365 razones para amar el jazz: una portada. Porgy and Bess (Oscar Peterson – Joe Pass) [199] [A New Perspective 19]

Una portada. Porgy And Bess (Oscar Peterson & Joe Pass. Pablo, 1976). Fotografía de Phil Stern.

Seleccionado por José Luis Luna Rocafort. Décimo novena entrega de la serie A New Perspective: una selección de portadas de jazz en las que la fotografía es el elemento central.




Ella Fitzgerald (IV). La Odisea de la Música Afroamericana (055) [Podcast]

La Odisea de la Música Afroamericana es un programa de radio dirigido, presentado y producido por Luis Escalante Ozalla, autor del libro Y se hace música al andar con swing.

La Odisea de la Música Afroamericana llega al cuarto capítulo dedicado a Ella Fitzgerald, The First Lady of Song. Con la cantante y su música como eje central, Luis Escalante va acercándose a las figuras de otros músicos y compostiores como Kurt Weill, Joe Pass, Oscar Peterson o Antonio Carlos Jobim, así como a citas míticas como el Festival de Jazz de Antibes. Shirley Eikhard y Luis Salinas son los encargados de abrir y cerrar el programa número 55 de La Odisea de la Música Afroamericana.

 

 

Ella Fitzgerald and Joe Pass in concert 1974. Fotografía por Hans Bernhard. Utilizado con la licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported.

Ella Fitzgerald and Joe Pass in concert 1974. Fotografía por Hans Bernhard. Utilizado con la licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported.

 

En el capítulo 55 suenan:

  • “About Last Night” Shirley Eikhard
  • “Mack The Knife” Ella Fitzgerald & Duke Ellington
  • “Just Squeeze Me” Ella Fitzgerald & Duke Ellington
  • “You Go To My Head” Ella Fitzgerald & Joe Pass
  • “April In Paris” Ella Fitzgerald & Oscar Peterson
  • “Desafinado” Ella Fitzgerald
  • “Corcovado” Ella Fitzgerald
  • “Dindi” Ella Fitzgerald
  • “For Ivan” Luis Salinas

Luis Escalante_Y se hace musica al andar... con swing

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La música de LODLMA. Tomajazz recomienda… un tema: “Bye, Bye Blues” por Count Basie

Count Basie Jam #3Norman Granz. Héroe para muchos, villano para unos cuantos. En cualquier caso, la caterva de aficionados al jazz le debemos unos cuántos momentos, discográficos para todos, en vivo para los más veteranos.

De los tres elepés de jams publicados originalmente (el segundo y tercero con la formación que detallaremos a continuación), es quizás el tercero el más atractivo, aunque sea sólo porque todos los temas de los dos primeros son blues, y el esquema I-IV-V-I cansa al más pintado. En Jam #3 el repertorio lo componen cuatro viejos standards, en los que los solistas tienen amplio espacio para explayarse, como corresponde a una buena jam.En su última etapa como productor se encargó de rescatar a viejas glorias. Con Count Basie, por ejemplo, produjo unos cuantos discos con su big band, pero son especialmente recordados los grabados con pequeñas formaciones, como sus dúos con el antitético Oscar Peterson, o las jam sessions.

“Bye, Bye Blues” es el tema que abre el disco y el recomendado en esta ocasión. Con solos, en orden de aparición, de Basie (piano), Eddie “Lockjaw” Davis (exuberante al tenor), Al Grey (trombón, con cita de “Moose the Mooch” incluida), Benny Carter (templando con elegancia al alto), Clark Terry (acariciando con su característico a la trompeta), Joe Pass (inmenso a la guitarra), Louie Bellson (batería) y John Heard (contrabajo).

El porqué de la recomendación es simple: el tema les salió redondo, de una esfericidad perfecta.

© Adolphus van Tenzing, 2010

Publicado originalmente en http://www.tomajazz.com/web/?p=1885




Joe Pass: Intercontinental (MPS. 1970 -orig.- , 2014 -reed.digital)

Joe Pass_Intercontinental_MPS_1970Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, más conocido por Joe Pass, editó el disco Intercontinental en 1970. El trabajo recoge una colección de temas en la que predominan los standards norteamericanos y algunas piezas de corte latino, más en concreto brasileño. A modo de puente, la música une a lo largo de diez piezas ambas latitudes. Hay composiciones de Antonio Carlos Jobim, Cole Porter, Benny Goodman, Neal Hefti, Michel Legrand, y tan sólo una atribuida al propio guitarrista de Nueva Jersey. Un virtuoso que siempre sobresalió en pequeñas formaciones, ya fuera a solo como en dúo o trío. En este caso se hizo acompañar por el contrabajista Eberhard Weber y el batería Kenny Clarke. “Intercontinental” es una buena muestra del estilo inconfundible de Pass mostrando su “grandísima” técnica.

© Carlos Lara, 2014

Joe Pass: Intercontinental (MPS. 1970 -orig.- , 2014 -reed.digital)




Steve Brown & Guillermo Bazzola: una pequeña gran alegría, por Sergio Cabanillas

El encuentro en Ithaca, NY, del veterano guitarrista norteamericano Steve Brown y el argentino Guillermo Bazzola en Abril de 2013, ha popiciado una de las citas discográficas más agradables de este 2014. Una pequeña alegría es a la escucha como la conversación amable y sosegada de dos amigos junto a un café -o un mate, según se mire-, que aúna gustos comunes como el swing y el tango con los conocimientos enciclopédicos del lenguaje jazzístico por los protagonistas. Toda una pequeña gran alegría para el oyente.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Sergio Cabanillas: ¿Steve, cuál ha sido la trayectoria del programa de jazz del Ithaca College en los últimos años en cuanto a interés y número de estudiantes? ¿Puedes recomendarnos algunos nombres de músicos de jazz a descubrir que hayan salido de allí?

Steve Brown: Después de haber enseñado en Ithaca College durante 40 años como director del Programa de Estudios de Jazz, me retiré hace 6 años como profesor de música. He seguido los progresos del programa en los últimos seis años y he observado un crecimiento, no sólo en número de estudiantes, sino en profesorado del Departamento de Estudios de Jazz. Ahora hay cuatro big bands en lugar de dos. También se aprecian cambios curriculares. Aunque sólo puedo dar cuenta de los alumnos que estudiaron conmigo, algunos nombres importantes que estudiaron en Ithaca College incluyen a Marty Ashby, Darmon Meader, Kim Nazarian, Chieli Minucci, Jay Ashby, Andy LaVerne, Tony DeSare, Chris Persad, Brian Czach, Chris Gordan, Tim Collins, Larry Corban y muchos otros.

Sergio Cabanillas: ¿Sigue adelante el proyecto Atlantic Bridge con Alberto Conde? ¿Cuáles son los planes a corto plazo?

Steve Brown: Sí, acabamos de tener un concierto de reencuentro en Xancarajazz en Vigo y queremos buscar más actuaciones. En esta ocasión hemos sido muy bien recibidos.

Enrique Farelo: ¿Por qué te has sentido atraído por el jazz español siendo tan desconocido en USA?

Steve Brown: durante los ’80 vine a España a tocar e impartir seminarios en muchos sitios, empezando por Banyoles, bajo la dirección de Chuck Israels. A lo largo de los años visité el país para tocar y enseñar jazz, y empezaron a interesarme músicos españoles y su aproximación a la improvisación del jazz americano. Me impresionó particularmente la música de Galicia por mi relación con el pianista y compositor Alberto Conde, que asistió a dos de mis primeros seminarios.

Carriage House, Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Carriage House, Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: ¿La afición al jazz en USA ha decrecido en los últimos tiempos o simplemente se ha mantenido?

Steve Brown: Sigue habiendo mucho interés en el jazz en las comunidades académicas de la educación superior en los Estados Unidos. La mayoría de los institutos tienen un programa de jazz, dependiendo del estado. Esto alimenta el sistema educativo superior. En general las audiencias son pequeñas pero apoyan mucho. Hace falta más jazz en las emisoras estadounidenses.

Enrique Farelo: ¿En USA el gobierno fomenta la cultura con subvenciones o por el contrario ocurre como en España que se incrementa el IVA?

Steve Brown: Hay subvenciones, pero son difíciles de conseguir, especialmente en los últimos 10 años. Hoy día muchos músicos enseñan en instituciones académicas para complementar sus ingresos de las actuaciones. Otros tocan en espectáculos, giras comerciales o tienen otros empleos. En nuestro país, actuaciones y salas de conciertos son patrocinadas por donaciones de grandes empresas privadas.

Enrique Farelo: ¿Guillermo, qué músicos son los que más te interesan actualmente?

Guillermo Bazzola: No soy más un “cazador de discos” en terminos de escuchar cada nuevo disco editado pero trato de escuchar nueva música todo el tiempo. Discos nuevos de mis favoritos de siempre, música que hacen mis amigos o músicos jóvenes que se ponen en contacto conmigo, discos antiguos que no escuché antes, músicos folklóricos de todos lados, etc.

Carlos Lara: ¿Y qué te parece la última incursión de The Bad Plus en la clásica con su versión de “La Consagración de la Primavera”?

Guillermo Bazzola: Conozco a los Bad Plus, son muy buenos, pero no escuché ese disco.

Guillermo Bazzola © Sole González

Guillermo Bazzola
© Sole González

Carlos Lara: Guillermo, no sé si estás de acuerdo, muchos músicos de jazz hacen versiones de obras de autores clásicos ¿por qué desde el punto de vista contemporáneo el jazz recoge más cosas de la música clásica (tradicional) que ésta del jazz? ¿Acaso esto deja en mal lugar al jazz?

Guillermo Bazzola: No. Supongo que la propia evolución de la música de concierto, en donde se abandonó la tonalidad y se procedió a la fragmentación del ritmo, determinó que el jazz ya no fuera materia de interés. Este interés por la música afroamericana existió en otra época e influyó en la obra de compositores como Dvorak, Debussy o Stravinsky. Ligeti o Steve Reich (pienso en “Electric Counterpoint”, compuesto para Pat Metheny, pero tampoco) hicieron cosas relacionadas con la música africana pero no directamente con el jazz. Un compositor británico, Mark Anthony Turnage, escribió obras orquestales en las que participaron John Scofield y Peter Erskine, pero no mucho más.

PD: de casualidad acabo de descubrir la música para piano de Nikolai Kapustin. Es interesante pero no creo que vaya a tener una gran incidencia en el mundo de la música académica.

Sergio Cabanillas: ¿Qué planes de futuro tienen GNU Trio y tus otros proyectos a corto plazo?

Guillermo Bazzola: El Gnu Trio dejó de tocar sobre todo porque hace unos años Andrés Litwin se fue a vivir a Estados Unidos. Hace un tiempo que volvió y quedamos en retomar. Seguramente lo haremos de acá a un tiempo, grabación incluida.
Tengo un nuevo álbum solista, “Hora Libre”, grabado en Buenos Aires en 2005. Es un cuarteto con órgano y tocan Ernesto Jodos, Rodrigo Domínguez y Juanma Barroso. Acaba de editarlo el sello argentino BlueArt. También un álbum de música improvisada grabado en Nueva York con el baterista Joe Hertenstein y el multivientista Daniel Carter. Estoy también trabajando en un proyecto con dos músicos que son bastante nuevos en Madrid: el pianista y saxofonista Miguel López y el bajista Daniel Batán, quienes son además muy buenos compositores. Estamos trabajando en un proyecto en colaboración basado en composiciones originales.

Enrique Farelo: Estoy convencido que el tema “The Jig Saw” de Kenny Wheeler es elección tuya, Guillermo. ¿Estoy en lo cierto?

Guillermo Bazzola: Sí. Kenny es uno de mis músicos favoritos. Trato de escuchar cada disco suyo y usualmente transcribo al menos un par de temas. “The Jig Saw” es una composición relativamente simple pero muy efectiva. Se la mostré a Steve, le gustó y decidimos grabarla.

Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Sergio Cabanillas: ¿Cómo se conocieron?

Steve Brown: Aunque Guillermo nació en Buenos Aires, Argentina, nos conocimos en Madrid –donde ahora vive- hace muchos años, en uno de mis viajes a España para tocar y enseñar. Siempre fue muy amable conmigo y me ayudaba a conseguir actuaciones y seminarios durante mis giras europeas.

Guillermo Bazzola: En 2007, nuestro amigo común John Stowell me envió un correo diciéndome que su amigo Steve Brown iba a estar en Madrid y preguntándome si estaría interesado en conocerle. “Por supuesto”, contesté. Steve me escribió, y así me enteré de que había estado en Madrid hacía muchos años haciendo seminarios para el Taller de Músicos, donde yo trabajo. Nos hicimos amigos inmediatamente.

Enrique Farelo: ¿Cómo es posible que siendo tan diferentes en cuanto a la forma y el sonido entre ustedes hayan conseguido un producto tan fluido y armonioso?

Steve Brown: aunque crecimos a miles de kilómetros de distancia, ambos tenemos un bagaje similar. Hemos escuchado a los mismos músicos en nuestros años de formación como Wes Montgomery, John Abercrombie, Keith Jarrett, Chick Corea, Miles Davis y muchos otros. Decidimos elegir un repertorio no sólo muy variado, sino que además fuera representativo de los diferentes antecedentes que ambos tenemos. Por ejemplo, hay dos tangos en el CD, tres composiciones originales de Guillermo, dos mías y algunos standards.

Guillermo Bazzola: No creo que seamos tan diferentes, a los dos nos encanta la música, el jazz, la guitarra, la composición, etc. Evidentemente, tenemos nuestra propia visión de estos conceptos, pero son totalmente compatibles.

Enrique Farelo: ¿En qué momento se fraguó la idea de un disco a dúo de guitarras? ¿Cuál era el objetivo marcado al inicio?

Steve Brown: empezamos a grabar un CD a dúo en Madrid hace unos años, pero nunca dispusimos de tiempo para completarlo, así que cuando él decidió venir a Ithaca, Nueva York, de visita, concerté tres actuaciones y esta sesión de grabación durante la semana que Guillermo pasó allí. Mis objetivos iniciales eran presentar al dúo y tener composiciones originales.

Guillermo Bazzola: En 2010 grabamos algunos temas en mi estudio doméstico, pero por problemas técnicos no pudimos terminarlo, así que cuando viajé a Ithaca a visitar a Barbara y Steve, él tuvo la idea de dar algunos conciertos y tener una sesión de grabación.

REP Studios, 2013 © Barbara Brown, 2013

REP Studios, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: ¿Qué tiempo habéis invertido en la grabación del disco?

Steve Brown: El CD se grabó el 8 de Abril de 2013 en una sesión de seis horas en REP Studio, en Ithaca, Nueva York, con Nate Silas Richardson como ingeniero de grabación.

Guillermo Bazzola: Lo hicimos en una sesión, además de las mezclas y la masterización.

Enrique Farelo: ¿En qué formato os sentís más a gusto en el pequeño o arropados por un buen número de instrumentistas?

Steve Brown: Disfruto tocando en cualquier formato desde el dúo hasta grandes grupos. Estoy cómodo en todos ellos, pero también soy consciente de que… ¡Cuanto mayor es el grupo, menos tocas!

Guillermo Bazzola: Yo prefiero los grupos pequeños (tal vez el trío sea el más próximo a la perfección en términos de equilibrio), pero me gusta tocar en distintos formatos, desde solo hasta grandes orquestas. Cada formación tiene sus propias características, con sus pros y sus contras. Explorar distintas situaciones es un trabajo tan importante como reconfortante para cualquier músico.

Enrique Farelo: ¿En cuánto al repertorio se refiere ha sido consensuado entre ambos o ha habido mayor elección de uno u otro?

Steve Brown: Yo elegí siete y Guillermo, seis.

Guillermo Bazzola: De hecho, acordamos el repertorio. Cada uno aportó temas originales, y Steve sugirió tocar algunos tangos, así que elegí un par. Probamos distintos temas, nos quedamos con unos y descartamos otros. Fue una decisión consensuada.

Sergio Cabanillas: ¿Cómo valoráis vuestra reciente gira por Galicia?

Steve Brown: Disfruté muchísimo nuestra visita. Hice varios conciertos con buena respuesta y dirigí con Guillermo un seminario con diecisiete alumnos en el Conservatorio Superior de A Coruña. Conocí a muchos futuros músicos de jazz y tuve un público agradecido.

Guillermo Bazzola: ¡Fue genial! Galicia es uno de mis sitios favoritos de España, así que intento ir siempre que puedo. Tengo muchos amigos allí que verdaderamente disfrutan y apoyan el jazz yendo a conciertos y comprando discos. En el Conservatorio de A Coruña, los alumnos mostraron gran interés por nuestro proyecto, y musicalmente eran muy buenos también.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Enrique Farelo: Desde el punto de vista laboral ¿cómo veis por separado el futuro de cada uno en vuestros respectivos países de residencia?

Steve Brown: Yo espero seguir tocando, escribiendo, enseñando y viajando. Espero que podamos seguir tocando a dúo con Guillermo tanto en Estados Unidos como en España y en cualquier lugar, y seguir trabajando en nuestros proyectos individuales.

Guillermo Bazzola: Por mi parte, quiero seguir trabajando en distintos proyectos, como el dúo con Steve y otras cosas. Hora Libre, un disco a cuarteto de órgano que grabé en Buenos aires en 2005 saldrá en breve. También tengo otro disco que hice en Nueva York, todo música improvisada. Aún está por publicar. Además, tengo otros proyectos, tanto docentes como de composición.

Enrique Farelo: ¿Cuáles son vuestros guitarristas de referencia?

Steve Brown: Mis mayores influencias en la guitarra son Barney Kessel, Joe Pass, Wes Montgomery y Pat Martino.

Guillermo Bazzola: Me gusta escuchar todo tipo de instrumentos, así que mis influencias son diversas. En cuanto a la guitarra mencionaría principalmente a Jim Hall y John Abercrombie aunque, por supuesto, he gozado e intentado aprender de otros grandes intérpretes como Wes Montgomery, Ed Bickert, John Scofield, Bill Frisell, Ralph Towner y John McLauglin, entre otros. Y también Carlos Santana, mi primer “guitar hero”.

Enrique Farelo: El disco está dedicado a la memoria de George J. Katz. ¿Quién era este personaje y porqué se lo habéis dedicado al él?

Steve Brown: George J. Katz era el padre de mi mujer, Barbara D. Katz-Brown. Él y Guillermo se hicieron muy amigos cuando George vivió con nosotros tras la tormenta Sandy en Nueva Jersey.

Guillermo Bazzola: George era el suegro de Steve, le conocí en Ithaca en Abril de 2013, nos llevábamos muy bien. Era un veterano de la segunda guerra mundial, un tipo encantador, lleno de historias que contar y un carpintero muy hábil… ¡y tenía 90 años!. Desafortunamente, poco después enfermó y falleció. Fue muy triste para todos nosotros. Me siento afortunado de haberle conocido.

Una Pequeña Alegría Brown Cats Records, 2014

Una Pequeña Alegría
Brown Cats Records, 2014

Enrique Farelo: Pienso que uno de los aspectos interesantes y atrayentes de los aficionados al fetiche de los discos físicos es poder contemplar una hermosa y artística portada. En el caso que nos ocupa la autoría corresponde a Barbara Katz-Brown (otra vez los apellidos Katz y Brown) ¿Quién es ella y porqué fue elegida para el disco?

Steve Brown: Barbara Katz-Brown es mi encantadora y talentosa esposa. Ella pintó con acrílico “Extremadura en Otoño” cuando viajamos desde Madrid hacia el oeste de España. Es administradora de colegios de distrito retirada y la autora del libro de reciente publicación Climbing the Rock Wall – Surviving a Career in Public School Education, disponible en Amazon y Barnes and Noble. Más información en www.climbingtherockwall.com .

Guillermo Bazzola: Tiene un gran sentido del humor y una persona maravillosa y polifacética. Es profesora, escritora y una pintora exquisita.

Texto : © Sergio Cabanillas, 2014
Traducción: © Sergio Cabanillas y Guillermo Bazzola, 2014.
Fotografías: © Barbara Brown, 2014.




Steve Brown & Guillermo Bazzola: a little great joy, by Sergio Cabanillas

The meeting in Ithaca, NY, of veteran US guitarist Steve Brown and Argentinian Guillermo Bazzola has favored one of the finest releases of 2014. Una pequeña alegría sounds like a kind and placid conversation between two friends next to a coffee -or a good mate– that brings together a common taste for swing or tango with encyclopedic knowledge of jazz language provided by the duo. A little great joy for every listener.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Sergio Cabanillas: Steve, what are the results of Ithaca College jazz program in the last years, according to the interest of the students and the number of them? Can you recommend our readers a few names of up and coming jazz musicians to discover from Ithaca program?

Steve Brown: After having taught at Ithaca College for 40 years, as the Director of the Jazz Studies Program, I retired 6 years ago as Professor of Music.  I have followed the progress of the program for the past six years and I have noticed a growth, not only in numbers of students, but also in the faculty of the Jazz Studies Department. There are now four big bands rather than two.  I have also noticed curricular changes. Therefore I can only attest to the students who studied with me during their time in school, but the ones who attended Ithaca College and are prominent today include:  Marty Ashby, Darmon Meader, Kim Nazarian, Chieli Minucci, Jay Ashby, Andy LaVerne, Tony DeSare, Chris Persad, Brian Czach, Chris Gordan, Tim Collins, Larry Corban and many others.

Sergio Cabanillas: Is Atlantic Bridge with Alberto Conde moving forward? Have you got any short term future plans for this band?

Steve Brown: Yes, we just finished a reunion concert at Xancarajazz in Vigo and we intend to continue to look for other playing opportunities.  We were very well received again this time.

Enrique Farelo: Why have you become interested in Spanish jazz being so unknown in the US?

Steve Brown: During the 1980’s I traveled to Spain to perform and run jazz seminars in many places in Spain starting in Banyoles under the leadership of Chuck Israels. Over the many years I visited Spain playing and teaching jazz, I developed an interest in Spanish players and the Spanish approach to American jazz improvisation. I was especially impressed by the music of Galicia through my relationship with pianist and composer Alberto Conde, who attended two of my earliest seminars.

Carriage House, Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Carriage House, Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: Is the interest in jazz in the US decreasing lately or is it the same it was before?

Steve Brown: The interest in jazz continues to be strong within the academic communities of higher education in the United States.  Most US public schools also have a jazz program in their high schools, depending on the state.  This serves as a “feeder” system for higher education.  The general public of listeners and audiences are small but supportive.  Radio stations across the US need to be playing more jazz.

Enrique Farelo: Does the US government promote culture with grants or does it rise taxes on culture as Spain does?

Steve Brown: They do give grants but they are difficult to obtain, especially within the last 10 years. Many jazz musicians are teaching in academic institutions today to supplement their income from playing.  Others play shows, commercial gigs, or have additional jobs. Donations from the private sector and corporate businesses fund concerts and venues in our country.

Enrique Farelo: What musicians are you interested in nowadays, Guillermo?

Guillermo Bazzola: I am no longer a “record hunter” in terms of checking every new release but I try to listen to new music all the time. I listen to new records by my all-time favorite musicians, by my friends, by young guys who contact me, old albums that I didn’t listen before, folk musicians from everywhere, etc.

Carlos Lara: And what do you think of The Bad Plus’ The Rite Of Spring?

Guillermo Bazzola: I know them, they’re very good, but didn’t listen to this album.

Guillermo Bazzola © Sole González

Guillermo Bazzola
© Sole González

Carlos Lara: Many jazz musicians make versions of classical music composers. Why -in a contemporary perspective- jazz picks more from classical music than classical does from jazz? Does that leave jazz in a bad position?

Guillermo Bazzola: No. I guess that the concert music’s own evolution, in which tonality was abandoned and there was a process of rhythm fragmentation, determined that jazz were no longer a matter of interest for classical composers. This interest in African-American music existed in the past and influenced the work of composers like Dvorak, Debussy o Stravinsky. Ligeti or Steve Reich (I think on “Electric Counterpoint”, written for Pat Metheny, but it isn’t a good example) did things related to African music but not directly to jazz. A British composer, Mark Anthony Turnage wrote orchestral pieces that included John Scofield and Peter Erskine, but not much more.

PS: by accident, I just discovered Nikolai Kapustin’s piano music. It’s interesting but I don’t think it will have a big incidence into the academic music world.

Sergio Cabanillas: What are your short term future plans for Gnu Trio and your other projects?

Guillermo Bazzola: The Gnu Trio stopped playing mostly because a few years ago Andrés Litwin moved to the US.  He came back a while ago, we met and talked about a comeback. I’m sure we’ll be back very soon, album included. I have a new solo album, Hora Libre, recorded in Buenos Aires in 2005. It’s an organ quartet with Ernesto Jodos, Rodrigo Domínguez and Juanma Barroso. It was just released by Argentine label BlueArt. Also an improvised music album recorded in NY with drummer Joe Hertenstein and multi-reedist Daniel Carter. I’m also working on a project with two musicians who are quite new in Madrid: pianist/saxophonist Miguel López and bassist Daniel Batán. They’re very good composers as well. We are working on a collective project based on original compositions.

Enrique Farelo: Guillermo, I’m pretty sure that Kenny Wheeler’s “The Jig Saw” is one of your choices. Am I right?

Guillermo Bazzola: Yes. Kenny is one of my favorite musicians. I try to listen to all of his albums and I usually transcribe a couple of tunes at least. “The Jig Saw” is a relatively simple but very effective composition. I showed it to Steve, he liked it and we decided to record it.

Ithaca, 2013 © Barbara Brown, 2013

Ithaca, 2013
© Barbara Brown, 2013

Sergio Cabanillas: How did you meet each other?

Steve Brown: Although he is a native of Buenos Aires, Argentina, we met many years ago in Madrid, where he now lives, during one of my trips to Spain to play and teach. He was always very gracious to me and helped secure performances and teaching engagements during my European tours.

Guillermo Bazzola: In 2007, our mutual friend John Stowell emailed me telling that his friend Steve Brown was visiting Madrid an asking if I were interested in getting in touch with him. I said “of course”. Steve wrote to me, so I learned that he had already been in Madrid many years ago, doing seminars for the Taller de Músicos, where I work. We became friends immediately.

Enrique Farelo: Being so different musically and in your sound, how could you deliver such a fluent and harmonious result in your duo recording?

Steve Brown: We both have similar background even though we grew up thousands of miles from each other.  We listened to many of the same artists during our formative years such as Wes Montgomery, John Abercrombie, Keith Jarrett, Chick Corea, Miles Davis and many others.  We decided to pick material that would not only have great variety, but would represent the different backgrounds that we both have.  For example, there are two tangos on the CD, three of Guillermo’s originals, a couple of my originals, and some standards.

Guillermo Bazzola: I don’t think we’re so different. We both love music, jazz, guitar, composition, etc. Obviously, we have individual approaches to these subjects but they’re entirely compatible.

Enrique Farelo: When did you decide to make a duo recording, what were your initial goals?

Steve Brown: We had started to record a duo CD in Madrid a few years ago, but never had enough contact time to complete the project.  Therefore, when he decided to come to Ithaca, New York, to visit I scheduled three concerts and this recording session during the week Guillermo was here. My initial goals were to present the duo and feature original compositions.

Guillermo Bazzola: In 2010 we recorded some tracks at my home studio, but due to some technical issues we couldn’t finish it. So, when I travelled to Ithaca to visit Barbara & Steve, he had the idea of doing some gigs and a recording session.

REP Studios, 2013 © Barbara Brown, 2013

REP Studios, 2013
© Barbara Brown, 2013

Enrique Farelo: How long did it take to record the album?

Steve Brown: The CD was recorded on April 8, 2013 in one six hour session at REP Studio in Ithaca, New York with recording engineer Nate Silas Richardson.

Guillermo Bazzola: We recorded it in one session, plus some mixing and mastering work.

Enrique Farelo: What format is more comfortable for you to play in, small group or bigger band?

Steve Brown: I enjoy playing in any format from a duo to a large ensemble.  I am comfortable in them all but I realize that the larger the group, the less you get to play!

Guillermo Bazzola: I prefer small groups (maybe trio is closest to perfection in terms of balance) but I like to play in different situations, from solos to big orchestras. Each format has its own characteristics, with pros & cons. To explore different settings is an important and truly rewarding work for any musician.

Enrique Farelo: How many pieces have each of you selected for the record?

Steve Brown: I selected seven and Guillermo contributed six.

Guillermo Bazzola: Well, actually we both agreed the repertoire. Each of us provided some originals, Steve suggested playing some tangos, so I picked a couple of them. We tried different songs, kept some and discarded others. I would say it was a joint decision.

Sergio Cabanillas: How did you feel in your last tour in Galicia?

Steve Brown: I had an extremely enjoyable visit to Galicia.  I played some well-received concerts and conducted a seminar for seventeen students with Guillermo at the Conservatorio Superior in La Coruna.  I met many future jazz musicians and had appreciative audiences.

Guillermo Bazzola: It was great! Galicia is one of my favorite places in Spain, so I try to go there as often as possible. I have many friends there that really like and support jazz music by going to concerts and buying records. We also had a masterclass at the Conservatorio Superior in Coruña, and the students showed a great interest in our music. Their musicianship was very good as well.

Madrid, 2010 © Barbara Brown, 2010

Madrid, 2010
© Barbara Brown, 2010

Enrique Farelo: In terms of work, what do you both expect from the future for each of you, one in Spain and another in the US?

Steve Brown: I expect to continue performing, writing, teaching and traveling. I hope we can continue to perform as a duo with Guillermo both in the US, Spain, and elsewhere, but we are also working on individual projects of our own.

Guillermo Bazzola: I expect to keep on working with different projects, the duo with Steve and also some other things. Hora Libre, An organ-quartet album I recorded in Buenos Aires in 2005 will be released very soon. I have one more record I did in NY, all improvised music. It’s still unreleased. I also have some teaching and writing projects.

Enrique Farelo: What are your influences according to guitar playing?

Steve Brown: My major guitar playing influences are Barney Kessel, Joe Pass, Wes Montgomery, and Pat Martino.

Guillermo Bazzola: I like to listen to all kinds of instruments, so my influences are diverse.  Speaking about guitar, specifically, I would mention mainly Jim Hall and John Abercrombie. But of course, I enjoyed and try to learn from other great players like Wes Montgomery, Ed Bickert, John Scofield, Bill Frisell, Ralph Towner and John McLaughlin, among others. And also Carlos Sanana, my first guitar hero.

Enrique Farelo: The album is dedicated to George J. Katz. Who was he, and why do you dedicate the album to him?

Steve Brown: George Katz was my wife, Barbara D. Katz-Brown’s father.  Guilllermo and he became good friends while George was living with us after Superstorm Sandy in New Jersey.

Guillermo Bazzola: George was Steve’s father-in-law. I met him in Ithaca in April 2013. We got along very well. A WWII veteran, he was such a nice man, full of stories and a very skilled wood craftsman. And he was 90 years old! Unfortunately, shortly after, he got ill and died. It was very sad for all of us. I feel blessed for having had the chance of meeting him.

Una Pequeña Alegría Brown Cats Records, 2014

Una Pequeña Alegría
Brown Cats Records, 2014

Enrique Farelo: One of the most attracting and interesting aspects for physical record lovers is the artwork. In this case it was made by Barbara Katz-Brown (again Katz and Brown). Could you introduce her to our readers?

Steve Brown: Barbara Katz-Brown is my lovely and talented wife who painted the acrylic painting of “Extremadura in the Autumn” while traveling from Madrid to western Spain.  She is a retired public school district administrator and the author of the recently pubished book, Climbing the Rock Wall – Surviving a Career in Public School Education, available on Amazon and at Barnes and Noble. For more information www.climbingtherockwall.com.

Guillermo Bazzola: She has a great sense of humor and is a wonderful and multifaceted person. She’s an educator, a writer and an exquisite painter.

Text : © Sergio Cabanillas, 2014
Translation: © Sergio Cabanillas and Guillermo Bazzola, 2014.




En La casa del Mundo: “Nigerian Marketplace” (Oscar Peterson Big 4, 1982)

peterson_nigerianCuatro maestros en directo (Oscar Peterson al piano, el guitarrista Joe Pass, el contrabajista Niels-Henning Orsted Pedersen y el baterista Martin Drew) desde el Shibuyo Public Hall de Tokyo interpretando un tema de Peterson. A destacar los solos de Pedersen (que hace cantar a su contrabajo), Peterson y Pass, magníficamente secundados por Drew.

© Pachi Tapiz, 2012

“Nigerian Marketplace”
Oscar Peterson Big 4
Freedom Song. The Oscar Peter Big 4 In Japan ’82
Pablo (1993)




Tomajazz recomienda… un tema: “Lover Man (Oh, Where Can You Be?)” (Joe Pass & N.H.O.P.)

ChopsJoePassEl virtuosismo no está reñido con lo lírico. Joe Pass y Niels-Henning Orsted Pedersen lo han demostrado a lo largo de sus respectivas carreras en solitario y, concretamente, en Chops, el disco a dúo que grabaron en noviembre de 1978. De entre las interpretaciones inolvidables que pueblan el CD merece prestar especial atención a su versión de “Lover Man”, en la que guitarra y contrabajo se funden en un todo orgánico en el que primer y segundo plano, melodía y contrapunto, encuentran su espacio de forma continua, ofreciendo un torrente de fraseos a cuál más bello. Pass y Pedersen intercambian solos confeccionados con lógica e imaginación, guiados por un conocimiento insultante de la armonía y apoyándose en rapidísimos tresillos. Parece imposible tocar más notas y tocarlas tan bien. En 4’31” Joe Pass nos regala una de las frases más bellas jamás grabadas, y también de las más veloces. No en vano el disco se llama Chops.

© Adolphus van Tenzing

Joe Pass , Niels-Henning Orsted Pedersen: Chops (Original Jazz Classics)

 




Tomajazz recomienda… un tema: “Bye, Bye Blues” por Count Basie

Count Basie Jam #3Norman Granz. Héroe para muchos, villano para unos cuantos. En cualquier caso, la caterva de aficionados al jazz le debemos unos cuántos momentos, discográficos para todos, en vivo para los más veteranos.

En su última etapa como productor se encargó de rescatar a viejas glorias. Con Count Basie, por ejemplo, produjo unos cuantos discos con su big band, pero son especialmente recordados los grabados con pequeñas formaciones, como sus dúos con el antitético Oscar Peterson, o las jam sessions.

De los tres elepés de jams publicados originalmente (el segundo y tercero con la formación que detallaremos a continuación), es quizás el tercero el más atractivo, aunque sea sólo porque todos los temas de los dos primeros son blues, y el esquema I-IV-V-I cansa al más pintado. En Jam #3 el repertorio lo componen cuatro viejos standards, en los que los solistas tienen amplio espacio para explayarse, como corresponde a una buena jam.

“Bye, Bye Blues” es el tema que abre el disco y el recomendado en esta ocasión. Con solos, en orden de aparición, de Basie (piano), Eddie “Lockjaw” Davis (exuberante al tenor), Al Grey (trombón, con cita de “Moose the Mooch” incluida), Benny Carter (templando con elegancia al alto), Clark Terry (acariciando con su característico a la trompeta), Joe Pass (inmenso a la guitarra), Louie Bellson (batería) y John Heard (contrabajo).

El porqué de la recomendación es simple: el tema les salió redondo, de una esfericidad perfecta.

© Adolphus van Tenzing, 2010

“Bye, Bye Blues” está disponible en Count Basie: Jam #3 (Pablo/Fantasy OJCCD-687-2).




Chema Sáiz: el trío es la formación donde mejor me encuentro, por Sergio Zeni

Nuevo encuentro entre Saiz y Tomajazz, en esta ocasión a través del correo electrónico. Entre los asuntos que tratamos no podía faltar el disco que el guitarrista madrileño registró este año con Toño Miguel y Borja Barrueta. Pero antes Chema nos permitió conocer un poco el ayer y el hoy de ese aficionado que todo músico profesional lleva dentro. Aquí nos habla de sus gustos, de sus hábitos, de los conciertos que últimamente no ha querido perderse y recomienda algunos discos para todo aquel que quiera tomar nota. Como complemento a la entrevista, encontraréis las palabras de Arturo Mora Rioja incluidas en el cuadernillo de Trio Album.

Chema Sáiz © Sergio Cabanillas, 2006

Chema Sáiz
© Sergio Cabanillas, 2006

La primera escuela.

«Tuve la gran suerte de ir conociendo el jazz paralelamente a su evolución en la historia, más o menos. Lo primero que cayó en mis manos fue un disco del Hot Club de Francia llamado Swing ’35-‘39, y por un lado me parecía increíble lo que oía, y por otro, la música la comprendía perfectamente, como a cualquiera le pasaría, así que disfrutaba observando como encajaban esas maravillas musicales que hacían Django y Grappelli en esas canciones tan sencillas y tan bonitas. Un amigo me habló de Joe Pass y por casualidad encontré en Madrid un disco suyo (hablamos del año 79), el Virtuoso 2, de guitarra sola. No daba crédito a mis oídos, y menos crédito aun a que, de la gente que conocía personalmente, no le gustaba a casi nadie. Y llegó el tercero en discordia: Wes Montgomery, de quien lo primero que oí fue parte de sus grabaciones en Paris en 1965. La reacción a estas escuchas fue casi inmediata: comencé a descifrar nota por nota lo que hacían. Y fue esta mi primera gran escuela de jazz. Esto difícilmente se hubiera dado si antes no me hubiera empapado de los discos que mi padre tenía de los Indios Tabajaras, expertos en embellecer todavía más las melodías más bellas del mundo (que a fecha de hoy para mí casi lo siguen siendo), si no me hubieran comprado el single “Entre dos Aguas” de Paco de Lucía, y después el LP Fuente y Caudal, y si no hubiera integrado con compañeros del instituto formaciones dedicadas a la música folklórica española, y por tanto, si no hubiera buceado en lo que hacían los grupos folk de moda entonces, como Nuevo Mester, Jarcha –que me encantaba–, incluso Mocedades y Nuestro Pequeño Mundo. Me gustaba sacar las melodías armonizadas para luego cantarlas nosotros. Ni hubiera ocurrido si no hubiera estudiado, aunque a mi modo –o sea, mal– la guitarra clásica, ni hubiera ocurrido si no hubiera participado entre los 9 y los 13 años en el coro de la iglesia tocando cada domingo una pieza clásica en la parte de la consagración, y por supuesto no hubiera ocurrido si mi padre, que era músico semiprofesional, y mi hermano mayor no me hubieran enseñado los primeros acordes y las primeras canciones».

Chema Sáiz © Sergio Cabanillas, 2006

Chema Sáiz
© Sergio Cabanillas, 2006

«El primer concierto de jazz que me impactó fue en el Café Manuela de Madrid cuando vi al Hot Club de Madrid, cuyo repertorio era casi el mismo que el del de Francia. Me dejó completamente boquiabierto. En el mismo lugar poco más tarde vi –y esto él no lo sabe– a Ángel Rubio, y tampoco di crédito. Éste me contó que su guitarrista preferido era Jim Hall, de quien no hace falta decir que no era fácil encontrar un disco suyo, y por una feliz casualidad di con –yo creo– el mejor: Live. Desde que, por aquella época, conocí el jazz, me embebí de él durante unos diez años más o menos, en los que no me interesaba ningún otro tipo de música. Especialmente me encantaba el be bop y sus evoluciones y ramificaciones. Fue Charlie Mingus quien me llamó especialmente la atención en cuanto a la expresión de la música. Él y quienes trabajaban para él: Danny Richmond, Eric Dolphy (especialmente), Ted Curson, Booker Ervin… Yo lo vivía como una forma muy visceral de tocar, con constante juego y comunicación; más tarde escuché a Abercrombie, Metheny y Scofield, en los 80, y me dejaron boquiabierto, cada uno con su estilo; después conocí a Lennie Tristano y aun hoy sigo sin creer lo que oigo cuando le oigo; Monk también me llamó especialmente la atención, así como Jim Hall. Y a mediados de los 90 retomé la carrera que había poco más que iniciado, de guitarra clásica, cuyo grado superior lo terminé en el 99. Evidentemente eso me hizo tomar mucho interés por la música llamada culta, o clásica».

El aficionado que hoy convive con el profesional.

«Últimamente me atraen mucho Chris Potter, Adam Rogers, Charlie Haden, Steve Swallow, Terence Blanchard… Y voy a citar a Perico Sambeat, cuyo último disco, Ziribuye, me parece una obra de arte: impresionantes composiciones, arreglos, improvisaciones, y todo ello hecho con un magnífico buen gusto. Pero lo cierto es que hay decenas de músicos con los que disfruto especialmente en los últimos tiempos. Ahora me estoy acordando de Brad Melhdau tocando a piano solo. Me suele gustar aquello que teniendo base en la tradición aporta elementos novedosos y que agrada. La novedad por la novedad, si no tiene sentido musical –sentido para mí, claro– no me interesa».

Chema Sáiz © Sergio Cabanillas, 2005

Chema Sáiz
© Sergio Cabanillas, 2005

«Realmente todo lo que escuche va a influir tarde o temprano, directa o indirectamente, y en todo, además de en la condición de guitarrista, en la de compositor: en la de músico en general. Y vaya por delante que no es el jazz lo único de lo que me alimento. Escucho e interpreto otros géneros».

«Por supuesto escucho música clásica, especialmente Bach, Debussy, Stravinsky, Borodin… La verdad que la lista es bien larga. Pero quisiera resaltar que en las últimas semanas estoy enamorándome de la música de Federico Mompou. Es increíble lo que ese hombre ha escrito. Me lo hizo escuchar una entrevista que leí a Ismael Dueñas. Escucho también a Hendrix, a los Screamin’ Headless Torsos, Björk, Tower of Power, música hindú, árabe, turca… La verdad es que me levanto por la mañana y me puedo poner a Wagner, a Nat King Cole en español, a Pedro Guerra o a Coltrane».

«A la hora de elegir discos, a veces lo hago porque he leído alguna recomendación en una entrevista. Otras, porque el líder me ofrece total garantía. Por ejemplo: si me encuentro un disco nuevo de Scofield, va a la saca inmediatamente, porque me da igual lo que haga: siempre son genialidades. Otras veces me arriesgo sin conocer al líder pero conozco a los músicos que lo acompañan. Lo más generalizado es tener en cuenta las recomendaciones hechas por músicos a los que admiro».

«A decir verdad, no estoy a la última de lo que hay en el mercado, y de hecho no es mi prioridad adquirir lo último que ha salido. Creo que lo único que he oído de 2005 y 2006 es lo de Sambeat, lo de Blanchard y lo de Potter, y desde luego los recomiendo los tres».

«En cuanto a conciertos, últimamente he visto a los Torsos, a Javier Vercher, a Rosenwinkel, a Sambeat, a Concha Buika, a Baldo Martínez… Me han gustado todos, pero especialmente Los Torsos y Rosenwinkel. Son espectáculos excepcionales, de verdad».

Álbum en trío.

Chema Sáiz / Antonio Miguel / Borja Barrueta © Sergio Cabanillas, 2006

Chema Sáiz / Antonio Miguel / Borja Barrueta
© Sergio Cabanillas, 2006

«En Trio Album hay once temas originales que están tocados con mucha frescura. Eso quiere decir que los temas los conocíamos poco más que del papel, aunque esta vez sí hubo un par de ensayos, y esto hace que bucees en cada tema sin saber muy bien lo que te vas a encontrar, lo cual para mí es un atractivo; son composiciones muy normales, con armonía corriente y estructuras corrientes, sin ningún ánimo de malabarismo musical, lo cual supone que al no erudito también le llega la música, cosa que me interesa mucho. Hay cuatro baladas, lo cual a mí me sugiere que el disco tiene cierto carácter intimista, y ello se contradice un poco con el directo, donde ocurre más bien lo contrario. Es el primero de no sé cuántos discos que haré a trío. La verdad es que es la formación donde mejor me encuentro».

Toño y Borja.

Antonio Miguel © Sergio Cabanillas, 2006

Antonio Miguel
© Sergio Cabanillas, 2006

«La música estaba compuesta antes de juntarnos para el disco, unos temas más recientes y otros menos. No está diseñada especialmente para trío, ni para Toño y Borja, sobre todo porque a este último no le conocía. A Toño sí, tocó una vez en mi grupo con una solvencia bien sobrada y con un diez en profesionalidad. Ni por asomo suponía lo fantásticamente que me iba a llevar con ellos musicalmente, y personalmente debo decir que son encantadores. Para mí les pasa un poco lo que a la música, que son personas normales (lo cual agradezco), sencillas y no te miran por encima del hombro porque uno viva en Nueva York estudiando con Patitucci y otro esté solicitado por toda España para tocar. Me encanta que sea la cordialidad y no la prepotencia la que nos una».

«El haber dado con ellos para el disco fue fruto de una feliz casualidad. Estaban pensadas otras personas, lo que no pudo darse por incompatibilidad de fechas y algún otro contratiempo. Cuando hablé tanto con uno como con otro, la verdad es que lo único que me ofrecían era facilidades: disponibilidad para ensayos, implicación y entrega máxima en el proyecto, acuerdos económicos, la cordialidad de que hablaba. En fin, que estoy encantado. Este trío no es un proyecto puntual. Mi idea es que dure mucho tiempo y que esto no haya sido nada más que el comienzo».

Los arreglos.

Borja Barrueta © Sergio Cabanillas, 2006

Borja Barrueta
© Sergio Cabanillas, 2006

«Con respecto a los arreglos, son míos, aunque Toño y Borja durante el viaje musical toman el timón de vez en cuando y al final hemos ido por otro camino al mismo sitio, o a veces hemos llegado a diferente lugar. Con esto digo que ellos han retocado bastante las ideas originales».

Jazz auténtico en una sola jornada.

Chema Sáiz y Pablo Baselga © Sergio Cabanillas, 2006

Chema Sáiz y Pablo Baselga
© Sergio Cabanillas, 2006

«La verdad que el hecho de haber tenido que registrar todo el material en un día sí que influye, y no positivamente, porque de hecho hay unas cuantas cosas que las hubiera hecho otro día, pues ese día no salían muy bien. Y sí, hay un cierto estrés, que entre otras cosas anula el disfrute de la grabación. Pero bueno, se aprende de la experiencia con el objetivo de hacerlo mejor en la siguiente. Aunque luego uno se siente muy bien después de haber hecho el disco en un día: eso habla de que es un disco de jazz auténtico, con sus riesgos asumidos, con unas cosas más bonitas y otras menos, sin trampas… y eso es lo que hay».

La producción.

«A la hora de producirlo he tenido dos suertes. La primera que Joan Ballesté, director del sello Satchmo, se comprometió a publicar el disco en 2006, sin ni siquiera haberlo oído (era imposible, no existía) y lo cumplió. La otra, que Sergio Cabanillas se ha implicado también en la producción tanto económicamente como en otros hechos, como por ejemplo la fotografía. Además, creo que es quien más ilusionado está con el proyecto, y debo agradecerle a él muchos de los conciertos que hago, así como entrevistas y eventos varios. Se podría decir que es el primero que de verdad ha creído en mi música y que la defiende y ensalza como nadie lo había hecho hasta entonces».

Chema Sáiz © Sergio Cabanillas, 2005

Chema Sáiz
© Sergio Cabanillas, 2005

Nuevos proyectos.

«Ahora estoy grabando para la ONJE (Orquesta Nacional de Jazz de España) unas obras que su director y compositor, Ramón Farrán, denomina “Jazz Sinfónico Español”, en las que no toco la guitarra eléctrica, sino la española, más bien la flamenca. En este disco de próxima publicación hay grandes figuras internacionales del jazz, así como de flamenco. También integro el grupo del baterista Carlos González, Sir Charles + Cinco, en el que se expone un proyecto con la obra de Oliver Nelson».

© Sergio Zeni, Tomajazz, 2006


Chema Sáiz Trío Album

Chema Sáiz
Trío Album

¿Qué es arte? ¿Qué es música? ¿Qué es jazz? ¿Dónde acaba la interpretación y comienza la improvisación? Cuestiones todas ellas sin clara respuesta, siempre han provocado las delicias de teóricos extremistas, estandartes de la sinrazón dedicados en cuerpo y alma a encendidas discusiones abocadas de antemano al fracaso. Me hubiera encantado ver a esos portadores de inexistentes dogmas en la sesión de grabación de este CD. A buen seguro habrían abandonado sus demagógicos monólogos para centrarse en la escucha y el disfrute, en la sensación y el sentimiento, en el aprendizaje y la admiración. Y es que todo ello tiene cabida en este Trio Album, cuarto proyecto discográfico del guitarrista Chema Saiz, en el que vuelve a confirmarse como un valor seguro dentro del nuevo jazz europeo, demostrando su continua evolución hacia la conjunción de sabia experiencia e insolente atrevimiento.

Para adentrarse en esta aventura musical, Saiz cuenta con los compañeros de viaje ideales, jóvenes con contrastado bagaje, academicismo al servicio del riesgo y mucha, mucha frescura. La sección rítmica refuerza el diálogo musical de su líder llevándole y dejándose llevar por él. Al contrabajo y bajo eléctrico sin trastes (el popular fretless), Toño Miguel muestra una asombrosa claridad de ideas, precisión al servicio de lo inesperado y un fraseo de articulación poderosa. El bilbaíno Borja Barrueta, pura imaginación, efectúa durante todo el disco un impecable ejercicio de escucha y reacción, respondiendo inmediatamente a las evoluciones de sus compañeros, subrayándolas y haciéndolas subir peldaños en el escalafón expresivo. Por si fuera poco, las composiciones son la guinda del pastel, completando un todo donde contraste y cohesión se dan la mano con naturalidad, dejando espacio para la calma, la intensidad, la reflexión, la risa, la liberación de tensiones y el sobrecogimiento más estremecedor.

La atmósfera cálida del primer corte, “Floralba”, deviene del trabajo armónico y el aprovechamiento de espacios sobre métrica ternaria sutilmente marcada. La diversión viene de la mano del shuffle en un “Marketing” (anteriormente conocido como “Canción que parece comercial pero que luego no lo es”) donde destaca el juego de caja de Borja Barrueta sobre la línea cromática que aparece durante todo el tema. En la increíble adaptación del clásico popular “Que llueva (la Virgen de la Cueva)”, partiendo de una melodía sencilla, Chema conforma un paisaje original y sofisticado, rítmicamente atractivo y candidato a provocar obsesión por su escucha en la mente del oyente. La primera frase del solo de guitarra es una auténtica obra de arte por sí sola, el acompañamiento abierto del contrabajo aporta un brillo especial y la parte previa a la vuelta final de melodía ofrece una excelente muestra de batería moderna, en la línea de los trabajos más innovadores del jazz actual. Es el aro de la caja de dicha batería el que manda en “Latín”, el guiño sudamericano donde Saiz prueba distintos timbres gracias a su colección de pedales de efecto, y donde Toño Miguel nos deja una improvisación fantásticamente construida. “Melodía natural” es una balada a la que no haría justicia el término “atmosférica”, debido al peso de su contenido. Abierta y sensible, contempla cómo la sección rítmica bisela con sumo cuidado las líneas melódicas del líder, reaccionando con clase a los reclamos musicales de éste. Y si alguien echaba de menos la velocidad, la puede encontrar en “Mero trámite”, compañera de tránsito de complejos desplazamientos rítmicos en la melodía y no exenta de diversión en algunos pasajes.

Nuevo momento para la relajación con la entrada de contrabajo a “I814075” (número de serie de la guitarra que lleva acompañando a Chema Saiz desde 1982), cuya economía de acordes supone un descenso de revoluciones para los oídos. Algo grande se está fraguando, y es nuevamente Toño el que cierra este tema y abre el siguiente, “Malos modales”, con una introducción solemne y melódicamente cautivadora. Ideal punto de partida para la pieza más extensa del CD, una obra de arquitectura neo-jazzística donde Chema aprovecha la libertad de la armonía modal para explorar territorios inusuales, haciendo un sabio uso de desarrollos motívicos y huyendo de la pirotecnia y la dificultad injustificada en un tema que podría invitar a ello, dada su movida métrica en 6/8. Solos largos y muy bien construidos, con paciencia y cambios de dinámicas, riffs de contrabajo libremente ejecutados, enorme trabajo de Borja Barrueta a la batería (solo incluido), precisión en los obligados rítmicos, … Y, para contrastar, “Buenos modales”, donde el uso de la guitarra española aporta colores distintos sobre una curiosa estructura métrica de compases entrelazados de 3/4 y 5/4. “Todos iguales” aporta el punto cercano al funky. Bajo eléctrico y buen ambiente para ir acabando y, tras el aire marcial y decidido del redoble de caja inicial, un buen solo de contrabajo nos acerca a “Mambrú”, recreación de la canción tradicional “Mambrú se fue a la guerra” cuyo delicioso arreglo ya presentara Chema Saiz en su Solo album de 1999, pero que toma nuevas dimensiones en esta interpretación en trío, donde los delicados arpegios de guitarra se ven arropados con finura y elegancia.

Así es Trio Album, un disco con pasajes oscuros conceptualmente encuadrables dentro de la visión contemporánea del jazz practicado en el Viejo Continente, con baladas sutiles donde la aparente sencillez invita a escuchar cada nota, con divertidísimas evoluciones que harían sonreír a una piedra y, lo más destacable, con una sensación de cohesión estructural poco común en una obra tan variada. Creador ante todo, es increíble cómo Chema Saiz es capaz de adaptar el lenguaje de la guitarra a cualquier contexto musical, eliminando barreras preconcebidas y ampliando considerablemente el rango estilístico de una formación tan habitual hoy en día. Interpretación, acompañamiento e improvisación son abordados con tanto nivel de detalle y, a la vez, tanta naturalidad, que a veces cuesta creer que sólo estemos escuchando tres instrumentos. He aquí una excelente muestra de jazz moderno donde los análisis formales no tienen más sentido que el puramente descriptivo, donde arte y entretenimiento se funden en un todo compacto, y donde las preguntas pertinentes no son ¿es arte? ¿es jazz? ¿hay improvisación?, sino ¿cuándo graban el próximo?

© Arturo Mora Rioja