Jazz Para Ti (Programa 004. 2018-03-06) [Podcast]

En la cuarta entrega de Jazz Para Ti (6 de marzo de 2018), el contenido central del programa es una amplia entrevista con el saxofonista almendralejense Narci González que acaba de publicar Nothing Changes (FreeCode JazzRecords, 2018). Además de sus palabras, se pueden escuchar dos temas de su nueva grabación. En la sección de novedades Jazz de Hoy suenan tres grabaciones en las que el piano tienen un papel esencial: A Humdrum Star (GoGo Penguin; Blue Note, 2018); Love & Peace (Joachim Kühn New Trio; ACT, 2018); Contradiction Of Happiness (de la cantante Sarah Buechi, que cuenta con la participación del pianista Stefan Aeby; Intakt, 2018). El programa finaliza con la sección Jazz y Alrededores volviendo la vista hacia la música de King Crimson revisada por la Ed Palermo Big Band en The Great Un-American Songbook Volumes I & II (Cuneiform Records, 2017).

Jazz Para Ti es un programa presentado y dirigido por Pachi Tapiz que se emite los martes, de 20:00 a 21:00 en RCB.

Jazz Para Ti se comenzó a emitir el martes 13 de febrero de 2018, Día Internacional de la Radio.




INSTANTZZ: Emile Parisien Quintet avec Joachim Kühn et Michel Portal “Sfumato” (Carrières, Festival Jazz à Junas, Junas -France-. 2017-07-20) [Galería fotográfica]

  • Fecha: Jueves, 20 de julio de 2017
  • Lugar: Carrières (Junas / France)
  • Grupo:
    Emile Parisien Quintet avec Joachim Khün et Michel Portal “Sfumato”
    Emile Parisien, saxo soprano
    Michel Portal, clarinete bajo
    Joachim Khün, piano
    Manu Codjia, guitarra
    Simon Tailleu, contrabajo
    Mario Costa, batería

Tomajazz: © Joan Cortès, 2017




HDO 357. Al habla con… Joan Cortès [Podcast]

El fotógrafo Joan Cortès publicaba el pasado 23 de noviembre de 2017 su fotorreportaje número 300 en la sección INSTANTZZ de Tomajazz. Con motivo de dicho tricentenario, Joan Cortès pasa por HDO para charlar con Pachi Tapiz acerca de su aproximación a la fotografía y la música, sus fotógrafos favoritos y distintas cuestiones relativas al arte de plasmar las imágenes en forma de fotografías.

Como complemento a sus palabras suena una interesante lista de músicas seleccionadas por el propio Joan, en la que se incluyen los siguientes temas:

  • “Stanley Stampos Gibbon Album (For B.O.)”. Soft Machine. Six. 1972
  • “Kursk Requiem”. Stefano Battaglia. Pastorale. 2010
  • “La Aurora de Nueva York”. Morente & Lagartija Nick. Omega – Cantando a Lorca. 1996
  • “The Beauty Of Dissolving Portraits”. Ambrose Akinmusire. The Imagined Savios Is Far Eaesier To Paint. 2014
  • “Xiasmes”. Edward Perraud. Synaesthetic Trip. 2011
  • “Modalités”. Vincent Courtois. West. 2014
  • “Take My Life”. Theo Bleckmann. Elegy. 2017
  • “El poeta pide a su amor que le escriba”. Manolo Sanlúcar – Carmen Linares. Locura de brisa y trina. 2000
  • “Persistance de l’oubli – Part I”. Orchestre National de Jazz (Oliver Benoit). Europa Berlin. 2015
  • “Romanza (Sonate pour clarinette et piano)”. Jean-Marc Foltz & Stephan Oliva. Visions Fugitives. 2011
  • “Portrait”. Anne James Chaton & Andy Moor. Le Journaliste. 2008
  • “La niña de la calle Ibiza”. Agustí Fernández. River Tiger Fire. 2014
  • “Le clown tueur de la fete foraine I”. Emile Parisien Quintet with Joachim Kühn. Sfumato. 2016

 

Tomajazz. Presentación y HDO: © Pachi Tapiz, 2017
Metafotografía: © Ana Martí, 2017

HDO es un podcast editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.




Malditos Jazztardos… The Doors por Joachim Kühn New Trio (026) [Podcast]

Joachim Kühn al frente de su New Trio, repasa en Beauty & Truth (ACT, 2016), unos cuantos temas ajenos, incluyendo “The End” y “Riders On The Storms” de The Doors. En MJ 26 escuchamos a Joachim Kühn, Chris Jennings Eric Schaefer recreando el clásico de Morrison, Densmore, Krieger y Manzarek.

© Pachi Tapiz, 2017

Malditos Jazztardos es un podcast de jazz… para quienes no saben que les gusta el jazz.




Javier Nombela: Alrededor del Jazz 2 [Exposición fotográfica]

Javier Nombela no es la primera vez que expone en la Jazzlería de Tomajazz. No hace mucho que pudimos disfrutar de su arte en la exposición Alrededor del Jazz. En 2004 vuelve con una nueva exposición, continuación de la anterior y nuevamente disfrutable. Lo dicho, que ustedes lo disfruten.

José Francisco Tapiz [Publicada originalmente en julio de 2004]


Roscoe Mitchell 1998


Benny Maupin 2002


Elvin Jones 2003


Joe Henderson 1990


Jorge Pardo 2004


David Murray 2000


James Carter 2001


Joaquin Kühn 1994


Glen Moore 2003


David King 2002


Dave Douglas 2000


Frank Lacy 1992


John Pattitucci 2001


Michael Moore 2003


Carlos Ibañez 1997


Jimmy Heath 2001


Anthony Jackson 1992


Percy Heath 2001


Paul Motian 1995


Pedro Ruí Blas 2002


Ron Blake


Nguyen Lee 2002


Marcus Miller 2002


Roscoe Mitchell 1998

Tomajazz © Javier Nombela, 2004

Publicado originalmente en http://www.tomajazz.com/perfiles/nombela_04.htm




HDO 139. Eric Schaefer: Joachim Kühn New Trio – Michael Wollny Trio – Eric Schaefer & The Shredz. 3X3 (04) [Podcast]

01 - Joachim Kuhn New Trio_Beauty and Truth_ACT_2016 02 - Michael Wollny Trio_In concert. Klangspuren_ACT_2016 03 - Eric Schaefer + The Shredz_Bliss_ACT_2016

Eric Schaefer es posible que no sea un músico demasiado conocido en España, pero es uno de los bateristas de jazz con mayor reconocimiento en Alemania. Ganador de múltiples premios es uno de los miembros imprescindible en el grupo [em], el Michael Wollny Trio. En 2016 ha aparecido en tres grabaciones notables: klangspuran (Michael Wollny Trio), Beauty & Truth (Joachim Kühn New Trio), y liderando Bliss (Eric Schaefer + The Shredz). En una nueva entrega 3X3 de HDO, escuchamos música de estas tres grabaciones.

© Pachi Tapiz, 2016

HDO es un podcast editado, producido y presentado por Pachi Tapiz, que de momento no tiene necesidad de utilizar periscopio alguno.

Las grabaciones, los músicos:

  • Joachim Kühn New Trio: Beauty & Truth (ACT, 2016)
    Joachim Kühn, Chris Jennings, Eric Schaefer
  • Michael Wollny Trio: klangspuren (ACT, 2016. CD+DVD)
    Michael Wollny, Christian Weber, Eric Schaefer
  • Eric Schaefer + The Shredz: Bliss (ACT, 2016)
    Eric Schaefer, John-Dennis Renken, Volker Meitz, John Eckhardt

 




Zbigniew Seifert, Jean-Luc Ponty, Stéphane Grappelli: más violinistas en MPS. HDO (0046) [Audioblog]

Continuamos repasando grabaciones lideradas por, o con la participación de violinistas en el sello MPS. El polaco Zbigniew Seifert es uno de esos casos habituales de músico de músicos. Fallecido antes de tiempo, en 1979 con 32 años, fascinó con su manera de tocar el violín. En 1976 grabó Man Of The Light en compañía de Joachim Kühn, Cecil McBee, Billy Hart y Jasper Van’t Hoff. Un músico a reivindicar. Stéphane Grappelli y George Shearing se reunieron en 1976, 36 años después de que el violinista contratase al pianista para su grupo. Escuchamos dos temas, sendos clásicos, de la grabación que surgió de esta unión titulada The Reunion. Finalizamos con dos grabaciones de Jean-Luc Ponty: Sunday Walk, de 1967, en la que Ponty contaba con apenas 25 años, grabado en el inicio de su carrera antes de que pasase a ser una figura internacional de primer nivel después de tocar y grabar junto a Frank Zappa, la Mahavishnu Orchestra y Return To Forever de Chick Corea; Open Strings es una grabación de 1971 a nombre del Jean-Luc Ponty Experience, previo a su inmersión en el jazz fusion. En ambas grabaciones los acompañantes son figuras de primer nivel como Daniel Humeir, Niels-Henning Orsted-Pedersen, Joachim Kühn, Wolfgang Dauner, Philippe Catherine, Oliver Johnson y Peter Warren.

© Pachi Tapiz, 2015

HDO (Hablando de oídas) es un audioblog editado, presentado y producido por Pachi Tapiz.

Zbigniew Seifert_Man of the light_mps Jean-Luc Ponty_Sunday Walk_MPS Jean Luc Ponty Experience_Open Strings_MPS_15343OpenStrings-Cover-300x295 Stephane Grappelli - George Shearing Trio_The Reunion_MPS
 

Los temas, las grabaciones, los músicos

  • “City Of Spring”, “Man Of The Light”
    Zbigniew Seifert: Man Of The Light (MPS, 1976)
    Zbigniew Seifert, Cecil McBee, Billy Hart, Jasper Van’t Hof, Joachim Kühn
  • “Time After Time”, “It Don’t Mean a Thing”
    Stéphane Grapelli & George Shearing Trio: The Reunion (MPS, 1976)
    Stéphane Grapelli & George Shearing Trio: Stephane Grappelli, George Shearing, Andrew Simpkins, Rusty Jones
  • “Sunday Walk”, “Suite for Claudia”
    Jean-Luc Ponty: Sunday Walk (MPS, 1967)
    Jean-Luc Ponty, Wolfgang Dauner, Niels-Henning Orsted-Pedersen, Daniel Humair
  • “Open Strings”
    Jean-Luc Ponty Experience: Open Strings (MPS, 1971)
    Jean-Luc Ponty Experience: Jean-Luc Ponty, Peter Warren, Oliver Johnson, Philip Catherine, Joachim Kühn



Especial Albert Mangelsdorff en MPS (III). HDO (0024) [Audioblog]

Tercera entrega dedicada a las reediciones protagonizadas por el trombonista Albert Mangelsdorff en MPS, en la que suenan tres grabaciones más. En primer lugar suena el inicio de Eternal Rhythm de Don Cherry, con su propuesta musical multicultural. Del LP From Europe With Jazz el Zurich International Festival All-Stars (con músicos como Dexter Gordon, Don Byas, Art Farmer o Slide Hampton) realiza una versión de “Lonely Woman”, arreglada por George Gruntz. La tercera grabación es la titulada Open Space de The Down Beat Poll Winners In Europe en la que participaban, además de Mangelsdorff, Daniel Humair, John Surman, Francy Boland, Niels Henning Oersted-Pedersen, y la vocalista Karin Krog. Su propuesta, lejos de visitar terrenos comunes y cómodos, lleva la música a los terrenos de la improvisación y a espacios abiertos llenos de posibilidades. Mangelsdorff, como el gran trombonista que era, en todos estos casos deja patentes su enorme capacidad expresiva.

© Pachi Tapiz, 2015

HDO es un audioblog editado, producido y presentado por Pachi Tapiz.

Don Cherry_Eternal Rhythm Alta From Europe With Jazz The_Down_Beat_Poll_Winners_in_Europe-Open_Space

Los temas, las grabaciones, los músicos

  • “Eternal Rhythm” (inicio)
    Don Cherry. Eternal Rhythm. MPS
    Albert Mangelsdorff, Don Cherry, Sonny Sharrock, Eje Thelin, Bernt Rosengren, Karl Berger, Joachim Kühn, Arild Andersen, Jaques Thollot
  • “Lonely Woman”
    Various. From Europe With Jazz. MPS
    Zurich International Festival All-Stars. Albert Mangelsdorff, Art Farmer, Benny Bailey, Dusko Goykovich, Franco Ambrosetti, Slide Hampton, Jiggs Whigham, Herb Geller, Dexter Gordon, Don Byas, George Gruntz…
  • “Open Space”, “Winter Song”, “Ryoan-Ji”
    The Down Beat Poll Winners in Europe. Open Space
    Albert Mangelsdorff, John Surman, Karin Krog, Francy Boland, Niels Henning Oersted-Pedersen, Daniel Humair



Ornette by Fernández

Ornette Coleman ha fallecido a los ochenta y cinco años de edad. Con este motivo, recuperamos el artículo que Agustí Fernández publicó en la revista Mas Jazz en 2005, y que publicamos en Tomajazz con permiso de la revista y su autor. Descanse en paz este gigante.

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Ornette Coleman es considerado unánimamente como uno de los cinco grandes innovadores del jazz junto con Louis Armstrong, Charlie Parker, Miles Davis y John Coltrane, y se le identifica como el padre del “free jazz” que surgió en los años 60.

“La aportación de Ornette tanto musical, espiritual como filosóficamente ha inspirado durante cuarenta años a un montón de músicos a que miraran dentro de sí mismos y a que encontraran cosas que nunca habrían encontrado si él no hubiera tenido éxito previamente creando su propio lenguaje personal. Ornette es uno de los mejores ejemplos posibles de lo que una persona con una visión potente del sonido y la música puede llegar a realizar.” Pat Metheny, en el prólogo del libro “Ornette Coleman, his life and music” de Peter Niklas Wilson.

Artículo publicado originalmente en el número especial de verano de 2005 de la revista Mas Jazz. Reproducido con permiso de su autor, Agustí Fernández y de la revista.

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ornette_by_doa

Ornette Coleman, el genial saxofonista norteamericano, acaba de cumplir 75 años. Para celebrarlo ofreció un concierto el pasado 2 de mayo en el Barbican de Londres con su actual cuarteto: Greg Cohen y Tony Falanga a los contrabajos, su hijo Denardo Coleman a la batería y percusión y él mismo al saxo alto, trompeta y violín.

Casualmente yo me encontraba en Londres ese dia, pero no pude asistir al concierto por motivos profesionales (estaba en el Gateway Studio grabando con una formación liderada por Evan Parker).

Pero al dia siguiente vi su foto en los periódicos y tuve la sensación, que ya había tenido con anterioridad, de que Ornettese había convertido en un artista imprescindible e intemporal (Old King Coleman le llamaba The Times). Un artista para el que el tiempo no corre en contra sino a favor, como pueda ser el caso de Pina Bausch, Francis Ford Coppola oRobert Rauschenberg, por citar otros artistas contemporáneos indiscutibles.

Su llamativo traje de seda de color ciruela de corte impecable, su clásico sombrero (el pork-pie hat), el saxo alto: todo estaba como siempre. Estoy seguro, y así lo señalaba la crónica, que la música estuvo donde ha estado siempre: en el lugar que se inventó hace ya casi cincuenta años y que vino a revolucionar uno de los mundos musicales más cerrados de la época.

He tenido el privilegio de coincidir con Ornette en un par de ocasiones en Nueva York y tengo muy clara la impresión que me causó. Ornette es un hombre no demasiado alto, delgado, bien conservado, muy atento y educado, que habla en voz baja (cuando habla, ya que no es persona de muchas palabras), sin arrogancia, que anda sin hacer ruido, con una calidez de trato natural, una presencia física magnètica que aporta paz y calma a cualquier situación.

Es difícil imaginar hoy en dia que una persona tal armara el follón que armó cuando se presentó en el Five Spot a finales de los años cincuenta. Que despertara tanto animadversión apasionada entre tantos buenos músicos (especialmente los hardboppers), aficionados y gente del jazz. Como botón de muestra basta citar el puñetazo que le propinó Max Roach al acabar el último set uno de los días de dicha presentación (la noche siguiente, Max Roach fue hasta su casa y desde la calle le desafiaba a bajar para resolver las diferencias musicales a puñetazo limpio).

Y lo que irritaba a estos músicos era su enfoque nuevo, fresco, intuitivamente improvisatorio que él denominaba “la forma del jazz que vendrá”.

También en el escenario, al frente de sus grupos, Ornette siempre ha sido un jazzman muy particular. Tanto si toca el saxo alto, la trompeta o el violín, sólo mueve ligeramente dedos y se puede ver la intensidad de su concentración, su marcada personalidad musical y su deseo de “hacer el bien” (eso es lo que declara que desea hacer con su música).Ornette es una buena persona que sólo desea hacer el bien a través de su música. Como un buen doctor que recetara medicinas musicales para ayudar, para paliar, para curar o aliviar a la gente.

Ornette Coleman, multiinstrumentista, director de grupos, compositor de música sinfónica, pensador original, se describe a sí mismo como “un compositor que interpreta”. Tómese esto en el sentido de un personaje del folklore musical norteamericano, alguien básicamente autodidacta que vive el hecho de componer inseparablemente del hecho de interpretar lo que compone, (llamémosle Bob Dylan o Johnny B. Goode). Alguien para quien crear e interpretar es una sola y la misma cosa.

Y en este mismo sentido, Ornette es un artista con una visión personal entregado a cuestionar continuamente los conceptos a priori establecidos, a desafiar las convenciones instaladas desde hace tiempo y a reordenar las jerarquías existentes en el mundo del sonido.

Como es sabido, el instrumento principal de Ornette es el saxo alto, uno de los instrumentos-icono del jazz. Con él,Ornette obtiene un sonido brillante y penetrante, familiar y reconocible al primer instante. (¿Y no es esta la cualidad que buscan los jazzmen por encima de todo: tener un sonido personal identificable entre los demás?) Un sonido libre, si se puede llamar así. Un sonido juguetón pero no siempre inocente, de una generosa calidez, como un fraseo de blues.

El sonido de Ornette es la actualización de un sonido que viene viviendo a través de la historia del jazz. Un sonido que se basa en el de los que le precedieron tocando el saxo alto, especialmente Johnny Hodges, Charlie Parker y los saxofonistas de rhythm ‘n’ blues con quienes aprendió en su juventud.

Ornette ha declarado en más de una ocasión, que lo que persigue, y ha conseguido, es un sonido “humano”. Y no se refiere solamente a un sonido que imite la vocalización humana (que también), sino al equivalente sonoro del monólogo interno que tenemos las personas, capaz de expresar tanto un grito de placer como de dolor, un susurro de ternura o una pregunta inquisidora al universo que nos rodea.

Pero lo que define históricamente a Ornette Coleman, juntamente con su inconfundible sonido, es la visión que tiene acerca de la música, llámese jazz o como quiera llamarse. De hecho, Ornette siempre ha querido derribar las divisiones que existen entre música clásica, jazz y música popular. Para él estas barreras no existen, son artificiales, culturales, en el sentido de no-naturales.

Esta visión se identifica con un enfoque desinhibido, altamente interactivo y muy a menudo intuitivo de la música. O sea, la definición clásica de free jazz, que técnicamente podríamos definir como:

a. Utilización de lineas melódicas cantables que se desarrollan libremente, sin ataduras a ruedas de acordes inamovibles o a duraciones de coros regulares. Es decir, melodías que se abren y se cierran en sí mismas, sin atender a otras razones. Estas melodías que se pueden cantar tienen su origen en la música popular, el folklore, por eso se ha dicho tantas veces que Ornette Coleman es un músico popular ilustrado.

b. Educado rechazo del sistema harmónico occidental, y establecimiento de una lógica harmónica no convencional. La harmonia colemaniana es más contrapuntística que harmónica, de ahí el problema que ha habido siempre al querer “traducir” una música monofónica a un instrumento harmónico. (Únicamente Paul Bley y James Blood Ulmer han salido airosos del envite)

c. La unión de un pulso rítmico interno con estructuras ligeramente organizadas (cuando no totalmente abiertas). Esta aparente contradicción es uno de los pilares del free jazz. Existe un pulso (o varios simultáneos) que proyecta la música hacia delante, pero este pulso está abierto en sí mismo, no tiene un fin al que converger o una meta por la que ir pasando. Eso ayuda también a crear la sensación de libertad, de que el futuro está todo por escribir, origen de tanta ansiedad en tantos otros artistas.

Todos estos conceptos utilizados libremente en una improvisación colectiva con un alto contenido emocional son los que han definido el estilo de Ornette Coleman. Una música que quiere y consigue sonar nueva, refrescante, directa en cada interpretación, aunque no siga la lógica convencional. Una música que se sitúa en el terreno de la misteriosa y vaga “harmolodía” (harmolodics), el sistema musical que definiría los principios fundamentales del quehacer de Coleman.

Para Coleman, la harmolodía sería algo así como una gran teoría unificada de la música que uniría en su seno la harmonía, la melodía, el ritmo, la estructura, la improvisación, etc., así como su interacción con las otras artes, y que presentaría una alternativa a los esquemas y prácticas artísticas occidentales (y también de otras culturas).

Se supone que Ornette lleva treinta años trabajando en poner estos principios en un libro donde plasma las ideas teóricas que explican sus decisiones estéticas en profundidad. Pero su edición se ha ido postergando y a estas alturas dudo seriamente que nunca se llegue a publicar. Todo lo más que nos llega son algunas frases aquí y allí que Ornette dice que pertenecen al libro y que son difícilmente comprensibles fuera del círculo de iniciados.

Lo que sí nos llega claramente y sin posibles malentendidos es el mensaje que nos transmite a través de su música. Una música que sigue siendo tan fresca, atractiva, apasionada, intensa, lírica, libre y sugerente como cuando empezó a sonar a finales de los años cincuenta.

Ya sea con su cuarteto, con Prime Time (su banda eclécticamente electro-acústica desde hace 30 años con quien ha grabado 9 discos), con la música sinfónica o de cámara, la música para películas, sus colaboraciones con virtuosos de cualquier tradición musical (desde Pat Metheny a los Master Musicians of Joujouka, pasando por Joachim KühnJack DeJohnette), el iconoclasta Ornette Coleman nos seguirá deleitando con su música, manteniendo una curiosidad infantil junto a una madura fuerza de expresión y una sabiduría intemporal profunda e intemporal.

Una de mis frases favoritas de Ornette es aquella que pone de manifiesto lo más profundo de su manera de ser y pensar: “Hay tantos unísonos como estrellas en el cielo”.

Por muchos años, maestro.

Texto: © Agustí Fernández 2005
Ilustración: © Diego Ortega Alonso, 2005




Alphonse Mouzon: In Search Of A Dream (MPS, 1978 -orig-, 2014 -reed.digital y CD)

15520_Mouzon In SearchJazz rock de primera el que se desgrana en la brillante producción de MPS, grabada en 1977, titulada In Search Of A Dream. El baterista Alphhonse Mouzon está acompañado por una nómina de músicos más que notables: el contrabajista Miroslav Vitous (con quien había compartido participación en Weather Report), el guitarrista Philipp Catherine, y el pianista y teclista Joachim Kühn; también el saxofonista Bob Malik y el pianista Stu Goldberg, que junto a Vitous formaban el grupo de Mouzon en esa época. Los seis músicos van participando en agrupaciones de distinto tamaño: “Playing Between the Beats” es un brillante tema en solitario; “The Light” es una tour de force a medias entre Mouzon y Vitous (que se desdobla en el estudio entre contrabajo y teclados -para apoyar su soberbio solo); no hay piezas en trío, pero sí en cuarteto y quinteto, para lo que entran y salen Catherine y Malik, y se alternan en los teclados / piano Kühn y Goldberg.  A pesar de esa aparente dispersión, los grandes solos y unas composiciones más que notables hacen que no decaiga el interés. Ayudan a ello, además de los dos ya citados,  temas rápidos como la vibrante “The Ram and the Scorpio”, la fusionera “Nothing But a Party” (que comienza con el grupo cantando “Happy Birthday” a Mouzon), o las incursiones en el medio tiempo y las baladas que se dan en “Nightmare”, “Electric Moon”, “Shoreline” o “In Search Of A Dream”. Al contrario de lo que ocurre con alguna otra obra de Mouzon en MPS, In Search Of A Dream es una magnífica muestra de su trabajo como gran baterista.

© Pachi Tapiz, 2014

Alphonse Mouzon feat. Philip Catherine, Joachim Kühn, Stu Goldberg, Bob Malik, Miroslav Vitous: In Search Of A Dream (MPS, 1978 -orig-, 2014 -reed.digital y CD)