero de 2016 fallecía el pianista Paul Bley a los 83 años. En homenaje a su figura pero especialmente a su música, en HDO realizamos un repaso a algunas de sus obras que sirven a su vez para mostrar distintas facetas de su manera de entender la creación de este maestro del piano aproximándose al jazz, al free jazz y a la libre improvisación.

© Pachi Tapiz, 2015

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog presentado, pergeñado, editado y producido por Pachi Tapiz.

10_Coleman Hawkins - Sonny Rollins_Sonny Meets Hawk_RCA Victor_196320_Paul Bley Quintet_Barrage_ESP_1964 30_Jimmy Giuffre_Free Fall_Columbia_1963 40_Jimmy Giuffre - Paul Bley - Steve Swallow_Emphasis and Flight 1961_HatOlogy_2003 50_Paul Bley_12+6 In A Row_HatOlogy_1991 60_Paul Bley - Evan Parker - Barre Phillips_Sankt Gerold Variations_ECM_1996 70_Paul Bley_Play Blue_ECM_2008

 

Los temas, las grabaciones, los años de grabación y los músicos.

  • “All The Things You Are”
    Sonny Rollins – Coleman Hawkins: Sonny Meets Hawk (RCA Victor, 1963)
    Coleman Hawkins, Sonny Rollins, Paul Bley, Bob Cranshaw, Roy McCurdy
  • “Walking Woman”
    Paul Bley Quintet: Barrage (ESP, 1964)
    Dewey Johnson, Marshall Allen, Paul Bley, Eddie Gomez, Milford Graves
  • “Threewe”
    Jimmy Giuffre: Free Fall (Columbia, 1962)
    Jimmy Giuffre, Paul Bley, Steve Swallow
  • “Carla”
    Jimmy Giuffre, Paul Bley, Steve Swallow: Emphasis & Flight. 1961 (HatOlogy, 2003)
    Jimmy Giuffre, Paul Bley, Steve Swallow
  • “Solo 5”, “Trio 5”
    Paul Bley: 12 (+6) In A Row (HatOlogy, 1990)
    Paul Bley, Franz Koglmann, Hans Koch
  • “Variation 2”
    Paul Bley / Evan Parker / Barre Phillips: Sankt Gerold Variations (ECM, 1996)
    Paul Bley, Evan Parker, Barre Phillips
  • “Far North”, “Pent-Up House”
    Paul Bley: Play Blue (Oslo Concert) (ECM, 2008)
    Paul Bley



Excelente cosecha de jazz andaluz en 2014 (Parte 1ª). Por Jesús Gonzalo

Ha llevado su tiempo ofrecer este dossier sobre la producción andaluza que se publicó en disco en 2014, posiblemente el primero que se escribe en revistas digitales y puede que también en papel. La razón de que sea esta región la elegida y no otra se debe exclusivamente a que al ir juntando todas estas publicaciones advertimos, mes a mes, título a título, que la calidad y variedad de estos proyectos estaban lo suficientemente contrastadas como para dedicarles este señalado espacio. Debido a su extensión, hemos dividido la entrega en dos partes, llegando la suma total de títulos comentados, uno a uno, hasta doce.

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Descalzos…Los zapatos del grupo Gabacho Maroconnection tras recorrer la geografía española durante todo el año

Para que todos ellos coincidieran en un solo año se han dado ciertas condiciones o situaciones de las que se hace necesario dar unos apuntes. En apenas dos años, desde que salieron los destacados discos del guitarrista Carlos Bermudo en Dreams, Simetrías de Pedro Cortejosa o el último trabajo de Sindicato Ornette han cambiado algunas cosas…

Las asociaciones son la figura jurídica que adoptan la mayoría de las propuestas. Esta forma colectiva, en la que suelen sobresalir una o dos personas, se ha consolidado y prácticamente las ocho provincias andaluzas cuentan con una e incluso dos de ellas. Los objetivos fundamentales de estas asociaciones son ofrecer una programación continua y una plataforma formativa. Algunas llevan ambas iniciativas más allá para constituir una Big Band.

©Elena Márquez

Ivan González dirige a una orquesta de 40 músicos en un trabajo en forma de “conductions”  que reúne a improvisadores de la escena de Barcelona

Si la escena de Málaga es la que cuenta con mayor repercusión formativa, por nivel de profesorado y número de alumnos, aunque no cuente con una programación al mismo nivel, es la de Clasijazz de Almería, por volumen y variedad de estilos y disciplinas, la que ha conseguido consolidar un cartel único todo el año, moviéndose entre la ópera y la improvisación libre. Del lado de la formación y concierto internacional es el ciclo Jazz en Alahurín de la Torre (Málaga) con XI ediciones la cita más destacada. Mientras se extienden programaciones continuas por el resto de asociaciones, también éstas empezaron a organizar festivales, caso de la de Sevilla o el Jazzfest de Cádiz, que crece uniendo fuerzas entre dos asociaciones locales y ofreciendo un cartel dedicado a músicos españoles y andaluces. Mientras, en el festival de Málaga, se dio la oportunidad de estrenar dos proyectos pertenecientes a jóvenes músicos de la ciudad: José Carra y Ernesto Aurignac.

Ernesto Aurignac en la presentación en el Teatro Cervantes de Málaga de “UNO”, el proyecto más ambicioso del año

Para que se publiquen discos tiene que haber sellos discográficos. La creación en apenas año y medio de Blue Asteroid Records (fomentada desde el Jazz-Café Naima, cuyo cumpleaños aquí celebramos y cuya web estará pronto disponible) y Corleone hacen posible poner a disposición de los aficionados esta producción editorial. Los clubes como el citado Naima siguen siendo sedes de jazz en directo y de contacto con el público. Cierto es que los recursos de los que hablamos – siempre privados- son limitados. Sin estudios de grabación es complicado que las ideas se materialicen. Los hay y han aumentado su actividad. Destacaríamos dos, en el Palmar de Vejer (Cádiz) está el Trafalgar estudio y en Granada el FJR.

 

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Pedro Cortejosa, nombre clave del jazz andaluz, sigue siendo uno de los músicos más activos. El saxofonista  se unió al percusionista David León en el proyecto  cultural y discográfico Corleone

Espejo de una realidad basada en el esfuerzo personal y colectivo, en la autogestión y una ilusión no carente de tropiezos y obstáculos aún mayores en tiempo de crisis, este dossier toma el pulso de una creación en alza. Una realidad que contrasta con tiempos pasados de escenas más desperdigadas y menos nutridas pero que mantienen algo en común con un presente reforzado pero sin ayudas: no aparecen logotipos de organismos públicos alguno en las contraportadas de cada disco.

Seis primeros discos…

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Tomate, Trío y Cebolla: Canta a Bola de Nieve

Javier Galiana (voz y piano), Jose López (contrabajo) Juan Sainz (batería).
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Se dice que el Malecón de la capital cubana fue trasplantado del de Cádiz. Por más agradable sorpresa que sea este proyecto, más necesario es si cabe que aparezca en estos tiempos grises y desesperanzados Tomate Trío y Cebolla… “La Habana es Cádiz con más negritos, Cádiz La Habana con más salero…” Bola de Nieve (Guanabacoa, 1911) resucita en la “Tacita de plata” con todo su caudal expresivo. Se diría que en esta lectura más matizado por la ligereza y la alegría que por el arrebato melodramático de sus letras más apasionadas por el desamor.

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Sopla viento de levante en día soleado. Tomate, trío y Cebolla en Cádiz, con Javier Galiana, Juan Sainz y José López

No ha debido de ser sencillo trasladar a trío de jazz ese particular mundo de un entertainer “chic” de alta sociedad internacional pero de estirpe negra como Bola de Nieve. Ayuda, como nos cuenta Javier Galiana, humorado pianista y cantante que da réplica al personaje y aporta todos los arreglos, tener la impresión de “verle la cara cuando canto”… Y añade “no es cantar la melodía o los acordes, es meterse en la canción. Tiene algo de teatro pero Bola es más músico que actor”… Nos cuenta Javier que cuando era niño, en la ducha, tarareaba alguna de estas letras que ya a su madre le ponía “los pelos de punta”.

Pero esas canciones de “cuando te ha dejado la novia”, como Vete de mí, ¡Ay amor! o Tú nunca comprenderás, no han sido las elegidas en este repertorio del autor cubano. Aquí se celebran, sería el verbo adecuado, clásicos agraciados con la chispa de la picaresca y de la ternura, del chisme y del chiste, como El botellero, Manué, Babalú, Chivo que rompe tambó o Messié Julián y se han incorporado piezas que no han sido muy versionadas. El trío es el andamio para darle forma, todos aportan en esta revisión de jazz que pone especial énfasis en las formas de bolero y rubato.

Juan Sáinz -a la batería- ayudó a construir rítmicamente un legado que teniendo esencia cuban, modos cultos y de bolero se escapa de los patrones rítmicos alrededor del son. José López al contrabajo tiene aquí una labor fundamental para reforzar el lenguaje jazzístico de esta música, y lo hace no sólo rítmicamente sino también desde la melodía, usando el arco en varios momentos. Auqnue bien es cierto que compartir con Galiana una experiencia con el grupo La Canalla hace de este desembarco en el cancionero del músico cubano algo más cercano.

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Colores tropicales, los de Javier Galiana dando réplica  al genio  inimitable  de Bola de Nieve

Empezó a estudiar música porque a su tía abuela había recibido esa indicación de los Orishas. Pianista de altura romántica, entre Chopin y Rachmaninov, cantante y narrador sin igual, negro “social” de corazón y piel… “…Ay que este negro ya no pué viví sin su tambó…”, entre Ava Gadner y los cantos yorubas, mucho arte gaditano, con su ingenio carnavalero, sabor y cimientos musicales amplios, tiene este necesario trabajo que dibuja sonrisas y te hace la vida más sencilla.

Julián Sánchez New Quartet

Julián Sánchez New Quartet

Julián Sánchez (trompeta), Marco Mezquida (piano), Bori Albero (contrabajo), Ivo Sans (batería).
Whatabout Music

Julián Sáchez es uno de los músicos más completos de su generación, además de tener una mente siempre atenta a nuevos retos y en constante crecimiento. Su carrera, por citar dos polos estéticos entre el flamenco y la creación libre, se extiende de Miguel Poveda a Agustí Fernández… Para este cuarteto de jóvenes talentos, teniendo a Barcelona y la Esmuc como segundo eje (Marco Mezquida, Bori Albero, Ivo Sans), el músico granadino se distingue del resto de sus proyectos más exigentes y avanzados, como la FAE y otras colaboraciones con trompetistas como Ivan González para sumergirse en una dimensión melódica amplia y fluida, que desprende plenitud y sutileza.

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Marco Mezquida, Julián Sánchez, Bori Albero e Ivo Sans en directo en el Puerto de Santa María

Es en este contexto definido por una respiración teñida de nostalgia y de cierto júbilo interior que podrán sugerir el profundo y vibrante lirismo, el gusto por la intensidad melódica sostenida, de Enrico Rava y Tomasz Stanko. Sorprende, pues, descubrir afinidades con el sonido clásico de ECM trasladado a la personalidad del presente y matizada por elementos de folclore hispano-andaluz. Por todo ello, en sus momentos iniciales, nos puede recordar el cuarteto nórdico de Keith Jarrett, al verse unidos folk, blues y modernidad melódica, teniendo como instigador y fuelle al piano de Marco Mezquida.

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SUPTNIK TRIO

 

 

 

 

 

 

 

Hidden Forces Trio: Crows Are Council
Gustavo Domínguez (clarinete bajo, clarinete y didgeridoo), Marco Serrato (contrabajo), Borja Díaz (batería).
Clamshell

Tejero / Serrato / Díaz: Sputnik Trío
Ricardo Tejero
(saxos), Marco Serrato (contrabajo), Borja díaz (batería).
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Decía el trompetista Julián Sánchez, nuestro anterior protagonista, en unas declaraciones a prensa que no podía ser lo mismo hacer improvisación libre en Berlín que en Sevilla. Totalmente de acuerdo, pero no es algo imposible, al menos lo desmienten esta alianza de dos jerezanos y un sevillano. Quizá por ello sea éste el grupo más singular que hay en Andalucía, una tierra donde el free jazz y derivados extremos del rock no es algo habitual encontrar. Su propuesta no deja margen a la duda de una expresión abigarrada, tensa y ruidista, con detalles melódicos y atmosféricos que aparecen como accidentes en medio del tórrido camino. Un camino construido desde la improvisación libre y la herencia de Peter Bröztman, impulsada por Ken Vandermark con sonido rock garage en Spaceways Inc. & Zu y que hoy tendría como principal exponente y referencia de este sonido crudo y aguerrido de free-metal, a The Thing (Mats Gustafsson, Ingebrigt Håker Flaten, Paal Nilssen-Love).

Tras Topus, su debut internacional para Bruce`s Fingers en 2013, un disco con una estructura más compositiva, dan el salto al sello Clamshell que se centra en planteamientos evolucionados del free y la música contemporánea través de la libre improvisación. Dos miembros de este conjunto, Marco Serrato y Borja Díaz ( batería también de grupos como Orthodox y Blooming Latigo)  junto con Ricardo Tejero en la posición de Gustavo Domínguez, extienden la creación en el la banda que da nombre al  Spunik Trio, que también publicó trabajo en 2014.

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“Fuerzas ocultas”  y oscuras también, título tras el que se esconden Gustavo Domínguez, Marco Serrato y Borja Díaz

 

Crows Are Council, con títulos en inglés que reflejan su proyección exterior, aborda con más contundencia y sonido agresivo la idea, dando un mayor protagonismo al clarinete bajo e introduciendo didgeridoo, además de hacer un mayor uso del arco en el contrabajo (Ingrebrigt Haker Flaten). Son los espacios sostenidos de respiración más abstractay menos furia, combinando tejidos figurativos de expresividad atonal, los que descubren la solvencia instrumental y tímbrica emanada de la música clásica contemporánea o, dentro del jazz, a Jimmy Giuffre.

Potente y sutil, en línea de vanguardia entre free jazz, rock y música contemporánea, signo de modernidad internacional, este trío sevillano-jerezano es punta de lanza de la creación instantánea y colectiva más interesante.

 portada

José Carra: El Camino

Jose Carra (piano), Beatriz Pessoa (voz), Enrique Oliver (saxofón y clarinete bajo), Romeu Tristao (contrabajo), Joao Lopes Pereira (batería), Carlos López (percusión). Sección de cuerda: Mario Navas, violín I (solista), Javi Gregori, violín I, Lorenzo Triviño, violín I, Sergio Martínez, violín II, Sara Muñoz, violín II, Ana María Navarro, violín II, Francisco José Fernández, viola, Ana González, viola, Alejandro Martínez, violonchelo, César Jiménez, violoncheloAlejandro Escalera, palmas y nudillos.
Producido por Jose Carra y Antonio Romero
Romero Music Spain

El proyecto, que se presentó el pasado noviembre en el Festival de jazz de Málaga, se concibe sobre una estructura en quinteto (jovencísimos músicos portugueses) más set de percusión, con dos elementos centrales que son la voz de Beatriz Pessoa (sin letra, recitando líricamente las notas) y el saxo tenor de uno de los mejores: Enrique Oliver. La música se inicia con una voz en off recitando un poema que sirve de introducción, uso de voz declamada en femenino que nos recuerda al teatro y sobre su mensaje a una conexión directa con el fenómeno romántico. Esta anunciación es el punto de salida a un “Camino” que queda descrito en una narración hecha de distintas paradas o distintos pasajes melódicos. El conjunto de cámara empuja y sostiene, subrayando más si cabe, los planos sentimentales de la música.

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José Carra, el pianista Malagueño, emprende con “El Camino” una búsqueda entre la música académica y el jazz lírico

Carra se entrega a la sensibilidad melancólica del primer Brad Mehldau, al deleite romántico en una narración evocativa que acerca el planteamiento a la música programática, desprendiendo en su recorrido una mezcla de emociones aéreas y motivos repetitivos que sugieren entre ambos cierto matiz pop. Recogimiento poético.

 Jaime Serradilla Trio En El Fondo

Jaime Serradilla Trío: En el fondo
Roger Mas (piano), Jaime Serradilla (contrabajo), Joe Krause (batería). Blue Asteroid Records

Es el único disco de esta lista que se registró en un concierto en directo. Dato que condiciona el resultado registrando y trasmitiendo la cercanía y complicidad del público presencial y del oyente de ahora. Serradilla es uno de los nombres fundamentales de la escena Sevillana. Justo en el centro de esa ciudad, en la Plaza del Duque, frenteal Corte Inglés tuvo lugar este concierto, uno de los tres que dio junto a los catalanes Roger Mas y Jo Krause.

La labor que lleva acabo el contrabajista tiene en la pedagogía musical uno de sus objetivos. En el Club Naima, cuyo cumpleaños aquí celebramos, su actividad en vivo aúna creación y crecimiento musical enfocado desde la lectura o, quizá mejor, indagación sobre standards. Ello viene reafirmado por un esquema de exposición, desarrollo solista y recapitulaciones con puentes y cambios métricos entre bebop, baladas y latin. Terreno abonado en la corriente principal hecho de temas originales que, no obstante, se desenvuelven por un clima que lo conecta con ellos pero dando un paso hacia una modernidad que sugiere a Kenny Barron.

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Roger Mas, Jaime Serradilla y Jo Krause en el directo en Sevilla que dio pie a este trabajo en disco

Con un mensaje veraz y cálido, que tiene también momentos álgidos en los solos de Mas y Krause, es éste un disco que celebra un encuentro fluido en torno al jazz sin más aditivos que el diálogo a tres bandas.

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Gabacho Maroconnection: Bissara
Hamid Moumen (voz, guembri), Jawad Jadli (percusión, canto), Fred Faure (percusión, n’goni), Charley Rose (saxo alto), Antonio Lizana (saxo tenor, voz), Willy Muñoz (teclados), Eric Oxandaburru (bajo), Vincent Thomas (batería). Grabado en Granada en septiembre de 2013.
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Gabacho Maroconnection, grupo con apenas un año y unos meses de existencia, ha sido sin duda alguna el acontecimiento musical del año, por número de conciertos por toda la geografía española y algunos en el extranjero, por el recibimiento de los medios y del público. Proyecto con un pasado previo que también, como nuestro primer disco seleccionado,  echó a andar en Cádiz. Un trabajo colectivo en donde las personalidades ,más acusadas en el instrumentista jazzístico, quedan diluidas en este viaje por las músicas de raíz y las aportaciones de todos sus miembros.

Medido e infalible equilibrio entre estructura, color y ritmo, el formato que reúne GMC, que recoge en todo su potencial este disco, redunda en una expresividad híbrida compaginando sonidos que citan a Joe Zawinul, Avishai Cohen o Gnawa Diffusion, es decir territorios de sofisticación y ritualismo que nutren tanto a la world music como al jazz de sus orígenes. Porque este proyecto, coincidiendo sus miembros en la escuela Musikene de San Sebastián, nació como el quinteto Gabacho Connection antes de rebautizarse de este modo en Jadida (Marruecos). Bautizo con sopa de habas secas, que es lo que significa Bissara, plato popular en todo el Magreb.

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Gabacho Maroconnection y sus alfombras voladoras, las que les han llevado a ser uno de los grupos con más conciertos del año pasado

Grupo interracial franco-hispano-magrebí que entusiasma e invita a bailar, aunando elementos renovados en la fusión musical, coreografías y ritual gnawa a partes iguales. Y, sobre todo ahora, enviando un mensaje de convivencia entre civilizaciones.

© Jesús Gonzalo, 2015




Vandermark 5. Abriendo el siglo XXI. Por Jesús Gonzalo

Se cumplen 18 años de la fundación de un grupo fundamental en el jazz que se despedía del pasado siglo y comenzaba éste con paso firme. Fue la punta de lanza de una escena como la de Chicago que se revitalizó con con él. Dos formaciones en quinteto y sin piano han marcado decisivamente los últimos veinte años, ambas nacieron en torno a 1997. El quinteto de Dave Holland y éste de Ken Vandermark.

 

Ken Vandermark © Rob Miller

Ken Vandermark
© Rob Miller

 

Aunque nació cerca de la jazzística Newport y heredó de su padre Stu, procedente de Boston, un apellido de clara filiación nórdica, Ken Vandermark  (Warwick, Rhode Island, 1964) llega a Chicago en 1989, ciudad de fuerte tradición para el blues y escaparate de la vanguardia del jazz y el rock independiente. Para Vandermark, el talento y la independencia creativa, señas propias de identidad, no se pueden obtener dentro de un sistema académico. Sin formación musical, sólo estudios cinematográficos en Montreal pero músico antes de dejar el instituto, se incorporó a principios de los 90 al NRG Ensemble de un personaje con ciertos rasgos excéntricos, un músico de culto como Hal Russell, de cuyo imaginativo pastiche sonoro  formó parte y en donde conoció al contrabajista Kent Kessler. Poco después se le pudo ver con Joe Morris, otra gran figura de la improvisación libre que proviene de Boston y que como él es imposible de asociar como producto de su más famosa escuela Berklee.

Pese a que Vandermark es un músico con un conocimiento y un respeto profundo de la tradición del jazz (aunque reconoce que no se puede seguir tocando a Charlie Parker porque, entre otras razones, ya lo dijo él todo), su visión creativa parte del free (dedicó dos volúmenes Free Jazz Classics para temas históricos de este género) y asume influencias de saxofonistas, tres pilares en su estilo, como Albert Ayler, Julius Hemphill o Peter Brötzmann, y autores del avantgarde como Don Cherry. Su firme compromiso con la creación de vanguardia lo sitúa en la independencia sobre cualquier movimiento, como de la AACM de su ciudad.

En la última década se pudo encontrar en proyectos locales tan virulentos/punk como Spaceways Inc & Zu y en otros más etéreos y cinemáticos como el Boxhead Ensemble. Siguió colaborando, entre infinidad de encuentros por todo el mundo, con músicos veteranos como Peter Brötzmann y Joe McPhee y también a dúos con otros de una generación más joven como Nate Wooley o Paal Nilseen-Love. También grabó el año pasado un directo con Agustí Fernández y ahora, en este mes de mayo, se unirá al pianista Jason Moran en un estimulante proyecto. En sus tiempos muertos entre aeropuerto y aeropuerto, en una personal e inagotable cruzada nutrida de motivación y  compromiso por la vanguardia y por ampliar la audiencias (ha conseguido formar un círculo creativo en países  exsoviéticos), Vandermark, siempre infatigable, ha ido entregando una valiosa y profusa serie de crónicas y testimonios de sus experiencias en lo que ha venido en llamar “Notes from the field”, que se pueden leer en su web y ahora en su muro de Facebook.

 

Ken Vandermark. Fotografía © Janite Lafuente, 2013

Ken Vandermark. Fotografía © Janite Lafuente, 2013

Siguiendo en el presente inmediato del músico, tras Vandermark 5, acaso su proyecto de mayor proyección, el que ha generado más escritura y el más consolidado en el tiempo de la infinidad en los que ha estado involucrado, destacan sus proyectos Atomic School Days(Atomic al completo más Jeb Bishop, Kjell Nordeson y él), Free Fall (sobre el trío de Jimmy Giuffre con dos miembros de Atomic, Håvard Wiik e Ingebrigt Håker Flaten, con él a los clarinetes), Platform 1 (otro grupo excepcional formado por Joe Williamson, Magnus Broo, Michael Vatcher, Steve Swell) y activa está la propuesta electroacústica Made to break  (Devin Hoff, Tim Daisy, Christof Kurzmann y él).

 

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The Vandermark 5 con Fred Lonberg-Holm

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Vandermark 5 Burn The InclineAntes cuarteto que quinteto, con cuatro distintas formaciones que más abajo detallamos y un núcleo instrumental básico, entre 1997 y 2010 The Vandermark 5 ha editado un puñado de trabajos imprescindibles, producciones todas ellas realizadas en un sello como Atavistic ajeno a la exclusividad jazzística (grabaciones de Glenn Branca y Lydia Lunch) con un enfoque más marcado en el rock underground (señalar que a la tradición de ciudad del blues, en los 90 en Chicago a despuntó un nueva escena de rock sin límites expresivos entre los que estaban Tortoise o los por entonces escindidos Gastr del Sol de Jim O`Rourke).

Vandermark Five Acoustic MachineQuizá por ello en sus tres primeros trabajos se evidencia un gusto por el sonido “sucio” y rudo, con un planteamiento compositivo menos menos elaborado. Algo que también se refleja en portadas como Target or Flag hasta llegar a Simpatico, volviendo luego al diseño y motivos underground en Burn the incline y que se ajusta luego a la potencia “desenchufada” del mensaje en Acoustic machine, alcanzando el clímax de refinación figurativa -también desde el título- en Airports for light. La bisagra de esa frontera difusa entre el desgarro y la sofisticación podría estar en el ya citado Acoustic machine. Es ahí donde el discurso del grupo alcanza unpropósito narrativo y una estructura más compleja.

Vandermark 5 Airports For LightLa inspiración en cada tema puede venir de multitud de fuentes y a ellas va dirigida una dedicatoria. Principalmente son autores que provienen de la música (jazz, soul, contemporánea) y el arte (pintores), siendo posible intentar establecer alguna conexión entre el resultado y la obra del homenajeado… John Cassavetes, György Ligeti, Curtis Mayfield, Jackson Pollock, Gerarhd Richter, William Klein, Ab Baars, Sonny Rollins, Glenn Spearman, John Carter son algunas de ellas, que en el caso de Acoustic Machine van en su mayoría dirigidas a saxofonistas: de Lester Young a Stan Getz pasando por Archie Shepp o Julius Hemphill.

 

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The Vandermark 5 con Fred Lonberg-Holm

Volumen y energía: combustible

V5 Beat readerSin instrumentos que aporten alturas como el piano y fuertemente instalados en la potencia y expresividad febril de metales y afilada de guitarras/chelo, con el contrapeso de una todopoderosa base rítmica, este enfoque no sólo empuja sino que levita rozando los timbres electrónicos cuando se sumergen en ambientes etéreos y expresionistas. Energía que golpea o hecha fragmentos que se expanden; cohesión granítica, desbordamiento; acometida de grupo, juego subterráneo, aislamientos; paroxismo abandonado… Intensidad, potencia, precisión, diálogo, explosión de motivos…

Sus discos trasmiten fielmente la tensión del directo, pues se trata de un lenguaje que adopta la presencia y el calor renovado del free jazz, que explota en mil direcciones usando al mismo tiempo patrones de bop, blues y funk, sonido rock garage o distorsión, que se amplía con emparejamientos polifónicos y traslaciones armónicas o colapsa desplegando clima atonal. Su personalidad y trayectoria consideramos queda comprendida en los trabajos  Simpatico, Acoustic Machine, Airports for Light y Beat Reader, añadiendo quizá la espléndida suite de 20 minutos “Six of one” que cierra Elements of Style.

The Horse Jumps and the Ship Is Gone (Not Two Records) es el disco doble en directo, grabado en junio de 2009 en Chicago, que pone fin a la carrera de este organismo irrepetible. V5 nos ofreció una nueva expresividad, una nueva narrativa frente al vacío de no pertenecer a ninguna escuela. Un eco turbulento cuyo aliento de futuro llega hasta hoy.

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The Vandermark Five con Jeb Bishop Fotografía por © Sergio Merino, 2003

© Jesús Gonzalo, 2014

The Vandermark 5

Formaciones:

Ken Vandermark: saxo barítono, clarinete bajo, clarinete; Dave Rempis: saxo / Mars Williams saxo alto y tenor; Jeb Bishop: trombón, guitarra/ Fred Lonberg-Holm: chelo y electrónica ; Kent Kessler: contrabajo; Tim Daisy / Tim Mulvenna: batería.

The Vandermark 5 en Atavistic

  • Single Piece Flow (1997)
  • Target Or Flag (1998)
  • Simpatico (1999)
  • Burn The Incline (2000)
  • Acoustic Machine (2001)
  • Airports For Light (2002)
  • Elements Of Style (2004)
  • The Colour Of Memory (2005)
  • A Discontinous Line (2006)
  • Beat Reader (2008)
  • Free Jazz Classics Vols. 1 – 4 

The Vandermark 5 en Not Two

  • Alchemia (2005) 12CD
  • Four Sides Of The Story (2006)
  • The Horse Jumps and the Ship Is Gone (2010)



Tomajazz recomienda… un tema: “Deep Purple” (Jimmy Giuffre, 1956)

Jimmy Giuffre The Jimmy Giuffre ClarinetJimmy & Jimmy, Giuffre y Rowles, se reúnen para dar una lección magistral de lirismo, el primero con su clarinete casi pastoral, y el segundo con su acompañamiento a la celesta.

Estos dos secundarios de lujo –el primero con una de las carreras más pintorescas del jazz, el segundo uno de los mejores pianistas acompañantes del siglo pasado–, consiguen, en un compenetrado diálogo, reducir un viejo standard a su esencia más lírica, despojándolo de todo aquello que lo pudiera hacer empalagoso. Una pequeña delicia.

© Adolphus van Tenzing, 2011

Disponible en Jimmy Giuffre: The Jimmy Giuffre Clarinet (Collectables 6162)




Tomajazz recomienda… un disco: Free Fall (Jimmy Giuffre, 1962)

Free_fall_(album)En la década de los 60, al mismo tiempo que alguno de los grandes convulsionadores del mundo del jazz del jazz (Cecil Taylor, Ornette Coleman, John Coltrane) desarrollaban sus propuestas, otros músicos eran protagonistas de lo que se podría denominar una “revolución silenciosa”.

Una de esas figuras fue el clarinetista, saxofonista, compositor y arreglista Jimmy Giuffre. En 1962 grabó junto al pianista Paul Bley y al contrabajista Steve Swallow Free Fall, un LP en el que interpretó temas en solitario (principalmente), en dúo y en trío. Estas composiciones fueron desarrolladas trabajando con una concepción de la improvisación en el jazz tal que su resultado no solo resultó avanzada para su tiempo, sino que lo sigue siendo a día de hoy, más de cuatro décadas después.

© Adolphus van Tenzing

Jimmy Giuffre Free Fall (Columbia/Legacy CK 65446).

En memoria de Jimmy Giuffre (1921-2008).




Tomajazz Recomienda… una película: “Jazz On A Summer’s Day” (Bert Stern, 1958)

220px-Jazz_on_a_Summer's_Day_FilmPosterEn el año 1958 el joven fotógrafo Bert Stern pasó un fin de semana en el festival de Jazz de Newport realizando la que sería su única película. Con cinco cámaras se dedicó a plasmar no sólo la música y a los músicos, sino también a los aficionados y su reacción ante la música (realizando algo parecido a una crónica social), así como el ambiente de las calles, las playas o la regata que en esos momentos tenía lugar en esta ciudad. El tratamiento de la imagen resulta cuando menos heterodoxo para la época. Por poner un ejemplo, justo al comienzo de la película en la actuación de Jimmy Giuffre (con Jim Hall y Bob Brookmeyer) la cámara se centra únicamente en el saxofonista, obviando a los otros dos integrantes de su trío. Este tratamiento informal, a pesar de la economía de medios, logra que su estética resulte plenamente actual.

En lo musical resulta un documento impagable gracias a las actuaciones de Louis Armstrong, Gerry Mulligan (con Art Farmer), Sonny Stitt, George Shearing, Anita O’Day, Dinah Washington, Chico Hamilton, Thelonious Monk (en trío con el contrabajista Henry Grimes y el batería Roy Haynes) o Jimmy Giuffre.

© Adolphus van Tenzing, 2009

Bert Stern. Jazz On A Summer’s Day (1958)




Tomajazz Recomienda… un programa de televisión: “The Sound of Jazz” (1957)

The Sound Of JazzEn 1957 la cadena CBS produjo la serie de diez programas de televisión Seven Lively Arts. Entre ellos dedicaron uno al jazz titulado “The Sound Of Jazz”. A lo largo de una hora recogía la música de un grupo de artistas pertenecientes a varias décadas y estilos. Entre ellos se encontraban Count Basie, Lester Young, Ben Webster, Billie Holiday, Coleman Hawkins, Doc Cheatman, Henry Red Allen, Vic Dickenson, Pee Wee Russell, Thelonious Monk, Jimmy Giuffre, Jim Hall y Gerry Mulligan. Organizados en distintos grupos dejaron para la posteridad una hora de jazz en blanco y negro, en un estudio despojado de todo decorado o adorno, en el que lo importante no era tanto la música sino los músicos, tanto tocando como moviéndose libremente para disfrutar de la música de sus compañeros.

A lo largo de los diez temas hay espacio para que se sucedan una multitud de momentos únicos e inolvidables. Sin embargo, y por encima de todos ellos, hay que destacar la intervención de Billie Holiday interpretando “Fine and Mellow”, en la que aparece acompañada por Mal Waldron, Roy Eldridge, Doc Cheatman, Vic Dickenson, Gerry Mulligan, Coleman Hawkins, Lester Young y Ben Webster entre otros. Un tema en el que Lady Day es capaz de emocionar al más pintado y en el que demostraba una vez más su enorme capacidad como intérprete: sólo por este tema merece la pena echar un vistazo a este programa.

Sería prolijo comentarlos uno a uno, pero no por ello me voy a privar destacar otros dos momento especialmente recomendables. El primero de ellos es la interpretación de “Dickie’s Dream” por los Count Basie All Stars: un tema vibrante en el que los solistas (Count Basie, Freddie Green, Dicky Wells, Coleman Hawkins, Ben Webster, Gerry Mulligan y Roy Eldridge entre otros) se lucen en una fantástica ronda de solos, brillante y sumamente inspirada, repleta de swing. Y por supuesto, ¡como no!, la versión de “Blue Monk” a cargo de Thelonious Monk, Ahmed Abdul Malik y Osie Johnson. Si siempre es un placer ver a Monk al piano, en este caso los primeros planos siguiendo el movimiento de los pies del pianista hacen que la música resulte sumamente contagiosa.

El documental se ha publicado en formato VHS y DVD. A continuación se indican algunas de sus ediciones.
Varios Autores – The Greatest Jazz Films Ever (Idem Home Video 2003 / Eforfilms 2005, 2 DVD) / Billie Holiday The Sound Of Jazz (Idem Home Video)

©Adolphus Van Tenzing, 2009